Klasycyzm (od łacińskiego classicus - „wzorowy”) to ruch artystyczny (prąd) w sztuce i literaturze XVII - początku XIX wieku, który charakteryzuje się wysokimi tematami obywatelskimi i ścisłym przestrzeganiem pewnych norm i zasad twórczych. Na Zachodzie klasycyzm ukształtował się w walce ze wspaniałym barokiem. Wpływ klasycyzmu na życie artystyczne Europy XVII – XVIII wieku. była powszechna i trwała, a w architekturze trwała do XIX wieku. Klasycyzm, jako specyficzny ruch artystyczny, ma tendencję do odzwierciedlania życia w idealnych obrazach, które skłaniają się ku uniwersalnej „normie” i modelu. Stąd kult antyku w klasycyzmie: antyk klasyczny jawi się w nim jako przykład sztuki doskonałej i harmonijnej.

Pisarze i artyści często sięgają po obrazy starożytnych mitów (patrz Literatura starożytna).

Klasycyzm rozkwitł we Francji w XVII wieku: w dramacie (P. Corneille, J. Racine, J. B. Moliere), w poezji (J. Lafontaine), w malarstwie (N. Poussin), w architekturze. Pod koniec XVII wieku. N. Boileau (w wierszu „Sztuka poetycka”, 1674) stworzył szczegółową teorię estetyczną klasycyzmu, która wywarła ogromny wpływ na kształtowanie się klasycyzmu w innych krajach.

Zderzenie osobistych interesów i obowiązków obywatelskich leży u podstaw klasycznej tragedii francuskiej, która osiągnęła szczyty ideologiczne i artystyczne w dziełach Corneille'a i Racine'a. Bohaterowie Corneille'a (Sid, Horace, Cinna) to ludzie odważni, surowi, kierujący się obowiązkiem, całkowicie podporządkowujący się służbie interesom państwa. Wykazując u swoich bohaterów sprzeczne ruchy umysłowe, Corneille i Racine dokonali wybitnych odkryć w dziedzinie ukazywania wewnętrznego świata człowieka. Przesiąknięta patosem zgłębiania ludzkiej duszy tragedia zawierała minimum działań zewnętrznych i łatwo wpisywała się w słynne zasady „trzech jedności” – czasu, miejsca i akcji.

Zgodnie z zasadami estetyki klasycyzmu, ściśle trzymającej się tzw. hierarchii gatunków, tragedia (wraz z odą, eposem) należała do „gatunków wysokich” i miała rozwijać szczególnie ważne problemy społeczne, odwołując się do starożytnych i tematy historyczne i odzwierciedlają jedynie wzniosłe aspekty heroiczne. Gatunkom „wysokim” przeciwstawiono gatunki „niskie”: komedię, bajkę, satyrę itp., mające odzwierciedlać współczesną rzeczywistość. La Fontaine zasłynął we Francji w gatunku baśni, a Moliere w gatunku komedii.

W XVII wieku, przesiąkniętym zaawansowanymi ideami Oświecenia, klasycyzm był przesiąknięty żarliwą krytyką porządków świata feudalnego, ochroną naturalnych praw człowieka i motywami umiłowania wolności. Wyróżnia się także dużą dbałością o tematykę historii narodowej. Największymi przedstawicielami klasycyzmu edukacyjnego są Wolter we Francji, J. W. Goethe i J. F. Schiller (w latach 90.) w Niemczech.

Klasycyzm rosyjski powstał w drugiej ćwierci XVIII wieku w twórczości A. D. Kantemira, V. K. Trediakowskiego, M. V. Łomonosowa, a rozwinął się w drugiej połowie stulecia w twórczości A. P. Sumarokowa, D. I. Fonviziny, M. M. Kheraskovej, V. A. Ozerova, Ya. B. Knyazhnina, G. R. Derzhavina. Prezentuje wszystkie najważniejsze gatunki - od ody i epopei po baśń i komedię. Wybitnym komikiem był D.I. Fonvizin, autor słynnych komedii satyrycznych „Brygadier” i „Młodszy”. Rosyjska tragedia klasycystyczna wykazała żywe zainteresowanie historią narodową („Dimitri Pretender” A.P. Sumarokowa, „Wadim Nowogródski” Ya.B. Knyazhnina itp.).

Pod koniec XVIII - na początku XIX wieku. klasycyzm zarówno w Rosji, jak i w całej Europie przeżywa kryzys. Coraz bardziej traci kontakt z życiem i wycofuje się w wąski krąg konwencji. W tym czasie klasycyzm został poddany ostrej krytyce, zwłaszcza ze strony romantyków.

Czas wystąpienia.

W Europie- XVII - początek XIX wieku

Koniec XVII wieku to okres upadku.

Klasycyzm odrodził się w epoce oświecenia - Voltaire, M. Chenier i inni.Po Wielkiej Rewolucji Francuskiej, wraz z upadkiem idei racjonalistycznych, klasycyzm podupadł, a romantyzm stał się dominującym stylem w sztuce europejskiej.

W Rosji- w 2. ćw. XVIII w.

Miejsce pochodzenia.

Francja. (P. Corneille, J. Racine, J. Lafontaine, J. B. Moliere i inni)

Przedstawiciele literatury rosyjskiej, dzieła.

A. D. Kantemir (satyra „O tych, którzy bluźnią nauce”, bajki)

V.K. Trediakowski (powieść „Jazda na wyspę miłości”, wiersze)

M. V. Łomonosow (wiersz „Rozmowa z Anakreonem”, „Oda w dniu wstąpienia na tron ​​cesarzowej Elżbiety Pietrowna, 1747”

A. P. Sumarokov (tragedia „Khorev”, „Sinav i Truvor”)

Ya B. Knyazhnin (tragedia „Dydona”, „Rossław”)

G. R. Derzhavin (oda „Felitsa”)

Przedstawiciele literatury światowej.

P. Corneille (tragedia „Cyd”, „Horacy”, „Cinna”.

J. Racine (tragedie Fedrusa, Mitrydatesa)

Voltaire (tragedia „Brutus”, „Tancred”)

J. B. Moliere (komedie „Tartuffe”, „Mieszczarz w szlachcie”)

N. Boileau (traktat w wierszu „Sztuka poetycka”)

J. Lafontaine (bajki).

Klasycyzm od ks. klasycyzm, od łac. classicus - wzorowy.

Cechy klasycyzmu.

• Celem sztuki- wpływ moralny na wychowanie szlachetnych uczuć.
• Poleganie na sztuce starożytnej(stąd nazwa stylu), który opierał się na zasadzie „naśladowania natury”.
• Podstawą jest zasada racjonalizm((od łacińskiego „ratio” – rozum), spojrzenie na dzieło sztuki jako na dzieło sztuczne – stworzone świadomie, inteligentnie zorganizowane, logicznie skonstruowane.
• Kult umysłu(wiara we wszechmoc rozumu i że świat można zreorganizować na racjonalnych podstawach).
• Zwierzchnictwo interesy państwowe ponad osobiste, przewaga pobudek obywatelskich, patriotycznych, kult obowiązku moralnego. Afirmacja wartości pozytywnych i ideału stanu.
• Główny konflikt klasyczne dzieła - to walka bohatera pomiędzy rozumem a uczuciem. Bohater pozytywny musi zawsze dokonywać wyboru na korzyść rozsądku (przykładowo wybierając między miłością a koniecznością całkowitego poświęcenia się służbie państwu musi wybrać to drugie), a negatywny – na rzecz uczucia.
• Osobowość jest najwyższą wartością istnienia.
• Harmonia zawartość i forma.
• Przestrzeganie zasad w dziele dramatycznym „trzy jedności”: jedność miejsca, czasu, akcji.
• Podział bohaterów na pozytywny i negatywny. Bohater musiał ucieleśniać jedną cechę charakteru: skąpstwo, hipokryzję, życzliwość, hipokryzję itp.
• Ścisła hierarchia gatunków, mieszanie gatunków nie było dozwolone:

"wysoki"- poemat epicki, tragedia, oda;

„środek” - poezja dydaktyczna, listy, satyra, wiersz miłosny;

"Niski"- bajka, komedia, farsa.

• Czystość języka (w gatunkach wysokich – słownictwo wysokie, w gatunkach niskich – potoczne);
• Prostota, harmonia, logika przekazu.
• Zainteresowanie tym, co wieczne, niezmienne, chęć odnalezienia cech typologicznych. Dlatego obrazy są pozbawione cech indywidualnych, ponieważ mają na celu przede wszystkim uchwycenie stabilnych, ogólnych cech, które utrzymują się w czasie.
• Społeczna i edukacyjna funkcja literatury. Wychowanie harmonijnej osobowości.

Cechy rosyjskiego klasycyzmu.

Literatura rosyjska opanowała formy stylistyczne i gatunkowe klasycyzmu, ale miała także swoje własne cechy, wyróżniające się oryginalnością.

• Za najwyższą wartość uznawano państwo (a nie jednostkę) w połączeniu z wiarą w teorię oświeconego absolutyzmu. Zgodnie z teorią oświeconego absolutyzmu na czele państwa powinien stać mądry, oświecony monarcha, wymagający od każdego służenia dla dobra społeczeństwa.
• Ogólny patriotyczny patos Rosyjski klasycyzm. Patriotyzm pisarzy rosyjskich, ich zainteresowanie historią ojczyzny. Wszyscy studiują historię Rosji, piszą prace na tematy narodowe i historyczne.
• Ludzkość, gdyż kierunek ten ukształtował się pod wpływem idei Oświecenia.
• Natura ludzka jest samolubna, poddana namiętnościom, czyli uczuciom przeciwstawnym rozumowi, ale jednocześnie podatnym na Edukacja.
• Afirmacja naturalnej równości wszystkich ludzi.
• Główny konflikt- między arystokracją a burżuazją.
• Prace skupiają się nie tylko na osobistych doświadczeniach bohaterów, ale także na problemach społecznych.
• Satyryczne skupienie- ważne miejsce zajmują takie gatunki jak satyra, bajka, komedia, które w satyryczny sposób przedstawiają określone zjawiska z życia Rosjan;
• Przewaga tematów historii narodowej nad starożytną. W Rosji „starożytność” była historią krajową.
• Wysoki poziom rozwoju gatunku ody(od M.V. Łomonosowa i G.R. Derzhavina);
• Fabuła zazwyczaj opiera się na trójkącie miłosnym: bohaterka – bohater-kochanek, drugi kochanek.
• Na końcu klasycznej komedii występek jest zawsze karany, a dobro zwycięża.

Trzy okresy klasycyzmu w literaturze rosyjskiej.

1. Lata 30-50. XVIII wieku (narodziny klasycyzmu, tworzenie literatury, języka narodowego, rozkwit gatunku ody - M.V. Łomonosow, A.P. Sumarkow itp.)
2. Lata 60. - koniec XVIII wieku (głównym zadaniem literatury jest edukacja człowieka jako obywatela, służba człowiekowi na rzecz społeczeństw, obnażanie ludzkich wad, rozkwit satyry - N.R. Derzhavin, D.I. Fonviin ).
3. Koniec XVIII - początek XIX wieku (stopniowy kryzys klasycyzmu, pojawienie się sentymentalizmu, wzmocnienie tendencji realistycznych, motywy narodowe, wizerunek idealnego szlachcica - N.R. Derzhavin, I.A. Kryłow itp.)

Materiał przygotowała: Melnikova Vera Aleksandrovna.

Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ukazując w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata.

Klasycyzm interesuje tylko to, co wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się on rozpoznać jedynie istotne cechy typologiczne, odrzucając przypadkowe cechy indywidualne. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm przejmuje wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).

Kierunki klasycyzmu w architekturze: palladianizm, styl empire, neogrecki, „styl regencyjny”.

Główną cechą architektury klasycyzmu było odwołanie się do form architektury starożytnej jako standardu harmonii, prostoty, rygoru, logicznej przejrzystości i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całości charakteryzuje regularność układu i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności. Klasycyzm charakteryzuje się symetrycznymi kompozycjami osiowymi, powściągliwością dekoracji dekoracyjnych i regularnym układem urbanistycznym.

Pojawienie się stylu klasycyzmu

W 1755 roku Johann Joachim Winckelmann napisał w Dreźnie: „Jedynym sposobem, abyśmy stali się wielcy, a jeśli to możliwe, niepowtarzalni, jest naśladowanie starożytnych”. To wezwanie do odnowy sztuki współczesnej, wykorzystującej piękno antyku, postrzegane jako ideał, znalazło aktywne poparcie w społeczeństwie europejskim. Postępowa publiczność widziała w klasycyzmie niezbędny kontrast w stosunku do baroku dworskiego. Ale oświeceni władcy feudalni nie odrzucili naśladowania starożytnych form. Epoka klasycyzmu zbiegła się w czasie z epoką rewolucji burżuazyjnych – angielskiej w 1688 r., francuskiej 101 lat później.

Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego weneckiego mistrza Palladia i jego następcę Scamozziego.

Wenecjanie zabsolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej do tego stopnia, że ​​zastosowali je nawet przy budowie takich prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones sprowadził palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni architekci palladiańscy z różnym stopniem wierności przestrzegali zasad palladiańskich aż do połowy XVIII wieku.

Historyczna charakterystyka stylu klasycyzmu

W tym czasie wśród intelektualistów Europy kontynentalnej zaczęło narastać nasycenie „bitą śmietaną” późnego baroku i rokoka.

Zrodzony z rzymskich architektów Berniniego i Borrominiego, barok przekształcił się w rokoko, styl przeważnie kameralny, z naciskiem na dekorację wnętrz i sztukę zdobniczą. Estetyka ta na niewiele się zdała przy rozwiązywaniu dużych problemów urbanistycznych. Już za Ludwika XV (1715-74) budowano w Paryżu zespoły urbanistyczne w stylu „starożytnego rzymskiego”, takie jak Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) i kościół Saint-Sulpice, a za Ludwika XVI (1774-92) podobny „szlachetny lakonizm” staje się już głównym kierunkiem architektonicznym.

Od form rokokowych, początkowo naznaczonych wpływami rzymskimi, po ukończeniu budowy Bramy Brandenburskiej w Berlinie w 1791 r. nastąpił ostry zwrot w stronę form greckich. Po wojnach wyzwoleńczych z Napoleonem ten „hellenizm” znalazł swoich mistrzów w osobie K.F. Schinkel i L. von Klenze. Fasady, kolumny i trójkątne frontony stały się architektonicznym alfabetem.

Chęć przełożenia szlachetnej prostoty i spokojnej wielkości sztuki starożytnej na nowoczesne budownictwo doprowadziła do chęci całkowitego skopiowania starożytnego budynku. To, co F. Gilly pozostawił jako projekt pomnika Fryderyka II, z rozkazu Ludwika I Bawarskiego, zostało zrealizowane na zboczach Dunaju w Regensburgu i otrzymało nazwę Walhalla (Walhalla „Komnata Umarłych”).

Najważniejsze wnętrza w stylu klasycystycznym zaprojektował Szkot Robert Adam, który w 1758 roku powrócił do ojczyzny z Rzymu. Był pod wielkim wrażeniem zarówno badań archeologicznych włoskich naukowców, jak i fantazji architektonicznych Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym rokoko pod względem wyrafinowania wnętrz, dzięki czemu zyskał popularność nie tylko wśród demokratycznie nastawionych kręgów społecznych, ale także wśród arystokracji. Podobnie jak jego francuscy koledzy, Adam głosił całkowite odrzucenie szczegółów pozbawionych konstruktywnej funkcji.

Francuz Jacques-Germain Soufflot podczas budowy kościoła Sainte-Geneviève w Paryżu wykazał zdolność klasycyzmu do organizowania rozległych przestrzeni miejskich. Ogromny rozmach jego projektów zapowiadał megalomanię stylu imperium napoleońskiego i późnego klasycyzmu. W Rosji Bazhenov poszedł w tym samym kierunku co Soufflot. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boullé poszli jeszcze dalej w kierunku opracowania radykalnego stylu wizjonerskiego, kładącego nacisk na abstrakcyjną geometrię form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny obywatelski patos ich projektów nie cieszył się dużym zainteresowaniem; Innowację Ledoux w pełni docenili dopiero moderniści XX wieku.

Architekci napoleońskiej Francji czerpali inspirację z majestatycznych obrazów chwały militarnej pozostawionych przez cesarski Rzym, takich jak łuk triumfalny Septymiusza Sewera i Kolumna Trajana. Na rozkaz Napoleona obrazy te przeniesiono do Paryża w postaci łuku triumfalnego Karuzeli i kolumny Vendôme. W odniesieniu do pomników wielkości militarnej z epoki wojen napoleońskich używa się określenia „styl imperialny” – imperium. W Rosji Carl Rossi, Andrei Voronikhin i Andreyan Zakharov okazali się wybitnymi mistrzami stylu Empire.

W Wielkiej Brytanii styl empire odpowiada tzw. „Styl regencyjny” (największym przedstawicielem jest John Nash).

Estetyka klasycyzmu sprzyjała zakrojonym na szeroką skalę projektom urbanistycznym i prowadziła do usprawnienia zabudowy urbanistycznej w skali całych miast.

W Rosji niemal wszystkie miasta prowincjonalne i wiele miast powiatowych zostały przebudowane zgodnie z zasadami racjonalizmu klasycystycznego. Miasta takie jak St. Petersburg, Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg i szereg innych zamieniły się w prawdziwe skanseny klasycyzmu. Na całej przestrzeni od Minusińska po Filadelfię dominował jeden język architektoniczny, którego początki sięgają czasów Palladia. Zwykła zabudowa została przeprowadzona zgodnie z albumami standardowych projektów.

W okresie po wojnach napoleońskich klasycyzm musiał współistnieć z eklektyzmem o zabarwieniu romantycznym, zwłaszcza wraz z powrotem zainteresowania średniowieczem i modą na neogotyk architektoniczny. W związku z odkryciami Champolliona motywy egipskie zyskują na popularności. Zainteresowanie starożytną architekturą rzymską zastępuje szacunek dla wszystkiego, co starożytna greka („neo-grecka”), co było szczególnie widoczne w Niemczech i USA. Niemieccy architekci Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel zbudowali odpowiednio Monachium i Berlin ze wspaniałymi muzeum i innymi budynkami użyteczności publicznej w duchu Partenonu.

We Francji czystość klasycyzmu zostaje rozmyta darmowymi zapożyczeniami z repertuaru architektonicznego renesansu i baroku (patrz Beaux Arts).

Ośrodkami budownictwa w stylu klasycystycznym stały się pałace i rezydencje książęce, szczególnie sławny stał się Marktplatz (rynek) w Karlsruhe, Maximilianstadt i Ludwigstrasse w Monachium oraz budownictwo w Darmstadt. Królowie pruscy w Berlinie i Poczdamie budowali przede wszystkim w stylu klasycystycznym.

Ale pałace nie były już głównym przedmiotem budowy. Nie można już było od nich odróżnić willi i wiejskich domów. Zakres budownictwa państwowego obejmował budynki użyteczności publicznej – teatry, muzea, uniwersytety i biblioteki. Do tego doszły budynki o przeznaczeniu społecznym – szpitale, domy dla niewidomych i głuchoniemych, a także więzienia i koszary. Obraz uzupełniały wiejskie majątki arystokracji i mieszczaństwa, ratusze oraz zabudowa mieszkalna miast i wsi.

Budowa kościołów nie odgrywała już pierwszoplanowej roli, ale niezwykłe budowle powstały w Karlsruhe, Darmstadt i Poczdamie, choć toczyła się dyskusja, czy pogańskie formy architektoniczne nadają się dla chrześcijańskiego klasztoru.

Cechy konstrukcyjne stylu klasycyzmu

Po upadku wielkich stylów historycznych, które przetrwały stulecia, w XIX wieku. Następuje wyraźne przyspieszenie procesu rozwoju architektury. Staje się to szczególnie oczywiste, jeśli porównamy ostatnie stulecie z całym poprzednim tysiącletnim rozwojem. Jeśli architektura wczesnośredniowieczna i gotyk obejmowały około pięciu wieków, renesans i barok łącznie obejmowały tylko połowę tego okresu, to klasycyzmowi zajęło mniej niż sto lat, aby przejąć Europę i przedostać się za granicę.

Charakterystyczne cechy stylu klasycyzmu

Wraz ze zmianą punktu widzenia na architekturę, wraz z rozwojem technologii budowlanej i pojawieniem się nowych typów konstrukcji w XIX wieku. Nastąpiło także istotne przesunięcie centrum światowego rozwoju architektury. Na pierwszym planie znajdują się kraje, które nie przeżyły najwyższego etapu rozwoju baroku. Klasycyzm osiąga swój szczyt we Francji, Niemczech, Anglii i Rosji.

Klasycyzm był wyrazem filozoficznego racjonalizmu. Ideą klasycyzmu było wykorzystanie w architekturze starożytnych systemów formowania, które jednak zostały wypełnione nowymi treściami. Estetykę prostych antycznych form i ścisły porządek przeciwstawiono przypadkowości i rozluźnieniu architektonicznych i artystycznych przejawów światopoglądu.

Klasycyzm pobudził badania archeologiczne, które doprowadziły do ​​odkryć na temat zaawansowanych cywilizacji starożytnych. Wyniki wypraw archeologicznych, podsumowane w szeroko zakrojonych badaniach naukowych, położyły podwaliny teoretyczne ruchu, którego uczestnicy uważali kulturę starożytną za szczyt doskonałości w sztuce budowlanej, przykład absolutnego i wiecznego piękna. Popularyzacji form antycznych sprzyjały liczne albumy zawierające wizerunki zabytków architektury.

Rodzaje budynków w stylu klasycystycznym

Charakter architektury w większości przypadków pozostawał zależny od tektoniki ściany nośnej i sklepienia, które uległo spłaszczeniu. Portyk staje się ważnym elementem plastycznym, natomiast ściany zewnętrzne i wewnętrzne przedzielone są drobnymi pilastrami i gzymsami. W kompozycji całości i szczegółów, brył i planów dominuje symetria.

Kolorystyka charakteryzuje się jasnymi pastelowymi tonami. Kolor biały z reguły służy do identyfikacji elementów architektonicznych będących symbolem aktywnej tektoniki. Wnętrze staje się jaśniejsze, bardziej powściągliwe, meble proste i lekkie, a projektanci wykorzystali motywy egipskie, greckie czy rzymskie.

Najważniejsze koncepcje urbanistyczne i ich realizacja w przyrodzie końca XVIII i pierwszej połowy XIX wieku kojarzone są z klasycyzmem. W tym okresie powstały nowe miasta, parki i kurorty.

Klasycyzm w architekturze i urbanistyce.

Główną cechą architektury klasycyzmu było odwołanie się do form architektury starożytnej jako standardu harmonii, prostoty, rygoru, logicznej przejrzystości i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całości charakteryzuje regularność układu i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności. Klasycyzm charakteryzuje się symetrycznymi kompozycjami osiowymi, powściągliwością dekoracji dekoracyjnej i regularnym układem urbanistycznym.

Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego weneckiego mistrza Palladia i jego następcę Scamozziego.

Wenecjanie zabsolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej do tego stopnia, że ​​zastosowali je nawet przy budowie takich prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones sprowadził palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni architekci palladiańscy z różnym stopniem wierności przestrzegali zasad palladiańskich aż do połowy XVIII wieku.

W Wenecji Palladio na zlecenie Kościoła wykonał kilka projektów i zbudował szereg kościołów (San Pietro in Castello, 1558; krużganek kościoła Santa Maria della Carita [obecnie Muzeum Accademia]; fasada kościoła San Francesco della Vigna, 1562, San Giorgio Maggiore na tej samej wyspie, 1565 [ukończone przez V. Scamozzi do 1610], „Il Redentore”, czyli [kościół] Zbawiciela na wyspie Giudecca, 1576-1592; Santa Maria della Prezentacjae, czyli „Le Citelle”; Santa Lucia, rozebrana w połowie XIX w. podczas budowy stacji kolejowej). Jeśli wille Palladia jako całość łączy wrażenie harmonii i spokoju form, to w jego kościołach najważniejsza jest dynamika form, czasem podekscytowany patosem.

Robert Adam (współpracujący ze swoim bratem Jamesem) stał się najbardziej poszukiwanym architektem w Wielkiej Brytanii. Koneserzy piękna zachwycali się swobodą, z jaką łączył elementy klasyczne, wcześniej uważane za niekompatybilne. Świeże podejście do aranżacji znanych technik architektonicznych (okno termiczne, serliano) świadczyło o głębokim wniknięciu Adama w istotę sztuki antycznej. Budynki: Kedleston Hall, Syon House, Register House, Osterley Park.

Klasycyzm w malarstwie.

Nieliczne obrazy Agostino Carracciego (najlepsze z nich to freski w Palazzo Farnese w Rzymie, wykonane wspólnie z bratem Annibalem, „Komunia św. Hieronima” i „Wniebowzięcie Marii Panny” w Pinakotece w Bolonii) to wyróżnia się poprawnością rysunku i lekką, wesołą kolorystyką.

Agostino był bardziej znanym rytownikiem niż jego brat Annibale. Naśladując Cornelisa Corta, osiągnął wielkie wyżyny w umiejętności grawerowania. Do najsłynniejszych jego rycin należą: „Ukrzyżowanie” (z Tintoretto, 1589), „Eneasz i Anchises” (z Barocchio, 1595), „Dziewica z Dzieciątkiem” (z Correggio), „Kuszenie św. Antoni”, „Św. Hieronima” (wraz z Tintoretto), a także kilka rycin z jego własnych dzieł.

Claude Lorrain z wielką wprawą ukazywał grę promieni słonecznych o różnych porach dnia, świeżość poranka, południowy upał, melancholijny migotanie zmierzchu, chłodne cienie ciepłych nocy, blask spokojnych lub lekko kołyszących się wód , przejrzystość czystego powietrza i odległość przebytą przez lekką mgłę. W jego twórczości można wyróżnić dwa style: obrazy z wczesnego okresu jego twórczości malowane są mocno, gęsto, w ciepłych barwach; późniejsze – bardziej płynne, w chłodnej tonacji. Postacie, którymi zwykle ożywiane są jego pejzaże.

Lorrain, w odróżnieniu od Poussina, wyszła poza pejzaż metafizyczny (czytaj akademicki). W jego twórczości zawsze ważne jest światło. Jako pierwszy badał problem oświetlenia słonecznego rano i wieczorem; pierwszy, który poważnie zainteresował się atmosferą i jej nasyceniem światłem. Jego twórczość wpłynęła na rozwój europejskiego malarstwa pejzażowego, w szczególności Williama Turnera

Klasycyzm w muzyce

Muzyka okresu klasycznego, czyli muzyka klasycyzmu, odnosi się do okresu w rozwoju muzyki europejskiej pomiędzy około 1730 a 1820 rokiem (patrz „Ramy czasowe okresów w rozwoju muzyki klasycznej”, aby uzyskać więcej szczegółów na temat zagadnień związanych z wyodrębnieniem tych ramki). Pojęcie klasycyzmu w muzyce jest ściśle związane z twórczością Haydna, Mozarta i Beethovena, zwanych klasykami wiedeńskimi, którzy wyznaczyli kierunek dalszego rozwoju kompozycji muzycznej.

Charakterystyczną cechą twórczości Mozarta jest niesamowite połączenie surowych, wyraźnych form z głęboką emocjonalnością. Wyjątkowość jego twórczości polega na tym, że nie tylko pisał we wszystkich formach i gatunkach, jakie istniały w jego epoce, ale w każdym z nich pozostawił dzieła o trwałym znaczeniu. Muzyka Mozarta wykazuje wiele powiązań z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską), niemniej jednak przynależy do narodowej ziemi wiedeńskiej i nosi piętno indywidualności twórczej wielkiego kompozytora.

Mozart to jeden z najwybitniejszych melodystów. Jej melodia łączy w sobie cechy austriackiej i niemieckiej pieśni ludowej z melodyjnością włoskiej kantyleny. Mimo że jego dzieła wyróżniają się poezją i subtelnym wdziękiem, często zawierają melodie o charakterze męskim, z dużym patosem dramatycznym i elementami kontrastowymi. Najpopularniejszymi operami były „Wesele Figara”, „Don Giovanni” i „Czarodziejski flet”.

Pytania i zadania:

1) Klasycyzm (francuski klasycyzm, od łac. classicus - wzorcowy) - styl artystyczny i kierunek estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.

W rozwoju klasycyzmu można wyróżnić dwa etapy: wiek XVII. i XVIII - początek XIX wieku. W XVIII wieku

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które ukształtowały się jednocześnie z tymi samymi ideami w filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ukazując w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata. Klasycyzm interesuje tylko to, co wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się on rozpoznać jedynie istotne cechy typologiczne, odrzucając przypadkowe cechy indywidualne. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm przejmuje wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).

Klasycyzm ustanawia ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie (oda, tragedia, epopeja) i niskie (komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma ściśle określone cechy, których mieszanie nie jest dozwolone.

Jak ukształtował się pewien kierunek we Francji w XVII wieku. Klasycyzm francuski uznawał osobowość człowieka za najwyższą wartość egzystencji, uwalniając go spod wpływów religijnych i kościelnych.

Malarstwo, rzeźba, architektura, literatura, muzyka - reprezentowany jest klasycyzm.

2) Z budowli pomnikowej dochodzą do budowli wyrażającej określoną funkcję społeczną, jedność tych funkcji tworzy organizm miejski, a jego struktura jest koordynacją tych funkcji. Ponieważ koordynacja społeczna opiera się na zasadach racjonalności, plany urbanistyczne stają się bardziej racjonalne, to znaczy opierają się na wyraźnych prostokątnych lub promienistych wzorach geometrycznych, na które składają się szerokie i proste ulice, duże obszary kwadratowe lub kołowe. Idea relacji społeczeństwa ludzkiego z przyrodą wyraża się w mieście poprzez wprowadzenie szerokich obszarów zieleni, najczęściej parków w pobliżu pałaców lub ogrodów dawnych klasztorów, które po rewolucji stały się własnością państwa. Sprowadzenie architektury jedynie do realizacji zadań urbanistycznych pociąga za sobą uproszczenie i typizację jej form.

3) Architekt klasycyzmu odrzuca „bitą śmietanę” baroku i kładzie nacisk na standardy harmonii, rygoru, logicznej przejrzystości i monumentalności. Właściwie dla niego nie było wątpliwości, czy sztuka jest obiektywna, czy nie. Oczywiście obiektywnie, ale on sam służy wieczności i wszystkiemu, co niezmienne. Stąd skupienie się na porządku, regularności układu i symetrii. Człowieku, jak pamiętamy, brzmi to dumnie. A regularność i przejrzystość są właśnie tym, co odróżnia dzieło człowieka od spontanicznej asymetrii natury. Dla budynków i parków oznaczało to pojawienie się ciągnących się w perspektywie rzędów kolumn, doskonale przyciętych krzewów i kilkudziesięciu metrów doskonałych rzeźb. A loki, fałdy architektoniczne i marszczenia pochodzą od złego. Architekt klasycyzmu był najczęściej turystą i podróżował do Włoch i Grecji, aby obejrzeć ruiny, dzieła Palladia, Scamozziego i rysunki Piranesiego, a następnie przeniósł tę wiedzę do własnego kraju. Stało się tak zwłaszcza w przypadku Inigo Jonesa, który był odpowiedzialny za wprowadzenie klasycyzmu w Wielkiej Brytanii, oraz Roberta Adama, który zmienił oblicze Szkocji. Niemcy Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel, oszaleli na punkcie piękna Partenonu, zbudowali Monachium i Berlin w duchu neogreckim, budując wspaniałe muzea i inne budynki użyteczności publicznej.

Francuzi Jacques-Germain Soufflot, Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boullé stworzyli własne wersje klasycyzmu: pierwsi w coraz większym stopniu opanowali przestrzenie wokół budynku, natomiast Ledoux i Boullé dali się ponieść radykalnej geometryzacji form. Ze wszystkich Europejczyków Francuzi (a po nich Rosjanie) okazali się najbardziej wrażliwi na luksus cesarskiego Rzymu i nie wahali się kopiować łuków triumfalnych i kolumn.

4) Patrz pytanie nr 3.

5) Charakterystyczną cechą twórczości Mozarta jest niesamowite połączenie surowych, wyraźnych form z głęboką emocjonalnością. Wyjątkowość jego twórczości polega na tym, że nie tylko pisał we wszystkich formach i gatunkach, jakie istniały w jego epoce, ale w każdym z nich pozostawił dzieła o trwałym znaczeniu. Muzyka Mozarta wykazuje wiele powiązań z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską), niemniej jednak przynależy do narodowej ziemi wiedeńskiej i nosi piętno indywidualności twórczej wielkiego kompozytora.

6) Nicolas Poussin. Mistrz młotkowanej, rytmicznej kompozycji. Jako jeden z pierwszych docenił monumentalność tutejszego kolorytu.

Urodzony w Normandii, początkowe wykształcenie artystyczne zdobywał w ojczyźnie, a następnie studiował w Paryżu pod okiem Quentina Varenne'a i J. Lallemanda. W 1624 roku, już dość znany artysta, Poussin wyjechał do Włoch i zaprzyjaźnił się w Rzymie z poetą Marino, który zaszczepił w nim zamiłowanie do studiowania poetów włoskich, których twórczość zapewniła Poussinowi bogaty materiał do swoich kompozycji. Po śmierci Marino Poussin znalazł się w Rzymie bez żadnego wsparcia. Jego sytuacja poprawiła się dopiero, gdy znalazł patronów w osobach kardynała Francesco Barberiniego i Cavaliera Cassiano del Pozzo, dla których napisał Siedem Sakramentów. Dzięki serii tych znakomitych obrazów Poussin został zaproszony przez kardynała Richelieu do Paryża w 1639 roku, aby udekorować Galerię w Luwrze. Ludwik XIII podniósł go do tytułu pierwszego malarza. W Paryżu Poussin miał wiele zleceń, utworzył jednak partię przeciwników w osobach artystów Voueta, Brequiera i Merciera, którzy wcześniej zajmowali się dekoracją Luwru. Szczególnie intrygująca wobec niego była szkoła Vue, ciesząca się patronatem królowej. Dlatego w 1642 roku Poussin opuścił Paryż i wrócił do Rzymu, gdzie mieszkał aż do śmierci.

Poussin był szczególnie silny w krajobrazie. Wykorzystując osiągnięcia tego typu malarstwa szkoły bolońskiej i Holendrów mieszkających we Włoszech, stworzył tzw. „pejzaż heroiczny”, który aranżując zgodnie z zasadami zrównoważonego rozkładu mas, z jego przyjemne i majestatyczne formy posłużyły mu za scenę do przedstawienia idyllicznego złotego wieku. Pejzaże Poussina przepojone są poważnym, melancholijnym nastrojem. W przedstawianiu postaci trzymał się starożytności, przez co wyznaczał dalszą drogę, jaką podążała za nim francuska szkoła malarstwa. Jako malarz historyczny Poussin miał głęboką wiedzę w zakresie rysunku i talent do kompozycji. Na rysunku wyróżnia się ścisłą konsekwencją stylu i poprawnością.

„Hojność Scypiona”, „Pasterze Arkadii”, „Tancred i Erminia”.

Hojność Scypiona.

Obraz przedstawiający zdobycie Nowej Kartaginy (współczesna Kartagena), hiszpańskiej twierdzy punickiej podczas drugiej wojny punickiej, którą Scypion zdobył wraz z niezliczonymi skarbami, zakładnikami z plemion hiszpańskich i dużym zapasem prowiantu. Swoją drogą, udało mi się to uchwycić w jeden dzień.

Właściwie hojność Scypiona polegała na tym, że uwolnił zakładników i zorganizował ich odesłanie do domu, a także zachował honor szlachetnych dziewcząt z tych plemion hiszpańskich, co zdobyło przyjaźń i przychylność wielu Hiszpanów, którzy przeszli na stronę Rzymu.

Nr 21 Podstawy światopoglądowe w kulturze edukacyjnej. Oświecenie w Europie i Ameryce

Tworzenie nowej ideologii wiąże się z tworzeniem się nowej warstwy społecznej. Przekonany o ideałach racjonalizmu, wykształcony. Nie arystokraci. Zauważają biedę i upokorzenie ludzi, rozkład warstw wyższych i stawiają sobie za cel zmianę sytuacji, posługując się naukowym światopoglądem, który może wpłynąć na nastroje mas. (Są awanturnikami i niewolnikami)

Opowiadają się za uznaniem praw jednostki i tak przedstawiają się doktryny prawa naturalnego. Pojawiają się w naukach Hobbesa, Locke'a i Grocjusza w XVIII wieku. Oryginalna koncepcja prawa naturalnego Hobbesa głosi, że natura ludzka jest zła i samolubna. „Człowiek jest dla człowieka wilkiem”, stan naturalny to „wojna wszystkich ze wszystkimi”. W tej wojnie człowiek kieruje się swoim naturalnym prawem – prawem siły. Prawo naturalne sprzeciwia się prawom naturalnym, które są racjonalną zasadą moralną człowieka. Prawa samozachowawstwa i zaspokajania potrzeb. Skoro wojna wszystkich ze wszystkimi grozi ludzkości samozagładą, istnieje potrzeba zmiany stanu natury na cywilny. Należy zawrzeć umowę społeczną. Ludzie dobrowolnie cedują część swoich praw i wolności na rzecz państwa i zgadzają się przestrzegać prawa. W ten sposób naturalne prawo siły zostaje zastąpione harmonią praw naturalnych i cywilnych. Państwo jest więc warunkiem koniecznym kultury. Locke wierzył, że prawda życia społecznego nie leży w państwie, ale w samym człowieku. Ludzie jednoczą się w społeczeństwie, aby zagwarantować naturalne prawa człowieka. Według Locke’a jest to prawo do życia, własności i pracy. Praca i własność dają ludziom wolność i równość. Państwo ma obowiązek chronić wolne życie prywatne człowieka. Teorie prawa naturalnego od samego początku miały orientację antykościelną i antyfeudalną, gdyż podkreślano naturalne pochodzenie prawa. Co sprzeciwia się teorii prawa boskiego, w której religia jest źródłem państwa feudalnego i nierówności społecznych. Terminu „oświecenie” użył po raz pierwszy Aviary. Priorytet w rozwoju edukacji należy do Francji. A Herder wraz z Wolterem wymyślili ten kapelusz - oświecenie. Kant pisał, że oświecenie jest drogą wyjścia ze stanu małości, w jakim człowiek znajdował się z własnej woli. Małoletni z własnej woli to taki, którego przyczyny nie leżą w brakach rozumu, ale w braku determinacji i odwagi, by się nim posługiwać bez cudzego przewodnictwa. Motto oświecenia według Kanta to mieć odwagę posługiwania się własnym umysłem.

Idee oświecenia opierają się na ideach racjonalizmu. To nie przypadek, że literatura i sztuka gloryfikują rozum, siłę ludzkiego umysłu - to optymistyczny światopogląd. Wiara w siłę ludzkiego umysłu. Pauvillon – „Cuda ludzkiego umysłu”. W centrum oświeceniowej koncepcji człowieka znajduje się idea człowieka naturalnego, a w jej powstaniu ogromną rolę odegrała powieść Daniela Defoe „Robinson Crusoe” – człowiek w stanie natury. To opowieść o życiu ludzkości, która przeszła drogę od dzikości do cywilizacji. Jest to stan naturalny, który wychowuje Robinsona. J.-J. przejął od niego pałeczkę. Rousseau. W traktacie o rozumowaniu o naukach i sztukach podaje, że człowiek naturalny jest oświecony, ale nie przez naukę i sztukę, której despoci potrzebują, aby przełamać opór ludzi. Cywilizacja była w stanie stworzyć jedynie szczęśliwych niewolników; Rousseau przeciwstawia ich dzikusom Ameryki. Polegając wyłącznie na polowaniu, są niepokonani. Nie można nakładać jarzma na ludzi, którzy nie mają potrzeb. Rousseau rozwija koncepcję człowieka naturalnego także w traktatach o genezie i podstawach nierówności między ludźmi oraz o umowie społecznej. Pochodzenie nierówności zostało wyjaśnione historycznie. Wolter i Monteskiusz ostro krytykowali ideę świętej władzy duchowieństwa. Bóg się skompromitował, gdyż przez długi czas jego imieniem oligarchowie posługiwali się w celu zwodzenia ludu i wzmocnienia jego władzy. Następnie oświeceni pracowali nad rozwojem utopii społecznych.

Najpierw buduje się przebudowę społeczeństwa, a następnie teorię społeczeństwa uniwersalnego. Wszyscy próbowali określić naturalny stan człowieka, który ukazywał się w społecznej rzeczywistości dobrobytu materialnego. Rousseau wierzył, że w stanie materialnego dobrobytu i bogactwa rozwijają się ludzkie zdolności, poszerzają się idee, uszlachetniają się uczucia, a dusza zostaje wzniesiona.

Claude Helvetius sformułował pojęcie cnoty, którą mierzy się dla niego użytecznością, a nie wyrzeczeniem się, jak to miało miejsce w moralności chrześcijańskiej. Oznacza to, że człowiek powinien cieszyć się życiem, a nie służyć Bogu z wyrzeczeniem charakterystycznym dla chrześcijanina. Ideę tę poparł angielski pedagog Bentham, który uważał, że cnota powinna opierać się na osobistej korzyści, z uwzględnieniem publicznego interesu społeczeństwa. W ten sposób rozpoczyna się nowy etap w rozwoju oświecenia, który w ogóle przeszedł ewolucję: od rozproszonych prób ustalenia idei oświecenia, po zjednoczenie sił oświecenia; od deizmu Waltera do ateizmu Denisa Diderota. Od idei oświeconej monarchii, pasji do ustroju angielskiego, przez rozwój rewolucyjnej zmiany we francuskim systemie społecznym, aż po ustanowienie idei republiki, zasady równości. Najważniejszym hasłem jest „Wolność, równość, braterstwo”. Generalnie pedagodzy tworzą harmonijny obraz świata, bo jest on optymistyczny. Kształtuje się idea uniwersalności, kultury światowej. Najbardziej znanym był Johann Herder. Potwierdza równość kultur różnych narodów i epok. Jednocześnie pojawia się grunt pod rozwój europocentryzmu. Europejczycy przez długi czas nie znali obcych kultur, a kiedy podbijali ludy Ameryki i Australii, występowali jako zdobywcy. Ignorowali kulturę swoich wrogów. Natomiast wraz z rozwojem idei uniwersalności, porównywanie kultur jako równych sobie, jednak własna okazuje się ważniejsza, nadrzędna nad cudzą. Rozwój idei Rousseau przez rewolucję francuską świadczył o nowym podejściu do człowieka, dlatego też w ujęciu społecznym zaczęły pojawiać się idee zaprzeczające ideom niewolnictwa.

Prawa człowieka Thomasa Pena zostały opublikowane w 1791 r.

„Dochodzenie praw kobiet” Ounstonecrafta, 1792. Dania była pierwszym krajem, który zakazał niewolnictwa. Następnie w 1794 roku Francja zakazała tego. W 1807 roku w Imperium Brytyjskim zniesiono niewolnictwo. Idee Oświecenia zdeterminowały rozwój kultury amerykańskiej. Filadelfia staje się centrum edukacji w Ameryce, tu powstała pierwsza biblioteka w Ameryce i pierwsze czasopismo prawnicze. Z miastem tym związana jest pierwsza szkoła medyczna i szpital, działalność edukacyjna Benjamina Franklina, który sformułował klasyczne zasady moralności burżuazyjnej. Bohater współczesności to osoba, która wszystko zawdzięcza tylko sobie. Cechuje go trzeźwość umysłu, racjonalność, skupienie na prawdziwym życiu, z jego materialnymi radościami. To dla niego wiele aforyzmów mówi o kulturze burżuazyjnej i moralności burżuazyjnej: „Czas to pieniądz”, „Oszczędność i praca prowadzą do bogactwa” itp.

Kultura edukacyjna opiera się na ideach Cottana Mathera i Jonathana Edwardsa.

Ideologia oświecenia przyczyniła się do rozwoju oświaty. Oświeceniowcy wierzą, że edukacja w duchu współczesnej nauki, nowoczesnej wiedzy może poprawić życie ludzi; to nie przypadek, że Diderot połączył wysiłki oświeceniowców Woltera i Monteskiusza, aby stworzyć słownik objaśniający, czyli Encyklopedię Nauki, Sztuki i Rzemiosła.

Stopniowo w Ameryce rozwija się korzystniejsza sytuacja do zdobycia wykształcenia niż w starym świecie. To wyjaśnia pojawienie się ojców założycieli republiki.

Thomas Jefferson, autor Deklaracji Niepodległości. Został amerykańskim interpretatorem nauk Locke’a. Celem państwa widział w ochronie praw człowieka: prawa do życia, własności, wolności, szczęścia. Ludzie mogą obalić państwo. Najważniejsze jest prawidłowe rozprowadzenie mocy. Wolność łączy się z obowiązkami.

Rozczarowanie ideałami oświecenia zostało wyrażone w powieści Jonathana Swifta Podróże Guliwera – satyrze na idee oświecenia. Swift wątpił w postęp naukowy.

Wiek Oświecenia trwał około 100 lat, po czym nastąpiła reakcja na skutki Rewolucji Francuskiej. Myśląca część ludzkości europejskiej czuła, że ​​ideał człowieka ukształtowany przez kulturę renesansu nie odpowiada rzeczywistości.

№22,23 Romantyzm jako paradygmat kulturowy, Romantyzm w Europie

W XVIII wieku ukształtował się preromantyzm, w którego powstaniu szczególną rolę odegrał J. - J. Rousseau, przede wszystkim ze słynną konfesją. Wiek rozumu mówił o prymacie uczuć, o wyjątkowości każdego człowieka. W Niemczech romantyzm napędzają idee ruchu literackiego i społecznego „Burza i Drang”. Dzieła wczesnego Goethego, Schillera. Do ważnych źródeł należy filozofia Fichtego z jego absolutyzacją wolności twórczej. I Arthur Schopenhauer ze swoją ideą ślepej, nierozsądnej woli, która stwarza świat według własnej woli. Rzeczywistość wydawała się niekorzystna, czasem okropna i nie dało się tego skorygować rozumem. Światopogląd romantyków jest irracjonalny. Idea istnienia sił nieziemskich jest wytworem fantazji, nad którą nie panuje oświecony umysł. Tendencja ta przejawiła się w twórczości hiszpańskiego artysty Francisco Goyi. Odzwierciedla nowe wątki, kwestionuje kult zasady racjonalności człowieka, wiarę w pierwotne człowieczeństwo. Sprawy ludzkie podają w głęboką wątpliwość wcześniejsze twierdzenia. Goya nie dzieli życia na dobre i złe, wysokie i niskie. Doświadczenia nowej ery, wstrząśniętej rewolucją i wojnami, obaliły pogląd, że zasady ciemności i światła są nie do pogodzenia. Życie okazało się bardziej skomplikowane i wszystko, co istnieje – ludzie, historia, człowiek ze swoimi marzeniami, fantazjami, zostaje włączone w ciągły proces zmian i formacji. Z jednej strony Goya wykazuje się odwagą, wytrwałością, wielkością duszy, z drugiej strony potrafi ukazać zbrodnię, nieludzkość. Romantyzm powstaje jako reakcja na rewolucję francuską, na ideę ich kultu rozumu. A także powodem jego rozwoju jest ruch narodowowyzwoleńczy. Początkowo w literaturze ludów niemiecko-rzymskich używano terminu romantyzm, później zaczęto go stosować w muzyce i sztukach wizualnych. Idea dualnych światów, czyli porównania i kontrastu świata rzeczywistego i przedstawionego, stała się podstawą sztuki romantycznej. Prawdziwe życie, czyli proza ​​życia, pozbawiona duchowości i utylitaryzmu, postrzegana jest jako iluzja niegodna człowieka, przeciwstawna realnemu światu. Główną cechą romantyzmu jest afirmacja rozwoju pięknego ideału jako rzeczywistości urzeczywistniającej się przynajmniej w snach. Współczesna rzeczywistość jest odrzucana jako skarbnica wszelkich wad, więc romantyk od niej ucieka. Ucieczka odbywa się w następujących kierunkach:

1. Wychodząc w naturę, zatem przyroda jest kamertonem przeżyć emocjonalnych, ucieleśnieniem prawdziwej wolności, stąd zainteresowanie wsią, krytyka miasta. Zainteresowanie folklorem, starożytnymi mitami, baśniami, eposami.
2. Ucieczka do egzotycznych krajów, cywilizacji burżuazyjnej nieskażonej w opinii romantyków.
3. W przypadku braku rzeczywistego adresu terytorialnego lotu jest on wymyślony, skonstruowany w wyobraźni.
4. Ucieczka do innego czasu. Przede wszystkim romantyzm stara się uciec w średniowiecze. Jest tam piękny ideał rycerski.

To właśnie w życiu serca romantycy widzą przeciwieństwo bezduszności świata zewnętrznego. Portret romantyczny, autoportret kształtuje się w malarstwie. Bohaterami portretów są niezwykłe osobowości twórcze. Poeci, pisarze, którzy mają niezwykły świat wewnętrzny. Dominuje obraz świata wewnętrznego. Jeden z pierwszych obrazów wolnej osobowości ucieleśniał pisarz i poeta Byron, „Podróż i pielgrzymka Chaida Harolda”. Obraz wolnej osobowości nazwano bohaterem byronicznym. Cechują go takie cechy jak samotność i egocentryzm. Wolny od społeczeństwa, ten bohater jest nieszczęśliwy. Niezależność jest dla niego cenniejsza niż wygoda i spokój. Temat samotności pojawia się w twórczości Caspara Davida Friedricha, który przedstawia samotne postacie ludzkie na tle natury. Hector Berlioz zostaje założycielem języka francuskiego. Pod tym względem staje się fantastyczną symfonią. Fantastyka jest odzwierciedleniem wewnętrznego świata lirycznego bohatera, samotnego, nierozpoznanego zbiegłego poety, dręczonego nieodwzajemnioną miłością. Romantyczny światopogląd wyrażał się w dwóch wersjach: 1) świat wydawał się nieskończoną, pozbawioną twarzy, kosmiczną podmiotowością, a Twórcza energia ducha była początkiem tworzenia światowej harmonii. Charakteryzuje się panteistycznym obrazem świata, optymizmem i wzniosłym uczuciem. 2) Uwzględnia się podmiotowość człowieka, która pozostaje w konflikcie ze światem zewnętrznym. Postawę tę charakteryzuje pesymizm.

Narodowe formy romantyzmu, jeśli mają wspólne cechy, są oryginalne. Niemiecki romantyzm jest więc poważny, mistyczny. W Niemczech ukształtowała się teoria i estetyka romantyzmu (Fichte, Schopenhauer). Jednocześnie rodzą się tu arcydzieła muzyki i literatury, mające na celu samopogłębienie. Francuski romantyzm jest porywczy i kocha wolność. Przede wszystkim przejawiało się to w malarstwie gatunkowym. W malarstwie historycznym i codziennym, w gatunku portretu, w powieści. Sentymentalna, zmysłowa powieść angielska posługiwała się fantastycznymi, alegorycznymi, symbolicznymi formami przedstawiania świata, ironią i groteską.

Założycielem francuskiego romantyzmu jest Theodore Géricault. Pokonuje wpływy klasycyzmu, w jego pracach odzwierciedla się różnorodność natury. Wprowadzając do kompozycji ludzkie życie, Gericault dąży do jak najżywszego ujawnienia wewnętrznych przeżyć i emocji człowieka. Zachowując klasycystyczne pragnienie uogólnień i heroicznych obrazów, Gericault po raz pierwszy w malarstwie francuskim ucieleśniał głębokie poczucie konfliktu świata. Ucieleśnia dramatyczne zjawiska nowoczesności, silną pasję. Wczesne dzieła Geriota odzwierciedlały bohaterstwo wojen napoleońskich. „Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej wyruszający do ataku”, „Ranny kirasjer opuszczający pole bitwy”. Dynamiczna kompozycja i kolor. Jednym z głównych dzieł Gericaulta jest „Tratwa Meduzy”. Został napisany na podstawie aktualnej historii o zaginionej fregacie „Meduza”. Gericault nadaje historyczne, symboliczne znaczenie prywatnemu wydarzeniu. Praca ujawnia złożoną gamę uczuć. Od całkowitej rozpaczy po całkowitą apatię i żarliwą nadzieję na zbawienie. Idea artysty romantycznego jako osoby wolnej, niezależnej, głęboko uczuciowej. Géricault wyraził to w serii swoich portretów. (Portret dwudziestoletniego Delacroix) i autoportrety. Znaczący jest cykl portretów osób chorych psychicznie. Tradycję Géricaulta podjął Eugene Delacroix. „Dante i Wergiliusz” czy „Łódź Dantego”) Z tą samą pasją i protestem przeciwko wszelkiej przemocy charakteryzowały się jego późniejsze prace. „Masakra na Yosie” lub „Grecja na ruinach Messalongi”) Odzwierciedla wydarzenia związane z obroną Greków przed inwazją turecką. „Wolność na barykadach” została napisana na temat współczesnych wydarzeń. Jej romantyczną, rewolucyjną symbolikę wyraża alegoryczna figura wolności, z rozwijającą się wiedzą w ręku. Wiele prac inspirowanych jest podróżami po Afryce Północnej. „Algierskie kobiety w swoich komnatach”, „Żydowskie wesele w Maroku”, „Polowanie na lwy w Maroku”. Delacroix lubił wyścigi i konie. Delacroix maluje portrety kompozytorów (Chopin, Paganini). Wyrazem romantyzmu w malarstwie niemieckim było dzieło K.D. Friedricha. Już we wczesnych dziełach określono całą mistyczną atmosferę jego sztuki. Są to takie obrazy jak „Grobowiec Hunów w śniegu”, Krzyż w górach”, „Mnich nad morzem”. Przedstawia widza jako postać z dystansem kontemplującą krajobraz. Kontemplatorowi ukazuje się tajemniczo cicha natura. Różne symbole nadprzyrodzonej egzystencji. (Horyzont morski, szczyt górski, statek, odległe miasto, krucyfiks podróżny, krzyż, cmentarz) Dla Friedricha przyroda jest nośnikiem głębokich, religijnych przeżyć. Krajobraz służył do ukazywania głębokich przeżyć emocjonalnych. W pracy programowej wyróżnia się cztery epoki życia. Na opuszczonym brzegu Arktyki i czterech statków zbliżających się do brzegu ukazane są postacie ludzi w różnym wieku. W ten sposób artysta przedstawił upływ czasu, upływ czasu, skazaną na zagładę śmiertelność człowieka. Już sama scena na tle zachodu słońca wywołuje głębokie poczucie melancholijnej nostalgii. Tytuł innego dzieła mówi sam za siebie: „Upadek nadziei”. Prerafaelici to bractwo angielskich artystów. (Rosetti, Milles, Hunt). Kryzysy gospodarcze i rewolucje lat czterdziestych XIX wieku nie dotknęły Anglii. To okres rozkwitu brytyjskiego kapitalizmu. Estetyczny dyktat Anglii. Nazwa Prerafaelici pojawiła się ze względu na fakt, że członkowie towarzystwa czcili sztukę prerafaelitów. Opierają się głównie na Quattrocento i Trecento. Malarstwo prerafaelitów stało się reakcją na pragmatyzm świata mieszczańskiego i było krytyką kapitalizmu z punktu widzenia piękna. To próba stworzenia lepszej rzeczywistości opartej na harmonii duchowej, fizycznej i społecznej. Boski sens idealnego piękna, uniwersalny sens istnienia, wysoka duchowość ujawniają się w otaczającej nas przyrodzie i życiu codziennym. Zainteresowanie średniowieczem wynikało z pragnienia odnowy religijnej. „Panna młoda” – Rosetti, pojawia się obraz kobiecości. Obrazy Hunta są przesiąknięte symboliką. „Najęty pasterz” Głowa śmierci jest symbolem zemsty, jabłko jest symbolem pokusy. Polowanie na „Obudziłem wstyd”. „Lampa świata” przedstawia idącego Chrystusa. „Kozioł ofiarny” to alegoria Chrystusa na pustyni. Millesa „Chrystus w domu swoich rodziców”, obraz nazywany był także „warsztatem stolarskim”. Romantyzm w Ameryce powstał pod wpływem kultury europejskiej. Panowała tendencja do romantyzowania rewolucji amerykańskiej, która była przedstawiana jako droga do najwyższego stopnia rozwoju i stawiała Stany Zjednoczone na czele światowego postępu. W ten sposób potwierdzono wyłączność ścieżki Ameryki. Rozwija się gatunek biograficzny. Waszyngton stał się pierwszym bohaterem. Ojcem amerykańskiej biografii jest Gerard Sparks. Stworzył 12 tomów o Waszyngtonie i 10 tomów o Franklinie. Szybka industrializacja północnych stanów zniszczyła tradycję.

Nr 24 System wartości i kultura społeczeństwa przemysłowego

Zasady demokracji w strukturze społecznej, rozwój nauki eksperymentalnej i industrializacja. To powstało już w XVII wieku. Konsekwencją rewolucji przemysłowej było powstanie społeczeństwa przemysłowego. Ideałami których są praca, produkcja, nauka, edukacja, demokracja. Saint-Simon marzy o społeczeństwie zorganizowanym na wzór ogromnej fabryki, na której czele stoją przemysłowcy i naukowcy. Fabryka w tym czasie zmieniła manufakturę, co doprowadziło do bezprecedensowego wzrostu produktywności pracy społecznej. Wprowadzaniu innowacji technicznych towarzyszyła konsolidacja przedsiębiorstw i przechodzenie do produkcji masowych, standaryzowanych wyrobów. Masowa produkcja doprowadziła do urbanizacji. (rozwój miast) Stany Zjednoczone pokazały perspektywę przyspieszonego rozwoju kapitalizmu. Proces ten stał się wszechogarniający i bardziej jednorodny; historia przekształcała się w historię świata. Kształtowanie się kultury jako jedności, różnorodności kultur narodowych i szkół artystycznych. W procesie tym uczestniczą także kraje tradycyjne, takie jak Japonia. Problem dialogu kulturowego nabiera szczególnego charakteru. Wyłania się nowy system wartości. Wrażliwość opiera się na korzyściach, dobrobycie i komforcie. Postęp utożsamiany jest z postępem gospodarczym. Jednocześnie zasada korzyści przekształca pojęcie prawdy. Istotą jest to, co wygodne i użyteczne. Etykieta nabiera charakteru utylitarnego. Regulacja stosunków między wolnymi partnerami poprzez kupno i sprzedaż. Sprzedawca musi być uprzejmy i uprzejmy, ale kupujący nie. Uwaga jest zwracana tylko na tych, którzy są pożyteczni. Relacje są sformalizowane.

Termin „klasycyzm” przetłumaczony z łaciny oznacza „wzorowy” i wiąże się z zasadami naśladowania obrazów.

Klasycyzm powstał w XVII wieku we Francji jako ruch wybitny pod względem znaczenia społecznego i artystycznego. W swej istocie wiązał się z monarchią absolutną i ustanowieniem państwowości szlacheckiej.

Kierunek ten charakteryzuje się wysoką tematyką obywatelską i ścisłym przestrzeganiem pewnych norm i zasad twórczych. Klasycyzm, jako pewien ruch artystyczny, ma tendencję do odzwierciedlania życia w idealnych obrazach, które skłaniają się ku pewnej „normie” lub modelowi. Stąd kult antyku w klasycyzmie: antyk klasyczny jawi się w nim jako przykład sztuki nowoczesnej i harmonijnej. Zgodnie z zasadami estetyki klasycyzmu, która ściśle trzymała się tak zwanej „hierarchii gatunków”, tragedia, oda i epos należały do ​​„gatunków wysokich” i miały rozwijać szczególnie ważne problemy, odwołując się do starożytnych i historycznych tematów i ukazują jedynie wzniosłe, heroiczne aspekty życia. Gatunkom „wysokim” przeciwstawiono gatunki „niskie”: komedię, baśń, satyrę i inne, mające odzwierciedlać współczesną rzeczywistość.

Każdy gatunek miał swój temat (wybór tematów), a każde dzieło budowane było według opracowanych w tym celu zasad. Łączenie w utworze technik różnych gatunków literackich było surowo zabronione.

Najbardziej rozwiniętymi gatunkami w okresie klasycyzmu były tragedie, wiersze i ody.

Tragedia w rozumieniu klasycystycznym to dzieło dramatyczne, przedstawiające walkę osobowości wyróżniającej się siłą duchową z przeszkodami nie do pokonania; taka walka zwykle kończy się śmiercią bohatera. Pisarze klasyczni oparli tragedię na zderzeniu (konflikcie) osobistych uczuć i aspiracji bohatera z jego obowiązkiem wobec państwa. Konflikt ten został rozwiązany poprzez zwycięstwo obowiązku. Fabuła tragedii została zapożyczona od pisarzy starożytnej Grecji i Rzymu, a czasem zaczerpnięta z wydarzeń historycznych z przeszłości. Bohaterami byli królowie i generałowie. Podobnie jak w tragedii grecko-rzymskiej, postacie zostały ukazane w sposób pozytywny lub negatywny, przy czym każda osoba reprezentowała jedną cechę duchową, jedną cechę: pozytywną odwagę, sprawiedliwość itp. , negatywny - ambicja, hipokryzja. To były konwencjonalne postacie. Tradycyjnie przedstawiono także życie i epokę. Zabrakło prawidłowego przedstawienia rzeczywistości historycznej, narodowości (nie wiadomo, gdzie i kiedy toczy się akcja).

Tragedia musiała mieć pięć aktów.

Dramaturg musiał ściśle przestrzegać zasad „trzech jedności”: czasu, miejsca i akcji. Jedność czasu wymagała, aby wszystkie wydarzenia tragedii zmieściły się w okresie nie dłuższym niż jeden dzień. Jedność miejsca wyrażała się w tym, że cała akcja spektaklu rozgrywała się w jednym miejscu – w pałacu lub na placu. Jedność działania zakładała wewnętrzne powiązanie wydarzeń; w tragedii nie pozwolono na nic niepotrzebnego, co nie było konieczne dla rozwoju fabuły. Tragedia musiała być napisana uroczystymi i majestatycznymi wersetami.

Wiersz był utworem epickim (narracyjnym), przedstawiającym w języku poetyckim ważne wydarzenie historyczne lub gloryfikującym wyczyny bohaterów i królów.

Oda to uroczysta pieśń pochwalna na cześć królów, generałów lub zwycięstw odniesionych nad wrogami. Oda miała wyrażać zachwyt i natchnienie autora (patos). Cechował się zatem podniosłym, uroczystym językiem, pytaniami retorycznymi, okrzykami, apelami, personifikacją pojęć abstrakcyjnych (nauka, zwycięstwa), wizerunkami bogów i bogiń oraz świadomą przesadą. W zakresie ody dopuszczono „nieład liryczny”, który wyrażał się w odchyleniu od harmonii przedstawienia tematu głównego. Ale to był świadomy, ściśle przemyślany odwrót („właściwy nieporządek”).

Doktryna klasycyzmu opierała się na idei dualizmu natury ludzkiej. Wielkość człowieka objawiła się w walce materii z duchowością. Osobowość została utwierdzona w walce z „namiętnościami” i uwolniona od egoistycznych interesów materialnych. Za najważniejszą cechę osobowości uważano racjonalną, duchową zasadę człowieka. Idea wielkości umysłu jednoczącego ludzi znalazła wyraz w tworzeniu teorii sztuki przez klasycystów. W estetyce klasycyzmu postrzegany jest jako sposób naśladowania istoty rzeczy. „Cnota” – napisał Sumarokow – „nie zawdzięczamy naszej naturze. Moralność i polityka czynią nas, miarą oświecenia, rozumu i oczyszczenia serc, użytecznymi dla dobra wspólnego. Bez tego ludzie dawno by się zniszczyli bez śladu.”

Klasycyzm to poezja miejska, metropolitalna. Prawie nie ma w nim obrazów natury, a jeśli podawane są krajobrazy, to są one miejskie; rysowane są obrazy sztucznej przyrody: kwadraty, groty, fontanny, przycięte drzewa.

Kierunek ten kształtuje się pod wpływem innych ogólnoeuropejskich nurtów w sztuce, które bezpośrednio się z nim stykają: wychodzi od estetyki poprzedzającego go renesansu i konfrontuje się z aktywnie z nią współistniejącą, przepojoną świadomością sztuką barokową powszechnej niezgody wywołanej kryzysem ideałów minionej epoki. Kontynuując pewne tradycje renesansu (podziw dla starożytnych, wiara w rozum, ideał harmonii i proporcji), klasycyzm był wobec niego swego rodzaju antytezą; za zewnętrzną harmonią kryje się wewnętrzna antynomia światopoglądu, upodabniająca go do baroku (przy wszystkich ich głębokich różnicach). To, co gatunkowe i indywidualne, publiczne i osobiste, rozum i uczucie, cywilizacja i natura, które pojawiły się (w nurcie) w sztuce renesansu jako jedna harmonijna całość, w klasycyzmie ulegają polaryzacji i stają się pojęciami wzajemnie się wykluczającymi. Odzwierciedlało to nowy stan historyczny, kiedy sfera polityczna i prywatna zaczęły się rozpadać, a stosunki społeczne zaczęły przekształcać się w odrębną i abstrakcyjną siłę dla ludzi.

W swoim czasie klasycyzm miał pozytywne znaczenie. Pisarze głosili wagę wypełniania przez człowieka obowiązków obywatelskich i starali się wychowywać obywatela; rozwinął kwestię gatunków, ich składu i usprawnił język. Klasycyzm zadał miażdżący cios literaturze średniowiecznej, pełnej wiary w cuda, w duchy, która podporządkowała ludzką świadomość nauczaniu Kościoła.

Klasycyzm oświeceniowy powstał wcześniej niż inne w literaturze zagranicznej. W pracach poświęconych XVIII w. nurt ten często oceniany jest jako „wysoki” klasycyzm XVII w., który podupadł. Nie jest to do końca prawdą. Oczywiście istnieje ciągłość pomiędzy oświeceniem a „wysokim” klasycyzmem, jednak klasycyzm oświeceniowy jest integralnym ruchem artystycznym, który odkrywa niewykorzystany dotąd potencjał artystyczny sztuki klasycystycznej i ma cechy edukacyjne.

Literacka doktryna klasycyzmu kojarzona była z zaawansowanymi systemami filozoficznymi, będącymi reakcją na średniowieczny mistycyzm i scholastykę. Tymi systemami filozoficznymi były w szczególności racjonalistyczna teoria Kartezjusza i materialistyczna doktryna Gassendiego. Szczególnie duży wpływ na kształtowanie się zasad estetycznych klasycyzmu miała filozofia Kartezjusza, który uznawał rozum za jedyne kryterium prawdy. W teorii Kartezjusza zasady materialistyczne, oparte na danych nauk ścisłych, zostały w unikalny sposób połączone z zasadami idealistycznymi, z twierdzeniem o zdecydowanej wyższości ducha, myślącego nad materią, bytem, ​​z teorią tzw. wrodzone” pomysły.

Kult rozumu leży u podstaw estetyki klasycyzmu. Ponieważ wszelkie odczucia w umysłach zwolenników teorii klasycyzmu były przypadkowe i arbitralne, miarą wartości człowieka była dla nich zgodność jego działań z prawami rozumu. Ponad wszystko w człowieku klasycyzm umieścił „rozsądną” umiejętność tłumienia osobistych uczuć i namiętności w imię obowiązku wobec państwa. Człowiek w twórczości zwolenników klasycyzmu jest przede wszystkim sługą państwa, osobą w ogóle, gdyż odrzucenie życia wewnętrznego jednostki wynika w sposób naturalny z głoszonej zasady podporządkowania tego, co szczegółowe, temu, co ogólne. przez klasycyzm. Klasycyzm przedstawiał nie tyle ludzi, co postacie, obrazy i koncepcje. Dokonano więc typizacji w postaci wizerunków masek, które były ucieleśnieniem ludzkich przywar i cnót. Równie abstrakcyjna była sceneria poza czasem i przestrzenią, w której operowały te obrazy. Klasycyzm był ahistoryczny nawet w tych przypadkach, gdy zwracał się do przedstawiania wydarzeń i postaci historycznych, ponieważ pisarzy nie interesowała autentyczność historyczna, ale możliwość przez usta pseudohistorycznych bohaterów prawd wiecznych i ogólnych, wiecznych i powszechnych właściwości postaci, rzekomo właściwe ludziom wszystkich czasów i narodów.

Teoretyk francuskiego klasycyzmu Nicolas Boileau w swoim traktacie „Sztuka poetycka” (1674) tak nakreślił zasady poetyki klasycystycznej w literaturze:

Ale wtedy przyszedł Malherbe i pokazał Francuzom

Wiersz prosty i harmonijny, we wszystkim przyjemny muzom,

Nakazał harmonii upaść u stóp rozumu

Umieszczając słowa, podwoił ich moc.

Oczyściwszy nasz język z chamstwa i brudu,

Rozwinął w sobie wnikliwy i wierny smak,

Uważnie podążałem za swobodą tego wersetu

A łamanie wierszy było surowo zabronione.

Boileau argumentował, że w dziele literackim wszystko powinno opierać się na rozumie, na głęboko przemyślanych zasadach i regułach.

Teoria klasycyzmu manifestowała na swój sposób pragnienie prawdy w życiu. Boileau oświadczył: „Tylko prawdomówny jest piękny” i nawoływał do naśladowania natury. Jednak zarówno sam Boileau, jak i większość pisarzy zjednoczonych pod sztandarem klasycyzmu, pojęciom „prawdy” i „natury” nadawały ograniczone znaczenie, zdeterminowane społeczno-historyczną istotą tego ruchu literackiego. Nawołując do naśladowania natury, Boileau nie miał na myśli całej natury, lecz jedynie „naturę piękną”, co w istocie prowadziło do przedstawienia rzeczywistości, ale upiększonej, „uszlachetnionej”. Kodeks poetycki Boileau chronił literaturę przed wniknięciem do niej nurtu demokratycznego. I bardzo charakterystyczne jest to, że Boileau, mimo całej przyjaźni z Molierem, potępiał go za to, że często odchodził od estetycznych wymogów klasycyzmu i podążał za artystycznymi doświadczeniami teatru ludowego. Klasycyzm uznawał starożytnych klasyków greckich i rzymskich za najwyższe autorytety w sprawach sztuki poetyckiej, którzy dostarczali wiecznych i niezmiennych rozwiązań problemów ideologicznych i artystycznych, deklarując ich dzieła jako „wzorce” do naśladowania. Poetyka klasycyzmu w dużej mierze opierała się na mechanicznych i historycznie wyuczonych zasadach poetyki starożytnej (Arystoteles i Horacy). W szczególności zasady tzw. trzech jedności (czasu, miejsca i akcji), obowiązujące dramatopisarza szkoły klasycyzmu, sięgają tradycji antycznej.

Alexander Pope (1688-1744) to najwybitniejszy przedstawiciel angielskiej poezji klasycystycznej.

W swoim „Eseju o krytyce” (1711), opierając się na „Sztuce poetyckiej” Boileau i „Nauce o poezji” Horacego, uogólnił i rozwinął zasady klasycystyczne z niezwykłą wnikliwością dla młodego człowieka o oświecającym duchu. „Naśladowanie natury” uważał za naśladownictwo starożytnego modelu. Trzymając się pojęć „miara”, „stosowność” i „wiarygodność”, jako humanista edukacyjny nawoływał do rozsądnego, „naturalnego” życia. Papież uważał, że gust jest wrodzony, ale kształtujący się pod wpływem wychowania, a zatem wrodzony człowiekowi bez względu na stan. Sprzeciwiał się pompatycznemu stylowi zwolenników baroku, jednak „prostota” języka w jego rozumieniu objawiała się jako „jasność” i „stosowność” stylu, a nie poszerzanie słownictwa i demokratyzacja wyrażeń. Jak wszyscy wychowawcy, Papież miał negatywny stosunek do „barbarzyńskiego” średniowiecza. W ogóle Papież wykraczał poza ścisłą doktrynę klasycystyczną: nie zaprzeczał możliwości odstępstw od starożytnych zasad; dostrzegał wpływ „geniuszu” i „klimatu” na pojawienie się arcydzieł sztuki nie tylko w starożytnej Grecji i Rzymie. Sprzeciwiając się dwunastosylabowemu wersetowi, przyczynił się do ostatecznego zatwierdzenia bohaterskiego dwuwiersza. W swoim eseju o krytyce Papież poruszył nie tylko problemy ogólne – egoizm, dowcip, pokorę, dumę itp. , - ale także pytania prywatne, w tym dotyczące motywów zachowań krytyków.

Klasycyzm francuski osiągnął swój największy rozkwit w tragediach Corneille'a i Racine'a, w baśniach La Fontaine'a i komediach Moliera. Jednak praktyka artystyczna tych luminarzy literatury francuskiej XVII wieku często odbiegała od teoretycznych zasad klasycyzmu. Na przykład, pomimo nieodłącznej jednoliniowości w przedstawieniu osoby, udało im się stworzyć złożone postacie, pełne wewnętrznych sprzeczności. Głoszenie „rozsądnego” obowiązku publicznego łączy się w tragediach Corneille’a i Racine’a z naciskiem na tragiczną nieuchronność tłumienia osobistych uczuć i skłonności. W twórczości La Fontaine'a i Moliera - pisarzy, których twórczość była ściśle związana z literaturą humanistyczną renesansu i folklorem - głęboko rozwinięte są tendencje demokratyczne i realistyczne. Z tego powodu wiele komedii Moliera jest zasadniczo i zewnętrznie związanych z dramatyczną teorią klasycyzmu.

Moliere uważał, że komedia ma dwa zadania: uczyć i bawić. Jeśli komedia zostanie pozbawiona budującego efektu, zamieni się w pustą śmieszność; jeśli odbierze się mu funkcje rozrywkowe, przestanie być komedią, a jego cele moralizacyjne również nie zostaną osiągnięte. Krótko mówiąc, „imperatywem komedii jest poprawianie ludzi poprzez ich zabawianie”.

Wyobrażenia Moliera dotyczące zadań komedii nie wychodzą poza krąg estetyki klasycystycznej. Zadaniem komedii, jak ją sobie wyobrażał, było „przedstawienie na scenie przyjemnego przedstawienia powszechnych niedociągnięć”. Pokazuje tu charakterystyczną dla klasycystów tendencję do racjonalistycznej abstrakcji typów. Komedie Moliera poruszają szeroką gamę problemów współczesnego życia: relacje między ojcami a dziećmi, edukację, małżeństwo i rodzinę, stan moralny społeczeństwa (obłuda, chciwość, próżność itp.), klasę, religię, kulturę, naukę (medycynę) , filozofia) itp. . Ten kompleks tematów rozwiązany jest za pomocą materiału paryskiego, z wyjątkiem Hrabiny d'Escarbagna, której akcja rozgrywa się na prowincji. Moliere czerpie wątki nie tylko z prawdziwego życia; czerpie je z antycznego (Plaut, Terencjusz) i renesansowego dramatu włoskiego i hiszpańskiego (N. Barbieri, N. Secchi, T. de Molina), a także z francuskiej średniowiecznej tradycji ludowej (fablio, farsy).

Racine Jean to francuska dramatopisarka, której twórczość stanowi szczyt francuskiego teatru klasycznego. Jedyna komedia Racine Sutyagi została wystawiona w 1668 r. W 1669 r. Wystawiono tragedię Britannic z umiarkowanym sukcesem. W Andromachy Racine po raz pierwszy zastosował strukturę fabularną, która stała się powszechna w jego późniejszych sztukach: A ściga B, który kocha C. Wersja tego modelu pojawia się w Britannica, gdzie konfrontują się pary przestępcze i niewinne: Agrypina i Neron - Junia i Brytyjczyk. Rok później wystawienie Bereniki, w którym tytułową rolę zagrała nowa kochanka Racine’a, Mademoiselle de Chanmelet, stała się jedną z największych zagadek w historii literatury. Twierdzono, że na obrazach Tytusa i Berenice Racine przedstawił Ludwika XIV i jego synową Henriettę z Anglii, która rzekomo dała Racine i Corneille’owi pomysł napisania sztuki na tej samej fabule. Współcześnie bardziej wiarygodna wydaje się wersja, jakoby miłość Tytusa i Bereniki znalazła odzwierciedlenie w krótkim, ale burzliwym romansie króla z Marią Mancini, siostrzenicą kardynała Mazarina, którą Ludwik chciał osadzić na tronie. Kwestionowana jest również wersja rywalizacji obu dramaturgów. Możliwe, że Corneille dowiedział się o zamiarach Racine’a i zgodnie z obyczajami literackimi XVII wieku napisał swoją tragedię Tytus i Berenika w nadziei zdobycia przewagi nad rywalem. Jeśli tak było, to zachował się pochopnie: Racine odniósł triumfalne zwycięstwo w konkursie.

La Fontaine Jean De (1621–1695), francuski poeta. W 1667 roku księżna Bouillon została patronką La Fontaine. Kontynuując komponowanie wierszy o dość swobodnej treści, w 1665 roku opublikował swój pierwszy zbiór „Opowieści wierszem”, a następnie „Baśnie i opowiadania wierszem” oraz „Miłość Psyche i Kupidyna”. Pozostając protegowanym księżnej Bouillon do 1672 roku i chcąc jej sprawić przyjemność, La Fontaine zaczął pisać Bajki i opublikował pierwszych sześć książek w 1668 roku. W tym okresie do jego przyjaciół należeli N. Boileau-Dépreo, Madame de Sevigne, J. Racine i Moliera. Ostatecznie objęty patronatem markizy de la Sablière poeta zakończył publikację dwunastu ksiąg Bajek w 1680 r., a w 1683 r. został wybrany członkiem Akademii Francuskiej. Lafontaine zmarł w Paryżu 14 kwietnia 1695 r.

Opowieści wierszowane i krótkie wiersze La Fontaine’a są dziś niemal zapomniane, choć pełne dowcipu i stanowią przykład gatunku klasycystycznego. Na pierwszy rzut oka brak w nich moralnego zbudowania stoi w wyraźnej sprzeczności z istotą gatunku. Jednak po dokładniejszej analizie staje się jasne, że wiele bajek Ezopa, Fedrusa, Nevlego i innych autorów w układzie La Fontaine’a straciło swoje budujące znaczenie i rozumiemy, że za tradycyjną formą kryją się nie do końca ortodoksyjne osądy.

Bajki La Fontaine’a wyróżniają się różnorodnością, perfekcją rytmiczną, umiejętnym operowaniem archaizmami (przywracając styl średniowiecznego Romansu lisa), trzeźwym spojrzeniem na świat i głębokim realizmem. Przykładem jest bajka „Wilk i lis na rozprawie przed małpą”:

Wilk zwrócił się do Małpy z prośbą,

Oskarżył w nim Lisę o oszustwo

I w kradzieży; Znany jest temperament lisa,

Podstępny, przebiegły i nieuczciwy.

I tak wzywają Lisę do sądu.

Sprawę załatwiono bez prawników, -

Wilk oskarżony, Lis się bronił;

Oczywiście każdy bronił swoich korzyści.

Zdaniem sędziego Temida nigdy

Nigdy wcześniej sprawa nie była tak skomplikowana...

A Małpa pomyślała i jęknęła:

A po kłótniach, krzykach i przemówieniach,

Znając bardzo dobrze moralność zarówno Wilka, jak i Lisa,

Powiedziała: „No cóż, oboje się mylicie;

Znam cię od dawna...

Przeczytam teraz mój werdykt:

Wilk jest winien fałszywego oskarżenia,

Lis jest winny rabunku.

Sędzia uznał, że będzie miał rację

Karanie tych, którzy mają temperament złodzieja.

W tej bajce pod postacią zwierząt przedstawieni są prawdziwi ludzie, a mianowicie: sędzia, powód i pozwany. I co bardzo ważne, przedstawiany jest lud burżuazji, a nie chłopi.

Klasycyzm francuski najdobitniej przejawiał się w dramacie, ale także w prozie, gdzie wymagania dotyczące zgodności ze standardami estetycznymi były mniej rygorystyczne, stworzył nieodłączny dla niej gatunek – gatunek aforyzmu. We Francji w XVII wieku pojawiło się kilku autorów aforystów. To ci pisarze, którzy nie tworzyli ani powieści, opowiadań, ani opowiadań, a jedynie krótkie, niezwykle skondensowane miniatury prozatorskie lub spisali swoje przemyślenia – owoc życiowych obserwacji i refleksji.

W Rosji powstawanie klasycyzmu następuje prawie trzy czwarte wieku później niż we Francji. Dla pisarzy rosyjskich Wolter, przedstawiciel współczesnego klasycyzmu francuskiego, był autorytetem nie mniejszym niż twórcy tego ruchu literackiego, jak Corneille czy Racine.

Klasycyzm rosyjski miał wiele podobieństw z klasycyzmem zachodnim, zwłaszcza z klasycyzmem francuskim, gdyż i on powstał w okresie absolutyzmu, nie była to jednak prosta imitacja. Klasycyzm rosyjski powstał i rozwinął się na pierwotnym gruncie, biorąc pod uwagę doświadczenia, które zgromadziły się przed jego ugruntowaniem się i rozwinięciem klasycyzmu zachodnioeuropejskiego.

Charakterystyczne cechy rosyjskiego klasycyzmu są następujące: po pierwsze, rosyjski klasycyzm od samego początku ma silny związek ze współczesną rzeczywistością, która w najlepszych dziełach jest oświetlona z punktu widzenia zaawansowanych idei.

Drugą cechą rosyjskiego klasycyzmu jest nurt oskarżycielski i satyryczny w ich twórczości, uwarunkowany postępowymi ideami społecznymi pisarzy. Obecność satyry w twórczości rosyjskich pisarzy klasycznych nadaje ich twórczości żywotnie prawdziwy charakter. Żywa nowoczesność, rosyjska rzeczywistość, Rosjanie i rosyjska przyroda znajdują w pewnym stopniu odzwierciedlenie w ich pracach.

Trzecią cechą rosyjskiego klasycyzmu, wynikającą z żarliwego patriotyzmu rosyjskich pisarzy, jest ich zainteresowanie historią ojczyzny. Wszyscy studiują historię Rosji, piszą prace na tematy narodowe i historyczne. Starają się tworzyć fikcję i jej język na skalę narodową, nadać jej własne, rosyjskie oblicze, zwracając uwagę na poezję ludową i język ludowy.

Oprócz ogólnych cech charakterystycznych zarówno dla klasycyzmu francuskiego, jak i rosyjskiego, ten ostatni wykazuje także takie cechy, które nadają mu charakter narodowej oryginalności. Jest to na przykład wzmożony patos obywatelsko-patriotyczny, znacznie wyraźniejsza tendencja oskarżycielsko-realistyczna, mniejsza alienacja wobec ustnej sztuki ludowej. Pieśni codzienne i ceremonialne pierwszych dziesięcioleci XVIII wieku w dużej mierze przygotowały rozwój różnych gatunków liryki w połowie i drugiej połowie XVIII wieku.

Najważniejsze w ideologii klasycyzmu jest patos państwowy. Za najwyższą wartość uznano państwo powstałe w pierwszych dziesięcioleciach XVIII wieku. Klasycyści, zainspirowani reformami Piotra, wierzyli w możliwość jego dalszego udoskonalenia. Wydawało im się, że jest to rozsądnie zorganizowany organizm społeczny, w którym każda klasa wypełnia przypisane jej obowiązki. „Chłopi orają, kupcy handlują, wojownicy bronią ojczyzny, sędziowie sędziowie, naukowcy kultywują naukę” – napisał A.P. Sumarokov. Patos państwowy rosyjskich klasycystów jest zjawiskiem głęboko sprzecznym. Odzwierciedlał postępowe tendencje związane z ostateczną centralizacją Rosji, a jednocześnie idee utopijne, wynikające z wyraźnego przeceniania społecznych możliwości oświeconego absolutyzmu.

Ustanowieniu klasycyzmu ułatwiły cztery główne postacie literackie: A.D. Kantemir, V.K. Trediakowski, M.V. Łomonosow i A.P. Sumarokow.

A.D. Kantemir żył w epoce, w której dopiero kładziono pierwsze podwaliny pod nowoczesny rosyjski język literacki; jego satyry zostały napisane według sylabicznego systemu wersyfikacji, który już wówczas przetrwał, a mimo to imię Cantemir, według słów Bielińskiego, „przeżyło już wiele efemerycznych celebrytów, zarówno klasycznych, jak i romantycznych, i nadal przetrwa wiele tysięcy z nich”, jak Cantemir „pierwszy na Rusi, który ożywił poezję”. „Symfonia na Psałterzu” jest pierwszym drukowanym dziełem A. Cantemira, ale nie jego pierwszym dziełem literackim w ogóle, co potwierdza autoryzowany rękopis mało znanego tłumaczenia Antiocha Cantemira pt. „Pan Filozof Constantine Manassis Synopsis Historyczny ”, z 1725 r.

W „Tłumaczeniu pewnego listu włoskiego”, dokonanym dopiero rok później (1726) przez A. Cantemira, język narodowy nie występuje już w postaci przypadkowych elementów, ale jako norma dominująca, choć język tego przekładu był z przyzwyczajenia nazywany przez Cantemira „sławnym Rosjaninem”.

Gwałtowne przejście od słownictwa, morfologii i składni cerkiewnosłowiańskiej do języka narodowego jako normy mowy literackiej, które można prześledzić już w najwcześniejszych dziełach A. Cantemira, odzwierciedlało ewolucję nie tylko jego indywidualnego języka i stylu, ale także rozwój świadomość językowa epoki i kształtowanie się rosyjskiego języka literackiego jako całości.

Do lat 1726-1728 należy zaliczyć twórczość A. Cantemira nad wierszami o tematyce miłosnej, która do nas nie dotarła, o czym pisał później z pewnym żalem w drugim wydaniu IV satyry. W tym okresie Antioch Cantemir wykazywał duże zainteresowanie literaturą francuską, co potwierdza zarówno wspomniane wyżej „Tłumaczenie pewnego włoskiego listu”, jak i notatki Cantemira w jego kalendarzu z 1728 r., z których dowiadujemy się o znajomości młodego pisarza z francuskimi czasopismami satyrycznymi wzorowanymi na języku angielskim, takimi jak „Le Mentor moderne”, a także z twórczością Moliera („Mizantrop”) i komediami Marivaux. Do tego okresu należy przypisać także pracę A. Cantemira nad tłumaczeniem na język rosyjski czterech satyr Boileau oraz napisaniem oryginalnych wierszy „O cichym życiu” i „O Zoili”.

Wczesne tłumaczenia A. Cantemira i jego teksty miłosne były jedynie etapem przygotowawczym w twórczości poety, pierwszą próbą sił, rozwojem języka i stylu, sposobu prezentacji, własnego sposobu widzenia świata.

Wiersze z listów filozoficznych

Szanuję tu prawo, przestrzegam praw;

Mogę jednak żyć według moich zasad:

Duch jest spokojny, teraz życie toczy się dalej bez przeciwności losu,

Każdego dnia uczę się wykorzenić swoje pasje

I patrząc na granicę, tak ustanawiam życie,

Pogodnie kieruję moje dni do końca.

Za nikim nie tęsknię, kary nie są potrzebne,

Szczęśliwy, że skróciłem dni moich pragnień.

Teraz rozpoznaję zepsucie mojego wieku,

Nie chcę, nie boję się, oczekuję śmierci.

Kiedy okażesz mi swoje miłosierdzie nieodwołalnie

Pokaż mi, a wtedy będę całkowicie szczęśliwy.

W roku 1729 poeta rozpoczął okres dojrzałości twórczej, kiedy całkiem świadomie skupił swą uwagę niemal wyłącznie na satyrze:

Jednym słowem chcę się zestarzeć w satyrach,

Ale nie mogę nie pisać: nie mogę tego znieść.

(IV satyra, wyd.)

Pierwsza satyra Cantemira „O tych, którzy bluźnią nauce” („Według ciebie”) była dziełem o wielkim oddźwięku politycznym, gdyż była skierowana przeciwko niewiedzy jako specyficznej sile społecznej i politycznej, a nie abstrakcyjnemu występkowi; przeciw ignorancji „w haftowanej sukience”, przeciwstawiając się reformom Piotra I i Oświeceniu, przeciw nauce Kopernika i drukarstwu; ignorancja wojownicza i triumfująca; posiada władzę państwową i kościelną.

Duma, lenistwo, bogactwo - zwyciężyła mądrość,
Niewiedza i wiedza już się zakorzeniły;
Jest dumny pod mitrą, chodzi w haftowanej sukni,
Ocenia czerwone tkaniny, zarządza półkami.
Nauka jest rozdarta, obszyta szmatami,
Ze wszystkich najszlachetniejszych domów, zburzony klątwą.

W przeciwieństwie do przedmowy do satyry, w której autor starał się zapewnić czytelnika, że ​​wszystko w niej zostało „pisane dla zabawy” i że on, autor, „nie wyobrażał sobie nikogo jako konkretnej osoby”, pierwsza satyra Cantemira została wyreżyserowana przeciwko dobrze zdefiniowanym i „konkretnym” jednostkom - byli to wrogowie sprawy Piotra i „wyuczonego oddziału”. „Postać biskupa” – napisał Kantemir w jednej z notatek do satyry, „choć opisana przez autora przez nieznaną osobę, ma wiele podobieństw do D***, który w zewnętrznych ceremoniach mianował całe najwyższe kapłaństwo”. Naśmiewając się z duchownego w satyrze, którego cała edukacja ogranicza się do opanowania „Kamienia Wiary” Stefana Jaworskiego, Cantemir jednoznacznie wskazał na swoje własne stanowisko ideologiczne – zwolennika „oddziału uczonego”. Wizerunki duchownych stworzone przez Cantemira odpowiadały bardzo realnym prototypom, a jednak były to obrazy uogólnione, ekscytowały umysły, reakcyjni duchowni nowych pokoleń nadal się w nich rozpoznawali, gdy imię Antiochii Cantemir przeszło do historii i gdy nazwy Gieorgija Daszkowa i jego współpracowników popadł w całkowite zapomnienie.

Jeśli Cantemir podał przykłady rosyjskiej satyry, to Trediakowski jest właścicielem pierwszej rosyjskiej ody, która została opublikowana jako osobna broszura w 1734 r. pod tytułem „Uroczysta Oda o kapitulacji miasta Gdańska” (Danzig). Gloryfikowało armię rosyjską i cesarzową Annę Ioannovnę. W 1752 r., w związku z pięćdziesiątą rocznicą założenia Petersburga, powstał wiersz „Chwała ziemi iżerskiej i panującemu miastu Petersburgowi”. To jedno z pierwszych dzieł gloryfikujących północną stolicę Rosji.

Oprócz zwycięskich i godnych pochwały Trediakowski pisał także ody „duchowe”, czyli poetyckie transkrypcje („parafrazy”) psalmów biblijnych. Najbardziej udaną z nich jest parafraza „Drugie Pieśni Mojżesza”, która zaczynała się od wersetów:

Wonmi och! Niebo i rzeka

Niech ziemia usłyszy słowa z ust:

Jak deszcz popłynę słowami;

I spadną jak rosa na kwiat,

Moje transmisje do dolin.

Bardzo serdeczne wiersze to „Wiersze pochwalne dla Rosji”, w których Trediakowski znajduje jasne i precyzyjne słowa, które wyrażają zarówno jego ogromny podziw dla Ojczyzny, jak i tęsknotę za ojczyzną.

Zacznę smutne wiersze na flecie,

Na próżno do Rosji przez odległe kraje:

Przez cały ten dzień jest jej dobroć dla mnie

Niewiele jest chęci myślenia umysłem.

Rosja, matko! moje nieskończone światło!

Pozwól mi, błagam Twoje wierne dziecko,

Och, jak siedzisz na czerwonym tronie!

Rosyjskie niebo, jesteś słońcem, jest czyste

Inni są pomalowani złotymi berłami,

I cenny jest porfir, mitra;

Ozdobiłeś sobą swoje berło,

A Liceum zaszczyciło koronę światłem...

„Episstola od poezji rosyjskiej do Apollina” (do Apollina) pochodzi z 1735 roku, w którym autor dokonuje przeglądu literatury europejskiej, ze szczególnym uwzględnieniem literatury starożytnej i francuskiej. Ten ostatni jest reprezentowany przez imiona Malherbe, Corneille, Racine, Moliere, Boileau, Voltaire. Uroczyste zaproszenie „Apollina” do Rosji symbolizowało wprowadzenie poezji rosyjskiej do wielowiekowej sztuki europejskiej.

Kolejnym krokiem w zapoznawaniu rosyjskiego czytelnika z europejskim klasycyzmem było tłumaczenie traktatu Boileau „Sztuka poetycka” („Nauka o poezji” Trediakowskiego i „List do Pisoes” Horacego). Prezentowani są tu nie tylko „wzorowi” pisarze, ale także „reguły” poetyckie, których – zgodnie z głębokim przekonaniem tłumacza – autorzy rosyjscy zobowiązani są przestrzegać. Trediakowski wysoko cenił traktat Boileau, uważając go za najdoskonalszy przewodnik w dziedzinie twórczości artystycznej. „Jego nauka pietystyczna” – pisał – „wydaje się przewyższać wszystko, zarówno w rozumowaniu dotyczącym składu wierszy i czystości języka, jak i w rozumowaniu… proponowanych w nim reguł”.

W 1751 roku Trediakowski opublikował tłumaczenie powieści „Argenida” angielskiego pisarza Johna Barclaya. Powieść została napisana w języku łacińskim i należała do szeregu dzieł moralnych i politycznych. Wybór Trediakowskiego nie jest przypadkowy, gdyż problemy „Argenidy” rezonowały z zadaniami politycznymi stojącymi przed Rosją na początku XVIII wieku. Powieść gloryfikowała „oświecony” absolutyzm i surowo potępiała wszelki sprzeciw wobec władzy najwyższej, od sekt religijnych po ruchy polityczne. Idee te odpowiadały ideologii wczesnego klasycyzmu rosyjskiego. Trediakowski we wstępie do książki zwrócił uwagę, że określone w niej „zasady” państwowe są przydatne dla społeczeństwa rosyjskiego.

W 1766 r. Trediakowski opublikował książkę zatytułowaną „Tilemachis, czyli wędrówki Tilemacha, syna Odyseusza, opisane jako część ironicznego poematu” - bezpłatne tłumaczenie powieści wczesnego francuskiego pedagoga Fenelona „Przygody Telemacha”. Fenelon pisał swoje dzieło w ostatnich latach panowania Ludwika XIV, kiedy Francję nękały wyniszczające wojny, których efektem był upadek rolnictwa i rzemiosła.

Historyczne i literackie znaczenie „Tilemachidy” polega jednak nie tylko na jej krytycznej treści, ale także na bardziej złożonych zadaniach, jakie Trediakowski postawił sobie jako tłumaczowi. W istocie nie była to kwestia tłumaczenia w zwykłym tego słowa znaczeniu, ale radykalnej przeróbki samego gatunku książki. Na podstawie powieści Fenelona Trediakowski stworzył poemat heroiczny wzorowany na epopei Homera i zgodnie ze swoim zadaniem nazwał tę książkę nie „Przygody Telemacha”, ale „Tilemachis”.

Przekształcając powieść w wiersz, Trediakowski wprowadza wiele rzeczy, których nie było w książce Fenelona. Zatem początek wiersza odtwarza początkową charakterystykę starożytnego greckiego eposu. Oto słynne „Śpiewam” i prośba do muzy o pomoc oraz krótkie streszczenie treści dzieła. Powieść Fenelona napisana jest prozą, wiersz Trediakowskiego – heksametrem. Styl powieści Fenelona został równie radykalnie zaktualizowany. Według A. N. Sokołowa „skompresowana, surowa proza ​​Fenelona, ​​skąpa w prozaicznych upiększeniach, nie odpowiadała stylistycznym zasadom epopei poetyckiej jako gatunku wysokiego… Trediakowski poetyzuje styl prozy Fenelona”. W tym celu wprowadza do „Tilemachidy” złożone epitety, tak charakterystyczne dla eposu homeryckiego, a zupełnie nieobecne w powieści Fenelona: miodowy, wielostrumieniowy, ostro surowy, rozważny, krwawiący. W wierszu Trediakowskiego jest ponad sto takich skomplikowanych przymiotników. W oparciu o model epitetów złożonych tworzone są rzeczowniki złożone: jasność, wojna, dobre sąsiedztwo, splendor.

Trediakowski starannie zachował edukacyjny patos powieści Fenelona. Jeśli w „Argenidzie” mówiliśmy o usprawiedliwieniu absolutyzmu, który tłumi wszelkie formy nieposłuszeństwa, to w „Tilemachidzie” władza najwyższa staje się przedmiotem potępienia. Opowiada o despotyzmie władców, o ich uzależnieniu od luksusu i błogości, o nieumiejętności królów odróżnienia ludzi cnotliwych od ludzi egoistycznych i żądnych pieniędzy, o pochlebcach otaczających tron ​​i uniemożliwiających monarchom dostrzeżenie prawdy.

Zapytałem go, na czym polega suwerenność królewska?

Odpowiedział: Król ma władzę nad ludem we wszystkim,

Ale prawa mają nad nim władzę we wszystkim, oczywiście.

„Tilemakhida” wywoływała odmienne postawy wobec siebie zarówno wśród współczesnych, jak i potomków. W „Tilemachidzie” Trediakowski wyraźnie pokazał różnorodność możliwości heksametru jako poematu epickiego. Doświadczenia Trediakowskiego wykorzystali później N. I. Gnedich przy tłumaczeniu Iliady i V. A. Żukowski przy pracy nad Odyseją.

Pierwszą pracą Łomonosowa dotyczącą problematyki języka był napisany w Niemczech List o zasadach poezji rosyjskiej (1739, wydany w 1778), w którym uzasadnia on możliwość zastosowania wersyfikacji sylabiczno-tonicznej do języka rosyjskiego.

Według Łomonosowa każdy gatunek literacki powinien być pisany w pewnym „spokoju”: „wysoki spokój” jest „wymagany” w przypadku wierszy bohaterskich, odów, „prozaicznych przemówień o ważnych sprawach”; środkowy - dla przekazów poetyckich, elegii, satyr, prozy opisowej itp.; niski - dla komedii, fraszek, piosenek, „pism o zwykłych sprawach”. „Sztili” porządkowano przede wszystkim pod względem słownictwa, w zależności od proporcji słów neutralnych (wspólnych dla języków rosyjskiego i cerkiewnosłowiańskiego), cerkiewnosłowiańskich i rosyjskich słów potocznych. „Wysoki spokój” charakteryzuje się połączeniem slawizmów z wyrazami neutralnymi, „średni spokój” zbudowany jest na podstawie słownictwa neutralnego z dodatkiem pewnej liczby słowianizmów i słów potocznych, „niski spokój” łączy słowa neutralne i potoczne. Program taki umożliwił przezwyciężenie dyglosji rosyjsko-kościelnej, zauważalnej jeszcze w pierwszej połowie XVIII w., i stworzenie jednolitego, zróżnicowanego stylistycznie języka literackiego. Istotny wpływ na rozwój rosyjskiego języka literackiego w drugiej połowie XVIII wieku wywarła teoria „trzech uspokojeń”. aż po działalność szkoły N.M. Karamzina (od lat 90. XVIII w.), która wytyczyła kurs zbliżania rosyjskiego języka literackiego do mówionego.

Poetyckie dziedzictwo Łomonosowa obejmuje uroczyste ody, filozoficzne ody-refleksje „Poranna refleksja nad majestatem Boga” (1743) i „Wieczorna refleksja nad majestatem Boga” (1743), poetyckie aranżacje psalmów i przylegająca do nich Oda wybrana z Hioba (1751) , niedokończony bohaterski poemat Piotra Wielkiego (1756–1761), wiersze satyryczne (Hymn do brody, 1756–1757 itd.), filozoficzne „Rozmowa z Anakreonem” (tłumaczenie odów Anakreonta w połączeniu z własnymi odpowiedziami na nie; 1757–1761) , bohaterska idylla Polidoru (1750), dwie tragedie, liczne wiersze z okazji różnych świąt, fraszki, przypowieści, wiersze tłumaczone.

Szczytem twórczości poetyckiej Łomonosowa są jego ody, pisane „na wszelki wypadek” - w związku z ważnymi wydarzeniami z życia państwa, na przykład wstąpieniem na tron ​​​​cesarzowych Elżbiety i Katarzyny II. Łomonosow wykorzystywał uroczyste okazje do tworzenia jasnych i majestatycznych obrazów wszechświata. Ody obfitują w metafory, hiperbole, alegorie, pytania retoryczne i inne tropiki, które tworzą wewnętrzną dynamikę i bogactwo brzmieniowe wiersza, przesiąkniętego patriotycznym patosem i refleksjami nad przyszłością Rosji. W Odie z dnia wstąpienia Elżbiety Pietrowna na tron ​​ogólnorosyjski (1747) napisał:

Nauka karmi młodzież,

Radość jest serwowana starym,

W szczęśliwym życiu dekorują,

W razie wypadku oni się nim zajmują.

Klasycyzm był ważnym etapem w rozwoju literatury rosyjskiej. W momencie powstania tego nurtu literackiego rozwiązano historyczne zadanie przekształcenia wersyfikacji. Jednocześnie położono solidny początek w kształtowaniu się rosyjskiego języka literackiego, co wyeliminowało sprzeczność między nową treścią a starymi formami jego ekspresji, co wyraźnie ujawniło się w literaturze pierwszych trzech dekad XVIII wieku wiek.

Jako ruch literacki rosyjski klasycyzm wyróżniał się wewnętrzną złożonością i niejednorodnością, wynikającą z różnicy w cechach ideologicznych i literacko-artystycznych twórczości jego założycieli. Wiodącymi gatunkami, jakie rozwinęli przedstawiciele klasycyzmu w okresie powstania tego ruchu literackiego, były z jednej strony oda i tragedia, które w obrazach pozytywnych propagowały ideały oświeconego absolutyzmu, z drugiej zaś gatunki satyryczne, walczące z reakcji politycznej, przeciw wrogom oświecenia, przeciw występkom społecznym itp.

Rosyjski klasycyzm nie stronił od folkloru narodowego. Wręcz przeciwnie, w postrzeganiu tradycji ludowej kultury poetyckiej w określonych gatunkach znajdował bodźce do swego wzbogacenia. Już u początków nowego kierunku, podejmując się reformy wersyfikacji rosyjskiej, Trediakowski bezpośrednio nawiązuje do pieśni ludu jako do wzoru, którym się kierował przy ustalaniu swoich reguł.

Na polu czysto artystycznym rosyjscy klasycyści stanęli przed tak złożonymi zadaniami, że ich europejscy bracia nie wiedzieli. Literatura francuska połowy XVII wieku. miał już dobrze rozwinięty język literacki i gatunki świeckie, które rozwijały się przez długi czas. Literatura rosyjska początków XVIII wieku. nie miał ani jednego, ani drugiego. Taki był zatem udział pisarzy rosyjskich drugiej tercji XVIII wieku. Zadanie spadło nie tylko na stworzenie nowego ruchu literackiego. Musieli zreformować język literacki, gatunki mistrzowskie nieznane do tej pory w Rosji. Każdy z nich był pionierem. Kantemir położył podwaliny pod rosyjską satyrę, Łomonosow legitymizował gatunek ody, Sumarokow był autorem tragedii i komedii. W dziedzinie reformy języka literackiego główna rola przypadła Łomonosowowi.

Twórczości rosyjskich klasyków towarzyszyły i wspierały liczne prace teoretyczne z zakresu gatunku, języka literackiego i wersyfikacji. Trediakowski napisał traktat zatytułowany „Nowa i krótka metoda komponowania wierszy rosyjskich”, w którym uzasadnił podstawowe zasady nowego systemu sylabiczno-tonicznego. Łomonosow w dyskusji „O używaniu ksiąg kościelnych w języku rosyjskim” przeprowadził reformę języka literackiego i zaproponował doktrynę „trzech spokojów”. Sumarokow w swoim traktacie „Instrukcje dla tych, którzy chcą zostać pisarzami” podał opis treści i stylu gatunków klasycystycznych.

Rosyjski klasycyzm XVIII wieku. przeszedł w swoim rozwoju dwa etapy. Pierwsza z nich sięga lat 30-50-tych. To kształtowanie się nowego kierunku, gdy rodzą się jeden po drugim gatunki nieznane wówczas w Rosji, reformuje się język literacki i wersyfikacja. Drugi etap przypada na ostatnie cztery dekady XVIII wieku. i jest kojarzony z nazwiskami takich pisarzy jak Fonvizin, Kheraskov, Derzhavin, Knyazhnin, Kapnist. W ich twórczości rosyjski klasycyzm najpełniej i najszerzej ujawnił swoje możliwości ideologiczne i artystyczne.

Wyjątkowość rosyjskiego klasycyzmu polega na tym, że w epoce swego powstania łączył on patos służenia państwu absolutystycznemu z ideami wczesnego oświecenia europejskiego. We Francji w XVIII w. Absolutyzm wyczerpał już swoje postępowe możliwości, a społeczeństwo stanęło w obliczu rewolucji burżuazyjnej, ideologicznie przygotowanej przez francuskich oświeceniowców. W Rosji w pierwszych dekadach XVIII wieku. Na czele postępowych przemian kraju nadal stał absolutyzm. Dlatego też na pierwszym etapie swojego rozwoju rosyjski klasycyzm przejął część swoich doktryn społecznych z Oświecenia. Należą do nich przede wszystkim idea oświeconego absolutyzmu. Zgodnie z tą teorią na czele państwa powinien stać mądry, „oświecony” monarcha, który w swoich ideach stoi ponad egoistycznymi interesami poszczególnych klas i żąda od każdej z nich uczciwej służby dla dobra całego społeczeństwa. Przykładem takiego władcy dla rosyjskich klasyków był Piotr I, wyjątkowa osobowość pod względem inteligencji, energii i szerokich poglądów politycznych.

W przeciwieństwie do francuskiego klasycyzmu z XVII wieku. i zgodnie z epoką oświecenia w rosyjskim klasycyzmie lat 30. i 50. ogromne miejsce poświęcono nauce, wiedzy i oświeceniu. Kraj dokonał przejścia od ideologii kościelnej do ideologii świeckiej. Rosja potrzebowała dokładnej wiedzy przydatnej społeczeństwu. Łomonosow mówił o korzyściach płynących z nauki w prawie wszystkich swoich odach. Pierwsza satyra Cantemira „To Your Mind. Na tych, którzy bluźnią nauce.” Samo słowo „oświecony” oznaczało nie tylko osobę wykształconą, ale obywatela, któremu wiedza pomogła uświadomić sobie swoją odpowiedzialność wobec społeczeństwa. „Niewiedza” oznaczała nie tylko brak wiedzy, ale jednocześnie brak zrozumienia swoich obowiązków wobec państwa. W zachodnioeuropejskiej literaturze pedagogicznej XVIII w., zwłaszcza w późniejszej fazie jej rozwoju, „oświecenie” określane było stopniem sprzeciwu wobec istniejącego porządku. W rosyjskim klasycyzmie lat 30. i 50. „oświecenie” mierzono miarą służby cywilnej na rzecz państwa absolutystycznego. Rosyjscy klasycyści – Kantemir, Łomonosow, Sumarokow – byli bliscy walce oświecców z kościołem i ideologią kościelną. Jeśli jednak na Zachodzie chodziło o obronę zasady tolerancji religijnej, a w niektórych przypadkach ateizmu, to oświeceniowcy rosyjscy w pierwszej połowie XVIII wieku. potępiał ignorancję i niegrzeczną moralność duchowieństwa, bronił nauki i jej wyznawców przed prześladowaniami ze strony władz kościelnych. Już pierwsi klasycy rosyjscy byli świadomi idei wychowawczej o naturalnej równości ludzi. „Ciało w twoim słudze jest jednoosobowe” – Cantemir zwrócił uwagę szlachcica bijącego lokaja. Sumarokow przypomniał klasie „szlacheckiej”, że „rodzi się z kobiet i z kobiet / Bez wyjątku przodkiem wszystkich jest Adam”. Ale teza ta nie znalazła jeszcze wówczas swego wyrazu w żądaniu równości wszystkich klas wobec prawa. Cantemir w oparciu o zasady „prawa naturalnego” wzywał szlachtę do humanitarnego traktowania chłopów. Sumarokow, wskazując na naturalną równość szlachty i chłopa, żądał, aby „pierwsi” członkowie ojczyzny poprzez edukację i służbę potwierdzili swoją „szlachetność” i władczą pozycję w kraju.

O ile w zachodnioeuropejskich wersjach klasycyzmu, a zwłaszcza w systemie gatunków klasycyzmu francuskiego, dominujące miejsce zajmował gatunek dramatyczny – tragedia i komedia, o tyle w klasycyzmie rosyjskim dominujący gatunek przesuwa się w obszar liryzmu i satyry.

Gatunki typowe dla francuskiego klasycyzmu: tragedia, komedia, idylla, elegia, oda, sonet, fraszka, satyra.