Maxim Shlykov: „Światło jest głównym magiem i asystentem w teatrze. Projektant oświetlenia: zawód za kulisami Zadanie projektanta oświetlenia nie polega po prostu na oświetleniu sceny. Jako aktor ma swoją szczególną linię semantyczną, którą prowadzi przez cały film.

Projektant oświetlenia scenicznego ma za zadanie podkreślić ogólną ideę spektaklu poprzez kolorystykę i światło, dlatego też ściśle współpracuje z reżyserem i wypracowuje styl projektowania oświetlenia spektaklu.

W teatrze scenografia i oświetlenie odgrywają szczególną rolę. Światło sceniczne nadaje spektaklowi szczególną wyrazistość, tworzy niezbędny nastrój emocjonalny, a nawet, jak przekonywał David Lynch, „Światło może znacząco zmienić postrzeganie spektaklu, a czasem także charakterów bohaterów”. Efekty świetlne mogą również zmienić scenerię nie do poznania: „Ciemne chmury zamieniają się w niebiańskie kwiaty, jeśli zostaną pocałowane przez światło” – powiedział Rabindranath Tagore.

Nowoczesne oświetlenie i sprzęt sceniczny dają ku temu nieograniczone możliwości. A w niektórych produkcjach głównym składnikiem scenerii jest światło. Technolog oświetlenia scenicznego jest pełnoprawnym członkiem kreatywnego zespołu produkcyjnego w teatrze.

Nowoczesne urządzenia oświetleniowe w teatrze są różnorodne i złożone. Oświetlenie sceniczne zapewniają oprawy oświetleniowe instalowane w różnych miejscach:

• światło górne - reflektory zawieszone w rzędach nad sceną (pierwszy plan, drugi plan);
• światło boczne - oprawy oświetleniowe instalowane na galeriach bocznych i scenach portalowych;
• oświetlenie zewnętrzne – reflektory na specjalnych balkonach, rampa (przy przedniej krawędzi sceny);
• światło poziome - sprzęt do oświetlania horyzontu;
• światło specjalne - lampy w formie lampionów, świec, pochodni, wkomponowane w scenerię.

Ponadto do efektów specjalnych wykorzystywany jest dodatkowy sprzęt oświetleniowy: kurtyna świetlna, podświetlenie, stroboskop dla efektu migotania itp.

W starożytnych teatrach oświetlenie sceniczne było sterowane ręcznie przez zespół oświetleniowców rozmieszczonych w różnych końcach teatru. W nowoczesnym teatrze sprzęt oświetleniowy sterowany jest centralnie za pomocą programów komputerowych z jednego specjalnego pomieszczenia. Aby obsługiwać cały ten skomplikowany sprzęt, musisz zdobyć odpowiednie wykształcenie.

Podczas przygotowywania nowego spektaklu tworzona jest partytura świetlna, która uwzględnia:

• wykaz i liczba urządzeń oświetleniowych wykorzystanych w spektaklu;
• liczba programów świetlnych;
• tryb oświetlenia i ściemniania;
• sygnały zmian świetlnych (wskazówki, ruchy lub frazy);
• kolory filtrów, natężenie światła, kierunek promieni świetlnych i inne parametry.

Partytury oświetleniowe są udoskonalane podczas prób oświetleniowych, podczas których ćwiczone są pozycje i tryby oświetlenia, a także działania pracowników sklepu oświetleniowego. Ocena oświetlenia musi być przeprowadzona ściśle i bez zmian.

Cechy zawodu

Działalność zawodową artysty-technologa oświetlenia scenicznego można realizować w trzech aspektach:

Działalność artystyczna i twórcza- podczas którego specjalista:

• zajmuje się opracowywaniem i projektowaniem opraw oświetleniowych spektaklu według projektu scenografa;
• rozwija efekty świetlne;
• tworzy niezbędną dokumentację oprawy świetlnej spektaklu (w razie potrzeby z udziałem specjalistów);
• kieruje procesem projektowania oświetlenia scenicznego;
• uczestniczy w próbach oświetleniowych, podczas których na partyturach naprawiane jest oświetlenie artystyczne;
• sprawuje stałą kontrolę nad poprawnością realizacji oświetlenia spektakli w obowiązującym repertuarze;
• W swojej pracy wykorzystuje najnowsze osiągnięcia nauki z zakresu techniki i technologii teatralnej, a także nowe materiały.

Organizacyjno-menedżerskie- podczas którego artysta-technolog może kierować działami teatru zajmującymi się projektowaniem oświetlenia spektakli lub produkcją sprzętu oświetleniowego dla teatru. Ponadto kontroluje prawidłowe wykonywanie przez pracowników punktacji oświetleniowej oraz zasad bezpieczeństwa i ochrony pracy przy pracy z tym sprzętem (przepisy przeciwpożarowe i sanitarne). Przeprowadzanie prób oświetlenia montażowego i w ich trakcie niezbędne regulacje sprzętu oświetleniowego to także obowiązki technologa oświetlenia.

Działalność pedagogiczna obejmuje zajęcia dydaktyczne dotyczące projektowania oświetlenia spektaklu w placówkach oświatowych sztuki teatralnej (technologia projektowania oświetlenia spektaklu, projektowanie oświetlenia scenicznego dla przedsiębiorstw teatralnych i rozrywkowych, prototypowanie, podstawy inżynierii oświetleniowej i sprzętu oświetleniowego dla teatru, teatru grafika techniczna, obliczenia techniczne konstrukcji).

Plusy i minusy zawodu

plusy

1. Kreatywny, ciekawy zawód, w którym można rozwijać się technicznie zgodnie z innowacjami w tej dziedzinie.
2. Zawód jest poszukiwany nie tylko w teatrze, ale także na koncertach, kinie i cyrku.

Minusy

1. Nieregularne godziny pracy
2. Nocny tryb życia
3. Możliwe nieporozumienia z reżyserem produkcji, który może trzymać się punktu widzenia K.S. Stanisławskiego i nie doceniać roli oświetlenia spektaklu: „Nigdy nie zapominajcie, że teatr nie żyje blaskiem świateł, luksusem scenografii i kostiumów , spektakularne mise-en-scenes, ale według pomysłów dramaturga. Skazy w idei spektaklu nie da się niczym zatuszować. Żadna ilość teatralnych świecidełek nie pomoże.

Miejsce pracy

Artyści zajmujący się oświetleniem scenicznym mogą pracować w teatrach, studiach filmowych i telewizyjnych, salach koncertowych, obiektach, stadionach i cyrku.

Ważne cechy

• bogata wyobraźnia artystyczna;
• umiejętność rysowania i pracy rękami;
• dobre postrzeganie kolorów;
• emocjonalność;
• Dbałość o szczegóły;
• ciągła chęć rozwoju zawodowego.

Gdzie się uczyć, aby zostać artystą-technologiem oświetlenia scenicznego. Edukacja

• Wydział Technologii Scenografii i Scenografii. W szkole działa pracownia „Artysta Oświetlenia”, która posiada możliwości techniczne umożliwiające studiowanie szerokiej gamy nowoczesnych metod oświetlenia scenicznego. Tutaj uczą jak opracować koncepcję projektu oświetlenia sceny i sali. W trakcie stażu studenci zapoznają się z projektowaniem sprzętu oświetleniowego w moskiewskich teatrach.
• Wyższa Szkoła Sztuk Scenicznych („Szkoła Teatralna Konstantina Raikina”). W 2014 roku otwarto wydział „Technologie projektowania artystycznego spektakli” ze specjalizacją „Inżynieria oświetlenia” i „Inżynieria dźwięku”.
• Państwowy Instytut Kultury i Sztuki w Biełgorodzie
• Wydział „Technologie artystycznego projektowania przedstawień”.
• Państwowa Akademia Sztuki Teatralnej w Petersburgu
• Wydział „Technologii dekoracji performatywnych”
• Specjalność Kazańskiej Szkoły Teatralnej „Kierunek oświetlenia”
• Zajęcia w Wyższej Szkole Teatralno-Artystycznej nr 60. Seminarium „Projektant Oświetlenia”

Wynagrodzenie

Wynagrodzenie specjalistów tego profilu w rosyjskich teatrach jest niskie: od 20 tysięcy rubli. Ale doświadczeni specjaliści są często zapraszani do pracy w niepełnym wymiarze godzin w przedsiębiorstwach, organizacjach koncertowych i klubach nocnych, gdzie mogą zarobić przyzwoite pieniądze - od 25 tysięcy rubli za 2 noce pracy.

Wynagrodzenie na dzień 28.10.2019

Rosja 30000–630060 ₽

Etapy kariery i perspektywy

Absolwenci uczelni mogą rozpocząć karierę w teatrze jako prosty operator oświetlenia, scenograf czy grafik. Dla początkującego technologa oświetlenia jest to niezbędny etap, na którym zdobywa się bezcenne doświadczenie praktyczne. Stopniowo od zwykłego specjalisty artysta-technolog może awansować od rangi do rangi i zostać kierownikiem działu teatralnego odpowiedzialnym za oprawę oświetleniową spektakli. Możesz także pracować w organizacjach koncertowych, klubach nocnych, cyrkach i relacjonować wydarzenia miejskie i święta kościelne.

Historia oświetlenia scenicznego

Oświetlenie sceniczne powstało w XVII wieku, kiedy przedstawienia teatralne zaczęto wystawiać w pomieszczeniach zamkniętych. W tamtych czasach do oświetlenia używano świec. Oznacza to, że oświetlenie teatralne rozwinęło się wraz z pojawieniem się nowych źródeł światła. W XIX wieku jako oświetlenie sceniczne zaczęto stosować lampy naftowe, a później palniki gazowe. Wraz z pojawieniem się elektryczności oświetlenie teatralne również zmodernizowało się i stało się bardziej mobilne, jasne i wyraziste. W ówczesnych partyturach świetlnych opracowanych przez K.S. Stanisławskiego możliwe stało się oddanie stanu przyrody i pogody: poranka, dnia, zmierzchu, nocy, pogody słonecznej lub pochmurnej.

Ale artystyczna oprawa świetlna spektaklu rozwijała się nie tylko równolegle z rozwojem techniki oświetleniowej. Wielu reżyserów wykorzystywało światło do wizualnego wyrażenia brzmienia muzyki (Appiah), do podkreślenia wolumenu postaci ludzkiej lub form architektonicznych, czy też do wyrażenia tragizmu duszy bohatera (Craig).

Wielki Meyerhold wykorzystywał projekcje świetlne do przedstawiania sloganów, reklam i tytułów odcinków. Oznacza to, że światło stało się wyrazicielem propagandowych, krytycznych lub satyrycznych stanowisk reżysera. Czeski scenograf J. Svoboda, wykorzystując nowoczesne technologie (lasery i komputery), uczynił światło głównym bohaterem teatru. Projekt oświetlenia stworzył atmosferę, powietrze, ściany, korytarze, kurtynę. Te zasady oświetlenia scenicznego zaczęto stosować na całym świecie. Na pomysł wykorzystania wideo w teatrze wpadł J. Svoboda.

Inni reżyserzy, jak L. Mondzika i R. Wilson, uważają, że siła światła jest silniejsza i bardziej wyrazista niż kunszt aktorów. L. Mondzik swoje kameralne przedstawienia tworzył jako konfrontację ciemności ze światłem. R. Wilson argumentował, że „światło pełni swoją rolę, niczym aktor”. Tego rodzaju reżyserzy przyczynili się do powstania zawodu artysty oświetlenia scenicznego. W Rosji tradycję tę kontynuują i doskonalą D. Ismagiłow w Moskwie i G. Filsztinski w Petersburgu.

Nowoczesny sprzęt oświetleniowy

Sterowane (cyfrowe, inteligentne) urządzenia oświetleniowe dzielą się na 2 typy: kluczowe i zalewowe.

Są to skanery i głowice z ruchomymi korpusami. Przy skanerze projekcją wiązki światła steruje poruszające się lustro, a przy głowicy znajduje się ciało poruszające się we wszystkich kierunkach. Obydwa urządzenia mają możliwość zmiany koloru i wzoru wiązki. Sterowanie sprzętem oświetleniowym odbywa się za pomocą protokołu cyfrowego DMX.

Analogowe urządzenia oświetleniowe składają się z dział świetlnych emitujących wiązkę śledzącą oraz urządzeń oświetlających.

W dzisiejszym teatrze istnieje wiele opraw oświetleniowych, które tworzą wspaniałe efekty:

• kwiat księżyca (inne nazwy: tunel, miotła lub kwiat) – urządzenie oświetleniowe emitujące wiązkę kolorowych lub białych promieni rozchodzących się pod różnymi kątami
• Stroboskop to urządzenie odtwarzające migotanie światła w określonym rytmie;
• pistolet reflektorowy emitujący jasną, bezpośrednią wiązkę do śledzenia oświetlenia pojedynczego obiektu lub osoby
• wiązki laserowe
• jasna podłoga
• lampy ultrafioletowe
• generatory dymu, mgły, śniegu
• symulator płomienia lub generator i wiele więcej.

Projektant oświetlenia scenicznego ma za zadanie podkreślić ogólną ideę spektaklu poprzez kolorystykę i światło, dlatego też ściśle współpracuje z reżyserem i wypracowuje styl projektowania oświetlenia spektaklu.

W teatrze scenografia i oświetlenie odgrywają szczególną rolę. Światło sceniczne nadaje spektaklowi szczególną wyrazistość, tworzy niezbędny nastrój emocjonalny, a nawet, jak przekonywał David Lynch, „Światło może znacząco zmienić postrzeganie spektaklu, a czasem także charakterów bohaterów”. Efekty świetlne mogą również zmienić scenerię nie do poznania: „Ciemne chmury zamieniają się w niebiańskie kwiaty, jeśli zostaną pocałowane przez światło” – powiedział Rabindranath Tagore.

Nowoczesne oświetlenie i sprzęt sceniczny dają ku temu nieograniczone możliwości. A w niektórych produkcjach głównym składnikiem scenerii jest światło. Technolog oświetlenia scenicznego jest pełnoprawnym członkiem kreatywnego zespołu produkcyjnego w teatrze.

Nowoczesne urządzenia oświetleniowe w teatrze są różnorodne i złożone. Oświetlenie sceniczne zapewniają oprawy oświetleniowe instalowane w różnych miejscach:

• światło górne - reflektory zawieszone w rzędach nad sceną (pierwszy plan, drugi plan);
• światło boczne - oprawy oświetleniowe instalowane na galeriach bocznych i scenach portalowych;
• oświetlenie zewnętrzne – reflektory na specjalnych balkonach, rampa (przy przedniej krawędzi sceny);
• światło poziome - sprzęt do oświetlania horyzontu;
• światło specjalne - lampy w formie lampionów, świec, pochodni, wkomponowane w scenerię.

Ponadto do efektów specjalnych wykorzystywany jest dodatkowy sprzęt oświetleniowy: kurtyna świetlna, podświetlenie, stroboskop dla efektu migotania itp.

W starożytnych teatrach oświetlenie sceniczne było sterowane ręcznie przez zespół oświetleniowców rozmieszczonych w różnych końcach teatru. W nowoczesnym teatrze sprzęt oświetleniowy sterowany jest centralnie za pomocą programów komputerowych z jednego specjalnego pomieszczenia. Aby obsługiwać cały ten skomplikowany sprzęt, musisz zdobyć odpowiednie wykształcenie.

Podczas przygotowywania nowego spektaklu tworzona jest partytura świetlna, która uwzględnia:

• wykaz i liczba urządzeń oświetleniowych wykorzystanych w spektaklu;
• liczba programów świetlnych;
• tryb oświetlenia i ściemniania;
• sygnały zmian świetlnych (wskazówki, ruchy lub frazy);
• kolory filtrów, natężenie światła, kierunek promieni świetlnych i inne parametry.

Partytury oświetleniowe są udoskonalane podczas prób oświetleniowych, podczas których ćwiczone są pozycje i tryby oświetlenia, a także działania pracowników sklepu oświetleniowego. Ocena oświetlenia musi być przeprowadzona ściśle i bez zmian.

Cechy zawodu

Działalność zawodową artysty-technologa oświetlenia scenicznego można realizować w trzech aspektach:

Działalność artystyczna i twórcza- podczas którego specjalista:

• zajmuje się opracowywaniem i projektowaniem opraw oświetleniowych spektaklu według projektu scenografa;
• rozwija efekty świetlne;
• tworzy niezbędną dokumentację oprawy świetlnej spektaklu (w razie potrzeby z udziałem specjalistów);
• kieruje procesem projektowania oświetlenia scenicznego;
• uczestniczy w próbach oświetleniowych, podczas których na partyturach naprawiane jest oświetlenie artystyczne;
• sprawuje stałą kontrolę nad poprawnością realizacji oświetlenia spektakli w obowiązującym repertuarze;
• W swojej pracy wykorzystuje najnowsze osiągnięcia nauki z zakresu techniki i technologii teatralnej, a także nowe materiały.

Organizacyjno-menedżerskie- podczas którego artysta-technolog może kierować działami teatru zajmującymi się projektowaniem oświetlenia spektakli lub produkcją sprzętu oświetleniowego dla teatru. Ponadto kontroluje prawidłowe wykonywanie przez pracowników punktacji oświetleniowej oraz zasad bezpieczeństwa i ochrony pracy przy pracy z tym sprzętem (przepisy przeciwpożarowe i sanitarne). Przeprowadzanie prób oświetlenia montażowego i w ich trakcie niezbędne regulacje sprzętu oświetleniowego to także obowiązki technologa oświetlenia.

Działalność pedagogiczna obejmuje zajęcia dydaktyczne dotyczące projektowania oświetlenia spektaklu w placówkach oświatowych sztuki teatralnej (technologia projektowania oświetlenia spektaklu, projektowanie oświetlenia scenicznego dla przedsiębiorstw teatralnych i rozrywkowych, prototypowanie, podstawy inżynierii oświetleniowej i sprzętu oświetleniowego dla teatru, teatru grafika techniczna, obliczenia techniczne konstrukcji).

Plusy i minusy zawodu

plusy

1. Kreatywny, ciekawy zawód, w którym można rozwijać się technicznie zgodnie z innowacjami w tej dziedzinie.
2. Zawód jest poszukiwany nie tylko w teatrze, ale także na koncertach, kinie i cyrku.

Minusy

1. Nieregularne godziny pracy
2. Nocny tryb życia
3. Możliwe nieporozumienia z reżyserem produkcji, który może trzymać się punktu widzenia K.S. Stanisławskiego i nie doceniać roli oświetlenia spektaklu: „Nigdy nie zapominajcie, że teatr nie żyje blaskiem świateł, luksusem scenografii i kostiumów , spektakularne mise-en-scenes, ale według pomysłów dramaturga. Skazy w idei spektaklu nie da się niczym zatuszować. Żadna ilość teatralnych świecidełek nie pomoże.

Miejsce pracy

Artyści zajmujący się oświetleniem scenicznym mogą pracować w teatrach, studiach filmowych i telewizyjnych, salach koncertowych, obiektach, stadionach i cyrku.

Ważne cechy

• bogata wyobraźnia artystyczna;
• umiejętność rysowania i pracy rękami;
• dobre postrzeganie kolorów;
• emocjonalność;
• Dbałość o szczegóły;
• ciągła chęć rozwoju zawodowego.

Gdzie się uczyć, aby zostać artystą-technologiem oświetlenia scenicznego. Edukacja

• Wydział Technologii Scenografii i Scenografii. W szkole działa pracownia „Artysta Oświetlenia”, która posiada możliwości techniczne umożliwiające studiowanie szerokiej gamy nowoczesnych metod oświetlenia scenicznego. Tutaj uczą jak opracować koncepcję projektu oświetlenia sceny i sali. W trakcie stażu studenci zapoznają się z projektowaniem sprzętu oświetleniowego w moskiewskich teatrach.
• Wyższa Szkoła Sztuk Scenicznych („Szkoła Teatralna Konstantina Raikina”). W 2014 roku otwarto wydział „Technologie projektowania artystycznego spektakli” ze specjalizacją „Inżynieria oświetlenia” i „Inżynieria dźwięku”.
• Państwowy Instytut Kultury i Sztuki w Biełgorodzie
• Wydział „Technologie artystycznego projektowania przedstawień”.
• Państwowa Akademia Sztuki Teatralnej w Petersburgu
• Wydział „Technologii dekoracji performatywnych”
• Specjalność Kazańskiej Szkoły Teatralnej „Kierunek oświetlenia”
• Zajęcia w Wyższej Szkole Teatralno-Artystycznej nr 60. Seminarium „Projektant Oświetlenia”

Wynagrodzenie

Wynagrodzenie specjalistów tego profilu w rosyjskich teatrach jest niskie: od 20 tysięcy rubli. Ale doświadczeni specjaliści są często zapraszani do pracy w niepełnym wymiarze godzin w przedsiębiorstwach, organizacjach koncertowych i klubach nocnych, gdzie mogą zarobić przyzwoite pieniądze - od 25 tysięcy rubli za 2 noce pracy.

Wynagrodzenie na dzień 28.10.2019

Rosja 30000–630060 ₽

Etapy kariery i perspektywy

Absolwenci uczelni mogą rozpocząć karierę w teatrze jako prosty operator oświetlenia, scenograf czy grafik. Dla początkującego technologa oświetlenia jest to niezbędny etap, na którym zdobywa się bezcenne doświadczenie praktyczne. Stopniowo od zwykłego specjalisty artysta-technolog może awansować od rangi do rangi i zostać kierownikiem działu teatralnego odpowiedzialnym za oprawę oświetleniową spektakli. Możesz także pracować w organizacjach koncertowych, klubach nocnych, cyrkach i relacjonować wydarzenia miejskie i święta kościelne.

Historia oświetlenia scenicznego

Oświetlenie sceniczne powstało w XVII wieku, kiedy przedstawienia teatralne zaczęto wystawiać w pomieszczeniach zamkniętych. W tamtych czasach do oświetlenia używano świec. Oznacza to, że oświetlenie teatralne rozwinęło się wraz z pojawieniem się nowych źródeł światła. W XIX wieku jako oświetlenie sceniczne zaczęto stosować lampy naftowe, a później palniki gazowe. Wraz z pojawieniem się elektryczności oświetlenie teatralne również zmodernizowało się i stało się bardziej mobilne, jasne i wyraziste. W ówczesnych partyturach świetlnych opracowanych przez K.S. Stanisławskiego możliwe stało się oddanie stanu przyrody i pogody: poranka, dnia, zmierzchu, nocy, pogody słonecznej lub pochmurnej.

Ale artystyczna oprawa świetlna spektaklu rozwijała się nie tylko równolegle z rozwojem techniki oświetleniowej. Wielu reżyserów wykorzystywało światło do wizualnego wyrażenia brzmienia muzyki (Appiah), do podkreślenia wolumenu postaci ludzkiej lub form architektonicznych, czy też do wyrażenia tragizmu duszy bohatera (Craig).

Wielki Meyerhold wykorzystywał projekcje świetlne do przedstawiania sloganów, reklam i tytułów odcinków. Oznacza to, że światło stało się wyrazicielem propagandowych, krytycznych lub satyrycznych stanowisk reżysera. Czeski scenograf J. Svoboda, wykorzystując nowoczesne technologie (lasery i komputery), uczynił światło głównym bohaterem teatru. Projekt oświetlenia stworzył atmosferę, powietrze, ściany, korytarze, kurtynę. Te zasady oświetlenia scenicznego zaczęto stosować na całym świecie. Na pomysł wykorzystania wideo w teatrze wpadł J. Svoboda.

Inni reżyserzy, jak L. Mondzika i R. Wilson, uważają, że siła światła jest silniejsza i bardziej wyrazista niż kunszt aktorów. L. Mondzik swoje kameralne przedstawienia tworzył jako konfrontację ciemności ze światłem. R. Wilson argumentował, że „światło pełni swoją rolę, niczym aktor”. Tego rodzaju reżyserzy przyczynili się do powstania zawodu artysty oświetlenia scenicznego. W Rosji tradycję tę kontynuują i doskonalą D. Ismagiłow w Moskwie i G. Filsztinski w Petersburgu.

Nowoczesny sprzęt oświetleniowy

Sterowane (cyfrowe, inteligentne) urządzenia oświetleniowe dzielą się na 2 typy: kluczowe i zalewowe.

Są to skanery i głowice z ruchomymi korpusami. Przy skanerze projekcją wiązki światła steruje poruszające się lustro, a przy głowicy znajduje się ciało poruszające się we wszystkich kierunkach. Obydwa urządzenia mają możliwość zmiany koloru i wzoru wiązki. Sterowanie sprzętem oświetleniowym odbywa się za pomocą protokołu cyfrowego DMX.

Analogowe urządzenia oświetleniowe składają się z dział świetlnych emitujących wiązkę śledzącą oraz urządzeń oświetlających.

W dzisiejszym teatrze istnieje wiele opraw oświetleniowych, które tworzą wspaniałe efekty:

• kwiat księżyca (inne nazwy: tunel, miotła lub kwiat) – urządzenie oświetleniowe emitujące wiązkę kolorowych lub białych promieni rozchodzących się pod różnymi kątami
• Stroboskop to urządzenie odtwarzające migotanie światła w określonym rytmie;
• pistolet reflektorowy emitujący jasną, bezpośrednią wiązkę do śledzenia oświetlenia pojedynczego obiektu lub osoby
• wiązki laserowe
• jasna podłoga
• lampy ultrafioletowe
• generatory dymu, mgły, śniegu
• symulator płomienia lub generator i wiele więcej.

Nie podoba mi się nazwa tego, co robię. „Projektant oświetlenia” brzmi zbyt pretensjonalnie. Taka pretensjonalna nazwa wypacza postrzeganie zawodu nie tylko wśród samego „artysty”, ale także wśród jego pracodawców. To takie piękne i przyjemne, gdy nazywają Cię artystą tylko dlatego, że przy stole w formie bufetu włączyłeś kolor magenta.

Status artysty zwodniczo zwiększa świadomość własnej wagi zawodowej.

Rozumiem, że nazwa powstała historycznie, ale współczesny show-biznes zdystansował definicję artysty od zrozumienia istoty jego twórczości.

Design opisuje tę czynność znacznie dokładniej. Nie wiem, jak najlepiej dostosować angielską nazwę zawodu projektanta oświetlenia. Projektant oświetlenia brzmi niezdarnie. Projektant oświetlenia? Niech na razie będzie po prostu projektantem.

Debata na temat różnicy między sztuką a designem jeszcze się nie skończyła, ale wyraźnie widzę różnicę, kiedy ją naświetlę.

Artysta

Moim zdaniem artysta działa niezależnie. Tworzy niezależną pracę, aby podzielić się swoimi uczuciami. Autor potrafi wyrzucić emocje i poprzez dzieło sztuki pokazać odzwierciedlenie wewnętrznego świata. Tworzy sztukę, aby dzielić się ze światem swoimi przeżyciami lub czerpać z nich inspirację.

Artysta nie jest ograniczony żadnymi prawami i ma swobodę wyboru wszelkich środków do osiągnięcia twórczych celów. Jednocześnie nie ma obowiązku nikomu tłumaczyć swojej kreatywności i stosowanych technik. Utwór może być przez nikogo niezrozumiały lub może mieć wiele interpretacji.

Projektanci oświetlenia to w tym przypadku ci, którzy tworzą niepowtarzalne dzieła świetlne bez aktorów, scenerii i muzyki. Dzieła, które istnieją niezależnie i są interpretowane przez publiczność według własnego uznania.

Wypuszcza kłębiącą się mgłę, miga wielokolorowymi diodami i kręci głową w rytm muzyki – artysta oświetlenia, uh-huh.

Projektant

Projektowanie jest rozwiązaniem konkretnych problemów. W przeciwieństwie do sztuki, design nie może istnieć sam. Jest to działalność wspierająca. Projekt musi być zrozumiały, a projektant musi umieć wyjaśnić i uzasadnić zastosowane techniki. Projektant musi odpowiedzieć na pytania dlaczego i dlaczego. „Jestem artystą i tak to widzę” nie sprawdzi się.

Jestem projektantem, ponieważ rozwiązuję problemy za pomocą technologii świetlnych i widowiskowych. Moim zadaniem jest wydobycie emocji muzyki, wizualizacja aranżacji i tekstów. Cóż, przynajmniej upewnij się, że zespół jest widoczny na scenie.

Spektakl świetlny tworzony na potrzeby koncertu nie może obejść się bez sceny, zespołu i muzyki.

Czy może być dobry koncert lub występ bez dobrego światła? Oczywiście, że tak, ale nie odwrotnie. Dobre światło nigdy nie uratuje nudnego artysty. To jest nawet gorsze niż nierozwiązany problem. Takie przedstawienie zakrywa się kocem i odwraca uwagę od najważniejszej rzeczy – muzyki.

Projektant teatralny rozwiązuje przede wszystkim problem oświetlenia aktorów i scenografii. Twórcze zadania reżysera i scenografa przekłada na język partytury oświetleniowej.

Zadaniem projektanta oświetlenia na imprezie firmowej jest spełnienie życzeń reżysera wydarzenia. Niech ludzie jedzą wygodnie i tańczą radośnie.

W telewizji projektant przysłuchuje się zadaniom operatora i reżysera. Jednym z jego zadań jest sprawianie, aby ludzie wyglądali lepiej niż za życia :). „Rysowanie” tak, aby było wypełnienie, tło. To jest tam ważne. Przykład, który opowiedział mi L. Pozdnyansky: operator przesunął bliżej siebie spot przedstawiający Gradsky'ego w programie „Głos”. Tak więc kąt stał się ostrzejszy, a cień podbródka zaczął maskować niedoskonałości szyi mentorki.

Bardzo podoba mi się ten cytat Colina Wrighta na temat różnicy między sztuką a designem:

„Sztuka jest jak masturbacja. Jest to samolubne i introwertyczne, zrobione dla ciebie i tylko dla ciebie. Projektowanie jest jak seks. W grę wchodzi ktoś jeszcze, jego potrzeby są tak samo ważne jak Twoje, a jeśli wszystko pójdzie dobrze, obie strony będą w końcu szczęśliwe.

Taki inny artysta oświetleniowy

Brak odrębnych specjalności i arogancja specjalistów zajmujących się światłem zdewaluowały wszystkich artystów zajmujących się oświetleniem.

No cóż, mamy też to:

Nazwa zawodu artysty oświetlenia jest zdewaluowana i nie oddaje istoty mojej twórczości. Jestem projektantem.

O kolegach jak o zmarłych: dobrze albo nic. Krytyka nie może Cię urazić, ponieważ czyni Cię lepszym.

Artysta nie widzi, nie ufa, nie rozumie. Widz nie rozumie. Co w takim razie daje mi energię do tego? Przede wszystkim siebie. Po drugie, wy, drodzy koledzy.

Kim jest projektant oświetlenia, projektant oświetlenia, regulator, „strzelec”, „operator tabletu”, „inżynier elektronik” i technik?

Kiedy pojawiły się te zawody? Po co one są? Jaka jest różnica? Czy da się opanować te specjalności samodzielnie? Jak analizować doświadczenie?

Czy w ogóle te specjalności są kreatywne? Jak szkodliwi dla zawodu są „przypadkowi” ludzie?

Spróbujmy wspólnie zrozumieć wszystkie te zagadnienia i uporządkować podstawy naszej specjalności.

Kim są projektanci oświetlenia?

Spójrzmy na sytuację na przykładzie „sąsiada według gatunku”.

Malarz. Zgadzam się, nie wystarczy zdefiniować malarza jako „wysoko wykwalifikowanego rysownika, który nakłada pigmenty na zagruntowaną płaszczyznę w ustalonej przez siebie kolejności”, ponieważ ta definicja jest odpowiednia dla malarza, projektanta i malarza ikon, a oni specjalności mają zupełnie inne zadania. Malarz ikon działa według określonych kanonów, jego twórczość przeznaczona jest przede wszystkim dla Boga. Zadaniem projektanta jest zaspokojenie gustów zdecydowanej większości konsumentów. Artysta pracuje przede wszystkim dla siebie i dla swojego widza, jeśli oczywiście ma coś do powiedzenia.

Jak wiecie, na początku było Słowo i przez to słowo ujęto nasz zawód. „Artysta” określa całą istotę istnienia naszego rzemiosła, nadaje punkt wyjścia i sens dalszej egzystencji. W przeciwnym razie lepiej nazwać się mistrzem lub projektantem oświetlenia. Przynajmniej będzie uczciwy i na swój sposób godny szacunku.

Ta książka będzie próbą zbadania zawodu projektanta oświetlenia z artystycznego punktu widzenia, ponieważ w Rosji, w przeciwieństwie do literatury technicznej, jest katastrofalnie mało odpowiedniej literatury. Oprócz D. G. Ismagilava, E. P. Drivaleva i oczywiście N. P. Izvekov i V. V. Bazanov nie pamiętam autorów, którzy poświęcili się tworzeniu podręczników z zakresu oświetlenia i techniki teatralnej. Nie wiem, na ile format tej książki będzie odpowiadał koncepcji podręcznika. W każdym razie będę starał się iść z wami złotym środkiem, nie popadając w skrajności „wysoce artystycznej egzaltacji” i nie pozostawiając części artystycznej na łasce technokracji.

W sztukach pięknych istnieje ogromna liczba bezdusznych obrazów wykonanych w technikach malarstwa filigranowego oraz niezliczone arcydzieła, które zostały bezpowrotnie utracone w wyniku naruszeń technologii malarskiej. Dlatego odrzućmy puste gadki o prymacie jajka i kury i zacznijmy się wspólnie uczyć.

Zakres działalności artysty oświetlenia

Oświetlenie produkcji artystycznej. Różnica między oświetleniem scenicznym a oświetleniem domowym lub wewnętrznym polega na tym, że jest ono instalowane w zależności od konkretnych zadań. Instalacja świetlna to proces artystyczny, którego efektem jest pojawienie się inscenizacja świetlna performance, koncert, występ rozrywkowy lub cyrkowy, instalacja wystawiennicza lub pokaz świetlny.

Definicja zawodu „projektant oświetlenia”

W moim zeszycie ćwiczeń z czasów sowieckich jest napisane co następuje:

« Wysoko wykwalifikowany iluminator, który opracowuje projekty oświetlenia scenicznego dla spektakli, koncertów i innych wydarzeń kulturalnych o skomplikowanym projekcie, dobierając środki oświetlenia scenicznego, ustalając lokalizację tych środków i zarządzanie nimi».

W zasadzie wpis ten można przyjąć za podstawę do zdefiniowania specjalności „projektant oświetlenia”.

Rzeczywiście, mamy pewną wiedzę, doświadczenie, opracowania, system wartości artystycznych - wszystko, co nazywa się kwalifikacjami.

W oparciu o możliwości techniczne i finansowe tworzonego spektaklu, koncertu czy innej instalacji, dobiera sprzęt potrzebny do konkretnego wydarzenia, odrzucając niepotrzebny sprzęt i kładąc nacisk na zakup niezbędnego sprzętu, tworząc techniczny jeździk dla każdej produkcji.

Projektant oświetlenia nadzoruje techników (instalatorów, planistów, riggerów) podczas montażu oświetlenia i opracowuje plany oświetlenia, wizualizacje scen świetlnych oraz inną dokumentację techniczną i artystyczną.

Tak, zarządza kompleksem sprzętu oświetleniowego lub nadzoruje operatorów (regulatorów, wideoinżynierów, strzelców).

Dla definicji klerykalnej to wystarczy.

Jeśli spojrzymy na zawód projektanta oświetlenia od strony twórczej, to on, po pierwsze, jest kuratorem całej wizualnej percepcji dzieła: „W ciemności lepiej zrozumiesz, kto jest ważniejszy niż wszyscy inni w teatrze ” (stare powiedzenie teatralne). Po drugie, jest współautorem dzieła stworzonego przez zespół kreatywny (teatr, zespół muzyczny, firma instalacyjna itp.).

Podział funkcji i stref wpływów w zespole jest sprawą bardzo indywidualną i specyficzną. Tutaj każdy sam wybiera zakres funkcji i obowiązków, jakie może obsłużyć. W każdym razie artysta ma obowiązek wnieść do całości swojego światopoglądu, emocji, gustów i doświadczeń życiowych. Inną kwestią jest to, na ile organiczne, właściwe i taktowne jest takie „farsz”. Szczerze mówiąc, w mojej praktyce nie zawsze było to możliwe. Poznałem zbyt wiele różnych zespołów i grup muzycznych. Liderzy tych grup mają różną charyzmę. Zbyt duża jest różnica w teatralnej i koncertowej specyfice tworzenia dzieła, a na współautorstwo wpływa wiele innych czynników.

Po trzecie, często projektant oświetlenia jest monopolistą na artystyczne oświetlenie dzieła. W ostatnim czasie panuje stały trend spektakli świetlno-multimedialnych, których głównym bohaterem jest światło.

Edukacja

Z prawnego punktu widzenia nasz zawód wydaje się nie istnieć. W swej istocie jest to specjalność robocza, która nie wymaga specjalnego przeszkolenia: w rzeczywistości dla działu personalnego agencji rządowej jest to synonim zawodu światło elektryczne Jednak wielu moich znajomych ma w zeszytach pracy zapisane różne stanowiska, od operatorów konsol oświetleniowych po kierowników działu oświetlenia teatralnego. Paradoksalnie w wielu teatrach państwowych od techników oświetlenia wymagane jest posiadanie certyfikatu w swojej specjalności. Urzędników nie obchodzi fakt, że w Rosji nie ma specjalistycznej szkoły średniej, w której kształciliby się specjaliści od oświetlenia teatralnego.

Aby wyjść z tej sytuacji i chociaż w jakiś sposób przeprowadzić „edukację edukacyjną” dla personelu, tworzone są zaawansowane szkolenia, na których pracownik przedsiębiorstwa z jakimkolwiek średnim wykształceniem specjalistycznym może otrzymać upragniony certyfikat. Prowadzę również takie kursy. Problem z takimi szkoleniami polega nie tylko na tym, że takie kursy nie są tanie, ale także na tym, że przyjmują formę cotygodniowych lub dwutygodniowych seminariów dla kadetów o różnym poziomie wyszkolenia, doświadczenia i potrzeb. Stworzenie placówki edukacyjnej, w której wczorajszy uczeń mógłby wejść i opanować od podstaw cały zakres wiedzy i umiejętności w zawodzie, aby zdobyć cenną wiedzę na przyszłość, pozostaje dziś zadaniem nierozwiązalnym.

Oksymoron pogłębia fakt, że w instytutach teatralnych kształcenie odbywa się na specjalności artysta-technolog, do której zaliczają się oprócz projektantów oświetlenia także wizażyści i kostiumografowie, scenografowie, kierownicy poczty itp.

Pytania stawia także kadra dydaktyczna szkół wyższych. Faktem jest, że nasz zawód jest bardzo specyficzny i rzadki. Znani mistrzowie z dużym doświadczeniem nie zawsze mogą być prezentowani jako nauczyciele z wielu powodów: braku formalnego wykształcenia, opóźnienia technologicznego i konserwatyzmu sfery „teatralnej” ze środowiska „koncertowego”, braku ustalonych technik i w istocie szkoły integralnej oświetlenia scenicznego, np. sztuki plastyczne, scenograficzne czy reżyserskie szkoły rosyjskie. Jeżeli na krajowych uczelniach istnieje ciągłość zawodu, to jest ona przedstawiana w sposób bardzo jednostronny i monopolistyczny.

Najbardziej niefortunne jest to, że różnica między oświetleniem teatralnym i koncertowym staje się katastrofalna. Artyści teatralni, dopiero zaczynający opanowywać możliwości technologiczne współczesnego światła, często uznają praktyki wypracowane od lat w środowisku koncertowym za swoje własne objawienia. Doświadczenia gromadzone przez dziesięciolecia w środowisku koncertowym i muzycznym praktycznie nie przekładają się na scenę teatralną. Artyści koncertujący często nie mają bagażu artystycznego i teatralnego zaplecza metodologicznego. W rezultacie tam, gdzie może powstać symbioza, pojawia się snobizm i wzajemne odrzucenie.

Zadanie projektanta oświetlenia

Tworzenie oświetlenia artystycznego i produkcyjnego do spektaklu teatralnego, koncertowego, wystawowego, architektonicznego lub innego spektaklu (instalacja).

Hierarchia zawodów

Projektant oświetlenia jest jednocześnie podwładnym i liderem. Realizacja jego pomysłów będzie zależała od tego, jak zbuduje relacje z przełożonymi i podwładnymi.

Właścicielem dzieła zbiorowego w teatrze lub koncercie grupowym jest reżyser, w praktyce koncertów solowych lider zespołu lub producent (szczerze mówiąc, w mojej rockowej praktyce producenci są trochę mniej popularni niż Bigfoot).

Reżyser jest inicjatorem, ideologiem i liderem powstania całego dzieła. Wybiera zespół kreatywny, jest za wszystko odpowiedzialny i ma prawo weta.

W wizualnej części dzieła reżyser formułuje zadania artystyczne i użytkowe dla scenografa (scenografa). A scenograf bezpośrednio tworzy wizualną część pracy (scenografia, kostiumy, makijaż itp.).

We wszelkich sprawach kreatywnych projektant oświetlenia podlega bezpośrednio scenografowi. Ilość swobody i ograniczeń, jakie otrzymuje projektant oświetlenia jako jednostka twórcza, zależy od scenografa.

W sprawach organizacyjnych i ogólnotechnicznych projektant oświetlenia ściśle współpracuje z kierownikiem działu produkcyjnego (kierownikiem placówki). W różnych organizacjach funkcje kierowników stanowisk znacznie się różnią.

Podlega projektantowi oświetlenia:

• Technicy (pracownicy tabletów, właściciele galerii, riggerzy itp.) - ci, którzy instalują sprzęt i go konfigurują;
• Operatorzy (regulatorzy, inżynierowie wideo, strzelcy itp.) - bezpośrednio kontrolujący różne urządzenia;
• Wizualizatorzy to specjaliści komputerowi, którzy tworzą demonstracyjne komputerowe modele świetlne pracy i komputerowe wyniki świetlne;
• Inżynierowie - zapewniający nieprzerwaną pracę sprzętu lub tworzący ten sprzęt na specjalne zamówienie.

Należy pamiętać, że ani aktorzy, ani muzycy nie są włączeni organizacyjnie w strukturę oświetlenia produkcji, tj. nie są przełożonymi ani podwładnymi projektanta oświetlenia.

Projektant oświetlenia obecny jest także w organizacjach zajmujących się wynajmem sprzętu koncertowego czy obsługą techniczną imprez rozrywkowych, jednak jego funkcje są zdeterminowane specyfiką organizacji i znacznie się różnią w różnych organizacjach.

Nie wiem jak reszta branży koncertowej, ale w rosyjskim rocku, nie bez mojego wieloletniego udziału, pojawiła się nowa pozycja-projektant oświetlenia (wideo) grupy. W praktyce koncertowej często łączy się funkcje scenografa i projektanta oświetlenia, co przydarzyło mi się podczas pracy z DDT i Picnic, mimo że zarówno Yu. Shevchuk, jak i E. Shklyarsky sami są artystami, a DDT od urodzenia miało bardzo ciekawy artysta grupy, V. Dvornik, który po moim odejściu z grupy zaczął zajmować się scenografią i – zupełnie bezskutecznie – oświetleniem scenicznym.

Funkcje reżysera, scenografa i projektanta oświetlenia połączyły się dla mnie podczas pracy w Akwarium, a zwłaszcza w Alice. W „Akwarium” byłem pierwszym artystą grupy, w „Alicji” podobna tradycja rozwinęła się za czasów mojego poprzednika A. Stołypina. Obecnie, o ile wiem, za reżyserię i scenografię odpowiada żona K. Kinczewa, a oświetleniem zajmuje się młody artysta A. Łukaszew. Podobna sytuacja rozwinęła się w grupie leningradzkiej, gdzie projektantem oświetlenia jest mój student D. Raidugin.

Przedelektryczny okres rozwoju oświetlenia scenicznego

Tło inscenizowanego oświetlenia. Rytuały przedteatralne.

Tak naprawdę oświetlenie sceniczne istnieje od narodzin Homo sapiens i jest nierozerwalnie związane z rytuałami religijnymi. Gdy tylko na scenie ludzkości pojawili się pierwsi aktorzy: czarodzieje, kapłani, szamani itp., pojawiła się potrzeba ich oświetlenia i rozświetlenia tła, na którym rozgrywała się ich akcja. Cienie światła słonecznego, zmierzch chat czy jaskiń, sztuczne światło ognisk i pochodni pomagały stworzyć mistyczny nastrój rytuałów. Do dziś w architekturze świątyni dowolnego wyznania można odnaleźć elementy zbliżone w swej funkcji do elementów teatru. Wystarczy porównać kanony budownictwa świątynnego z klasyczną sceną skrzynkową.

Starożytny teatr

Starożytny teatr

Pierwsze zarysy wyglądu sceny widzimy już w starożytnym teatrze greckim: początkowo okrągła platforma dla aktora i chóru - orkiestra, był otoczony z trzech stron amfiteatr dla publiczności. Amfiteatr mógłby składać się z kilku poziomów oddzielonych szerokim przejściem – diazom. Później za orkiestrą znajdowało się pomieszczenie do przebierania się aktorów – skene, teren chóru – Proskeniusz. Skene i amfiteatr oddzielone były przejściem - paroda. Wraz z rozwojem teatru, co było szczególnie widoczne w starożytnym Rzymie, orkiestra straciła swoje sceniczne znaczenie i stała się swego rodzaju kramem dla senatorów lub innych wysokich osobistości tamtych czasów. Skene powiększa się i rośnie, stając się pełnoprawnym tłem dla aktorów ustawionych na powiększonym proskenium.

Starożytny teatr. Proscenium.

Właściwie od tego momentu możliwe staje się manipulowanie oświetleniem. Istnieją informacje, że do portyku skene przymocowano markizy materiałowe, co czasami pozwalało osłonić niemal cały teatr przed złą pogodą i słońcem, a malowane markizy tworzyły niezwykłe jak na tamte czasy oświetlenie w dziennych barwach.

Nie chcąc oczywiście ograniczać czasu trwania akcji do godzin dziennych, zaistniała potrzeba użytkowego, sztucznego oświetlenia sceny.

Charakterystyczne jest, że właśnie od czasów Rzymu pojawiła się potrzeba scenografia - sztuka scenografii.

Portyki skene ozdobione są kolumnami i rzeźbami, w otworach kolumn zamontowane są płaskie malowane tarcze - pinaki. Później zaczęto używać trójkątnych pryzmatów, aby szybko zmienić scenę akcji - telluria (telaria, periacta). Pojawia się zasłona, który pierwotnie był wyciągany ze specjalnego otworu przed proscenium. Logiczne jest, że potrzeba scenografii, a następnie efektywnego oświetlenia, pojawiła się wraz ze zmianą kanonów estetycznych całej sztuki jako całości. W starożytnej sztuce greckiej opis sceny akcji jest często bardzo warunkowy i niewyrażony. W Rzymie było to bardziej specyficzne, a co za tym idzie, wygląd scenografii i efektów scenicznych.

Teatr średniowiecza

Prawdziwy rozwój scenografii i jej integralnej części – oświetlenia scenicznego – trwał kilka wieków po upadku Cesarstwa Rzymskiego. Około X wieku w kościele średniowiecznej Europy zaczęła się rozwijać nowa forma kultu – liturgiczny dramat. Akcja oparta na opowieściach ewangelicznych, rozgrywająca się bezpośrednio we wnętrzu kościoła. Miejsca do zabawy aktorów rozmieszczono w różnych częściach kościoła i aż do niezbędnych momentów zasłaniano kotarami. Tak więc w rzeczywistości nie pojawiła się jedna scena, ale kilka, które później otrzymały tę nazwę jednoczesny. Brak światła dziennego spowodował z jednej strony potrzebę dodatkowego sztucznego oświetlenia w postaci wielu świec, lamp oliwnych i pochodni, z drugiej zaś umożliwiło to wymyślenie różnorodnych efektów świetlnych.

Proszę zwrócić uwagę na fakt, że w średniowieczu, podobnie jak w poprzednich przypadkach, ogólne potrzeby estetyczne dotyczące niezwykłego, mistycznego opisu sceny czyśćca, nieba i piekła zrodziły potrzebę rozwoju scenografii jako całości . Stworzono scenografię poszczególnych odcinków, rekwizyty, urządzenia latające, mechaniczne potwory itp. Pojawiła się potrzeba efektywnego oświetlenia i jego sterowania. Dzięki temu za pomocą przewodu bezpiecznikowego można było niemal jednocześnie zapalić dużą liczbę lamp. Do ich gaszenia używaj specjalnych czapek lub zacieniaj specjalnymi zasłonami. Używając mechanizmów podnoszących i wielu świec, stwórz iluzję gwiaździstego nieba lub niebiańskiego blasku. Wzory ze świecami czy lampami były na razie ukryte i pojawiały się, gdy zaszła taka potrzeba.

Niektóre elementy scenerii wykonane z pakułu i waty nasączono alkoholem, co pozwoliło uzyskać efekt błysku. Kawałki żywicy wytwarzały piękne iskry. Błyski wykonywano poprzez zapalenie mieszaniny żywicy i prochu. Za pomocą najprostszych urządzeń stworzono iluzje błyskawic i odbicia płomieni.

Z czasem teatr kościelny zaczęli przesuwać się od kościoła na plac przed kościołem, a potem w ogóle na plac, ustępując miejsca teatr uliczny.

Teatr uliczny

Wraz z wypuszczeniem teatru na ulice, miejsce liturgii kościelnej zajmuje misterium, akcja o tematyce religijnej, wykorzystująca z reguły trzy miejsca: piekło, ziemię i niebo.

W przeciwieństwie do teatru kościelnego, teatr uliczny nie miał stałych budynków i wznoszony był na placach na jakieś wydarzenie. Potrzeba zmiany sceny

wymagało stworzenia specjalnie wyposażonych scen. Logiczne jest, że istnieje zapotrzebowanie na wykwalifikowanych rzemieślników, którzy potrafią szybko zainstalować niezbędny sprzęt.

Zagadki nie miały rozwiązania jednoetapowego, poza jednym – wszystkie odbywały się jednocześnie. Jedną z opcji była dwukondygnacyjna scena, wyposażona trzymać, gdzie przygotowano scenografię i aktorów klapa podnoszona, za pomocą których na scenie szybko pojawiła się nowa sceneria. Czasami scena składała się po prostu z trzech pięter zakrytych zasłonami: dolne piętro to piekło, drugie to ziemia czyli czyściec, a górne to niebo. Często trzy sceny akcji były montowane poziomo, a nie pionowo. Często do zmiany scenerii używano specjalnych dwupiętrowych wózków - pegenty. Liczba wozów odpowiadała liczbie miejsc akcji. Aby zmienić scenerię, wózki po prostu się poruszały.

Naturalnie projekt tajemnic wymagał wspaniałej dekoracji i różnych efektów. Mechaniczne zwierzęta, mechanizmy podnoszące i oczywiście pirotechnika wzmocniły mistyczne doznania publiczności, tworząc poczucie magii.

Stopniowo teatr uliczny traci swą wyłącznie religijną tematykę, zastępując go ulicznym teatrem komediowym – farsa.

Szczytem tego ruchu była włoska komedia zrodzona w okresie renesansu. del arte, którego początki sięgają starożytnego greckiego teatru masek i ulicznych karnawałów.

Budowa sceny pudełkowej i podstawowe zasady oświetlenia scenicznego

To od renesansu rozpoczęło się układanie głównych elementów współczesnej sztuki teatralnej i koncertowej. Jeśli uważnie przyjrzymy się, zobaczymy, jak architektura teatru starożytnego, zwłaszcza rzymskiego, zaczyna tworzyć kanony konstrukcji scenicznej: amfiteatr staje się głównym miejscem dla widza, orkiestra staje się miejscem dla szlachty, proscenium zamienia się w scenę .

Skene staje się tłem i dodatkowym (tylnym) za kulisami.

Akcja zaczyna toczyć się na jednej scenie. Uwzględniono jednocześnie doświadczenia teatru średniowiecznego: zachowano ładownię, włazy do podnoszenia, mechanizmy sceniczne, dekoracje i rekwizyty. Pojawia się klasyczna kurtyna, za którą następuje zmiana scenerii, choć zmiana scenerii na większą skalę nastąpi nieco później.

Od XV do XVI wieku teatr stopniowo był zasypywany. Początkowo były to tymczasowe budynki drewniane, później kamienne stałe teatry przy pałacach. Naturalnie istnieje zapotrzebowanie na użytkowe sztuczne oświetlenie aktorów oraz scenografię i efekty świetlne.

Oprócz doświadczeń poprzednich pokoleń, należy zauważyć, że teatr renesansowy wprowadził także nowe elementy. Opracowano mechanizmy sceniczne i systemy zmiany scenerii. Do performansów projektowych zaczynają być zapraszani najlepsi i najsłynniejsi malarze. Pojawia się malowniczy perspektywiczne tło,„zniszczenie” tylnej ściany i stworzenie całkowitej iluzji głębi sceny.

Kreacja przestrzeni iluzorycznej rozwinęła się szeroko w malarstwie renesansowym.

Odkrycie praw perspektywy, szeroko stosowanych w malarstwie tamtych czasów, znalazło podatny grunt w specyficznych warunkach teatru.

Wynalazek scenerii perspektywicznej przypisuje się włoskiemu artyście Bramantego oraz dalszy rozwój technik malarstwa teatralnego i dekoracyjnego – artyście i architektowi Sebastiana Serlio. Dzięki niemu skłonny tablet(podłoga sceny). Artysta przesuwa linię horyzontu malowniczego tła od granicy z tablicą znacznie wyżej, bezpośrednio do środka malowniczego tła, co znacznie zwiększa iluzję głębi. Ponadto artysta najpierw wykonał model sceny - układ, gdzie sprawdziłem swoje obliczenia.

Ponadto Serlio podaje klasyfikację oświetlenia scenicznego, dzieląc je na trzy kategorie: oświetlenie ogólne, dekoracyjne i efektowne. Wszystkie te osiągnięcia wielkiego artysty teatralnego są często wykorzystywane przez nowoczesny teatr.

Uwagę teatru nie pozbawił wielki Leonardo da Vinci, który nie tylko malował teatry, ale także ulepszył lampę oliwną, umieszczając nad płomieniem blaszaną rurkę, co zwiększało ciąg, a co za tym idzie, jasność lampy.

Pojawienie się pełnoprawnego malarstwa w teatrze wymaga wysokiej jakości oświetlenia. Pojawić się berezki - nieprzezroczyste, osłony blokujące samo źródło światła przed widzem. Często zaopatrywane są banki reflektory, zwiększając strumień świetlny świec i lamp oliwnych. Żyrandole są składane w górę i w dół, aby ułatwić konserwację i oświetlenie. Pojawiają się pierwsi podsufitki-urządzenia do oświetlenia scenicznego napowietrznego. To oczywiste rampa - umiejscowienie lamp wzdłuż przedniej krawędzi sceny – proscenium, który istniał już od czasów starożytnych, ulega udoskonaleniu, pojawia się oczywiście rampa horyzontalna – umiejscowienie lamp wzdłuż tylnej krawędzi sceny, która służy bezpośrednio do oświetlenia tła.

W teatrze renesansowym rozwinęło się także oświetlenie kolorowe: przed lampą umieszczono kolby soczewkowe wypełnione kolorowymi płynami. Za pomocą podobnych lamp oświetlono także detale scenerii. Okna teatrów często zasłaniano kolorowym papierem lub kolorowym szkłem.

Warto zauważyć, że teatr dworski renesansu, który istniał wyłącznie dla szlachty i na koszt tej szlachty, był kiedyś przykładem luksusu i fantazji.

Teatr barokowy

Na początku XVII wieku w sztuce teatralnej pojawił się nowy gatunek. Pokazy boczne- zabawne dla publiczności numery wstawek przekształcają się w dzieła niezależne, pojawiają się opera i balet, które wymagają jeszcze bardziej czarującego, wspaniałego i luksusowego designu. Teatr renesansowy, z siedzącą scenerią i małym, fajnym tabletem, niewiele robi, aby zaspokoić gwałtownie zwiększone potrzeby; pojawia się potrzeba pomieszczenia orkiestry. Istnieje potrzeba zmiany scenerii i ukrycia mechanizmów scenicznych oraz zmiennej scenerii.

Pojawić się rowy przednie i tylne(doły orkiestrowe i miejsca na mechanizmy zmiany scenerii). Łuk portalowy– ograniczenie sceny od przodu, za kulisami(często malownicze) i ostrokrzew - przy pokryciu stropu opracowano system podbitek i podjazdów.

Maszyny teatralne budzą się. Latające postacie, urzekające chmury na niebie, całe ulice na scenie, pływające statki, fantastyczne zwierzęta, zmieniająca się sceneria, fontanny: to wszystko było już w teatrze barokowy.

Teatr Barokowy

W połowie XVII wieku scena nabrała bardzo realnych cech. klasyczna scena pudełkowa, scena, która dominuje do dziś, będąc najpowszechniejszą formą sceny.

Jednak zmiana scenerii następuje albo w sposób przesuwny, albo stosuje się antyczne Telari, które otrzymały nowy rozwój. Coraz większa potrzeba szybkiej wymiany dużej ilości dekoracji skłania do powstania scena za kulisami.

Należy wymienić kilka nazwisk kojarzących się z prawdziwą rewolucją w technice teatralnej. Są to: niemiecki architekt Joseph Furtenbach, angielski technolog teatru Inigo Jones, włoski „magik i czarodziej sceny” Giacomo Torelli, dużo pracował we Francji i oczywiście był architektem, artystą i mechanikiem Giovanniego Servandoniego.

Równolegle z rozwojem sceny modyfikowano widownię; renesansowy amfiteatr, przeznaczony dla wąskiego kręgu szlachty, nie mógł pomieścić dużej liczby różnorodnych widzów, a wymagała idea rozgłosu i dostępności teatru nowe konfiguracje. W ten sposób powstał teatr wielopoziomowy, czyli rankingowy. Gdzie szlachta, która uczestniczyła w przedstawieniach, nie przecinała się z resztą publiczności i miała najkorzystniejsze, centralne, niskie i odizolowane miejsca oddzielone od reszty - loże. Publiczność o skromnych środkach była zadowolona z wyższych poziomów i bocznych skrzynek.

System warstwowy znacząco oddzielił jakość poszczególnych siedzeń pod względem widoczności sceny.

Struktura widowni współczesnych teatrów znacznie uśrednia widoczność z różnych punktów, ale tendencja pozostaje. Dlatego też perspektywiczna konstrukcja scenografii i oświetlenia nadal liczona jest od centralnego punktu widowni.

Klasyczny teatr

Wiek XVIII charakteryzuje się pojawieniem się przestrzeni nad sceną, gdzie można było ukryć wznoszącą się scenografię tzw. „podwójny strój” przykryty kratowym stropem sceny - ruszty, wyposażony w bloki – wały kolumnowe, z podwieszonymi na nich poziomymi rurkami do mocowania dekoracji - z flybarami. Już w XIX wieku słupy zaczęto wyposażać w wagi – przeciwwagi ułatwiające podnoszenie scenerii. W rzeczywistości epoka zakończyła tworzenie klasycznej sceny pudełkowej.

I tylko oświetlenie sceniczne, przed wynalezieniem elektryczności, nie ulegało żadnym zmianom jakościowym od czasów teatru barokowego.

Zmiany dotyczyły jedynie części ilościowej, często podczas szczególnie wystawnych przedstawień używano nawet 8000 świec. Żyrandole złożono góra-dół, obniżenie żyrandola oznaczało początek przerwy, słudzy specjalni - żyrandole, usunęli nagar i wyregulowali knoty. Żyrandole zapalano świecą na długim patyku i gaszono mokrą gąbką lub specjalnymi nasadkami. W XVIII wieku żyrandole zaczęto przenosić w celu konserwacji do specjalnych pomieszczeń pod sufitem. W XIX wieku świece zaczęto zastępować lampami oliwnymi wyposażonymi w palniki i reflektory.

Jednak oświetlenie świec i lamp nie pozwalało na elastyczną kontrolę światła. Warto też wziąć pod uwagę koszt oleju i świec, a także wszechobecną sadzę. Dopiero na początku XIX wieku w Anglii, a następnie w całej Europie, oświetlenie gazowe zaczęło się rozprzestrzeniać.

Sterowanie odbywało się z pierwszego prototypu panelu sterowania oświetleniem – stołu gazowego, z którego wychodzą rurki gazowe. Regulując przepływ gazu za pomocą zaworów. Oświetleniem można było sterować, jednak całkowite wyłączenie palników było niepraktyczne, gdyż nie dało się ich ponownie zapalić w trakcie spektaklu. Musiałem zostawić minimalne światło.

Wraz z pojawieniem się palników gazowych zaczął się rozwijać system światła kolorowego; filtry wykonywano z kolorowego jedwabiu impregnowanego lakierem lub olejem w celu zwiększenia przezroczystości. Mniej więcej w tym czasie pojawił się pierwszy prototyp RGB, źródła kolorów podzielono na grupy: czerwony, niebieski i zielony, często używano „czystego” koloru. Zmiana oświetlenia następowała poprzez zmniejszenie intensywności grup jednego koloru i zwiększenie intensywności innych grup. Jednak oświetlenie gazowe nie jest powszechnie stosowane ze względu na jego wysoki koszt, nieporęczność i oczywiście ryzyko pożaru.

Należy zaznaczyć, że rozwój oświetlenia scenicznego hamowała nie tylko trudność w opanowaniu światła świec, oliwy czy gazu. Niska wydajność świetlna źródeł nie pozwalała na powszechne zastosowanie światła kierunkowego, uniemożliwiając tym samym oddalenie źródła światła od oświetlanego obiektu.

Klasyczny teatr

Dlatego prawdziwa rewolucja w oświetleniu scenicznym nastąpiła nie wraz z początkiem stosowania prądu, ale nieco później wraz z pojawieniem się reflektorów kierunkowych i oczywiście ściemniaczy.

Elektryczny okres rozwoju oświetlenia scenicznego

Ostateczne ukształtowanie się teatru klasycznego połowy XIX i początku XX wieku

W połowie XIX wieku główne cechy klasycznej, zakulisowej sceny pudełkowej, zrodzonej we włoskim teatrze XVII wieku, otrzymały ukończone formy. W świecie teatralnym dominowała scena klasyczna. Oczywiście, równolegle ze światowymi trendami, nadal istniały inne rodzaje scen. Różnorodność różnych typów scen przetrwała do dziś, ale prawa scenografii i oświetlenia scenicznego są kształtowane specjalnie na potrzeby sceny pudełkowej i dopiero potem dostosowywane do innych, niestandardowych miejsc. Do szczegółowego badania architektury scenicznej przejdziemy w kolejnych rozdziałach podręcznika.

Pojawienie się elektryczności. Lampy łukowe.

Należy zauważyć, że samo odkrycie elektryczności nie spowodowało natychmiastowej rewolucji w oświetleniu scenicznym, co więcej, pierwszy na świecie łuk galwaniczny, stworzony w Petersburgu przez rosyjskiego fizyka V.V. Pietrowa, w 1802 roku, jak to często bywa w Rosji, zapomniano o nim na kilka dziesięcioleci. Zaledwie 10 lat później ten sam eksperyment przeprowadził angielski naukowiec H. Davy.

Minęło kilka kolejnych dekad, w teatrze nadal używano świec i lamp gazowych. Dopiero w 1849 roku w Wielkiej Operze Paryskiej, podczas premiery opery Prorok Meyerbeera, pojawił się pierwszy reflektor łukowy. Wyposażony był w reflektor paraboliczny i symulował ogień oraz wschód słońca. Co ciekawe, kilka lat później w tym samym teatrze zastosowano pierwszy reflektor „kierujący”.

Początkowo jako źródło zasilania wykorzystywano nieporęczne baterie. Wraz z pojawieniem się dynama w kinach zaczęły pojawiać się światła łukowe. Pomimo faktu, że źródła łuku błyskały i mocno iskrzyły, efekty błyskawic, słońca i tęczy utworzone za pomocą energii elektrycznej różniły się znacznie jasnością i kolorem od źródeł świec, ropy i gazu. Jeśli chodzi o oświetlenie kierunkowe aktorów, urządzenia elektryczne nie miały w tej dziedzinie konkurentów.

Pełne przejście teatrów na oświetlenie elektryczne stało się możliwe dopiero wraz z pojawieniem się żarówki.

Lampa żarowa

Jak każdy fundamentalny wynalazek, istnieje kilku autorów, a nazwisko odkrywcy żarówki wciąż budzi kontrowersje. Oczywiście pomysł przyszedł do głowy niezależnie od kilku autorów. Belgijski Fobar w 1838 roku podgrzewał w próżni płytę węglową Anglik de Moleyn z 1841 roku. użył nici platynowej, jego rodak Gebel w 1847 roku. Użyłem włosia zwęglonej trzciny. Nasz rodak, Alexander Ladygin, otrzymał w 1874 roku patent na lampę z prętem węglowym w próżni. Wreszcie w 1879 roku Thomas Edison otrzymał patent na wynalezienie żarówek z włóknami węglowymi, a rok później rozpoczął seryjną produkcję stosunkowo niedrogich lamp. Wraz z utworzeniem firmy Edison and Swan United Electric Light Company (wraz z Josephem Swanem) rozpoczyna się era upowszechnienia oświetlenia elektrycznego.

Estetyczne przesłanki potrzeby oświetlenia elektrycznego w teatrze

Należy zauważyć, że każda innowacja techniczna, nawet rewolucyjna, przechodzi przez kilka etapów życia teatralnego i koncertowego. To samo stało się z prądem. Teatr, jako paradoksalne skrzyżowanie dwóch skrajności: innowacyjności i konserwatyzmu, przez długi czas albo nie dostrzegał elektryczności, albo wykorzystywał ją jako efekt. Światowa praktyka najpierw rozprzestrzeniła się na oświetlenie ulic, parków i różnych miejsc rozrywki, a dopiero potem stopniowo zaczęła przenikać elektryczność do teatru, wyłącznie jako atrakcja.
W Rosji, jak zawsze, poszli własną drogą. Do lat 90-tych XX wieku energia elektryczna była wykorzystywana sporadycznie. Działo się to na tle praktycznego braku elektryczności w życiu codziennym i publicznym, a użycie w teatrze lamp Jabłoczkowa, Ladygina i Edisona było porównywalne z elitarnym cudem. I dopiero w ostatniej dekadzie minionego stulecia pojawiła się „moda” na wykorzystanie energii elektrycznej. Do końca XIX wieku elektryczność w teatrze rosyjskim pozostawała modną i kosztowną atrakcją.

Koncepcja technologiczna oświetlenia elektrycznego w teatrze

Na początku XX wieku elektryczność w życiu codziennym i publicznym stawała się coraz bardziej powszechna. Teatr stopniowo oswaja się z lampami żarowymi, a ich uniwersalność, niski koszt i łatwość obsługi pozwalają stworzyć rozwiązanie oświetlenia ogólnego, wykorzystując zarówno spektakularne możliwości lamp, jak i ich właściwości użytkowe. Pojawienie się przełączników, a następnie reostatów rozpoczyna etap kształtowania się nowoczesnych zasad oświetlenia przestrzeni teatralnej.

Właściwości światła elektrycznego (w odniesieniu do teatru)

Jasność i temperatura barwowa

Niewielkie, liczne źródła światła oświetlają aktorów i scenerię jasnymi promieniami, widmo emisji jest bliższe światłu słonecznemu w porównaniu do świec.

Zdalna lokalizacja lampy względem obiektu oświetlanego

Nawet zwykła lampa może być umieszczona znacznie dalej od oświetlanego obiektu.

Światło kierunkowe. Pojawienie się pełnoprawnych reflektorów

Za pomocą reflektora, soczewek i innych urządzeń możliwe staje się skierowanie wąskiej, skupionej wiązki światła na aktora lub scenografię bez narażania sąsiednich obszarów.

Kolorowe światło

Pojawienie się taniego kolorowego szkła, a następnie celuloidu, umożliwiło szerokie zastosowanie filtrów świetlnych. Możliwości światła na scenie wzrosły o kilka rzędów wielkości.

Regulowane światło

Stało się możliwe łatwe i szybkie włączanie i wyłączanie światła z odległego punktu, a co najważniejsze z jednego miejsca. Pojawienie się reostatów umożliwiło płynną zmianę intensywności lampy.

Rozszerzone możliwości rozmieszczenia źródeł światła

Nie ma konieczności posiadania bezpośredniego dostępu do lamp. Teoretycznie reflektor można umieścić w dowolnym optymalnym miejscu. Klasyczne „zawieszanie” sprzętu oświetleniowego zaczęło nabierać kształtu. Do tradycyjnych ramp proscenium i horyzontu dodano skrzynki oświetleniowe, reflektory, galerie i kratownice belek bocznych.

Można powiedzieć, że w pierwszej połowie XX wieku układ scenicznego oświetlenia scenicznego i zasady lekkiej konstrukcji otrzymały nowoczesne, kompletne cechy i do dziś nie zaszły istotne zmiany w estetyce oświetlenia scenicznego.

W kolejnych rozdziałach przestudiowanie sceny pudełkowej, zasad oświetlenia itp. faktycznie zapoznamy się z fundamentami założonymi w pierwszej połowie XX wieku.

Koncepcja artystyczna oświetlenia elektrycznego w teatrze

Pragnę zauważyć, że rozwój oświetlenia scenicznego w szczególności i sztuki teatralnej w ogóle nie następuje w oderwaniu od światowych praktyk artystycznych.

Różne gatunki sztuki teatralnej, od początków teatru aż po współczesność, stawiają różne wymagania scenie w ogóle, a światłu w szczególności.

W różnych epokach wymagania dotyczące światła były bardzo zróżnicowane: od maksymalnego realizmu po maksymalną fantazję. Swoje żądania przedstawiły także różne gatunki sztuk performatywnych.

Pojawienie się elektryczności pozwoliło uznać światło za narzędzie uniwersalne, ale bardzo elastyczne, łatwo dostosowujące się do różnych wymagań.

Na początku XX wieku samo pojęcie sztuki ostatecznie wyłoniło się jako odrębny obszar działalności człowieka. Stopniowo, na przestrzeni wieków, poeci, muzycy, malarze, reżyserzy i choreografowie zaczęli postrzegać siebie nie jako rzemieślników użytkowych, ale jako twórców. Dopiero przełom XIX i XX wieku, kiedy sztuka w końcu się zrealizowała, dał potężny, nieznany wcześniej impuls do rozwoju najnowszych trendów w sztuce. Do teatru w końcu przybyli artyści, reżyserzy i kompozytorzy, zacierając, a właściwie poszerzając jego granice artystyczne, tworząc zasadniczo nowe kryteria percepcji i konstruowania przestrzeni wizualnej. W tym czasie narodziła się ogromna liczba nowoczesnych technik, pomysłów i koncepcji.

Pierwsze eksperymenty z światło i dźwięk Instrumenty Skriabina, obrazy świetlno-dźwiękowe kompozytora Čiurlionisa, „muzyka światła” Wilfrieda, teatralne eksperymenty i techniki oświetleniowe scenografii A. Zaltsmana, A. Appiaha, A. E. Blumenthala-Tamarina, E. F. Bauera, urządzenie projekcyjne – elektrotachiskop Ottomara Anschutza - To tylko kilka przykładów.

Godne szczególnej wzmianki Moskiewski Teatr Artystyczny, kierowany przez głównego reżysera K. S. Stanisławskiego i reżysera V. I. Niemirowicza-Danczenki. Ilość, a co najważniejsze, jakość nowych technik i podejść do inscenizacji spektaklu, faktycznie ukształtowała współczesną światową szkołę teatru klasycznego.

Rewolucyjne wstrząsy pierwszej połowy XX wieku w życiu publicznym znalazły odzwierciedlenie także w sztuce. Różne teatry w różnych stylach stawiały przed sobą różne zadania. Światło elektryczne umożliwiło rozwiązywanie różnorodnych problemów artystycznych tak różnym charyzmatycznym postaciom teatralnym jak: Vs. Meirholda, A. Tairowa, M. Reinharda i oczywiście B. Brechta.

Od artystów teatralnych początku XX w. podam tylko wybrane nazwiska: G. Craig, K. Malewicz, L. Bakst, A. Golovin, N. Sapunov, F.-T. Marinetti, E. Prampolini, I. Bilibin. Tematyka rozwoju scenografii wykracza poza zakres tego podręcznika, stanowiąc szczególną warstwę kultury teatralnej.

Niezmiernie ważne jest, że postęp technologiczny stworzył najpierw nowe urządzenia. Następnie urządzenia te zostały zintegrowane ze sferą rozrywki i ogólnego gospodarstwa domowego. I dopiero po długim procesie artystycznego zrozumienia oferowanych możliwości uformowała się cała warstwa postaci artystycznych, które potrafiły organicznie zastosować technologię na polu artystycznym.

Połowa XX wieku. Pojawienie się zawodu artysty oświetleniowego.

W XX wieku pojawiło się zasadniczo nowe podejście do rozwiązywania przestrzeni scenicznej - tworzenie samej scenografii we współczesnym znaczeniu tego słowa. Różnorodność gatunków i różne szkoły teatralne wymagały pojawienia się artystów, którzy umieli pracować z przestrzenią, nie wykorzystując w swoich pracach płaszczyzn płótna ani tła (choć to oni kultywowali iluzję głębi przestrzeni), ale prawdziwie trójwymiarowa przestrzeń wypełniona trójwymiarową scenerią i światłem elektrycznym. Od nowych scenografów wymagana była znajomość technologii inżynierskich z zakresu mechaniki, chemii, optyki i elektryczności. Wymagana ilość wiedzy rosła wykładniczo z każdym rokiem. Naturalnie artysta, nawet wąsko teatralny, nie mógł dokładnie przestudiować wszystkich technologii. Inżynierowie i technicy z kolei nie mogli do końca zrozumieć artysty, gdyż kryteria komunikacji były inne.

W rezultacie pojawili się specjaliści, artyści-technologowie, zlokalizowani na styku sztuki i technologii. Specjalistów od oświetlenia zaczęto nazywać projektantami oświetlenia. De facto projektant oświetlenia jest „tłumaczem” pomiędzy hardwarem a sztuką.

O ile wiem, podobna tendencja istnieje do dziś we wszystkich gatunkach sztuk performatywnych, w których obecny jest reżyser i scenograf. Wyjątkiem jest sytuacja, gdy scenograf lub reżyser ma zawód technologa lub funkcje reżysera lub scenografa przejmuje projektant oświetlenia.

Pojawienie się nowego zawodu wymagało także stworzenia szkoły oświetlenia scenicznego. W połowie XX wieku, a dokładniej w latach 40., ukazał się pierwszy radziecki podręcznik oświetlenia Nikołaja Izwiekowa „Światło na scenie”. W latach 60. ukazała się „encyklopedia” technologii teatralnej „Technika i technologia sceniczna” Vadima Bazanowa. Książki te, wraz z publikacjami mojego nauczyciela B. Sinyaczewskiego, założyciela artystycznych usług oświetleniowych Leningradzkiego Teatru Dramatycznego Bolszoj i Wielkiej Sali Koncertowej, nie straciły na aktualności i do dziś stanowią podręczniki dla wielu artystów. Niestety, na świecie jest katastrofalnie mało książek. Zaledwie 40 lat później, już w naszych czasach, w Rosji pojawił się nowy podręcznik oświetlenia teatralnego autorstwa D. G. Ismagilowa, E. P. Drevalevy „Oświetlenie teatralne” i moje notatki. Dużą popularnością cieszy się książka M. Kellera „This Fantastic Light”.

Bardzo kuszące jest przeczytanie jej od deski do deski, ale chcę zachować różne punkty widzenia na inscenizowane oświetlenie, więc na razie powstrzymam się od jej czytania. W każdym razie gorąco polecam czytelnikom przeczytanie obu podręczników w celu znalezienia złotego środka.

Nie mogę nie zwrócić uwagi na „szkołę” oświetlenia scenicznego, która do dziś zachowała się w petersburskim Teatrze Twórczości Młodzieży i jej nauczycielach E. Chernovej i V. Bulygina.

Kino i teatr

Wraz z pojawieniem się pierwszej „latarni magicznej” możliwe stało się wykorzystanie projekcji dynamicznej i statycznej.

Od czasu pojawienia się braci Lumiere dwaj odwieczni rywale i antagoniści teatru i kina nieustannie wpływają na siebie i uzupełniają. Jestem prawie pewien, że w okresie przedkinowym z kamery obscura korzystali nie tylko malarze, ale także widzowie teatru. Pojawienie się urządzeń projekcyjnych, a następnie projektorów filmowych, od razu znalazło zastosowanie w teatrze. Tytuły, tła projekcyjne, zbliżenia – cały arsenał kina był używany w teatrze na długo przed pojawieniem się projektorów wideo. Wystarczy podać przykład epidiaskopu, który pozwala „na żywo” wyświetlić na ekranie zbliżenie twarzy aktora. Prawdziwy rozkwit technologii projekcyjnych i artystyczna interpretacja tych technologii wiąże się z połową XX wieku i praskim teatrem „Laterna Magica” pod dyrekcją I. Svobody. Prawie wszystkie techniki artystyczne i techniczne stosowane we współczesnej projekcji wideo były wielokrotnie testowane w tym teatrze. Oczywiście wraz z I. Swobodą rozpoczyna się odliczanie do wyłonienia się samego teatru światła jako niezależnej formy sztuki.

Światło w XX wieku jako niezależna forma sztuki

Rozkwit techniczny i estetyczny eklektyzm nowoczesności i ponowoczesności XX wieku dały początek nowym gatunkom sztuk pięknych:

Lekka muzyka. Kolorowa muzyka.

Idee, które sporadycznie pojawiały się w „kolorowym przesłuchaniu” niektórych kompozytorów, zwłaszcza Rimskiego-Korsakowa, zostały opracowane przez dwóch znakomitych kompozytorów przełomu XIX i XX wieku.

Kompozytor i malarz M. Cherlionis stworzył dzieła muzyczne i obrazy o tym samym tytule.

A. Skriabin postawił tezę o zgodności nut i tonów barwnych, dzięki niemu pojawił się gatunek muzyki kolorowej. Gatunek ten gwałtownie się rozwinął w latach 60. i 70. dzięki I. Vanechkinowi i B. Galeevowi oraz ich kazańskiej SKB „Prometheus”. Dalszy rozwój pomysłu należy do B. Sinyachevsky'ego (Leningrad), Y. Pravdyuka (Charków) i S. Zorina (Moskwa).

Techniki artystyczne i osiągnięcia inżynieryjne stworzone przez tych autorów są nadal stosowane.

Wielu połączonych operatorów filmowych stało się „prekursorami” grafiki komputerowej, w szczególności inny z moich nauczycieli, B. Travkin (Mosfilm).

Oprócz muzyki rozrywkowej pojawia się gatunek instalacji świetlnych, sztuki wideo i architektonicznych performansów świetlnych.

Światło koncertowe

Od momentu „wyjścia” muzyków z orkiestronu na scenę, zwłaszcza w obliczu rozwoju jazzu i różnych gatunków popu, istnieje potrzeba ich reportażu. Muzycy stopniowo tracą kontakt ze światem teatralnym. Techniki oświetleniowe pozostają czysto teatralne lub użytkowe. Wraz z nadejściem rock and rolla pojawia się potrzeba występów koncertowych. Podstawy teatralne pozostają, dodano jednak specyfikę muzyczną. W rzeczywistości od czasu pojawienia się rockowego show zawód „projektanta oświetlenia” stał się stosunkowo niezależny i nabrał własnych cech.

Należy zauważyć, że podstawa zawodu pozostaje teatralna. Dalszy rozwój nurtów muzycznych: rave, rap, alternatywa - nie wnosi nowych impulsów do rozwoju zawodu, lecz prowadzi do uproszczenia wielu funkcji projektanta oświetlenia.

Kierunki rozwoju techniki teatralnej i koncertowej od początku XX wieku do współczesności

Poszukiwania i odkrycia artystów teatralnych na początku XX wieku zdeterminowały rozwój teatru światowego na wiele lat. Nowoczesne technologie rozwijają jedynie kierunki wyznaczone kilkadziesiąt lat temu. Pomysły scenografów, którzy pracowali na początku XX wieku, nie są jeszcze wyczerpane i zapewniają dziś ogromną przestrzeń eksperymentów scenografom.

Moim, być może kontrowersyjnym zdaniem, wszystkie współczesne artystyczne techniki oświetleniowe ukształtowały się ostatecznie dopiero w pierwszej połowie XX wieku.

Zasadniczymi innowacjami był wygląd reflektorów soczewkowych i wielokanałowy mechaniczny system sterowania światłem.

Od tego czasu intensywny rozwój nastąpił wyłącznie w kierunku technicznym. Komponent artystyczny rozwinął się jedynie szeroko. Pomimo pozornie gigantycznego przełomu w technice oświetleniowej, przez całą drugą połowę XX wieku nie pojawiły się żadne zasadniczo nowe technologie oświetleniowe, które znacząco zmieniły proces artystyczny.

Mogę przytoczyć tylko jeden bezsporny czynnik, który wpłynął na zmianę estetyki światła. Pojawienie się w latach 60. potężnych, małych reflektorów lotniczych umożliwiło stworzenie całego systemu podświetlenia, co doprowadziło do narodzin urządzenia PAR64. Technikę tę wzmocniło wynalezienie gliceryny, a następnie „olejowego” „lekkiego dymu”, który zastąpił żrącą kalafonię „dymem pawilonowym” lub „ciężkim dymem” pełzającym po ziemi.

Reszta różnorodnej technologii albo służy klasycznym zadaniom, jest wykorzystywana jako efekt, albo wciąż czeka na rozwinięcie.

Jak wspomniano powyżej, ogólny rozwój technologii daje impuls do rozwoju komponentu artystycznego. Istnieje również proces odwrotny. Rosnąca złożoność zadań artystycznych stymuluje rozwój specyficznych technologii teatralnych i koncertowych.

Rozwój technologii teatru oświetleniowego tradycyjnie szedł w czterech kierunkach:

A) Zwiększenie jasności(moc świetlna) źródeł światła. Zwiększona wydajnośćźródła światła. Redukcjaźródło światła. Udoskonalanie układów optycznychźródła światła.

Etapy rozwoju:łuk galwaniczny, lampa żarowa, lampa niskonapięciowa, lampa halogenowa, lampa ksenonowa, lampa metalohalogenkowa, LED.

B) Poszerzanie różnorodności urządzenia oświetleniowe. Wysokość wszechstronność wielofunkcyjne grupy urządzeń i wzrost ich liczby wysoce wyspecjalizowany, jednofunkcyjne urządzenia oświetleniowe.

Etapy rozwoju urządzeń wielofunkcyjnych: reflektor punktowy z osłoną, reflektor bezsoczewkowy z odcięciem i przeciwodblaskiem, reflektor soczewkowy typu PISI, zmieniacz kolorów, ruchoma głowica.

Etapy rozwoju urządzeń jednofunkcyjnych: podział opraw na reflektory i naświetlacze.

Etapy rozwoju reflektorów: Reflektory podzielono na reflektory typu PAR64, profile, urządzenia projekcyjne i urządzenia śledzące.

Etapy rozwoju urządzeń „zalewowych”:„Wypełnienie” podzielono na wielokomorowe lampy rampowe i horyzontalne, urządzenia „bijące” i architektoniczne zmieniacze kolorów.

V) Doskonalenie systemów sterowania oświetleniem.

Elastyczne sterowanie rozpoczęło się wraz z pojawieniem się prostego przełącznika, następnie pojawiły się reostaty, które umożliwiły zmianę napięcia i odpowiednio ciepła lampy. Reostaty zastąpiono autotransformatorami o zmiennym napięciu wyjściowym. Pojawienie się autotransformatorów ze wspólnym rdzeniem i wieloma powłokami szczotkowymi umożliwiło stworzenie regulowanego wielokanałowego systemu sterowania. Pojawiły się mechaniczne regulatory oświetlenia i rozpoczął się podział regulatorów na część mocy i sterowania warunkowego. Pojawienie się tyratronów lampowych, a później tyrystorów, umożliwiło ostateczne oddzielenie części sterującej od części zasilającej. Pojawienie się „napięcia sterującego” tyrystora umożliwiło najpierw stworzenie pilota z „programowaniem ręcznym”, następnie pilota z pamięcią elektroniczną, a na koniec - pilotów sterowanych komputerowo.

G) Tworzenie efektów i zasadniczo nowych urządzeń oświetleniowych.

Pojawienie się potężnych projektorów filmowych i slajdów umożliwiło tworzenie zestawów projekcyjnych. Pojawienie się projektorów wideo, kamer wideo i komputerów znacznie ułatwiło tworzenie dynamicznych treści. Moc i mobilność projektorów wideo umożliwiła wykorzystanie ich jako specjalnego reflektora, kierującego strumień światła nie tylko na ekran, ale także na dowolny niezbędny obiekt. Tworzenie filmów pseudoholograficznych pozwala „zawiesić” obraz w powietrzu.

Pojawienie się paneli i girland „biegających” lamp w połowie lat trzydziestych XX wieku poprzedziło powstanie ekranów LED 70 lat później. Wraz z pojawieniem się diod LED jasność obrazów na ekranie znacznie wzrosła, a diody LED mogły konkurować z oświetleniem słonecznym. Dodatkowo panele LED można dowolnie aranżować, co pozwala na „ucieczkę” od tradycyjnego „wielkiego telewizora” na scenie.

„W naszych czasach jesteśmy świadkami bolesnych prób wykorzystania diod LED jako źródła światła w tradycyjnych reflektorach. Po skorygowaniu temperatury barwowej i udostępnieniu tanich niebieskich diod LED sytuacja może radykalnie się poprawić. Być może to właśnie diody LED dadzą impuls nowemu podejściu do oświetlenia budynków.”

Powyższe wersety zostały napisane kilka lat temu. Do chwili obecnej problem został całkowicie rozwiązany. Dobra temperatura światła, wysoka skuteczność świetlna i wygodne sterowanie umieściły technologię LED w gronie wiodących technologii.

W połowie XX wieku wynaleziono rewolucyjne źródło światła – laser. Niestety w praktyce teatralnej i koncertowej zastosowanie laserów zostało zredukowane do atrakcji. Podobny los spotyka lampy błyskowe. Wykorzystujące je światło stroboskopowe stało się „dyskotekowym” przekleństwem teatru i sali koncertowej.

Lampy ultrafioletowe i farby luminescencyjne zrobiły furorę w scenografii lat 60. i 70. XX wieku. Obecnie w przedstawieniach teatralnych wykorzystuje się je bardziej powściągliwie i organicznie.

„Pojawienie się inteligentnych urządzeń dynamicznych typu „skaner”, a następnie urządzeń typu „ruchoma głowa”, wbrew oczekiwaniom, nie przyniosło jeszcze znaczących, oczekiwanych owoców w ogólnej estetyce światła artystycznego. Być może jest to właśnie rosyjska specyfika. Faktem jest, że „ruchoma głowa”, pierwotnie stworzona jako uniwersalne urządzenie teatralne z pilotem, nie jest wystarczająco używana w teatrze. Są co najmniej cztery powody:

1. Niskie przygotowanie reżyserów, artystów teatralnych i pracowników teatru.
2. 2. Reputacja urządzenia z „ruchomą głową” została zepsuta przez środowisko koncertowe (kupiec zwyczajowo kupuje „ruchome głowy” i wykorzystuje je jako skanery, bezpodstawnie rezygnując z tego ostatniego).
3. 3. Obecność mechanicznego ściemniacza i żarówki halogenowej, co jest rzadko spotykane w „filmowcach”.
4. 4. Drogie.

Niemniej jednak element estetyczny dynamicznego światła intelektualnego zaczyna się już szlifować w praktyce koncertowej, obok teatru.”

A te wersety zostały napisane 6 lat temu, w poprzednim wydaniu podręcznika. W tym czasie w środowisku teatralnym w końcu nastąpiła jakościowa zmiana świadomości i konserwatywni artyści teatralni zaczęli wreszcie wykorzystywać tę gamę środków w swojej praktyce.

Podsumowując, chciałbym jaśniej podsumować to, co powiedziano powyżej:

Ostateczna formacja teatru klasycznego.

W połowie XIX wieku główne cechy sceny klasycznej otrzymały swoje ukończone formy. Powstała jedynie architektura sceny. Oświetlenie sceniczne czekało na rewolucyjne zmiany.

Pojawienie się elektryczności. Lampy łukowe. Lampa żarowa.

Wraz z pojawieniem się żarówek, przełączników, a następnie reostatów rozpoczyna się etap kształtowania nowoczesnych zasad oświetlenia scenicznego.

Właściwości światła elektrycznego(w odniesieniu do teatru) .

1. Jasność i temperatura barwowa.
2. Zdalna lokalizacja lampy względem obiektu oświetlanego.
3. Światło kierunkowe. Pojawienie się pełnoprawnych reflektorów.
4. Kolorowe światło.
5. Regulowane światło.
6. Rozszerzone możliwości umieszczania źródeł światła. Początek kształtowania się klasycznego „wiszenia” sprzętu oświetleniowego.

Już w pierwszej połowie XX wieku umiejscowienie zespołu oświetlenia scenicznego i zasady lekkiej konstrukcji otrzymały nowoczesne, kompletne cechy

Pojawienie się elektryczności umożliwiło uznanie światła za narzędzie uniwersalne, ale bardzo elastyczne, które można łatwo dostosować do różnych wymagań.

Postęp technologiczny stworzył najpierw nowe urządzenia.

Następnie urządzenia te zostały zintegrowane ze sferą rozrywki i ogólnego gospodarstwa domowego. I dopiero po długim procesie artystycznego zrozumienia oferowanych możliwości uformowała się cała warstwa postaci artystycznych, które potrafiły organicznie zastosować technologię na polu artystycznym.

Połowa XX wieku. Pojawienie się zawodu artysty oświetleniowego

Pierwotny utylitaryzm zawodu. Projektant oświetlenia jest pośrednikiem pomiędzy reżyserem, scenografem i sprzętem.

Światło w XX wieku jako niezależna forma sztuki

Pojawienie się artysty oświetleniowego jako niezależnej jednostki twórczej.

Wzajemna integracja kina i teatru

Światło koncertowe.

Początek pewnego rozdziału oświetlenia koncertowego i teatralnego.Na obecnym etapie sytuacja niestety tylko się pogarsza.

Inscenizowane oświetlenie naszych dni. Krótka ocena obecnej sytuacji.

Pod koniec XX wieku koncepcja oświetlenie sceniczne. Nowoczesne oświetlenie sceniczne należy rozpatrywać zarówno z punktu widzenia technologicznego, jak i artystycznego. Wiele elementów istnieje nierozerwalnie od siebie i jest tak ze sobą powiązanych, że czasami nie wiadomo, gdzie kończy się technologia, a zaczyna sztuka.

Poszukiwania i odkrycia artystów teatralnych na początku XX wieku zdeterminowały rozwój teatru światowego na wiele lat. Nowoczesne technologie rozwijają jedynie kierunki wyznaczone kilkadziesiąt lat temu.

Ogólny rozwój technologii daje impuls do rozwoju komponentu artystycznego. Istnieje również proces odwrotny. Rosnąca złożoność zadań artystycznych stymuluje rozwój specyficznych technologii teatralnych i koncertowych.

Kierunek rozwoju technologii w XX wieku podąża następującymi kierunkami:

Kierunki technologiczne

1. Zwiększanie jasności (strumień świetlny) źródeł światła. Zwiększenie wydajności źródeł światła. Zmniejszenie rozmiaru źródła światła. Doskonalenie układów optycznych źródeł światła.
2. Poszerzenie gamy urządzeń oświetleniowych. Zwiększona uniwersalność wielofunkcyjnych grup urządzeń oraz wzrost liczby wysokospecjalistycznych, jednofunkcyjnych urządzeń oświetleniowych.
3. Doskonalenie systemów sterowania oświetleniem.
4. Tworzenie efektów i zasadniczo nowych urządzeń oświetleniowych.

Kierunki artystyczne

1. Estetyczne rozumienie nowoczesnych, szybko rozwijających się technologii. Świadomość obecności odpowiednich i niewłaściwych technik i urządzeń, w przeciwieństwie do obecności dobrych i złych urządzeń i technik.
2. Stworzenie jednolitej teorii oświetlenia scenicznego. Metodologie. Filozofia i ostatecznie stworzenie jednolitej, nowoczesnej szkoły oświetlenia scenicznego z wieloma kierunkami.
3. Łączy teatr z koncertem.
4. Stworzenie całkowicie nowego schematu ujednoliconego oświetlenia scenicznego za pomocą projekcji wideo.

Aby opisać cechy współczesnego oświetlenia scenicznego, należy poruszać się po różnorodności oferowanego arsenału, zarówno środków technicznych oświetlenia scenicznego, jak i technik artystycznych.

W częściach III-V tego podręcznika szczegółowo zostanie omówiony obecny etap rozwoju oświetlenia scenicznego.

Perspektywy rozwoju techniki oświetleniowej i komponentu artystycznego

Pojawienie się głowic wideo i skanerów wideo, wzrost strumienia świetlnego projektorów wideo, powstanie projektorów wideo LED, a w przyszłości laserowych, połączonych w jeden system wizualny z systemem rejestracji i przetwarzania wideo w rzeczywistości czasu, umożliwia teraz stworzenie całkowicie nowego schematu ujednoliconego oświetlenia scenicznego. Zasada nowego podejścia polega nie tylko na rozszerzeniu możliwości projekcji wideo do rozsądnych granic, ale także na zasadniczo nowym systemie sterowania wiązką wideo. Kształt i kolor belki staje się nie tylko prywatną cechą belki, ale także niesie ze sobą obraz, który można dowolnie zmieniać. Video mapping, który stał się już klasykiem, ma jeszcze niezrealizowane perspektywy: na razie jest to tylko frontalne, ale co stoi na przeszkodzie, aby przy projekcji wideo zastosować zasadę trzypunktowego oświetlenia? Ekrany LED o małej rozstawie pikseli, dowolnie dzielone na klastry i w razie potrzeby przezroczyste, pozwalają teraz tworzyć nie tylko scenografię, ale scenografię wielowarstwową i dynamiczną. Sterowanie strumieniami wideo oraz synchronizacja ze światłem i mechaniką pozwala nie tylko tworzyć obrazy pseudoobjętościowe, ale także improwizować z obrazami w czasie rzeczywistym.

Zakończenie pierwszej części

Inscenizowane oświetlenie naszych dni ma co następuje osobliwości:

Techniczny: preferencyjne wykorzystanie mocnych, elektrycznych źródeł światła kierunkowego o zwiększonej skuteczności świetlnej i elastycznym systemie sterowania.

Ergonomiczny: źródła światła znajdują się w pewnej odległości od obiektu oświetlenia, rzadko stosuje się lokalne źródła światła.

Artystyczne: o Ponownie oświetlenie artystyczne pozostało niezmienione od połowy XX wieku. Rozwijane są głównie metody technologiczne. Wyjątkiem jest wykorzystanie oświetlenia dynamicznego w postaci ruchomych promieni oraz powszechne wykorzystanie nagrań wideo z koncertów.

Natychmiastowe trendy rozwojowe: pojawienie się potężnych, małych projektorów umożliwia zasadniczą zmianę zasady kształtowania kształtu i koloru wiązki. Do niedawna kształt wiązki kształtował klasyczny układ optyczny i różne urządzenia mechaniczne, a barwę zmieniano, głównie za pomocą filtrów świetlnych. Następnie, wraz z pojawieniem się projekcji wideo, kształt i kolor wiązki powstaje na matrycy projektora i zmienia się natychmiast w absolutnie nieograniczonych granicach. Stopniowe odejście od „klasycznego koła” wiązki spowoduje jakościowy skok w oświetleniu scenicznym.

Pojawienie się projekcji wideo znacząco wpływa również na podstawowe podejście do tworzenia oświetlenia scenicznego. Po pierwsze, w scenografii pojawia się bardzo silna dominująca dominująca postać „samoświecącego” obrazu wideo, który przy tym nie jest statyczny. Gdy tylko scenografowie i reżyserzy zrozumieją możliwości projekcji wideo i pokonają bezwładność wideo scenicznego w postaci „wielkiego telewizora” na scenie, pojawią się zasadniczo nowe, złożone rozwiązania scenograficzne.

Po drugie, zbliżenie dwóch profesji: artysty oświetlenia i artysty mediów (wideo), pozwoli temu pierwszemu zastosować możliwości wideo bezpośrednio w świetle, a drugiemu wykorzystać swoją wiedzę i gust w tworzeniu wspólnej przestrzeni świetlnej.

Jako przykład podam tzw. „mapping” – technikę projekcji wideo, która umożliwia rzutowanie na obiekt własnego obrazu, edytowanego i dynamicznie zmienianego za pomocą grafiki komputerowej. W rzeczywistości proces mapowania to proces „rozciągania” tekstury na „gładki” obiekt wolumetryczny.

Stosując mapowanie nie tylko z przodu, ale także z boku i z tyłu, uzyskujemy zasadniczo nową, prawdziwie przestrzenną scenografię.

Głowice wideo znacznie urozmaicają także możliwości projektanta oświetlenia.

Jedynymi czynnikami ograniczającymi taki scenariusz są konserwatyzm myślenia, stosunkowo wysoki koszt elementu do projekcji wideo oraz stosunkowo niski strumień świetlny przy stosunkowo dużych gabarytach sprzętu.

Tak naprawdę jesteśmy o krok od zupełnie nowego podejścia do oświetlenia scenicznego i scenografii.

Perspektywy długoterminowe są widoczne w rozwoju technologii hologramów. Konsekwencją tego będzie zastosowanie samoświecącej, błyskawicznie zmieniającej się, wolumetrycznej dekoracji niepodlegającej żadnym ograniczeniom

Wywiad przeprowadziła Maria Miedwiediew

Wizytówka

Anna Makhortowa, 20 lat. Asystent projektanta oświetlenia w moskiewskim teatrze muzycznym „Monoton”. Student MGTT nazwany imieniem. L. Filatowa.

Z ich twórczością spotykamy się nieustannie: w teatrze, na koncercie, na imprezie dla dzieci, gdzieś w zwykłym domu kultury. Spotykamy się z tym, ale nie zastanawiamy się nad tym, wynik tej pracy jest tak naturalny i znajomy. Jednak nieobecność tych osób w miejscu pracy to koszmar dla każdego reżysera czy aktora. Ci ludzie to artyści oświetlenia, „specjaliści od światła”. Udało mi się porozumieć z jedną z nich, bardzo wesołą i entuzjastyczną uczennicą Anyą.

Czym zajmuje się projektant oświetlenia? Jakie są jego obowiązki?

Głównym i głównym zadaniem projektanta oświetlenia jest zapewnienie elementu świetlnego spektaklu, musicalu lub koncertu. Projektant oświetlenia wymyśla, jakie oświetlenie i w jakim momencie będzie na scenie, jeśli reżyser tego nie zrobi. Generalnie reżyserzy często nic z tego nie rozumieją, a wtedy projektant oświetlenia może całkowicie zaprojektować oświetlenie na potrzeby spektaklu. Jeśli reżyser jest osobą zainteresowaną i wszechstronną, tak jak powinien, to on i projektant oświetlenia mogą to przedyskutować, reżyser może spisać partyturę i wtedy projektant oświetlenia będzie raczej performerem. Cały występ rejestrowany jest jako sekwencja włączania „świateł” na panelu sterowania, a podczas akcji nie trzeba niczego wymyślać ani eksperymentować – wszystko zostało wcześniej sprawdzone. Pozostaje tylko włączyć określony przycisk na czas. Ale proces opracowywania tego wszystkiego jest dość długi i pracochłonny, ponieważ trzeba wziąć pod uwagę wiele: zgodność kolorów, intensywność oświetlenia i tak dalej.

Aniu, jak to się stało, że zaangażowałaś się w taki biznes? Czy ma to coś wspólnego z Twoim przyszłym zawodem?

Studiuję w Filatov Theatre College, a uczelnia ma własny teatr. Studiuję, aby zostać menadżerem działań społecznych i kulturalnych. Kiedy byłam studentką pierwszego roku, projektant oświetlenia naszego teatru poszukiwał wśród studentów asystenta na pół etatu. Zaproponował to naszym chłopakom, ale z jakiegoś powodu wszyscy odmówili. A potem zacząłem go wypytywać, mówiąc, że w tym zawodzie płeć nie ma znaczenia i że byłbym bardzo zainteresowany pracą w tym zawodzie. Rozpocząłem naukę w college'u w wieku 16 lat, więc wydział personalny nie mógł mnie zarejestrować. Poprosiłem więc o tę pracę na kolejne dwa lata. Gdy osiągnąłem wymagany wiek, od razu zostałem zatrudniony. Pracowałem już trzy lata.

Nie jestem jeszcze projektantem oświetlenia, a jedynie jego asystentem. Chociaż w przyszłości możliwy jest wzrost. Na chwilę obecną sam niczego nie wymyślam, robi to mój szef. Ustawia określone pozycje w programie pilota, a ja w trakcie występu monitoruję poprawność wykonania tego programu, przełączając zaprogramowane wcześniej przyciski. Oczywiście uczę się wszelkich trików i cech pracy ze światłem, dzięki czemu w przyszłości będę mogła pracować jako projektant oświetlenia.

Więc ta praca była dla ciebie interesująca sama w sobie?

Tak. Moja starsza siostra pracuje jako reżyser filmowy. Często odwiedzałem plan zdjęciowy i wtedy też chciałem pracować w kinie. Pomyślałem, że do normalnej, wysokiej jakości pracy ważne jest, aby spróbować poznać jak najwięcej obszarów organizacji procesu od wewnątrz, aby móc później kompetentnie zarządzać i wyznaczać odpowiednie zadania swoim podwładnym.

Po drodze szczerze zafascynowałem się samym procesem, zacząłem interesować się niuansami i tym, czego nie potrzebowałem bezpośrednio w swojej pracy, ale dla siebie. Początkowo tak nie było.

Powiedz mi, czy zanurzenie się w tym zawodzie zmieniło coś w Twoim światopoglądzie?

Jeśli mówimy o światopoglądzie, to nie są to takie subtelne rzeczy. Zacząłem jednak lepiej rozumieć kombinacje kolorów. Wchodząc do pokoju zwracam uwagę na światło. I jeśli się nad tym zastanowić, to tak, nastąpiła pewna deformacja zawodowa. Teraz, kiedy przychodzę na spektakl lub koncert, zwracam uwagę przede wszystkim na światło. Następnie zadaję szefowi pytania dotyczące tego, co zostało zrobione, jak i dlaczego dokładnie. Nie mogę już spokojnie patrzeć na to, co dzieje się na scenie. Jak ja i moja siostra nie możemy normalnie chodzić do kina (śmiech). Ogólnie rzecz biorąc, kiedy przychodzisz do pracy w sektorze kultury i rozrywki, zaczynasz zwracać na to wszystko uwagę, wypróbowywać to na sobie i swoich przyszłych projektach. Kiedy więc przychodzę na koncert, skupiam się nie na swoich odczuciach i wrażeniach, ale na analizie tego, co się dzieje. To jest inny poziom i moim zdaniem o wiele ciekawszy.

Szczerze mówiąc, zakres moich zainteresowań nieco się zmienił. Nowe urządzenia, techniki. To wszystko jest tak niezwykłe, że chcę to przestudiować i zrozumieć. Byłem niedawno na koncercie zagranicznego artysty, który przyjechał z własnym sprzętem - patrzyłem tylko na ten sprzęt, na to, jak kolor i światło łączą się z muzyką, pracując w tym samym rytmie. Chciałam móc z tym wszystkim pracować, wszystkiego dotknąć i poczuć. Abyś sam mógł potem stworzyć coś, na co widz będzie mógł powiedzieć: „Wow!”

Jakie cechy powinna posiadać osoba chcąca pracować jako projektant oświetlenia?

Prawdopodobnie wszystkie subtelności zostaną poznane podczas procesu pracy. Ale z pewnością musi istnieć pewne wyczucie koloru i światła. Oczywiste jest, że osoba niewidoma na kolory nie może zostać projektantem oświetlenia. Trzeba mieć dobrze rozwiniętą intuicję, aby zrozumieć, czy na głównego bohatera jest wystarczająco dużo światła, czy warto postawić na czerwień i pomarańcz, czy też trzeba dodać trochę zimnego oświetlenia.

Jeśli chodzi o szkolenia: oczywiście są kursy. Wiem, że VGIK ma kursy. Ale ja np. nie ukończyłem żadnych kursów, zaczynałem od małych rzeczy, jak wcześniej jako praktykant. Mój szef wiele mnie nauczył i nadal uczy. Zdobywam doświadczenie z ręki do ręki. Tak, są błędy i gafy, ale od razu mam praktykę. Generalnie projektant oświetlenia to zwykły zawód. Mało kto chce się w to zagłębiać. O wiele ciekawiej jest być w oczach opinii publicznej: jako reżyser, jako aktor.

Jak poważne są błędy?

Oświetlenie jest integralną częścią spektaklu. Ktokolwiek. W ciemności widz nic nie zobaczy. Jednak nowoczesny sprzęt pozwala na znacznie więcej. Światło tworzy nastrój. Za pomocą światła można przedstawić deszcz, ogień, gwałtowne emocje bohaterów czy smutek. Miałem sprawę. Ponieważ sam nic nie przygotowuję, w przerwie poszedłem do bufetu, żeby coś przekąsić. Wracam na swoje miejsce na początku aktu, kurtyna się otwiera – i jest tzw. oświetlenie główne, jak na próbie. Aktorzy stoją, nie rozpoczynają akcji, czekają na odpowiednie oświetlenie. Ale go tam nie ma. A publiczność czeka, aż aktorzy coś zrobią. Pobiegłem, wcisnąłem przyciski - nic się nie zmieniło. Jakoś w połowie aktu oświetlenie zaczęło działać, musiałem zrestartować pilota. Potem aż do końca występu trzęsły mi się ręce. Na szczęście wszystko można było zrzucić na technologię, która, jak wiadomo, ma tendencję do usterek. Nie jest to jakiś rażący przypadek, ale spotkałem się z sytuacjami, gdzie słabe oświetlenie mocno psuło to, co działo się na scenie i nie pozwalało widzowi całkowicie zanurzyć się w świecie spektaklu.

Projektant oświetlenia to prawdziwy artysta. Dodaje to dodatkowego wymiaru występowi. To jak magiczna sztuczka w filmie – pierwszy plan, tło. Emocje, nastrój, pogoda. Wypuść dym lub bańki mydlane w odpowiednim momencie.

Co, czy projektant oświetlenia również jest za to odpowiedzialny?

Oczywiście na ten pomysł wpada reżyser, projektant oświetlenia może wpaść na pomysł, ale cały sprzęt jest podłączony do jednego pilota. Więc tak, jeśli to konieczne, robię dym, bąbelki lub robię inne efekty specjalne.

Czy zawód jest obiecujący? Czy jest duża konkurencja?

Lekkich pracowników jest obecnie dość dużo, ale mimo to nie można odmówić perspektyw tego zawodu. Każdy mały teatr, każda grupa, nawet mało znana, chce mieć swojego projektanta oświetlenia. Dzięki temu nie pozostaniesz bez pracy. Przemysł rozrywkowy rośnie, a wraz z nim zapotrzebowanie na projektantów oświetlenia. Wiadomo, że w niektóre fajne miejsca trudno się dostać, to zupełnie inny poziom, choć i tam nie ma wygórowanej konkurencji. Ale nawet przeciętny pracownik oświetlenia otrzymuje bardzo dobrą pensję, nie ryzykując utraty pracy, chyba że ciągle coś schrzani.

Czy planujesz kontynuować tę pracę po ukończeniu studiów?

Ciężko powiedzieć. Plany ciągle się zmieniają. Jeśli na początku studiów planowałem zostać producentem, teraz chcę zostać operatorem. W tym zawodzie zrozumienie światła jest bardzo ważne, dlatego moje obecne doświadczenie na pewno się przyda. Nie wiem, jak długo jeszcze będę pracować w naszym teatrze, bo wszystko w moim życiu zmienia się bardzo szybko. Ale na razie na pewno nie odejdę: to jest doświadczenie, to jest doświadczenie, to jest wiedza praktyczna. I to jest po prostu interesujące.