Kristina Krasnyanskaya: „Istnieje pięć podstawowych zasad kolekcjonowania. Wracając do przeszłości... Masz wykształcenie ekonomiczne i historię sztuki. Świadomie poszedłeś na studia, aby zostać historykiem sztuki, aby później móc otworzyć galerię.

Kolekcjonowanie dzieł sztuki to elitarne hobby, które wymaga nie tylko poważnego wykształcenia z zakresu historii sztuki, ale także nienagannego gustu.
Krytyczka sztuki, członek-korespondent Międzynarodowej Akademii Kultury i Sztuki, właścicielka Moskiewskiej Galerii Dziedzictwa, Kristina Krasnyanskaya, opowiedziała nam, czy można samodzielnie kultywować dobry gust i jak nauczyć się tworzyć kolekcje dzieł sztuki.

• Christina, czym dla Ciebie jest „dobry gust”?
• Dobry gust to sztuka bycia w harmonii z otaczającym Cię światem. Kierując się smakiem, możemy wybrać, co stanie się częścią naszego życia, a co nie. To jak tworzenie dobrej kolekcji. Umiejętność wyboru i znalezienia dopasowań determinuje kształtowanie się kontekstu naszego życia osobistego. Osoba o dobrym guście zawsze istnieje i czuje się na miejscu i czasie, gdyż dąży do harmonii pomiędzy światem zewnętrznym i wewnętrznym.
• Czy Twoim zdaniem można kultywować dobry gust?
• Oczywiście dobry gust to cecha, którą wpaja się już w dzieciństwie. Jeśli człowiek już od najmłodszych lat zapoznaje się z pięknem i odwiecznymi kanonami piękna, znacznie łatwiej jest mu wykształcić w sobie dobry gust. Dobry gust nie jest cechą wrodzoną, jest raczej wynikiem pracy nad sobą. Stale poszerzając swoje horyzonty i odkrywając nowe rzeczy, poprawiamy się Twój Smak. Dobry gust często kojarzony jest z wyczuciem stylu, chociaż są to dwa zupełnie różne pojęcia, jak moda i sztuka.
• Co jest ważniejsze przy tworzeniu prywatnych kolekcji – gust czy moda?
• Prawa mody istnieją we wszystkich rodzajach ludzkiej działalności. Ale moda jest zawsze warunkowa. Pomimo tego, że sztuka mody jest w danym momencie niezwykle pożądana, nie czyni jej to atrakcyjniejszą z punktu widzenia tworzenia kolekcji. Przy wyborze dzieł do kolekcjonowania kieruje się dużo ważniejszymi kryteriami, a przede wszystkim jest to wartość artystyczna dzieła. Kolekcjonowanie sztuki współczesnej jest dziś niezwykle modne, ale nie oznacza to, że kolekcjonerzy sztuki XIX-wiecznej mają zły gust...
• Gusta profesjonalisty i początkującego kolekcjonera bardzo często nie pokrywają się. Jak się zachowujesz w takich sytuacjach – zaszczepiasz klientom gust, czy starasz się ich przestrzegać ich aspiracje?
• Zawsze staram się słuchać życzeń i wizji moich klientów, nie ukrywając jednak przed nimi swojego zdania. Z reguły każdy zaczyna kolekcjonowanie od klasyki, kierując się pomysłami zaczerpniętymi z antologii i katalogów muzealnych. Ale konserwatyzm w zbieraniu - nie zawsze jest oznaką dobrego smaku. Sztuka abstrakcyjna to ewolucja, przez którą najpierw przechodzi artysta, a potem widz. Sztuka ta wymaga specjalnego przeszkolenia, doświadczenia i wykształcenia. Musisz do tego dojść, stopniowo poszerzając swoją wizję, w przeciwnym razie możesz nigdy nie dojść.
• Jak sztuka współczesna wpływa na gusta publiczności?
• Sztuka piękna przez cały czas kształtowała zarówno kanony piękna, jak i modne typy. Sztuka współczesna robi to w sposób bardziej intensywny i eklektyczny, mówiąc o wielu rzeczach jednocześnie. Dziś panuje tendencja do syntezy sztuk, gdzie teatr łączy się z muzyką, malarstwo z dizajnem, instalacjami wideo i kino. Sztuka ukazuje nam swój stosunek do procesów zachodzących w społeczeństwie i pomaga określić nasz własny stosunek do nich. To, jak jasne i interesujące się okaże, zależy od talentu i umiejętności artysty.
• Zły gust w sztuce to...?
• Wstrząsający. Kiedy artyście brakuje inspiracji lub szkoły, aby dać się poznać światu, ucieka się do szokujących zachowań. Dzięki działalności niektórych stowarzyszeń twórczych współczesna sztuka rosyjska bardzo często kojarzy się z szokowaniem. Na szczęście oprócz szokującej sztuki w Rosji jest wielu ciekawych współczesnych artystów, którzy czerpią z bogatych tradycji rosyjskiej szkoły malarstwa. Bez wątpienia kiedyś ich prace staną się znane szerszej publiczności, ale już teraz ich prace stanowią przedmioty kolekcjonerskie.
• Twórczość którego artysty jest dla Ciebie przykładem nienagannego gustu?
• To bardzo wszechstronne pytanie. Artyści tacy jak Van Gogh, Marc Chagall i Konstantin Korovin mieli niesamowicie silne wyczucie stylu. Dla mnie osobiście niewyczerpanym źródłem podziwu jest twórczość hrabiego rosyjskiej awangardy Andrieja Łanskiego, rosyjskiego artysty, który w czasie Rewolucji Październikowej opuścił ojczyznę i zyskał szerokie uznanie na Zachodzie. Jego liryczne abstrakcje to wyrafinowane malarstwo intelektualne, pełne energii „koloru-światła”. Dziś twórczość Lansky'ego wreszcie zyskuje zasłużone uznanie w jego ojczyźnie, co świadczy również o ewolucji gustów społecznych w Rosji...
  (ze strony galerii):
  Głównymi obszarami działalności międzynarodowej galerii sztuki „Dziedzictwo” są sztuka rosyjskiej emigracji pierwszej połowy XX wieku i współczesna sztuka rosyjska.
  Świadoma odpowiedzialności, jaką praca nakłada na galerię z dziełami sztuki takiego poziomu jak „Russian Abroad”, staramy się być jak najbardziej wymagający w pracy ze sztuką współczesną. W Galerii Heritage prezentowana jest współczesna sztuka rosyjska i zachodnia, autorstwa artystów, których prace znajdują się w zbiorach wielu muzeów na całym świecie.
  Wielu uczestników naszych projektów wystawienniczych to członkowie Związku Artystów ZSRR i Rosji, uczniowie takich kolosów współczesnego malarstwa jak Varvara Bubnova (członek „Związku Młodzieży”, „Jack of Diamonds”, „Ogon Osła”, wystawiany wraz z Malewiczem, Tatlinem i Rodczenką), Wasilij Sitnikow (przedstawiciel „sztuki nieoficjalnej, założyciel własnej szkoły”), Heinrich Ludwig (przedstawiciel awangardy architektury sowieckiej lat 20.).
  Każdy z prezentowanych prace znajdujące się w naszej galerii mają niezaprzeczalną wartość artystyczną, czyniąc sztukę współczesną godną elitarnego kolekcjonowania i niezmiennie dając nam radość od kontaktu z pięknym.
  ------------------
  Kristina Krasnyanskaya (38 lat): córka współwłaściciela Grupy Eurocement Georgy Krasnyansky (wartość netto 1,5 miliarda dolarów).
  Galeria Dziedzictwa

Galeria Heritage obchodzi w lutym swoje 7. urodziny wystawą „Soviet Design. Od konstruktywizmu do modernizmu” w Muzeum Architektury: Meble Projektowe Nikolai Lansere, Boris Iofan, Karo Alabyan— teraz nowy profil galerii, która wcześniej specjalizowała się w artystach z Rosji za granicą i ich wystawach, w tym muzealnych, — Andre Lansky, Borys Grigoriew. Właścicielka Heritage opowiedziała, czego jeszcze można się spodziewać po jej galerii – i od niej osobiście.

Dlaczego przestałeś organizować aukcje?

Z dwóch powodów. Po pierwsze, jest to zadanie bardzo pracochłonne i kosztowne. Po drugie, nie mamy jeszcze kultury kupowania na aukcjach. Ja i moi koledzy staramy się zaszczepić coś takiego, ale jest to trudne. Na aukcje chodzą głównie dealerzy, a domy aukcyjne są skierowane do dealerów. Ale wśród ogółu społeczeństwa, nie kolekcjonerów, ale po prostu kupujących, tych, którzy kupują od czasu do czasu, nie weszło to jeszcze w nawyk - odwiedzanie aukcji, pchlich targów, eksperymenty w organicznym łączeniu starego z nowym... Wszyscy są bardzo zależy od ich projektanta. A projektanci mają swoje własne preferencje i zasady. W rezultacie wszystko skutkuje wnętrzami naciąganymi „pod klucz”, które wkrótce stają się moralnie przestarzałe. Kilka lat - i człowiek rozumie, że nie może już w tym żyć. Teraz buduję własne mieszkanie, w którym jest mieszanka wszystkiego. Eklektyzm z zasady – staraliśmy się to wytłumaczyć klientom począwszy od pierwszej wystawy mebli kolekcjonerskich tutaj w Moskwie (wystawa z udziałem znanych paryskich galerii Didier Aaron I Yves Gastou rozciągał się na przełom XVIII i XX w., od r Jean-Francois Ebena zanim Ettore Sottsassa. — TANRO). Będę więc mieć meble skandynawskie z lat 60., sztukę radziecką, rosyjską, nowoczesną i nie taką nowoczesną.

Ale sztuka współczesna to dla Ciebie nowy obszar działania.

To osobny projekt, w którym pełnię bardziej funkcję menadżera artystycznego. Jest kilku rosyjskich artystów, których, że tak powiem, chcę zintegrować w kontekście międzynarodowym – dla mnie to ciekawe zadanie, powód do wykorzystania już sprawdzonych, znanych technologii. Zobaczymy, co z tego wyniknie. Póki co mam dwa oddziały. Aleksiej Morozow Lubię go, bo ma szkołę, ale ma też mundurek akademicki współczesny dotyk: pomimo akademizmu jego sztuka nie przypomina salonu. Bardzo lubię Morozowa i jestem gotowy go nadzorować Aleksandra Romaniniego, który zrobił więcej niż jedną wystawę Botero, w tym tę z ostatniej rocznicy. W przygotowaniu jest zwiedzanie: najpierw wystawa Morozowa w Narodowym Muzeum Archeologicznym w Neapolu w grudniu 2015 r., następnie w marcu 2016 r. w Moskwie w MMOMA na Gogolewskiego. Prowadzimy negocjacje z Wenecją – podczas Biennale chcemy zaprezentować marmurową rzeźbę Morozowa na jednym z placów miasta.

Inny artysta - Oksana Mas. Oksana jest osobą kreatywną. Trafiła do mnie, gdy zdała sobie sprawę, że realizacja jej projektów wymaga pracy całego zespołu. Jeden z jej Ołtarz ile to jest warte (pokażemy to w marcu w Parku Gorkiego)! Zainteresował się nią kurator i krytyk sztuki Żanet Zwingenberger, która widziała jej prace kilka lat temu, od tego czasu ją obserwuje, a teraz zamierza napisać monografię o Oksanie. Oksana jest także w trasie: wystawa Uczucie Światła odbędzie się w Baku od 5 lipca do 5 września, następnie w Astanie, Berlinie, a teraz negocjujemy w sprawie Stambułu.

Ale to nie jest galeria, to jestem ja; Galeria ma jeszcze pewne ograniczenia formatu. Galeria zajmuje się artystami z Rosji za granicą oraz designem kolekcjonerskim. A ja, jak każdy człowiek, chcę się rozwijać. Aby to zrobić, potrzebuję perspektyw, w których nie będę już występować jako galeria, ale jako Christina.

A jeśli wybierzesz jedną rzecz, co byś wybrał?

Oczywiście na designie. Ale dlaczego? Zdecydowałem, że stać mnie na kilka niepowiązanych ze sobą projektów. Na Zachodzie jesteśmy znani jako galeria zajmująca się designem; projektowanie kolekcji - w Rosji jest to nisza, w której staliśmy się pionierami; Galeria zgromadziła znaczącą kolekcję, w skład której wchodzą unikaty, od konstruktywizmu po modernizm - za kilka lat kolekcja ta może stać się muzeum. W Moskwie i w Rosji nadal jesteśmy znani głównie z tego, że jesteśmy zaangażowani w rosyjską diasporę: wykonaliśmy wiele wartościowych projektów na poziomie muzealnym, współpracujemy z muzeami, należymy do stowarzyszenia przyjaciół Muzeum Rosyjskiego , mamy swoich kolekcjonerów, których zbiory utrzymujemy i uzupełniamy o nowe dzieła, radzimy... Ale na 7-lecie galerii chcę zrobić w Muzeum Architektury wystawę poświęconą specjalnie wzornictwu - retrospektywę sowieckiej design, obejmujący niemal wszystkie kierunki w tym obszarze, historyczną wycieczkę zaczynającą się od mebli Borys Iofan dla Government House i zakończył się w latach sześćdziesiątych XX wieku. Pracując nad katalogami, zwłaszcza na targi międzynarodowe, zdałem sobie sprawę, że oprócz informacji czysto technicznych i towarzyszących, wszystkich zawsze interesują informacje ogólne. Pomyślałem, że potrzebny jest program edukacyjny. Pojawił się pomysł, aby zrobić film dokumentalny, w którym można przedstawić epokę właśnie poprzez rzeczy - poprzez rzeczy spektakularne, rzeczy pompatyczne, rzeczy tragicznie umierające i zapomniane... Chcę zrobić film tak poważny, aby można było wziąć udział w filmie dokumentalnym festiwal z nim np. Planuję pokazać film w Bazylei latem – na luty nie mamy czasu.

Nie pojechałeś do Bazylei zeszłego lata...

...Ale w przyszłym roku jedziemy. Jeśli sytuacja polityczna na to pozwala. Mamy specyficzny materiał - radziecki projekt. A wyjazd do Europy z sowieckimi meblami propagandowymi, jak widzisz, byłby teraz absurdalny. Więc odmówiliśmy. Organizatorzy byli oburzeni. Mówili, że krąg zainteresowanych nami już się utworzył, a dla organizatorów taka sytuacja, gdy galeria uczestniczy przez trzy lata, a potem nagle nie uczestniczy, jest nie do końca jasna, sztuka powinna być poza polityką i poza granicami. Oczywiście – ale co ze sztuką o treści politycznej? Targi w Bazylei cieszą się wówczas szerokim zainteresowaniem mediów. Kto o nas nie pisał: Tapeta, Guardian, Daily Telegraph! Teraz pojawia się pytanie, po co to wszystko robić i zabierać to do Bazylei, wiedząc z góry, że ryzykujesz zaprogramowaną negatywną reakcją na wszystko, co rosyjskie? Wcześniej miałem doskonałą reputację – nie chciałem jej zepsuć.

Ale czy zamierzasz nadal promować radziecki design w Design Miami?

Niedawno podczas kolacji we Włoszech moi kolekcjonerzy powiedzieli mi, że lata 50. i 60. były tak fajne, że nigdy nie porzucę tego tematu. Rema Koolhaasa skontaktował się z nami, gdy byliśmy w Bazylei, ponieważ właśnie pracował nad jednym z przyszłych pomieszczeń Garażu, powstałym w odpowiednim czasie. Ale nie ograniczamy się tylko do tego okresu. Tyle, że rzeczy z lat 20., 30., 40. są rzadsze i bardziej kolekcjonerskie, tak to ujmę; chociaż z lat 60. też niewiele zostało. Jednak zapotrzebowanie na te rzeczy jest większe niż kiedykolwiek wcześniej i rzeczywiście wydaje się, że ta era znów staje się aktualna. Nasz materiał przyciąga muzea. Zaprzyjaźniłem się z Muzeum Sztuki Dekoracyjnej w Nowym Jorku, które niedawno stało się oddziałem Smithsonian Institution; wykazali zainteresowanie wspólnymi wystawami: ich kierownik działu wystaw, zastępca dyrektora, zajmuje się tekstyliami propagandowymi. Dziękuję Craiga Robinsa, założyciel i współwłaściciel Zaprojektuj Miami, co dało rosyjskiej galerii możliwość pokazania radzieckiego wzornictwa na takich targach - i odpowiedniego zadeklarowania się.

Skąd wziął się pomysł pracy na meblach radzieckich?

Pomysł pojawił się w chwili, gdy to zauważyłem, pilnie uczestnicząc Zaprojektuj Miami z roku na rok udział najmodniejszego, najdroższego, najbardziej poszukiwanego stylu Art Deco zaczął spadać, stopniowo ustępując miejsca meblom z lat 50. i 60. XX wieku. Plus gdzieś grały wspomnienia z sowieckiego dzieciństwa. Craig Robins zabrał mnie kiedyś na stoisko galerii zajmującej się skandynawskim designem i kiedy zobaczyłem te minimalistyczne, ascetyczne meble, ze zdziwieniem dowiedziałem się od właściciela galerii, że właśnie od niego kupiłem całe stoisko Roman Abramowicz. Tak, kolekcjonerów jest niewielu, ale są. Tyle, że niewiele osób wie, że Abramowicz ma dom, wyposażony w zabytki w stylu lat 30. XX wieku. Co kupił Abramowicz? Boczek- oni to wiedzą.

Miałeś nie tylko sprzedawać meble kolekcjonerskie, ale najwyraźniej także je produkować.

Kiedy rok temu o tym mówiłem, wierzyłem, że do tej pory będziemy w nieco innym momencie, niż się znaleźliśmy. Nadal pielęgnuję pomysł odtworzenia radzieckich projektów, jednak projekt nie został jeszcze uruchomiony. Co jest dobrego w replikach: nie każdy jest gotowy na zakup starych, zabytkowych mebli – nawet odrestaurowanych i ponownie tapicerowanych krzeseł, ale wciąż w przyzwoitym wieku – a replika to inna sprawa. Nie wymyśliłem koła na nowo, ale zaledwie kilka lat temu w galerii w Paryżu Yves Gastou Widziałem powtórki Ettore Sottsassa, edycja limitowana. Ewelina Chromczenko powiedział: „Będę Twoim pierwszym klientem repliki”. I nie jest sama. Czy będzie produkowany tutaj, czy za granicą? Biorąc pod uwagę obecne realia, najprawdopodobniej tutaj.

Ale bez odtwarzania radzieckiej jakości?

Mówisz o materiałach? Tak, jakość spadła i większość mebli z tamtych czasów została później wyrzucona właśnie z tego powodu. Ale materiały źródłowe były normalne. Kiedy więc zaczęliśmy studiować ten okres Jurij Wasiljewicz Słuczewski(86-letni profesor wydziału mebli, zasłużony artysta Jurij Słuczewski nadal prowadzi główny kurs „Projektowanie mebli” w Moskiewskiej Państwowej Akademii Sztuki i Nauki im. S. G. Stroganowa. - TANRO) opowiadał o wystawach w WDNKh pod koniec lat pięćdziesiątych - na początku lat sześćdziesiątych, kiedy w warsztacie doświadczalnym Stroganówki wykonywano prototypy - z wysokiej jakości, trwałych materiałów. W produkcji masowej używano oczywiście innych materiałów. Prototypy zostały rozesłane do daczy i mieszkań.

31 marca kończy się jej praca, poświęcona ósmej rocznicy Galerii Dziedzictwa. Dziś ta galeria jest jedyną w Rosji zajmującą się kolekcjonerskim wzornictwem zachodnim i sowieckim.

Właścicielka „Dziedzictwa” Kristina Krasnyanska opowiedziała redaktor naczelnej „365” Yany Kharina, na czym polega fenomen sowieckiego modernizmu, co jest dobrego w „Chruszczowach” i czy meble z lat 60. będą miały wartość kolekcjonerską.

Spacerując po wystawie, zdałem sobie sprawę, że wiele tutejszych rzeczy było mi boleśnie znanych. Dla kogo przeznaczona jest ta wystawa: dla osób zaznajomionych z sowieckim designem, czy dla tych, którzy nie mieli czasu się z nim zetknąć?

Mamy obszerną wystawę. Oczywiście przeznaczony jest dla obu typów gości. Z jednej strony jest to interesujące dla ludzi, którzy byli otoczeni sytuacją sowiecką. Z drugiej strony ma charakter edukacyjny dla młodszej publiczności, a jednym z głównych celów naszej wystawy jest przełamanie schematów. Pokazywanie tego, co sowieckie, nie jest sposobem sowieckim.

To nie przypadek, że kilka lat temu galeria skupiła się na sowieckim designie: jest wiele znanych rzeczy, nazwisk, które są znane nie tylko na Zachodzie, ale nawet tutaj. Ze względów historycznych strona została usunięta z kontekstu naszej historii sztuki. Istnieje cała plejada wykwalifikowanych architektów, rzeźbiarzy, projektantów, znanych dziś bardzo wąskiemu kręgowi specjalistów. Pojęcie „projektu radzieckiego” jest bardzo szerokie. Awangardowi artyści zwrócili się w stronę projektowania, każdy próbował coś zrobić. Jednak do dziś nie zachował się ani jeden egzemplarz awangardowego projektu. Ale zachowały się rzeczy z późnej awangardy i konstruktywizmu, m.in. Boris Iofan (jeden z czołowych przedstawicieli architektury stalinowskiej. - Dopisek „365.”) W naszej kolekcji znajduje się jedno krzesło z „Domku na Nabrzeżu”. Resztę można zobaczyć w muzeach.

Czym właściwie jest „radziecki modernizm”?

Mówimy o najnowszym stylu w historii radzieckiego wzornictwa - modernizmie. Oficjalnie pochodzi z lat 1955-85. Kiedy przypomnimy sobie, czym jest radziecki modernizm, pojawia się odniesienie do wielkiej architektury. Na przykład do tego samego niefortunnie zburzonego hotelu Rossija, który był jednym z najjaśniejszych obiektów sowieckiego modernizmu. Styl ten narodził się po śmierci Stalina, kiedy przyszedł kolejny rząd, nowy kult jednostki. Jednocześnie nastał zupełnie niezwykły dla ZSRR okres - tzw. „odwilż”, kiedy „żelazna kurtyna” lekko się otworzyła i przybył do nas strumień świeżego zachodniego wiatru. Przełomem był VI Światowy Festiwal Młodzieży i Studentów w 1957 roku, na który specjalnie Picasso wykonał „Gołębicę Pokoju”.

Co jest prezentowane na wystawie?

Na naszej wystawie prezentujemy nie tylko design, ale także fotografię, malarstwo, designerskie szkło, brąz i porcelanę. Zadaniem kuratorów było pokazanie, jak te rzeczy w swojej estetyce wpisują się w to, co działo się na Zachodzie. Wraz z zakończeniem II wojny światowej zaistniała pilna potrzeba ponownego zasiedlenia mieszkań komunalnych. Ludzie zaczynają zdobywać własne mieszkania „Chruszczowka”. Ci sami „Chruszczow” to jeden z negatywnych wzorców, z którymi większość ludzi kojarzy ten okres. W rzeczywistości jest to bardzo interesujący styl, który zastąpił styl imperium stalinowskiego. A ci projektanci i architekci, którzy pracowali za Stalina, czuli się nieswojo, bo ten styl jest pozbawiony zasad zdobniczych, jest bardziej minimalistyczny, ciężki w formie i ma swoje korzenie w idei Bauhaza: funkcjonalność, prostota linii, lakonizm, masywność.

Ale dla młodych projektantów było to szerokie pole działania, na którym mogli wyrobić sobie markę i pozostawić po sobie zupełnie nową architekturę. I przez te 30 lat ukształtował się styl taki jak radziecki modernizm, który wpisywał się w modny design lat 50. i 60. na Zachodzie. Nieporęczne meble Stalina nie zmieściły się w nowych kompaktowych mieszkaniach. Pojawia się nowy rozmiar mebli i projektant mebli. Pierwszy projektant tamtych czasów, Yu.V. Sluchevsky, który wprowadził modułowe meble szafkowe, wciąż żyje. Początkowo wywołało to straszliwe oburzenie wśród opinii publicznej. Ale te meble zostały zatwierdzone i wprowadzone na rynek. Styl ten ma z jednej strony uzasadnienie społeczno-ekonomiczne, z drugiej jest to estetyka, która istniała na Zachodzie. To okres abstrakcji, to kultura, która rozwijała się równolegle z oficjalnym socrealizmem.

Czy są jakieś koncepcje lub nazwy, które powinni znać goście wystawy?

Wystawy są po to, żeby coś ludziom powiedzieć. Jeśli ktoś tu przychodzi i wie wszystko, to albo jest ekspertem w tej dziedzinie, albo kolekcjonerem i szuka rzeczy do kupienia. Ogólnie rzecz biorąc, wystawy są tworzone w celu pokazania nowego materiału. Myślę, że był to dla nas trudny projekt: musieliśmy połączyć w naszym kierunku bardzo różne rzeczy i żeby nie powstał jakiś bałagan, trzeba było to odpowiednio wyeksponować. I oczywiście chciałem, żeby rzeczy ze sobą współpracowały. Mamy na wystawie wczesny fragment Oscara Rabina z płonącą Biblią i obok Powstania Ukraińskiego z 1970 roku. To jest rzecz eksperymentalna. Chcemy zmusić, w dobrym tego słowa znaczeniu, do spojrzenia na stare w nowy sposób. Istniała cała plejada utalentowanych ludzi, którzy tworzyli rzeczy całkowicie awangardowe, które idealnie pasowałyby dziś do nowoczesnego zachodniego wnętrza i byłoby zupełnie niezrozumiałe, że robiono to w ZSRR. Dlatego jest to cenne, bo robione przez artystów żyjących w stanie zamkniętym. To równoległa estetyka, równoległa kultura.

Czy dobrze rozumiem, że wystawa powstała z myślą o pokazywaniu przedmiotów unikatowych, a nie masowych?

Niewątpliwie . Kiedy zaczynaliśmy pracować nad tym konkretnym okresem, aż do końca lat 50., panowała zasada, że ​​architekci są także projektantami. Zrobili świetną architekturę, zrobili też wnętrza. Boris Iofan projektując Dom na Nabrzeżu stworzył także jego wnętrza. Karo Alabyan, jeden z czołowych projektantów i architektów stylu imperium stalinowskiego, wzniósł nie tylko gmach Teatru Armii Radzieckiej, ale także całe jego wyposażenie. To był całkowicie jego projekt. Dopiero w latach 50. rozpoczął się podział na architektów i projektantów. I oczywiście za każdą rzeczą stoi człowiek, który ją wymyślił. Na naszej wystawie znajdują się wyłącznie oryginalne przedmioty. Dzięki Akademii Stroganowa udało nam się znaleźć autora każdego przedmiotu. Tak, to były grupy projektowe, bo dizajn zaczął ulegać depersonalizacji, ale za każdym przedmiotem stoją ludzie. Nie było to jednak reklamowane; było to niepotrzebne.

Czy te meble mają wartość kolekcjonerską?

Meble z tego okresu są już w modzie. Jestem pewien, że za pięć lat będzie na niego popyt nieco większy niż obecnie. Nie powiem, że ma wartość kolekcjonerską, ale ze względu na to, że zniknie z rynku, będzie jednym z głównych obiektów poszukiwań. Dziś nawet to, co było w masowej produkcji, jest trudne do znalezienia. Rozstali się bezlitośnie: niektórzy zabrali ją na daczę, inni po prostu wyrzucili. Pokazujemy tu rzeczy radzieckie, a nie czeskie, rumuńskie czy NRD.

Meble są odzwierciedleniem epoki. Ale z punktu widzenia dzisiejszego trendu, w obliczu powszechnego zainteresowania w latach 50. i 60., istnieje szansa, aby zobaczyć, co działo się w ZSRR.

Wystawa nosi tytuł „Wzornictwo radzieckie - fenomen kultury i designu XX wieku”. Co to jest za zjawisko?

Ogólnie rzecz biorąc, pojęcie radzieckiego modernizmu jest definicją fenomenalną. Modernizm to termin kojarzony ze sztuką Zachodu pierwszej tercji XX wieku. Fenomenem radzieckiego modernizmu jest także to, że jest to styl, który można zintegrować z kontekstem międzynarodowym. Są rzeczy absolutnie międzynarodowe, bez podtekstu propagandowego, bez akcentu totalitarnego i propagandy. Rzeczy te z łatwością mogą dorównać obiektom zachodniego designu, zarówno w muzeach, jak i do dekoracji mieszkań.

Co najbardziej podoba Ci się na wystawie??

Bardzo podoba mi się sofa muszelkowa. Ja oczywiście lubię prace naszych nonkonformistycznych artystów, wspaniałego dyptyku Viktora Pivovarova. On i Ilya Kabakov kupili farbę, która w ogóle nie nadawała się do malowania. Jest to farba techniczna, emalia nitro, dość śmierdząca o sowieckim zapachu. Wykonywali prace na płycie pilśniowej, które od razu stały się obiektami. Zrobiła to w czasie jego „abstrakcyjnego” okresu, o którym niewiele osób wie. A prace Kabakowa, które tu prezentujemy, również powstały w tej technice nitroemalii. Bardzo lubię Erika Bułatowa i Olega Wasiliewa. Wykonany ze szkła – zachwycający dekoracyjny wazon „Elektryfikacja” autorstwa artystki Heleny Põld. Wazon należy do designerskiego szkła, takie eksponaty znajdują się tylko w dwóch muzeach. Bardzo podobają mi się rzeźby Nikołaja Silisa i uważam go za radzieckiego Henry’ego Moore’a. Zaskakujące jest to, że estetyka ich dzieł jest bardzo zbliżona, mimo że Silis nie miał pojęcia, że ​​istnieje taki rzeźbiarz jak Henry Moore. Ciekawe, że w tym samym czasie, w różnych częściach świata, zupełnie inni ludzie robili to samo.

Spójrzmy 10-15 lat do przodu. Czy jest możliwość zrobienia wystawy poświęconej designowi lat 90. i 2000.?

Nie, i powiem ci dlaczego. Po 1985 roku produkcja krajowa praktycznie zanikła, wszystko zastąpił import. Na tym kończy się nasza działalność projektowa. Lata 90. to generalnie nie jest najszczęśliwszy okres w najnowszej historii, niewiele powstało.

I teraz?

Niestety nie. Prawdopodobnie w Akademii Stroganowa są utalentowani studenci, którzy dobrze radzą sobie z egzaminami końcowymi. Ale to nie idzie dalej. Moim marzeniem jest stworzenie grupy projektantów, którzy stworzyliby rzeczy wartościowe, posiadające własną osobowość, godne pojawienia się w Bazylei.

Kristina Krasnyanskaya jest córką słynnego przedsiębiorcy Georgy'ego Krasnyansky'ego (byłego partnera Filareta Galcheva, obecnie stoi na czele zarządu spółki węglowej Karakan Invest). Opiekuje się jednocześnie trzema kolekcjami – rodzinną, osobistą i galeryjną. „Rodzinna kolekcja zaczęła nabierać kształtu około 15 lat temu. W jakiś sposób wpadliśmy w ogólny trend, kiedy wszyscy zaczęli kupować sztukę” – mówi Kristina Krasnyanskaya. - Ale są rzeczy, które teraz kupuję dla siebie. To nie jest łatwy proces, bo trzeba ciągle oddzielać siebie jako kolekcjonera od siebie jako galerzysty”.

Krasnyanscy, podobnie jak wielu rosyjskich kolekcjonerów, zaczynali od klasycznego malarstwa rosyjskiego XIX i XX wieku - Aiwazowskiego, Żukowskiego, Meszczerskiego, Konczałowskiego, Kustodiewa. Galeria Dziedzictwa, którą Christina otworzyła na Petrovce w lutym 2008 roku, początkowo specjalizowała się w artystach z rosyjskiej diaspory. Ale około pięć lat temu dziewczyna zainteresowała się projektowaniem. „Rodzice są mniej zainteresowani designem, chociaż mają też skandynawskie nowoczesne przedmioty. Wydaje mi się, że w Rosji ludzie dopiero zaczęli zagłębiać się w ten temat” – mówi Christina.

Ona sama posunęła swoją pasję jeszcze dalej i dodała do europejskiego designu przedmioty powstałe w ZSRR. Kiedy spotkaliśmy się w Heritage na wystawie „Radziecki modernizm – fenomen kultury i dizajnu XX wieku”, wystawiono tam rzeczy z jej osobistej kolekcji.

Według Krasnyańskiej przed nią rosyjscy kolekcjonerzy praktycznie nie zajmowali się meblami radzieckimi jako takimi.

Celem swoich projektów muzealnych dziewczyna widzi w „pokazaniu ZSRR w sposób niesowiecki”. Lubi integrować radzieckie wzornictwo w kontekście międzynarodowym.

W tym celu Krasnyanskaya od kilku lat zabiera przedmioty ze swojej kolekcji na prestiżowe międzynarodowe targi Art Basel Miami. Wiele eksponatów to prawdziwe rarytasy, co doceniają zachodni kuratorzy – mówi: „Mam 23 obiekty z domu komunalnego w Smoleńsku z końca lat 30. XX wieku, autorstwa leningradzkiego rzeźbiarza Krestowskiego, to takie przejście od konstruktywizmu do późnej sztuki deco. Niedawno wystawiałam je w Art Miaimi Basel – był to projekt poświęcony kulturowemu fenomenowi domów komunalnych. Następnie Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie zwróciło się do mnie z propozycją wykonania wspólnego projektu. Cudzoziemcy natychmiast reagują na wszystko, co dotyczy projektowania propagandy.

Jej kolekcja projektów liczy już kilkaset egzemplarzy. „Znajduje się tam dość imponująca kolekcja mebli – przedmioty konstruktywistyczne Borysa Iofana z 1929 r., w szczególności jego słynne krzesło z Domu na Nabrzeżu, unikatowe przedmioty designerskie o charakterze propagandowym z domu komunalnego z 1937 r.; są tu autorskie przedmioty w stylu imperium stalinowskiego, jest radzieckie art déco Nikołaja Lansere, które będzie tu wystawione w maju – i ostatni duży styl, który można zobaczyć teraz: tzw. modernizm radziecki z lat 1955–1985 , – wymienia Christina, spacerując po sali wystawowej - Już na początku tego okresu pojawiły się tak nielubiane przez wielu budynki Chruszczowa - a wraz z nimi nowy styl. Przede wszystkim są to meble niewielkich rozmiarów, które sprawdzą się w małych mieszkaniach.”

Trzeba przyznać, że radziecki modernistyczny projekt jest rzadko spotykany na rynku – zdaniem Krasnyańskiej, z wyjątkiem rarytasów o charakterze muzealnym, meble z lat 60. XX wieku często wyrzucano na wysypiska śmieci, palono lub wysyłano do daczy. Ale miała szczęście do swoich partnerów: „Kiedy zaczęliśmy pracować nad tym tematem, bardzo ściśle współpracowaliśmy z Akademią Stroganowa, na podstawie której kiedyś stworzono eksperymentalny warsztat. Tam wykonali próbki, które były eksponowane na trzech dużych wystawach poświęconych nowemu projektowi – w latach 1958, 1964 i 1967.”

„Kiedy po raz pierwszy pojechaliśmy do Art Miami Basel, Stroganovka pomogła nam znaleźć rzeczy z tych wystaw, które po wystawach zostały rozesłane do daczy i mieszkań tych, których było na to stać. Skończyło się na rzeczach z tych mieszkań - prototypach, które zostały wykonane z materiałów wyższej jakości niż w masowej produkcji. Ale nie rezygnujemy też z mebli produkowanych masowo, bo dzisiaj już ich prawie nie ma.”

Radzieckie meble Krasnyanskaya nie wyglądają na radzieckie, głównie dzięki wysokiej jakości renowacji. „Nie naszym celem jest replikowanie tych samych tkanin, które zostały użyte w oryginale” – mówi. – Oczywiście dobieramy to tak, aby zachować ducha czasu, poczucie epoki – ale te rzeczy dzięki pewnemu momentowi w grze otrzymują nową interpretację. Na przykład te krzesła z końca lat 60. i początku 70. są obite tkaniną Loro Piana, co trudno byłoby sobie wyobrazić w Związku Radzieckim. Krzesła są częścią jej własnej kolekcji i brały już udział w kilku wystawach.

W nowym mieszkaniu Krasnyańskiej pojawiła się także para radzieckich foteli – widzi w nich „pewien szyk”. Wiele modernistycznych mebli prezentowanych w jej galerii można łatwo pomylić ze skandynawskim designem, który cieszy się ostatnio dużym zainteresowaniem na rynku sztuki.

W ciągu czterech lat kolekcjonowania mebli i artykułów wyposażenia wnętrz skandynawskie wzornictwo z lat 50. i 60. XX wieku potroiło się.

Kristina widzi także potencjał inwestycyjny w rzeczach z napisem „made in ZSRR”: „Oczywiście, zainteresowanie sowieckim designem rośnie. Kolekcjonerskie superrzeczy, których praktycznie nie ma na rynku, są zawsze poszukiwane i drogie. Jestem jednak pewien, że rzeczy, które były produkowane masowo i są obecne na tej wystawie po prostu jako odzwierciedlenie epoki, prędzej czy później również zostaną docenione.”

Być może najbardziej imponującymi przedmiotami z osobistej kolekcji Krasnyańskiej, jakie tu prezentujemy, jest radzieckie szkło artystyczne. „Uważam, że w przeciwieństwie do porcelany ta nisza nie została jeszcze tak spopularyzowana. Zacznijmy od tego, że szkło artystyczne odtworzyła Vera Mukhina, autorka książki „Robotnik i kobieta z kołchozu”, a szkło szlifowane. Od 1934 r. Kierowała warsztatem doświadczalnym w Leningradzkiej Fabryce Luster. Mam jej absolutnie oszałamiający wazon z pleksiglasu z końca lat czterdziestych XX wieku” – mówi.

W Heritage Christina wystawiła szklany wazon z końca lat 60. XX wieku z podstawą w kształcie izolatorów liniowych i wygrawerowanymi w okręgu liniami energetycznymi. Autorką jest estońska artystka Helen Põld, która pracowała w tym bardzo eksperymentalnym warsztacie Leningradzkiej Fabryki Luster. „To coś niesamowitego – delikatne wykonanie i jednocześnie produkcyjne przesłanie” – komentuje Christina. - Nakład był bardzo mały, takie rzeczy znajdują się tylko w nielicznych muzeach. Czysta sztuka! Do tej samej kategorii zalicza także tryptyk z końca lat 70. XX wieku o nieoczekiwanie trafnym tytule „Powstanie Ukraińskie” - potężne, wyraziste wazony wykonane z eksperymentalnego dwuwarstwowego czerwono-białego szkła, nawiązujące do twórczości Emile'a Galle'a. Krasnyanskaya znalazła je w prywatnej kolekcji na Ukrainie: „Nie używano ich w życiu codziennym – stały się przedmiotem sztuki. Na Ukrainie, w Kijowie i innych miejscach było kilka zakładów produkujących szkło.

Sama Kristina, podobnie jak jej matka, urodziła się w Kijowie i stamtąd pochodziła pierwsza rzecz w ich rodzinnej kolekcji sztuki: akwarela Tarasa Szewczenki o wyglądzie kijowskim – główny ukraiński poeta był także artystą. W ciągu półtorej dekady udało im się zgromadzić kolekcję rosyjskiego malarstwa i grafiki na poziomie muzealnym, jak twierdzi Krasnyanskaya. Marzy o tym, aby pewnego dnia pokazać całą rodzinną kolekcję w jednym z większych muzeów. Przestrzeń jej galerii po prostu na to nie wystarcza: kolekcja rodziny Krasnyanskich przechowywana jest w czterech magazynach – trzech w Moskwie i jednym w Genewie.

Krasnyanskaya nie podaje szacunkowych kosztów kolekcji ani nie ujawnia kosztów jej powstania. W jej galerii pracuje pięć osób, ale ona, z wykształcenia krytyk sztuki, sama podejmuje wszelkie decyzje dotyczące zakupu lub sprzedaży obiektów. Chyba że skonsultujesz się z innymi kolekcjonerami w sprawie autentyczności lub ceny, jeśli pojawią się jakiekolwiek wątpliwości. A ostatnio bierze udział w aukcjach tylko za pośrednictwem przedstawicieli, a nie osobiście - twierdzi, że panuje tam emocjonalna atmosfera jak w kasynie, dlatego łatwo można przekroczyć założony wcześniej budżet.

Chociaż nie odbyła się wielka rodzinna wystawa, Krasnyanskaya pokazuje wszystkim eksponaty z własnej kolekcji obiektów projektowych oraz kolekcji swoich przyjaciół z Heritage. Nie pobiera opłaty za wizytę.

Kolejną cechą Galerii Krasnyanskaya są kolacje kolekcjonerskie. „Na Zachodzie często się to robi, ale w Rosji byliśmy jednymi z pierwszych. Celem jest, aby prywatni kolekcjonerzy mogli zaprezentować swoje nabytki w przyjemnym otoczeniu” – mówi, gdy nasza wycieczka dobiega końca. - Na te spotkania przygotowaliśmy poważny program muzyczny. Wystąpili tu Yuri Bashmet, Denis Matsuev, Lyubov Kazarnovskaya, Vladimir Spivakov i mój dobry przyjaciel Yuri Rozum. Nie było żadnych celów komercyjnych – był to jedynie gest ze strony galerii. Każdy kolekcjoner, niezależnie od tego, co mówi, chce pochwalić się swoimi nabytkami.

Muzeum Architektury gości wystawę „Soviet Design. Od konstruktywizmu do modernizmu.” Prezentuje rzadkie meble i sztukę zdobniczą z ubiegłego stulecia. Twórczyni wystawy i dyrektorka galerii Heritage, Kristina Krasnyanskaya, opowiedziała VD o prawidłowym kolekcjonowaniu rzeczy radzieckich, trendach na dzisiejszym rynku sztuki i potrzebie utworzenia Muzeum Designu w Moskwie.

Krystyna Krasniańska. źródło: promocja

Arcydzieła radzieckiego wzornictwa
Nasza wystawa różni się od licznych wystaw poświęconych historii i życiu Związku Radzieckiego. Tu nie chodzi o życie codzienne, tylko o sztukę. W salach prezentowane są bardzo rzadkie, jedyne w swoim rodzaju, oryginalne przedmioty. Głównym bohaterem są oczywiście meble. Ale równolegle prezentowana jest także porcelana, lakiery i tekstylia z tego okresu.

Dzisiejsze radzieckie wzornictwo z pewnością zasługuje na muzeum i zasługuje na to, aby stać się przedmiotem kolekcjonerskim. Oczywiście, kiedy na aukcji Sotheby’s sprzedawane są obrazy impresjonistyczne czy rosyjskie arcydzieła, wszyscy o tym mówią, piszą o tym nasze media. Kiedy odbywają się aukcje projektów, jest znacznie mniej informacji i rezonansu. Tymczasem zarówno ceny, jak i arcydzieła znalezione na tych aukcjach nie są niższe od poziomu.

Pawilon ZSRR na Międzynarodowej Wystawie w Nowym Jorku w 1939 r. . Źródło: fundusz Państwowego Muzeum Architektury im. A.V. Szczuszewa

Epoki i style
Stale staramy się zmieniać panujące podejście do radzieckiego wzornictwa jako czegoś niosącego ze sobą negatywną energię. Oczywiście był to dramatyczny czas. Ale ci, którzy zaczynają zbierać, angażują się, dostrzegają niuanse, zauważają, jak czas zmienił styl życia. Na przykład epoka po śmierci Stalina to „era odwilży”, czas ery Chruszczowa, nowe standardy. Pojawiły się mieszkania o małych gabarytach, do których trzeba było dostosować meble. Obserwowanie tej zmiany formy jest niezwykle interesujące.

wystawa „Sowiecki design. Od konstruktywizmu do modernizmu.” źródło: promocja

Stalinowski luksus
Prawdopodobnie najbardziej spektakularną częścią wystawy jest styl stalinowskiego imperium sowieckiego. Pokazujemy rzadkie przedmioty z Teatru Armii Radzieckiej oraz eksperymentalny wazon z warsztatu Muchiny z lat 40. XX wieku, rysunki waz Borysa Smirnowa (ulubionego projektanta Stalina)…

wystawa „Sowiecki design. Od konstruktywizmu do modernizmu.” źródło: promocja

I nawet w tym pretensjonalnym i imperialnym świecie zdarzały się niesamowite zdarzenia. Weźmy na przykład oszałamiający panel Isidore Frikh-Hare, który jest zbudowany na zasadzie ikony wszystkich świętych. Kiedyś mieliśmy jego półtorametrową rzeźbę przedstawiającą namiętnie całujących się rosyjskich i europejskich robotników pod czerwonym sztandarem z napisem „Robotnicy wszystkich krajów, łączcie się!” Pamiętajcie, że wszyscy byli oburzeni przedstawieniem całujących się policjantów, zrobionym na początku XXI wieku – a oto rok 1937!

Pawilon ZSRR na Wystawie Światowej w Brukseli w 1958 r. Źródło: fundusz Państwowego Muzeum Architektury im. A.V. Szczuszewa

Komu potrzebne rzeczy z budynków Chruszczowa?
Kolekcjonowanie rzeczy zawsze wiąże się z elementem pamięci osobistej. Weźmy na przykład meble z lat 60., które podobają się mojemu pokoleniu 30-latków. Ale moi rodzice wcale jej nie lubią. Musieli z nią mieszkać w nie najlepszych warunkach. Ale dla konesera czy poważnego kolekcjonera oprócz nostalgii i wspomnień istnieją także trendy na rynku sztuki. Osoby, które, jak mówią, są w trendzie, wiedzą, że lata 60. są teraz na fali. Mieliśmy to samo, tylko o wielu rzeczach zapomniano. Na szczęście Jurij Wasiljewicz Słuczewski, jeden z czołowych projektantów tamtych czasów, wciąż żyje.

wystawa „Sowiecki design. Od konstruktywizmu do modernizmu.”