I Igor Nowikow w przeddzień ich wystawy w Szwajcarii. Rozmowa okazała się intensywna, na temat postrzegania sztuki dziś i wczoraj, w naszym kraju i na Zachodzie. Postanowiliśmy opublikować go dla Was w całości, bez skrótów.

Powiedz nam, jaką wystawę otwierasz w Zurychu?

Igor Nowikow: Wystawa nosi tytuł „Russian Seasons” i będzie można ją oglądać od 12 stycznia w Galerii Jedlitschka (Seefeldstrasse 52. CH - 8008 Zürich, Szwajcaria). Dobra galeria, w samym centrum Zurychu, z przestronnymi, jasnymi pokojami, dużymi oknami. Jej właściciel, Szwajcar, nie pierwszy raz organizuje moje wystawy. Na wystawie zaprezentuje się trzech artystów: ja, Tanya Nazarenko i mój ojciec, artysta Aleksiej Nowikow. Częściej niż Moskwę odwiedza Szwajcarię. Był także artystą poszukiwanym, wystawiającym w wielu miejscach. Każdy z nas będzie miał 8-9 prac. Do wystawy zostanie wydany katalog.

Aleksiej Nowikow. Uroczystość. 42x62 cm olej na płótnie. 2000

„Rosyjskie pory roku”… czy bezpośrednio kontynuujecie idee Diagilewa, prezentując zachodniemu społeczeństwu Rosję i rosyjską sztukę?

Igor Nowikow: Tatianę najbardziej interesują nie tyle Europejczycy, ile dawni „nasi” w Szwajcarii, Niemczech i Francji. Europa jest mała i na wskroś społeczna. w Internecie ludzie z różnych stron świata pytają, kiedy będzie wystawa Tatiany, czy będzie można ją zobaczyć itp. Są to nie tylko ci, którzy wyemigrowali w latach 90., ale także ci, którzy wyjechali niedawno. Znają Tatianę przede wszystkim z moskiewskiego środowiska artystycznego. Ale Szwajcarzy znają mnie i mojego ojca lepiej. Ale bez względu na to, jakie mamy paszporty, zawsze będziemy rosyjskimi artystami, a nasza sztuka jest sztuką rosyjską. Dlatego tak, ta wystawa reprezentuje sztukę rosyjską dla Europejczyków. Ale oczywiście nie wszystkie, ale tylko te, w które jesteśmy szczególnie zaangażowani.

Igor, rozmawialiśmy już o sztuce Tatyany Grigoryeny w jednym z naszych wywiadów, opowiedz nam proszę o swoich obrazach. Czy ci ludzie są jakimś symbolem?

Igor Nowikow: To są piktogramy. Znaki konwencjonalne. Fantomy. W zależności od sytuacji i obrazu mogą one oznaczać różne rzeczy. Humor, współczucie, historie biblijne, czasem są to kwestie polityczne. Pojawiły się na moich płótnach w latach 80., w okresie pierestrojki, i początkowo były czerwono-czarne. Potem zaczęły pojawiać się inne kolory, biały, zielony, żółty... To nie są znaki drogowe (jak niektórzy sugerują), ale zupełnie wymyślone postacie - ktoś wchodzi po schodach, ktoś leci po niebie, ktoś wychodzi z ziemi, wchodzi linia przebiegająca przez Moskwę lub przez rosyjskie krajobrazy i tak dalej.

Igor Nowikow. Żegnaj, Rosjo! 150x200 cm olej na płótnie. 2004.

Dla artystów malowanie to czysta fiksacja, ale czy masz tu jakieś oczywiste stwierdzenie?

Igor Nowikow: Staram się wywołać napięcie, zadać pytanie i odzwierciedlić czas, w którym żyję. Zauważyłam, że czasami wydarzenia, które przedstawiam na moich obrazach, stają się prorocze. Na przykład obraz „Żegnaj, Rosjo!” Rysowałem w 2004 roku. Wycinka lasów to wieczny chaos w Rosji z samotnym ocalałym niedźwiadkiem, który z niepokojem patrzy na naszą kremlowską nekropolię – Mauzoleum, z odwiecznym pytaniem „Co robić?”. Biały kolor trzech postaci reprezentował kolor budzącej się rewolucji. Moja druga praca „Moskiewski upał”, 2009. Nie wiedząc o zbliżającym się rozłamie na Ukrainie, narysowałem gaszące pożar na tle Flagi Ukrainy nasze dwugłowe Orły z konewkami.

Moskiewski upał. 140x190 cm Olej na płótnie. 2009

Moja żona Tatyana, z czego jest genialną artystką i z czego słynie? Fakt, że odzwierciedlała swój czas. Uważam, że to jest główne zadanie artysty. To co robimy. Im bardziej indywidualnie to robisz, tym bardziej masz „własną twarz” w sztuce, tym bardziej jesteś Artystą. I to nie tylko rzemieślnik, który nie indywidualizując się, rysuje pejzaż, kościół, wodospad, las i tak dalej, które były już malowane setki razy. Artysta musi mieć swój własny świat, w którym żyje i do którego zaprasza widza. A kiedy widzimy ten przenośny świat, od razu czytamy, że to Tatiana Nazarenko, a to Natalya Nesterova, tutaj jest Tselkov i tak dalej. To wskazuje, czy artysta jest geniuszem, czy nie.

Po prostu maluj pejzaże i szkice, rób zdjęcia itp. - to nie jest poważne. Zadaniem artysty jest zobrazowanie, stworzenie nowego, wyimaginowanego świata. Czas pokaże, czy nam się to udało, czy nie.

Zgadzam się z Tobą w stu procentach, że „inność” czyni artystę. Ale w naszym kraju „inność” była zawsze szczególnie eliminowana.

Igor Nowikow: W środowisku artystycznym powszechnie zdarza się, że artyści kłócą się, żeby kogoś zaprosić, nalać wina, zawrzeć umowę, przybrać mądrą minę, zostać członkiem różnych rad i komisji, partii. Biegają po różne tytuły, medale, odznaczenia. Przypomina mi to demonizm.

Nawiasem mówiąc, z Tatianą Grigoriewną jest jasne, ale czy masz też tytuły?

Igor Nowikow: Jestem członkiem honorowym Rosyjskiej Akademii Sztuk. Nie będę tego ukrywać, jestem szczęśliwy i wdzięczny Akademii. Oczywiście było mi wstyd, że otrzymałem ten tytuł. Pamiętam Akademię z Instytutu Surikowa, gdzie studiowałem w warsztatach Yu Korolewa. E. Salakhova...... Oczywiście nie wszyscy byli tam wyjątkowo wybitnymi artystami, ale dla nas akademikami byli bardzo szanowani starcy, w okularach, w szaro-czarnych marynarkach. Było ich nie więcej niż pięćdziesiąt. W Akademii panowała taka cisza, że ​​postrzegaliśmy ją jako Świątynię Sztuki, ezoteryki, jakiś zamknięty porządek. Ale teraz oczywiście nie jest już tak różowo. Czasami patrzy się na to, kto jest w Akademii i pojawia się wielkie pytanie i niespodzianka.

Wspomniałeś o Instytucie Surikova, czy to był twój teren? Czy rozwinąłeś się tam jako artysta?

Igor Nowikow: Zacznijmy od tego, że mój tata jest artystą. Oczywiście, jak wszystkie dzieci, ja też od początku coś rysowałam. W rezultacie okazało się, że zostałem także artystą. Chociaż mój ojciec nie był zbyt szczęśliwy. Oczywiście nawet w tamtych czasach życie artysty nie było łatwe, ale w czasach sowieckich władze traktowały nas choć trochę życzliwie, zapewniały warsztaty i coś jeszcze. Teraz musisz sam przetrwać / zarabiać / kupować / wynajmować, co chcesz, robić, co ci się podoba. Bycie artystą dzisiaj coraz bardziej przypomina swego rodzaju klownię.

Czekaj, ale twoja kreatywność raczej nie byłaby faworyzowana przez władze...

Igor Nowikow: Oczywiście nie. Wiele prac umieszczono pod ścianą. Nie sposób było pokazać wszystkiego. Na przykład niebo z obrazu Tanyi.

Takiego błękitu nieba nie można było namalować w latach 80.

Tatiana Nazarenko. Kobieca firma. 150x120 cm Olej na płótnie. 2007.

Ponieważ było wielu innych artystów, Papikyan, byli też inni, którzy krzyczeli i tupali: „Jak to możliwe, muszą być chmury, musi być sfumato!” Teraz trudno w to uwierzyć. Podobnie jak na przykład w Popkovej, latało dużo szyszek i tak dalej. Sam kolor może wielu zirytować. W tamtych czasach też nie było łatwo.

Kiedy studiowałem w instytucie (w końcu w Moskwie było lepiej niż w Leningradzie, Surikowski był zawsze bardziej „lewicowy”, bardziej swobodny), ale mimo to, gdy wielu nauczycieli widziało moje błękitne niebo lub zieloną ziemię, co czasami zrobił, chwycił ich za głowy. Moje rysunki były dobre, próbowałem, w końcu to Instytut Surikowa. Starałem się przestrzegać szkoły Repina w Surikowie. Jeśli chodzi o kompozycję, wydawało mi się, że potrafię wyrazić swoją wizję i uczucia. Zawsze myślałem, że kompozycja to wolność. Co możesz bezpiecznie pokazać według własnego uznania. Kiedy te błękitne, czerwone, pomarańczowe barwy, których było mnóstwo na moich obrazach, zobaczył ówczesny proboszcz Paweł Iwanowicz Bondrenko, tupnął nogami i krzyknął: „Jak to możliwe? Tak, jak śmiecie!” Instytut Surikowa należał do komitetu partii rejonowej Żdanowskiego, pamiętam, że na wszystkie seanse przychodziła jedna kobieta, pierwsza sekretarz obwodu. Dlatego też, gdy zobaczyli „lewicowców”, zostali wydaleni z instytutu. Na przykład dwukrotnie mnie wyrzucono i trzeba było przenieść do innych warsztatów, bo trochę inaczej widziałem kolor, kształt czy tematykę – to było smutne.

Potem były skargi i trudności, ale teraz pojawiły się kolejne...

Igor Nowikow: Tak. Teraz też nie ma specjalnej wolności. Zaczęli mówić, że pokazywanie nagości jest zabronione. To jest zabawne.

Chodzimy do wszystkich muzeów na świecie i widzimy tam nagość. Nikomu nie przyszło do głowy, aby postrzegać to jako pornografię, molestowanie lub cokolwiek innego niż sztukę.

Tanya Nazarenko: W tym tygodniu zabrali mnie do pracy na wystawę w Akademii. Nie mogłem jednak znaleźć potrzebnej mi pracy, która była już opublikowana w katalogu. I zaproponowała jeszcze jedną, również czerwoną, a były tam dwie dziewczynki bawiące się stopami głową mężczyzny. Mówią mi: „Tatyana Grigoriewna, cóż, rozumiesz, co jeśli przyjdzie ktoś z Ministerstwa Kultury i nie spodoba mu się ta praca?”

A czy komukolwiek z Ministerstwa to się spodoba? Czasami zapominamy, w jakim świecie żyjemy i jak szybko wszystko może się zmienić.

Tatiana Nazarenko. Gra. 120x80 cm Olej na płótnie.

Cieszę się, że opuściłem Instytut Surikowa i mogę teraz swobodnie podróżować. To nie tylko małe rzeczy, ale najważniejsze: teraz studenci instytutu powinni wiedzieć, jak wdrożyć określony pomysł i nic więcej. Surikowski i Repinski zawsze byli instytucjami Twórców. Dziś to się zmieniło. Przypomina to teraz bardziej instytut rzemieślników niż instytut ludzi kreatywnych, artystów. Co robi kościół? Piotrowski niedawno słusznie powiedział, że spektakle teatralne mogą oceniać tylko krytycy teatralni, a nie kościół i nawet publiczność. I nie będzie Piotrowskiego, który broni sztuki, będzie jakiś jego zastępca, który tego nie zrobi.

Igor Nowikow: Wydaje mi się, że w Moskwie, w Rosji duchowość kończy się stopniowo i całkowicie. Duchowość, która była jej nieodłączna w okresie sowieckim, a zwłaszcza w okresie przedsowieckim. Wraz z nadejściem sowieckiego kapitalizmu gangsterskiego i rewolucji kościelnej kultura w Rosji ostatecznie znalazła się w ślepym zaułku i degradacji.

W moich pracach nie śmieję się ani z Rosji, ani z Zachodu. Wręcz przeciwnie, jest mi smutno. Masowe oszukiwanie ludzi ma miejsce zarówno tu, jak i tam. Ale u nas w większym stopniu. Szkoda, że ​​Rosja jest najbogatszym krajem na świecie, posiadającym tak wiele zasobów naturalnych, ropy, ziemi i tak dalej, ale w przeciwieństwie do na przykład Norwegii, gdzie 50% należy do Norwegów, czy Arabii Saudyjskiej, gdzie człowiek już urodził się milionerem. Większość naszej populacji żyje w biedzie i zniszczeniu, wiodąc skromny tryb życia.

Igor Nowikow. Wieczorna rozmowa, wieczorny dzwonek. 95x130 cm Olej na płótnie.

Igor, ale jesteś włączony 28. miejsce w rankingu „50 najdroższych żyjących artystów rosyjskich” według The Arts Newspaper Russia. Jak tego dokonałeś i jak zostałeś obywatelem Szwajcarii?

Igor Nowikow: Pod koniec lat 80-tych łatwiej było już zgodzić się na warsztat, więc dostałem na warsztat dom przy Furmanny Lane. Groziła mu eksmisja i zdaje się, że nam go dali za 200 rubli, „róbcie, co chcecie”. Mieszkańcy wyprowadzili się, a kolonia artystyczna rozrosła się. W 1989 roku na naszą wystawę przyjechali obcokrajowcy, którzy postanowili pokazać ją w Warszawie i wydali katalog. Następnie pojechała do muzeum Martigny w Szwajcarii. Pojechaliśmy na wernisaż i tam podpisałem umowę z właścicielami galerii. Później otrzymał stypendium UNESCO. Okazuje się, że od 1990 roku mieszkam na Zachodzie, choć oczywiście nigdy też nie straciłem kontaktu z Rosją. W 1993 roku miałem indywidualną wystawę w Galerii Trietiakowskiej. Ale tutaj znają mnie mniej niż w Europie, gdzie rozpoznają moje prace i moje piktogramy. Ogólnie rzecz biorąc, na przestrzeni lat wartość dzieła w jakiś sposób ewoluowała. Było wiele wystaw, różnych katalogów, ceny stopniowo rosły.

Moskwa pojutrze. 155x200 cm. Hm. 1989. Ten cykl prac znajduje się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej.

Tatiany i mnie nie było w Rosji przez jakiś czas, a teraz, kiedy usłyszeliśmy z ekranu telewizora, że ​​kraj musi wesprzeć Aleppo, odbudować te wszystkie ruiny, nie rozumiemy, kiedy cały nasz kraj jest w ruinie, co może Rozmawiamy o? Państwo nie zbudowało ani jednego muzeum. Ale tylko to jest Centrum Jelcyna.

Tatiana Nazarenko: Wiesz, to bardzo swobodna koncepcja: „Jelcyn dał wolność”. Kiedyś Natasha Nesterova i ja osobiście otrzymaliśmy nagrody państwowe z rąk Jelcyna. Dostaliśmy wolność. Nigdy w życiu nie dostałbym nagrody państwowej, gdyby nie Jelcyn. Nie wcześniej, nie teraz. Pamiętam, że wtedy Bazhanov głosował na mnie, a drugim kandydatem był Wiktor Iwanow, który według wszelkich praw powinien jako nasz wielki realista otrzymać tę nagrodę. Szanuję go do szaleństwa, ale fakt, że przyznano mi nagrodę, był możliwy dopiero za czasów Jelcyna. Ale z jakiegoś powodu nikomu nawet nie przyszło do głowy, aby poprosić o moją pracę lub Nataszę Nesterową na wystawę w Centrum Jelcyna. Dowiedziałem się o tym wszystkim dopiero z mediów, widząc, jak Putin, Miedwiediew, Naina Jelcyn i inni artyści wystąpili przed obrazem Erika Bułatowa „Wolność”.

Igor Nowikow: W naszym kraju kultura nie jest wspierana przez państwo. Zresztą władze nie są zainteresowane sztuką, którą tworzymy.

Władze kochają to, co jest dla nich zabawne i zrozumiałe, w najgorszym przypadku teatr, scenę, kino.

Igor Nowikow. Wielki Striptiz. 140x190 cm 1994

Sztuka nie bawi władz, nie można się przy niej specjalnie zrelaksować, nie zatańczy się, nie zaśpiewa się w karoce. Kultura w ich rozumieniu to rozrywka, słuchanie piosenek „w rytm sklejki” w swojej willi w Lugano lub Monte Carlo, a w najgorszym przypadku w Rublyovce lub Sochi Ples. Chodziłem do tych teatrów, jest ich dziesiątki setek w Rosji, a zwłaszcza w Moskwie, zbudowanych dla artystów ludowych i tak dalej, wszystkie błyszczą, wszystkie są z marmuru. A po co im nas, artystów?

Tatiana Nazarenko: Nie interesuje mnie, kiedy sztuka jest chwilą rozrywki.

Rozrywka jest świetna, ale nie mogę się z tym zgodzić. Sztuka to nie tylko rozrywka, to poznanie świata.

Tatiana Nazarenko. Rzeźnika. 140x170 cm Olej na płótnie. Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej.

Muzeum Sztuki Współczesnej zostało stworzone przez Zuraba Tseretelliego w wyniku ogromnych bitew, walk i jego własnych wpływów. Akademia Sztuk Pięknych została odcięta od wszystkich instytucji i wszystkich budżetów. Państwo nie kupuje sztuki współczesnej. Wiele rzeczy, wiem to od siebie, zostało zakupionych dla Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej osobiście z kieszeni Zuraba Konstantinowicza, za co jestem mu bardzo wdzięczny.

Sztuka przekracza duże granice. Coraz dalej. W latach 90. było lewo, było prawo, było wiele wspaniałych wystaw, rzeczywiście, wolność działania. Arena została teraz odebrana i oddana sztuce współczesnej.

Tatiana Nazarenko:Świetna, sztuka uliczna.

Ale sztuka piękna nie jest teraz pożądana. Mam na myśli sztukę sztalugową.

Tatiana Nazarenko. Duża firma. 360 x 100. zobacz olej na płótnie 2013.

W tym samym roku w Puszkinskim odbyła się wystawa Browarów i Cranachów. Proszę o malowanie sztalugą. Specjalnie stworzył serię prac.

Tatiana Nazarenko: Tak, ostatnio były takie „wystawy niepotwierdzone”: Pivovarov-Cranach, Gutov-Rembrandt. Wszyscy chodzą z bystrym wyrazem twarzy, szukając bliskości Rembrandta w gruczołach Gutowa. Nie mam nic do Gutowa, dla mnie jest to fajny artysta, choćby nie w porównaniu z Rembrandtem. Moim zdaniem to anegdota.

Więc jesteś przeciwny sztuce współczesnej w klasycznym muzeum?

Tatiana Nazarenko: Nie, uważam, że sztuka współczesna zyskuje coraz większą przestrzeń.

Igor Nowikow: Boyce przywiózł kiedyś śmieci do muzeum w latach pięćdziesiątych. Swoją drogą chcieli go za to wyrzucić z Niemiec i pozbawić obywatelstwa. Ale jak już będzie ciekawie, to śmieci w muzeum. Albo w Szwajcarii mamy jednego biegającego nago po muzeach, a teraz siedem muzeów czeka, aż przebiegnie przez swoje korytarze. Albo tak zwany „artysta” przywiózł jej brudne, nieposłane łóżko, z majtkami, wódką i prezerwatywami na Biennale w Wenecji, po czym pokazano je w wielu muzeach. Więc co to jest? To jest teatr, to jest akcja, ale to nie jest sztuka piękna. Wyświetlaj złote toalety, linie biegowe, ekrany telewizyjne, przypadkowe fotografie, fragmenty naszej codzienności... Cyrk, budka, namiot, nie wiem, jak to nazwać, ale to nie jest sztuka piękna.

Różni ludzie, różne gusta, nie zaprzeczam. Nie jestem przeciwny sztuce konceptualnej. Wydaje mi się jednak, że świat stał się pod tym względem jednostronny. Nie tylko w Rosji, ale na całym świecie następuje silny zwrot w stronę współczesnej sztuki konceptualnej. Gdzie jest demokracja? Istnieją inne wizje świata, w którym żyjemy. Dlaczego mówią, że rzeczywista instalacja jest sztuką, a malarstwo nie jest sztuką?

Poczekaj, ale nikt nie kwestionuje, że to, co robisz z Tatianą, jest sztuką.

Igor Nowikow: Oczywiście nie. W tym przypadku nie martwię się o siebie. Mówię ogólnie o malarstwie i mediach tradycyjnych. Przykro mi, że wiele osób nie widzi ciekawych rzeczy, które dzieją się w Moskwie i innych miastach.

Jest jedna sztuka – konceptualna i jest druga. Oczywiste jest, że jeśli mówimy o galerii prywatnej, to właściciel galerii ma prawo wystawić to, co uzna za konieczne. A jeśli chodzi o muzea państwowe i obiekty wystawiennicze, inna sztuka ma prawo być tam reprezentowana. Budżet żyje kosztem podatników. W Szwajcarii bardzo mocno liczy się opinia podatników, opinia różnych grup ludzi. Słuchają go. Prowadzone są sondaże, debaty, głosowania, a wszelkie spory rozstrzygane są na szczeblu państwowym. Oczywiście także w Szwajcarii priorytetem jest sztuka konceptualna. Ale debata trwa.

Ktoś powie: po co nam Kandinsky, Miro, skoro to wszystko już się wydarzyło? Ale Boyce, wiesz, to też zdarzało się wcześniej?

Igor Nowikow. Walia. 80x80cm. olej na płótnie 2014.

A w takim razie gdzie umieścić te instalacje ze śmieci i tym podobnych, gdzie je przechowywać? Ale zapłacili za nie mnóstwo pieniędzy, otrzymali dotacje. Uważam, że wielu współczesnych artystów „zatyka fale radiowe”. Trzymają się razem w stadzie, swoją energią propagują swoje własne rzeczy, tylko dezorientując ludzi. Utwierdzają się w przekonaniu, że „wciskają” swoje projekty do muzeów państwowych. Potem biegają po świecie i krzyczą: „Jesteśmy w muzeum, jesteśmy na biennale!”

Ale komu to potrzebne? Nawiasem mówiąc, tej hańby nie ma na aukcjach. Dobra sztuka jest sprzedawana na aukcjach. Sztuka. Ludzie, ci, którzy kupują, nie potrzebują tych bzdur. Weźmy tego samego Kabakowa, bo on też wrócił do malarstwa. I umie rysować, ma dobre wykształcenie.

Tatiana Nazarenko: W Nowym Jorku ludzie chodzą do Metropolitan, do MOMA, żeby zobaczyć sztukę.

Czekaj, ale ty jesteś Tanya, to ty robiłaś instalacje. Życie w sztuce to już nie tylko malarstwo. Czy odczuwasz współczucie lub zainteresowanie ze strony któregokolwiek z obecnych artystów, a nie malarzy?

Wystawa „Znikająca rzeczywistość” Tatiany Nazarenko w Pałacu Marmurowym Państwowego Muzeum Rosyjskiego, 2006

Tatiana Nazarenko: Uwielbiam instalacje wideo. Sztuka wideo. To jest interesujące. Chcę jednak powiedzieć, że jest to inna sztuka. Sviblova ma wspaniałe, wspaniałe muzeum, ale te media to inna sztuka. W teatrze, w muzyce są gradacje, ale z jakiegoś powodu w sztuce te gradacje się zacierają. Jeśli nazywają to sztuką piękną, ale moim zdaniem jest to coś innego. Ze współczesnych artystów współczesnych nie wiem, może z Igorem się nie dogadamy, ale ja lubię AES+F. Ale znowu Tanya Arzamasova pisze znakomicie. Rysują, piszą na płótnach. Zadają pytania.

Artysta to ten, który tworzy swoje rzeczy artystycznie. Ma problemy i rozwiązuje je w sposób artystyczny.

Igor Nowikow: Bardzo podobała mi się wystawa Geliya Korzheva. Ja na przykład odkryłam ten serial z demonami, diabłami... Ale widzisz, on jest Artystą. To ciekawe i zawsze będzie interesujące. Ale dwadzieścia kieliszków, trzydzieści butelek czy łóżko przyniesione do muzeum to nic, to zilch. Zostaw to poza muzeum i nikogo to nie będzie obchodzić. Nie teraz, a zwłaszcza nie w przyszłości. Śpieszą do muzeów, żeby być blisko klasyki, żeby nadać sobie artystyczny akcent. Ale od razu widać, czy dana osoba jest profesjonalistą, czy nie.

Dlaczego tak wiele osób przybiegło do Furmana? Bo „zalało”. Mógłbyś zarabiać pieniądze. Pierwsza fala zarobiła mnóstwo pieniędzy na sztuce. Ludzie spieszyli się tam, bo można było zdobyć sławę, jakoś nadać sobie znaczenie. Zakończyło się w 1993 roku. I tyle, wszyscy ci „artyści” zniknęli. Ktoś zaczął grać na perkusji, potem widać, że już koncertuje, potem został redaktorem naczelnym jakiegoś magazynu, inny otworzył sklep obuwniczy. To nie są artyści, wiesz? To przypadkowi ludzie w sztuce. Kręcą się, kręcą, razem tworzą imprezę i to jest ich siła.

Igor Nowikow. Szwajcarskie łabędzie. 100x140 cm, olej na płótnie, 2011.

Jeśli ktoś jest profesjonalistą, artystą, widać to niezależnie od tego, czym się zajmuje, jakiej techniki używa i tak dalej. Erik Bulatov jest artystą. Pivovarov jest artystą. Oleg Tselkov, Natalya Nesterova, Yankilevsky, Grisha Bruskin, Konstantin Khudyakov to moim zdaniem genialni artyści.

Tatiana Nazarenko: Oto grupa Voina, widzieliśmy relację, gdy byliśmy w Zurychu. Rodzina z trójką dzieci i wózkami wyjechała do Szwajcarii. Wszędzie ich wyrzucano przez skandale. Byli bezdomni. Komu potrzeba tych nieszczęsnych ludzi w Europie z ich działaniami przeciwko Rosji?

Jest zawód: Artysta. Jest niesamowicie złożona.

Wszystkim moim studentom powtarzałem, że to niesamowicie trudny zawód. Jeśli nie możesz, nie rób tego. Nie ma potrzeby posiadania dzieci w trakcie studiów, a zwłaszcza przed dyplomem. Uprzejmie proszę o zrobienie tego później. No cóż, opowiadałem inne historie, inne, ale ostrzegałem, że to trudny zawód. Jeśli oczekujesz, że bycie artystą jest proste i łatwe, lepiej odejdź. Idź na inny warsztat, gdzie nauczą cię, jak rysować liście winogron świecące w słońcu, ale to nie zrobi z ciebie artysty.

Ogólnie rzecz biorąc, nasza rosyjska rzeczywistość pozostawia ślad na całej naszej postawie. Rosyjskie wystawy młodych artystów, o których Instytut mówi: „Co za wspaniałe wystawy!” Któregoś razu w Prezydium Akademii powiedziałem, że ostatnia wystawa była potworna: „Właśnie wróciłem z Uljanowska, gdzie dorośli artyści nie mogą opłacić swoich warsztatów.

"Swoją sztuką nic nie zarobią. A po co przygotowujecie żebraków, na jakie przyszłe życie? Absolutnie nikt ich nie potrzebuje!"

Tatiana Nazarenko. Rosyjska lalka. Olej na drewnie. 1997

Całe Prezydium zaatakowało mnie: „Co mówisz, Tatiana Grigoriewno! U nas wszystko jest takie cudowne.”

Wywiad: Katya Kartseva

Czy Tatyana Nazarenko jest przedstawicielką sztuki „oficjalnej”?

Tatyana Nazarenko (*1944) - „królowa Związku Artystów” w swoim wywiadzie opowiada o trudnym losie „lewicowej” artystki we wczorajszym oficjalnym Związku. Niejednokrotnie jej prace były cenzurowane przez lojalnych urzędników zajmujących się sztuką i usuwane z oficjalnych wystaw. Uważano, że Nazarenko „oszpeca naród radziecki”. Dziś, zdaniem artysty, istnieje niebezpieczeństwo nowego braku wolności. Rynek sztuki zaczyna dyktować artyście „co i jak ma robić”.

Kredo:
"Robię ciągle to samo, zmieniając ten sam motyw - motyw samotności. Samotność wydaje mi się jednym z najważniejszych dramatów człowieka. W różnych pracach: na dużych płótnach historycznych, w portretach czy malarstwie rodzajowym, to Temat bardzo wiele w moich płótnach wyznacza. Skłaniać ludzi do myślenia, budzić w nich współczucie – to jest główny cel mojej twórczości.

Urodził się, mieszka i pracuje w Moskwie.

1968 - ukończył Moskiewski Instytut Sztuki Surikowa.

1969 - 1972 - praca w pracowniach Akademii Sztuk Pięknych.

1969 - wstąpił do Związku Artystów ZSRR.

Od 1966 roku brał udział w licznych wystawach, w tym zagranicznych.

1976 - I nagroda na międzynarodowym konkursie młodych malarzy w Sofii.

1987 - Srebrny medal Akademii Sztuk Pięknych ZSRR.

1993 - Laureat Nagrody Państwowej Federacji Rosyjskiej w dziedzinie literatury i sztuk pięknych.

Moja pierwsza znajomość z twórczością Tatyany Nazarenko miała miejsce gdzieś w połowie lat 70. Należałem wówczas do sekcji młodzieżowej Związku Artystów Plastyków. Młoda historyczka sztuki podzieliła się z nami swoimi przemyśleniami na temat nowych trendów w malarstwie sowieckim. Kiedy na ekranie pojawił się obraz Nazarenki „Przyszli partyzanci” (1975, Ministerstwo Kultury RFSRR), na sali rozległy się okrzyki zdziwienia. Ktoś natychmiast zaczął atakować i ostro krytykować dzieło. Jej decyzja była uderzająco niezwykła. Scena zdjęcia torturowanych z szubienicy została przedstawiona jako zdjęcie z krzyża na płótnach dawnych mistrzów. I to w kraju ateizmu. Było widać: do sztuki przyszła jasna indywidualność, poważny, poszukujący artysta. Już wkrótce Nazarenko stanie się jednym z czołowych artystów pokolenia. Spotka się z nagrodami, pochwałami, ale często też krytyką i odrzuceniem. Pierwsze wrażenie. Jaka ona jest mała. A jednocześnie dosłownie promieniująca energią. A także niezwykle jasny błękit jej oczu.

Czy jestem taki mały? „Zawsze uważałem się za osobę potężną” – śmieje się artysta.

Mój tata jest wojskowym, moja mama jest lekarzem. Wychowywała mnie babcia, ponieważ moi rodzice ciągle musieli mieszkać w różnych miastach. I mieszkałem z nią w Moskwie.

Babcia na zawsze pozostanie główną osobą w jej życiu. Kiedy Tatiana urodzi syna, pomoże go „wychować”. Nazarenko będzie to stale pisać. Na obrazie „Poranek. Babcia i Nikolka” (1972, Dyrekcja Wystaw Związku Artystów Plastyków) ukazuje ją pieczołowicie chroniącą sen wnuka. Artystka porównuje dwa światy – mądry i życzliwy świat starości oraz ten beztroski, kiedy każdy dzień jest świętem i odkryciem – dzieciństwa. Starannie i z miłością zapisuje każdą z niezliczonych zmarszczek na twarzy swojej babci oraz w jej smutnych i czułych oczach.

Dzieciństwo Nazarenki było normalnym dzieciństwem dziecka z „dobrej” rodziny. Szkoła Muzyczna. W wieku 11 lat rozpoczęła naukę w szkole plastycznej.

- Czy twoi rodzice zareagowali spokojnie na twój wybór bycia artystą?

W ogóle nie zareagowali. Poszedłem do szkoły artystycznej, cóż, uczę się i studiuję. To prawda, gdy jedna z moich znajomych powiedziała, że ​​artysta powinien mieć bogatego męża lub bogatych rodziców, zaniepokoiło ją to. Bardzo się martwili, że nigdy nie zarobię pieniędzy i będę musiała mnie karmić przez całe życie.

Teraz, gdy zostałem laureatem Nagrody Państwowej, potraktowano mnie poważnie. Ale ogólnie rzecz biorąc, moja mama wciąż czasami mówi, byłoby lepiej, gdybyś ukończył instytut radiowy i był normalnym człowiekiem. Tak się złożyło, że klasa Tatyany w szkole artystycznej okazała się niezwykle bogata w talenty. Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Ksenia Nechitailo zostali jej kolegami z klasy i przyjaciółmi. Każdy z nich odnajdzie później swój własny, niepowtarzalny styl, świat obrazów. Dziś wszyscy są uznawani za „mistrzów” sztuki lat 70. – 80. XX wieku.

Dla Nazarenko i artystów jej pokolenia okres formacji i dojrzewania zbiegł się z czasem cudownym, niezapomnianym - okresem „odwilży”. To był czas nadziei. Czas prawdziwego odrodzenia i poszukiwań w kulturze i sztuce. Na zawsze zapamiętam swoje pierwsze spotkania ze współczesną sztuką Zachodu. Na przełomie lat 50. i 60. w Moskwie i Leningradzie odbywały się wystawy Pabla Picassa, Fernanda Légera oraz współczesnych artystów amerykańskich, angielskich, francuskich i belgijskich. Tysięczne tłumy oblegały muzea. Ludzie stoją w kolejce od nocy.

Jednym z najpotężniejszych wrażeń tamtych lat, wspomina Nazarenko, była wystawa „30 lat Moskiewskiego Związku Artystów”. Na nim, obok znanego, widzieliśmy taką sztukę radziecką, o istnieniu której nawet nie podejrzewaliśmy.

Pokazano tam także twórczość młodych lewicowych członków Związku: Andronowa, braci Nikonowów itp. Później zostali nazwani mistrzami „stylu surowego”. Wtedy ona, początkująca artystka, i jej przyjaciele nie mogli sobie nawet wyobrazić, że będą musieli kontynuować walkę rozpoczętą w „latach sześćdziesiątych” o dalszą odnowę i humanizację sztuki radzieckiej.

Następnie będzie studiował w Instytucie Sztuki. Surikow. Już na studiach zdałam sobie sprawę, że obrona siebie i swojego rozumienia sztuki nie będzie łatwa.

- "W szkole, potem w instytucie panowała pewna ambiwalencja w stosunku do naszej pracy. Nakazano nam żyć jak Wędrowcy. […] Oto historia tego, jak pisałam dyplom. Zdałam egzamin temat macierzyństwa. Wiedziałam na pewno, że chcę: w jurcie dwie kobiety – młoda i stara – przy kołysce z dzieckiem. Podświetlane postacie, czarne tło. Idea „Pokłonu Trzech Króli”. A. M. Gritsai [kierownik warsztatu - N. Sh.] powiedział: „Tanya, nie znasz życia, nie znasz szczęścia macierzyństwa. Czarne tło nie jest możliwe przy rozwiązywaniu takiego motywu. Ciemność jest zaprzeczeniem. Masz dużo naturalnych materiałów - podążaj za naturą. Posłuchałem - w rezultacie powstała praca, której nie zrobiłbym inaczej, gdybym nie był przekonany.

W swoich poszukiwaniach tworzenia „prawdziwej” sztuki Nazarenko, jak wielu poszukujących artystów swojego pokolenia, zwraca się do tradycji sztuki klasycznej. Jej głównymi „nauczycielami” są mistrzowie północno-holenderskiego renesansu. Bez względu na to, jak daleko zaszli w swoich poszukiwaniach młodzi członkowie Związku, zawsze istniała pewna granica, granica dopuszczalności: musieli mieścić się w ramach realistycznego malarstwa figuratywnego.

- Otrzymałeś wykształcenie akademickie. Czy sztuka realistyczna jest naprawdę Twoja?

Może to nie było moje. Kiedy studiowałam, nie wiedzieliśmy, że możemy pracować inaczej.

- Niektórzy artyści odważyli się zerwać z Akademią i jej systemem. (Przytaczam przykład Leningradarki Eleny Gritsenko, która z sukcesem ukończyła Akademię, a następnie porzuciła karierę „oficjalnej” artystki i związała swój los z undergroundem).

To wymaga charakteru. Miałem główną osobę - moją babcię, której nie chciałem denerwować. A niektóre rzeczy – opuszczenie instytutu i coś innego – nawet nie mogły mi przyjść do głowy, bo oznaczałoby to upadek fundamentów mojej babci. Zaprzyjaźniłem się z wieloma undergroundowymi artystami, miałem bliski kontakt z Kabakowem, Bułatowem, Wasiliewem, ale nie było mnie na to stać. Poza tym, jeśli chodzi o realizm, miałem wiele opcji.

– Już pierwsze Twoje prace, które pojawiały się na wystawach, różniły się od zwykłych, tradycyjnych. Czy istniała świadoma chęć nie podążania utartymi ścieżkami?

Niedawno odwiedziłem Instytut Surikowa. Po prostu nie mogłam uwierzyć własnym oczom. Sam budynek został zmodernizowany i przebudowany. Obecnie mamy połowę lat 90-tych. Wiszą tam jako próbki obrazy i rysunki z samego prawego skrzydła Unii. Wydawało mi się, że już dawno ich nie było. Uczyliśmy się od innych. Ten sam Żylinski. Z jego pomocą odkryliśmy renesans i byliśmy pod jego wrażeniem. To zrodziło moją pasję do Boscha, Bruegla, Masaccio, Uccello. Ich prace są dla mnie nadal szczytem sztuki. Do tej pory, gdy jest Ci smutno lub coś nie wychodzi, patrzysz, jak pomalowane jest ucho „kanonicznego” Van Eycka i od razu masz ochotę zrobić coś podobnego.

Mistrzowie „surowego stylu” przedstawiali „zwykłego człowieka w zwykłym otoczeniu”. Ich charaktery manifestowały się i realizowały w codziennej pracy i kontaktach społecznych. Bohater lat siedemdziesiątych jest mniej wyrazisty, bardziej skłonny do refleksji. Sama struktura obrazowa staje się coraz bardziej złożona. „Otwartość” wypowiedzi zostaje zastąpiona alegorią, metaforą i alegorią.

Nowego bohatera i tę dwuwymiarowość narracji poznajemy w portretach zbiorowych tworzonych przez Nazarenkę w latach 70. XX wieku („Moi współcześni”, 1973, Muzeum Sztuki w Saratowie im. Radiszczowa; „Wieczór moskiewski” 1978, Galeria Trietiakowska). Ich bohaterami są sama artystka i jej krąg bliskich przyjaciół. Jej twórczość ma charakter autobiograficzny i autoportretowy. Jej własny los, los jej bliskich i życie jej pokolenia stają się wiodącymi tematami artystki.

W „Wieczorze moskiewskim” Nazarenko odtwarza poufną, twórczą atmosferę przyjaznych spotkań młodych lat siedemdziesiątych. O zmierzchu w studiu siedzi kilku artystów. „Dźwięk siedmiostrunowej gitary” skłania do refleksji. Za oknem Moskwa. W oddali widać wieże i kopuły kościołów Kremla. Z ciemności wyłania się postać pięknej nieznajomej w pudrowanej peruce – postać z jednego ze słynnych rosyjskich portretów XVIII wieku.

W pracach tych wyraźnie zarysowały się już główne cechy zawsze rozpoznawalnego stylu Nazarenki. Uważne, pełne miłości odtworzenie znaków otaczającego świata, przybliżające jej twórczość do dzieł dawnych mistrzów holenderskich. Groteskowe wyolbrzymienie postaci. Znalazły tu odzwierciedlenie lekcje Bruegla, Boscha i rosyjskiego ludu „prymitywnego”. Krytycy będą oskarżać artystę o „oszpecanie narodu radzieckiego”.

- "Mówią mi: ludzie na Twoich obrazach są jacyś groteskowi. Nie zgadzam się. Zawsze wyolbrzymiamy nasze mocne strony, a bagatelizujemy wady. Po prostu widzę ludzi takimi, jacy są. I to nie zawsze jest piękne." Z biegiem czasu w twórczości Nazarenki narasta motyw samotności i braku jedności, często łączony z obrazami ogólnej zabawy, przyjaciół artysty zbierających się na uczcie, karnawale („Dzień Tatiany”, 1982, zbiory prywatne, Niemcy; „Karnawał”, 1979, Dyrekcja Wystaw Związku Artystów). Karnawały, maskarady, festiwale folklorystyczne to jeden z ulubionych tematów lat siedemdziesiątych. To swoista metafora aktorstwa, a jednocześnie braku jedności, samotności w tłumie i poszukiwania kontaktu z innymi.

Swego czasu wejście mistrzów „surowego stylu” do sztuki nie było łatwe i wywołało burzliwą dyskusję. Potem się do nich przyzwyczaili, ich poszukiwania zyskały „oficjalne” uznanie, wielu z nich zostało mistrzami. To samo powtórzyło się z najodważniejszymi, utalentowanymi, poszukującymi „latami siedemdziesiątymi”. Teraz ataki krytyki stały się ich udziałem. Ulubionymi oskarżeniami były oskarżenia o „zamkniętość” i „niejasność” ich twórczości.

- "Może gdybym urodził się dekadę wcześniej, byłbym z Popkowem, z Nikonowem. A lata sześćdziesiąte byłyby dla mnie najcudowniejszymi latami. Byli szczerzy... Dlaczego z latami siedemdziesiątymi nie jest jasne?. ... Patos trudnej codzienności musiał odejść. To naturalna zmiana. Przyszła duchowość, zamknięcie, pisanie... To kontrastowało z bohaterem lat sześćdziesiątych z otwartą klatką piersiową: „popatrz, kim jestem!” ... Lata 70. zmusiły nas do sięgnięcia po alegorię: czas niejednoznaczny, kiedy wydaje się, że można wiele, a jednocześnie znowu nie, wszystko znów jest zamknięte.

Tatyana Nazarenko pracuje w różnych gatunkach. I niemal od pierwszych kroków próbował swoich sił w filmie historycznym. Malarstwo historyczne lub tematyczne zajęło wiodące miejsce w sztuce socrealizmu, podobnie jak wcześniej w akademizmie. Znamienne, że w sztuce radzieckiej pozostał on przywilejem artysty-mężczyzny. Począwszy od „Rozstrzelania Narodnej Woli” (1969-1972, Galeria Trietiakowska), każdy kolejny obraz Nazarenki o tematyce historycznej staje się wydarzeniem. W przeciwieństwie do tradycyjnych obrazów historycznych socrealizmu, które były budującym przykładem „bohaterskiej” przeszłości, obraz historyczny dla Nazarenki stał się dialogiem-refleksją skierowaną do widza-rozmówcy na temat przeszłości i jej nierozerwalnego związku z teraźniejszością , o historii jako wciąż powtarzającej się tragedii samotności. Bohaterami artysty są jednostki, które dotkliwie przeczuły niesprawiedliwość otaczającej rzeczywistości, podjęły walkę o jej zmianę i natrafiły na mur nieporozumień. O tym opowiada jej słynny dyptyk „Pugaczow” (1980).

Buntownik, przywódca powstania chłopskiego Emelyan Pugaczow, zabierany jest w klatce do Moskwy na egzekucję. Artysta nie dąży do rekonstrukcji wydarzenia. Centralna scena przypomina popularne ryciny i starożytne oleografy. Uproszczony, zabawkowy krajobraz, lalki przedstawiające żołnierzy w jasnych mundurach. Posługując się tą konwencją, świadomie dystansuje siebie i widza od tego, co się dzieje. To zdarzyło się kiedyś, dawno temu – mówi artysta. Część druga została napisana w zupełnie inny, ostrożny sposób, przypominający „sztuczki” z XVII wieku. Prezentuje starożytne portrety, dokumenty i tomy pochodzące z epoki panowania Katarzyny II i buntu Pugaczowa. To „naoczni świadkowie” wydarzenia. Z ich pomocą każdy może ożywić dla siebie przeszłość i zbliżyć się do niej.

- "Moje obrazy historyczne są oczywiście związane z dniem dzisiejszym. "Pugaczow" to historia zdrady. Dzieje się to na każdym kroku. Współpracownicy Pugaczowa porzucają go, skazując na egzekucję. To zawsze się zdarza." Życie nawet najbardziej „lewicowego” artysty, członka Unii, było obarczone nieuniknioną dwoistością. Aby być „widocznym” i uczestniczyć w wystawach, trzeba było iść na taki czy inny kompromis.

- Jak udało Ci się pozostać sobą i nadal pokazywać swoje prace?

Zawsze wyraźnie odróżniałam to, co piszę dla siebie, od tego, co na wystawy. To, co dla siebie zrobiłem, nie miało żadnej nadziei, że kiedykolwiek uda mi się to pokazać. Pierwsza wystawa, na której udało mi się choć część z tego pokazać, odbyła się w 1975 roku. Przyjechała komisja i usunęła 3 prace. Zdecydowałem, że jeśli nakręcą 5 głównych prac, to w ogóle odmówię udziału. Może wtedy moje życie potoczyłoby się inaczej. Ale zostawili mi te 2 prace i oprogramowanie. Zaczęli rozmawiać o tej wystawie... W ogóle wszystkie swoje prace pokazałem dopiero w 1989 roku, na mojej pierwszej wystawie indywidualnej.

Mimo całej „zamkniętości” lat siedemdziesiątych, w ich pracach często można odczuć chęć kontaktu, gotowość otwarcia się na uważnego, zainteresowanego widza. Jednym z takich „konfesyjnych” obrazów był tryptyk Nazarenki „Warsztat” (1983, Galeria Trietiakowska). Artystka wprowadza nas w „laboratorium” swojej twórczości. Po lewej stronie przedstawiła siebie siedzącą tyłem do widza, pogrążoną w swojej pracy. Część środkowa przedstawia sam proces narodzin obrazu. Jak z zapomnienia na płótnie pojawiają się przezroczyste postacie przyszłych postaci. Materializują się na naszych oczach i nabierają określonych cech. Liczne obiekty znajdujące się w pracowni opowiadają o artystce, jej świecie, jej pasjach. Na ścianie wisi odlew maski pośmiertnej Puszkina, kobiecy portret Cranacha i oczywiście reprodukcja portretu „kanonika” Van Eycka, „głównego” nauczyciela Nazarenki. Na biurku znajdują się stare książki, świeca, ikona. Po prawej stronie widać otwarte okno warsztatu. Na parapecie znajduje się gitara, tubki z farbą, butelka rozpuszczalnika. Za oknem wyraźnie widać wieczorną Moskwę.

- Czy masz rodzinę, dzieci. Łączenie obu tych ról musiało być trudne?

- Oczywiście, że to trudne. Rozstałam się z pierwszym mężem, bo dał mi wybór. Właśnie wtedy urodziłam swoje pierwsze dziecko... (tu wzdycha, potem się śmieje) Bardzo trudno to zapamiętać. W tym czasie uczyłem się w pracowniach Akademii Sztuk Pięknych. Musiałam albo siedzieć z dzieckiem, albo zamieszkać z babcią, która się nim opiekowała. Kobiecie zawsze jest trudniej. Przez całe życie byłem rozdarty pomiędzy kreatywnością a dziećmi. Niejednokrotnie dzieci znanych pisarzy, aktorek i artystów w swoich wspomnieniach na ich temat rozliczają się z matkami za pozbawione dzieciństwo, zarzucając im egoistyczne skupienie się na twórczości. W „Autoportrecie z synem” (1977, Ministerstwo Kultury) obok artystki szkicującej coś w zeszycie, całkowicie pochłoniętej pracą, stoi jej najstarszy syn Nikolka. Chłopiec uważnie i z ciekawością obserwuje, jak pusta kartka papieru ożywa pod jej dłonią, zamieniając się w pejzaż. Ale zazdrość wkrada się także w spojrzenie syna. Być może oko artysty mimowolnie zarejestrowało pierwsze pędy browarniczego konfliktu.

- Czy Twoje dzieci czuły się pokrzywdzone?

Straszny. Jakieś dwa tygodnie temu w telewizji był program, w którym przeprowadzono wywiad z moimi dziećmi. Zawsze wydawało mi się, że jestem rozdarta pomiędzy pracą a dziećmi, że poświęcam im dużo czasu. Najstarszy ma już 24 lata, najmłodszy 8. Obydwoje niezależnie od siebie stwierdzili, że nie zwracam na nie uwagi. Młodszy opowiadał, że wychowywała go babcia: „A moja mama jest wspaniałą artystką i najczęściej chodzę na jej premiery”. Co za koszmar. Najstarszy powiedział, że nie chce być artystą, bo jego mama cały czas spędzała w pracowni.

- Okazuje się, że jeśli kobieta całkowicie poświęci się kreatywności, niezależnie od tego, jak dobrze traktuje swoje dzieci, one i tak czują się pozbawione

Nie, tego nie można wybaczyć. Cierpią strasznie. Nie planowałem mojej rodziny. Dzieci zawsze powstają przez przypadek. Drugie dziecko urodziła świadomie. A teraz poświęcam dużo czasu na pracę, bo rozumiem, że wielu ludzi tworzy sztukę, sztuka może obejść się beze mnie, ale on nie może obejść się beze mnie. Ale, jak się okazało, to mu nie wystarczy.

Począwszy od końca lat 70. w twórczości Nazarenki coraz częściej pojawia się temat bezbronności, „nagości” i bezbronności artysty przed oceną leniwej i obojętnej publiczności oraz władzy. Wyraźnie brzmi już w jednym ze swoich najlepszych autoportretów - obrazie „Kwiaty. Autoportret” (1979, Galeria Trietiakowska). Niemal całą przestrzeń płótna zajmuje bukiet świeżych, złotych lilii, a na ścianie wisi reprodukcja obrazu Van Eycka, którego jest idolką. Artystka stoi przyciśnięta do krawędzi płótna, ze spuszczonymi oczami i bezwładnie wyciągniętymi ramionami, odwracając się od tego, co zwykle sprawia jej przyjemność i jest nieustannym źródłem inspiracji.

Temat ten staje się motywem przewodnim w „Człowieku cyrkowym” (1984). Na zawrotnej wysokości, ponad dachami domów, artystka ubrana jedynie w bikini balansuje „bez siatki zabezpieczającej”. Poniżej publiczność oklaskuje jej ryzykowny występ. To urzędnicy ze Związku, ubrani formalnie: ciemne garnitury i krawaty. Nazarenko nadaje swoim obrazom rozpoznawalne cechy portretu. Nie znając konkretnych okoliczności, które przyczyniły się do powstania tej pracy, można ją z powodzeniem zaliczyć do prac związanych z dyskursem feministycznym, tematycznych poświęconym roli kobiet w społeczeństwie.

Nadal nie rozumiem tego ruchu feministycznego. Dla mnie to nonsens.

- Twoją „Cyrkową dziewczynę” można z powodzeniem nazwać dziełem „feministycznym”.

Mam szczęśliwe, twórcze przeznaczenie. Dlatego dość wcześnie zacząłem podróżować za granicę. A potem, kiedy nagle ci mówią: „Nigdzie indziej nie pójdziesz, nic nie zobaczysz, nie będziesz wystawiać”. Napisałam więc „Cyrkowa dziewczyna”. Co to za feminizm? Ja przez jakiś czas należała do jakichś klubów kobiecych. Nie jest ciekawie siedzieć z kobietami i dyskutować o pewnych sprawach. Mam tak mało czasu. Mam dziecko w domu. Na Zachodzie życie jest inne. One mają oczywiście swoje problemów, ale żyje się im znacznie zamożniej. Po tym, jak kupiliśmy dom na wsi, zrozumiałem, jacy są Rosjanie. Wcześniej tego nie wiedziałem. Jeśli dla porównania weźmiemy Niemcy i Amerykę, to jest zupełnie inaczej poziom życia. Zaczynając od toalet, dróg, telewizorów, szmat. Po codzienność determinuje świadomość. Mając to wszystko, kobiety z Zachodu mogą siedzieć, rozmawiać, zastanawiać się, czy stanąć w obronie swoich praw, swoich dzieci, czy też za ekologizacją, lub o wolność mniejszości seksualnych.

- Dla mnie na przykład bardzo ważne było „odkrycie” zapomnianych pisarzy i artystów, którym zawdzięczamy feministki. Poczucie, że kobiety mają tradycję w sztuce, dodaje pewności siebie.

Uważam, że kreatywność kobiet jest wyjątkiem. To jest nieprawidłowość.

- Ale wszelka kreatywność jest w pewnym stopniu nienormalnością.

Tak, w zasadzie kreatywność jest zawsze anomalią. I kobiece – w jeszcze większym stopniu. Cierpią na tym dzieci. To nie jest normalne, że kobieta nie ma dzieci.

- Jeśli mówimy o artystach i pisarzach, to nawet dzisiaj znacznie trudniej jest im się przebić.

Nigdy nie spotkałem się z dyskryminacją. Może dopiero u zarania młodości, kiedy zapragnąłem dostać się do monumentalnego warsztatu. Powiedziano mi, że jej lider Aleksander Deineka nie chce mieć dziewcząt w swoim warsztacie. Następnie Elena Romanova uczyła się u niego. Może to była tylko plotka i gdybym był bardziej wytrwały, może udałoby mi się tam dotrzeć.

- Zachodni artyści znacznie rzadziej niż ich koledzy biorą udział w prestiżowych wystawach, duże galerie wciąż niechętnie wystawiają prace kobiet.

Cóż, co jest ważne?

- Nie, raczej nieświadomie.

Oczywiście nieświadomie. Bo z reguły artystki są gorsze. Ponieważ po prostu nie mają możliwości pełnej realizacji. Udowadniam, że współcześni artyści w niczym nie ustępują swoim kolegom. Zgadza się i dochodzi od razu do feministycznego wniosku: – Jeśli stworzy się takie same warunki, kobiety nie będą się różnić od mężczyzn. Ale to nigdy się nie wydarzyło. Wracając do tematu dzieci...

- Dlaczego uważasz, że wychowywanie dzieci jest tylko Twoim zadaniem? Dlaczego mężczyzna nie może wziąć w tym udziału?

Absolutnie nie może. Kiedy urodziłam drugie dziecko, nie było to to, czego chciałam. Ale mój mąż nie miał dzieci. Chciał tego dziecka. Urodziłam w wieku 42 lat. Postanowiłam, że urodzę dziecko i pozwolę mężowi się nim opiekować, uczyć, jeździć na nartach. To biedne dziecko kocha tylko mnie. I tak ja, nieszczęśliwa 50-latka, muszę wcześnie wstawać, odrabiać z nim ćwiczenia, sprawdzać lekcje, uczyć się angielskiego, jeździć na nartach, na które boję się jeździć... Z wielką przyjemnością siedzę w warsztacie , ale co poradzę? już się pojawił.

Mimo to mężczyźni mają zalety. Są znacznie silniejsi fizycznie i odporniejsi.

- Ale mężczyźni też mają fizyczne ograniczenia. Jeden ustanawia rekord świata w pływaniu, a drugi gra w szachy.

Wychowywano nas, żebyśmy nie byli gorsi od mężczyzn, słabsi. Dlatego przyzwyczaiłem się do bycia na równych prawach. Sama noszę obrazy, sama wypełniam płótno... W niczym nie mogę ustąpić człowiekowi. Na przykład chcę siedzieć z ogromnymi „rzeczami”. Ale fizycznie nie jestem w stanie tego udźwignąć.

- Dlaczego to musi być ogromna praca?

Ale chciałam nie czuć się kobietą. Udowodniłem, że potrafię, jak każdy człowiek, dokonać czegoś wielkiego, pisząc na przykład trzy na trzy.

- Więc miałeś w ten czy inny sposób poczucie bycia drugorzędnym?

Tak, oczywiście. Bardzo interesowałem się bronią. Pisałem zdjęcia z bronią. Naprawdę nie chciałam z niczego rezygnować.

Pamiętam, że gdy byłam członkiem komisji wystawy, z reguły można było się domyślić, że jest to dzieło kobiet. Może wtedy, gdy artysta nie zamierzał tego ukrywać. Nie było ani gorzej, ani lepiej. To było inne. Z reguły drobne prace, portrety dzieci lub coś związanego z zabawkami lub martwą naturą. Coś trochę delikatniejszego.

- Prawdopodobnie dlatego, że życie artystek różni się nieco od życia ich kolegów. Mężczyzna może sobie pozwolić na całkowite porzucenie codziennych zmartwień, odpowiedzialności za wychowanie dzieci i całkowite oddanie się twórczości. Zatem wszystko to spada na barki kobiet. A sytuacja społeczna artystki w pewnym stopniu determinuje zakres podejmowanych przez nią tematów. Jak już powiedziałeś, „życie codzienne determinuje świadomość”.

Tak, oczywiście.

- Dziś artysta ma wolność, choć wolność absolutna oczywiście nie istnieje. Mozesz robić wszystko na co masz ochotę.

W pewnym sensie zawsze czułam się wolna. Miałem mnóstwo prac, o których wiedziałem na pewno, że nigdy nie wyjdą ze ścian pracowni. Teraz wszystko jest podyktowane ilością pieniędzy. Z powodu jednego braku wolności znajdujesz się w innym. Jeśli masz pieniądze, możesz wynająć dowolny pokój i wystawiać, co chcesz. Jeśli ich tam nie ma, nic nie opublikujesz. W warsztacie mogę robić co chcę, ale nikomu to nie jest potrzebne. Całkowicie straciłem zainteresowanie sztuką. Być może wcześniej tego nie było, ale w jakiś sposób się pojawiało. Gdyby teraz moje dziecko chciało zostać artystą, biłabym je kijem, mówiąc: nie zostań artystą... Ale przy pierwszym dziecku bardzo chciałam, żeby zostało artystą. Teraz staliśmy się sługami. Osobiście mam ochotę służyć bogatym na prezentacjach i przyjęciach. Od pewnego czasu w naszym społeczeństwie znaleźliśmy się w tak nienormalnej sytuacji, że jesteśmy elitą, że możemy na coś wpływać. Poeci czytają swoje wiersze wielotysięcznej publiczności. W kabinie ciężarówki można było zobaczyć przypięte zdjęcia.

- Wcześniej dobra książka, film, malarstwo było powiewem wolności. A teraz ludzie mają inne wartości i możliwości. Mogą podróżować, robić zakupy. Okazało się, że nie każdy potrzebuje sztuki, wręcz przeciwnie, mało kto jej potrzebuje. Ale być może są to tylko procesy tymczasowe.

Jestem kiepskim filozofem, nie wiem, ile czasu zajmie ludziom zainteresowanie się sztuką i na ile będzie ona interesująca. Teraz dyktuje właściciel galerii. Doradzą co i jak zrobić. W każdej umowie określone są nawet rozmiary obrazów. Bo mieszczanie mają mury tej wielkości. Powinno to być coś miłego dla oka. Mój mąż mówi mi, że potrzebuję czegoś jasnego i niedrogiego.

- Ty i ja byliśmy współcześni „odwilży”. Dorastaliśmy w tym czasie. Dziś mamy zaszczyt być świadkami pierestrojki. Czy można w jakiś sposób porównać atmosferę i wrażenia tamtych czasów z tym, co dzieje się na naszych oczach dzisiaj?

Wiele osób nie zdało tego testu: wszystko było dozwolone, podróże i coś jeszcze. Komunikowaliśmy się częściej, byliśmy bardziej szczerzy. Po pokusach, jakie niosła pierestrojka, ludzie się zmienili. I w ogóle w pewnym stopniu uważam, że wcześniej byli lepsi. Indywidualna wystawa artysty (1989) była pokazywana nie tylko w Rosji, ale także na Zachodzie: w Niemczech, Ameryce. Został przyjęty z dużym zainteresowaniem przez zagraniczną publiczność i krytykę. Artystka zyskała miano „Królowej Związku Artystów”. Dla części „nowych” krytyków rosyjskich, którzy w walce o sztukę „współczesną” gotowi są wszystko na nowo oczyścić i zniszczyć „do ziemi”, wystawa Nazarenki była jednym z powodów rozliczenia się z latami siedemdziesiątymi. Jeden z nich argumentował: „W ogóle wystawa ukazała historyczne wyczerpanie malarstwa «lat siedemdziesiątych» i stała się swego rodzaju odejściem od ich jasnej, choć przemijającej twórczości”.

- "Nie czuję się straconym pokoleniem. Udało nam się zasmakować wolności podczas "odwilży". A w ponadczasowości Breżniewa staraliśmy się pokazać na wystawach to, co myśleliśmy: bezpośrednio lub poprzez alegorie. Moje obrazy zostały usunięte z wystaw więcej niż raz. „Pugaczowa” trzy razy…”

Nadmierna koncentracja na swoich żalach i nieporozumieniach była jedną z przyczyn trwającego kilka lat kryzysu twórczości artystki. Jeden po drugim zaczęły pojawiać się obrazy, coraz bardziej przypominające fantasmogorie Boscha. W nich urzędnicy związkowi i „obojętna publiczność” zamienili się w brzydkie stworzenia, pół-człowieka, pół-zwierzę, dręczące artystę. Jednak Nazarenko nigdy nie była osobą obojętną, skupioną na sobie. Na jej oczach nadzieje związane z pierestrojką zamieniły się w inflację i zubożenie. Na ulicach pojawiały się starsze kobiety sprzedające swój ostatni dobytek, żebracy i bezdomni. Na to, co działo się wokół niej, odpowiedziała swoim „Przejściem”.

Podziemne przejście metra to dziś schronisko dla bezdomnych i uchodźców. Mieszkają tu sprzedawcy gazet i kwiatów, muzycy, żebracy i osoby niepełnosprawne. Artysta „przeniósł” go do sal Centralnego Domu Artystów i skonfrontował widza z mniej szczęśliwymi, pokrzywdzonymi, zmusił do spojrzenia w twarze tych, których nieraz spiesznie mijał w „ niecierpliwość jego serca.” I oczywiście, jak w wielu jej pracach, wśród pozostałych bohaterów pojawia się sama artystka.

Transformacja to zarówno stan dzisiejszego poradzieckiego społeczeństwa, zmierzającego nie wiadomo dokąd, jak i nowy, interesujący etap w twórczym rozwoju Nazarenki.

Przed nami malarstwo rzeźbiarskie – druga rzeczywistość, rzeczywistość sztuki. Artysta zachowuje niezbędną miarę konwencji i dystansu. Po bliższym przyjrzeniu się figury okazują się być szorstką, malowaną sklejką. Ich odwrotna strona pozostaje nieleczona. Sami bohaterowie przedstawieni są z groteskową ostrością. „Liczby przejściowe” – jak trafnie określił jeden z krytyków.

„Przejście” wzbudziło duże zainteresowanie publiczności i „wtajemniczonych” i niewątpliwie stało się jednym z najważniejszych wydarzeń kulturalnych ostatnich lat. Artystka po raz kolejny potwierdziła swoje miejsce w sztuce i dobitnie „udowodniła”, że jest za wcześnie, aby grzebać lata siedemdziesiąte.

W jej „Przejściu” znów wyraźnie zabrzmiało odwieczne rosyjskie pytanie: „Rusiu, dokąd się spieszysz…”, wyrażono ból i nadzieję artystki…

1 pkt. autor: Lebiediewa, W. Tatyana Nazarenko, M., 1991.
2 Cytat. autor: Efimowicz, N. „Mówią, że oszpecam naród radziecki…” V; „Komsomolskaja Prawda”, 21 grudnia 1991 r.
3 Cytowane autor: Lebiediewa, V. Dekret. op.
4 Cytowane autor: Efimowicz, N. ibid.
5 „Sztuka”, 1989, L. 8, 76.
6 Cytowano. autor: Efimowicz, N. ibid.

Nazarenko Tatiana Grigoriewna

Tatiana Nazarenko

(Urodzony 1944)

Malarz. Zajmuje się fotografią artystyczną. Portrecista, pejzażysta, malarz gatunkowy, mistrz malarstwa historycznego.

W latach 1955-1962 studiowała w Moskiewskiej Liceum Sztuk Plastycznych w Moskiewskim Państwowym Instytucie Sztuki im. W.I. Surikowa, następnie w latach 1962-1968 w Moskiewskim Państwowym Instytucie Sztuki im. W.I. Surikowa u D.D. Żylińskiego.

Obecnie wykłada w tym samym instytucie.

Laureat Państwowej Nagrody Rosji, członek zwyczajny Rosyjskiej Akademii Sztuk.

T.G. Nazarenko to jeden z liderów życia artystycznego lat 70. Twórczość jej pokolenia charakteryzuje się analitycznością, chęcią wieloaspektowego odczytania znaczenia dzieła, podkreśleniem osobistej intonacji i ironią.

Język alegorii był bliski wielu mistrzom tamtych czasów. Nazarenko wspomina: „Lata 70. zmusiły nas do uciekania się do alegorii: był to niejednoznaczny czas, kiedy wydawało się, że wiele jest dozwolone, a jednocześnie znów nie, i znów zamknięte”.

Zasłynęła szczególnie z obrazów o tematyce historycznej („Egzekucja Narodnej Woli”, 1969–1972; „Dekabryści”, 1978). Łączy w nich dokument, ducha świadectwa, perspektywę historyczną i własną koncepcję wydarzenia.

Zainteresowanie różnymi etapami historii i kultury, elementy stylizacji i bezpośrednie cytowanie znanych dzieł – wszystko to przybliża sztukę Nazarenki do estetyki postmodernizmu.

__________________________

Nazarenko Tatiana Grigoriewna

Zasłużony Artysta Rosji, laureat Nagrody Państwowej Federacji Rosyjskiej, Nagrody Rządu Moskiewskiego, członek prezydium, członek rzeczywisty Rosyjskiej Akademii Sztuk, profesor

Urodzony 24 czerwca w Moskwie. Ojciec - Nazarenko Grigorij Nikołajewicz (1910-1990). Matka - Abramova Nina Nikołajewna (ur. 1920). Małżonek: Zhigulin Alexander Anatolyevich (ur. 1951). Dzieci: Nazarenko Nikołaj Wasiljewicz (ur. 1971), Zhigulin Aleksander Aleksandrowicz (ur. 1987).

Ojciec Tatyany Nazarenko, żołnierz pierwszej linii frontu, wojskowy, po wojnie został skierowany na Daleki Wschód, a rodzice wyjechali. Tanya przebywała w Moskwie ze swoją babcią Anną Siemionowną Abramową. Pokazała jej najpierw oceny szkolne, a potem rysunki i obrazy.

A. S. Abramova jest wdową od 1937 r. Jej mąż, Nikołaj Nikołajewicz Abramow, był bezprawnie represjonowany i zmarł w areszcie. Pozostawiona sama, pracowała jako nauczycielka w przedszkolu, pielęgniarka, wychowywała i pomagała dwóm córkom zdobyć wyższe wykształcenie, wychowała wnuczkę Tatianę, a następnie pomagała wychowywać najstarszego syna Nikołaja. Babcia miała w sobie niewyczerpane źródło miłości, ale wydaje się, że jej główną miłością nadal była Tanya, która także ją kochała. Anna Siemionowna Abramowa żyła w obrazach artystki Tatyany Nazarenko: „Poranek Babcia i Nikolka” (1972), „Portret A. S. Abramowej” (1976), „Wspomnienia” (1982), „Życie” (1983), „ Białe studnie. Ku pamięci mojej babci” (1987).

W wieku 11 lat Tatyana wstąpiła do Moskiewskiej Szkoły Artystycznej. Szybko utworzył się tam krąg przyjaciół: Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Lyubov Reshetnikova, Ksenia Nechitailo - przyszli bystrzy mistrzowie lat 70. Był to czas burzliwy, hojny, bogaty w różnorodne wydarzenia życia kulturalnego, czas rozkwitu sztuki krajowej, zapoznania się z wybitnymi dziełami klasyki krajowej i zagranicznej XX wieku, dotychczas zakazanymi i nieznanymi młodym ludziom .

W 1962 roku Tatyana Nazarenko wstąpiła na wydział malarstwa Instytutu Sztuki V. I. Surikowa, gdzie jej nauczycielami byli D. D. Zhilinsky, A. M. Gritsai, S. N. Shilnikov. Po ukończeniu instytutu, w latach 1968–1972 pracowała w warsztacie twórczym Akademii Sztuk Pięknych ZSRR pod kierunkiem G. M. Korzheva.

Twórczość Tatiany Nazarenko ukształtowała się pod wpływem burzliwych wydarzeń lat 60. i wspomnień tragicznych wydarzeń lat 30. XX wieku. Łączy w sobie pełnokrwistą postawę, miłość do życia, umiejętność przeżywania codziennych wydarzeń jak święta - i ciągły niepokój, który pozwala zamienić te święta w dziwne i złożone wydarzenia, gdzie wszystko jest prawdą i nieprawdą, gdzie jest tyle samo zabawy co smutku, gdzie wiele warstw percepcji, wiele przestrzeni nakładających się na siebie, gdzie czas jest niestały, splatają się trafność obserwacji terenowych i najbardziej nieokiełznana wyobraźnia.

Twórczość Tatyany Nazarenko ma silny element analityczny. Niezależnie od gatunku malarstwa, w którym pracuje, główna treść jej obrazów wyraża się nie tylko i nie tyle poprzez fabułę, ale poprzez ogólną atmosferę duchową, która determinuje stan psychiczny bohaterów oraz emocjonalną kolorystykę krajobrazów, przedmiotów i plastyczny język jej sztuki. Ta duchowość malarstwa połączona z analitycznym podejściem do przedstawianych zjawisk stanowi o wymownej oryginalności prac artysty.

Adekwatność czasu, głęboka nowoczesność to jedne z cech charakterystycznych twórczości artysty. Nazarenko wnosi do swoich dzieł coś nieuchwytnego, co jednak niewątpliwie czyni je wytworem naszych czasów, sposobem myślenia naszych współczesnych. Widz czuje w jej sztuce pulsujący czas.

Cechy te zaczęły pojawiać się już w pierwszych samodzielnych pracach artystki, w wielokierunkowych poszukiwaniach pierwszych lat studiów podyplomowych.

Pod koniec studiów w instytucie, w latach 1965–1967, Nazarenko udał się do Azji Środkowej. Kazachstan, Uzbekistan i Kirgistan przez kilka lat wyznaczały zakres tematyczny jej prac. W środkowoazjatyckich obrazach Nazarenki („Matka z dzieckiem”, „Macierzyństwo”, „Samarkanda. Dziedziniec”, „Uzbeckie wesele”, „Modlitwa”, „Chłopcy w Bucharze”) znajdują odzwierciedlenie jej żywe obserwacje. Ale nie tylko. Prace te zdawały się zawierać cały bagaż jej studenckich nabytków. Ale pokazują już inną integralną cechę młodego artysty - oryginalność. Pod utartymi formami „sztuki lat sześćdziesiątych” wyłania się z nich inna treść. Wszystko w nich jest o wiele bardziej niestabilne i niejednoznaczne, są niezwykle muzyczne, pojawiają się w nich cechy prymitywne: chęć usunięcia przedstawienia, wprowadzenia uśmiechu, prostoty i zabawy.

I to nie przypadek, że zaraz po środkowoazjatyckim serialu Nazarenko powraca do tematów znacznie mu bliższych. Maluje obrazy, których głównymi bohaterami są ona sama i jej przyjaciele. Tematem jej sztuki staje się życie pokolenia.

Początek lat 70. dla Nazarenki, jak dla większości artystów jej pokolenia, był czasem poszukiwań gatunku, maniery i tematu. Artystka próbuje swoich sił zarówno w stylu prymitywistycznym, jak i w systemie ścisłego neoklasycyzmu, malując płótna romantyczne, dekoracyjne i zabawne. W tych latach napisała tak różnorodne dzieła, jak „Egzekucja Narodnej Woli” (1969–1972), „Drzewo w Nowym Athos” (1969), „Niedziela w lesie” (1970), „Portret aktorki cyrkowej” ( 1970), „Pożegnanie zimy” (1973), „Nowy Rok” (1973), „Poranek. Babcia i Nikolka” (1972), „Młodzi artyści” (1968), „Moi współcześni” (1973), „Obiad ” (1970), „Portret Igora Kupryashina” (1974).

Wśród jej bohaterów prawie zawsze można znaleźć swój własny wizerunek - i miarę czujnej bezlitosności oka, umiejętności podkreślania ostrego charakteru kosztem idylliczno-dostatniego, równie mocno w stosunku do siebie, jak do każdego inny model.

Charakterystyczne w tym sensie są portrety grupowe, zaprojektowane na wzór malarstwa gatunkowego („Studenci”, 1969; „Młodzi artyści”, 1968; „Moi współcześni”, 1973; „Mglisty dzień na Shikotanie”, 1976; „Po egzaminie”, 1976). . Ich bohaterowie są rozpoznawalni i portretowi, zderzenia wiarygodne: wakacje młodzieży, rozmowy w warsztacie... A jednocześnie jest w nich coś tajemniczego, co zamienia codzienne sceny w romantyczne fantazje.

Historyczne kompozycje Tatyany Nazarenko odzwierciedlają spojrzenie na przeszłość naszego współczesnego człowieka. Jej obrazy przedstawiają jednocześnie przeszłość i teraźniejszość, wydarzenie historyczne i nasze obecne jego rozumienie. Samo podejście do rozwiązania tematu jest już charakterystyczne: w obrazach historycznych - „Egzekucja Narodnej Woli”, „Przyszli partyzanci” (1975), „Dekabryści. Powstanie pułku Czernigowa” (1978), „Pugaczow” (1980). - artysta wybiera momenty tragiczne, kulminacyjne, wymagające najwyższego napięcia sił duchowych uczestników akcji. Cisza i cisza są tu istotne.

Obraz Tatyany Nazarenko „Rozstrzelanie ochotników ludowych” pojawił się na Moskiewskiej Wystawie Młodzieży w 1972 roku. Zdjęcie zostało zauważone przez wszystkich, choć nie wszyscy je zaakceptowali. W misterny sposób łączył przywiązanie do wzorców renesansu, skłonność do uogólnionych refleksji i tragiczne poczucie bezbronności bojowników o wolność, o duchowe ideały, wobec miażdżącej, bezimiennej siły machiny ucisku. Za obraz „Rozstrzelanie Narodnej Woli” Nazarenko otrzymał Moskiewską Nagrodę Komsomołu. W 1976 roku otrzymała I nagrodę na Międzynarodowym Konkursie Młodych Malarzy w Sofii (Bułgaria).

Współczucie, poczucie odpowiedzialności społecznej – te cechy rozwinęły się później i umocniły w sztuce Tatyany Nazarenko, uzyskując różne, czasem dziwaczne formy ucieleśnienia, przeplatające się z motywami karnawałów, świąt, uroczystości, z romantycznymi autoportretami, z artystycznymi zabawami. I wszędzie, niewidocznie i wyraźnie, obecny jest niepokój, poczucie, że za niepewnym dobrobytem naszej codzienności kryje się surowy los innych pokoleń, ich ból i cierpienie.

Nazarenko uwielbia pisać karnawały. Jedną z pierwszych „karnawałowych” prac artystki jest „Nowy Rok” (1973), w którym stara się ukazać wewnętrzny sens karnawału, gamę różnorodnych i dość złożonych uczuć doświadczanych przez losowo zebrane osoby.

Z biegiem lat element zabawy nasila się w twórczości artysty. Z dzieł znika narracyjność, pojawia się alegoria. W charakterze alegorycznym posługuje się także reminiscencjami sztuki przeszłości - czy to niemal bezpośrednimi cytatami z dzieł klasycznych, kostiumami historycznymi naszych współczesnych, czy też obecnością przedmiotów z przeszłości w kompozycjach poświęconych współczesności.

W drugiej połowie lat 70. i na początku 80. Nazarenko namalował kilka portretów zbiorowych przyjaciół zebranych z uroczystej okazji. Są to obrazy „Sylwester” (1976), „Wieczór moskiewski” (1978), „Karnawał” (1979), „Dzień Tatiany” (1982), „Wrzesień w Odessie” (1985) i wiele innych. jak te napisane wcześniej płótna „Młodzi artyści” (1968) i „Moi współcześni” (1974).

O ile we wczesnych portretach grupowych Nazarenki wyraźnie dało się odczuć ciszę, skupienie, chęć bohaterów do usłyszenia siebie nawzajem, wysłuchania prawdy, to w kolejnych pracach („Karnawał”, „Dzień Tatiany” itp.) żywioł nieokiełznany króluje karnawał. Kostiumy i pozy są ekstrawaganckie, duch festiwalu ma w sobie nie tylko ludzi, ale także przedmioty. Jest to jednak święto bez zabawy, komunikacji bez wzajemnego zrozumienia i duchowej bliskości. Tak ważny dla artystki temat samotności, misternie łączy się w jej twórczości z motywem karnawału („Portret w przebraniu”, 1982).

Elementy karnawału można odnaleźć zarówno w obrazach „Karuzela” (1982), jak i w dyptyku „Taniec” (1980).

W pracach Nazarenki pojawia się chęć kontaktu z widzem, chęć otwarcia się na uważne, współczujące spojrzenie. Artystka napisała kilka prac, w których niemal wprost mówi o konfesyjnym charakterze swojej sztuki, o tym, jak bolesne i trudne jest pokazanie się bez ochrony, wystawionego przed sądem powszechnej obojętności („Kwiaty. Autoportret”, 1979; „Cyrk”. Dziewczyna”, 1984; „Widzowie”, 1988; „Posiłek”, 1992).

Jednym z najbardziej niezwykłych obrazów Tatyany Nazarenko jest tryptyk „Warsztat” (1983). Artysta przedstawia widzowi prawdziwy warsztat, w którym powstawały prawdziwe obrazy („Dzień Tatiany” i „Karnawał”), a jednocześnie proces realizacji swojego planu.

W twórczości Nazarenki istnieje jeszcze inna forma „spowiedzi”. W takich pracach nie potrzebuje ironii, nie potrzebuje kolorowych strojów karnawału: ucieleśnia się tu najbliższa, najcieplejsza rzecz... I prawie zawsze na tych obrazach pojawia się wizerunek babci: „Dzień dobry. Babcia i Nikołka”, tryptyk „Życie” (1983) i inne. W 1982 roku powstał obraz „Wspomnienia”, w którym artysta zdawał się materializować skojarzenia życiowe, jakie pojawiły się podczas oglądania starych fotografii.

Do głównych dzieł Tatyany Nazarenko należą także: „Koncert domowy” (1986), dyptyk „Szczęśliwa starość” (1988), „Mała orkiestra” (1989), „Wrak” (1990), „Pomnik historii” (tryptyk , 1992), „Czas” (tryptyk, 1992), „Szalony świat” (1992), „Czar” (1995), „Bezdomny” (2001).

Tatyana Nazarenko jest artystką społeczną. „Zawsze interesowali mnie ludzie” – mówi. „Nie mogę się odwrócić, nie potrafię odsunąć na bok cudzego nieszczęścia. Pobudzanie do myślenia, wzywanie do empatii to główny cel mojej pracy”. Wyraźnym tego dowodem była jej wystawa „Przejście” (1995-1996) - instalacja 120 „fałszywych” kawałków pomalowanej sklejki wykonanych w rozmiarze człowieka. Na wystawie zwiedzający musieli zatrzymać się i przyjrzeć twarzom nieszczęsnych starszych kobiet, osób niepełnosprawnych, wędrownych muzyków – wszystkich tych, których na co dzień widują w podziemnych przejściach, ale najczęściej przechodzą obok, nie zatrzymując się, żeby popatrzeć. Wystawa odniosła ogromny sukces (później obejrzeli ją mieszkańcy Niemiec, USA i Finlandii), a „Przejście” stało się dla artysty dosłownym przejściem do nowego etapu życia, do nowej sztuki.

W 1997 roku odbyła się jej wystawa „Mój Paryż”, na której znalazły się także figury ze sklejki - paryskie kawiarniane garçons w długich białych fartuchach, sprzedawcy ryb... Kolejna wystawa Tatiany Nazarenko - „Stół Moskiewski” odbyła się w tym samym roku w w galerii Marata Gelmana, a następnie pokazywana była w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu w programie wystawy „Sztuka kontra geografia”. W maju - wrześniu 2002 roku w Muzeum Kuskowo odbyła się wystawa artysty „Ja sam cieszę się, że zostałem oszukany...” (Sztuka oszustwa).

Od 1966 roku, kiedy Nazarenko po raz pierwszy pokazała swoje prace na VII Moskiewskiej Wystawie Młodzieży, stale uczestniczy w wystawach miejskich i ogólnorosyjskich, wystawach sztuk pięknych w Rosji i za granicą. Pierwsze wystawy indywidualne miały miejsce w Leverkusen (1986), Bremie, Oldenburgu, Odessie, Kijowie, Lwowie (wszystkie 1987). Od tego czasu indywidualne wystawy artysty odbywały się w Moskwie (pierwsza - 1989), Kolonii, Waszyngtonie, Nowym Jorku, Bostonie, Madrycie, Tallinie, Helsinkach i innych miastach. Prace Tatiany Nazarenko znajdują się w zbiorach Państwowej Galerii Trietiakowskiej (Moskwa), Państwowego Muzeum Rosyjskiego (St. Petersburg), Narodowego Muzeum Kobiet w Sztuce (Waszyngton), Narodowego Muzeum Żydowskiego (Waszyngton), Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Sofia), Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Budapeszt) i innych muzeów sztuki na całym świecie, w kolekcjach prywatnych.

Twórczość Tatyany Nazarenko została uhonorowana wysokimi nagrodami: Nagrodą Państwową Federacji Rosyjskiej (1993), Nagrodą Rządu Moskiewskiego (1999), srebrnym medalem Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1985), złotym medalem Rosyjskiej Akademii Sztuki Sztuka (2005).

T. G. Nazarenko - Czczony Artysta Rosji (2002), od 1997 - członek korespondent, od 2001 - członek zwyczajny, członek prezydium Rosyjskiej Akademii Sztuk; Profesor Katedry Malarstwa, kierownik Pracowni Malarstwa Sztalugowego w Moskiewskim Państwowym Akademickim Instytucie Sztuki im. V. I. Surikowa (1998). Od 1969 członek Związku Artystów Plastyków.

Mieszka i pracuje w Moskwie.

Urodzony 24 czerwca w Moskwie. Ojciec - Nazarenko Grigorij Nikołajewicz (1910-1990). Matka - Abramova Nina Nikołajewna (ur. 1920). Małżonek - Zhigulin Alexander Anatolyevich (ur. 1951). Dzieci: Nazarenko Nikołaj Wasiljewicz (ur. 1971), Zhigulin Aleksander Aleksandrowicz (ur. 1987).

Ojciec Tatyany Nazarenko, żołnierz pierwszej linii frontu, wojskowy, po wojnie został skierowany na Daleki Wschód, a rodzice wyjechali. Tanya przebywała w Moskwie ze swoją babcią Anną Siemionowną Abramową. Pokazała jej najpierw oceny szkolne, a potem rysunki i obrazy.

JAK. Abramowa jest wdową od 1937 r. Jej mąż, Nikołaj Nikołajewicz Abramow, był bezprawnie represjonowany i zmarł w areszcie. Pozostawiona sama, pracowała jako nauczycielka w przedszkolu, pielęgniarka, wychowywała i pomagała dwóm córkom zdobyć wyższe wykształcenie, wychowała wnuczkę Tatianę, a następnie pomagała wychowywać najstarszego syna Nikołaja. Babcia miała w sobie niewyczerpane źródło miłości, ale wydaje się, że jej główną miłością nadal była Tanya, która także ją kochała. Anna Siemionowna Abramowa żyła w obrazach artystki Tatyany Nazarenko: „Poranek Babcia i Nikolka” (1972), „Portret A.S. Abramowej” (1976), „Wspomnienia” (1982), „Życie” (1983), „ Białe studnie. Ku pamięci mojej babci” (1987).

W wieku 11 lat Tatyana wstąpiła do Moskiewskiej Szkoły Artystycznej. Szybko utworzył się tam krąg przyjaciół: Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Lyubov Reshetnikova, Ksenia Nechitailo - przyszli bystrzy mistrzowie lat 70. Był to czas burzliwy, hojny, bogaty w różnorodne wydarzenia życia kulturalnego, czas powstania rodzimej sztuki, zapoznania się z wybitnymi dziełami klasyki krajowej i zagranicznej XX wieku, które do tej pory były zakazane i nieznane młodym ludziom .

W 1962 roku Tatyana Nazarenko wstąpiła na wydział malarstwa VI Instytutu Sztuki. Surikowa, gdzie jej nauczycielami byli D.D. Żylinski, A.M. Gritsai, S.N. Szylnikow. Po ukończeniu instytutu, w latach 1968–1972, pracowała w pracowni twórczej Akademii Sztuk ZSRR pod kierunkiem G.M. Korżewa.

Twórczość Tatiany Nazarenko ukształtowała się pod wpływem burzliwych wydarzeń lat 60. i wspomnień tragicznych wydarzeń lat 30. XX wieku. Łączy w sobie pełnokrwistą postawę, miłość do życia, umiejętność przeżywania codziennych wydarzeń jak święta - i ciągły niepokój, który pozwala zamienić te święta w dziwne i złożone wydarzenia, gdzie wszystko jest prawdą i nieprawdą, gdzie jest tyle samo zabawy co smutku, gdzie wiele warstw percepcji, wiele przestrzeni nakładających się na siebie, gdzie czas jest niestały, splatają się trafność obserwacji terenowych i najbardziej nieokiełznana wyobraźnia.

Twórczość Tatyany Nazarenko ma silny element analityczny. Niezależnie od gatunku malarstwa, w którym pracuje, główna treść jej obrazów wyraża się nie tylko i nie tyle poprzez fabułę, ale poprzez ogólną atmosferę duchową, która determinuje stan psychiczny bohaterów, emocjonalną kolorystykę pejzaży, przedmiotów, i bardzo plastyczny język jej sztuki. Ta duchowość malarstwa połączona z analitycznym podejściem do przedstawianych zjawisk stanowi o wymownej oryginalności prac artysty.

Adekwatność czasu, głęboka nowoczesność to jedne z cech charakterystycznych twórczości artysty. Nazarenko wnosi do swoich dzieł coś nieuchwytnego, co jednak niewątpliwie czyni je wytworem naszych czasów, sposobem myślenia naszych współczesnych. Widz czuje w jej sztuce pulsujący czas.

Najlepszy dzień

Cechy te zaczęły pojawiać się już w pierwszych samodzielnych pracach artystki, w wielokierunkowych poszukiwaniach pierwszych lat studiów podyplomowych.

Pod koniec studiów w instytucie, w latach 1965-67, Nazarenko udał się do Azji Środkowej. Kazachstan, Uzbekistan i Kirgistan przez kilka lat wyznaczały zakres tematyczny jej prac. Środkowoazjatyckie obrazy Nazarenki („Matka z dzieckiem”, „Macierzyństwo”, „Samarkanda. Dziedziniec”, „Uzbecki ślub”, „Modlitwa”, „Chłopcy w Bucharze”) odzwierciedlały jej żywe obserwacje. Ale nie tylko. Prace te zdawały się zawierać cały bagaż jej studenckich nabytków. Ale pokazują już inną integralną cechę młodego artysty – oryginalność. Pod utartymi formami „sztuki lat sześćdziesiątych” wyłania się z nich inna treść. Wszystko w nich jest o wiele bardziej niestabilne i niejednoznaczne, są niezwykle muzyczne, pojawiają się w nich cechy prymitywne: chęć usunięcia przedstawienia, wprowadzenia uśmiechu, prostoty i zabawy.

I to nie przypadek, że zaraz po środkowoazjatyckim serialu Nazarenko powraca do tematów znacznie mu bliższych. Maluje obrazy, których głównymi bohaterami są ona sama i jej przyjaciele. Tematem jej sztuki staje się życie pokolenia.

Początek lat 70. dla Nazarenki, jak dla większości artystów jej pokolenia, był czasem poszukiwań gatunku, maniery i tematu. Artystka próbuje swoich sił zarówno w manierze „prymitywistycznej”, jak i w systemie ścisłego neoklasycyzmu, malując płótna romantyczne, dekoracyjne i zabawne. W tych latach napisała tak różnorodne dzieła, jak „Egzekucja Narodnej Woli” (1969–1972), „Drzewo w Nowym Athos” (1969), „Niedziela w lesie” (1970), „Portret aktorki cyrkowej” (1970), „Pożegnanie zimy” (1973), „Noworoczny” (1973), „Poranek. Babcia i Nikolka” (1972), „Młodzi artyści” (1968), „Moi współcześni” (1973), „Obiad” (1970), „Portret Igora Kupriaszyna” (1974).

Wśród jej bohaterów prawie zawsze można znaleźć swój własny wizerunek - i miarę bystrej bezwzględności oka, umiejętności podkreślania ostrego charakteru kosztem idylliczno-dostatniego, równie mocno w stosunku do siebie, jak do każdego innego Model.

Charakterystyczne w tym sensie są portrety grupowe, zaprojektowane na wzór malarstwa gatunkowego („Studenci”, 1969; „Młodzi artyści”, 1968; „Moi współcześni”, 1973; „Mglisty dzień na Shikotanie”, 1976; „Po egzaminie”, 1976). . Ich bohaterowie są rozpoznawalni i portretowi, zderzenia wiarygodne: wakacje młodzieży, rozmowy w warsztacie... A jednocześnie jest w nich coś tajemniczego, co zamienia codzienne sceny w romantyczne fantazje.

Historyczne kompozycje Tatyany Nazarenko odzwierciedlają spojrzenie na przeszłość naszego współczesnego człowieka. Jej obrazy przedstawiają jednocześnie przeszłość i teraźniejszość, wydarzenie historyczne – i nasze obecne jego rozumienie. Charakterystyczne jest samo podejście do rozwiązania tematu: w obrazach historycznych – „Rozstrzelanie ochotników ludowych”, „Przyszli partyzanci” (1975), „Dekabryści. Powstanie Pułku Czernigowa” (1978), „Pugaczow” (1980) – artysta wybiera momenty tragiczne, kulminacyjne, wymagające najwyższego napięcia sił duchowych uczestników akcji. Cisza i cisza są tu istotne.

Obraz Tatiany Nazarenko „Rozstrzelanie Narodnej Woli” pojawił się na Moskiewskiej Wystawie Młodzieży w 1972 roku. Zdjęcie zostało zauważone przez wszystkich – choć nie wszyscy je zaakceptowali. W misterny sposób łączył przywiązanie do wzorców renesansu, skłonność do uogólnionych refleksji i tragiczne poczucie bezbronności bojowników o wolność, o duchowe ideały, wobec miażdżącej, bezimiennej siły machiny ucisku. Za obraz „Rozstrzelanie Narodnej Woli” Nazarenko otrzymał Moskiewską Nagrodę Komsomołu. W 1976 roku otrzymała I nagrodę na Międzynarodowym Konkursie Młodych Malarzy w Sofii (Bułgaria).

Współczucie, poczucie odpowiedzialności społecznej – te cechy rozwinęły się później i umocniły w sztuce Tatyany Nazarenko, uzyskując różne, czasem dziwaczne formy ucieleśnienia, przeplatające się z motywami karnawałów, świąt, uroczystości, z romantycznymi autoportretami, z artystycznymi zabawami. I wszędzie, niewidocznie i wyraźnie, obecny jest niepokój, poczucie, że za niepewnym dobrobytem naszej codzienności kryje się surowy los innych pokoleń, ich ból i cierpienie.

Nazarenko uwielbia pisać karnawały. Jedną z pierwszych „karnawałowych” prac artystki są „Święta Nowego Roku” (1973), w których stara się ukazać wewnętrzny sens karnawału, gamę różnorodnych i dość skomplikowanych uczuć doświadczanych przez przypadkowe osoby.

Z biegiem lat element zabawy nasila się w twórczości artysty. Z dzieł znika narracyjność, pojawia się alegoria. W charakterze alegorycznym posługuje się także reminiscencjami sztuki przeszłości - czy to niemal bezpośrednimi cytatami z dzieł klasycznych, kostiumami historycznymi naszych współczesnych, czy też obecnością przedmiotów z przeszłości w kompozycjach poświęconych współczesności.

W drugiej połowie lat 70. i na początku 80. Nazarenko namalował kilka portretów zbiorowych przyjaciół zebranych z uroczystej okazji. Są to obrazy „Sylwester” (1976), „Wieczór moskiewski” (1978), „Karnawał” (1979), „Dzień Tatiany” (1982), „Wrzesień w Odessie” (1985) i wiele innych. jak te napisane wcześniej płótna „Młodzi artyści” (1968) i „Moi współcześni” (1974).

O ile we wczesnych portretach grupowych Nazarenki wyraźnie dało się odczuć ciszę, skupienie, chęć bohaterów do usłyszenia siebie nawzajem, wysłuchania prawdy, to w kolejnych pracach („Karnawał”, „Dzień Tatiany” itp.) żywioł nieokiełznany króluje karnawał. Kostiumy i pozy są ekstrawaganckie, duch festiwalu ma w sobie nie tylko ludzi, ale także przedmioty. Jest to jednak święto bez zabawy, komunikacji bez wzajemnego zrozumienia i duchowej bliskości. Tak ważny dla artystki motyw samotności, misternie łączy się w jej twórczości z motywem karnawału („Portret w przebraniu”, 1982).

Elementy karnawału pojawiają się także w obrazach „Karuzela” (1982) i dyptyku „Taniec” (1980).

W pracach Nazarenki pojawia się chęć kontaktu z widzem, chęć otwarcia się na uważne, współczujące spojrzenie. Artystka napisała kilka prac, w których niemal wprost mówi o konfesyjnym charakterze swojej sztuki, o tym, jak bolesne i trudne jest pokazanie się bez ochrony, wystawionego przed sądem powszechnej obojętności („Kwiaty. Autoportret”, 1979; „Cyrk”. Dziewczyna”, 1984; „Widzowie”, 1988; „Posiłek”, 1992).

Jednym z najbardziej niezwykłych obrazów Tatyany Nazarenko jest tryptyk „Warsztat” (1983). Artysta przedstawia widzowi prawdziwy warsztat, w którym powstawały prawdziwe obrazy („Dzień Tatiany” i „Karnawał”), a jednocześnie proces realizacji swojego planu.

W twórczości Nazarenki istnieje jeszcze inna forma „spowiedzi”. W takich pracach nie potrzebuje ironii, nie potrzebuje kolorowych strojów karnawału: tutaj ucieleśnia się to, co najbliższe, najcieplejsze... I prawie zawsze na tych obrazach pojawia się wizerunek babci: „Poranek. Babcia i Nikolka”, tryptyk „Życie” (1983) i inne. W 1982 roku powstał obraz „Wspomnienia”, w którym artysta zdawał się materializować skojarzenia życiowe, jakie pojawiły się podczas oglądania starych fotografii.

Do głównych dzieł Tatyany Nazarenko należą także: „Koncert domowy” (1986), dyptyk „Szczęśliwa starość” (1988), „Mała orkiestra” (1989), „Wrak” (1990), „Pomnik historii” (tryptyk , 1992), „Czas” (tryptyk, 1992), „Szalony świat” (1992), „Czar” (1995), „Bezdomny” (2001).

Tatyana Nazarenko jest artystką społeczną. „Zawsze interesowali mnie ludzie” – mówi. „Nie mogę odwrócić się i odsunąć na bok cudzego nieszczęścia”. Skłonić ludzi do myślenia, wzbudzić w nich współczucie – to główny cel mojej pracy. Wyraźnym tego dowodem była wystawa „Przejście” (1995-96) – instalacja 80 „sztuczek” ze sklejki pomalowanej na wymiar człowieka. Na wystawie zwiedzający musieli zatrzymać się i przyjrzeć twarzom nieszczęsnych starszych kobiet, osób niepełnosprawnych, wędrownych muzyków – wszystkich tych, których na co dzień widują w podziemnych przejściach, ale najczęściej przechodzą obok, nie zatrzymując się, żeby popatrzeć. Wystawa odniosła ogromny sukces (później oglądali ją mieszkańcy Niemiec, USA i Finlandii), a „Przejście” stało się dla artysty dosłownie przejściem do nowego etapu życia, do nowej sztuki.

W 1997 roku odbyła się jej wystawa „Mój Paryż”, na której znalazły się także figury ze sklejki – paryskie kawiarniane garçons w długich białych fartuchach, sprzedawcy ryb… Kolejna wystawa Tatiany Nazarenko „Stół moskiewski” odbyła się w tym samym roku w Marata Gelmana, a następnie pokazana w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu w programie wystawy „Sztuka kontra geografia”. W maju-wrześniu 2002 roku w Muzeum Kuskowo odbyła się wystawa artysty „Cieszę się, że dałem się oszukać...” (Sztuka oszustwa).

Od 1966 roku, kiedy Nazarenko po raz pierwszy pokazała swoje prace na VII Moskiewskiej Wystawie Młodzieży, stale uczestniczy w wystawach miejskich i ogólnorosyjskich, wystawach sztuk pięknych w Rosji i za granicą. Pierwsze wystawy indywidualne odbyły się w Leverkusen (1986), Bremie, Oldenburgu, Odessie, Kijowie, Lwowie (wszystkie w 1987). Od tego czasu indywidualne wystawy artysty odbywały się w Moskwie (pierwsza w 1989 r.), Kolonii, Waszyngtonie, Nowym Jorku, Bostonie, Madrycie, Tallinie, Helsinkach i innych miastach. Prace Tatiany Nazarenko znajdują się w zbiorach Państwowej Galerii Trietiakowskiej (Moskwa), Państwowego Muzeum Rosyjskiego (St. Petersburg), Narodowego Muzeum Kobiet w Sztuce (Waszyngton), Narodowego Muzeum Żydowskiego (Waszyngton), Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Sofia), Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Budapeszt) i innych muzeów sztuki na całym świecie, w kolekcjach prywatnych.

Twórczość Tatiany Nazarenko została uhonorowana wysokimi nagrodami: Nagrodą Państwową Federacji Rosyjskiej (1993), Nagrodą Rządu Moskiewskiego (1999), srebrnym medalem Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1985).

T.G. Nazarenko – Zasłużony Artysta Rosji (2002), od 1997 – członek korespondent, od 2001 – członek zwyczajny, członek prezydium Rosyjskiej Akademii Sztuk; Profesor Katedry Malarstwa, kierownik Pracowni Malarstwa Sztalugowego Moskiewskiego Państwowego Akademickiego Instytutu Sztuki im. V.I. Surikova (1998). Od 1969 członek Związku Artystów Plastyków.

Mieszka i pracuje w Moskwie.

tytuł
robocop 08.03.2008 01:09:26

Tatyana Nazarenko akademiczka, profesor, artystka i jednocześnie istota, jakiej świat nie widział, witam Cię, ofiaro molestowania seksualnego

„Myślę, że człowiek musi nieustannie dążyć do czegoś pięknego, bez względu na to, jak banalnie to brzmi”
Tatiana Nazarenko

„Moim zdaniem człowiek powinien stale dążyć do czegoś pięknego, bez względu na to, jak banalnie to brzmi”
Tatiana Nazarenko

Twórczość Nazarenki cechuje filozoficzne poczucie czasu, które interpretuje się jako ciągły nurt.Jej malarstwo wyróżnia się bogactwem plastyki, różnorodnością środków artystycznych, wyraźnym rytmem, dekoracyjną barwą, umownością przestrzeni, groteską i różnorodnością nieoczekiwanych rozwiązań kompozycyjnych. Artystka nieustannie poszukuje nowych środków artystycznych, wyrazistości i oryginalności tworzyw sztucznych. Wiele jej prac ma charakter autobiograficzny.

Początki kariery twórczej Tatyany Nazarenko sięgają końca lat sześćdziesiątych i początku siedemdziesiątych ubiegłego wieku. Zadebiutowała na wystawach w czasie, gdy „surowy styl” lat sześćdziesiątych zaczął odchodzić w przeszłość. Młodzi artyści lat siedemdziesiątych szeroko posługiwali się metaforami, alegoriami, przypowieściami oraz odważnie sięgali zarówno do plastycznego języka klasyki, jak i technik artystycznych oraz obrazów z różnych epok i kierunków w sztuce.

Już wczesne prace Tatyany Nazarenko „Egzekucja Narodnej Woli”, „Przyszli partyzanci”, „Dekabryści”, „Pugaczow” przyciągnęły uwagę nową koncepcją artystyczną. Konkretne wydarzenie historyczne, ukazane z podkreśloną autentycznością, zostało zwrócone w stronę teraźniejszości, ukazując głębokie powiązanie czasów. Twórczość Nazarenki skierowana była przeciwko „nieświadomości” i zmuszała go do prowadzenia dialogu z przeszłością. Porównując przeszłość z teraźniejszością, sięgając do wydarzeń historycznych różnych epok, starała się ukazać duchową istotę swoich bohaterów, wyrażającą się w głębokim patriotyzmie i wysokiej obywatelskości ich myśli, uczuć i czynów.

Jej obrazy charakteryzuje filozoficzne wyczucie czasu, które interpretuje się jako ciągły, ciągły przepływ. Malarskie prace Nazarenki wyróżniają się rozmachem plastyczności, różnorodnością środków artystycznych, wyraźnym rytmem kolorystycznym, dekoracyjnością koloru, umownością przestrzeni, groteskowością, graficznym charakterem, wieloskalowością i nieoczekiwanymi rozwiązaniami kompozycyjnymi.

Jej twórczość mówi o ciągłym poszukiwaniu nowych środków artystycznych, maksymalnej wyrazistości i oryginalności plastyczności. Wiele dzieł Nazarenki ma charakter autobiograficzny. Na przykład jej „Cyrkowa dziewczyna” balansująca na napiętym drucie nad tłumem zazdrosnych i nieżyczliwych ludzi.

Nazarenko celowo deformuje sylwetki i twarze ludzi, zapewniając jednocześnie, że niczego nie przesadza, wszystkie postacie są skopiowane z życia i są niezwykle realistyczne.
Amerykański krytyk Donald Kuspit nazwał realizm Nazarenki absurdem – zgodnie z rzeczywistością (okres rozwiniętego socjalizmu), która go zrodziła. Nazarenko nie boi się etykiet, bez których krytycy nie mogą się obejść. Wręcz przeciwnie, sama siebie nazywa realistką stawiającą przed pewnym wyzwaniem, jakby broniąc swojego prawa do tego przestarzałego i niemodnego gatunku...
Jej realizm jest prymitywistyczny i ma charakter dość popularny. Ale na pewno nie ma to nic wspólnego z socjalizmem, który przedstawiał życie nie takim, jakie jest naprawdę, ale takim, jakie powinno być. Być może na tle tych fałszywych, lakierowanych fabuł i utartych stereotypów jej twórczość szokuje. Czasem wydaje się, że postanowiła rozwalić te stereotypy parodią…

Z czasem jej malownicze „teatry” stawały się coraz bardziej dramatyczne i groteskowe, zawierały elementy surrealistycznego „czarnego humoru” – przecinającą się symbolikę masek, teatru lalek i kanibalizmu.
Od 1996 roku często nadawała swoim obrazom trójwymiarowość, uzupełniając lub zastępując płótna zestawieniami sylwetek w wielkości życia, jakby wyłaniających się z obrazu w świat realny - instalacje: Przejście, 1996; Mój Paryż, 1997. (Bella Yezerskaya)

Tatiana Nazarenko:

Życie się zmienia, sztuka przybiera nowe formy. Cały czas byłem malarzem, potem zainteresowałem się figurami ze sklejki, miałem dwie wystawy prac fotograficznych... Chciałem kontynuować poszukiwania dalej, ale dzięki nauczaniu u Surikowskiego wróciłem ponownie do malarstwa. Bo wytłumaczenie jak malować bez dotykania płótna jest niezwykle trudne. (cytat z artykułu Anny Czepurnowej „Tatyana Nazarenko. W poszukiwaniu nowych form”).

Biografia
Tatiana Grigoriewna Nazarenko urodziła się 24 czerwca 1944 r. w Moskwie
W 1968 ukończyła Moskiewski Państwowy Akademicki Instytut Sztuki. V.I.Surikova, (nauczyciele: A.M.Gritsay, D.D.Zhilinsky, V.I.Shilnikov itp.)
Od 1969 członek Związku Artystów ZSRR
W latach 1969–1972 pracowała w pracowni Akademii Sztuk Pięknych ZSRR pod kierunkiem G.M. Korzheva
1975 - pierwsza wystawa zbiorowa w Moskwie (T. Nazarenko, O. Loshakov, O. Vukolov, I. Orlov, V. Rozhnev)
1987 - pierwsze wystawy indywidualne (Kijów, Odessa, Lwów i za granicą - Leverkusen (Niemcy)
1989 - wystawa indywidualna w Centralnym Domu Artystów (Moskwa)
W 1998 roku został członkiem korespondentem Rosyjskiej Akademii Sztuk
1999 - profesor, kierownik pracowni w Moskiewskiej Państwowej Akademii Sztuk im. VI Surikova
W 2001 roku został członkiem rzeczywistym, członkiem prezydium Rosyjskiej Akademii Sztuk
W 2003 roku T. G. Nazarenko otrzymał tytuł „Czczony Artysta Rosji”

Jej obrazy znajdują się w zbiorach wielu muzeów w Rosji i za granicą, m.in. Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Państwowego Muzeum Rosyjskiego itp., A także w galeriach i kolekcjach prywatnych (USA, Francja, Włochy, Anglia, Turcja, Niemcy, Finlandia , Czechy , Polska itp.)