Ogólna charakterystyka kultury muzycznej odrodzenia. Muzyka wysokiego renesansu Cechy kultury muzycznej renesansu

Praca pisemna Przez dyscyplina akademicka„Kulturologia”

na temat: „Muzyka renesansu”.

Plan

1. Wstęp.

2. Instrumenty renesansowe.

3. Szkoły i kompozytorzy renesansu.

5. Wniosek.

6. Lista referencji.

1. Wstęp.

Sztuka muzyczna renesansu jest przede wszystkim sztuką nowatorską. Przede wszystkim o tym nowatorskim charakterze decyduje przełom świeckiej kultury pieśni i tańca. W każdym kraju wzorowano się na gatunkach pieśni i tańca ludowe pochodzenie. Niezależnie od tego, czy była to hiszpańska Villancica, angielska ballada, włoska frottola, francuska pieśń czy niemiecka główna rola – wszystkie miały na celu oddanie złożonego świata wewnętrznego osobowość człowieka, opowiadaj ludziom o radościach życia. W tych utworach można odczuć całą specyfikę uczuć człowieka renesansu.

Święto świeckie kultura muzyczna stał się madrygałem – pieśnią śpiewaną po włosku. To właśnie język podkreślał odejście tego gatunku od muzyki kościelnej, na której była wykonywana łacina. Ewolucja madrygału to ciekawy proces, który z pozoru prostej pieśni pasterskiej przekształcił się w pełnoprawne dzieło muzyczne, obejmujące zarówno linie wokalne, jak i instrumentalne. Tekst do madrygałów, których autorami byli wybitni poeci Renesans, w tym F. Petrarka. Nie został opracowany w muzycznie kraje w Europie, w których nie zapisywano madrygałów.

Drugą cechę specyficznej kultury muzycznej tego okresu można nazwać rozkwitem polifonii. Kompozytorzy tworzący dzieła polifoniczne przyczynili się do ewolucji największego gatunku renesansu – mszy. Efektem tego postępu była msza posiadająca ściśle przemyślaną formę cykliczną. Na zmianę części mszy wpływ miał kalendarz kościelny: msza miała charakter obowiązkowy znaczenie duchowe związane z konkretnym wydarzeniem. Niezależnie jednak od kalendarza kościelnego, Msza składała się z części obowiązkowych.

Trzecią cechą jest znacznie zwiększone znaczenie muzyki instrumentalnej, mimo że dominującą rolę odgrywały gatunki wokalne. Teraz muzyka instrumentalna stała się profesjonalna i skupia się w pewnym stopniu na tym czy innym instrumencie (grupie instrumentów). Kompozytorzy pisali utwory na lutnię, instrumenty klawiszowe, wiolę i jej odmiany.

Czwartą cechą jest pojawienie się i zatwierdzenie krajowych szkół kompozytorskich. Każdy z nich miał swoją specyfikę, przedstawił szereg wybitnych przedstawicieli i miał unikalne cechy związane z ludową sztuką muzyczną kraju.

Piątą cechą jest szybka ewolucja teorii muzyki. Naukowcy starali się opracować koncepcje i prawa najważniejszych elementów muzycznych - melodii, harmonii, polifonii. A więc renesans, będący punktem zwrotnym w rozwoju kultura europejska, okazał się czasem radykalnych zmian w muzyce.

2. Instrumenty renesansowe.

Rozwój gatunków w okresie renesansu przyczynił się również do ekspansji instrumentów. W dużych krajach europejskich - Włoszech, Holandii, Anglii, Hiszpanii, Francji - pośpiesznie otwarto warsztaty produkcji instrumentów muzycznych i biznes szedł im bardzo dobrze.

Królem instrumentów muzycznych od dawna są organy, które dominowały zarówno w sferze koncertowej, jak i duchowej. Z czasem jednak sytuacja zaczęła się zmieniać, a na pierwszy plan wysunęły się instrumenty strunowe i szarpane. Są to altówka (przodek współczesnych skrzypiec i altówki) oraz lutnia, instrument zapożyczony z kultury muzułmańskiej. Na te instrumenty napisano rekordową liczbę utworów. Lutnia była doskonałym instrumentem towarzyszącym do występów wokalnych.

Popularne były także inne instrumenty. Instrumenty dęte drewniane obejmowały bombardę i shalma. Bombarda to instrument basowy, który był zapowiedzią współczesnego fagotu. Charakteryzuje się szorstką barwą, która nie sprzyja artystycznej ekspresji (w przeciwieństwie do fagotu).

Shalmay wyróżniał się wyjątkowo głośnym dźwiękiem i bardzo szerokim zasięgiem, czym bombarda nie mogła się pochwalić. Nie sposób było sobie wyobrazić uroczystych wydarzeń czy tańców bez szala. W późniejszej epoce baroku szal został na długo zapomniany.

Do grupy instrumentów smyczkowych, oprócz wyżej wymienionych altów, zaliczały się także: viola da gamba, viola da braccio i inne odmiany tego instrumentu.

Gra na violi da gamba wiązała się z podparciem nogami, stąd jej nazwa (po włosku gamba – noga). Wielu kompozytorów renesansu pisało swoje dzieła z myślą o tym instrumencie jako o instrumencie solowym. W związku z tym viola da braccio jest instrumentem trzymanym w rękach. Obie altówki były szeroko stosowane zarówno jako instrumenty solowe, jak i jako instrumenty uczestniczące w zespołach i orkiestrach.

Powszechne były instrumenty klawiszowe: klawesyn (należy również do grupy smyczków), klawikord, spinet (należy również do grupy strun klawiaturowych), virginel.

Klawesyn ma bardzo przyjemną i specyficzną barwę, jednak jego istotną wadą jest brak możliwości dynamicznej zmiany brzmienia. Instrument ten okazał się bardziej zrealizowany w epoce baroku niż w epoce renesansu.

Szpinet to rodzaj klawesynu. Jego ojczyzną, podobnie jak wielu innych instrumentów muzycznych, są Włochy. Instrument ten był bardziej instrumentem domowym niż koncertowym. Wiele bogatych pań miało w domu szpinet i śpiewało przy jego akompaniamencie lub grało na nim.

Odnosi się do odmiany klawesynu i dziewicy. Nazwa tego instrumentu zawiera klucz do jego cech brzmieniowych. Pochodzi z łac. Virginia (Panna) – nazwa nawiązywała do jej czystego i anielskiego brzmienia.

Klawikord, będący jednym z najstarszych instrumentów muzycznych w historii muzyki, funkcjonował także w epoce renesansu. Główna cecha Klawikord można nazwać umiejętnością wydobywania na nim wibrato. Klawikord cieszył się dużym uznaniem zarówno wśród muzyków zawodowych, jak i amatorów. Muzykę wykonywaną na instrumentach klawiszowych nazywano muzyką klawiszową i ogromny wkład Do jego rozwoju przyczynili się Brytyjczycy.

Zatem wachlarz instrumentów był dość bogaty i różnorodny, co wskazywało na pełny rozwój gatunkowy muzyki i sztuki kompozytorskiej. Warto też zaznaczyć, że każdy instrument miał swoich wirtuozów.

3. Szkoły i kompozytorzy renesansu.

W okresie renesansu istniało kilka głównych szkół kompozytorskich, które powstały w krajach najbardziej rozwiniętych. Istnieje sześć głównych szkół: włoska, holenderska, angielska, francuska, niemiecka i hiszpańska. Liderem wśród nich była Szkoła Holenderska. Wyróżnia się tym, że opracował system profesjonalnego szkolenia muzycznego. Przyszli kompozytorzy kształcili się w szkołach metryzowych przy ul kościoły katolickie. Muzyka holenderska wiele zawdzięcza metryzowi, bo... absolwenci tych instytucji zostali wybitnymi kompozytorami.

Kompozytorzy tej szkoły skłaniali się ku wielu gatunkom. Przede wszystkim jest to msza (wielogłosowa), pieśni i motety. Preferowano pieśni polifoniczne. Motety komponowano na zespoły. Sięgnęli także do takich gatunków jak chanson i madrygał – swego rodzaju symbol zwycięstwa muzyki świeckiej nad muzyką duchową.

Zasługą szkoły holenderskiej jest uogólnienie dziedzictwa muzycznego dotyczącego polifonicznego śpiewu chóralnego. Ponadto tutaj zostały opracowane i zainstalowane gatunki klasyczne, o którym mowa powyżej, ustalił prawa polifonii.

Szkoła holenderska może poszczycić się wieloma kompozytorami. Są wśród nich J. Okeghem, G. Dufay, J. Depres, J. Obrecht, J.P. Obrzęk i inne. Każdy z nich nie tylko napisał wspaniałą muzykę, ale także przyczynił się do rozwoju teorii sztuki muzycznej. G. Dufay położył podwaliny pod narodową polifonię; J. Obrecht wzbogacił muzykę melodie ludowe; Szczekać. Swelling stworzył szkołę gry na organach.

Szkołę włoską również słusznie uznano za bardzo silną, a jednocześnie wieloaspektową, gdyż składało się z szeregu szkół narodowych, wśród których wyróżniają się dwie: rzymska i wenecka.

Kierownikiem szkoły rzymskiej był J. P. Palestrina, piastujący stanowisko w Kaplicy Sykstyńskiej. Jego działalność zdeterminowała duchową orientację tworzonej przez niego muzyki. Głównym gatunkiem, w stronę którego się zwraca, okazuje się Msza. Jednak komponował także dzieła z innych popularnych wówczas gatunków. J.P. Palestrinie udało się obronić polifonię w muzyce kościelnej, z której chcieli porzucić, chcąc zastąpić ją śpiewem unisono (chór gregoriański). Innymi wybitnymi kompozytorami tej szkoły byli F. Anerio, G. Iannacconi i inni. Szkoła rzymska skupiała się na instrumentalnej muzyce kościelnej.

Szkoła wenecka powstała dzięki działalności holenderskiego kompozytora A. Willaerta. W jej skład wchodzili także tacy kompozytorzy jak C. Monteverdi, C. Merulo, G. Bassano. Ci i inni przedstawiciele chętnie studiowali nie tylko muzykę instrumentalną, ale także wokalną. Skłonni do eksperymentów stworzyli nowy styl muzyczny – koncertujący. Szkoła kompozycji w Wenecji przygotowała drogę najważniejszy etap w muzyce - barok.

Angielska szkoła kompozycji opierała się na polifonii wokalnej, której sprzyjały tradycje muzyczne kraju. Anglia stała się pierwszym krajem, który wprowadził tytuł licencjata w dziedzinie sztuki. W okresie renesansu wielu kompozytorów zaczęło przeciwstawiać świecką sztukę muzyczną kościelnej sztuce wokalnej. Jednym z ulubionych gatunków kompozytora był madrygał. Zauważmy, że sztuka muzyczna rozwinięta w Anglii w okresie renesansu nie była tak różnorodna i intensywna jak w innych krajach Europy.

Szkoła francuska jest jedną z najbardziej wyjątkowych. Tutaj sztuka pieśni rozwijała się według własnych praw i nazywała się „chanson”. Oczywiście nie można tego tak interpretować nowoczesny sens. Był to wówczas utwór polifoniczny, niezwiązany z kościołem tematy biblijne. Ale już wtedy w pieśniach można było dostrzec związek z muzyką ludową i rytmami tanecznymi.

Szczególnie wyraźnie pokazał się w tym gatunku kompozytor K. Janequin, który napisał wiele dzieł tego gatunku. Sięgnął także ku innym gatunkom – mszom, motetom itp.

Profesjonalny personel w Niemczech w okresie renesansu wykuwany w kaplicach, które zwykle istniały przy katedrach i dworach; a także od stowarzyszenia twórcze, który ukształtował się wśród mieszczan. kompozytorzy niemieccy okazali się utalentowanymi polifonistami, a wśród nich było wielu wielkich mistrzów, nie mogli jednak pod tym względem dogonić ani Holandii, ani Włoch. Chwała szkoły niemieckiej miała dopiero nadejść.

Niezwykłym fenomenem niemieckiej sztuki muzycznej był Meistersang, który zastąpił Minnesang. Taką nazwę nadano działalności zawodowych poetów-śpiewaków wywodzących się ze środowiska mieszczańskiego. Jednak pomimo tego, że byli profesjonalistami, ich estetycznym punktem odniesienia była twórczość ich poprzedników, Minnesingerów.

W Hiszpanii sztuka muzyczna nawet w okresie renesansu nie mogła wyzwolić się spod dyktatury Kościoła katolickiego. Wszyscy wybitni kompozytorzy hiszpańscy uczestniczyli w nabożeństwach, a ich dzieła, nawet te polifoniczne, były ograniczone ustalonymi tradycjami. Jednocześnie nie mogli nie skorzystać z innowacji przyniesionych przez Holandię i Włochy, dlatego nadal odczuwalne są próby przekraczania granic w twórczości czołowych kompozytorów.

W renesansowej Hiszpanii rozwinęły się takie gatunki jak polifonia duchowa, gatunek pieśni (villancicos) i motety. Muzykę hiszpańską wyróżniała wyjątkowa jakość melodyczna, a Villancicos jest tego najlepszym przykładem. Ogólnie rzecz biorąc, każda ze szkół, pomimo w przybliżeniu ogólnych tendencji rozwoju, miała swoją własną kolorystykę narodową.

4. Muzycy i ich twórczość w okresie renesansu.

Motet, madrygał i msza były trzema najważniejszymi gatunkami renesansu. Dlatego kojarzą się z nimi nazwiska najważniejszych muzyków. Nazwisko Giovanniego Pierluigiego da Palestriny głośno wybrzmiewa we włoskiej sztuce muzycznej. Pracując przez całe życie w dziedzinie muzyki kościelnej, swoją twórczością przyczynił się do powstania stylu takiego jak a capella, który jest nadal powszechny. Do najsłynniejszych dzieł G. Palestrino należy „Msza papieża Marcella”. Mimo swojej złożoności dzieło to przepełnione jest klarownością, czystością, harmonią, które w istocie są głównymi cechami stylu kompozytora.

Inny Włoch, Gesualdo di Venosa, jest także niezwykle płodnym kompozytorem. Liczba napisanych przez niego madrygałów wynosiła sześć ksiąg. Autor starał się wykorzystać muzykę do zbadania złożonego wewnętrznego świata człowieka i odzwierciedlenia jego uczuć. Nosi się wiele madrygałów G. di Venosa tragiczny charakter. Ekspresja i wyrafinowanie to główne cechy muzyki tego kompozytora.

Orlando di Lasso (Holandia) to kolejny wielki przedstawiciel renesansu. Napisał wiele dzieł, ale jednym z jego najbardziej uderzających sukcesów jest madrygał „Echo”, w którym imitowane są efekty akustyczne. W swojej muzyce O. di Lasso zdołał przekazać taniec, śpiew, a nawet codzienne cechy swojej epoki.

Najwybitniejszym przedstawicielem muzyki angielskiej był John Dunstable, który wniósł ogromny wkład w rozwój narodowej polifonii. Jest autorem wielu mszy, motetów i pieśni, które zyskały popularność. Nie wszystkie dzieła, które napisał, przetrwały, ale te, które istnieją, świadczą o nim jako o pomysłowym i płodnym kompozytorze.

Angielska muzyka wokalna może poszczycić się nazwiskami Thomasa Morleya i Johna Dowlanda. Twórczość tego ostatniego zachwyciła samego Williama Szekspira. Przyjmuje się, że autorem muzyki do sztuk wielkiego dramaturga jest J. Dowland. Kompozytor komponował muzykę na lutnię i głos; preferował tragiczny kierunek w swojej twórczości, ale mimo to jedna z jego humorystycznych piosenek „Beautiful Tricks of a Lady” stała się bardzo popularna.

T. Morley (jego uczniem był słynny William Byrd) całą swoją twórczością przyczynił się do promocji i popularyzacji madrygałów przez kompozytorów włoskich. Było rzeczą całkiem naturalną, że on sam będzie komponował muzykę w tym gatunku. Jeden z najbardziej znane piosenki- „Kochanek i jego dziewczyna urzekają widza swoją prostotą i szczerością.

Cristobal de Morales przyniósł sławę muzyce hiszpańskiej. Jego twórczość w pełni łączy narodowe tradycje i osiągnięcia Hiszpanii najlepsi kompozytorzy Włochy i Holandia. Na podstawie tej syntezy stworzył wiele mszy i motetów.

Jednym z wybitnych kompozytorów hiszpańskich jest Tomas Luis de Victoria, który nie tylko komponował muzykę, ale także opanował sztukę śpiewu i gry na organach. Pisał dzieła polifoniczne o orientacji duchowej.

Wśród wielu francuskich mistrzów wyróżnia się nazwisko Clementa Janequina, który wyniósł pieśń na właściwy poziom. Jego piosenki to różnorodne tematy, melodie, myśli muzyczne, a także imitacje dźwiękowe. Tytuł każdej piosenki starał się przekazać poprzez muzykę.

Jeśli chodzi o muzykę niemiecką, to przede wszystkim wyróżnia się tu organista i kompozytor Heinrich Schütz. Jako pierwszy wśród niemieckich kompozytorów napisał operę. Był to esej na temat mitologiczny; Opera nosiła tytuł Dafne. G. Schutz napisał także balet operowy, również oparty na starożytnej greckiej fabule „Orfeusz i Eurydyka”. Jest autorem wielu innych dzieł z mniejszych gatunków.

Wielka rola w rozwoju Niemiecka muzyka Teolog chrześcijański Marcin Luter, propagujący reformę w tej dziedzinie. Pragnąc przyciągnąć do nabożeństwa jak największą liczbę parafian, postawił nowe wymagania w zakresie wokalnej muzyki sakralnej. W ten sposób narodził się chorał protestancki, który w okresie renesansu stał się wiodącym gatunkiem w sztuce muzycznej Niemiec (nie mamy tutaj oczywiście na myśli gatunków świeckich).

Zatem dziedzictwo muzyczne renesansu jest niezwykle bogate, zarówno pod względem wydarzeń, gatunków, instrumentów, dzieł, jak i nazw.

5. Wniosek.

Wszystko powyższe pozwala nam wyciągnąć szereg wniosków. Muzycznie najsilniejszymi krajami były Holandia (na początku) i Włochy (na końcu). To tam narodziły się tradycje, które wpłynęły na proces muzyczny w innych krajach.

Granice muzyki się poszerzyły. Dotyczyło to zarówno samych muzyków, którzy przemieszczali się po Europie i mogli mieszkać i pracować w różnych krajach, w różnych, czasem kontrastujących gatunkach, jak i samej muzyki. Przestała mieć charakter wyłącznie kościelny (mówimy o sztuce profesjonalnej), sztuka ludowa żyje bowiem cały czas.

Wychodząc poza sferę duchową, wkroczyła muzyka życie codzienne stała się dostępna dla szerokich warstw społeczeństwa. Jej język stał się przystępny dla ludzi. Jednocześnie muzyka stała się sztuką, w której odczuwalna była indywidualność jej twórców.

Jak w starożytność, muzyka stała się część integralnaświęta i wydarzenia specjalne, które po mrocznych czasach średniowiecza ponownie zajęły swoje miejsce w czasie wolnym Europejczyków.

Społeczeństwo renesansu wypełniło swoje życie szeregiem różnych świąt, podczas których bawili się, śpiewali i tańczyli oraz wystawiali przedstawienia teatralne. I wszędzie muzyka była atrybutem niezbędnym i niezastąpionym.

Oczywiście nie można powiedzieć, że muzyka stała się wyłącznie świecka. Byłoby to całkowicie błędne. Podobnie jak poprzednio, największą uwagę poświęcono muzyce kościelnej. Kompozytorzy pisali wspaniałe, polifoniczne dzieła wokalno-instrumentalne, w których głosy ludzkie wspomagane były partiami instrumentów dętych. I choć w niektórych krajach (np. w Niemczech) panowała tendencja do upraszczania muzyki kościelnej, w przeważającej części muzyka sakralna pozostała majestatyczna i złożona.

W okresie renesansu kultura muzyczna przeszła znaczącą odnowę. Dotyczyło to zarówno instrumentów, nowych osiągnięć w dyscyplinach teoretycznych, jak i rozwoju drukarstwa muzycznego.

Ale najważniejszym osiągnięciem renesansu we wszystkich sferach działalności jest afirmacja ludzkiej osobowości, zainteresowanie nim, ujawnienie jego bogatego świata wewnętrznego wszelkimi dostępnymi środkami artystycznymi.

6. Lista referencji.

1. Aleksiejew A.D. Historia sztuki fortepianowej. W dwóch częściach / AD Aleksiejew. - M.: Muzyka, 1988. - 415 s.

2. Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. Muzyka renesansu. Cantus prius factus i praca z nim/Yu.K. Evdokimova, N.A. Simakowa. - M.: Muzyka, 1982. - 240 s.

3. Livanova T.N. Historia muzyki zachodnioeuropejskiej do 1789 roku: w 2 książkach. wyd. 2., poprawione Książka 1: Od starożytności do XVIII wieku/T.N. Livanova. - M.: Muzyka, 1986. - 378 s.

4. Rosenshield K.K. Historia muzyki zagranicznej/K.K. Rosenschilda. - M.: Muzyka, 1978. - 445 s.

Kwestia muzycznej strony renesansu jest dość złożona. W muzyce tego czasu trudniej jest dostrzec nowe, zasadniczo odmienne w porównaniu ze średniowieczem elementy i nurty, niż w innych dziedzinach sztuki – w malarstwie, rzeźbie, architekturze, rzemiośle artystycznym i tak dalej. Faktem jest, że muzyka zarówno w średniowieczu, jak i w całym okresie renesansu zachowała swój różnorodny charakter. Istniał wyraźny podział na muzykę kościelno-duchową od utworów, pieśni i tańców świeckich. Jednak muzyka renesansowa ma swój oryginalny charakter, choć ściśle powiązany z wcześniejszymi osiągnięciami.

Kultura muzyczna renesansu

Cechą muzyki renesansu, która obejmuje epokę muzyczną XV-XVI w., jest połączenie różnych szkół narodowych, które jednocześnie miały główny trend rozwój. Eksperci identyfikują pierwsze elementy charakterystyczne dla epoki nastroju we włoskim kierunku muzycznym. Co więcej, w ojczyźnie renesansu „nowa muzyka” zaczęła pojawiać się już pod koniec XIV wieku. Cechy stylu renesansowego najwyraźniej ujawniły się w holenderskiej szkole muzycznej, począwszy od połowy XV wieku. Cechą muzyki holenderskiej było zwiększenie uwagi na kompozycje wokalne z odpowiednim towarzyszeniem instrumentów. Ponadto wokalne kompozycje polifoniczne były charakterystyczne zarówno dla muzyki kościelnej szkoły holenderskiej, jak i jej świeckiego kierunku.

Charakterystyczne jest, że szkoła holenderska wywarła poważny wpływ na resztę europejskich tradycji muzycznych renesansu.

I tak już w XVI wieku rozprzestrzenił się na Francję, Niemcy i Anglię. Co więcej, świeckie kompozycje wokalne w stylu niderlandzkim wykonywano w różnych językach: na przykład historycy muzyki upatrują w tych pieśniach początków tradycyjnej francuskiej pieśni. Całą europejską muzykę renesansu charakteryzują dwa pozornie wielokierunkowe nurty. Jedna z nich prowadziła do wyraźnej indywidualizacji kompozycji: w utworach świeckich coraz bardziej widoczne jest pochodzenie autora, pojawiają się bardziej osobiste teksty, przeżycia i emocje konkretnego kompozytora.

Kolejna tendencja znalazła odzwierciedlenie w rosnącej systematyzacji teorii muzyki. Dzieła kościelne i świeckie stawały się coraz bardziej złożone, doskonaliła się i rozwijała polifonia muzyczna. Przede wszystkim w muzyce kościelnej opracowano jasne zasady formacji, sekwencje harmoniczne, prowadzenie głosu i tym podobne.

Teoretycy czy kompozytorzy renesansu?

Z tym złożonym charakterem rozwoju muzyki w okresie renesansu wiąże się obecnie tocząca się debata na temat tego, czy czołowe postacie muzyczne tamtych czasów należy uważać za kompozytorów, teoretyków czy naukowców. Nie było wówczas jasnego „podziału pracy”, więc muzycy łączyli różne funkcje. Zatem Szwajcar Glarean, który żył i pracował w pierwszej połowie XVI wieku, był raczej teoretykiem. Wniósł znaczący wkład w teoria muzyki, tworząc podstawę do wprowadzenia pojęć takich jak większy i mniejszy. Jednocześnie traktował muzykę jako źródło przyjemności, czyli opowiadał się za jej świeckim charakterem, w istocie odrzucając rozwój muzyki w aspekcie religijnym w średniowieczu. Ponadto Glarean postrzegał muzykę jedynie w nierozerwalnym związku z poezją, dlatego dużą wagę przywiązywał do gatunków piosenek.

Włoch Josephfo Zarlino, którego działalność twórcza przypada na drugą ćwierć – koniec XVI wieku, w dużej mierze rozwinął i uzupełnił przedstawione powyżej opracowania teoretyczne. W szczególności jako pierwszy zaproponował powiązanie sformułowanych już pojęć dur i moll z nastrojem emocjonalnym człowieka, minor z melancholią i smutkiem, a major z radością i wzniosłymi uczuciami. Ponadto Zarlino kontynuował starożytną tradycję interpretacji muzyki: dla niego muzyka była namacalnym wyrazem harmonii, w której powinien istnieć wszechświat. Dlatego muzyka była jego zdaniem najwyższym przejawem geniuszu twórczego i najważniejszą ze sztuk.

Skąd wzięła się muzyka renesansowa?

Teoria jest teorią, ale w praktyce muzyka jest nie do pomyślenia bez instrumentów muzycznych - oczywiście z ich pomocą powołano do życia sztukę muzyczną renesansu. Głównym instrumentem, który „przeniósł się” do renesansu z poprzedniego, średniowiecznego okresu muzycznego, były organy. Ten instrument klawiszowo-dęty był aktywnie wykorzystywany w muzyce kościelnej, a biorąc pod uwagę najważniejsze miejsce kompozycji sakralnych w muzyce renesansu, znaczenie organów pozostało. Choć w sumie chyba zmniejszył się „ciężar właściwy” tego instrumentu – prym wiodą instrumenty smyczkowe i struny szarpane. Organy zapoczątkowały jednak odrębny kierunek instrumentów klawiszowych, charakteryzujących się wyższym i bardziej świeckim brzmieniem. Najpopularniejszym z nich był klawesyn.

W stringach instrumenty smyczkowe Powstała cała odrębna rodzina - altówki. Altówki były instrumentami podobnymi w formie i funkcji do współczesnych instrumentów skrzypcowych (skrzypce, altówka, wiolonczela). Najprawdopodobniej istnieją powiązania rodzinne między altówkami a rodziną skrzypiec, ale altówki mają swoje własne, odrębne cechy. Mają znacznie wyraźniejszy indywidualny „głos”, który ma aksamitny odcień. Altówki mają taką samą liczbę strun głównych i rezonansowych, dlatego są bardzo wybredne i trudne do nastrojenia. Dlatego skrzypce są prawie zawsze instrumentem solowym, rzadko udaje się osiągnąć ich harmonijne wykorzystanie w orkiestrze.

Jeśli chodzi o instrumenty szarpane, główne miejsce wśród nich w okresie renesansu zajmowała lutnia, która pojawiła się w Europie około XV wieku. Lutnia miała pochodzenie wschodnie i miał konkretne urządzenie. Instrument, z którego dźwięki można było wydobywać zarówno palcami, jak i za pomocą specjalnej płytki (analogicznie do współczesnego mediatora), bardzo szybko zyskał popularność w Starym Świecie.

Aleksander Babicki

W kulturze muzycznej renesansu można wyróżnić kilka charakterystycznych cech innowacyjnych.

Po pierwsze, szybki rozwój sztuki świeckiej, wyrażający się w powszechnym upowszechnieniu wielu świeckich gatunków pieśni i tańca. To są Włosifrottola („pieśni ludowe, z słowa frottola - tłum), Villanelles („pieśni wiejskie”),Caccia , canzone (dosłownie - pieśni) i madrygały, hiszpańskieVillancico (z willi - wsi), Francuskie piosenki piosenka, niemieckiKłamał , Język angielski ballady i inni. Wszystkie te gatunki, sławiące radość bycia, interesują wewnętrzny świat ludzie dążący do prawdy życia bezpośrednio odzwierciedlali światopogląd czysto renesansowy. Ich środki wyrazu charakteryzują się szerokim wykorzystaniem intonacji i rytmu. muzyka ludowa.

Kulminacja linii świeckiej w sztuce renesansu -madrygał . Nazwa gatunku oznacza „piosenkę w języku ojczystym (czyli włoskim)”. Podkreśla różnicę pomiędzy madrygałem a muzyką sakralną wykonywaną w języku łacińskim. Rozwój gatunku przeszedł od prostej jednogłosowej pieśni pasterskiej do 5-6-głosowego utworu wokalno-instrumentalnego z wyrafinowanym tekstem lirycznym. Do poetów, którzy zwrócili się w stronę gatunku madrygałowego, zaliczają się Petrarka, Boccaccio, Tasso. Wybitnymi mistrzami madrygału byli kompozytorzy A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi. Pochodzący z Włoch madrygał szybko rozprzestrzenił się na inne kraje Zachodu kraje europejskie.

Francuska odmiana pieśni polifonicznej nazywa siępieśń . Od madrygału odróżnia go większa bliskość realnej, codziennej rzeczywistości, czyli gatunkowy charakter. Wśród twórców chanson -Klemens Jeannequin , jeden z najsłynniejszych francuskich kompozytorów renesansu.

Po drugie, najwyższy rozkwit polifonii chóralnej, która stała się wiodącą styl muzyczny era. Majestatyczny i donośny, doskonale wpisywał się w powagę nabożeństwa kościelnego. Jednocześnie polifonia polifoniczna była dominującą formą wyrazu nie tylko w gatunkach duchowych, ale także świeckich.

Rozwój polifonii chóralnej wiązał się przede wszystkim z twórczością kompozytorów szkoły holenderskiej (francusko-flamandzkiej): Guillaume Dufaya, Johannesa Ockeghema, Jacoba Obrechta, Josquina Despresa, Orlando Lasso.

Orlando Lasso (ok. 1532-1594) działał w wielu krajach Europy. Jego talent, naprawdę fenomenalny, urzekał i zachwycał wszystkich. Każdy jest reprezentowany w ogromnej kreatywności Orlando Lasso gatunki muzyczne Renesans (z przewagą muzyki świeckiej nad sakralną). Do jego najpopularniejszych utworów należy „Echo” napisane w gatunku włoskiej piosenki codziennej. Utwór opiera się na barwnym zestawieniu dwóch chórów, tworząc efekt echa. Jej tekst należy do samego kompozytora.

Wraz z Orlando Lasso największym przedstawicielem wysokiego renesansu w muzyce był WłochPalestrina (pełne imię i nazwisko Giovanni Pierluigi da Palestrina, ok. 1525-1594). Większą część życia Palestriny spędził w Rzymie, gdzie był stale związany z pracą w kościele, w szczególności kierował kaplicą katedry św. Petra. Większość jego muzyki to dzieła sakralne, przede wszystkim msze (jest ich ponad setka, wśród których wyróżnia się słynna „Msza papieża Marcella”) i motety. Jednak Palestrina chętnie komponował także muzykę świecką – madrygały, canzonetty. Utwory Palestriny na chór a sarrelastał się klasycznym przykładem renesansowej polifonii.

Twórczość kompozytorów polifonicznych odegrała wiodącą rolę w rozwoju głównego gatunku muzyki renesansu -szerokie rzesze . Pochodzący ze średniowiecza gatunek mszy wXIV- XVIwieków ulega szybkim przekształceniom, odchodząc od próbek prezentowanych w oddzielnych, odmiennych częściach do dzieł o harmonijnej formie cyklicznej.

W zależności od kalendarza kościelnego niektóre fragmenty muzyki mszalnej zostały pominięte, a inne dodane. Istnieje pięć obowiązkowych części, które są stale obecne w nabożeństwach. WI I V - « Kyrieeleison» („Panie, zmiłuj się”) i« AgnusaDei» (« Baranku Boży”) – wyrażono prośbę o przebaczenie i ułaskawienie. WII I IV - « Gloria„(„Chwała”) i „ Sanktuarium» (« Święty") - uwielbienie i wdzięczność. W centralnej części „Kredo» (« Wierzę”), przedstawiają podstawowe założenia doktryny chrześcijańskiej.

Po trzecie, rosnąca rola muzyki instrumentalnej (z wyraźną przewagą gatunków wokalnych). Jeśli europejskie średniowiecze nie znało prawie żadnego profesjonalnego instrumentalizmu, to w okresie renesansu powstało wiele dzieł na lutnię (najpopularniejszy instrument muzyczny tamtych czasów), organy, wiolę, wihuelę, dziewicze, rowki podłużne. Nadal kierują się wzorcami wokalnymi, jednak ich zainteresowanie grą na instrumentach zostało już określone.

Po czwarte, w okresie renesansu aktywnie formowały się narodowe szkoły muzyczne (holenderscy polifoniści, angielscy wirginiści, hiszpańscy wihueliści i inni), których twórczość opierała się na folklorze swojego kraju.

Wreszcie teoria muzyki poczyniła ogromne postępy, wysuwając szereg niezwykłych teoretyków. To jest francuskiPhilippe’a de Vitry’ego , autor traktatu „ Arsnowa» (« Nowa sztuka”, gdzie podane jest teoretyczne uzasadnienie nowego stylu polifonicznego); WłoskiJózeffo Zarlino , jeden z twórców nauki o harmonii; szwajcarskiGlareana , twórca doktryny melodii.

Historyk Jules Michelet po raz pierwszy użył pojęcia „renesans” w XIX wieku. Omawiani w artykule muzycy i kompozytorzy należeli do okresu, który rozpoczął się w XIV wieku, kiedy średniowieczną dominację kościoła zastąpiła kultura świecka, interesująca się osobą ludzką.

Muzyka renesansowa

Kraje europejskie w różnym czasie weszły w życie Nowa era. Powstały nieco wcześniej we Włoszech, jednak w kulturze muzycznej dominowała szkoła holenderska, gdzie po raz pierwszy przy katedrach utworzono specjalne metryzy (schroniska), kształcące przyszłych kompozytorów. Główne gatunki tamtych czasów przedstawiono w tabeli:

Najważniejszymi artystami renesansu w Holandii są Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Wielcy Holendrzy

Johannesa Ockeghema Kształcił się w klasztorze Notre-Dame (Antwerpia), a w latach 40. XV w. został śpiewakiem kaplicznym na dworze księcia Karola I (Francja). Następnie kierował kaplicą dworu królewskiego. Dożywając sędziwego wieku, pozostawił po sobie wielką spuściznę we wszystkich gatunkach, ugruntowując swoją pozycję wybitnego polifonisty. Dotarły do ​​nas rękopisy jego 13 mszy zwane kodeksem Chigi, z których jedna jest napisana 8 głosami. Używał nie tylko melodii innych ludzi, ale także własnych.

Orlando Lasso urodzony na terenie współczesnej Belgii (Mons) w 1532 r. Jego zdolności muzyczne pojawił się już we wczesnym dzieciństwie. Chłopiec był trzykrotnie porywany z domu, aby zostać wielkim muzykiem. Całe dorosłe życie spędził w Bawarii, gdzie występował jako tenor na dworze księcia Albrechta V, a następnie kierował kaplicą. Jego wysoce profesjonalny zespół przyczynił się do przekształcenia Monachium w Centrum muzyczne Europę, którą odwiedziło wielu znanych kompozytorów renesansu.

Na studia u niego przyjeżdżały takie talenty jak Johann Eckard, Leonard Lechner, Włoch D. Gabrieli . Ostatnie schronienie znalazł w 1594 r. na terenie kościoła monachijskiego, pozostawiając po sobie ogromne dziedzictwo: ponad 750 motetów, 60 mszy i setki pieśni, wśród których najpopularniejszą była Susanne un jour. Jego motety („Przepowiednie Sybilli”) wyróżniały się innowacyjnością, ale znany jest także muzyka świecka, który miał dużo humoru (villanella O bella fusa).

Szkoła włoska

Wybitni kompozytorzy renesansu z Włoch, oprócz tradycyjnych stylów, aktywnie rozwijali muzykę instrumentalną (organy, instrumenty smyczkowe, clavier). Najpopularniejszym instrumentem była lutnia, a pod koniec XV wieku pojawił się klawesyn, poprzednik fortepianu. W oparciu o elementy muzyki ludowej rozwinęły się dwie wpływowe szkoły kompozytorskie: rzymska (Giovanni Palestrina) i wenecka (Andrea Gabrieli).

Giovanniego Pierluigiego przyjął imię Palestrina od nazwy miasta niedaleko Rzymu, w którym się urodził i w którym służył główny kościół chórmistrz i organista. Data jego urodzin jest bardzo przybliżona, ale zmarł w 1594 roku. W ciągu swojego długiego życia napisał około 100 mszy i 200 motetów. Jego „Msza papieża Marcellusa” wzbudziła podziw papieża Piusa IV i stała się przykładem katolickiej muzyki sakralnej. Giovanni to najwybitniejszy przedstawiciel śpiewu wokalnego bez akompaniamentu muzycznego.

Andrei Gabrieli Wraz ze swoim uczniem i siostrzeńcem Giovannim pracował w kaplicy św. Marka (XVI w.), „barwiąc” śpiew chóru dźwiękiem organów i innych instrumentów. Szkoła wenecka skłaniała się bardziej w stronę muzyki świeckiej, a podczas inscenizacji Edypa Sofoklesa na scenie teatralnej przez Andreę Gabrieli powstała muzyka chóralna, będąca przykładem polifonii chóralnej i zwiastunem przyszłej sztuki operowej.

Cechy szkoły niemieckiej

Państwo niemieckie zaproponowało Ludwig Senfl, najlepszego polifonisty XVI wieku, który jednak nie dorósł do poziomu mistrzów holenderskich. Są też pieśni poetów-śpiewaków wywodzących się z rzemieślników (Meistersingers). specjalna muzyka Renesans. Niemieccy kompozytorzy reprezentowali śpiewające korporacje: blacharzy, szewców, tkaczy. Zjednoczyli się terytorialnie. Wybitnym przedstawicielem szkoły śpiewu norymberskiego był Hansa Sachsa(lata życia: 1494-1576).

Urodzony w rodzinie krawieckiej, przez całe życie pracował jako szewc, imponując swoją erudycją oraz zainteresowaniami muzyczno-literackimi. Czytał Biblię w interpretacji wielkiego reformatora Lutra, znał starożytnych poetów i cenił Boccaccia. Będąc muzykiem ludowym, Sax nie opanował form polifonicznych, lecz tworzył melodie o charakterze pieśniowym. Były bliskie tańcu, łatwe do zapamiętania i miały określony rytm. Najbardziej znanym dziełem był „Srebrny śpiew”.

Renesans: muzycy i kompozytorzy Francji

Kultura muzyczna Francji przeżyła prawdziwy renesans dopiero w XVI wieku, kiedy w kraju przygotowano grunt społeczny.

Jednym z najlepszych przedstawicieli jest Klemens Janequin. Wiadomo, że urodził się w Chatellerault (koniec XV w.) i od chłopięcego śpiewaka stał się osobistym kompozytorem króla. Z jego twórczego dziedzictwa przetrwały jedynie pieśni świeckie opublikowane przez Attenian. Jest ich 260, ale prawdziwą sławę zdobywają te, które przetrwały próbę czasu: „Ptasi śpiew”, „Polowanie”, „Skowronek”, „Wojna”, „Krzyki Paryża”. Były one stale ponownie publikowane i wykorzystywane przez innych autorów do rewizji.

Jego pieśni były polifoniczne i przypominały sceny chóralne, w których oprócz onomatopei i wokalu kantylenowego pojawiały się okrzyki odpowiedzialne za dynamikę dzieła. Była to odważna próba znalezienia nowych technik obrazowania.

Wśród znani kompozytorzy Francja – Guillaume Cotlet, Jacques Mauduit, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , nadanie muzyce harmonijnej struktury, co przyczyniło się do asymilacji muzyki przez ogół społeczeństwa.

Kompozytorzy renesansu: Anglia

Wpływ na XV wiek w Anglii miały dzieła: Johna Dubstyle’a i XVI - Williama Ptaka. Obaj mistrzowie skłaniali się ku muzyce sakralnej. Bird zaczynał jako organista w katedrze w Lincoln, a zakończył karierę w Chapel Royal w Londynie. Po raz pierwszy udało mu się połączyć muzykę i przedsiębiorczość. W 1575 roku kompozytor, we współpracy z Tallisem, stał się monopolistą w wydawnictwie dzieła muzyczne, co nie przyniosło mu zysku. Ale obrona mojego prawa do własności w sądach zajęła dużo czasu. Po jego śmierci (1623) w oficjalnych dokumentach kaplicy nazywany był „twórcą muzyki”.

Co pozostawił po sobie renesans? Ptak, oprócz opublikowanych zbiorów (Cantiones Sacrae, Gradualia), zachował wiele rękopisów, uznając je za nadające się jedynie do kultu domowego. Opublikowane później madrygały (Musica Transalpina) ukazały wielki wpływ autorów włoskich, ale kilka mszy i motetów znalazło się w złotym funduszu muzyki sakralnej.

Hiszpania: Cristobal de Morales

Przez Watykan przejeżdżali najlepsi przedstawiciele hiszpańskiej szkoły muzycznej, występując w kaplicy papieskiej. Czuli wpływ autorów holenderskich i włoskich, dlatego tylko nielicznym udało się zasłynąć poza granicami swojego kraju. Kompozytorzy renesansu z Hiszpanii byli polifonistami, którzy tworzyli dzieła chóralne. Najwybitniejszym przedstawicielem jest Cristobala de Moralesa(XVI wiek), który stał na czele metrizy w Toledo i kształcił więcej niż jednego ucznia. Naśladowca Josquina Despresa, Cristobal wprowadził do szeregu dzieł specjalną technikę, zwaną homofonią.

Największą sławę zdobyły dwa requiem autora (ostatnie pięciogłosowe) oraz msza „Uzbrojony”. Pisał także dzieła świeckie (kantata na cześć zawarcia traktatu pokojowego w 1538 r.), ale odnosi się to do jego wcześniejszych dzieł. Kierując pod koniec życia kaplicą w Maladze, pozostał twórcą muzyki sakralnej.

Zamiast wniosków

Kompozytorzy renesansu swoimi dziełami przygotowali rozkwit muzyki instrumentalnej XVII wieku i pojawienie się nowego gatunku – opery, w której zawiłość wielu głosów zostaje zastąpiona prymatem jednego prowadzącego główną melodię. Dokonali prawdziwego przełomu w rozwoju kultury muzycznej i położyli podwaliny pod sztukę współczesną.

renesans, Lub renesans(renesans francuski) - punkt zwrotny w historii kultury narodów europejskich. We Włoszech nowe trendy pojawiły się już na przełomie XIII-XIV wieku, w innych krajach Europy - w XV-XVI wieku. Postacie renesansu uznawały człowieka – jego dobro i prawo do swobodnego rozwoju osobistego – za najwyższą wartość. Ten światopogląd nazywa się „humanizmem” (od łacińskiego humanus - „ludzki”, „ludzki”). Humaniści poszukiwali ideału harmonijnej osoby już w starożytności, a sztuka starożytnej Grecji i Rzymu służyła im za wzór twórczości artystycznej. Pragnienie „ożywienia” starożytna kultura nadał nazwę całej epoce - renesansowi, okresowi między średniowieczem a nową erą (od połowy XVII wieku do czasów współczesnych).

Światopogląd renesansu najpełniej odzwierciedla się w sztuce, w tym muzyce. W tym okresie, podobnie jak w średniowieczu, czołowe miejsce należał do wokalnej muzyki kościelnej. Rozwój polifonii doprowadził do pojawienia się polifonii (od greckiego „polis” - „liczny” i „telefon” - „dźwięk”, „głos”). Przy tego rodzaju polifonii wszystkie głosy w utworze są równe. Polifonia nie tylko skomplikowała utwór, ale pozwoliła autorowi wyrazić osobiste zrozumienie tekstu i nadała muzyce większej emocjonalności. Utwory polifoniczne powstawały według ścisłych i skomplikowanych zasad i wymagały od kompozytora głębokiej wiedzy i wirtuozowskich umiejętności. W ramach polifonii rozwinęły się gatunki kościelne i świeckie.

Holenderska Szkoła Polifoniczna. Holandia to historyczny region w północno-zachodniej Europie, który obejmuje terytoria współczesnej Belgii, Holandii, Luksemburga i północno-wschodniej Francji. Do XV wieku Holandia osiągnęła wysoki poziom gospodarczy i kulturowy i stała się zamożnym krajem europejskim.

To tu narodziła się holenderska szkoła polifoniczna – jedno z największych zjawisk w muzyce renesansu. Dla rozwoju sztuki w XV wieku istotna była komunikacja pomiędzy muzykami z różnych krajów oraz wzajemne oddziaływanie szkół twórczych. Szkoła holenderska wchłonęła tradycje Włoch, Francji, Anglii i samej Holandii.

Jej wybitni przedstawiciele: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (ok. 1400 - 27.11.1474, Cambrai), kompozytor francusko-flamandzki, jeden z założycieli szkoły holenderskiej. Podwaliny pod tradycję polifoniczną w muzyce holenderskiej położył Guillaume Dufay (ok. 1400 - 1474). Urodził się w mieście Cambrai we Flandrii (prowincja na południu Holandii) i od najmłodszych lat śpiewał w chórze kościelnym. W tym samym czasie przyszły muzyk pobierał prywatne lekcje kompozycji. W adolescencja Dufay wyjechał do Włoch, gdzie napisał swoje pierwsze kompozycje – ballady i motety. W latach 1428-1437 pełnił funkcję śpiewaka w kaplicy papieskiej w Rzymie; W tych samych latach podróżował do Włoch i Francji. W 1437 roku kompozytor otrzymał święcenia kapłańskie. Na dworze księcia Sabaudii (1437-1439) komponował muzykę do ceremonii i świąt. Dufay cieszył się wielkim szacunkiem ze strony szlachty – wśród jego wielbicieli znajdowało się np. małżeństwo Medyceuszy (władcy włoskiego miasta Florencja). [Pracował we Włoszech i Francji. W latach 1428-37 był śpiewakiem kaplic papieskich w Rzymie i innych miastach włoskich, a w latach 1437-44 służył u księcia Sabaudii. Od 1445 kanonik i naczelnik działalność muzyczna Katedra w Cambrai. Mistrz gatunków duchowych (msze 3-, 4-głosowe, motety) i świeckich (pieśni francuskie 3-, 4-głosowe, pieśni włoskie, ballady, ronda) gatunków związanych z polifonią ludową i kulturą humanistyczną renesansu. Wielki wpływ na dalszy rozwój europejskiej muzyki polifonicznej wywarła sztuka duńska, która wchłonęła dorobek europejskiej sztuki muzycznej. Był także reformatorem notacji muzycznej (przypisuje się mu wprowadzenie nut z białymi główkami). W Rzymie ukazały się wszystkie dzieła D. (6 tomów, 1951-66).] Dufay jako pierwszy wśród kompozytorów zaczął komponować mszę jako integralną kompozycję muzyczną. Tworzenie muzyki kościelnej wymaga niezwykłego talentu: umiejętności tworzenia specyficznych, środki materialne wyrażać abstrakcyjne, niematerialne koncepcje. Trudność polega na tym, że taka kompozycja z jednej strony nie pozostawia słuchacza obojętnym, z drugiej zaś nie odrywa od nabożeństwa i pomaga głębiej skoncentrować się na modlitwie. Wiele mszy Dufaya jest natchnionych, pełnych życia wewnętrznego; zdają się one na chwilę pomagać w podniesieniu zasłony Bożego objawienia.

Często, tworząc mszę, Dufay czerpał ze znanej melodii, do której dodawał własną. Takie zapożyczenia są charakterystyczne dla renesansu. Za bardzo ważne uznano, aby msza opierała się na znanej melodii, którą wierni mogliby z łatwością rozpoznać nawet w niej utwór polifoniczny. Często wykorzystywano fragment chorału gregoriańskiego; Nie wykluczono także dzieł świeckich.

Oprócz muzyki kościelnej Dufay komponował motety oparte na tekstach świeckich. W nich także zastosował skomplikowaną technikę polifoniczną.

Josquin Despres (1440-1521). Przedstawiciel holenderskiej szkoły polifonicznej drugiej połowy XV wieku. Był Josquin Despres (ok. 1440-1521 lub 1524), który wywarł ogromny wpływ na twórczość kompozytorów kolejnego pokolenia. W młodości pełnił funkcję chórmistrza kościelnego w Cambrai; wziął lekcje muzyki w Okegem. W wieku dwudziestu lat młody muzyk przyjechał do Włoch, śpiewał w Mediolanie u książąt Sforzów (później służył tu wielki włoski artysta Leonardo da Vinci) oraz w kaplicy papieskiej w Rzymie. We Włoszech Despres prawdopodobnie zaczął komponować muzykę. Już na początku XVI w. przeniósł się do Paryża. W tym czasie Despres był już sławny i został zaproszony na stanowisko nadwornego muzyka przez króla francuskiego Ludwika XII. Od 1503 roku Despres osiadł ponownie we Włoszech, w mieście Ferrara, na dworze księcia d'Este. Despres dużo komponował, a jego muzyka szybko zyskała uznanie w najszerszych kręgach: kochała ją zarówno szlachta, jak i ludność zwykłych ludzi. Kompozytor tworzył nie tylko dzieła kościelne, ale także świeckie. W szczególności zwrócił się ku gatunkowi włoskiej pieśni ludowej – frottola (włoskie frottola, od frotta – „tłum”), który charakteryzuje się rytm tańca i szybkie tempo. Despres wprowadził do muzyki kościelnej cechy dzieł świeckich: świeża, żywa intonacja przełamywała ścisły dystans i wywoływała poczucie radości i pełni życia. Jednak kompozytorskie poczucie proporcji nigdy nie zawodziło. Technika polifoniczna Depre nie jest szczególnie wyrafinowana. Jego prace są elegancko proste, ale wyczuwa się w nich potężny intelekt autora. Oto sekret popularności jego twórczości.

Johannes Okegem (1430-1495), Jakub Obrecht (1450-1505). Młodszymi rówieśnikami Guillaume'a Dufaya byli Johannes (Jean) Okeghem (około 1425-1497) i Jacob Obrecht. Podobnie jak Dufay, Okegem pochodził z Flandrii. Przez całe życie ciężko pracował; Oprócz komponowania muzyki pełnił funkcję kierownika kaplicy. Kompozytor stworzył piętnaście mszy, trzynaście motetów i ponad dwadzieścia pieśni. Utwory Okegöma charakteryzują się rygorem, skupieniem i długim rozwojem gładkich linii melodycznych. Przywiązywał dużą wagę do techniki polifonicznej, dążąc do tego, aby wszystkie części bryły były postrzegane jako jedna całość. Styl twórczy kompozytora można dostrzec także w jego pieśniach - są one niemal pozbawione świeckiej lekkości, charakterem bardziej przypominają motety, a czasem fragmenty mszy. Johannes Okegem cieszył się szacunkiem zarówno w ojczyźnie, jak i za granicą (został mianowany doradcą króla Francji). Jacob Obrecht był chórmistrzem w katedrach różnych miast Holandii i prowadził kaplice; Przez kilka lat służył na dworze księcia d'Este w Ferrarze (Włochy).Jest autorem dwudziestu pięciu mszy, dwudziestu motetów, trzydziestu pieśni.Korzystając z osiągnięć swoich poprzedników, Obrecht wprowadził do nauki wiele nowych rzeczy. tradycji polifonicznej.Jego muzyka jest pełna kontrastów, odważna, nawet gdy kompozytor zwraca się ku tradycyjnym gatunkom kościelnym.

Wszechstronność i głębia twórczości Orlando Lasso. Historia muzyki holenderskiego renesansu kończy się twórczością Orlanda Lasso (prawdziwe nazwisko Roland de Lasso, ok. 1532-1594), zwanego przez współczesnych „belgijskim Orfeuszem” i „księciem muzyki”. Lasso urodził się w Mons (Flandria). Od dzieciństwa śpiewał w chórze kościelnym, zadziwiając parafian cudownym głosem. Gonzaga, książę włoskiego miasta Mantua, przypadkowo usłyszał młodego śpiewaka i zaprosił go do własnej kaplicy. Po Mantui Lasso pracował krótko w Neapolu, a następnie przeniósł się do Rzymu – tam otrzymał stanowisko dyrektora kaplicy jednej z katedr. W wieku dwudziestu pięciu lat Lasso był już znany jako kompozytor, a jego dzieła cieszyły się zainteresowaniem wśród wydawców muzycznych. W 1555 roku ukazał się pierwszy zbiór dzieł, zawierający motety, madrygały i pieśni. Lasso studiował wszystko, co najlepsze, co stworzyli jego poprzednicy (holenderscy, francuscy, niemieccy i kompozytorzy włoscy) i wykorzystał ich doświadczenie w swojej pracy. Będąc osobą niezwykłą, Lasso starał się przełamać abstrakcyjny charakter muzyki kościelnej i nadać jej indywidualność. W tym celu kompozytor wykorzystywał niekiedy motywy gatunkowe i codzienne (motywy pieśni ludowe, tańce), jednocząc w ten sposób Kościół i tradycja świecka. Lasso łączył złożoność techniki polifonicznej z dużą emocjonalnością. Szczególnie dobrze radził sobie z madrygałami, których teksty zdradzały jego stan psychiczny postacie, np. Łzy św. Piotra” (1593) na podstawie wierszy włoskiego poety Luigiego Tranzillo. Kompozytor często pisał na dużą liczbę głosów (od pięciu do siedmiu), dlatego jego utwory są trudne do wykonania.

Od 1556 roku Orlando Lasso mieszkał w Monachium (Niemcy), gdzie kierował kaplicą. Pod koniec życia jego autorytet w kręgach muzycznych i artystycznych był bardzo wysoki, a jego sława rozprzestrzeniła się po całej Europie. Holenderska szkoła polifoniczna wywarła ogromny wpływ na rozwój europejskiej kultury muzycznej. Zasady polifonii wypracowane przez kompozytorów holenderskich stały się uniwersalne, a wiele technik artystycznych stosowali w swojej twórczości kompozytorzy już w XX wieku.

Francja. Dla Francji wiek XV-XVI stał się erą ważnych zmian: wojna stuletnia (1337-1453) z Anglią zakończyła się pod koniec XV wieku. ujednolicenie państwa zostało zakończone; w XVI w. kraj doświadczył wojen religijnych między katolikami i protestantami. W silny stan Wraz z monarchią absolutną wzrosła rola uroczystości dworskich i publicznych. Przyczyniło się to do rozwoju sztuki, zwłaszcza muzyki towarzyszącej takim wydarzeniom. Zwiększyła się liczba zespołów wokalno-instrumentalnych (kapliczek i konsortów), składających się ze znacznej liczby wykonawców. Podczas kampanii wojennych we Włoszech Francuzi zapoznawali się z dorobkiem kultury włoskiej. Głęboko odczuwali i akceptowali idee włoskiego renesansu - humanizm, pragnienie harmonii z otaczającym światem, cieszenia się życiem.

O ile we Włoszech renesans muzyczny kojarzono przede wszystkim z mszą, o tyle francuscy kompozytorzy, obok muzyki kościelnej, szczególną uwagę zwracali na świecką pieśń polifoniczną – chanson. Zainteresowanie nią we Francji pojawiło się w pierwszej połowie XVI wieku, kiedy ukazał się zbiór sztuk muzycznych Clémenta Janequina (ok. 1485-1558). Kompozytor ten uważany jest za jednego z twórców gatunku.

Główny program chóralny obejmuje dzieła Clémenta Janequina (1475-1560). Jako dziecko Janequin śpiewał w chórze kościelnym w swoim rodzinnym mieście Chatellerault (środkowa Francja). Następnie, jak sugerują historycy muzyki, studiował u holenderskiego mistrza Josquina Despresa lub u kompozytora z jego kręgu. Po otrzymaniu święceń kapłańskich Janequin pracował jako regent (dyrektor chóru) i organista; następnie został zaproszony do służby przez księcia Guise. W 1555 muzyk został śpiewakiem Kaplicy Królewskiej, a w latach 1556-1557. - kompozytor nadworny królewski. Clément Janequin stworzył dwieście osiemdziesiąt pieśni (opublikowanych w latach 1530–1572); pisał muzykę kościelną - msze, motety, psalmy. Jego piosenki często miały charakter figuratywny. Przed oczami słuchacza pojawiają się obrazy bitew („Bitwa pod Marignano”, „Bitwa pod Renta”, „Bitwa pod Metz”), sceny polowań („Polowanie”), obrazy natury („Śpiew ptaków”, „Słowik ”, „Skowronek” ), sceny codzienne („Kobiecy Czat”). Kompozytorowi z niezwykłą przejrzystością udało się oddać atmosferę codziennego życia w Paryżu w piosence „Krzyki Paryża”: wprowadził do tekstu okrzyki sprzedawców („Mleko!” - „Ciasta!” - „Karczochy!” - „Ryba!” - „Zapałki!” - „Gołębie”)!” - „Stare buty!” - „Wino!”). Janequin prawie nie korzystała z długich i gładkich tematów dla poszczególnych głosów i skomplikowanych technik polifonicznych, preferując apele, powtórki i onomatopeje.

Inny kierunek muzyka francuska związany z ogólnoeuropejskim ruchem reformacyjnym.

W nabożeństwach francuscy protestanci (hugenoci) porzucili łacinę i polifonię. Muzyka sakralna nabrała bardziej otwartego, demokratycznego charakteru. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli tej tradycji muzycznej był Claude Gudimel (w latach 1514-1520-1572), autor psalmów opartych na tekstach biblijnych i chorałów protestanckich.

Chanson. Jednym z głównych gatunków muzycznych francuskiego renesansu jest chanson (francuski chanson - „piosenka”). Jej korzenie sięgają sztuki ludowej (rymowane wersety epickich opowieści podkładano pod muzykę), sztuki średniowiecznych trubadurów i truwerów. Pieśń mogła być bardzo różnorodna pod względem treści i nastroju - były pieśni miłosne, pieśni codzienne, piosenki humorystyczne, pieśni satyryczne itp. Kompozytorzy za teksty przyjmowali wiersze ludowe i poezję współczesną.

Włochy. Wraz z nadejściem renesansu we Włoszech rozprzestrzeniła się muzyka codzienna grana na różnych instrumentach; powstały kręgi melomanów. Na polu zawodowym wyłoniły się dwie najsilniejsze szkoły: rzymska i wenecka.

Madrygał. W okresie renesansu wzrosła rola gatunków świeckich. W XIV wieku. madrygał pojawił się w muzyce włoskiej (od późnego łacińskiego matricale – „pieśń dalej język ojczysty"). Powstał na bazie pieśni ludowych (pasterskich). Madrygały były pieśniami na dwa lub trzy głosy, często bez towarzyszenia instrumentu. Pisano je do wierszy współczesnych poetów włoskich, które opowiadały o miłości; na co dzień śpiewano pieśni i tematyka mitologiczna.

W XV wieku kompozytorzy prawie nie zwracali się ku temu gatunkowi; zainteresowanie nim ożywiło się dopiero w XVI wieku. Cechą charakterystyczną XVI-wiecznego madrygału jest ścisły związek muzyki i poezji. Muzyka elastycznie podążała za tekstem i odzwierciedlała wydarzenia opisane w źródle poetyckim. Z biegiem czasu wykształciły się unikalne symbole melodyczne, oznaczające delikatne westchnienia, łzy itp. W twórczości niektórych kompozytorów symbolika miała charakter filozoficzny, np. w madrygale Gesualdo di Venosa „Umieram, niefortunnie” (1611).

Rozkwit gatunku przypada na przełom XVI i XVII wieku. Czasami jednocześnie z wykonaniem utworu rozgrywała się jego fabuła. Madrygał stał się podstawą komedii madrygałowej (kompozycji chóralnej opartej na tekście komedii), która przygotowała wygląd opery.

rzymska szkoła polifoniczna. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Głową szkoły rzymskiej był Giovanni Pierluigi da Palestrina, jeden z najwybitniejszych kompozytorów renesansu. Urodził się we włoskim mieście Palestrina, od którego otrzymał nazwisko. Od dzieciństwa Palestrina śpiewał w chórze kościelnym, a po osiągnięciu dorosłości został zaproszony na stanowisko dyrygenta (lidera chóru) w Bazylice św. Piotra w Rzymie; później służył w Kaplicy Sykstyńskiej (kaplicy dworskiej papieża).

Rzym, centrum katolicyzmu, przyciągał wielu czołowych muzyków. W różnych okresach pracowali tu holenderscy mistrzowie polifonii Guillaume Dufay i Josquin Despres. Ich rozwinięta technika kompozytorska utrudniała czasem dostrzeżenie tekstu nabożeństwa: gubił się on za wyszukanym splotem głosów, a słów w zasadzie nie było słychać. Dlatego władze kościelne podchodziły z rezerwą do takich dzieł i opowiadały się za powrotem monofonii opartej na chorału gregoriańskiego. Kwestię dopuszczalności polifonii w muzyce kościelnej omawiano już na Soborze Trydenckim Kościoła katolickiego (1545-1563). Bliski papieżowi Palestrina przekonał przywódców Kościoła o możliwości tworzenia dzieł, w których technika kompozytorska nie będzie kolidować ze zrozumieniem tekstu. Na dowód skomponował „Mszę papieża Marcella” (1555), która łączy w sobie złożoną polifonię z wyraźnym i wyrazistym brzmieniem każdego słowa. W ten sposób muzyk „uratował” profesjonalną muzykę polifoniczną przed prześladowaniami ze strony władz kościelnych. W 1577 roku kompozytor został zaproszony do omówienia reformy graduału – zbioru pieśni sakralnych Kościoła katolickiego. W latach 80 Palestrina przyjął święcenia kapłańskie, a w 1584 roku został członkiem Towarzystwa Mistrzów Muzyki, stowarzyszenia muzyków podlegającego bezpośrednio papieżowi.

Twórczość Palestriny jest nasycona jasnym światopoglądem. Tworzone przez niego dzieła zadziwiały współczesnych zarówno kunsztem, jak i ilością (ponad sto mszy, trzysta motetów, sto madrygałów). Złożoność muzyki nigdy nie była przeszkodą w jej odbiorze. Kompozytor potrafił znaleźć złoty środek pomiędzy wyrafinowaniem swoich kompozycji a ich przystępnością dla słuchacza. Palestrina za swoje główne zadanie twórcze uważał opracowanie całości świetna robota. Każdy głos w jego pieśniach rozwija się niezależnie, ale jednocześnie tworzy z pozostałymi jedną całość, a często głosy tworzą efektowne kombinacje akordów. Często melodia najwyższego głosu zdaje się unosić nad resztą, zarysowując „kopułę” polifonii; Wszystkie głosy wyróżniają się płynnością i rozwojem.

Kolejne pokolenie muzyków uważało twórczość Giovanniego da Palestriny za wzorową i klasyczną. Wiele osób uczyło się z jego dzieł wybitni kompozytorzy XVII-VIII wiek

Inny kierunek muzyki renesansowej związany jest z twórczością kompozytorów szkoły weneckiej, której założycielem był Adrian Willart (ok. 1485-1562). Jego uczniami byli organista i kompozytor Andrea Gabrieli (w latach 1500-1520 - po 1586), kompozytor Cyprian de Pope (1515 lub 1516-1565) i inni muzycy. Podczas gdy dzieła Palestriny charakteryzują się przejrzystością i ścisłą powściągliwością, Willaert i jego zwolennicy rozwinęli bujny styl chóralny. Aby uzyskać dźwięk przestrzenny i grę barw, w kompozycjach wykorzystano kilka chórów, rozmieszczonych w różnych miejscach świątyni. Zastosowanie apeli pomiędzy chórami umożliwiło wypełnienie przestrzeni kościoła niespotykanymi dotychczas efektami. Podejście to odzwierciedlało humanistyczne ideały epoki jako całości - z jej radością, swobodą i samą wenecką tradycją artystyczną - z pragnieniem wszystkiego, co jasne i niezwykłe. W kreatywności Weneccy mistrzowie Język muzyczny również stał się bardziej złożony: wypełnił się odważnymi kombinacjami akordów i nieoczekiwanymi harmoniami.

Wybitną postacią renesansu był Carlo Gesualdo di Venosa (ok. 1560-1613), książę miasta Venosa, jeden z największych mistrzów świeckiego madrygału. Zasłynął jako filantrop, lutnista i kompozytor. Książę Gesualdo przyjaźnił się z włoskim poetą Torquato Tasso; pozostało kilka ciekawych listów, w których obaj artyści omawiają zagadnienia literatury, muzyki, Dzieła wizualne. Gesualdo di Venosa opatrzył muzyką wiele wierszy Tassa – tak powstało wiele wysoce artystycznych madrygałów. Jako przedstawiciel późnego renesansu rozwijał się kompozytor nowy typ madrygał, gdzie na pierwszym miejscu pojawiły się uczucia – burzliwe i nieprzewidywalne. Dlatego jego utwory charakteryzują się zmianami głośności, intonacją przypominającą westchnienia, a nawet szlochania, ostro brzmiącymi akordami i kontrastującymi zmianami tempa. Techniki te nadawały muzyce Gesualda wyrazisty, nieco dziwaczny charakter, zadziwiały i jednocześnie przyciągały jego współczesnych. Na spuściznę Gesualdo di Venosa składa się siedem kolekcji madrygałów polifonicznych; Wśród dzieł duchowych - „Święte hymny”. Jego muzyka do dziś nie pozostawia słuchacza obojętnym.

Rozwój gatunków i form muzyki instrumentalnej. Muzyka instrumentalna charakteryzuje się także pojawieniem się nowych gatunków, przede wszystkim koncertu instrumentalnego. Skrzypce, klawesyn i organy stopniowo przekształcały się w instrumenty solowe. Napisana dla nich muzyka była okazją do zademonstrowania talentu nie tylko kompozytora, ale także wykonawcy. Ceniono przede wszystkim wirtuozerię (umiejętność radzenia sobie z trudnościami technicznymi), która dla wielu muzyków stopniowo stała się celem samym w sobie i wartością artystyczną. Kompozytorzy XVII-XVIII wiek zazwyczaj nie tylko komponował muzykę, ale także po mistrzowsku grał na instrumentach, ćwiczył działalność pedagogiczna. Dobro artysty w dużej mierze zależało od konkretnego klienta. Z reguły każdy poważny muzyk starał się o miejsce albo na dworze monarchy, albo zamożnego arystokraty (wielu członków szlachty posiadało własne orkiestry lub opery), albo w świątyni. Co więcej, większość kompozytorów z łatwością łączyła muzykę kościelną ze służbą świeckiemu patronowi.

Anglia. Życie kulturalne Anglii w okresie renesansu było ściśle związane z reformacją. W XVI wieku w kraju rozprzestrzenił się protestantyzm. Kościół katolicki utracił dominującą pozycję, Kościół anglikański stał się państwem, które odmówiło uznania części dogmatów (podstawowych postanowień) katolicyzmu; Większość klasztorów przestała istnieć. Wydarzenia te wpłynęły na kulturę angielską, w tym na muzykę. Na uniwersytetach w Oksfordzie i Cambridge otwarto wydziały muzyczne. W salonach szlacheckich grano na instrumentach klawiszowych: virginelach (rodzaj klawesynu), organach przenośnych (małych) itp. Popularnością cieszyły się niewielkie kompozycje przeznaczone do domowego grania. Najwybitniejszym przedstawicielem kultury muzycznej tamtych czasów był William Bird (1543 lub 1544-1623), wydawca nut, organista i kompozytor. Ptak stał się twórcą angielskiego madrygału. Jego dzieła wyróżnia prostota (unikał skomplikowanych technik polifonicznych), oryginalność formy podążającej za tekstem i swoboda harmoniczna. Wszelkie środki muzyczne mają za zadanie afirmować piękno i radość życia, przeciwstawiając się średniowiecznej surowości i powściągliwości. Kompozytor miał wielu zwolenników w gatunku madrygałowym.

Ptak tworzył także dzieła duchowe (msze, psalmy) i muzykę instrumentalną. W swoich kompozycjach na dziewice wykorzystywał motywy pieśni i tańców ludowych.

Kompozytorowi bardzo zależało na tym, aby pisana przez niego muzyka „szczęśliwie niosła ze sobą choć odrobinę czułości, relaksu i rozrywki”, jak napisał William Byrd we wstępie do jednego ze swoich zbiorów muzycznych.

Niemcy. Związek niemieckiej kultury muzycznej z ruchem reformacyjnym. W XVI wieku w Niemczech rozpoczęła się reformacja, która znacząco zmieniła życie religijne i kulturalne kraju. Przywódcy reformacji byli przekonani o konieczności zmian w muzycznej treści kultu. Wynikało to z dwóch powodów. Do połowy XV wieku. Wielogłosowość kompozytorów zajmujących się gatunkami muzyki kościelnej osiągnęła niezwykłą złożoność i wyrafinowanie. Czasem powstawały dzieła, które ze względu na bogactwo melodyczne głosów i długie śpiewy nie mogły zostać odebrane i duchowo przeżyte przez większość parafian. Ponadto nabożeństwo odbywało się w języku łacińskim, zrozumiałym dla Włochów, ale obcym dla Niemców.

Założyciel ruchu reformacyjnego, Marcin Luter (1483-1546), uważał, że konieczna jest reforma muzyki kościelnej. Muzyka, po pierwsze, powinna sprzyjać aktywniejszemu udziałowi parafian w nabożeństwach (było to niemożliwe przy wykonywaniu utworów polifonicznych), po drugie, wzbudzać empatię dla wydarzeń biblijnych (co utrudniało prowadzenie nabożeństw w języku łacińskim). Tym samym na śpiew kościelny nałożono następujące wymagania: prostotę i klarowność melodii, równy rytm, wyraźną formę śpiewu. Na tej podstawie powstał chorał protestancki - główny gatunek muzyki kościelnej niemieckiego renesansu. W 1522 roku Luter przetłumaczył Nowy Testament na język niemiecki – odtąd możliwe stało się świadczenie usług w języku ojczystym.

W doborze melodii na chorały Aktywny udział gościł sam Luter i jego przyjaciel, niemiecki teoretyk muzyki Johann Walter (1490-1570). Głównymi źródłami takich melodii były ludowe pieśni duchowe i świeckie – powszechnie znane i łatwe do zrozumienia. Luter sam skomponował melodie do niektórych chorałów. Jeden z nich: „Pan jest naszą podporą” stał się symbolem Reformacji podczas wojen religijnych XVI wieku.

Meistersingerzy i ich sztuka. Kolejna jasna karta niemieckiej muzyki renesansowej związana jest z twórczością Meistersingera (niemieckiego Meistersingera - „mistrza śpiewaka”) - poetów-śpiewaków spośród rzemieślników. Nie były profesjonalni muzycy, a przede wszystkim rzemieślnicy - rusznikarze, krawcy, szklarze, szewcy, piekarze itp. W miejskim związku takich muzyków znajdowali się przedstawiciele różnych rzemiosł. W XVI wieku w wielu miastach Niemiec istniały stowarzyszenia mistrzów śpiewu.

Mastersingers komponowali swoje utwory według ścisłych zasad, inicjatywa twórcza była ograniczona wieloma ograniczeniami. Początkujący musiał najpierw opanować te zasady, potem nauczyć się wykonywać piosenki, potem komponować teksty do melodii innych ludzi i dopiero wtedy mógł stworzyć własną piosenkę. Za przykładowe melodie uznano melodie słynnych Meistersingerów i Minnesingerów.

Wybitny mistrz śpiewaka XVI wieku. Hans Sachs (1494-1576) pochodził z rodziny krawieckiej, ale w młodości opuścił Dom rodziców i wybrał się w podróż po Niemczech. Podczas swoich podróży młody człowiek uczył się rzemiosła szewskiego, ale co najważniejsze, zetknął się ze sztuką ludową. Sachs był dobrze wykształcony, miał doskonałą znajomość literatury starożytnej i średniowiecznej, czytał Biblię niemieckie tłumaczenie. Był głęboko przeniknięty ideami reformacji, dlatego pisał nie tylko pieśni świeckie, ale także duchowe (w sumie około sześciu tysięcy pieśni). Hans Sachs zasłynął także jako dramaturg (patrz artykuł „ Sztuki teatralne Renesans").

Instrumenty muzyczne renesansu. W okresie renesansu skład instrumentów muzycznych znacznie się rozszerzył, do istniejących już strun i instrumentów dętych dodano nowe odmiany. Wśród nich szczególne miejsce zajmują altówki – rodzina smyczków, które zachwycają pięknem i szlachetnością brzmienia. Kształtem przypominają instrumenty współczesnej rodziny skrzypiec (skrzypce, altówkę, wiolonczelę), a nawet uważane są za ich bezpośrednich poprzedników (współistniały w praktyce muzycznej do połowy XVIII wieku). Jednak nadal istnieje różnica i to znacząca. Skrzypce posiadają system rezonujących strun; z reguły jest ich tyle samo, co głównych (sześć do siedmiu). Wibracje rezonujących strun sprawiają, że dźwięk altówki jest miękki i aksamitny, ale instrument ten jest trudny do wykorzystania w orkiestrze, ponieważ ze względu na dużą liczbę strun szybko się rozstroja.

Przez długi czas brzmienie skrzypiec uważane było za wzór wyrafinowania w muzyce. Rodzina altówek dzieli się na trzy główne typy. Viola da gamba to duży instrument, który wykonawca ustawia pionowo i dociska stopami z boków (włoskie słowo gamba oznacza „kolano”). Dwie inne odmiany – viola da braccio (od włoskiego braccio – „przedramię”) i viol d’amour (francuskie viole d’amour – „viola miłości”) ułożone były poziomo, a podczas grania były dociskane do ramienia. Viola da gamba jest zbliżona dźwiękiem do wiolonczeli, viola da braccio jest blisko skrzypiec, a viol d'amour jest blisko altówki.

Wśród instrumenty szarpane Główne miejsce w okresie renesansu zajmuje lutnia (od arabskiego „alud” – „drzewo”). Do Europy przybył z Bliskiego Wschodu pod koniec XIV w., a już na początku XVI w. repertuar na ten instrument był już ogromny; Przede wszystkim śpiewano pieśni przy akompaniamencie lutni. Lutnia ma krótki korpus; górna część jest płaska, a dolna przypomina półkulę. Do szerokiej szyjki przymocowano gryf, rozdzielony progami, a główka instrumentu jest wygięta do tyłu niemal pod kątem prostym. Jeśli chcesz, możesz zobaczyć podobieństwo do misy w wyglądzie lutni. Dwanaście strun pogrupowano parami, a dźwięk wydobywany jest zarówno palcami, jak i specjalną płytką – mediatorem.

W XV-XVI wieku pojawiły się różne typy klawiatur. Główne typy takich instrumentów - klawesyn, klawikord, talerz, virginel - były aktywnie wykorzystywane w muzyce renesansu, ale ich prawdziwy rozkwit nastąpił później.