Popularny rock z lat 90. za granicą. Zagraniczne zespoły rockowe lat osiemdziesiątych. Koncert osobisty muzyków rockowych

Od 10 lat agencja koncertowa „ Duże miasto» organizuje wydarzenia z udziałem znany artysta Rosja i zagranica. Współpracujemy bezpośrednio z wieloma idolami publicznymi i oferujemy klientom przejrzysty system płatności i jakość wakacji. Duży wybór muzyków różnych gatunków pozwala wybrać dokładnie tego, który zapewni atmosferę na Twojej imprezie firmowej, urodzinach czy weselu, z której wszyscy obecni będą zadowoleni. Z listy rosyjskich zespołów rockowych lat 90. można zaprosić takie legendy muzyki ciężkiej jak Bi-2, Splin, 7B, Diana Arbenina, Tantsy Minus. Dla fanów alternatywy możemy zorganizować koncert grup Slot, Tracktor Bowling, Amatory czy Stigmata.

Koncert osobisty muzyków rockowych

Lista rosyjskich zespołów rockowych lat 80. i 90. prezentowana w naszym katalogu zawiera znane grupy, których twórczość jest uwielbiana, omawiana i dzielona na cytaty. Zawsze było ogromne zapotrzebowanie na wysokiej jakości, znaczącą muzykę. Jest to istotne również teraz, więc jeśli chcesz, aby impreza firmowa lub rocznica była niezapomniana, zaproś gwiazdę na swoją uroczystość. Z listy możesz zamówić popularne rosyjskie zespoły rockowe z lat 80. - Zemlyane, Alisa, Chaif, Aria, DDT, Mashina Vremeni, Mumiy Troll i wielu innych muzyków, których płyty wyprzedały się w mgnieniu oka.

Jakich artystów można rezerwować na wydarzenia?

Rosyjskie zespoły rockowe lat 80. i 90. reprezentowane są jedynie przez najbardziej znane grupy, które zdobyły swój autorytet potężną muzyką i tekstami. Muzycy, którzy zdobyli popularność dzięki swojemu talentowi. Nie wiesz kogo chcesz zaprosić na swoje wydarzenie? Agencja koncertowo-wakacyjna „Bolszoj Gorod” pomoże Ci wybrać z listy popularne rosyjskie zespoły rockowe lat 90. na Twoje wakacje i zorganizować je, biorąc pod uwagę wszystkie Twoje życzenia i sugestie. Niektóre grupy, które zasługują na zaproszenie na imprezę prywatną lub firmową:

• Grupa Lyube i Nikołaj Rastorguew wprowadzą powagę w atmosferę Twojego święta i naładują Cię patriotyczną energią.
• Grupa Leningradzka rozwali publiczność i nie pozostawi miejsca na nudę. Wszyscy obecni będą zachwyceni, niezależnie od płci i wieku.
• Gorky Park to kultowy zespół lat 80., którego piosenka „Moscow Calling” przyniosła im ogromną popularność w Ameryce i Europie.

Oczywiście wybór rosyjskiego zespołu rockowego z lat 80. i 90. zależy całkowicie od preferencje muzyczne klientem, ale jedno jest pewne – odwiedzająca Cię gwiazda jest solidna, ciekawa i nietuzinkowa. Specjaliści agencji Big City są gotowi wziąć na siebie pełną odpowiedzialność za organizację każdego urlopu.

Lista rosyjskich zespołów punkrockowych lat 90-tych

Punk to subkultura, odrębny kamień milowy w historii muzyki ciężkiej, ponieważ gatunek ten uosabia krytyczny stosunek do społeczeństwa i ogólnie przyjętych norm moralnych. Wiele osób słucha teraz punk rocka lat 80. i 90. z nostalgią, dla niektórych słowa są ważne, innych interesuje rytm strun gitary, który naładowuje energią i zacięciem. Zarezerwuj najlepsze rosyjskie zespoły rockowe lat 90. dla siebie i swoich gości, a Twoje wydarzenie na długo pozostanie w pamięci. Prince, Cockroaches, Brigadny Podryad, Lumen, Lyapis Trubetskoy – listę popularnych rosyjskich zespołów rockowych lat 80. można kontynuować przez długi czas. Nasza agencja koncertowa współpracuje ze wszystkimi znany artysta Rosji i za granicą, dlatego zapewniamy naszym klientom ogromny wybór muzyków, których można zapraszać na imprezy prywatne lub publiczne.

Powody, dla których warto wybrać „Duże Miasto”

Wysoki poziom profesjonalistów agencji koncertowej Big City pomaga realizować najśmielsze fantazje klientów. Zapewniamy niestandardowych muzyków i zapewniamy program kulturalny na wydarzeniu. Współpracując z nami otrzymasz koncert swoich ulubionych artystów tamtych lat, a także wiele korzyści, ponieważ:

• Istniejemy na rynku od 2008 roku, co oznacza, że ​​tworzymy od 10 lat świąteczny nastrój i zapraszaj gwiazdy na imprezy firmowe, urodziny i wesela.
• Dzięki bezpośredniej współpracy z muzykami tworzymy wydarzenie warte milion dolarów za przystępne pieniądze.
• Mamy ogromną bazę artystów i współpracujemy z nimi na bieżąco. Gwarantujemy wysoką jakość dźwięku i spektakularne widowisko na Twojej imprezie.
• Prowadzimy szereg prac związanych z kreacją i organizacją uroczystości różnej wielkości – od małych prywatnych po publiczne, dostępne dla szerokiej publiczności.

Zaakceptować- Słynny grupa niemiecka grając w wielkim stylu hard rocka i heavy metalu. Początki działalności twórczej były trudne i nieopłacalne. Niemal przez całe lata siedemdziesiąte skład grupy stale się zmieniał. Muzycy po zagraniu trochę w klubach i kawiarniach i...

AC/DC (IC/DC)

AC/DC (IC/DC)- Australijski zespół, stworzony przez dwójkę rodzeństwa w młodości. Rodzina Youngów miała dosłownie obsesję na punkcie muzyki. Wszyscy czterej bracia Malcolm, George, Alex i Angus uczyli się grać na gitarze od dzieciństwa i w dorosłym życiu...

Aerosmitha

Zła religia (zła wiara)

Zły angielski (zły angielski)

Bon Jovi (Bon Jovi)

Kopciuszek (Kopciuszek)

Def Leppard

Straszna sytuacja

Dokken

Europa

Świetne młode kanibale

Cudzoziemiec

Geneza (Geneza)

Geneza (Geneza)- legendarny Angielski rock Grupa. W 2017 roku przypada 50. rocznica powstania grupy. Grupa znalazła się na liście zespołów lat 80., ponieważ lata 80. były najbardziej udanymi latami w życiu grupy rockowej. To właśnie pod koniec lat 70. Genesis radykalnie...

Miłośnicy muzyki wciąż spierają się, czy w kulturze światowej istnieje coś takiego jak „rosyjski rock”, tak popularny w naszym kraju. Żaden inny kraj tego nie ma kierunek muzyczny nie poświęcano tyle uwagi. Takiej liczby fanów nigdzie nie ma. I w żadnej innej subkulturze teksty piosenek nie mają tak wyjątkowego znaczenia. Rosyjski rock jako odrębne, niesamowite zjawisko kulturowe najbardziej rozpowszechnił się w latach 90. ubiegłego wieku. W końcu to wtedy grupy „Nautilus Pompilius”, „Aquarium”, „Zvuki Mu”, „Agatha Christie”, „DDT”, „Chizh and Co” i wiele innych stały się naprawdę legendarne.

Jak pobrać wybór muzyki rockowej z lat 90-tych?

Kolekcja „Russian Rock of the 90s” to wyjątkowy wybór najciekawszych i najbardziej rozpoznawalnych kompozycji końca ubiegłego wieku. Ta muzyka, jak mówi pieśń Nautilusa, będzie wieczna. Miłośnikom muzyki, którzy chcą wrócić do tych jasnych czasów, oferujemy dwie możliwości słuchania ulubionych rosyjskich zespołów rockowych z lat 90.: możesz bezpłatnie pobrać wysokiej jakości archiwum na swój komputer, laptop lub dowolny gadżet odtwarzający dźwięk w tylko kilka minut; Wszystkich utworów znajdujących się w kolekcji można słuchać online w formacie mp3 – razem i osobno.

6 lutego 1962 roku urodził się Axl Rose, wokalista hardrockowego zespołu Guns N' Roses. Na przełomie lat 80. i 90. wokalista był prawdziwym symbolem seksu, jednak z biegiem lat zmienił się zauważalnie nie w lepsza strona podobnie jak wielu jego kolegów. Byli odważni rockmani i divy rocka nie mają władzy nad upływem czasu, niektórzy utrzymują formę i „rozświetlają się” jak za młodości, a inni nadal występują w nowym, „postarzonym” wizerunku. Zobaczmy jak teraz wyglądają popularni muzycy rockowi i zespoły rockowe lat 80. i 90.
Pistolety i Róże. Grupa była nie tylko muzycznym odkryciem, ale z wyglądu była klasycznym zespołem rock and rollowym. Faceci chcieli być tacy jak oni, ale dziewczyny marzyły o byciu z nimi.

Teraz grupa zjednoczyła się po niemal długiej rozłące pełny personel. Przed dużą trasą koncertową Axl Rose zauważalnie schudł i zgolił wąsy, co od dłuższego czasu irytowało jego fanów.

Ale jego koledzy – Slash i Duff McKagan – prawie się nie zmienili, a basista stał się nawet ładniejszy. Nic więc dziwnego, że nowo utworzona grupa gra na stadionach całego świata.

Bez wątpienia. Amerykański zespół ska-punkowy prowadzony przez Gwen Stefani zyskał szeroką sławę po wydaniu w 1995 roku albumu Tragic Kingdom.

Teraz Gwen Stefani zmieniła się z bezczelnej punkrockówki w prawdziwą divę, ale nie wycofała się z biznesu i regularnie występuje z kolegami, chociaż ich ostatni album w tej chwili ukazał się w 2012 roku.

Depeche Mode. Brytyjska grupa muzyczna zebrała się w 1980 roku i dzięki udanym połączeniom muzyki elektronicznej i rocka szybko wspięła się na Olimp, z którego nie ma zamiaru schodzić.

Lider zespołu, Dave Gahan, w dalszym ciągu ekscytuje umysły swoich fanów, a jego koledzy z zespołu nie pozostają daleko w tyle. Zespół nie tylko aktywnie koncertuje, ale także nagrywa nowe płyty.

Bon Joviego. Lider zespołu nazwanego jego imieniem zawsze był ulubieńcem kobiet, uosabiając nie takiego „złego” faceta jak pozostali rockmani.

Z wiekiem John zaczął coraz częściej śpiewać piosenki o tematyce społecznej, ale umysły i serca młodych dam, nawet po siwieniu, wciąż są zmartwione.

Rytmika. Brytyjski duet synth-popowy, założony w 1980 roku przez kompozytora i muzyka Dave’a Stewarta oraz piosenkarkę Annie Lennox, stał się prawdziwym muzycznym odkryciem. Istotną rolę w sukcesie odegrał także wizerunek wokalisty.

Teraz Annie i jej koleżanka są już zajęte solowymi projektami, a jednoczą się tylko podczas nagród i wydarzeń specjalnych. Nawiasem mówiąc, Lennox, który nie zdradził ukochanego krótka fryzura, napisał piosenkę „Into the West”, która znalazła się na ścieżce dźwiękowej filmu „Władca Pierścieni: Powrót króla” i otrzymała za nią Oscara w kategorii „Najlepsza piosenka oryginalna”.

Aerosmitha. Magazyn Rolling Stone i VH1 umieściły grupę na liście 100 największych muzyków wszechczasów, a w latach 90. ich hity można było usłyszeć we wszystkich stacjach radiowych. Fani byli szczególnie zainteresowani wokalistą Stevenem Tylerem i gitarzystą Joe Perrym.

Przez lata złe nawyki rockery są wyraźnie zużyte i nawet kosmetyki nie są w stanie ukryć widocznych na ich twarzy oznak starzenia. 25 czerwca 2016 roku Tyler ogłosił rozwiązanie zespołu po pożegnalnej trasie koncertowej.

Królowa. Kolejna grupa, która zagrzmiała w naszym kraju i jest popularna do dziś, której historia, jak się wydaje, zakończyła się śmiercią Freddiego Mercury'ego.

Natomiast gitarzysta Brian May i perkusista Roger Taylor, próbując w ostatnich latach występować z kilkoma wokalistami, już od dłuższego czasu śpiewają stare przeboje w towarzystwie Adama Lamberta.

Aha. Udane połączenie nut rockowych i popowych przez grupę zdobyło sympatię zarówno męskiej, jak i żeńskiej publiczności, tej ostatniej nie bez udziału charyzmatycznego lidera Mortena Hackerta.

Zespół kilkakrotnie groził fanom rozstaniem, ale nadal są razem, a w 2018 roku wyruszają w akustyczną trasę, na szczęście panowie, jak widać, są w doskonałej formie.

Śmieci. Grupa prowadzona przez szkocką piosenkarkę Shirley Manson zasłynęła z niezwykłego brzmienia, wyrazistego wokalu i innowacyjnego przetwarzania dźwięku.

Shirley i jej towarzysze nadal aktywnie nagrywają i koncertują, a muzycy nie zdradzają swojego wizerunku, choć zauważalnie gorzej się zużywają.

Rokseta. Jedna z najpopularniejszych szwedzkich grup pop-rockowych, prowadzona przez Pera Gessle i Marie Fredriksson, w latach 90. zdobyła miłość całego świata.

Niestety Marie od wielu lat zmaga się z chorobą nowotworową, co wstrzymuje działalność grupy. W 2017 roku na antenie jednego z programów Per Gessle powiedział: „Tak, myślę, że możemy powiedzieć, że Roxette to już historia”.

U-2 to jeden z najpopularniejszych, odnoszących sukcesy i wpływowych zespołów wszechczasów.

Chłopaki nadal są razem, nadal aktywni i produktywni, i wyglądają dobrze.

Duran Duran. Brytyjski zespół poprockowy był jednym z najpopularniejszych na świecie w pierwszej połowie lat 80-tych.

A tak teraz wyglądają chłopaki. Warto zauważyć, że obraz ten dziwnie wygląda na mężczyznach w wieku przedemerytalnym.

Metalicca. Grupa prawdziwie kultowa w naszym kraju, jak i na całym świecie, prawdopodobnie najpopularniejsza wśród mężczyzn.

Lars Ulrich, James Hetfield, Kirk Hammett, Robert Trujillo kontynuują aktywną działalność koncertową i nagrywają płyty, a teraz wyglądają tak.

Europa. Szwedzki zespół rockowy, założony przez wokalistę Joeya Tempesta i gitarzystę Johna Noruma, nagrał jeden z największych hitów drugiej połowy lat 80-tych, Final Countdown

Chłopaki rozeszli się na jakiś czas, próbując swoich sił w pracy solowej, ale w końcu wrócili do siebie. Ich najnowszy album ukazał się 20 października 2017 roku. W przeciwieństwie do Duran Duran Europa zdecydowała się pozbyć starego wizerunku.

Ozzy’ego Osbourne’a. Brytyjska piosenkarka rockowa, muzyk, jeden z założycieli i członek grupy Black Sabbath, zawsze była w naszym kraju szczególnie lubiana.

Teraz Ozzy coraz częściej angażuje się w projekty pozamuzyczne, np. w kanale HISTORY TV ruszył program z jego udziałem „Ozzy and Jack’s Round the World Trip”, w ramach którego Ozzy z synem jadą do podróż dookoła świata i uczyć się miejsca historyczne.

AC/DC. Najbardziej udany i znany zespół rockowy pochodzący z Australii i jeden z najpopularniejszych na świecie, którego „twarzą” prawdopodobnie od zawsze był gitarzysta w przebraniu uczniaka, Angusa Younga.

Teraz zespół stara się jak najlepiej występować, choć wokalista Brian Johnson opuścił zespół w 2016 roku z powodu problemów z plotkami, a z zespołu odeszło także trzech innych stałych członków. Okazało się jednak, że Angus Young będzie kontynuował działalność grupy z różnymi muzykami.

Dżem Perłowy. Grupa uznawana jest za jednego z pionierów gatunku grunge, tak popularnego na początku lat 90-tych.

Teraz muzycy pod przewodnictwem Eddiego Veddera nadal występują i nagrywają albumy, ale wyglądają znacznie bardziej przyzwoicie.

Oaza. Angielscy bracia Noel i Liam Gallagher stali na czele jednego z najpopularniejszych zespołów rockowych na świecie, który odniósł po prostu szaleńczy sukces.

W 2009 roku Noel Gallagher ogłosił odejście z grupy i stwierdził, że nie może już być na tej samej scenie z Liamem. Grupa kontynuowała działalność bez niego, a bracia regularnie rzucają o sobie nawzajem w prasie.

Korn. Połączenie gitarowych riffów muzyka elektroniczna, recytatywy wokalne i wyszukane efekty dźwiękowe uczyniło grupę jedną z najsłynniejszych grup swoich czasów.

Grupa prowadzona przez Jonathana Davisa nagrała kilka lat temu nowy album i jak widać nie zdradza swojego wizerunku.

Red Hot Chili Peppers. Grupa odniosła ogromny sukces w latach dziewięćdziesiątych, po tym jak zagrzmiał ich album Blood Sugar Sex Magik, ich przebój Californication można było usłyszeć na antenie nawet w popowych stacjach radiowych.

Dziś Peppers uchodzą za ikonicznych, ale chłopaki nie zamierzają spocząć na laurach. Potomstwo. Na początku lat 90. album zespołu „Smash” sprzedał się w ponad 14 milionach egzemplarzy na całym świecie. W naszym kraju skate-pop-punk stał się popularny dzięki The Offspring.

Wokalista zespołu, Dexter Holland, choć pogłębiony, nadal pozostaje wierny sprawie rocka i jakiś czas temu ogłosił, że zespół nagrywa nową płytę.

Mrugnięcie-182. W 1999 roku grupa dokonała przełomu wydając album Enema of the State, nadając gatunkowi rockowemu nowe, świeże brzmienie, doprawione wpływami innych kierunków muzycznych.

Gitarzysta i wokalista Tom DeLonge opuścił Blink-182 w 2015 roku. Następnie grupa wydała udany album z nowym muzykiem i piosenkarzem, a DeLonge poświęcił się projekty solowe.

Zielony Dzień. W 1994 roku kalifornijski zespół skate-punkowy dosłownie wkroczył świat muzyki, wywołując nową falę popularności punk rocka na świecie i w naszym kraju.

Zespół kierowany przez Billiego Joe Armstronga nadal nagrywa płyty i koncertuje, a chłopaki nadal przypominają niechlujów, choć starszych.

Wczoraj ukazał się nowy album Blur- o którym język nie ma odwagi mówić po prostu „nowo”. Ostatni raz Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James i Dave Rowntree siedzieli razem w studiu w 2003 roku: od tego czasu świat się zmienił, delikatnie mówiąc, a grupie udało się rozdzielić i wrócić do siebie. Poprosiliśmy fanów muzyki, aby przypomnieli sobie inne zespoły z brytyjskiej fali gitarowej lat 90-tych (oprócz niezapomnianych świętych krów Pulp, Oasis i Suede), z których wiele nie przetrwało do dziś.

Mansun

Antoni Dolin
krytyk filmowy

Moi przyjaciele i ja usłyszeliśmy kwartet Chester Mansun zaraz po jego pojawieniu się, w 1995 roku - w tamtym czasie byliśmy szaleńczo zakochani w każdej nowej muzyce angielskiej i amerykańskiej. Kolega przywiózł kasetę na uczelnię i zarzekał się, że jest jeszcze lepsza od Suede, chociaż zostały zlizane. Ogólnie rzecz biorąc, okazało się, że tak. Może było to chwilowe szaleństwo, jakiś klimat epoki, ale łagodny nastrój piosenek Mansuna, ich połamany rytm i kapryśne melodie, a przede wszystkim manierystyczne brzmienie, w równym stopniu powaliły umysły chłopców i dziewcząt. Dla mnie osobiście w ich muzyce (zwłaszcza w drugiej płycie „Six”, wydanej rok po ukończeniu studiów) istniało magiczne połączenie między legendarną epoką – angielskimi latami 70., czasem przed moimi narodzinami, kiedy idealistyczne i rozkwitł zawiły art rock - z nudną i niepokojącą teraźniejszością, kiedy bardziej powszechne było rockowanie w stronę techno, grunge'u lub powoli kiełkującego post-rocka. Niesłychanie skomplikowane kompozycje, doprawione prostym romansem i gorzką melancholią, spływały jedna na drugą, zmieniając rejestry emocjonalne bez widocznej trudności, z wdziękiem i lekkością. Obiecali jakąś nie do pomyślenia przyszłość – co jednak nie nastąpiło. Trzecia płyta okazała się bzdurą, po czym Mansun rozpadł się, pozostając w pamięci jako coś na kształt niespełnionego marzenia.

Elastyka

Wika Swietliczna
Menadżer projektu

Debiutancki album Elastica z 1995 roku, złotego roku całej fali Britpopu, do dziś pozostaje jedną z moich ulubionych płyt. Frontmanka Elastiki, Justin Frischmann, jest generalnie skoncentrowanym twardzielkiem zarówno jako muzyk, jak i jako kobieta – kto jeszcze może pochwalić się romansami z Brettem Andersonem i Damonem Albarnem? Muzycznie album składa się niemal w całości z krótkich, nerwowych, ostrych, gryzących utworów, w których punkowy nastrój miesza się z wyjątkową melodią. Teksty są narracyjne i szczere, opowiadają o życiu osobistym zbyt silnej kobiety. Cenię tę płytę za niezapomniane uczucie przypływu żywotności i wrzącej energii przy każdym przesłuchaniu. Grupa w ciągu pięciu lat wydała drugie pełnowymiarowe wydawnictwo – w 2000 roku ukazała się płyta „The Menace”, która moim zdaniem jest typowym przykładem „syndromu drugiego albumu”: pomimo próby stylizowania brzmi w duchu wymogów czasu (rozpryskana elektronika), do tego stopnia, że ​​nie ma zapału debiutanta.

Brawura

Siergiej Miezenow
dziennikarz

Pamiętam nawet pierwsze spotkanie - ten słynny klip w telewizji, gdzie chudy, straszny facet z marszczącą brwi lekceważąco popycha wszystkich na ulicy (swoją drogą inny niedoceniony bohater kryminalny lat 90., reżyser teledysków Walter Sterna, który nigdy nie wystąpił w sakralnym serialu „Gondry – Jonze – Romanek – Glaser”, choć powodów ku temu było całe mnóstwo). "Co za bezsens? - Pamiętam, pomyślałem. - Czy ktoś w ogóle to lubi? Fe!” Potem jednak przyszła płyta „A Northern Soul”, przywieziona przez znajomego z Europy i stopniowe objawienie. The Verve nie jest wymowną mądrością Richarda Ashcrofta, jakby szpiegowaną w osławionym „Almanachu rolnika” i ucieleśnioną w statecznych, akustycznych balladach; to wielowarstwowa psychodeliczna gitara Nicka McCabe, który za pomocą samego zestawu gadżetów mógłby zamienić każdą znaczącą balladę w kosmiczne jezioro bez dna.

Ostatecznie struktura The Verve była podobna do Blur: nieskończenie elastyczna sekcja rytmiczna, łatwo akceptująca każdą wysokość i zawsze sprzeczne siły mega utalentowanego gitarzysty i strasznie ambitnego wokalisty z aspiracjami geniusza i mesjasza . Po uwzględnieniu faktu, że u tych konkretnych chłopaków akt alchemiczny nastąpił dopiero w zderzeniu ze sobą – ani Ashcroft, ani McCabe, ani perkusista i basista nie byli w stanie przełożyć swoich dokonań w ramach The Verve na jakiekolwiek zauważalne historie solowe. No cóż, przynajmniej rekordy pozostały – dwa znakomite (pierwszy) i dwa dobre (pozostała).

Kamienne Róże

Ksenia Kirsta
gitarzysta El Monstrino

Kiedy miałem szesnaście lat, co miesiąc jeździłem do Gorbuszki i za moją kurierską pensję wynoszącą 250 dolarów kupowałem wszystko, o czym pisało wydawane wówczas w Rosji NME. Dyski, podobnie jak książki, mogły leżeć i czekać na skrzydłach dość długo. Któregoś dnia rozmawialiśmy przez telefon ze znajomą, a ona zaproponowała mi założenie LiveJournal, abym mógł komentować jej i inne posty, gdy pójdę do kafejki internetowej – nie miałem ani komputera, ani Internetu. Zapytała, jakiego pseudonimu potrzebuję. Wszystkie nazwiska, które wymieniłem, były już zajęte, więc zacząłem rozglądać się po pokoju w poszukiwaniu czegoś napisanego i brzmiącego dobrze. Poszukiwania zatrzymały się na „Made of Stone”, tytule jednego z utworów z albumu The Stone Roses, leżącego twarzą do dołu na komodzie. Imię wydawało się być wolne.

Dysk leżał w tej samej pozycji jeszcze jakieś trzy miesiące, aż w końcu z totalnej nudy rozpakowałem go i włożyłem do Centrum muzyczne. Od tego czasu The Stone Roses stali się jednym z moich ulubionych zespołów, a Ian Brown stał się jedną z moich ulubionych postaci w muzyce rockowej. Zawsze podobał mi się jego obraz mesjasza gopnika poruszającego się w rytualnym tańcu małpy, zawsze jakby w szybkim ruchu. Już dawno odszedłem od tej muzyki i jeśli chcę usłyszeć głos Browna, to wolę posłuchać jego solowej płyty. Ale za każdym razem, gdy słyszę dźwięki piosenek The Stone Roses lub oglądam filmy ze starych koncertów, czuję się jak powrót do domu, do dziecięcego łóżeczka, z którego już wyrosłam, ale w którym jest spokojnie i przytulnie.

Inspirujące dywany

Maksym Semelak
Redaktor naczelny
Magazyn Prime Russian

W 1990 roku ukazała się kolekcja „Rave On”, po raz kolejny zamieniając granicę pomiędzy muzyką taneczną i gitarową w swego rodzaju półprzepuszczalną membranę (były Happy Mondays, The Shamen, Flowered Up i aż do My Bloody Valentine). Nagrałem tę płytę ponownie w styczniu 1992 roku i kiedy posłuchałem piosenki Inspiral Carpets „She Comes in the Fall”, wtedy zaczęły się lata dziewięćdziesiąte, których szukałem. Ich najlepsza płyta ukazała się w 1992 roku – „Revenge of the Goldfish” – skopiowałem ją nie z winylu, a z „rodzimej” francuskiej kasety. A jeśli na wszelki wypadek podpisałem kasetę ołówkiem „Rave On”, słuchając wrażeń, to tytuły nowych piosenek – „Smoking Her Clothes”, „A Little Dissapeared” – zapisałem długopisem, na zawsze, bez prawa do przepisania.

Muzyka IC miała tę przyjemną nierozróżnialność starych i nowych dźwięków, co było idealne dla ówczesnych osiemnastolatków, dla których czas ograniczał się w zasadzie do dwóch liczb oznaczających wydanie konkretnej płyty. Brzmieli bardziej proaktywnie i romantycznie niż Happy Mondays, którzy obnosili się ze swoim hedonizmem, ale nie osiągnęli subtelności niektórych Szarlatanów. Nie da się oczywiście powiedzieć, że pozostawały one w jakimś szczególnym zapomnieniu czy niedowartościowaniu, jednak obecnie jest już oczywiste, że Dywany Inspiracyjne nie przynależą do swojego czasu, lecz do pewnej luki – pomiędzy epokami, stylami, terminami – i prawdopodobnie jest to zemsta złotej rybki za niesamowity talent, jaki otrzymała.

Popiół

Iwan Sorokin
naukowiec i nauczyciel

Pamiętam doskonale, gdzie zaczął się obsesyjny etap mojej pasji muzycznej, która trwa do dziś: od magazynu „Rovesnik” z, zdaje się, listopada 1997, kupionego w sklepie spożywczym (bracia Hanson patrzyli na mnie czule zza okładka). Po przeczytaniu komentarzy na brytyjskich listach przebojów zdecydowałem się kupić albumy „Be Here Now” i „OK Computer” na „Gorbushce” - cóż, można się domyślić, co było dalej. Jak na osobę, która dosłownie dorastała słuchając Britpopu, poznałem Asha dość późno: w 2001 roku dosłownie cała brytyjska prasa muzyczna niosła grupę na ramionach, a wydany wówczas album „Free All Angels” do dziś uważany jest za najlepsze dzieło Irlandczyków (i słusznie). I choć najbardziej logicznym sposobem poznania Asha jest ta płyta (lub wspaniała kolekcja singli „Intergalactic Sonic 7”, gdzie niesamowity talent melodyczny głównego wokalisty Tima Wheelera staje się szczególnie oczywisty), mitologia grupy nie wydarzyłoby się bez okresu Britpop.

W latach 1994–1996, które wyznaczały pierwszy złoty okres Asha, trio bardzo wyróżniało się na tle absolutnie wszystkich innych gitarowych bohaterów młodej Wielkiej Brytanii: nie mieszkali w Londynie (jak większość kluczowych graczy Britpopu), ale na nudnym przedmieściu z Belfastu w Irlandii Północnej. Ash nie podążał za glam rockiem i psychodelicznymi idolami braci Gallagher, Bretta Andersona i innych - raczej ich kreskówkowe pop-punkowe hity skoncentrowały się w trzech minutach najlepsze chwile Buzzcocks i Dżem. Wheeler, jak przystało na urodzonego nastolatka (tytuł pierwszej płyty Asha „1977” to rok urodzenia dwóch z trzech członków grupy) nie śpiewał o losach pokolenia, niezręcznym seksie i złożoności życia życie pod koniec XX wieku, ale o Jackie Chanie i marsjankach. I było to zadziwiająco świeże: zaledwie kilka lat zajęło Wielkiej Brytanii wyłonienie się z kilkunastu młodych zespołów pop-punkowych, takich jak Bis i Kenickie, które potrafiły pisać zwodniczo proste teksty i melodie, które sprawiały, że piątoklasiści skakali do sufit. Za to wszystko możemy podziękować Ashowi.

Jeździć

Alisa Taiga
dziennikarz
i artysta medialny

Z powodu nieuzasadnionej nastoletniej wrażliwości, dziwnego sposobu budowania skojarzeń muzycznych i ignorancji w wieku dwudziestu lat i później, nadal odkrywałem zespoły i zachwycałem się nimi jak dziecko. Kiedyś z różnych powodów minęli mnie Iggy Pop i Lou Reed, ale inspiracji, którą poczułem już przy pierwszych akordach Ride, powiem szczerze, rzadko doświadczyłem później. Pamiętam, jak podczas deszczu w odtwarzaczu przypadkowo zaczął lecieć ich utwór „Leave Them All Behind” – i na kolejny miesiąc zostawiłem za sobą kilkanaście moich ulubionych wówczas zespołów i słuchałem bez końca tego buczenia, perkusji i gitar basowych. Wikipedia podaje, że Ride to dość shoegaze, ale na nagraniach na żywo z Glastonbury wokalista nosi różowe raverowe okulary i wcale nie patrzy smutno w podłogę. Dla mnie piosenki Ride wydają się kolosalnie wesołe, nieco cięższa wersja „She’s A Waterfall” z tą szlachetną ciężkością, która czyniła wszystkie rockowe piosenki lat 90. lepszymi. Ogólnie rzecz biorąc, gdy tylko zakwitną liście, wystarczy usiąść na rowerze, włączyć piosenkę „Mewa”, odetchnąć wieczornym wiatrem i wyobrazić sobie siebie na morzu. Zespół nie bez powodu nazywa się Ride – nie ma lepszych dźwięków na długą podróż czy spontaniczny wyjazd.

Czarne winogrona

Ilia Miller
krytyk muzyczny,
redaktor naczelny serwisu Wydanie rosyjskie
Reporter z Hollywood

To winogrono od nazwy jest czarne nie bez powodu. Nieważne, jak bardzo wściekli liberałowie oskarżają Britpop o seksizm i nacjonalizm, on zawsze może się obronić – jeśli oczywiście chce. W pierwszej kwestii Shaun Ryder i Bez nie mają prawie nic do powiedzenia: magazyn Melody Maker umieścił kiedyś na okładce „Szczęśliwe poniedziałki”, a w artykule dziennikarz skrupulatnie oskarżył tę parę o mizoginię w dwóch dwustronicowych rozkładówkach w wywiadzie. Matactwo Jeździec z Bezem wystarczy tylko na zdanie: „My *** naprawdę kochamy kobiety, zwłaszcza ich kształty”.

Nie będzie jednak możliwe przekształcenie gopników z Salford w skinheadów – w ich kolejnym wcieleniu ważną rolę odegrał raper z grupy Ruthless Rap Assassins, nazywany Kermit. Przynajmniej wszystkie tabloidy muzyczne zazdrośnie pisały, gdzie i w jakich okolicznościach Kermit złamał nogę, dlatego kolejny koncert tego panoptykonu został odwołany. Nie przeszkodziło to jednak Ryderowi i Bezowi w stworzeniu najbardziej radosnej, zwycięskiej – czyli najczarniejszej w tamtym momencie muzyki na wyspie.

Oprócz nazwy i składu Black Grape różni się od Happy Mondays kilkoma bardzo mikroskopijnymi szczegółami. Była to praktycznie ta sama destylacja ducha Urlovsky Manchester, który do dziś jest niezbędny na każdej imprezie. Niech Ryder, który ugryzł księżyc, zamiast tekstu przeczytał w zasadzie paragon z apteki wydrukowany na kilkunastu kartkach formatu A4. Ale takie rzeczy jak „ Potrząśnij swoimi pieniędzmi„, „In the Name of the Father” i „Kelly's Heroes” na listach przebojów pod względem chłodu i schizoidalności skłaniały się bardziej w stronę 2Paca, Dr. Dre, Kudłaty i Coolio, niż pozujące zgniecenie prześcieradeł i nienawistne gitary Jarvisa, Bretta i spółki. Tam punk nie tylko spotkał się z funkiem, ale nawet mógł przejść na emeryturę i wszystko poszło tak, jak powinno.

Cały ten post-koitalny klimat został opakowany w atrakcyjne i wywrotowe opakowanie w stylu pop-artu przedstawiające portret gwiazdy terroru Iljicza Ramireza Sancheza, znanego jako Szakal. Album nosił cudownie rymowany i super-sarkastyczny (biorąc pod uwagę paragon z apteki) tytuł „Fajnie jest, gdy jesteś solidny… tak”. Tytuł drugiej płyty (była i druga) „Stupid Stupid Stupid” też zdaje się mieć jakiś głęboko ukryty podtekst, ale po tylu latach, bez większego zaufania, nie potrafię już Wam tego jasno wytłumaczyć, nieważne jak trudno, próbuję. Uwierz mi, jeśli w połowie lat 90. przyszedłeś na imprezę i przez pół godziny z głośników nie leciały chodzące i nucące, wędrujące i deliryczne rytmy Black Grape – po prostu głupio trafiłeś w życie do niewłaściwych drzwi. Albo w ogóle ich nie było na liście.

Gen

Armena Aloyana
muzyk

Jak każdy szanujący się fan Morrisseya, o grupie Gene dowiedziałem się dopiero po zapoznaniu się z twórczością tego pierwszego. Tak naprawdę grupa była pozycjonowana wśród melomanów jako coś w rodzaju klona The Smiths. Jednak po bliższym przyjrzeniu się, poza antyczną brytyjską melancholią, nie nasuwają się już żadne skojarzenia z legendą lat 80. Były to utwory raczej proste i melodyjne, chociaż w tekstach mogły pojawić się pewne nawiązania – np. w „Is It Over”. Zwykle zakładamy je na imprezy tematyczne, np. urodziny. Liderzy The Cure i The Smiths. Pamiętam nawet coś w rodzaju chóralnego wykonania „Speak To Me Someone”, śpiewanie tego na całe gardło było całkiem zabawne. Raz nawet umieściłem jedną z ich piosenek w bootlegowej kolekcji CDR, którą nazwałem „Morrissey and Friends - Trash”.

Nadal lubię słuchać kilku piosenek, takich jak „Speak To Me Someone” i „Fill Her Up”. Chociaż zarówno wtedy, jak i teraz, wszystko to wyglądało raczej na jakąś parodię czy coś. Gdzieś w 2000 roku widziałem koncert z ich udziałem i jakoś wydawali mi się niesympatyczni z wyglądu, solista nie miał w ogóle charyzmy, był jakby bez twarzy, więc nadal nie widzieliby „chwały Iwana Kozłowskiego” MOIM ZDANIEM. Ale mimo to na półce stoi kilka płyt.

Ciężkie stereo

Siergiej Błochin
dziennikarz, DJ

Dla nastolatka, który określał się jako „alternatywa”, w połowie lat 90. w Moskwie odbyły się dwa kluczowe spotkania melomanów: „Gorbushka” w weekendy i „Naucz się pływać” w czwartki przed wejściem do Radia Maximum. To właśnie w tych miejscach trendy były wyznaczane pocztą pantoflową i narastał szum. Album „(Jaka jest historia) Morning Glory?” sprawiło, że Oasis stało się zbyt popularne dla muzycznych snobów i konieczna była wymiana. Kwartet Heavy Stereo, który wydał swój album w 1996 roku w tej samej wytwórni Creation album debiutowy « Déjà Voodoo", pasuje idealnie. Po pierwsze, niewiele osób ich znało poza tym tłumem w Rosji. Po drugie, koszulka z uroczym napisem „Heavy Stereo” sama w sobie wyglądała fajnie. A co najważniejsze, był to Oasis bez smarka – bardziej szorstki, surowy i z rytmem bardziej przypominającym T. Rexa niż Beatlesów. Jednak zwieńczeniem ich kariery były występy jako support dla gangu Gallagher, a trzy lata później Heavy Stereo rozpadło się, gdy frontman Jem Archer przeprowadził się do tej samej Oasis.

James

Siergiej Kiselew
muzyk

The Celts od dawna śmiało przodują na liście najlepszych wokalistów brytyjskiej muzyki pop: Byronic Ian McCulloch z Echo & The Bunnymen, nerwowy Fergal Sharkey z The Undertones, niezrównany Billy McKenzie z The Associates, charyzmatyczna nimfa Cerys Matthews z Katatonia. Ale wśród nich jest jeden wielki Anglik, wiejski głupek o głosie anioła – Tim Booth. Jego zespół James – bardziej namiot niż kolektyw muzyków – w połowie składał się z fanów osławionego Man City, nagrał najlepsze płyty z Brianem Eno i wzbudził podziw wśród niebios. Przywódcy społeczności Mancunian zgodnie wyznali swoją miłość do Jakuba. życiodajna trójca: Nowy porządek, Upadek i The Smiths. W połowie lat 90-tych twórca dźwiękowych tajemnic miasteczka Twin Peaks, maestro Badalamenti, pomógł wokalowi Tima Bootha ujawnić się w całej okazałości na ich wspólnym albumie „Booth and the Bad Angel” – ta płyta powinna znaleźć się w każdym dom.

Nie można zapomnieć młodzieńczej miłości do Jamesa. Gitarzysta i autor tekstów Oleg Bojko, lider najstarszego moskiewskiego niezależnego zespołu Mother's Little Helpers, zawsze na każdym koncercie wykonuje kilka piosenek Jamesa - ponieważ są to utwory na żywo i nie można ich odłożyć na półkę, domagają się śpiewania, ich konstrukcja jest prosta i zrozumiałe, nie ma w nich fałszu. Spontaniczność była atutem Jamesa, gdyż zespół zamienił maratony prób w seanse spirytystyczne i skutecznie przywoływał duchy zamieszkujące ich nagrania. W Wielkiej Brytanii jest więcej technicznych, może więcej utalentowani muzycy, ale nie ma nikogo, kto utrzymywałby tak pewne połączenie z kosmosem.

Boska Komedia

Olga Strachowska
redaktor naczelny Wonderzine

W połowie lat 90. moimi niekwestionowanymi idolami byli Pulp, śpiewacy dramatów o dojrzewaniu, wielkich nadziejach i wielkich obawach oraz niezręcznego pierwszego seksu w małym miasteczku – co idealnie zbiegło się z ukończeniem szesnastu lat i wydaje się, że zdefiniowało mnie na zawsze. Idąc za nimi (i po części dzięki nim), do mojego odtwarzacza weszli The Smiths i Suede, a całkiem później przenikliwie zakochałem się we wczesnych Manic Street Preachers, których płytę „The Holy Bible” do dziś uważam za świetną i czasami ją wykrzykuję nocą podczas jazdy samochodem (a jeden z moich znajomych nawet wystukał pod sercem nazwę ich głównego hitu). Pełne lewackiej naiwności, rozpaczy i złości, to jest to czysta forma muzyczna aranżacja tego, co psychologowie nazywają przedsamobójczym wołaniem o pomoc. Ogólnie rzecz biorąc, brytyjska muzyka lat 90. była dla mnie utożsamiana z pozą i nieuniknionym melodramatem.

Według tych standardów Boska Komedia zawsze wyróżniała się na tle innych: nie miała ani tej desperackiej udręki, ani śmiałości swoich współczesnych, nie miała prawie żadnych ambicji, aby uchwycić i uchwycić ducha czasu w imieniu zagubionych chłopców i dziewcząt – i że właśnie dlatego, jak sądzę, nie stali się jego zakładnikami. Całe to pokolenie, niemal bez wyjątku, dzieliło się na dwa obozy: bezwstydnych chłopaków z przedmieść klasy robotniczej (w ogóle mnie to nie interesowało) i estetycznych intelektualistów – do drugiej kategorii zaliczał się frontman The Divine Comedy Neil Hannon. Nosił ostre garnitury w połączeniu z raverowymi okularami, komponował piosenki nawiązujące do Krzysztofa Kieślowskiego i filmu „ Alfiego”, a także, oczywiście, uważał ludzi o podobnych poglądach nie za bohaterów swoich czasów, ale Scotta Walkera, barokowego popu i śpiewaków z lat 60. Mówiąc najprościej, The Divine Comedy, w przeciwieństwie do wielu zespołów na ówczesnej brytyjskiej scenie, można słuchać teraz – daleko im było do lat 90. (choć, o mój Boże, spójrzcie ten klip) i nie utknij w nich na zawsze.

Rodzina Boo Radleyów

The Boo Radleys trudno nazwać wielkim zespołem, ale w pewnym sensie przejęli wszystkie cechy swoich czasów. Pierwsza i jak dla mnie najlepsza płyta – „Ichabod and I” – to absolutny pomost pomiędzy wspaniałymi latami 80. a tym, co później nazwano Britpopem. Jest w nim sporo szumu My Bloody Valentine, jest to oczywiście „indie” w klasycznym tego słowa znaczeniu (płyta, notabene, została nagrana w wytwórni, w której pracował The Fall – kolejni bohaterowie lat 80.), ale w „Ichabod and I” jest już zdystansowany wokal w stylu The Stone Roses, który miał zagrzmieć na Spike Island – z którego brytyjski rock zamienił się w brytyjski pop. Jednak ściśle rzecz biorąc, The Boo Radleys nigdy nie stali się Britpopem – z jednego prostego powodu: nie cieszyli się stałą popularnością, choć mimo to zdobyli niewielką sławę. W 1995 roku wydali „Wake Up!” - najbardziej słodki i popowy album, coś w rodzaju „Oasis spotyka The Beatles na szczycie list przebojów”. Oczywiście nie zeszli do wymiotnego, prymitywnego poziomu pijących z Manchesteru, ale chyba dopiero ten konformistyczny album pozwala zaliczyć ich do Britpopu – zarówno pod względem muzycznym, jak i znaczeniowym. Ale oczywiście pierwsza płyta jest mi bliska – kiedy znudziły mi się My Bloody Valentine i Ride, The Boo Radleys były tym, czego potrzebowałem.

Szopa siódma

Georgy Birger
Zastępca Redaktora Naczelnego
magazyn „Afisha”

Każdy gatunek jest skonstruowany w taki sposób, że istnieje kilku założycieli i kilkadziesiąt klonów, które tylko nieznacznie różnią się od oryginalnych danych. Shed Seven to tylko jedna z najnowszych, wręcz kopia Oasis, czasem też coś chwytliwego od Blur. Ale każdy epigon ma swoje właściwości, a Shed Seven także - one najlepiej uchwyciły błogą błogość epoki, pompatyczną proletariacką miłość do życia tego gatunku. Podobnie jak inni chłopcy z Britpopu, nosili niebieskie dżinsy, tenisówki i bluzy, ale nie dlatego, że było to w zwyczaju w ich okolicy, ale dlatego, że stało się to już modne; śpiewali o życiu, ale nie na przekór postindustrialnej dewastacji, ale dlatego, że życie naprawdę było dobre - w ogóle mieli wszystkie cechy grup britpopowych, ale nie mieli swoich warunków. I tu pojawia się paradoks – w powstałych utworach nie było ani krzty fałszu, zamiast udawania, okazały się one kulistym Britpopem w próżni.

Ich piosenki przepełnione są życzliwością, lekkim smutkiem, pogłosami, epickimi solówkami i afirmującymi życie tekstami, balladami i hymnami o tym, jak dobrze jest być w tym czasie i miejscu (najgorsze, co może się zdarzyć, to jeśli wyjdzie w piątek i zrujnuje cały weekend). W tych utworach wyraźnie widać słabo skrywaną obawę, że ta chwila jest niesamowicie krucha, nie wieczna i może zakończyć się w każdej sekundzie, ale to tylko dodaje jej wartości. W dużej mierze dlatego nie da się tego dzisiaj słuchać, ta pompatyczność ludzi śmieszy, a ze wszystkich uczuć do nich, głównym okazuje się teraz protekcjonalność - jak wobec skaczącej ważki, która śpiewała czerwone lato. Ale ja, jako osoba, która choć nie do końca świadoma, zdążyłam uchwycić to właśnie lato i pamiętać, jak naprawdę wszechogarniające i przesadne, aż do łez było piękne, nadal lubię od czasu do czasu wracać do czas na kilka piosenek Shed Seven, zachowując na zawsze te uczucia w pamięci. A reszta jest po prostu zazdrosna.

Ale wszystko jest w porządku. Na początku lat 90. Haynes stworzył Grupa Autorów, których pierwsza płyta stała się hitem i była nominowana do nagrody Mercury. Pomimo tekstów o Lenny’ego Bruce’a i Chaima Soutine’a – utwory na nim były szybkie, ostre i niesamowicie chwytliwe; Haynes jako jedyny zrozumiał wówczas, że „inteligentne” słowa nie muszą oznaczać „inteligentnej” muzyki (co w kontekście rocka oznacza zwykle wodewilowy pastisz). Że możesz grać jak The Smiths bez narzekania na ból serca.

The Auteurs od razu zaczęto przypisywać Britpopowi i porównywać do grup takich jak Suede, co oczywiście tylko rozwścieczyło Haynesa. Przez pewien czas podążał, niemal dosłownie, drogą Cobaina: nagrał „trudną” płytę ze Stevem Albinim; celowo złamał obie nogi, skacząc z wysokiego muru, aby uniknąć tournée po Stanach Zjednoczonych („staromodna operacja utykania”, jak napisał później w znakomitej książce Bad Vibes: Britpop and My Part inits Downfall). Zabrzmiały teraz Więc(nawiasem mówiąc, jak bardzo ta piosenka antycypuje prawie wszystkie muzyczne posunięcia wczesnego Radiohead).

W tym samym czasie Haynes zdecydował się na swój pierwszy całkowicie koncepcyjny ruch. Po przekształceniu się w grupę Baader-Meinhof nagrał płytę „Baader-Meinhof”. Z piosenką „ Baader-Meinhof" O Baader-Meinhof. Funk lat siedemdziesiątych + punk + marokańska sekcja smyczkowa i tabla + poetyckie kolaże o intelektualnym uroku terroryzmu = moja ulubiona płyta lat 90-tych. Znaleziono drogę do wolności od Britpopu. Za kolejne 5-6 lat Damon Albarn znajdzie bardzo podobną ścieżkę.

Na początku XXI wieku Haynes popadł w czysty elektropop. Wraz z piosenkarką Sarah Nixey założył trio Black Box Recorder i nagrał trzy słodkie albumy. Jedna z piosenek z drugiej z nich nagle trafiła do Anglii wielkim hitem. Zabawne, że od pierwszej sekundy słychać aranżację „Baader-Meinhof” zreinterpretowaną w tonacji pop (patrz wyżej). Podobnie jak ostatnim razem Haynes zareagował na sukces przedłużającą się depresją i łamiącym zęby konceptualnym obrazem album. Tym razem był to solowy album „The Oliver Twist Manifesto”, z luksusowymi syntezatorowymi klawiszami, perkusją Timbalanda i tekstami opowiadającymi o… nienawiści autora do współczesnych artystów (jak Tracey Emin i Sarah Lucas) oraz miłości do sytuacjonistów pokroju Guya Deborda.

Następnie, kierując się własną radą „nigdy nie pracuj” (a dokładniej „Ne Travaillez Jamais”, hasło sytuacjonistów, które wypisali na murach i mostach Paryża), Haynes pożegnał się z przemysł muzyczny na zawsze i sam stał się kimś w rodzaju sytuacjonisty. Wszystkie jego posunięcia w 2010 roku mają na celu uniemożliwienie samej możliwości komercyjnego sukcesu. Na przykład nagrał jedną ze swoich płyt 75 razy i wydał 75 egzemplarzy – czyli każdy egzemplarz zawiera absolutnie wyjątkowe wykonanie. (Rozpuścił też pogłoskę, że na jednym z tych 75 egzemplarzy słychać, jak podczas nagrania przynoszono do jego domu pizzę). Kolejny album to seria portretów brytyjskich rockmanów w postaci zwierząt (wraz z samymi portretami; Haynes jest dobrym malarzem). Najnowszym projektem Haynesa – po dwóch (!) tomach wspomnień (!!) – jest książka kucharska (!!!), dla której uruchomił crowdfunding.

Trudno przecenić wpływ Haynesa na mnie jako muzyka. Jeśli nazwiesz rzeczy po imieniu, po prostu wezmę od niego wszystko. Na przykład piosenka „ (I serce) Miranda July”, duet z tytułową amerykańską boginią sztuki niezależnej, jest niemal w całości inspirowany złożonymi relacjami Haynesa z brytyjskimi artystkami. Cóż, OK. Moje życie można uznać za świadomy performans – naśladownictwo Haynesa.