Dotkliwe poczucie kryzysu cywilizacyjnego w opowiadaniu I. A. Bunina „Pan z San Francisco. Rola mniejszych postaci w sztuce Ostrowskiego „Burza z piorunami”

W dzisiejszym artykule poruszę jeden niezwykle subtelny problem, o którym niestety nie myślą wszyscy początkujący autorzy. Dzisiaj porozmawiamy o role drobne postacie w dziele literackim. Faktem jest, że początkujący autorzy czasami albo całkowicie zapominają o tak zwanych rolach drugoplanowych, albo przywiązują zbyt dużą wagę do szczególnie udanej postaci drugoplanowej ze szkodą dla ogólnego planu historii. Dlatego, aby takie problemy pojawiały się jak najrzadziej, omówimy miejsce drugorzędnych postaci w struktura ogólna tekst artystyczny.

Myślę, że nie jest dla Was tajemnicą, że na blogu „ Warsztaty literackie„Daję najwięcej poważną uwagę kwestie związane z pracą nad postaciami, ponieważ jestem całkowicie pewien, że znaczna część sukcesu całej pracy polega na wysokiej jakości portretowaniu postaci. Oczywiście, każdy może podzielić się tymi ocenami lub je odrzucić, ale jeśli interesują Cię zagadnienia kompetentnego kształtowania postaci w swojej twórczości, ten artykuł z pewnością Ci się przyda.

Drobne postacie.

Zatem na samym początku, aby lepiej zrozumieć i ustrukturyzować materiał, będę musiał wyrazić kilka powszechnych prawd. Jest oczywiste, że są to aksjomaty dobrze znane, jednak bez nich dalsze badanie tego zagadnienia jest po prostu niemożliwe. Pierwszy frazes brzmi mniej więcej tak: nie wszystkie postacie w dziele literackim są sobie równe. Rzeczywiście można je warunkowo podzielić na główne i wtórne. A jeśli autorzy prawie zawsze zwracają większą uwagę na głównych bohaterów (próbują odsłonić charakter, pokazać głębię wewnętrznych przeżyć), to w drugoplanowych jest tego po prostu za mało. Ale na próżno. Czasem role drugoplanowe okazują się nie mniej ważne niż te główne... Ale najpierw najważniejsze.

Ogólnie rzecz biorąc, głównymi bohaterami są postacie, o których opowiadana jest historia. Drudzy to wszyscy inni.

Drugi frazes na dziś: Sam autor i czytelnicy w trakcie pracy muszą jasno zrozumieć, które postacie są główne, a które nieistotne. Jeśli w społeczeństwie pojawi się zamieszanie lub wątpliwość, wina leży wyłącznie po stronie autora. Musi wyraźnie oddzielić jedno od drugiego, a także mieć pełną świadomość, jaką rolę odgrywają w jego dziele bohaterowie główni i dlaczego posługuje się postaciami drugoplanowymi. A jeśli w przypadku pierwszego wszystko jest ogólnie jasne (główni bohaterowie są przewodnikami głównej idei dzieła, obiektem zainteresowania i empatii publiczności), to miejsce i zadania drugiego nie zawsze są wyjątkowo jasne i przezroczysty. O tych trudnościach porozmawiamy później.

Tło na żywo.

Jeśli zatem nasza historia nie rozgrywa się na bezludnej wyspie, to główni bohaterowie są zazwyczaj otoczeni przez dużą grupę ludzi, którzy nie mają większego wpływu na przebieg historii. Tak naprawdę stanowią one jedynie część tła naszej pracy. Mogą spełniać drobne funkcje (przekazać bohaterowi nowinę, zabrać go na miejsce akcji, nadepnąć mu na nogę w tramwaju, w zadumie ukraść portfel itp.), ale potem niezmiennie znikają z pola widzenia. Główny bohater nie może znajdować się w absolutnej próżni, wokół niego zawsze znajdują się ludzie, tworzący poruszające tło, dynamiczną oprawę dzieła, w przeciwnym razie to, co się dzieje, po prostu nie będzie realistyczne. Bardzo ważne jest, aby te drobne postacie nie przyciągały się nadmierna uwaga, nie zakłócają percepcji wydarzeń i samego bohatera.

Nie zawsze jednak udaje się zachować odpowiedni balans pomiędzy bohaterami głównymi i drugoplanowymi. Czasami obraz jakiejś nieistotnej osoby okazuje się na tyle żywy, że zaczyna „naciągać na siebie koc” i odwracać uwagę czytelnika od głównego kierunku historii. W takim przypadku autor powinien dokładnie przemyśleć, dlaczego tak się dzieje? Być może należałoby ograniczyć wpływ tej postaci, aż do całkowitego wykluczenia jej z tekstu, a może rozsądniej byłoby nieco zmienić fabułę, przeznaczając więcej wolnego miejsca na udany, jasny obraz, czyniąc go jednym z główny postacie? Autor musi rozstrzygnąć to pytanie niezależnie, na podstawie Ogólny plan, pomysły na pracę.

Ale ogólnie rzecz biorąc, oczywiście Główną rolą postaci drugoplanowych jest stworzenie żywego tła dla dzieła.

Stereotypowanie.

Co w zasadzie główny bohater Praca literacka różni się od zwyczajna osoba? W przeważającej większości przypadków fakt, że bohater jest zdolny do czynów, na które zwykły człowiek nigdy by się nie odważył. Dlatego jest bohaterem. Ale z drugiej strony bohater może być tylko bohaterem w tle zwykli ludzie, dopiero w zestawieniu z ich stereotypami może wykazać się swoim bohaterstwem (umiejętnością odstępowania od utartych zasad i norm, łamania zakazów, okazywania odwagi itp.). W związku z tym rola mniejszych postaci w historii jest również demonstracja stereotypów społecznych. Oznacza to, że drobne postacie w każdym dziele są typowymi przedstawicielami społeczeństwa, nosicielami jego stereotypów. A gdy tylko któryś z bohaterów naruszy te same stereotypy, mimowolnie przyciąga uwagę czytelnika. Autor powinien wykorzystać ten subtelny punkt, tak jak przy pracy nad głównymi bohaterami.

Jednak te oceny w żaden sposób nie oznaczają, że drobne postacie powinny być pozbawione twarzy i podobny przyjaciel na przyjacielu. Zupełnie nie. Im też wolno łamać stereotypy, ale muszą to robić pojedynczo, a nie wszyscy na raz.

Ekscentryczność i humor.

Postacie, które nie udają głównych ról, powinny także cechować się indywidualnością - drobne, ale rzucające się w oczy detale sprawią, że historia będzie ciekawsza i kompletniejsza, nadadzą nastrój, a czasem dodadzą humoru. Myślę, że nie jest tajemnicą, że często występują główni dowcipnisie dzieła sztuki To nie główni bohaterowie grają, ale postacie drugoplanowe. Tradycyjnie od głównych bohaterów oczekuje się poważnego podejścia do tematu bohaterskie czyny, ratując świat i piękne panny, ale od drugorzędnych nie wymaga się niczego specjalnego, więc mogą być zabawne do woli. Dlatego ekscentryczne zachowanie ról epizodycznych jest właśnie zasobem, dzięki któremu pisarz może uczynić swój tekst bardziej żywym i interesującym. Nie należy o tym zapominać.

Tutaj też możemy wspomnieć o „obsesji” – skrajnej wersji ekscentryczności, w której drugoplanowa postać zachowuje się zbyt nachalnie lub reaguje zbyt emocjonalnie na jakiekolwiek zdarzenia.

Prowadzi to do trzeciej funkcji znaków drugorzędnych: pracować nad krótkotrwałą rozrywką publiczności. Autor ma możliwość uczynić drobnego bohatera tak ekscentrycznym, jak mu się podoba, ponieważ w rzeczywistości nie wpływa on na rozwój fabuły, ale jednocześnie jest podobny żywe obrazy uczynić tekst bardziej interesującym i zapadającym w pamięć.

Przesada.

Chwila przesady podczas pracy nad role epizodyczne Jego celem jest zabawianie czytelnika przez całą narrację, wytworzenie w nim żywych emocji, które nie są bezpośrednio związane z główną ideą dzieła. Ogólnie rzecz biorąc, cała gama wrażeń, które zostały już omówione nieco wyżej, w poprzednim akapicie o humorze i ekscentryczności.

Główną metodą jest tutaj celowe wyolbrzymianie pewnych cech charakteru o charakterze wtórnym: okrucieństwo lub życzliwość, spontaniczność lub roztropność.

Ale dlaczego, ktoś mógłby zapytać, używa się przesady do tych celów? Dlaczego po prostu nie narysować zwykłej postaci obdarzonej taką rozwagą? Rzecz w tym, że hipertrofia pozwala skupić uwagę na dokładnie pożądanej cesze i łatwo ją wyeksponować na tle ogólnej przeciętności.

Jak to może działać? Na przykład w formie prostego triku, gdy postać drugoplanowa najpierw emanuje przesadną niewinnością i łagodnością, a potem w odpowiednim momencie wyróżnia się przesadną roztropnością. Jak rozumiesz, zabawa kontrastami jest zrozumiała zawsze i wszędzie. Im większy kontrast, tym silniejszy efekt zwykle wywołuje.

To wszystko na dzisiaj. Przyjrzeliśmy się trzem głównym funkcjom postaci drugorzędnych: tworzenie tła, przedstawianie stereotypów, zabawianie czytelnika ekscentrycznością i humorem. Mam nadzieję, że pomoże ci to bardziej przemyślać sposób rysowania postaci. Czekam na Wasze komentarze i opinie! Do zobaczenia wkrótce!

Obraz tragiczny los utalentowany
Rosjanin. System obrazów w opowieści
„Głupi artysta”
Nie mogę tego uznać za fakt, ale tak uważam
coś o psychice, analiza charakteru.
NS Leskow
Cel lekcji:

rozwijać Mowa ustna studenci; analizować tekst dzieła i wizerunki bohaterów.
Wyposażenie lekcji:



tekst opowieści,
epigraf;
ilustracje do „Głupiego artysty” autorstwa M. Dobużyńskiego, I. Głazunowa.
Techniki metodyczne:




rozmowa na tematy Praca domowa,
praca z tekstem,
skomentował czytanie;
rozmowa analityczna.
1. Rozmowa analityczna.
PODCZAS ZAJĘĆ
Który mediów artystycznych pozwalają autorowi lepiej zrozumieć psychologię i działania bohaterów
„Głupi artysta”?
(Szczegóły obiektu, charakterystyka mowy i portretu).
Jaką rolę pełni portret bohaterów Głupiego artysty?
Portrety pozwalają N.S. Leskovowi lepiej zrozumieć i przekazać psychologię bohaterów „Tupeyny”
artysta”, ponieważ pomiędzy wygląd osoby i jej wewnętrzna istota zazwyczaj taka jest
pewne połączenie.
Jakie znaczenie ma wizerunek Ljubowa Onisimowna?
Lyubov Onisimovna jest narratorem w „Głupim artyście”. Wszystkie wydarzenia odzwierciedlone w pracy
pojawiają się przed czytelnikami poprzez postrzeganie tej bohaterki.
Jak N.S. Leskov rysuje głównego bohatera „Głupiego artysty”?
„…wysoka, sucha, ale bardzo szczupła starsza pani. Ljubow Onisimowna nie był jeszcze bardzo stary, ale biały jak błotniak;
jej rysy twarzy były cienkie i delikatne, a wysoka sylwetka była całkowicie prosta i zaskakująco dobrze zbudowana, jak u młodej kobiety
dziewczyny... Była nieskończenie szczera, łagodna i sentymentalna. Cecha ta podana przez Leskowa
bohaterka na początku dzieła od razu przyciąga czytelnika obrazem narratora. I to nie tylko tak.
Czytelnik współczuje bohaterce i jej kochankowi, wierzy we wszystko, co mówi, choć jest ostrożny
słowa, że ​​Ljubow Onisimowna „kochała w życiu to, co tragiczne i... Czasem piła”. Tacy ludzie nie zawsze są
obiektywny w ocenie wydarzeń. Nie dopuszczają żadnych półtonów, więc każdemu, z kim los przynosi Miłość
Onisimovna są wyraźnie podzielone na pozytywne i negatywne. Ale nie zawsze taka była.
W wieku osiemnastu lat Lyubov Onisimowna „była nie tylko w rozkwicie swojej dziewiczej urody, ale także w samym jej
ciekawy moment w rozwoju jej wieloaspektowego talentu: „śpiewała w chórach”, tańczyła „pierwsza
w „Chińskim ogrodniku” i czując powołanie do tragedii, „znał wszystkie role z widzenia”.
Na jakie grupy można podzielić bohaterów „Głupiego artysty”?

Jak w ludowych opowieściach o kochankach przechodzących serię prób,
stojąc na drodze ich miłości, w „Głupim artyście” wszyscy bohaterowie podzieleni są na grupy: do pierwszej zalicza się
Arkady Iljicz i Ljubow Onisimovna, do drugiego - bracia Kamensky, a do trzeciej grupy - epizodyczne
bohaterowie opowieści. A wszyscy ci bohaterowie dzielą się na negatywnych i pozytywnych („dobrych” i „złych”).
Wszystko gadżety historie mają wymowne nazwy: nazwa Miłość pochodzi ze starosłowiańskiego
słowo oznaczające miłość. Arkady (od greckich słów „arkados” i „arkas”, mieszkaniec Arkadii. Arkadia to
szczęśliwy, idylliczny kraj pasterzy i pastereczek). Imię Arkady symbolizuje aktywny, dobry i
odważny początek. Wszystkie te cechy są nieodłącznie związane z głównym bohaterem „Głupiego artysty”. Imię Drosida wydaje się
dziwne dla czytelników, ale Leskov również nie bez powodu wprowadza je do dzieła. Drosida (w tłumaczeniu z greckiego - męczennik),
przyjęty męczeństwo dla Chrystusa. W opowiadaniu „Głupi artysta” Drosida trafiła do bydlęcej stacji
podwórku, cierpiawszy z miłości.
Wszystko znaki negatywne nie mają imion ani nazwisk.
Dlaczego?
Dlaczego Leskov wspomina to nazwisko? negatywni bohaterowie- Bracia Kamenscy?
Możemy się tylko domyślać imion braci Kamenskich. I to nie ma znaczenia. Wzmianka o nazwisku hrabiego
i jego brat są potrzebni Leskovowi jedynie po to, by dać z nimi jakiś związek wydarzenia historyczne NA
Orłowszczyna.
Jaka jest rola postaci epizodycznych w opowiadaniu?
Postacie epizodyczne, podobnie jak główne, również dzielą się na „dobre” i „złe”. Do epizodycznych bohaterów tej historii
obejmują kowbojkę Drosidę, księdza i księdza oraz woźnego zajazdu. Staje się to paradoksalne
zdrada księdza, z historii czytelnik wie, że „sam hrabia nie wierzył w Boga, ale duchowo
nie mogłem tego znieść; a pewnego razu na Wielkanoc kapłanów Borysa i Gleba z krzyżem upolowały charty.
Dlaczego ksiądz zdradził kochanków? Czy mógł zachować się inaczej, czy raczej zrobił to pat?
Czy można usprawiedliwić zdradę księdza?
„Pstrokata staruszka” Drosida, „starsza, wysoka, cała w niebieskich pstrokatych ubraniach” pomogła Ljubowowi Onisimowej
poradzić sobie z „psychozą” i przetrwać straszne dni rozłąka z ukochaną osobą. Prosta kowbojka okazuje się czymś więcej
„człowiekiem”, a nie mężem Bożym.
2. Sprawdzanie pracy domowej. Przygotowana przez studenta tabela jest sprawdzana na rzutniku graficznym.
(skomentował czytanie i dyskusję na temat punktów cechy porównawcze bohaterowie „Tupeiny”
artysta").
Tabela.
Arkady
Hrabia Kamenski.
„...i był człowiekiem z pomysłami, jednym słowem artystą.”
„...on sam jest piękniejszy niż jakikolwiek przystojny mężczyzna, ponieważ był wysoki
umiarkowany, ale smukły, nie da się powiedzieć, nos cienki i
dumny, a jego oczy są anielskie, miłe, a jego gruby grzebień jest piękny
głowa mu opadła na oczy, tak że patrzył jakby od tyłu
mglista chmura.”
„wszystkim się podobało”
„Dlaczego zdecydowałem – wie tylko moja klatka piersiowa i tło”.
„Nie ma nade mną spisku, ale jest we mnie sens od Boga: dopóki podasz rękę
z pistoletu zaczął go podnosić, żeby do mnie strzelić, zrobiłbym to
Poderżnąłem ci całe gardło brzytwą.
„...powinnaś się go bać, kiedy goli się brzytwą.”
„...było tak strasznie źle,
przez twój ciągły gniew,
to dla wszystkich zwierząt na raz
przypominał.”
„I w naturze dla hrabiego, dla wielkiego
dokładnie tego mu brakowało
ze wszystkich ważniejszych i „wojskowych”
wyobraźnia."
„Przymierze czystości może zostać naruszone
tylko „on sam”, ten, który
ustawić."
„...cicho, bardzo cicho, jakby
uspokoiwszy się. - Zawsze to ma

„...czy zgadzasz się umrzeć, jeśli nie wyjdziemy?”
„Zabierzcie mnie na dręczenie, ale ona nie jest niczemu winna: zmuszam ją
odjechał.”
„...i czuję do ciebie jedynie szacunek.”
wydarzyło się przed tym większym
okrucieństwo."
„...Otworzę dla ciebie drogę honoru, ja
Nie chcę, żebyś był niższy
jak ty ze szlachcicem
umieść to w duchu.”
Jakiej techniki używa Leskow, opisując wygląd Arkadego i hrabiego Kamenskich? (Antyteza -
sprzeciw).
Czy uważasz, że hrabia Kamensky to kompletny złoczyńca?
Tylko złoczyńca mógł doświadczyć „takich udręk, że temu, któremu przeznaczona jest śmierć, po stokroć lepiej. I stojak i
sznurkiem, a oni zakryli głowy swoje i odwrócili je do góry nogami: to wszystko się wydarzyło. Kara państwowa po tym już jest
nic nie było ustawione. Pod całym domem były tajne piwnice, w których żyli ludzie w łańcuchach, jak niedźwiedzie,
siedział. Zdarzało się, że przechodząc obok słychać było grzechotanie łańcuchów i jęki ludzi w łańcuchach...
Inne, nawet z niedźwiedziami, były przykute łańcuchami, tak że niedźwiedź mógł je unieść łapą tylko o pół cala.
Ale hrabiego Kamenskiego nie można uznać za kompletnego złoczyńcę, ponieważ zachowywał się inaczej z Arkadym,
„otwierając mu drogę honoru”. Po karze hrabia zawołał do niego Arkadego i powiedział: „Wyślę list, abyś ty
Teraz wysłali cię prosto na wojnę i nie będziesz służył jako zwykły żołnierz, ale będziesz sierżantem pułku i
pokaż swoją odwagę. Zatem nie moja wola jest nad tobą, ale wola króla.
Przez trzy lata Arkady „walczył i służył władcy, i nie raz przelał jego krew, i za to wyszedł (do niego)
stopień oficerski i tytuł szlachecki.” Dlaczego nie bohater z bajki?
Ale ta bajka nie ma szczęśliwego zakończenia. Arkady nie musiał pojawiać się przed nikczemnym hrabią w rozkazach i
krzyże, nie miał szansy wykupić Ljubowa Onisimowna i poślubić ją „przed tronem Najwyższego
Twórca." Arkady przeszedł przez ogień i wodę i został zdradziecko zabity: w nocy zasztyletowany przez woźnego zajazdu.
Jakie znaczenie ma epizod z pogrzebu Arkadego?
Słudzy hrabiego Kamenskiego poszli zobaczyć, jak „ miedziane rury„grał na pogrzebie Arkadego: „on sam
Gubernator był na pogrzebie! Dlaczego! Oficer, jego diakon i ks. „Bolyarin” Arkady na mszy św
jak to nazwali i jak opuścili trumnę, żołnierze wystrzelili z broni puste ładunki.” Ale Arkady się obudził
toczą się od wielu lat. Przez wiele lat serce Ljubowa Onisimowej „pali się jak węgiel i nie ma źródła” i musi
aby starsza niania wstała w nocy z łóżka i nalała sobie tego węgla z „małej buteleczki”.
Jaki nastrój będzie panował w zakończeniu Głupiego artysty? Czuje melancholię, smutek, beznadzieję
czytelnikowi na końcu opowieści, zwłaszcza że opowieść kończy się słowami: „Straszniejsze i
Nigdy w życiu nie widziałem rozdzierającego duszę pogrzebu.
Jaki jest tu nastrój?

Cel lekcji: ujawnij filozoficzną treść opowieści Bunina.

Techniki metodyczne: czytanie analityczne.

Podczas zajęć.

I. Słowo nauczyciela.

Trwała już I wojna światowa i nastąpił kryzys cywilizacyjny. Bunin odniósł się do bieżących problemów, ale niezwiązanych bezpośrednio z Rosją, do aktualnej rosyjskiej rzeczywistości. Wiosną 1910 r. I.A. Bunin odwiedził Francję, Algierię, Capri. W grudniu 1910 r. – wiosną 1911 r. Byłem w Egipcie i na Cejlonie. Wiosną 1912 ponownie udał się na Capri, a latem następnego roku odwiedził Trebizondę, Konstantynopol, Bukareszt i inne miasta europejskie. Od grudnia 1913 przebywał na Capri sześć miesięcy. Wrażenia z tych podróży znalazły odzwierciedlenie w opowieściach i opowiadaniach, które złożyły się na zbiory „Sukhodol” (1912), „Jan Płacz” (1913), „Kielich życia” (1915), „Mistrz z San Francisco” (1916).

Opowieść „Pan z San Francisco” ( Oryginalny tytuł„Śmierć na Capri”) kontynuował tradycję L.N. Tołstoj, który przedstawił chorobę i śmierć jako główne wydarzenia, odsłaniając prawdziwą wartość jednostki („Polikushka”, 1863; „Śmierć Iwana Iljicza”, 1886; „Mistrz i robotnik”, 1895). Wraz z nurtem filozoficznym w opowiadaniu Bunina rozwijały się problemy społeczne związane z krytycznym podejściem do braku duchowości społeczeństwa burżuazyjnego, do wywyższania postępu technicznego kosztem doskonalenia wewnętrznego.

Bunin nie akceptuje cywilizacji burżuazyjnej jako całości. Patos tej historii tkwi w poczuciu nieuchronności śmierci tego świata.

Działka zbudowany na opisie wypadku, który niespodziewanie przerwał ustalone życie i plany bohatera, którego imienia „nikt nie pamiętał”. Należy do tych, którzy do pięćdziesiątego ósmego roku życia „niestrudzenie pracowali”, by upodobnić się do bogaczy, „których kiedyś brał za wzór”.

II. Rozmowa oparta na opowiadaniu.

Jakie obrazy w opowieści mają znaczenie symboliczne?

(Po pierwsze, parowiec oceaniczny z znaczące imię„Atlantis”, którym bezimienny milioner płynie do Europy. Atlantyda - zatopiony legendarny, mityczny kontynent, symbol zaginiona cywilizacja nie mogąc oprzeć się naporowi żywiołów. Nasuwają się także skojarzenia z Titaniciem, który zatonął w 1912 roku. „Ocean, który chodził za ścianami” parowca to symbol żywiołów, natury, przeciwstawnej cywilizacji.
Symboliczny jest także wizerunek kapitana, „rudowłosego mężczyzny monstrualnych rozmiarów i budowy, podobnego... do ogromnego bożka i bardzo rzadko pojawiającego się publicznie ze swoich tajemniczych komnat”. Obraz ma charakter symboliczny tytułowy bohater (odniesienie: bohaterem tytułowym jest ten, którego imię znajduje się w tytule dzieła; nie może on być głównym bohaterem). Dżentelmen z San Francisco jest uosobieniem człowieka cywilizacji burżuazyjnej.)

Aby lepiej wyobrazić sobie naturę związku „Atlantydy” z oceanem, można zastosować technikę „kinową”: „kamera” najpierw przesuwa się po podłogach statku, demonstrując bogatą dekorację, detale podkreślające luksus, solidność , niezawodność „Atlantydy”, a potem stopniowo „odpływa” ukazując ogrom statku jako całości; poruszając się dalej, „kamera” oddala się coraz bardziej od parowca, aż staje się niczym łupina orzecha w ogromnym, szalejącym oceanie wypełniającym całą przestrzeń. (Przypomnijmy końcową scenę filmu „Solaris”, w której pozornie nabyto Dom ojca okazuje się jedynie urojeniem, danym bohaterowi mocą Oceanu. Jeśli to możliwe, możesz pokazać te zdjęcia na zajęciach).

Jakie znaczenie ma główny wątek opowieści?

(Główna akcja opowieści rozgrywa się na ogromnym parowcu słynnej Atlantydy. Ograniczona przestrzeń fabularna pozwala skupić się na mechanizmie funkcjonowania cywilizacji burżuazyjnej. Jawi się ona jako społeczeństwo podzielone na górne „piętra” i „piwnice”. Na górze życie toczy się jak w „hotelu ze wszystkimi udogodnieniami”, miarowo, spokojnie i bezczynnie. Jest „wielu” „pasażerów”, którzy żyją „bezpiecznie”, ale jest ich znacznie więcej – „wielka rzesza” – tych. którzy dla nich pracują „w kuchniach, zmywalniach” i w „podwodnym łonie” – przy „gigantycznych paleniskach”).

Jakiej techniki używa Bunin, aby przedstawić podział społeczeństwa?

(Podział ma charakter antytezy przeciwstawia się odpoczynek, beztroskę, taniec i pracę, nieznośne napięcie”; „blask... pałacu” oraz „ciemne i parne głębiny podziemnego świata”; „panowie” we frakach i smokingach, panie w „bogatych”, „ślicznych” „toaletach” i „przelani gryzącym, brudnym potem i nadzy do pasa, ludzie szkarłatni od płomieni”. Stopniowo buduje się obraz nieba i piekła.)

Jak „góra” i „dół” mają się do siebie?

(Oni w dziwny sposób połączone ze sobą. „Dobre pieniądze” pomagają dostać się na sam szczyt, a ci, którzy niczym „pan z San Francisco” byli „dość hojni” dla ludzi z „podziemia”, „karmili i poili… służyła mu, ostrzegając jego najmniejsze pragnienia, chroniła jego czystość i spokój, niosła jego rzeczy…”.)

Dlaczego główny bohater pozbawiony jest imienia?

(Bohatera nazywa się po prostu „mistrzem”, bo taka właśnie jest jego istota. Przynajmniej uważa się za mistrza i rozkoszuje się swoją pozycją. Może sobie pozwolić na wyjazd „dla rozrywki” „do Starego Świata we dwoje” całe lata” może cieszyć się wszystkimi dobrodziejstwami, jakie gwarantuje mu jego status, wierzy „w opiekę tych wszystkich, którzy go karmili i poili, służyli mu od rana do wieczora, ostrzegali go przed najmniejszymi pragnieniami”, może z pogardą wyrzucić nędzarzy przez zaciśnięte zęby: „Odejdź, Via!” („Precz!”).)

(Opisując wygląd pana Bunin używa epitetów podkreślających jego bogactwo i nienaturalność: „srebrne wąsy”, „złote plomby” w zębach, „silna łysina”, w porównaniu do „starej kości słoniowej”. W panu nie ma nic duchowego, jego celem stało się wzbogacenie i czerpanie korzyści z tego bogactwa się spełniło, ale nie uszczęśliwiło go to opisowi pana z San Francisco niezmiennie towarzyszy autorskiej ironii.)

Kiedy bohater zaczyna się zmieniać i tracić pewność siebie?

(„Dżentelmen” zmienia się dopiero w obliczu śmierci, to już nie pan z San Francisco zaczyna się w nim pojawiać – już go nie było – ale ktoś inny.” Śmierć czyni go człowiekiem: „jego rysy zaczęły się stać się cieńszym, jaśniejszym... ” „Zmarły”, „martwy”, „martwy” - tak autor nazywa teraz bohatera. Postawa otaczających go osób zmienia się gwałtownie: zwłoki należy usunąć z hotelu żeby nie psuć nastroju innym gościom, nie mogą zapewnić trumny - jedynie pudełko spod sody („soda” to także jeden ze znaków cywilizacji), służąca, zachwycona żywymi, kpiąco śmieje się z umarli. Na końcu opowieści wspomniane jest „ciało martwego starca z San Francisco”, które wraca „do domu, do grobu, do brzegów Nowego Świata”, w czarnej ładowni moc „mistrza” okazała się iluzoryczna.)

Jak w opowieści ukazane jest społeczeństwo?

(Parowiec - ostatnie słowo technik - jest modelem społeczeństwo. Ładownie i pokłady stanowią warstwy tego społeczeństwa. NA Wyższe piętra statek, który wygląda jak „ogromny hotel ze wszystkimi udogodnieniami”, płynie równomiernie życie bogatych którzy osiągnęli całkowity „dobrobyt”. Na to życie wskazuje długie, niejasno osobiste zdanie, zajmujące prawie stronę: „wstaliśmy wcześnie,… piliśmy kawę, czekoladę, kakao,… siedzieliśmy w wannie, pobudzając apetyt i zdrowie, wykonywaliśmy codzienne toalety i poszedłem na pierwsze śniadanie...” Propozycje te podkreślają bezosobowość i brak indywidualności tych, którzy uważają się za panów życia. Wszystko, co robią, jest nienaturalne: rozrywka jest potrzebna tylko po to, aby sztucznie pobudzić apetyt. „Podróżnicy” nie słyszą złego wycia syreny, zapowiadającego śmierć - zagłuszają je „dźwięki pięknej orkiestry smyczkowej”.
Pasażerowie statku reprezentują bezimienną „śmietankę” społeczeństwa: „W tym genialnym tłumie był pewien wielki bogacz,… był znany pisarz hiszpański, była piękność światowej sławy, była zakochana para elegancka …” Para udawała zakochaną, „została wynajęta przez Lloyda, żeby zagrać w miłość” za dobre pieniądze”. To sztuczny raj wypełniony światłem, ciepłem i muzyką.
Jest też piekło. „Podwodne łono parowca” jest jak piekło. Tam „gigantyczne piece głucho gdakały, pożerając rozpalonymi do czerwoności pyskami stosy węgla, z rykiem wrzucanymi w nie przez ludzi zlanych gryzącym, brudnym potem i nagich do pasa, szkarłatnych od płomieni”. Zwróćmy uwagę na niepokojący koloryt i groźny wydźwięk tego opisu.)

Jak rozwiązuje się konflikt człowieka z przyrodą?

(Społeczeństwo wygląda tylko jak dobrze naoliwiona maszyna. Przyroda, która wydaje się być przedmiotem rozrywki wraz z „starożytnymi pomnikami, tarantellą, serenadami wędrownych śpiewaków i… miłością młodych neapolitańskich kobiet”, przypomina iluzoryczną naturę życie w „hotelu”. Jest „ogromny”, ale wokół niego „wodna pustynia” oceanu i „pochmurne niebo”. Odwieczny strach człowieka przed żywiołami zagłuszają dźwięki „orkiestry smyczkowej”. Przypomina o tym syrena „nieustannie wołająca” z piekła, jęcząca „w śmiertelnej udręce” i „gwałtownym gniewie”, ale oni to słyszą „nieliczni”. „pogański bożek” – dowódca statku Specyfika opisu łączy się z symboliką, co pozwala podkreślić filozoficzny charakter konfliktu. Przepaść społeczna między bogatymi a biednymi jest niczym w porównaniu z przepaścią, która dzieli .człowiek z natury i życie z nieistnienia.)

Jaka jest rola epizodycznych bohaterów opowieści – Lorenza i górali z Abruzji?

(Postacie te pojawiają się na końcu opowieści i nie są w żaden sposób związane z jej akcją. Lorenzo to „wysoki, stary wioślarz, beztroski biesiadnik i przystojny mężczyzna”, prawdopodobnie w tym samym wieku co dżentelmen z San Francisco. Tylko poświęcono mu kilka linijek, ale w odróżnieniu od tytułowego bohatera nadano mu dźwięczne imię. Jest sławny w całych Włoszech, niejednokrotnie był wzorem dla wielu malarzy „Z królewskim usposobieniem” – rozgląda się, czuć się prawdziwie „królewsko”, ciesząc się życiem, „rysując się w swoich szmatach, z glinianą fajką i czerwonym wełnianym beretem opuszczonym na jedno ucho”. Malowniczy biedny starzec Lorenzo będzie żył wiecznie na płótnach artystów, ale… bogaty starzec z San Francisco został wymazany z życia i zapomniany, zanim zdążył umrzeć.
Górale abruzyjscy, podobnie jak Lorenzo, uosabiają naturalność i radość bycia. Żyją w harmonii, w harmonii ze światem, z naturą: „Szli - a pod nimi rozciągała się cała kraina radosna, piękna, słoneczna i skaliste garby wyspy, które prawie wszystkie leżały u ich stóp i ten bajeczny błękit, w którym pływał, i lśniące poranne opary nad morzem na wschodzie, pod oślepiającym słońcem...” Dudy z koziej skóry i drewniany góralski trzonek kontrastują z „piękną orkiestrą smyczkową” parowca. Swoją żywą, prostą muzyką alpiniści wychwalają słońce, poranek, „niepokalanego orędownika wszystkich, którzy cierpią z powodu tego zła i cudowny świat i narodził się z jej łona w jaskini betlejemskiej…” To jest to prawdziwe wartościżycie, w przeciwieństwie do błyskotliwych, drogich, ale sztucznych, wyimaginowanych wartości „mistrzów”).

Jaki obraz jest ogólnym obrazem znikomości i przemijania ziemskiego bogactwa i chwały?

(Jest to również bezimienny obraz, na którym rozpoznaje się niegdyś potężnego rzymskiego cesarza Tyberiusza, który ostatnie lata swojego życia spędził na Capri. Wielu „przyjeżdża popatrzeć na pozostałości kamiennego domu, w którym mieszkał”. „Ludzkość będzie pamiętajcie o nim na zawsze”, ale to jest chwała Herostratusa: „człowiek, który był niewypowiedzianie podły w zaspokajaniu swojej żądzy i z jakiegoś powodu miał władzę nad milionami ludzi, zadając im niezmierzone okrucieństwo, słowem „dla niektórych”. rozum” - obnażenie fikcyjnej władzy, dumy, czasu stawia wszystko na swoim miejscu: daje nieśmiertelność prawdzie i pogrąża fałsz w zapomnienie.)

III. Słowo nauczyciela.

Fabuła stopniowo rozwija temat końca istniejącego porządku świata, nieuchronności śmierci bezdusznej i duchowej cywilizacji. Zawarte jest ono w motto, które Bunin usunął dopiero w r Najnowsza edycja 1951: „Biada tobie, Babilonie, mocne miasto!” To biblijne sformułowanie, przypominające ucztę Belszaccara przed upadkiem królestwa chaldejskiego, brzmi jak zapowiedź nadchodzących wielkich nieszczęść. Wzmianka w tekście o Wezuwiuszu, którego erupcja zniszczyła Pompeje, potwierdza złowrogą przepowiednię. Ostre uczucie kryzys cywilizacji skazanej na zapomnienie łączy się z filozoficznymi refleksjami na temat życia, człowieka, śmierci i nieśmiertelności.

IV. Analiza kompozycji i konfliktu opowieści.
Materiał dla nauczycieli.

Kompozycja Historia ma charakter kołowy. Podróż bohatera rozpoczyna się w San Francisco, a kończy powrotem „do domu, do grobu, do brzegów Nowego Świata”. „Środek” opowieści – wizyta w „Starym Świecie” – oprócz tego konkretnego, ma także znaczenie uogólnione. " Nowa osoba”, wracając do historii, na nowo ocenia swoje miejsce w świecie. Przybycie bohaterów do Neapolu i na Capri otwiera możliwość umieszczenia w tekście autorskich opisów „cudownego”, „radosnego, pięknego, słonecznego” kraju, którego piękna „słowa ludzkie nie są w stanie wyrazić” oraz filozoficzne dygresje, uwarunkowane wrażeniami włoskimi.
Punkt kulminacyjny to scena „niespodziewanego i brutalnego upadku” na „pana” śmierci w „najmniejszym, najgorszym, najbardziej wilgotnym i zimnym” pokoju „dolnego korytarza”.
Wydarzenie to, jedynie przez zbieg okoliczności, zostało odebrane jako „straszne wydarzenie” („gdyby nie Niemiec w czytelni”, który wybiegł stamtąd „z krzykiem”, właściciel byłby w stanie „uspokajać dół... z pospiesznymi zapewnieniami, że tak jest, to drobnostka..."). Nieoczekiwane odejście w zapomnienie w kontekście opowieści postrzegane jest jako najwyższy moment zderzenia iluzji z prawdą, kiedy natura „z grubsza” udowadnia swoją wszechmoc. Ale ludzie kontynuują swoją „beztroską”, szaloną egzystencję, szybko wracając do ciszy i spokoju”. Nie da się ich obudzić do życia nie tylko przykładem jednego z im współczesnych, ale nawet wspomnieniem tego, co wydarzyło się „dwa tysiące lat temu” za czasów Tyberiusza, który żył „na jednym z najbardziej stromych zboczy” Capri, który był cesarzem rzymskim za życia Jezusa Chrystusa.
Konflikt Fabuła wykracza daleko poza ramy konkretnej sprawy, dlatego też jej zakończenie wiąże się z refleksją nad losami nie tylko jednego bohatera, ale wszystkich przeszłych i przyszłych pasażerów Atlantydy. Skazana na „trudną” drogę przezwyciężenia „ciemności, oceanu, zamieci”, zamknięta w „piekielnej” machinie społecznej, ludzkość zostaje stłumiona warunkami swego ziemskiego życia. Tylko naiwni i prości, jak dzieci, mają dostęp do radości dołączenia do „wiecznych i błogich siedzib”. W opowiadaniu pojawia się obraz „dwóch górali abruzyjskich”, odsłaniających głowy przed gipsową figurą „niepokalanej orędowniczki wszystkich cierpiących”, wspominających swego „błogosławionego syna”, który przyniósł „piękny” początek dobra do „złego” świata. Władcą ziemskiego świata pozostał diabeł, obserwujący „ze skalnych bram dwóch światów” poczynania „Nowego Człowieka o starym sercu”. Co wybierze? gdzie on pójdzie ludzkość, czy jest w stanie pokonać w sobie złe skłonności, to pytanie, na które opowieść daje odpowiedź „tłumiącą... duszę”. Ale rozwiązanie staje się problematyczne, ponieważ finał potwierdza ideę Człowieka, którego „duma” czyni go trzecią siłą świata. Symbolem tego jest podróż statku przez czas i żywioły: „Zamieć uderzała w takielunek i rury o szerokiej szyjce, białe od śniegu, ale była niezachwiana, niezawodna, majestatyczna i straszna”.
Oryginalność artystyczna Fabuła wiąże się z przeplataniem zasad epickich i lirycznych. Z jednej strony, w pełnej zgodzie z realistycznymi zasadami ukazywania bohatera w jego relacjach z otoczeniem, w oparciu o specyfikę społeczną i codzienną, tworzony jest typ, którego przypominającym tłem są przede wszystkim obrazy” martwe dusze”(N.V. Gogol. „Dead Souls”, 1842), Ponadto, podobnie jak Gogol, dzięki ocena autora, wyrażone w liryczne dygresje problemy pogłębiają się, konflikt nabiera charakteru filozoficznego.

Dodatkowe materiały dla nauczycieli.

Melodia śmierci zaczyna wybrzmiewać w ukryciu już od pierwszych stron dzieła, stopniowo stając się motywem przewodnim. Śmierć jest początkowo niezwykle estetyczna i malownicza: w Monte Carlo jednym z zajęć bogatych próżniaków jest „strzelanie do gołębi, które bardzo pięknie szybują i przesiadują nad szmaragdowym trawnikiem, na tle morza w kolorze niezapominajki”. nie i natychmiast uderzył o ziemię białymi grudkami.” (Bunina cechuje generalnie estetyzacja rzeczy zwykle nieestetycznych, które raczej powinny straszyć niż przyciągać obserwatora – cóż, kto inny jak nie on mógłby pisać o „lekko przypudrowanych, delikatnych różowych pryszczach w okolicach ust i między łopatkami” na córka dżentelmena z San Francisco, porównaj białka oczu czarnych z „łuszczącymi się, twardymi kulkami” lub nazwij to młody człowiek w wąskim fraku z długimi ogonami „przystojny jak wielka pijawka!”) Potem pojawia się cień śmierci portret werbalny książę koronny jednego z państw azjatyckich, słodki i przyjemny ogólna osoba, którego jednak wąsy „widziały jak u trupa”, a skóra na twarzy była „jakby rozciągnięta”. A syrena na statku dusi się w „śmiertelnej melancholii”, obiecując zło, muzea są zimne i „śmiertelnie czyste”, a ocean porusza „żałobnymi górami srebrnej piany” i szumi jak „msza pogrzebowa”.
Ale oddech śmierci jest jeszcze wyraźniejszy w wyglądzie głównego bohatera, w którego portrecie dominują żółto-czarno-srebrne odcienie: żółtawa twarz, złote plomby w zębach, czaszka w kolorze kości słoniowej. Jego kreacji dopełniają kremowa jedwabna bielizna, czarne skarpetki, spodnie i smoking. I siedzi w złocisto-perłowym blasku jadalni. I wydaje się, że od niego te kolory rozprzestrzeniły się na naturę i na całość świat. Tyle że dodano niepokojący czerwony kolor. Jasne jest, że ocean faluje swoimi czarnymi falami, że szkarłatne płomienie wydobywają się z palenisk statku, to naturalne, że Włoszki mają czarne włosy, że gumowe peleryny taksówkarzy dają czarny wygląd, że tłum lokajów jest „czarny” i że muzycy mogą nosić czerwone marynarki. Ale dlaczego piękna wyspa Capri zbliża się także „swoją czernią”, „przewiercona czerwonymi światłami”, dlaczego nawet „pokorne fale” mienią się jak „czarny olej”, a wzdłuż nich płyną „złote boa” z zapalonych latarni na molo?
W ten sposób Bunin kreuje w czytelniku wyobrażenie o wszechmocy pana z San Francisco, zdolnego zagłuszyć nawet piękno natury! (...) Przecież nawet słonecznego Neapolu nie rozświetla słońce, kiedy jest tam Amerykanin, a wyspa Capri wydaje się być jakimś duchem, „jakby nigdy na świecie nie istniała”, kiedy bogacz podchodzi do niego...

Pamiętaj, w dziełach których pisarzy występuje „mówiąca kolorystyka”. Jaką rolę w kreowaniu wizerunku Petersburga odgrywa Dostojewski? żółty? Jakie inne kolory są istotne?

Bunin potrzebuje tego wszystkiego, aby przygotować czytelnika na kulminację historii - śmierć bohatera, o której nie myśli, o której myśl w ogóle nie przenika jego świadomości. A cóż może być w tym zaprogramowanym świecie, w którym formalne ubieranie się do obiadu odbywa się w taki sposób, jak gdyby ktoś przygotowywał się do „koronacji” (czyli szczęśliwego szczytu swojego życia!), gdzie nie ma to pogodny bystrzak, wprawdzie w średnim wieku, ale dobrze ogolony, a przy tym bardzo elegancki mężczyzna, który z łatwością dogoni spóźnioną na obiad staruszkę! Bunin ma tylko jeden szczegół, który „wyróżnia się” z szeregu dobrze wyćwiczonych czynności i ruchów: kiedy pan z San Francisco ubiera się na kolację, jego mankiet na szyi nie słucha palców. Nie chce się zapinać na ostatni guzik... Ale on i tak ją pokonuje. Boleśnie gryząc „zwiotczałą skórę we wnęce pod jabłkiem Adama” zwycięża „z oczami błyszczącymi od napięcia”, „cały szary od ciasnego kołnierza ściskającego gardło”. I nagle w tej chwili wypowiada słowa, które w żaden sposób nie pasują do atmosfery ogólnego zadowolenia, do zachwytu, na jaki był przygotowany. „- Och. To straszne! - mruknął... i powtórzył z przekonaniem: "To jest okropne..." To, co mu się właściwie wydawało okropne w tym świecie przeznaczonym dla przyjemności, pan z San Francisco, nieprzyzwyczajony do myślenia o tym, co nieprzyjemne, nigdy nie próbował zrozumieć . Uderza jednak fakt, że Amerykanin, który wcześniej mówił głównie po angielsku lub włosku (jego rosyjskie uwagi są bardzo krótkie i odbierane jako „przejściowe”), dwukrotnie powtarza to słowo po rosyjsku… Swoją drogą, w ogóle warto zwrócić uwagę na jego nagła, jak szczekająca mowa: nie wypowiada więcej niż dwa lub trzy słowa z rzędu.
„Straszne” było pierwszym dotknięciem Śmierci, nigdy nie zrealizowanym przez osobę, w której duszy „przez długi czas nie było już żadnych uczuć mistycznych”. Przecież, jak pisze Bunin, intensywny rytm jego życia nie pozostawiał „czasu na uczucia i refleksję”. Jednak nadal miał jakieś uczucia, a raczej doznania, choć proste, jeśli nie podłe... Pisarz wielokrotnie podkreśla, że ​​pan z San Francisco ożywił się dopiero na wzmiankę o wykonawcy tarantelli. (jego pytanie zadane „bez wyrazu” o jej partnera: czy to nie jest jej mąż – zdradza jedynie ukryte podekscytowanie), wyobrażając sobie tylko, jaka ona jest, „śniada, o fałszywych oczach, wyglądająca jak mulat, w kwiecistym stroju” (…) tańczy”, wyczekując jedynie „miłości młodych neapolitanek, choć nie do końca bezinteresownej”, jedynie podziwiając „żywe obrazy” w norach lub patrząc tak otwarcie na słynną blondynkę, że jego córka poczuła się zawstydzona. Desperację odczuwa dopiero wtedy, gdy zaczyna podejrzewać, że życie wymyka mu się spod kontroli: przyjechał do Włoch, żeby się zabawić, a tu mgła, deszcz i przerażające bębnienie... Ale ma przyjemność marzyć o łyżce zupy i łyk wina.
I za to, jak i za całe jego życie, w którym była pewna siebie skuteczność i okrutne wykorzystywanie innych ludzi, i niekończące się gromadzenie bogactwa, i przekonanie, że wszyscy wokół są powołani, aby mu „służyć” „ aby zapobiec jego najmniejszym pragnieniom”, „nieść swoje rzeczy” z powodu braku jakiejkolwiek żywej zasady, Bunin dokonuje na nim egzekucji i to okrutnie, można rzec, bezlitośnie.
Śmierć pana z San Francisco szokuje swoją brzydotą i odrażającą fizjologią. Teraz pisarz w pełni wykorzystuje estetyczną kategorię „paskudny”, aby obrzydliwy obraz na zawsze utkwił w naszej pamięci. Bunin nie szczędzi odrażających szczegółów, by odtworzyć człowieka, którego żadne bogactwo nie uratuje przed upokorzeniem, jakie następuje po jego śmierci. Później zmarły zyskuje także prawdziwą komunikację z naturą, której został pozbawiony, a której za życia nigdy nie odczuwał potrzeby: „gwiazdy patrzyły na niego z nieba, świerszcz ze smutną beztroską śpiewał na ścianie .”

Jakie dzieła możesz wymienić, w których szczegółowo opisano śmierć bohatera? Jakie znaczenie dla zrozumienia mają te „finały”. plan ideologiczny? Jak wyraża się w nich stanowisko autora?

Pisarz „nagrodził” swojego bohatera tak brzydką, nieoświeconą śmiercią, aby jeszcze raz podkreślić grozę tego niesprawiedliwego życia, które tylko tak mogło się zakończyć. I rzeczywiście, po śmierci pana z San Francisco, świat odetchnął z ulgą. Stał się cud. Już następnego dnia poranne błękitne niebo nabrało złotego koloru, „na wyspę powrócił spokój i cisza”, na ulice wyszli zwykli ludzie, a miejski rynek zaszczycił obecnością przystojnego Lorenza, który dla wielu jest wzorem do naśladowania. malarzy i niejako symbolizuje piękne Włochy.. .

/ / / Rola drugoplanowych postaci w sztuce Ostrowskiego „Burza z piorunami”

Z pióra A.N. Ostrovsky opublikował około 60 sztuk, które gloryfikowały nazwisko autora i uczyniły go wiecznym w pamięci literatury rosyjskiej. Jednym z najbardziej zdecydowanych i szczerych jest spektakl „”, w którym obserwujemy świat tyranów i ich bezkresne działania, które ostatecznie prowadzą do tragicznych konsekwencji.

Akcja rozgrywa się w najzwyklejszym miasteczku Kalinov. Jednak to, co się w nim dzieje, przyciąga naszą uwagę. My, czytelnicy, obserwujemy, w jak trudnej sytuacji znaleźli się mieszkańcy Kalinowa. Codziennie mają kontakt z okrutnymi handlarzami o całkowicie dozwolonym statusie.

W spektaklu pojawia się mnóstwo drugoplanowych postaci. Pomagają autorowi odsłonić rodzaje relacji między ludźmi tamtych czasów i ujawnić cechy charakteru głównych bohaterów. Tradycyjnie możemy podzielić postacie na pary, które są nieco podobne.

Bardzo podobni do siebie (Kabanikha) i Dikoy. To potężni ludzie, nikt nie odważy się im zaprzeczyć. Dikoy dominuje nad miastem Kalinov, a Kabanikha dominuje nad jej posiadłością. Obie osoby traktują się nawzajem z szacunkiem, ponieważ uważają się za podobnych i takich samych.

Córka Kabanowej jest przyjaciółką Kateriny. Dziewczyny zawsze zdradzają sobie sekrety. Varvara uczyła się i przystosowała do życia w domu swojej matki. A jej główną umiejętnością było kłamanie. W swoim przemówieniu wprost stwierdza, że ​​bez tego nie da się żyć w rodzinie. Jest podobna w zwyczajach i charakterze do swojej matki. Równa jej jest inna postać – Ivan Kudryash. Jest żywy i wesoły, zarozumiały i chełpliwy. W pewnym sensie przypomina nam samego Dzikiego. Para Curly i Varvara ucieka z miasta. Ale czy uda im się stać innymi ludźmi i uwolnić się od zasad tyranii? To wie tylko autor.

W sztuce występują dwie podobne postacie męskie. To mąż Kateriny, Tichon, i jej ukochany Borys. Obydwa można uznać za słabe i pozbawione kręgosłupa. nie mógł chronić Kateriny przed ciągłym uciskiem Kabanikhy i po cichu podporządkował się woli swojej matki. Ale Borys nie mógł zabrać dziewczyny ze sobą na Syberię, a tym samym uratować ją przed samobójstwem. Był całkowicie zależny od wujka Diky’ego. Obie postacie po prostu nie zasługują na uwagę, a tym bardziej na miłość Kateriny.

Wędrowiec Feklusha również stoi w parze, tyle że są to całkowicie przeciwne obrazy. Feklusha jest zwolennikiem „ciemnego królestwa”. Zawsze staje w obronie tyranów. Kuligin natomiast sprzeciwia się wizerunkom Dzikiego, Kabanikhy i innych podobnych osób. To on był w stanie postawić akt oskarżenia przeciwko Marfie Kabanovej po śmierci Kateriny.

Dzięki tak różnorodności pomniejszych postaci losy widzimy na ich tle główny bohater Katerina, która w tej sztuce nie ma sobie równych. Tylko ona była w stanie zadać nieodwracalny cios „ciemnemu królestwu” i wyrazić otwarty protest przeciwko okrucieństwu, bezduszności i bezprawiu.

Lekcja 5. Ostre poczucie kryzysu cywilizacyjnego

w opowiadaniu I. A. Bunina „Pan z San Francisco”

Cel lekcji: ujawnić filozoficzną treść opowieści Bunina.

Techniki metodyczne: czytanie analityczne.

Podczas zajęć

I. Słowo nauczyciela

Trwała już I wojna światowa i nastąpił kryzys cywilizacyjny. Bunin odniósł się do bieżących problemów, ale niezwiązanych bezpośrednio z Rosją, do aktualnej rosyjskiej rzeczywistości. Wiosną 1910 r. I. A. Bunin odwiedził Francję, Algierię i Capri. W grudniu 1910 r. – wiosną 1911 r. Byłem w Egipcie i na Cejlonie. Wiosną 1912 ponownie udał się na Capri, a latem następnego roku odwiedził Trebizondę, Konstantynopol, Bukareszt i inne miasta europejskie. Od grudnia 1913 przebywał na Capri sześć miesięcy. Wrażenia z tych podróży znalazły odzwierciedlenie w opowieściach i opowiadaniach, które złożyły się na zbiory „Sukhodol” (1912), „Jan Płacz” (1913), „Kielich życia” (1915), „Mistrz z San Francisco” (1916).

Opowieść „Dżentelmen z San Francisco” (pierwotnie zatytułowany „Śmierć na Capri”) stanowi kontynuację tradycji L. N. Tołstoja, który chorobę i śmierć ukazywał jako najważniejsze wydarzenia ujawniające prawdziwą wartość jednostki („Polikushka”, 1863; „Śmierć Iwana Iljicza”, 1886; „Mistrz i robotnik”, 1895). Wraz z nurtem filozoficznym w opowiadaniu Bunina rozwijały się problemy społeczne związane z krytycznym podejściem do braku duchowości społeczeństwa burżuazyjnego, do wywyższania postępu technicznego kosztem doskonalenia wewnętrznego.

Bunin nie akceptuje cywilizacji burżuazyjnej jako całości. Patos tej historii tkwi w poczuciu nieuchronności śmierci tego świata.

Działka opiera się na opisie wypadku, który niespodziewanie przerwał ułożone życie i plany bohatera, którego imienia „nikt nie pamiętał”. Należy do tych, którzy do pięćdziesiątego ósmego roku życia „niestrudzenie pracowali”, by upodobnić się do bogaczy, „których kiedyś brał za wzór”.

II. Rozmowa oparta na opowiadaniu

Jakie obrazy w opowieści mają znaczenie symboliczne?

(Po pierwsze, symbolem społeczeństwa jest parowiec oceaniczny o znaczącej nazwie „Atlantis”, na którym bezimienny milioner płynie do Europy. Atlantyda to zatopiony legendarny, mityczny kontynent, symbol zaginionej cywilizacji, która nie mogła oprzeć się atakowi żywiołów Nasuwają się także skojarzenia z tymi, którzy zginęli w 19I2 roku „Titanic”. „Ocean, który chodził za ścianami” statku jest symbolem żywiołów, natury, przeciwstawnej cywilizacji.

Symboliczny jest także wizerunek kapitana, „rudowłosego mężczyzny monstrualnych rozmiarów i budowy, podobnego... do ogromnego bożka i bardzo rzadko pojawiającego się publicznie ze swoich tajemniczych komnat”. Wizerunek tytułowego bohatera ma charakter symboliczny (odniesienie: bohaterem tytułowym jest ten, którego imię znajduje się w tytule utworu; nie może on być głównym bohaterem). Dżentelmen z San Francisco jest uosobieniem człowieka cywilizacji burżuazyjnej.)

Aby lepiej wyobrazić sobie naturę związku „Atlantydy” z oceanem, można zastosować technikę „kinową”: „kamera” najpierw przesuwa się po podłogach statku, demonstrując bogatą dekorację, detale podkreślające luksus, solidność , niezawodność „Atlantydy”, a potem stopniowo „odpływa” ukazując ogrom statku jako całości; poruszając się dalej, „kamera” oddala się coraz bardziej od parowca, aż staje się niczym łupina orzecha w ogromnym, szalejącym oceanie wypełniającym całą przestrzeń. (Przypomnijmy sobie końcową scenę filmu „Solaris”, gdzie pozornie zdobyty dom ojca okazuje się jedynie wyimaginowanym, danym bohaterowi siłą Oceanu. Jeśli to możliwe, możesz pokazać te ujęcia na zajęciach).

Jakie znaczenie ma główny wątek opowieści?

(Główna akcja opowieści rozgrywa się na ogromnym parowcu słynnej Atlantydy. Ograniczona przestrzeń fabularna pozwala skupić się na mechanizmie funkcjonowania cywilizacji burżuazyjnej. Jawi się ona jako społeczeństwo podzielone na górne „piętra” i „piwnice”. Na górze życie toczy się jak w „hotelu ze wszystkimi udogodnieniami”, miarowo, spokojnie i bezczynnie. Jest „wielu” „pasażerów”, którzy żyją „bezpiecznie”, ale jest ich znacznie więcej – „wielka rzesza” – tych. którzy dla nich pracują „w kuchniach, zmywalniach” i w „podwodnym łonie” – przy „gigantycznych paleniskach”).

Jakiej techniki używa Bunin, aby przedstawić podział społeczeństwa?

(Podział ma charakter antytezy: przeciwstawiają się relaks, beztroska, taniec i praca, nieznośne napięcie”; „blask... pałacu” oraz „ciemne i parne głębiny podziemia”; „panowie” w fraki i smokingi, panie w „bogatych”, „cudownych” „toaletach” i „zalane gryzącym, brudnym potem i nagie do pasa, fioletowe od płomieni”. Stopniowo buduje się obraz nieba i piekła.)

Jak „góra” i „dół” mają się do siebie?

(Są ze sobą dziwnie związani. „Dobre pieniądze” pomagają dostać się na szczyt, a „nakarmili i poili” tych, którzy niczym „pan z San Francisco” byli „całkiem hojni” dla ludzi ze „podziemia” Służyli mu od rana do wieczora, powstrzymując jego najmniejsze pragnienia, strzegąc jego czystości i spokoju, nosząc jego rzeczy…”.

Dlaczego główny bohater pozbawiony jest imienia?

(Bohatera nazywa się po prostu „mistrzem”, bo taka właśnie jest jego istota. Przynajmniej uważa się za mistrza i rozkoszuje się swoją pozycją. Może sobie pozwolić na wyjazd „dla rozrywki” „do Starego Świata we dwoje” całe lata” może cieszyć się wszystkimi dobrodziejstwami, jakie gwarantuje mu jego status, wierzy „w opiekę tych wszystkich, którzy go karmili i poili, służyli mu od rana do wieczora, ostrzegali jego najmniejsze pragnienia”, może z pogardą rzucać szmatom przez zaciśnięte zęby : “Iść z dala! Przez! ("Z dala!").)

(Opisując wygląd pana Bunin używa epitetów podkreślających jego bogactwo i nienaturalność: „srebrne wąsy”, „złote plomby” w zębach, „silna łysina”, w porównaniu do „starej kości słoniowej”. W panu nie ma nic duchowego, jego celem stało się wzbogacenie i czerpanie korzyści z tego bogactwa się spełniło, ale nie uszczęśliwiło go to opisowi pana z San Francisco niezmiennie towarzyszy autorskiej ironii.)

Kiedy bohater zaczyna się zmieniać i tracić pewność siebie?

(„Dżentelmen” zmienia się dopiero w obliczu śmierci, to już nie pan z San Francisco zaczyna się w nim pojawiać – już go nie było – ale ktoś inny.” Śmierć czyni go człowiekiem: „jego rysy zaczęły się stać się cieńszym, jaśniejszym... ” „Zmarły”, „martwy”, „martwy” - tak autor nazywa teraz bohatera. Postawa otaczających go osób zmienia się gwałtownie: zwłoki należy usunąć z hotelu żeby nie psuć nastroju innym gościom, nie mogą zapewnić trumny - jedynie pudełko spod sody („soda” to także jeden ze znaków cywilizacji), służąca, zachwycona żywymi, kpiąco śmieje się z umarli. Na końcu opowieści wspomniane jest „ciało martwego starca z San Francisco”, które wraca „do domu, do grobu, do brzegów Nowego Świata”, w czarnej ładowni moc „mistrza” okazała się iluzoryczna.)

Jak w opowieści ukazane jest społeczeństwo?

(Parowiec – najnowsza technologia – jest modelem społeczeństwa ludzkiego. Jego ładownie i pokłady stanowią warstwy tego społeczeństwa. Na wyższych piętrach statku, który wygląda jak „ogromny hotel ze wszystkimi udogodnieniami”, toczy się życie bogaci, którzy osiągnęli pełny „dobrobyt”, płynie miarowo. To życie wyznacza długie, niejasno osobiste zdanie, zajmujące niemal stronę: „wstali wcześnie,… pili kawę, czekoladę, kakao,… ..siedzieli w łaźni, pobudzając ich apetyt i zdrowie, odbyli codzienną toaletę i poszli na pierwsze śniadanie…”. Te zdania podkreślają bezosobowość i brak indywidualności tych, którzy uważają się za mistrzów wszystkiego, co robią jest nienaturalne: rozrywka potrzebna jest jedynie do sztucznego pobudzenia apetytu „Podróżnicy” nie słyszą złowrogiego wycia syreny zwiastującego śmierć – zagłuszają je „dźwięki pięknej orkiestry smyczkowej”.

Pasażerowie statku reprezentują bezimienną „śmietankę” społeczeństwa: „W tym genialnym tłumie był pewien wielki bogacz,… był znany pisarz hiszpański, była piękność światowej sławy, była zakochana para elegancka …” Para udawała zakochaną, „została wynajęta przez Lloyda, żeby zagrać w miłość” za dobre pieniądze”. To sztuczny rój, zalany światłem, ciepłem i muzyką. Jest też piekło.

„Podwodne łono parowca” jest jak piekło. Tam „gigantyczne piece głucho gdakały, pożerając rozpalonymi do czerwoności pyskami stosy węgla, z rykiem wrzucanymi w nie przez ludzi zlanych gryzącym, brudnym potem i nagich do pasa, szkarłatnych od płomieni”. Zwróćmy uwagę na niepokojący koloryt i groźny wydźwięk tego opisu.)

Jak rozwiązuje się konflikt człowieka z przyrodą?

(Społeczeństwo wygląda tylko jak dobrze naoliwiona maszyna. Przyroda, pozornie przypominająca starożytność, tarantellę, serenady wędrownych śpiewaków i... miłość młodych neapolitańskich kobiet, przypomina iluzoryczną naturę życia w „hotelu”. Jest to „ ogromna”, ale wokół niej „wodna pustynia” oceanu i „pochmurne niebo”. Odwieczny strach człowieka przed żywiołami zagłuszają dźwięki „orkiestry smyczkowej”. „w śmiertelnej udręce” i „wściekłym gniewie” przypomina o tym, ale „niewielu innych” to słyszy, wierzy w nienaruszalność swojego istnienia, chronionego przez „pogańskiego bożka” – dowódcę statku opis łączy się z symboliką, co pozwala podkreślić filozoficzny charakter konfliktu. Przepaść społeczna pomiędzy bogatymi a biednymi jest niczym w porównaniu z przepaścią oddzielającą człowieka od natury i życia od nieistnienia.)

Jaka jest rola epizodycznych bohaterów opowieści – Lorenza i górali z Abruzji?

(Postacie te pojawiają się na końcu opowieści i nie są w żaden sposób związane z jej akcją. Lorenzo to „wysoki, stary wioślarz, beztroski biesiadnik i przystojny mężczyzna”, prawdopodobnie w tym samym wieku co dżentelmen z San Francisco. Tylko poświęcono mu kilka linijek, ale w odróżnieniu od tytułowego bohatera nadano mu dźwięczne imię. Jest sławny w całych Włoszech, niejednokrotnie był wzorem dla wielu malarzy „Z królewskim usposobieniem” – rozgląda się, czuć się prawdziwie „królewsko”, ciesząc się życiem, „rysując się w swoich szmatach, z glinianą fajką i czerwonym wełnianym beretem opuszczonym na jedno ucho”. Malowniczy biedny starzec Lorenzo będzie żył wiecznie na płótnach artystów, ale… bogaty starzec z San Francisco został wymazany z życia i zapomniany, zanim zdążył umrzeć.

Górale abruzyjscy, podobnie jak Lorenzo, uosabiają naturalność i radość bycia. Żyją w harmonii, w harmonii ze światem, z naturą: „Szli - a pod nimi rozciągała się cała kraina radosna, piękna, słoneczna i skaliste garby wyspy, które prawie wszystkie leżały u ich stóp i ten bajeczny błękit, w którym pływał, i lśniące poranne opary nad morzem na wschodzie, pod oślepiającym słońcem...” Dudy z koziej skóry i drewniany rękojeść Górali kontrastują z „piękną orkiestrą smyczkową” parowca. Górale swoją żywą, prostą muzyką wychwalają słońce, poranek, „niepokalaną orędowniczkę wszystkich, którzy cierpią na tym złym i pięknym świecie, i tę, która narodziła się z Jej łona w jaskini betlejemskiej…” . To są prawdziwe wartości życia, w przeciwieństwie do genialnych, drogich, ale sztucznych, wyimaginowanych wartości „mistrzów”).

Jaki obraz jest ogólnym obrazem znikomości i przemijania ziemskiego bogactwa i chwały?

(Jest to także bezimienny wizerunek, na którym rozpoznaje się niegdyś potężnego rzymskiego cesarza Tyberiusza, który ostatnie lata mieszkał na Capri. Wielu „przychodzi obejrzeć pozostałości kamiennego domu, w którym mieszkał”. „Ludzkość zapamięta go na zawsze”, ale to jest chwała Herostratusa: „człowieka, który był niewypowiedzianie podły w zaspokajaniu swojej żądzy i z jakiegoś powodu miał władzę nad milionami ludzi, zadając im niezmierzone okrucieństwo”. W słowie „z jakiegoś powodu” ujawnia się fikcyjna władza i duma; czas ustawia wszystko na swoim miejscu: prawdzie daje nieśmiertelność, a fałsz pogrąża w zapomnieniu.)

III. Słowo nauczyciela

Fabuła stopniowo rozwija temat końca istniejącego porządku świata, nieuchronności śmierci bezdusznej i duchowej cywilizacji. Zawarte jest ono w motto, które Bunin usunął dopiero w ostatnim wydaniu w 1951 r.: „Biada tobie, Babilonie, miasto mocne!” To biblijne sformułowanie, przypominające ucztę Belszaccara przed upadkiem królestwa chaldejskiego, brzmi jak zapowiedź nadchodzących wielkich nieszczęść. Wzmianka w tekście o Wezuwiuszu, którego erupcja zniszczyła Pompeje, potwierdza złowrogą przepowiednię. Dotkliwe poczucie kryzysu cywilizacji skazanej na zapomnienie łączy się z filozoficznymi refleksjami na temat życia, człowieka, śmierci i nieśmiertelności.

IV. Analiza kompozycji historii i konfliktu

Materiał dla nauczycieli

Kompozycja Historia ma charakter kołowy. Podróż bohatera rozpoczyna się w San Francisco, a kończy powrotem „do domu, do grobu, do brzegów Nowego Świata”. „Środek” opowieści – wizyta w „Starym Świecie” – oprócz tego konkretnego, ma także znaczenie uogólnione. „Nowy Człowiek”, powracając do historii, na nowo ocenia swoje miejsce w świecie. Przybycie bohaterów do Neapolu i na Capri otwiera możliwość umieszczenia w tekście autorskich opisów „cudownego”, „radosnego, pięknego, słonecznego” kraju, którego piękna „słowo ludzkie nie jest w stanie wyrazić”, i dygresje filozoficzne spowodowane wrażeniami włoskimi.

Punkt kulminacyjny to scena „niespodziewanego i brutalnego upadku” na „pana” śmierci w „najmniejszym, najgorszym, najbardziej wilgotnym i zimnym”, ale najmniej „niższym korytarzu”.

Wydarzenie to, jedynie przez zbieg okoliczności, zostało odebrane jako „straszne wydarzenie” („gdyby nie Niemiec w czytelni”, który wybiegł stamtąd „z krzykiem”, właściciel byłby w stanie „uspokajać dół... z pospiesznymi zapewnieniami, że tak jest, to drobnostka..."). Nieoczekiwane odejście w zapomnienie w kontekście opowieści postrzegane jest jako najwyższy moment zderzenia iluzji z prawdą, kiedy natura „z grubsza” udowadnia swoją wszechmoc. Ale ludzie kontynuują swoją „beztroską”, szaloną egzystencję, szybko wracając do ciszy i spokoju”. Nie da się ich obudzić do życia nie tylko przykładem jednego z im współczesnych, ale nawet wspomnieniem tego, co wydarzyło się „dwa tysiące lat temu” za czasów Tyberiusza, który żył „na jednym z najbardziej stromych zboczy” Capri, który był cesarzem rzymskim za życia Jezusa Chrystusa.

Konflikt Fabuła wykracza daleko poza ramy konkretnej sprawy, dlatego też jej zakończenie wiąże się z refleksją nad losami nie tylko jednego bohatera, ale wszystkich przeszłych i przyszłych pasażerów Atlantydy. Skazana na „trudną” drogę przezwyciężenia „ciemności, oceanu, zamieci”, zamknięta w „piekielnej” machinie społecznej, ludzkość zostaje stłumiona warunkami swego ziemskiego życia. Tylko naiwni i prości, jak dzieci, mają dostęp do radości dołączenia do „wiecznych i błogich siedzib”. W opowiadaniu pojawia się obraz „dwóch górali abruzyjskich”, odsłaniających głowy przed gipsową figurą „niezłośliwej orędowniczki wszystkich cierpiących”, wspominających jej „błogosławionego syna”, który przyniósł „piękny” początek dobra do „złego” świata. Władcą ziemskiego świata pozostał diabeł, obserwujący „ze skalnych bram dwóch światów” poczynania „Nowego Człowieka o starym sercu”. Co wybierze ludzkość, dokąd pójdzie, czy będzie w stanie pokonać tkwiące w niej złe skłonności – na to pytanie opowieść daje „przytłaczającą… duszę” odpowiedź. Ale rozwiązanie staje się problematyczne, ponieważ finał potwierdza ideę Człowieka, którego „duma” czyni go trzecią siłą świata. Symbolem tego jest podróż statku przez czas i żywioły: „Zamieć uderzała w takielunek i rury o szerokiej szyjce, białe od śniegu, ale była niezachwiana, niezawodna, majestatyczna i straszna”.

Oryginalność artystyczna Fabuła wiąże się z przeplataniem zasad epickich i lirycznych. Z jednej strony, w pełnej zgodzie z realistycznymi zasadami ukazywania bohatera w jego relacjach z otoczeniem, w oparciu o specyfikę społeczną i codzienną, tworzony jest typ, którego przypominającym tłem są przede wszystkim wizerunki „martwe dusze” (N.V. Gogol. „Umarłe” dusze”, 1842), Jednocześnie, podobnie jak u Gogola, dzięki ocenie autora wyrażonej w lirycznych dygresjach problemy pogłębiają się, konflikt nabiera charakteru filozoficznego.

2. Przygotuj się do przejrzenia opowiadań, zastanów się nad ich problemami oraz cechami językowymi i figuratywnymi.

Dodatkowe materiały dla nauczycieli 1

Melodia śmierci zaczyna wybrzmiewać w ukryciu już od pierwszych stron dzieła, stopniowo stając się motywem przewodnim. Śmierć jest początkowo niezwykle estetyczna i malownicza: w Monte Carlo jednym z zajęć bogatych próżniaków jest „strzelanie do gołębi, które bardzo pięknie szybują i przesiadują nad szmaragdowym trawnikiem, na tle morza w kolorze niezapominajki”. nie i natychmiast uderzył o ziemię białymi grudkami.” (Bunina cechuje generalnie estetyzacja rzeczy zwykle nieestetycznych, które raczej powinny straszyć niż przyciągać obserwatora – cóż, kto inny jak nie on mógłby pisać o „lekko przypudrowanych, delikatnych różowych pryszczach w okolicach ust i między łopatkami” na córka dżentelmena z San Francisco, porównaj białka oczu Murzynów z „łuszczącymi się twardymi jądrami” lub nazwanie młodego mężczyzny w wąskim fraku z długimi ogonami „przystojnym mężczyzną, który wygląda jak wielka pijawka!”) Następnie nuta śmierci pojawia się w słownym portrecie następcy tronu jednego z państw azjatyckich, w ogóle miłej i sympatycznej osoby, której wąsy jednak „widziały jak u trupa”, a skóra na twarzy „jakby rozciągnięty.” A ludzie na statku dławią się „śmiertelną melancholią”, obiecując zło, muzea są zimne i „śmiertelnie czyste”, a ocean unosi się w „żałobnych górach srebrnej piany” i szumi jak „msza pogrzebowa”.

Lekcja rozwój Przez Rosyjski literatura XIX wiek. 10 Klasa. I półrocze. - M .: Vako, 2003. 4. Zolotareva I.V., Mikhailova T.I. Lekcje lekcji rozwój Przez Rosyjski literatura ...