Rewolucja, głuchota, zakazana miłość, pustelnictwo: w jakich okolicznościach Goya stworzył niezwykły cykl obrazów na ścianach własnego domu

Mobilne studio fotograficzne Jeana Laurenta. 1872 Fotograf Laurent wykonał pierwsze zdjęcia fresków Domu Głuchych. Archiwum Ruiza Vernacciego

W maju 1814 roku przebywający od kilku lat na wygnaniu Ferdynand VII triumfalnie powrócił do Hiszpanii. Uchylił konstytucję z 1812 r., rozwiązał Kortezy i przywrócił władzę hiszpańskim Burbonom. Aresztowano wielu liberalnie nastawionych posłów i intelektualistów, wielu powieszono lub rozstrzelano.

Goya przyjaźnił się z wieloma „oświeconymi” liberałami. Choć początkowo budziły podejrzenia co do współpracy Goi z Francuzami i rząd króla José I został usunięty, Ferdynand VII go nienawidził, a pozycja artysty pozostała niepewna. Goya musiał ukryć wiele swoich obrazów w Akademii San Fernando, a on sam wyprowadził się z dworu.

W lutym 1819 roku 72-letni artysta kupił wiejski dom i 22 akry ziemi na przedmieściach Madrytu za 60 tysięcy reali, za mostem prowadzącym do Segowii, od łąki San Isidro (dziś jest to prawie centrum miasta) i żył jako pustelnik, nie przyjmując nikogo. Dziwnym zbiegiem okoliczności w sąsiednim domu mieszkał mężczyzna, który podobnie jak Goya był głuchy Goya stracił słuch w wyniku ciężkiej choroby, na którą cierpiał w latach 1792-1793. Prawdopodobnie było to zatrucie ołowiem (saturnizm), choć niektórzy badacze skłonni są wierzyć, że był to ciężki udar., dlatego miejscowi nazywali jego dom „quinta del sordo” – „dom głuchych”. Po śmierci Goi zaczęto tak nazywać jego dom, który niestety nie zachował się. Dziś na jego miejscu znajduje się stacja metra nosząca imię artysty – „Goya”.

Artysta osiedlił się tam ze swoją „gospodynią”, a właściwie przyjaciółką i partnerką życiową ostatnich lat, Leocadią Zorrilla Weiss. Poznali się latem 1805 roku na ślubie syna Goi i najwyraźniej natychmiast zostali kochankami. Ich związek nie ustał nawet po tym, jak Leokadia poślubiła w 1807 roku pewnego biznesmena niemieckiego pochodzenia, urodzonego w Madrycie. W 1812 r. jej mąż oskarżył Leokadię o niewierność, rozwiedli się, a w 1814 r. urodziła się jej córka Rosario. Dziewczyna otrzymała nazwisko Weiss, choć wielu uważa, że ​​​​była córką Goi: w każdym razie Goya traktował ją jak córkę do końca swoich dni, dużo z nią malował i rysował (Rosario został artystą po śmierci Goi śmierci była nawet blisko dworu i udzielała lekcji rysunku królowej Izabeli II).

Goya mieszkał w Domu Głuchych jako pustelnik, nikogo nie przyjmował, gdyż bał się oskarżeń ze strony Inkwizycji nie tylko o liberalne poglądy, ale także o niemoralne postępowanie. Jak się okazało 50 lat później, tam namalował ściany swojego domu: najpierw namalował kilka rozległych pejzaży, a następnie prawdopodobnie wiosną lub latem 1823 roku otynkował ściany nad starymi freskami i namalował 14 lub 15 olejów malowano na nich obrazy, które później zaczęto nazywać „czarnym malarstwem” (pinturas negras) ze względu na ponurą kolorystykę i tematykę przypominającą koszmary senne. Prace te nie miały odpowiednika w malarstwie tamtych czasów. Niektóre z nich pisane były na tematy religijne, inne na tematy mitologiczne, jak np. „Saturn pożerający swego syna”. W większości są to jednak tragiczne wytwory wyobraźni artysty.

Francisco Goya. Sabat. 1819–1823© Museo del Prado

Francisco Goya. Festiwal w San Isidro. 1819–1823© Museo del Prado

Francisco Goya. Asmodeusz, czyli fantastyczna wizja. 1819–1823© Museo del Prado

Francisco Goya. Dwóch starszych mężczyzn je zupę. 1819–1823© Museo del Prado

Francisco Goya. Pojedynek z klubami. 1819–1823© Museo del Prado

Francisco Goya. Pielgrzymka do źródeł San Isidro. 1819–1823© Museo del Prado

Francisco Goya. Atropa. 1819–1823© Museo del Prado

W styczniu 1820 roku generał Riego wszczął w Kadyksie powstanie zbrojne, które stało się początkiem rewolucji. W 1822 roku Ferdynand VII uznał Konstytucję Kadyksu. Hiszpania ponownie stała się monarchią konstytucyjną, ale nie na długo: już 23 maja 1823 roku król wraz z armią francuską powrócił do Madrytu. Rewolucja została stłumiona, w Hiszpanii rozpoczęła się reakcja; w listopadzie generał Riego został stracony.

Goya sympatyzował z wojskiem zjednoczonym wokół Riego, a nawet wykonał miniaturowy portret swojej żony. Syn Goi, Javier, w 1823 roku był członkiem milicji rewolucyjnej. 19 marca 1823 roku zmarł kardynał Louis Bourbon, młodszy brat króla Karola III, który patronował Goyi; rodzina jego drugiego patrona i swata, biznesmena Martina Miguela de Goicoechea (syn Goi Javier był żonaty z córką Goicoechei, Gumersindą), została skompromitowana. Goya był przerażony. Leokadia namówiła go do emigracji, ale ucieczka groziła konfiskatą mienia.

Czy jesteś przyzwyczajony do czerpania przyjemności estetycznej i przyjemności z dzieł sztuki? Ale świat malarstwa potrafi nie tylko zaskoczyć, ale i przestraszyć. Na przestrzeni wieków wielcy artyści stworzyli niezwykłe obrazy, od których widzowi jeżą się włosy na głowie.

Czy czujesz się nieswojo, kiedy widzisz Krzyk? A może istnieje inny narysowany „horror”, który utkwił Ci w pamięci? Artifex Wybrałam dla Ciebie 10 obrazów, na które zdecydowanie nie powinnaś patrzeć przed pójściem spać.

10. Caravaggio, „Judyta i Holofernes”, 1599

Szczyt otwiera realistyczny obraz włoskiego mistrza na podstawie Starego Testamentu „Księga Judyty”. Legenda o dziewczynie, która dla dobra swego ludu poszła do obozu wroga, zdobyła zaufanie wodza Holofernesa i w nocy odcięła mu głowę, od dawna niepokoi artystów w całej Europie. Zwykle przedstawiano ją z odciętą głową w dłoni na środku wrogiego obozu, jednak Caravaggio zdecydował się odzwierciedlić sam moment morderstwa. Dzięki tej decyzji artysta oddał nie tylko atmosferę rozlewu krwi, ale także emocje zabójcy i ofiary.

9. Bouguereau, „Dante i Wergiliusz w piekle”, 1850

XIX-wieczny francuski artysta Adolphe William Bouguereau bardzo lubił wiersz Dantego „Boska komedia”. Artysta przedstawił scenę z piosenki XXX fragmentu wiersza „Piekło”. W ósmym kręgu podziemi główni bohaterowie obserwują, jak dwie potępione dusze dręczą zwodziciela. Bouguereau długo pracował nad paletą kolorystyczną obrazu i badał estetyczne granice człowieka. Obraz, zgodnie z zamysłem artysty, miał oddać strach i grozę tego, co dzieje się w podziemnym świecie. Na Salonie w 1850 roku dzieło to wywołało niesmak wśród publiczności.

Słynny tryptyk wciąż kryje przed badaczami wiele tajemnic. Żadna z istniejących dzisiaj interpretacji dzieła nie jest uważana za wyczerpującą. Tryptyk ukazał pełnię wyobraźni i kunsztu artysty. Poświęcony jest grzechowi zmysłowości, a wszystkie trzy części odzwierciedlają w najdrobniejszych szczegółach główną ideę Boscha. Zewnętrzne drzwi tryptyku przedstawiają spokojny obraz wszechświata, ale kiedy je otwierasz, zanurzasz się w atmosferze szalonego chaosu.

7. Munch, „Śmierć Marata”, 1907

Nie należy mylić tego obrazu z majestatycznym dziełem o tej samej nazwie, które stało się swego rodzaju symbolem rewolucji francuskiej. Edvard Munch napisał swój obraz 114 lat po Dawidzie i skupiał się nie na postaci rewolucyjnego publicysty, ale na momencie jego morderstwa. Autor „Krzyku” w swoim niepowtarzalnym stylu ukazuje nagą Charlotte Corday chwilę po tym, jak brutalnie zadźgała Marata. Mocne uderzenia i mnóstwo krwi uzupełniają przerażający efekt obrazu.

6. Blake „Wielki czerwony smok i potwór morski”, 1806-1809

Zasłużenie uważany jest za jednego z najbardziej tajemniczych angielskich artystów i rytowników. Malarza tego od dzieciństwa nękały duchy i wizje, które później przedstawiał w swoich pracach. Blake poświęcił serię obrazów Czerwonemu Smokowi z Apokalipsy Jana Ewangelisty. Na tym zdjęciu smok uosabia Szatana, górując nad innym demonem - potworem morskim. Epicki charakter i szczegółowe opracowanie potworów nie tylko przeraża, ale także budzi podziw.

5. Bacon, „Studium portretu Innocentego X Velazqueza”, 1953

Praca jest nową wersją „Portretu papieża Innocentego X”. Klasyk angielskiego ekspresjonizmu namalował około 40 podobnych obrazów, zawartych w cyklu „Krzyczący tatusiowie”. Artysta zmienił kolor ubrania taty z czerwonego na fioletowy i pomalował całe płótno na ciemne kolory. Dzięki warsztatowi mistrza praca nie budzi skojarzeń z oryginalnym portretem Velazqueza, wywołuje jednak przerażające i przygnębiające wrażenie.

4. Dali, „Oblicze wojny”, 1940

Ten obraz słynnego hiszpańskiego artysty może wywołać u widza atak paniki. Salvador Dali bawi się nie tylko symbolami, ale także oddaniem nastroju. Kształt głowy spowitej wężami i stale kurczących się czaszek w oczodołach tego, co kiedyś było człowiekiem, symbolizuje niekończący się cykl śmierci. W prawym dolnym rogu artysta „zostawił” swój odcisk dłoni. A pustynia i żółte odcienie typowe dla twórczości Dali nadają temu obrazowi odrobinę paranoicznego szaleństwa.

3. Goya, „Saturn pożerający swego syna”, 1819-1823

Niektóre ryciny potrafią przestraszyć nawet osobę dorosłą. Wśród nich najbardziej przerażająca wydaje się interpretacja fabuły z mitologii starożytnej Grecji, w której tytan Kronos pożera swoje dzieci w obawie, że zostanie obalony przez któreś z nich. Goya przedstawił szaleństwo na twarzy i tak już brzydkiego potwora, co dodatkowo zagęszcza atmosferę grozy tego, co się dzieje. Praca ta „ozdobiła” ścianę w jego „Domu Głuchych”, ale mało prawdopodobne, aby ktokolwiek inny chciał w nocy przejść obok takiego obrazu w swoim domu.

2. Curry, Smalec Gallowgate, 1995

Artysta Ken Curry urodził się w Anglii w 1960 roku. Jego ciemne płótna odzwierciedlają procesy zachodzące we współczesnym świecie. Obrazy Curry'ego oddziałują na psychikę widza, wywołując poczucie beznadziejności i strachu, ale jednocześnie zmuszają do myślenia. Przerażający autoportret artysty jest owocem jego przemyśleń na tematy metafizyczne związane z rozkładem współczesnego społeczeństwa i ludzkiej świadomości.

1. Rapp, „The Loss of Mind to Matter”, 1973

Nawet rzucając szybkie spojrzenie na obraz austriackiego artysty Otto Rappa, chcesz natychmiast odwrócić wzrok. Rozkładająca się ludzka głowa na klatce dla ptaków, w środku nietknięty język – taka „martwa natura” obciąża nie tylko psychikę widza, ale także powoduje czysto fizjologiczny dyskomfort. Można się domyślić, jakie znaczenie artysta włożył w swoje dzieło, ale jest to dość oczywiste – to naprawdę przerażający obraz! A jeśli ktoś śni w nocy o podobnej fabule, to musi „podziękować” mistrzowskiej technice Rappa za koszmar.

„Ponure zdjęcia”

Zastanówmy się więc nad pewnym momentem w biografii Goi – 1819. Artysta kupuje dwupiętrową posiadłość nad brzegiem rzeki Manzanares w okolicach Madrytu. W tym samym okresie ponownie poważnie zachorował. Artysta zmaga się z chorobą, jednak coraz bardziej ogarnia go głuchota. Dlatego dziwna nazwa nadana posiadłości przez samego Goyę – „Dom Głuchych” – „Quinto del Sordo” – wcale nie jest przypadkowa. Przez kolejne trzy lata Goya malował ściany swojego domu techniką a secco na ponownie zwilżonym tynku. Wiadomo na pewno, że „Mroczne obrazy” powstały na podstawie wcześniejszych obrazów, na których Goya się oparł.

W 1823 roku Goya wyjechał do Bordeaux i pozostawił swój majątek wnukowi Mariano – być może po to, aby uchronić majątek przed ewentualną konfiskatą po przywróceniu w Hiszpanii monarchii absolutnej przez Ferdynanda VII. Przez pół wieku obrazy „Domu Głuchych” były nieznane publiczności, z wyjątkiem kilku przyjaciół artysty i specjalistów. W 1874 roku artysta Salvador Martinez Cubells na zlecenie francuskiego bankiera Frederica Emile d'Erlangera zaczął przenosić wszystkie obrazy ze ścian na płótna. Zajęło to kilka lat. D'Erlanger chciał sprzedać obrazy na Światowym wystawę w Paryżu, jednak nie było to przeznaczone, dlatego w 1881 roku podarował obrazy Muzeum Prado w Madrycie, gdzie znajdują się do dziś.

Sam Goya nie nadał nazw swoim „Mrocznym obrazom”. Dokonał tego jego przyjaciel, artysta Antonio Brugada, który po śmierci Goi w 1828 roku skatalogował cały cykl. W rezultacie obrazy otrzymały następujące tytuły:

Pierwsze piętro domu.

- „Festiwal w San Isidro”

- „Sabat Czarownic”

- „Judyta i Holofernes”

- „Saturn pożerający swoje dzieci”

- „Dona Leocadia Zorilla”

- „Stary człowiek i mnich” lub „Dwóch starców”.

Drugie piętro domu.

- „Fantastyczne wizje” lub „Asmodeusz”

- „Pielgrzymka do źródeł San Isidro”

- „Atropos” lub „Los”

- „Pojedynek z pałkami”

- „Śmiejące się kobiety”

- „Czytelnicy”

- "Pies"

- „Dwóch staruszków jedzących zupę”

Lokalizacja obrazów w domu znana jest ze zdjęć wykonanych przez fotografa Jeana Laurenta w 1874 roku. Dzięki tym fotografiom wiadomo, że obrazy również były obramowane sztukaterią, podobnie jak okna i drzwi w domu. Ponadto można zauważyć różnicę w stanie obrazów przed przeniesieniem ich na płótno i zobaczyć brakujące fragmenty.

Brak jest merytorycznych informacji na temat samego procesu malowania ścian. W związku z tym krążyły nawet pogłoski, że obrazy nie zostały namalowane przez Goyę - istniała teoria, że ​​​​namalował je Javier, jego syn, po wyjeździe Goyi do Bordeaux. Historycy sztuki odrzucają jednak tę teorię – technika, w jakiej wykonano freski oraz ich styl potwierdza autorstwo artysty.

Nie wiadomo, co dokładnie skłoniło Goyę do pomalowania ścian swojego domu tymi konkretnymi scenami. Wiadomo jednak, że obrazy powstały w niezbyt najlepszym okresie życia artysty. Jego stan fizyczny był niestabilny, a stan życia w Hiszpanii w ogóle był niestabilny. W kraju trwała wojna domowa, która zakończyła się przywróceniem monarchii absolutnej. Trzy lata tej wojny zbiegły się z okresem pisania „Ciemnych płócien”. W obrazach łatwo doszukać się analogii do sytuacji w ówczesnej sferze społecznej, politycznej i religijnej kraju. Przeanalizujmy niektóre prace.

„Saturn pożerający swoje dzieci” to naprawdę przerażające dzieło, patrząc na nie, człowiek budzi nie strach, ale w każdym razie wrogość i niepokój. Starożytne bóstwo - Saturn - ukazane jest na tle czarnej jak węgiel ciemności, jego postać jest załamana i zdaje się drgać, jego dłonie niczym sploty gałęzi drzew trzymają ciało dziecka, któremu Saturn odgryzł głowę . Krew wyróżnia się na płótnie niepokojącą czerwoną barwą. Można powiedzieć, że Goya pisał to w stanie przygnębienia i być może z myślą o wojnie w Hiszpanii – można porównać Saturna do kraju, który niszczy własne dzieci.

W obrazie „Judyta i Holofernes” króluje energia ziemskiego działania, uchwycona w jej chwilowości. Właśnie wyskoczyła z łóżka Holofernesa (lekko widoczne po prawej stronie), nie sprzątając jeszcze swojego rozczochranego, pomiętego miłosnymi pieszczotami, bohaterka uniosła miecz nad głowę śpiącego asyryjskiego wodza i teraz ją odetnie (tutaj między nią a Saturnem powstaje pierwsza korespondencja wizualno-semantyczna - zaczął pożerać swoją ofiarę od głowy). Opadający ruch Judyty do przodu, jej ostro podkreślona twarz, ramię, dłoń z mieczem – to wszystko także wystaje z pola przestrzennego obrazu niczym kolana, dłonie i głowa Saturna.

„Pielgrzymka do św. Izydora” nawiązuje do wcześniejszego dzieła Goi, napisanego w 1788 r. „Święta ludowe w dniu św. Izydora”. Obydwa dzieła przedstawiają jedno z ulubionych świąt mieszkańców Madrytu. Co roku 15 maja udali się nad brzeg rzeki Manzanares, aby urządzić pikniki, potańczyć i napić się leczniczej wody ze źródła, które według legendy odkrył św. Izydor. I jeśli w 1788 roku malarz przedstawił tę scenę jako kolorowe i wesołe święto narodowe, pełne beztroskiej zabawy, to w późniejszej wersji z „Domu głuchoniemych” dominują odcienie czerni i panuje niepokojące poczucie zbliżającej się nieuniknionej katastrofy . Po wyschniętym, nierównym terenie wędruje stłoczony tłum ludzi. Ich twarze wykrzywione są strasznymi grymasami, wyrażającymi strach, ból, przerażenie, złośliwość i bestialską złość.

Te same motywy pojawiają się w Sabacie Czarownic. Kompozycyjne centrum obrazu stanowi także pozbawiony twarzy, brzydki tłum, skupiony wokół postaci kozła w klasztornej szacie, wsłuchujący się w każde słowo posłańca Szatana. Twarze ludzi to brzydkie grymasy, które nawet nie przypominają ludzkich twarzy – Goya zdawał się chcieć podkreślić, jak człowiek łatwo może stracić swój ludzki wygląd.

W „Pojedynku z pałkami” można znaleźć także odpowiedź na wydarzenia militarne rozgrywające się w pobliżu artysty – dwie tak podobne do siebie osoby próbują okaleczyć się ciężkimi pałkami w brutalnym pojedynku na ślepo. Nie widać, jak ich stopy stoją na ziemi - wydają się unosić w przestrzeni, podobnie jak bohaterowie obrazów „Atropos, czyli Losy” i „Asmodeusz”.

Obrazy te są pełne mistycyzmu, zdają się przedstawiać zupełnie inny, nierealny świat, nie sposób nawet powiedzieć, kim są bohaterowie obrazów - ludzie czy jakieś fantastyczne stworzenia. Fabuła obrazu „Atropos” jest interpretacją obrazów starożytnych greckich bogiń losu - Moir lub los jako taki Homera, Hezjod, Wergiliusz i innych starożytnych autorów. Moirai przewodziła Atropa, bezlitosna bogini, która swoimi nożyczkami przecięła nić życia. Jej towarzyszkami były Kloto i Lachesis, ale na płótnie pojawia się także czwarta postać, przypominająca mężczyznę ze związanymi rękami – być może dlatego, że jest bezsilny wobec bogiń, które decydują o jego losie.

„Pies” namalowany jest w jaśniejszych barwach niż inne „Mroczne płótna”, ale mimo to niesie ze sobą smutek i beznadzieję – obraz przedstawia głowę psa tonącego albo w falach morza, albo w stosach piasku – dokładna fabuła obraz jest niewytłumaczalny, być może w ogóle nie został ukończony, można tylko spekulować. Pysk psa jest skierowany ku górze, jego smutne oczy patrzą gdzieś przed siebie, jakby szukając zbawienia. Na fotografii Laurenta wykonanej w 1874 roku widać zarysy obrazu przypominające klif i postacie ptaków, na które może patrzeć pies.

Gama wszystkich czternastu obrazów to czerń, brąz, piasek, ciemne odcienie, w obrazach praktycznie nie ma jasnych, bogatych kolorów, z wyjątkiem tego, że w „Pojedynku” wyróżnia się kawałek błękitnego nieba, a w „Saturnie” jest jasnoczerwona krew. Dzięki takiej tonacji emocje, jakie niosą ze sobą same tematy obrazów, ulegają wielokrotnie intensyfikacji. To nie przypadek, że te obrazy nazywane są „Ponurymi”.

Trzeba jednak powiedzieć, że wszystkie nazwy i interpretacje obrazów są efektem działalności innych ludzi, innych pokoleń. Nie mamy możliwości dowiedzieć się, co tak naprawdę siedziało w artyście, gdy malował ściany swojego domu, w jakim celu to robił, komu chciał te obrazy zostawić i co z nimi powiedzieć. Można jedynie dokonać analogii ze znanymi faktami biograficznymi dotyczącymi Goi, z wydarzeniami rozgrywającymi się w Hiszpanii w latach dwudziestych XIX wieku. Wydarzenia te nie mogły nie znaleźć odzwierciedlenia w twórczości Goi, który był uważny i wrażliwy, zaniepokojony zmianami w życiu swojego kraju, dostrzegając ludzkie wady i słabości i obnażając je, podobnie jak to miało miejsce w cyklu „Caprichos”.

Pewne jest, że Murale „Domu Głuchych” stanowią wyjątkowe dziedzictwo sztuki hiszpańskiej i światowej, a obrazy są naprawdę niezwykłe i wyjątkowe jak na okres, w którym zostały namalowane. Widzimy w nich „prawdziwego” Goyę – wszak artysta namalował je na ścianach swojego domu, a nie po to, żeby je wystawić na widok publiczny czy sprzedać – czyli mógł trafnie przekazać na nich swoje myśli i stany. płótna.

Francisco de Goya – hiszpański geniusz malarz Współczesność, mistrz gatunku portretu i realizmu krytycznego, który na ostatnim etapie swojej drogi twórczej stworzył całą kolekcję mistycznych, przerażających obrazów zwaną „Czarnymi obrazami”.

Po ukończeniu studiów w szkole niedaleko Saragossy, 17-letni Francisco wyjeżdża do Madrytu, aby rozpocząć studia na Akademii Sztuk Pięknych. Należy zaznaczyć, że jako dziecko Francisco nie robił większych postępów w opanowaniu szkolnego programu nauczania, a nauka była dla niego trudna, ale wiejski nauczyciel plastyki od razu zauważył niezwykłe zdolności młodego Franciszka. Zainspirowany uznaniem młody artysta marzył o stołecznej Akademii, jednak dwukrotnie nie udało mu się tam dostać.

Ale Goya stał się jednym z uczniów słynnego mistrza Francisco Bayeu. Imiennik Goi malował w popularnym w tamtych latach gatunku „neoklasycyzm”, który charakteryzował się zainteresowaniem klasycznymi starożytnymi dziełami malarstwa i architektury. Nawiasem mówiąc, siostra Bayeu, Josepha, została później żoną Francisco Goi. W 1779 roku mistrz namalował słynny portret swojej żony Józefy.

Portrety z wczesnego okresu twórczości mistrza są fotograficznie dokładne, a dbałość o szczegóły jest uderzająca. Kolory na obrazach Goi z tego okresu są bardzo miękkie i naturalne – zwróćcie uwagę, jak realistycznie wygląda delikatny rumieniec na twarzy Josefy.

W 1774 roku Goya stworzył całą serię prac ze szkicami epizodów z życia zwykłych ludzi. Głównymi bohaterami tych obrazów byli „makhi” – piękni i niepoważni ludzie oraz „makho” – młodzi panowie. Warto dodać, że Franciszek otrzymał zamówienie na ten cykl dzieł od samego króla Karola III. Można to wytłumaczyć nie tylko rosnącą sławą młodego artysty, ale także rozwojem kariery jego nauczyciela, Francisco Bayeu. Nawiasem mówiąc, huśtawki często pojawiały się na obrazach Goi, na przykład obraz „Huśtawki na balkonie” został namalowany w latach 1805–1812.

Kiedy sam Goya został nadwornym malarzem króla Karola IV, do jego nazwiska dodano arystokratyczny przedrostek „de”. W 1800 roku Franciszek stworzył portret zbiorowy rodziny królewskiej, zatytułowany „Rodzina króla Karola IV”.

Pomimo najwyższej techniki malarskiej portret rodziny królewskiej wyglądał bardzo niepochlebnie - jeden ze współczesnych Goi, krytyk sztuki, nazwał osoby przedstawione na płótnie „rodziną piekarza, który wygrał na loterii”. Zwróć uwagę na kompozycję - pośrodku obrazu znajduje się żona monarchy, Maria Luis, a z boku sam Karol. To wcale nie przypadek, gdyż Karol był człowiekiem infantylnym, o słabej woli i znajdował się pod kontrolą swojej przebiegłej i wyrachowanej żony, która wkrótce została de facto głową państwa.

„Caprichos”

Miłośnicy realizmu mogą delektować się wspaniałością portrety, stworzony przez Francisco, artysta ten był jednak bardzo różnorodny, a jego geniusz twórczy stał się ciasny w ramach tego gatunku. Jeszcze przed namalowaniem zbiorowego portretu rodziny królewskiej, w latach 1797 - 1799, Goya stworzył serię rycin zatytułowanych „Caprichos” („Kaprysy”), których celem jest ośmieszenie i obnażenie ludzkich przywar i niesprawiedliwości społeczeństwa feudalno-klerykalnego.

W centralnej rycinie cyklu zatytułowanego „Sen rozumu rodzi potwory” widzimy upadłego człowieka, za którego plecami budzą się i stają aktywne różne zwierzęta i potwory, niektóre z nich są oznaczone jedynie złowieszczymi cieniami .

Tytuł tego dzieła stał się sloganem – rzeczywiście, jeśli człowiek nie posłucha głosu rozsądku, jego myśli i fantazje zamienią się w obrzydliwe potwory generowane przez okrutne i podłe instynkty. Rycinę tę można też interpretować symbolicznie – osoba, która zasnęła, reprezentuje umysł, który przestał nad niczym panować i zapadł w sen, dając wolność tym strasznym bestiom.

Ryciny w groteskowo-surrealistyczny sposób przedstawiają grzechy i przywary tkwiące w człowieku. Na przykład widzimy tu kobietę, która nie może patrzeć na wisielca, ale może wyjąć z jego ust monetę, którą zgodnie ze starożytnym zwyczajem wkładano do ust zmarłego.

Należy zaznaczyć, że układ postaci na każdej rycinie nie jest przypadkowy: wiele z brzydkich stworzeń to karykatury osób publicznych i szlachty madryckiego dworu królewskiego, a u uczestników szabatów i świąt złych duchów cechy widoczny jest król, królowa i główni przywódcy Inkwizycji.

Na tej rycinie widzimy potwory obcinające paznokcie swoich szponiastych stóp. Sam tak skomentował swoją pracę: „Noszenie długich paznokci jest tak karygodne, że zabrania się ich nawet złym duchom”. Prawdopodobnie mistrz miał na myśli potrzebę „obcięcia paznokci” (najwyraźniej symbol hipokryzji), która pojawiła się wśród nawet najbardziej krwiożerczych oprawców Inkwizycji, którzy na skutek dużej liczby popełnionych okrucieństw utracili ludzki wygląd.

Dzieła nieśmiertelne, będące klasyką satyry, nie mogłyby nigdy zostać opublikowane, gdyż żadnemu organowi cenzury nie mogło umknąć tak ostre kpiny z możnych świata. „Caprichos” został uratowany dzięki osobistej interwencji króla Karola IV (krążą pogłoski, że ograniczony monarcha z radością rozpoznał siebie na niektórych rycinach).

Jak mówią krytycy sztuki, bohaterem dzieła każdego mistrza z cyklu „Caprichos” jest sumienie, bezstronnie oceniające panujące poglądy i nastroje w społeczeństwie i to właśnie z jego strony wszelkie ludzkie niegodziwości wydają się tak brzydkie.

„Dom Głuchych”

Kiedy mistrz miał 46 lat, nagle zachorował. Choroba miała ciężki przebieg, głównymi objawami były paraliż, głuchota i przejściowe zaburzenia widzenia. Nawiasem mówiąc, nawet teraz naukowcy nie mogą dojść do ostatecznego wniosku, na jaką chorobę cierpiał artysta. Franciszek wyzdrowiał z choroby, jednak w 1820 roku, mając już ponad 70 lat, nastąpił nawrót choroby. Chory, starszy artysta, odszedł z dworu królewskiego (był wówczas artystą nadwornym Ferdynanda VII) i osiedlił się w małym wiejskim domu pod Madrytem. To właśnie ten dom stał się później znany na całym świecie jako „Dom Głuchych”. Francisco de Goya ponownie zaczął pracować i tworzyć arcydzieła, które później nazwano „Czarnymi obrazami”.

Mówimy o ciemnych, surrealistycznych freskach, którymi Francisco pokrył ściany domu. Są jak koszmary i niepokojące, ulotne wizje stworzone przez chorą wyobraźnię.

Kolorystyka większości prac jest bardzo ciemna i ponura, dominuje czerń, szarość i różne odcienie brązu. Czasami pojawiają się plamy czerwieni i bieli, ale one tylko wzmacniają ponurą atmosferę i tworzą ciężką, przygnębiającą atmosferę. Jak na przykład w najsłynniejszym dziele z serii - „Saturn pożerający swego syna”.

Saturn, najwyższy bóg starożytnego rzymskiego panteonu, jest tu przedstawiony jako szalony, nieproporcjonalny potwór, podobny do drapieżnego ptaka. W pracy widać ucieleśnienie irracjonalizmu i bezsensownej nienawiści, które tak obrzydzały artystę.

„Oto on” – szepnął Juan, wskazując palcem na czarną bryłę domu. „Spójrz tam, na werandę”. Czy ty widzisz?
Pablo to widział. Na progu pojawiła się potężna postać w ciężkim aksamitnym kaftanie. Bystre, ciemne oczy rozglądały się dookoła, pulchne wargi poruszały się cicho. Podmuch wiatru zmierzwił siwe włosy właściciela domu - wziął głęboki oddech i głośno zaskrzeczał:
- Leokadio! Leokadio!
Chwilę później na progu pojawiła się druga postać, nie mniejsza od pierwszej i w jakiś sposób subtelnie przypominająca właściciela. Ale po długiej sukni, brudnej czapce i obwisłych piersiach ukrytych pod ciemnoszarym szlafrokiem koszuli Pablo rozpoznał, że przed nim stoi kobieta. To oznacza, jaka ona jest, Leokadio, albo służąca, albo uczennica czarownika! Dokładnie tak wyobrażał sobie tę parę: straszne, podłe stworzenia z piekła rodem.
Leocadia dotknęła ramienia właścicielki, ten odwrócił się gwałtownie i szczeknął jej w twarz:
- Gdzie mój kapelusz? Senor Raoul na mnie czeka, ale nie mogę do niego przychodzić w takim stanie! Gdzie jest mój kapelusz, suko?
W rękach Leokadii pojawił się kapelusz: czarny, obskurny potwór z wysoką koroną i zmiętym rondem. Właściciel jednym ostrym ruchem naciągnął go przez głowę, Leokadia podała mu laskę z okrągłą główką z brązu, a czarodziej długimi krokami oddalił się od domu, w stronę bramy i głogowych zarośli, w których ukrywali się Pablo i Juan.
- Nie zauważy nas? – zapytał ostrożnie Pablo.
„Trzymaj głowę nisko, wtedy on nie zauważy” – parsknął Juan. - Jest głuchy jak pień, ale jego oczy są bystre. Leocadia to jego uszy, ale już wyszła, więc można mówić głośno, najważniejsze, żeby się nie ruszać. Jeśli nas zobaczy, nie będzie to wyglądało tak źle! Pamiętacie młynarza Julio? Spotkał go pewnego wieczoru na drodze. Julio jak zawsze upił się na Maderze i na próżno przeklinał czarnoksiężnika. Więc zemścił się i zamienił Julio w osła. Nie na długo. Ale Julio miał więcej niż dość.
- Skąd wiesz? – zapytał z niedowierzaniem Pablo.
- Tak sam Julio powiedział o tym mojemu tacie! Bam – mówi, a ja stoję na środku drogi na czterech nogach, czuję, że nie mogę wycisnąć nic poza rykiem osła, i czuję też, że ogon mi rośnie… I podszedł ten czarodziej, spojrzał mi w oczy, tak i mówi: „No cóż, młynarzu, nie będziesz używał wulgarnego języka?” Ale nie mogę nawet nic powiedzieć, pokręciłam tylko głową, nie, nie zlituję się, nie niszczę. A on w odpowiedzi się roześmiał, klepnął mnie laską po plecach, upadłam w błoto, a on ruszył dalej. Cóż, widzę, że nie mam ogona, a moje ręce i nogi nadal tam są. To właśnie powiedział Julio. Na Boga, nie kłamię!
Tymczasem czarownik dotarł już do krzaków, a Pablo zamarł, bojąc się ruszyć. Pół kroku od siebie usłyszał ciężkie kroki, poczuł zapach: czarodziej pachniał przyjemnie jakimiś olejkami, ale zmieszał się z nimi subtelny czosnkowy duch gulaszu jagnięcego. Najwyraźniej czarnoksiężnik nie był głupcem, którego można pożreć.
- Stary kikut! – zawołał nagle głośno Juan. - Stary, głuchy kikut! Drewniany kawałek! Bałwan!
Pablo zamarł. No cóż, jak tam wszystkie opowieści o głuchocie czarownika - tylko historie, a on wszystko słyszy doskonale?! On i Juan zamienią się w robaki - i zapamiętajcie ich imiona! Czarownik jednak nie zwolnił, podszedł do bramy, otworzył ją, wyszedł na drogę, zatrzasnął bramę i równie szybko i mocno tupnął w stronę mostu Sewilli.
Juan roześmiał się i poklepał Pabla po ramieniu:
- Powinieneś widzieć swoją twarz! Właśnie zmoczyłem spodnie! Mówię ci, on jest głuchy, głuchy! On nic nie słyszy.
- Jak on wtedy mówi? – Pablo był zaskoczony. - Sam widziałem, jak rozmawiał ze swoją Leokadią...
„Umie czytać z ruchu warg” – wyjaśnił Juan. - On wszystko rozumie, musi się tylko z tobą spotkać. Jeśli on tego nie widzi, powiedz, co chcesz. Nieważne, jak bardzo ogień jest daremny, taki jestem teraz - nic nie da!
- Jeśli jest czarownikiem, dlaczego nie odzyskał słuchu? – Pablo zmrużył oczy. - Może wcale nie jest czarownikiem, ale udaje?
- Czarowniku, czarowniku, mówię ci dokładnie! – Juan skinął głową. - Właśnie sprzedał diabłu duszę za swój talent czarów, a diabeł - będzie bardziej przebiegły niż jakikolwiek czarownik! Oprócz duszy odebrał mu także słuch. Na zawsze żadne czary nie mogą tego przywrócić, dlatego diabeł. Chodźmy wszyscy do domu i obejrzymy!
Wyczołgali się z krzaków, otrząsając się z kurzu i liści wetkniętych we włosy, i ostrożnie, ukradkiem rozglądając się, poszli ścieżką prowadzącą na ganek.
„Prawa okiennica ledwo się tam trzyma” – szepnął szybko Juan. „Pomóż mi, ja wspinam się na parapet i wciągam cię do środka”. I pamiętajcie – jeśli pojawi się Leokadia, trzeba rzucić jej sól w oczy i powiedzieć: „Święta Dziewico, chroń i przebacz, zamień diabła w czarnego kota!” I zobaczysz, jak wiedźma natychmiast staje się kotem! Dlaczego koty miałyby się bać - będziemy mieli czas na ucieczkę! Wziąłeś sól?
Pablo poczuł paczkę w kieszeni i skinął głową, mówiąc, że ją wziął. Juan uśmiechnął się i ruszył jeszcze szybciej. Wydawało mu się, że to nie oni zbliżali się do domu, ale dom zbliżał się do nich: zasłaniał niebo, zasłaniał słońce, wypełniając sobą wszystko dookoła. Czarne dachy okien poddaszy patrzą złowieszczo, zrujnowany balkon na drugim piętrze uśmiecha się szczerbatymi ustami, na wpół rozdarta okiennica skrzypi – a ze środka dobiega burczenie macicy, jakby żołądek studni… nakarmiony, ale wściekła bestia dudni.
„Chodź” – szepcze dom – „bliżej, bliżej... Jestem pełny, ale cię pożrę... Całkowicie... Obgryzę kości... Połknę... Na zawsze… Przyjdź… Bleeeeeeeee…”.
Juan już podciągał się na parapecie, zwinny jak jaszczurka, wyciągnął rękę do Pabla i jednym szybkim, mocnym ruchem przyciągnął go do siebie. Chłopcy spojrzeli po sobie i bez słowa podskoczyli jednocześnie.
Wewnątrz domu.
Pablo rozejrzał się: stali w długim korytarzu - po prawej stronie widać było schody prowadzące najwyraźniej na drugie piętro, po lewej stronie hol z drzwiami wejściowymi. Mebli praktycznie nie było: kilka foteli przykrytych zakurzonymi szarymi pokrowcami, mała komoda naprzeciwko okna i okrągły stół z nieotwartymi listami leżącymi na nim przy samym wejściu. I zapach: dziwny, lekko słodkawy, ledwo wyczuwalny zapach oleju - zdawał się być wszędzie. Korytarz i hol były ciemne: tylko kilka bliźniaczych lamp migotało lekko od świec.
- Patrzeć! – szepnął nagle Juan i wskazał palcem gdzieś w górę. Pablo podniósł wzrok i wstrzymał oddech.
Nad nimi unosiła się procesja wielu ludzi. Gigantyczny obraz, zajmujący prawie cały korytarz, zdawał się unosić w ciemności: ciemne kolory były trudne do rozróżnienia, ale Pablo pamiętał wszystko w najdrobniejszych szczegółach. Zdjęcie przedstawiało tłum ludzi zmierzający prosto w stronę Pabla: zniekształcone twarze, usta zastygłe w wiecznym krzyku, krzywe palce – i twarze niezwykle znajome, ale twarze zniekształcone przez nieznany horror. Tutaj Donna Marta, stara wiedźma, mamrocze bezzębnymi ustami i zerka z ukosa na dziadka Acosto (krążyła plotka, że ​​w młodości flirtował z młodą Martą). Oto rzeźnik Jose liżący swój zatłuszczony palec, oto piekarz Enrique w swoich znoszonych butach i fartuchu oprószonym mąką... A przed nami - spójrz! - to on, wesoły Pedro, z wieczną gitarą w pogotowiu, tylko teraz Pedro śpiewa nie wesołą piosenkę o uroczej Rosicie, ale jakąś straszliwą lepką canzonę, a usta mu się wykrzywiają, a w szeroko otwartych ustach kryje się groza oczy...
Pablo wzdrygnął się przed strasznym obrazem i wraz z Juanem wpadli do holu wejściowego, ale potem ponownie zamarli, zdumieni i przestraszeni jednocześnie.
Po obu stronach drzwi wisiały jeszcze dwa obrazy. Prawa przedstawiała dostojną, potężną kobietę z podniesioną głową, w czarnej sukni ściśle przylegającej do sylwetki, z lewą nogą zalotnie wysuniętą do przodu. Jednak twarz tej kobiety wydawała się Pablo znajoma – przyjrzał się bliżej i rozpoznał kobietę przedstawioną na zdjęciu jako Leocadię, tyle że tutaj była znacznie młodsza, miała czterdzieści lat, nie więcej. Arogancki i pompatyczny wyraz twarzy zamarł w oczach sługi czarnoksiężnika, jej wąskie usta ułożyły się w sarkastyczny uśmiech.
Na lewym zdjęciu nieznany artysta namalował dwóch mnichów. Pablo od razu rozpoznał jedno – ojciec Ignacio był jakby żywy: smutna, wydłużona twarz otoczona szarą brodą, smutne oczy i czarna szata… Ale zza ramienia starego mnicha wysunął się obrzydliwy kubek z pulchnymi wargami na zewnątrz. Inny mnich, młody, ze świeżo ogoloną tonsurą i ziemniaczanym nosem przypominającym trądzik, szepnął coś do ucha starego księdza, zerkając żałośnie swym przebiegłym okiem na Pabla. Wydawało się, że to wszystko jest ludzkie - ale co tam! - i w tej bezczelnej twarzy, w tym obrzydliwym człowieczku, skupiała się nieludzka obrzydliwość, najwyraźniej opowiadający ojcu Ignacio jakieś brudne plotki, ale ze spokojnej twarzy starego księdza było widać, że Bóg jest wielki! - plotki paskudnego łajdaka wcale mu nie przeszkadzają. Och, pokorny ojcze Ignacio, mędrcze i widzący, twoja wiara jest niezniszczalna, a twój duch niewzruszony!
Pablo nagle zaczął myśleć o narysowanych postaciach jak o żywych ludziach. I rzeczywiście, choć znajome twarze namalowano szerokimi, szorstkimi pociągnięciami, podobieństwo do prawdziwych ludzi było zdumiewające. Ale nieznany artysta zdawał się patrzeć na nie przez naczynia z wodą - wydaje się, że rysy twarzy są takie same, ale jednocześnie - zniekształcone przez zmarszczki tafli wody, zakrzywione przez ścianki naczynia...
Pablo odwrócił się.
A w powietrzu wisiał rozdzierający serce krzyk - krzyk upolowanego zwierzęcia, przestraszonej zwierzyny, umierającego zwierzęcia, krzyk pełen bólu, rozpaczy i strachu.
„Kto krzyczy?” – pomyślał ze zdziwieniem Pablo, ale po chwili zdał sobie sprawę, że sam krzyczy.
Nigdy w życiu nie widział czegoś straszniejszego.
Przed nim kucał nagi olbrzym. Siwe włosy są potargane na ramionach, szalone oczy wychodzą z oczodołów, rozwarte są gigantyczne usta, z których zwisa obgryzione ciało chłopca.
Gigant jadł. Gorączkowo pożerał ludzkie mięso, bekając i śliniąc się, plując cudzą krwią i dławiąc się młodą chrząstką, delektując się świeżym mięsem.
Gigant był nienasycony. Zakrzywione, brudne pazury wbiły się w skórę zwłok, rozrywając tkanki miękkie ciała dziecka i było jasne, że teraz połknie to dziecko – i rzuci się na niego i Juana.
I natychmiast go pożre.
„To jest to, dom!” - szalona myśl przemknęła przez mózg Pabla. - „To jest on, on nas zjada i nigdy się stąd nie wydostanie…”
Pablo nie widział, jak Juan z krzykiem uciekał korytarzem, jak szeroko otworzył okno i wskoczył na podwórze. Przed jego oczami zaczęła wirować jakaś szara mgła, a ostatnie, co poczuł Pablo, to ciężka dłoń na ramieniu i ochrypły głos, cuchnący smrodem zupy czosnkowej:
- Leokadio! Kto wpuścił tutaj tego chłopca?...
... Kiedy Pablo otworzył oczy, zobaczył, że leży na śnieżnobiałych poduszkach w cudzej sypialni. Szerokie okno było szeroko otwarte, świeży wiatr delikatnie muskał policzek Pabla.
A przy oknie, w fotelu, siedział czarownik.
W rękach trzymał ołówek i kartkę papieru. Czarodziej spojrzał chytrze na Pabla.
-Obudziłeś się? – wychrypiał ochryple. - Prosiłbym, żebyście się nie ruszali jeszcze przez kilka minut. Muszę dokończyć rysunek.
„Rysowanie?...” zająknął się zdumiony Pablo. - Tylko rysunek?
- Czego jeszcze chciałeś? – zaśmiał się czarodziej. - Odpowiedz, proszę, jaśniej i spójrz prosto na mnie. Jestem głuchy i czytam z ruchu warg.
„Moja dusza?…” – zawołał Pablo.
- Po co mi twoja dusza? – czarownik rozszerzył oczy ze zdziwienia i zamarł z ołówkiem w dłoni.
- Ale jesteś czarownikiem? Chcesz mojej duszy, prawda? – mruknął Pablo.
- Czarownik?! – zaśmiał się mężczyzna na krześle. - Nikt nigdy wcześniej mnie tak nie nazwał! Nie jestem czarodziejem, chłopcze. Jestem artystą. Francisco Goya y Lucientes do usług. I proszę, nie ruszaj się. Muszę cię skończyć rysować przed zachodem słońca...