W epoce romantyzmu muzyka zajmowała pierwszorzędne miejsce w systemie sztuki. Wyjaśnia to jego specyfika, która pozwala najpełniej odzwierciedlić przeżycia emocjonalne przy użyciu całego arsenału środków wyrazu.

Romantyzm w muzyce pojawia się w XIX wieku w twórczości F. Schuberta, E. Hoffmanna, N. Paganiniego, K.M. Weber, G. Rossini. Nieco później styl ten znalazł odzwierciedlenie w twórczości F. Mendelssohna, F. Chopina, R. Schumanna, F. Liszta, G. Verdiego i innych kompozytorów.

Romantyzm narodził się w Europie na początku XIX wieku. Stało się swego rodzaju przeciwieństwem klasycyzmu. Romantyzm pozwolił słuchaczowi przeniknąć do magicznego świata legend, pieśni i opowieści. Zasadą przewodnią tego kierunku jest opozycja (marzenia i codzienność, świat idealny i codzienność), kreowana twórczą wyobraźnią kompozytora. Styl ten był popularny wśród kreatywnych ludzi aż do lat czterdziestych XIX wieku.

Romantyzm w muzyce odzwierciedla problemy współczesnego człowieka, jego konflikt ze światem zewnętrznym i jego samotność. Tematy te stają się centralnym elementem twórczości kompozytorów. Będąc utalentowanym i różniącym się od innych, osoba stale odczuwa niezrozumienie ze strony innych. Jego talent staje się przyczyną jego samotności. Dlatego ulubionymi bohaterami kompozytorów romantycznych są poeci, muzycy i artyści (R. Schumann „Miłość poety”; Berlioz – podtytuł „Epizod z życia artysty” do „Symfonii fantastycznej” itp. ).

Oddając świat wewnętrznych przeżyć człowieka, romantyzm w muzyce często ma odcień autobiografii, szczerości i liryzmu. Motywy miłości i namiętności są szeroko stosowane. Na przykład słynny kompozytor R. Schumann zadedykował wiele utworów fortepianowych swojej ukochanej Klarze Wieck.

Temat natury jest także dość powszechny w twórczości romantyków. Często kompozytorzy kontrastują to ze stanem umysłu danej osoby, zabarwiając go odcieniami dysharmonii.

Temat fantasy stał się prawdziwym odkryciem dla romantyków. Aktywnie pracują nad kreacją postaci baśniowych i fantastycznych oraz przekazaniem ich obrazów poprzez różne elementy języka muzycznego („Czarodziejski flet” Mozarta – Królowa Nocy).

Często romantyzm w muzyce zwraca się także w stronę sztuki ludowej. Kompozytorzy w swoich utworach wykorzystują różnorodne elementy ludowe (rytmy, intonacje, tryby dawne) zaczerpnięte z pieśni i ballad. Pozwala to znacząco wzbogacić treść utworów muzycznych.

Zastosowanie nowych obrazów i tematów wymagało poszukiwania odpowiednich form, stąd w dziełach romantycznych pojawiają się intonacje mowy, naturalne mody, kontrasty różnych tonacji, a także partie solowe (głosy).

Romantyzm w muzyce ucieleśniał ideę syntezy sztuk. Przykładem tego są dzieła programowe Schumanna, Berlioza, Liszta i innych kompozytorów (symfonia „Harold we Włoszech”, wiersz „Preludia”, cykl „Lata wędrówki” itp.).

Rosyjski romantyzm znalazł żywe odzwierciedlenie w twórczości M. Glinki, N. Rimskiego-Korsakowa, A. Borodina, C. Cui, M. Bałakiriewa, P. Czajkowskiego i innych.

W swoich pracach A. Dargomyżski przekazuje różnorodne obrazy psychologiczne („Syrenka”, romanse). W operze „Iwan Susanin” M. Glinka maluje obrazy życia zwykłych Rosjan. Dzieła kompozytorów słynnej „Potężnej Garści” słusznie uważane są za szczyt. Używają wyrazistych środków i charakterystycznych intonacji właściwych rosyjskim pieśniom ludowym, muzyce codziennej i mowie potocznej.

Następnie A. Skriabin (preludium „Sny”, wiersz „Do płomienia”) i S. Rachmaninow (studia-obrazy, opera „Aleko”, kantata „Wiosna”) również zwrócili się ku temu stylowi.

Praca pisemna w dyscyplinie akademickiej „Kulturologia”

na temat: „Romantyzm w muzyce”.

Plan

1. Wstęp.

2. Cechy charakterystyczne epoki romantyzmu w muzyce.

3. Geografia muzyki romantycznej.

5. Wniosek.

6. Lista referencji.

1. Wstęp.

Romantyzm to nowy ruch artystyczny XIX wieku. Zastąpił klasycyzm, a jego oznaki zaczęły pojawiać się już pod koniec XVIII wieku. Kolebką romantyzmu są Niemcy, ale szybko rozprzestrzenił się on i przeniknął do innych krajów europejskich, a także do Rosji i Ameryki. Sam termin „romantyzm” pojawił się po raz pierwszy w literaturze dzięki twórczości niemieckiego pisarza Novalisa (1772–1801). Został wprowadzony do muzyki przez E.T. A. Hoffmanna (1776 - 1882). Romantyzm rozwijał się w walce i jednocześnie w ścisłej interakcji ze swoimi poprzednikami – klasycyzmem i sentymentalizmem. Zrodziło się ono w głębi tych ruchów literackich. Klasyczni pisarze byli przekonani, że swój obywatelski obowiązek mogą spełnić jedynie ci, którzy dobrze to rozumieją, potrafią pohamować swoje pasje – osobiste zainteresowania i aspiracje. Wierzyli jednak, że taki los przypadł jedynie nielicznym „szlachetnym” ludziom, głównie szlachcie. Musieli być gotowi bezinteresownie, ofiarnie służyć ojczyźnie. Obowiązkiem obywatelskim jest ich zdaniem przede wszystkim szlachetny honor i cnota.

Romantycy starali się idealizować wszystko, co ich otaczało, wszystkie zjawiska życiowe. Przejęli pewne zasady z poprzedniej epoki klasycyzmu, jednak istotą romantyzmu jest protest przeciwko zasadom Oświecenia, rozczarowanie nimi. Przedstawiciele romantyzmu nie mogli zaakceptować kultu rozumu, racjonalizmu, logiki i praktyczności. Dla nich ważna była dusza i indywidualność człowieka, jego uczucia.

Oryginalność romantyzmu polega także na tym, że nie dążył on do jasnego podziału sztuki na typy i gatunki. Byli pod wrażeniem idei syntezy sztuk i z sukcesem ją wdrożyli. Romantyzm należy do jednej z najciekawszych i najbardziej owocnych epok kulturowych.

2. Cechy charakterystyczne epoki romantyzmu w muzyce.

Romantyzm panował w kulturze muzycznej przez ponad sto lat (1800 - 1910). To właśnie w tej sztuce okazał się długą wątrobą, podczas gdy w literaturze i malarstwie mógł przetrwać tylko pięćdziesiąt lat. Tego nie można nazwać wypadkiem. W rozumieniu romantyków muzyka jest sztuką najbardziej uduchowioną i charakteryzującą się największą swobodą. Jedną z najważniejszych cech muzyki epoki romantyzmu jest jej synteza z innymi formami sztuki. Co więcej, romantycy nie byli zwolennikami ścisłych i wyraźnych podziałów gatunkowych.

Mieszane były także kategorie estetyczne. Tragedia łatwo współistniała z komedią; brzydkie z pięknym; przyziemność z wzniosłością. Takie kontrasty nie wyglądały nieprzekonująco ani nienaturalnie. Najważniejszy zabieg artystyczny – ironia romantyczna – umożliwił połączenie tego, co niekompatybilne. Dzięki niej wyłonił się szczególny obraz świata, tkwiący w romantyzmie.

Pomimo tendencji do mieszania gatunków, wiele z nich miało oczywiście prawo do niezależnej egzystencji i zdołało w tym okresie znacząco się rozwinąć; Pojawiły się także określone gatunki. Jest to przede wszystkim gatunek romantycznego poematu muzycznego i ballady (najwybitniejszym przedstawicielem jest F. Schubert); piosenki; miniatury fortepianowe.

Na szczególną uwagę zasługuje miniatura fortepianowa. Miało ono przekazać jakiś obraz, który wywarł wrażenie na autorze, lub jego nastrój. Miniatura fortepianowa mogłaby mieć określenie gatunkowe: walc, pieśń, pieśń bez słów, mazurek, nokturn. Kompozytorzy często sięgali po muzykę programową i łączyli swoje dzieła w cykle.

Charakterystycznym dla epoki romantyzmu jest słynny cykl fortepianowy R. Schumanna „Karnawał”, odzwierciedlający swobodny charakter estetyki romantyzmu. „Karnawał” zawiera dwadzieścia jeden numerów. Są to szkice, które się zastępują, różnią się nastrojem, obrazami, portretami, ale wiele z nich łączy jedna fabuła. Kompozytor maluje wyimaginowane święto, na które zapraszani są zamaskowani goście. Wśród nich są zwyczajne karnawałowe postacie – nieśmiały Pierrot, psotny Arlekin, narzekający na siebie Columbine i Pantalone (wszystko to znakomicie oddane jest środkami muzycznymi).

„Karnawał” charakteryzuje się bardzo oryginalną koncepcją. Sam kompozytor nazwał swój cykl „miniaturowymi scenami na 4 nutach”, gdyż na nich zbudowana jest cała melodia. Kompozytor sporządził cztery notatki w różnych sekwencjach i kombinacjach, tworząc w ten sposób pozory tematu leżącego u podstaw każdego utworu.

Z kompozycyjnego punktu widzenia Carnival demonstruje najwyższy stopień umiejętności kompozytorskich. Wszystkie utwory z cyklu wyróżniają się doskonałym wykończeniem, błyskotliwością i wirtuozerią. Ogólnie rzecz biorąc, cały cykl jest przykładem harmonijnego połączenia i integralności.

Jeśli mówimy bardziej szczegółowo o muzyce programowej, tutaj możemy wyróżnić taką cechę, jak połączenie z innymi gatunkami: literaturą, malarstwem. Forma eseju uzależniona jest od fabuły. W związku z tym powstają poematy symfoniczne, koncerty jednoczęściowe i sonaty; symfonie wieloczęściowe. Tym samym w dobie romantyzmu rozwinęła się zarówno kameralistyka wokalna, jak i kameralistyka instrumentalna.

Opera również stała się w tym okresie wyjątkowa. Zaczyna skłaniać się ku symfonizmowi; istnieje ścisły i uzasadniony związek pomiędzy tekstem i muzyką; Równie ważna była dla nich akcja sceniczna.

Romantycy mieli ulubione tematy. Fabuła opierała się głównie na temacie samotności i miłości, ponieważ w centrum estetyki romantyzmu znajdowała się dumna i samotna osoba, w której duszy szalały silne namiętności. Bohater romantyczny zawsze był przeciwny społeczeństwu, całemu światu. Dlatego logiczne jest, że w okresie romantyzmu autorzy zwrócili się w stronę tematów bliskich wizerunkowi takiego bohatera: tematu śmierci, tematu drogi i wędrówek, tematu natury. W dziełach romantycznych dużo miejsca poświęcono elementom fantastyki wdzierającym się do nudnego świata materialnego.

Kompozytorzy działający w epoce romantyzmu mieli swój własny język muzyczny. Dużą wagę przywiązywali do melodii, podkreślając znaczenie słowa i ekspresję artystyczną (ostatnia uwaga dotyczy także akompaniamentu).

Harmonia została zauważalnie przekształcona i wzbogacona. Poprzez harmonię, namiętności, rozleniwienie, kontrast nastrojów, napięcie i fantastyczny początek dzieł zostały oddane. Zatem melodia, faktura i harmonia są równie ważne.

Zatem główne cechy muzyki epoki romantyzmu można nazwać syntezą sztuk i gatunków; szczególna ekspresja i ścisły związek melodii, akompaniamentu i harmonii; kontrast; fantastyczny; zwiększona emocjonalność i ekspresja.

3. Geografia muzyki romantycznej.

Romantyzm obejmował dość szeroki obszar: od Europy i Rosji po Amerykę i wszędzie tam, gdzie nastąpił jego specyficzny rozwój. W Europie sztuka muzyczna tego okresu w niektórych krajach miała zarówno podobieństwa kulturowe, jak i różnice. Na przykład muzyka Austrii i Niemiec rozwinęła się mniej więcej w tym samym kierunku. Na muzyczny romantyzm tych krajów wpłynęła wiedeńska szkoła muzyczna, która z mocą zademonstrowała swoją literaturę. Połączył ich także wspólny język. Romantyzm niemiecko-austriacki wyróżniał się nie tylko zaawansowanymi dziełami różnych gatunków, ale także aktywnym oświeceniem. Cechą charakterystyczną niemieckiego i austriackiego romantyzmu jest śpiewność.

Romantyzm w Polsce to połączenie wokalności i instrumentalności – cecha charakterystyczna polskiej muzyki ludowej. Tym samym w intonacjach F. Chopina dość wyraźnie słychać echa epickiego gatunku polskiej muzyki ludowej – Dumy Polskiej. Gatunek ten w dojrzałym okresie swego rozwoju charakteryzuje się powolnym, epickim refrenem, często o tonie żałobnym. I kolejne dramatycznie intensywne epizody, na przemian z powrotem melodii początkowego refrenu. Nie ma wątpliwości, że to właśnie dumy zachodniosłowiańskie stały się pierwowzorem ballad Chopina i im podobnych dzieł. Podstawą polskiego romantyzmu jest zatem sztuka ludowa.

Włoski romantyzm to bezprecedensowy rozkwit sztuki operowej; Start w Bel Canto. Tym samym opera włoska stała się liderem w tym kierunku na całym świecie. Również we Francji opera zyskuje jedno z wiodących znaczeń. Duża w tym zasługa G. Berlioza (1803 - 1869), który był twórcą tak ciekawego zjawiska, jak opera komiczna, która bezpośrednio odzwierciedlała narodową specyfikę tego kraju.

W Rosji romantyzm rozwinął się pod wpływem idei dekabrystów, Wielkiej Rewolucji Francuskiej i wojny napoleońskiej 1812 r., czyli wiązał się z globalnymi wydarzeniami społecznymi. Zasady obywatelstwa i służby ojczyźnie przeniesiono na grunt sztuki muzycznej, w której wyraźnie zabrzmiała idea świadomości narodowej. W ten sposób muzyczny romantyzm wszystkich krajów łączyły wspólne cechy: pragnienie wysokiej duchowości, marzenia o pięknie i odbicie sfery zmysłowej człowieka.

4. Wielcy kompozytorzy i muzycy epoki romantyzmu.

Romantyzm dał kulturze muzycznej wielu znakomitych kompozytorów: F. Liszta (1811 - 1886, Węgry), R. Schumanna (1810 - 1856, Niemcy), F. Schuberta (1797 - 1828, Austria), K. Webera (1786 - 1826, Niemcy ), R. Wagner (1813 - 1883, Niemcy), J. Bizet (1838 - 1875, Francja), N. Paganini (1782 - 1840, Włochy), E. Grieg (1843 - 1907, Norwegia), G. Verdi ( 1813 - 1901, Włochy), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven (ostatni etap twórczości, Niemcy) itd. Scharakteryzujmy pokrótce twórczość niektórych z nich.

Franciszek Liszt, podobnie jak W.A. Mozart był młodym wirtuozem i bardzo wcześnie dał Europie do myślenia, występując przed publicznością jako pianista. Równie wcześnie ujawnił się jego talent kompozytorski. Następnie F. Liszt połączył działalność koncertową z komponowaniem. Dokonywał także transkrypcji muzyki symfonicznej na fortepian i słusznie można go uznać za wybitnego pedagoga.

Oryginalne dzieła F. Liszta charakteryzują się wirtuozerią i głębią, ekspresją i szaleństwem. Są to jego słynne dzieła cykliczne: „Lata wędrówek”, „Etiudy performansu transcendentalnego”, „Wielkie Etiudy według Kaprysów Paganiniego”, „Rapsodie węgierskie”. F. Liszt wniósł ogromny wkład w popularyzację i rozwój węgierskiej kultury muzycznej.

Franz Schubert uważany jest za pierwszego kompozytora epoki romantyzmu, który znalazł się w gronie wielkich kompozytorów. Jego muzyka jest czysta, radosna, poetycka, a jednocześnie smutna, zimna i rozpaczliwa. Muzyka F. Schuberta, jak zwykle dla romantyków, jest kontrastowa, ale zachwyca swobodą i swobodą, pięknem melodii.

F. Schubert napisał ogromną liczbę pieśni, które są prawdziwymi arcydziełami. Dotyczy to zwłaszcza dzieł napisanych do wierszy V.I. Goethe („Król lasu”, „Małgosia przy kołowrotku”) i wiele innych.

Kompozytor zajmował się także innymi gatunkami: operami, kameralnymi dziełami wokalnymi i instrumentalnymi. A jednak przede wszystkim nazwisko F. Schuberta kojarzone jest z jego pieśniami i różnymi cyklami: „Piękna żona młynarza”, „Winter Reise”, „Łabędzi śpiew”.

Francuski kompozytor Georges Bizet wszedł do historii kultury światowej jako autor niezrównanej opery Carmen. Już w wieku dziesięciu lat został uczniem Konserwatorium Paryskiego. Młody kompozytor na początku swojej kariery twórczej próbował swoich sił w różnych gatunkach, jednak jego prawdziwą pasją stała się opera. Oprócz Carmen napisał takie opery jak Poławiacze pereł, Piękno Perth i Jamile. Na uwagę zasługuje także muzyka, którą napisał do dramatu A. Daudeta pod tym samym tytułem „Arlesian”. J. Bizet słusznie uważany jest za wybitnego kompozytora francuskiego.

Edvard Grieg to najsłynniejszy kompozytor Norwegii, jeden z symboli tego kraju. Jego muzyka jest zjawiskiem wyrazistym i oryginalnym, ukazującym wyjątkową indywidualność twórczego myślenia tego kompozytora. Dzieła E. Griega, m.in. „Koncert fortepianowy”, romanse, „Utwory liryczne”, „Druga Sonata skrzypcowa” i oczywiście „Peer Gynt” – muzyka do sztuki G. Ibsena – stały się własnością nie tylko norweska, ale także muzyka świata.

Jedną z personifikacji romantyzmu jest włoski skrzypek i kompozytor Niccolo Paganini. Najtrafniejsze definicje jego sztuki to jasność, blask, szaleństwo, bunt. Pisał dzieła wirtuozowskie i pełne pasji, które do dziś znajdują się w repertuarze znanych skrzypków. Mowa o I i II Koncercie skrzypcowym, „24 Capricci”, „Karnawale w Wenecji” i „Perpetuum Motion”. Ponadto N. Paganini był znakomitym improwizatorem, dokonywał aranżacji i wariacji fragmentów oper na skrzypce solo. Był inspiracją dla wielu postaci epoki romantyzmu.

Mówiąc o muzyce wybitnego polskiego kompozytora Fryderyka Chopina (1810 - 1849), warto przede wszystkim powiedzieć, że jest to „dusza narodu polskiego”, która znalazła różnorodny wyraz w twórczości Chopina. Jego muzyka zawiera strony o epickiej wielkości i heroicznym wzroście. W tragicznych epizodach muzyki Chopina słychać smutek odważnego serca. Twórczość Chopina jest głęboko ludową sztuką artysty patriotycznego, artysty humanistycznego, inspirowaną postępowymi ideałami epoki, w której przyszło mu żyć i tworzyć.

Kariera kompozytorska Chopina rozpoczęła się od komponowania polskich tańców codziennych (mazurka, poloneza, walca). Sięgnął także do nokturnów. Jego „Ballada g-moll”, „Scherzo h-moll” i „Etiuda c-moll” okazały się rewolucyjne dla muzyki fortepianowej. Etiudy i preludia F. Chopina (wraz z etiudami F. Liszta) stanowią szczytowe osiągnięcie techniki fortepianowej epoki romantyzmu.

Romantyzm bardzo dobrze zakorzenił się na ziemi rosyjskiej. Nowy światopogląd znalazł odzew w umysłach i duszach inteligencji. Jego koncepcja sprzeciwu wobec zła, które ogarnęło cały świat, okazała się bardzo bliska rosyjskiej sztuce i literaturze.

Jednym z przejawów romantyzmu była rosyjska proza ​​romantyczna. Pojawiwszy się w pierwszej połowie XIX wieku, samo w sobie stało się zjawiskiem wyjątkowym. Prezentowane z nazwiskami nie tylko wielkich rosyjskich pisarzy, ale także autorów drugiej kategorii. W niektórych dziełach tych autorów wyraźnie widać zamiłowanie do fantastyki, niezwykłą i surrealistyczną atmosferę, magiczny zwrot akcji i dziwaczne postacie. W tych pracach można wyczuć ślad Hoffmanna, ale przełamany przez rosyjską rzeczywistość. Podobnie jak w Niemczech, muzyka rosyjska tego okresu była ściśle związana z literaturą. Można to zobaczyć na przykładzie pracy V.F. Odojewskiego (1804–1869), któremu udało się osiągnąć sukces w obu dziedzinach.

Ogólnie rzecz biorąc, epoka romantyczna stworzyła plejada wybitnych kompozytorów. To P. I. Czajkowski (1840–1893), A. A. Alyabyev (1787–1851), A. P. Borodin (1833–1887), M. I. Glinka (1804–1857), A. S. Dargomyżski (1813–1869), M.P. Musorgski (1839–1881), M. A. Bałakirew (1837–1910), N. A. Rimski-Korsakow (1844–1908), A. N. Skriabin (1872–1915), Ts.A. Cui (1835 - 1915), S.V. Rachmaninow (1873 - 1943). Oczywiście większość wymienionych kompozytorów to tylko romantycy. Wnieśli ogromny wkład w rozwój realizmu w kulturze rosyjskiej, ale pewne okresy ich twórczości spadły na scenę romantyzmu.

Wykładnikiem idei rosyjskiej w muzyce był M.I. Glinka. Jego pojawienie się w rosyjskiej kulturze muzycznej zmusiło ją do obrania innej ścieżki. W swojej twórczości udało mu się połączyć europejskie i rosyjskie tradycje narodowe. Romantyczny okres twórczości M.I Glinki to piękne romanse, przepełnione harmonią, liryzmem i pasją, doskonałe w formie i treści.

Oprócz działalności kompozytorskiej, w tym okresie ogromną rolę odegrały stowarzyszenia twórcze. Ogólnie rzecz biorąc, był to czas wielkich i znaczących zmian dla Rosji, w tym w życiu muzycznym. Następuje rozwój nauki i literatury, co niesie ze sobą sztukę rosyjską. Jej najlepsi przedstawiciele zaczynają zdawać sobie sprawę z wielkiej społecznej siły sztuki. Trendy tamtych czasów uwzględniają więc także muzykę, wzrasta wpływ na nią literatury, a co za tym idzie, ich interakcja. Poszerza się zakres jej powiązań z innymi formami sztuki, wyłaniają się różne środowiska muzyczne: koło Dargomyżskiego, koło Rubinsteina, koło Bielajewa i wreszcie wspólnota muzyczna Bałakiriowa, zwana „Potężną Garścią”.

Wyrażenie „Potężna garść” zostało ukute przez krytyka V.V. Stasow (1824 - 1906). To oksymoroniczne określenie stało się później popularne i było powtarzane zarówno w kontekście pełnym szacunku, jak i ironii, w odniesieniu do muzyków skupionych wokół M.A. Bałakirewa.

Przede wszystkim starali się ożywić zainteresowanie rosyjską sztuką ludową. Przywiązując dużą wagę do narodowej oryginalności muzyki, słusznie uważali, że uda się ją osiągnąć jedynie wówczas, gdy kompozytor sięgnie do korzeni pieśni ludowych. Każdy, kto wychowuje się wyłącznie na kompozycjach salonowych, nawet tych najlepszych, nie będzie w stanie stworzyć niczego wartościowego. Do tej pory, w przekonaniu członków koła Bałakirewa, muzyka profesjonalna, z nielicznymi wyjątkami (tj. M.I. Glinka, 1804–1857), była daleka od sztuki ludowej. W rozumieniu „kuczkistów” kompozytor zobowiązany jest przesiąknąć duchem muzyki ludowej. Zatem rosyjski romantyzm jest rosyjską sztuką narodową.

5. Wniosek.

Nowe, romantyczne spojrzenie na świat w sztuce europejskiej przełomu XVIII i XIX wieku. W romantyzmie świat codzienności sąsiaduje ze światem fantastycznym, po którym biegnie bohater dramatyczny, mając nadzieję na ucieczkę od codzienności. Romantycy wierzyli, że sztuka jest jedna; Poezja i muzyka są szczególnie bliskie. Muzyka potrafi „opowiedzieć” na nowo myśl poety, odmalować obraz bohatera literackiego, a poezja nierzadko zadziwia swoją muzykalnością. Nurt nowej sztuki znalazł swoje odzwierciedlenie także w twórczości wielkich kompozytorów romantycznych.

Romantyzm muzyczny miał swoich bohaterów, swoje tematy, swoje zasady estetyczne i język artystyczny. Jego celem była swobodna forma, nieograniczona granicami gatunku i typu. Romantyzm muzyczny istniał bardzo długo i przyniósł bogate owoce.

Nadszedł jednak moment jego kryzysu. Stało się to w czasie, gdy nadejście XX wieku, ze swoimi osobliwymi tendencjami, zaczęło niszczyć ideały romantyzmu. I choć ostatecznie zastąpił go modernizm, romantyzm nie pogrążył się w wieczności, a jego tradycje nadal żyły w sztuce nowego stulecia, a nawet w naszych czasach nowożytnych.

6. Lista referencji.

1. Belousova S.S. Romantyzm. - M.: Rosman, 2004. - 115 s.

2. Galatskaya V.S. Niemiecki kompozytor Robert Schumann/W.S. Galacka. - M.: Wiedza, 1956. - 33 s.

3. Gordeeva E.M. Potężna gromada/E.M. Gordeeva. - M.: Muzyka. - 270 s.

4. Sołowcow A.A. Fryderyka Chopina. Życie i sztuka. - Państwowe Wydawnictwo Muzyczne/A.A. Sołowcow. - Moskwa, 1960. - 504 s.

Krótka historia muzyki. Najbardziej kompletna i zwięzła książka informacyjna Henleya Darena

Późni romantycy

Późni romantycy

Wielu kompozytorów tego okresu kontynuowało pisanie muzyki do XX wieku. O nich jednak porozmawiamy tutaj, a nie w następnym rozdziale, gdyż w ich muzyce był silny duch romantyzmu.

Warto zaznaczyć, że niektórzy z nich utrzymywali bliskie kontakty, a nawet przyjaźnie z kompozytorami wymienionymi w podrozdziałach „Wczesni romantycy” i „Nacjonaliści”.

Ponadto należy pamiętać, że w tym okresie w różnych krajach Europy działało tak wielu znakomitych kompozytorów, że jakikolwiek ich podział według jakiejkolwiek zasady będzie całkowicie warunkowy. Jeśli w różnych literaturze poświęconej okresowi klasycznemu i baroku wspomina się w przybliżeniu te same ramy czasowe, to okres romantyzmu wszędzie jest definiowany inaczej. Wydaje się, że granica między końcem okresu romantyzmu a początkiem XX wieku w muzyce jest bardzo niewyraźna.

Bez wątpienia czołowym kompozytorem XIX-wiecznych Włoch Giuseppe Verdiego. Ten mężczyzna z gęstymi wąsami i brwiami, patrzący na nas błyszczącymi oczami, był o całą głowę wyższy od wszystkich pozostałych kompozytorów operowych.

Wszystkie dzieła Verdiego są dosłownie wypełnione jasnymi, zapadającymi w pamięć melodiami. W sumie napisał dwadzieścia sześć oper, z których większość jest dziś regularnie wystawiana. Wśród nich znajdują się najsłynniejsze i najwybitniejsze dzieła operowe wszechczasów.

Muzyka Verdiego cieszyła się dużym uznaniem już za życia kompozytora. Na premierze Hades publiczność zgotowała tak długą owację, że artyści musieli kłaniać się aż trzydzieści dwa razy.

Verdi był bogatym człowiekiem, ale pieniądze nie mogły uratować od przedwczesnej śmierci obu żon kompozytora i dwójki dzieci, dlatego w jego życiu zdarzały się tragiczne chwile. Zapisał swój majątek schronisku dawnych muzyków, zbudowanemu pod jego kierownictwem w Mediolanie. Sam Verdi za swoje największe osiągnięcie uważał stworzenie schronu, a nie muzyki.

Pomimo tego, że nazwisko Verdi kojarzy się przede wszystkim z operą, mówiąc o nim nie sposób nie wspomnieć Msza żałobna, uznawana za jeden z najlepszych przykładów muzyki chóralnej. Jest pełen dramatyzmu, pojawiają się w nim pewne cechy opery.

Naszego kolejnego kompozytora nie można nazwać najbardziej uroczą osobą. Ogólnie rzecz biorąc, jest to najbardziej skandaliczna i kontrowersyjna postać ze wszystkich wymienionych w naszej książce. Gdybyśmy mieli stworzyć listę opartą wyłącznie na cechach osobowości, to wtedy Ryszarda Wagnera Nigdy bym się w to nie wkręcił. Kierujemy się jednak wyłącznie kryteriami muzycznymi, a historia muzyki klasycznej jest nie do pomyślenia bez tej osoby.

Talent Wagnera jest niezaprzeczalny. Spod jego pióra wyszło kilka z najważniejszych i najbardziej imponujących dzieł muzycznych całego okresu romantyzmu – zwłaszcza opery. Jednocześnie określany jest jako antysemita, rasista, biurokrata, ostateczny oszust, a nawet złodziej, który nie waha się wziąć wszystkiego, czego potrzebuje i jest niegrzeczny bez wyrzutów sumienia. Wagner miał przesadne poczucie własnej wartości i wierzył, że jego geniusz wynosi go ponad wszystkich innych ludzi.

Wagner jest pamiętany ze swoich oper. Kompozytor ten wyniósł niemiecką operę na zupełnie nowy poziom i chociaż urodził się w tym samym czasie co Verdi, jego muzyka bardzo różniła się od dzieł włoskich tamtego okresu.

Jedną z innowacji Wagnera było nadanie każdemu głównemu bohaterowi własnego tematu muzycznego, który powtarzał się za każdym razem, gdy zaczynał odgrywać znaczącą rolę na scenie.

Dziś wydaje się to oczywiste, ale wówczas pomysł ten wywołał prawdziwą rewolucję.

Największym osiągnięciem Wagnera był cykl Pierścień Nibelunga, składający się z czterech oper: Złoto Renu, Walkiria, Zygfryd I Śmierć bogów. Odbywają się zazwyczaj przez cztery kolejne wieczory i trwają łącznie około piętnastu godzin. Już same te opery wystarczyłyby, aby uwielbić swojego kompozytora. Mimo całej dwuznaczności Wagnera jako osoby, trzeba przyznać, że był to kompozytor wybitny.

Charakterystyczną cechą oper Wagnera jest ich długość. Jego ostatnia opera Parsifal trwa ponad cztery godziny.

Dyrygent David Randolph powiedział kiedyś o niej:

„To taka opera, która zaczyna się o szóstej, a gdy trzy godziny później spojrzysz na zegarek, okazuje się, że wskazuje 6:20”.

Życie Antona Brucknera Dla kompozytora jest to lekcja, jak nie poddawać się i upierać się przy swoim. Ćwiczył dwanaście godzin dziennie, cały swój czas poświęcał pracy (był organistą), a o muzyce dużo się uczył, kończąc naukę komponowania drogą korespondencyjną w dość dojrzałym wieku – w wieku trzydziestu siedmiu lat.

Dziś najczęściej pamięta się symfonie Brucknera, których napisał w sumie dziewięć. Czasami ogarnęły go wątpliwości co do swojej wartości jako muzyka, ale mimo to, choć pod koniec życia, zdobył uznanie. Po wykonaniu Symfonie nr 1 krytycy wreszcie pochwalili kompozytora, który miał już czterdzieści cztery lata.

Johannesa Brahmsa nie jeden z tych kompozytorów, którzy urodzili się, że tak powiem, ze srebrną laską w dłoni. Do czasu jego narodzin rodzina utraciła dawny majątek i ledwo wiązała koniec z końcem. Jako nastolatek zarabiał na życie grając w burdelach swojego rodzinnego Hamburga. Zanim Brahms stał się dorosły, niewątpliwie zapoznał się z mniej atrakcyjnymi aspektami życia.

Muzykę Brahmsa propagował jego przyjaciel Robert Schumann. Po śmierci Schumanna Brahms zbliżył się do Clary Schumann, a ostatecznie nawet się w niej zakochał. Nie wiadomo dokładnie, jaki rodzaj związku ich łączyło, choć uczucia do niej prawdopodobnie odegrały jakąś rolę w jego relacjach z innymi kobietami – żadnej z nich nie oddał serca.

Brahms był osobą raczej niepohamowaną i drażliwą, jednak przyjaciele twierdzili, że ma w sobie łagodność, choć nie zawsze okazywał ją otaczającym go osobom. Któregoś dnia, wracając do domu z imprezy, powiedział:

„Jeśli tam nikogo nie uraziłem, to proszę o przebaczenie”.

Brahms nie wygrałby konkursu na najmodniejszego i najbardziej elegancko ubranego kompozytora. Nienawidził kupować nowych ubrań i często nosił te same luźne, połatane spodnie, prawie zawsze dla niego za krótkie. Podczas jednego występu prawie spadły mu spodnie. Innym razem musiał zdjąć krawat i założyć go zamiast paska.

Na styl muzyczny Brahmsa duży wpływ mieli Haydn, Mozart i Beethoven, a niektórzy historycy muzyki twierdzą nawet, że pisał on w duchu klasycyzmu, który wyszedł już z mody. Jednocześnie ma także kilka nowych pomysłów. Szczególnie potrafił rozwijać małe fragmenty muzyczne i powtarzać je w całym utworze – co kompozytorzy nazywają „powtarzającym się motywem”.

Brahms nie pisał oper, ale próbował swoich sił w niemal wszystkich innych gatunkach muzyki klasycznej. Dlatego można go nazwać jednym z najwybitniejszych kompozytorów wymienionych w naszej książce, prawdziwym gigantem muzyki klasycznej. Sam tak powiedział o swojej twórczości:

„Komponowanie nie jest trudne, ale zaskakująco trudno jest rzucić dodatkowe notatki pod stół”.

Maks Bruch urodził się zaledwie pięć lat po Brahmsie, a ten z pewnością przyćmiłby go, gdyby nie jedno dzieło, Koncert skrzypcowy nr 1.

Sam Bruch potwierdził ten fakt, stwierdzając z niezwykłą dla wielu kompozytorów skromnością:

„Za pięćdziesiąt lat Brahms zostanie nazwany jednym z najwybitniejszych kompozytorów wszechczasów, a ja zostanę zapamiętany za napisanie Koncertu skrzypcowego g-moll”.

I miał rację. To prawda, sam Bruch ma o czym pamiętać! Skomponował wiele innych utworów – w sumie około dwustu – zwłaszcza wiele utworów na chóry i opery, które obecnie są rzadko wystawiane. Jego muzyka jest melodyjna, ale nie wniósł do jej rozwoju niczego szczególnie nowego. W porównaniu z nim wielu innych kompozytorów tamtych czasów wydaje się być prawdziwymi innowatorami.

W 1880 Bruch został mianowany dyrygentem Royal Liverpool Philharmonic Society, lecz trzy lata później wrócił do Berlina. Muzycy orkiestry nie byli z niego zadowoleni.

Na kartach naszej książki poznaliśmy już wiele muzycznych cudów, a także Camille Saint – Sans nie zajmuje wśród nich najmniejszego miejsca. Już w wieku dwóch lat Saint-Saens wybierał melodie na fortepianie, jednocześnie uczył się czytać i pisać nuty. W wieku trzech lat grał sztuki własnego utworu. Już w wieku dziesięciu lat pięknie wykonał Mozarta i Beethovena. W tym samym czasie poważnie zainteresował się entomologią (motyle i owady), a następnie innymi naukami, m.in. geologią, astronomią i filozofią. Wydawało się, że tak utalentowane dziecko po prostu nie może ograniczyć się do jednej rzeczy.

Po ukończeniu studiów w Konserwatorium Paryskim Saint-Saens przez wiele lat pracował jako organista. W miarę dorastania zaczął wpływać na życie muzyczne Francji i to dzięki niemu zaczęto coraz częściej wykonywać muzykę takich kompozytorów jak J. S. Bach, Mozart, Handel i Gluck.

Najbardziej znanym dziełem Saint-Saensa jest karnawał zwierząt, których wykonanie za życia zakazał kompozytor. Obawiał się, że krytycy muzyczni, usłyszawszy to dzieło, uznają je za zbyt niepoważne. Przecież to zabawne, gdy orkiestra na scenie przedstawia lwa, kury z kogutem, żółwie, słonia, kangura, akwarium z rybami, ptakami, osłem i łabędziem.

Saint-Saens napisał kilka innych swoich dzieł na niezbyt popularne kombinacje instrumentów, w tym słynne III Symfonia „Organowa”, usłyszane w filmie „Babe”.

Muzyka Saint-Saensa wpłynęła na twórczość innych francuskich kompozytorów, m.in Gabriela Fore’a. Ten młody człowiek odziedziczył stanowisko organisty w paryskim kościele św. Magdaleny, zajmowanym wcześniej przez Saint-Saensa.

I choć talentu Fauré nie da się porównać z talentem jego nauczyciela, był on wspaniałym pianistą.

Faure nie był człowiekiem bogatym i dlatego ciężko pracował, grając na organach, prowadząc chór i udzielając lekcji. Pisał w czasie wolnym, którego było bardzo niewiele, a mimo to udało mu się opublikować ponad dwieście pięćdziesiąt swoich dzieł. Komponowanie niektórych z nich zajęło bardzo dużo czasu: na przykład praca nad Msza żałobna trwało ponad dwadzieścia lat.

W 1905 roku Fauré został dyrektorem Konserwatorium Paryskiego, czyli osobą, od której w dużej mierze zależał rozwój muzyki francuskiej tamtych czasów. Piętnaście lat później Fauré przeszedł na emeryturę. Pod koniec życia cierpiał na utratę słuchu.

Dziś Fauré cieszy się szacunkiem poza Francją, choć tam jest najbardziej ceniony.

Dla fanów muzyki angielskiej pojawienie się takiej postaci jak Edwarda Elgara, To musiało wydawać się prawdziwym cudem. Wielu historyków muzyki nazywa go pierwszym znaczącym kompozytorem angielskim po Henrym Purcellu, który tworzył w okresie baroku, choć nieco wcześniej wspominaliśmy także o Arthurze Sullivanie.

Elgar bardzo kochał Anglię, a zwłaszcza rodzinne Worcestershire, gdzie spędził większość swojego życia, szukając inspiracji na polach wzgórz Malvern Hills.

Jako dziecko był wszędzie otoczony muzyką: jego ojciec był właścicielem lokalnego sklepu muzycznego i uczył małego Elgara gry na różnych instrumentach muzycznych. W wieku dwunastu lat chłopiec zastępował już organistę na nabożeństwach.

Po pracy w kancelarii adwokackiej Elgar postanowił poświęcić się zajęciu znacznie mniej pewnemu z finansowego punktu widzenia. Przez pewien czas pracował na pół etatu, udzielając lekcji skrzypiec i fortepianu, grał w lokalnych orkiestrach, a nawet trochę dyrygował.

Stopniowo rosła sława Elgara jako kompozytora, choć miał trudności z przedostaniem się poza rodzinne strony. Przyniosło mu sławę Wariacje na temat autorski, które są obecnie lepiej znane jako Wariacje Enigmy.

Obecnie muzyka Elgara jest postrzegana jako bardzo angielska i można ją usłyszeć podczas najważniejszych wydarzeń ogólnopolskich. Przy pierwszych dźwiękach Koncert wiolonczelowy natychmiast pojawia się angielska wieś. Nimroda z Wariacje często grany podczas oficjalnych ceremonii i Uroczysty i uroczysty marsz nr 1, znany jako Krainie nadziei i chwały, występował na balach w całej Wielkiej Brytanii.

Elgar był człowiekiem rodzinnym i kochał spokojne, uporządkowane życie. Mimo to pozostawił ślad w historii. Tego kompozytora z gęstym, krzaczastym wąsem można od razu rozpoznać na banknocie dwudziestofuntowym. Projektanci banknotów najwyraźniej uważali, że taki zarost będzie bardzo trudny do sfałszowania.

We Włoszech następcą Giuseppe Verdiego w sztuce operowej był Giacomo Pucciniego, uważany za jednego z uznanych na świecie mistrzów tej formy sztuki.

Rodzina Puccini od dawna zajmowała się muzyką kościelną, ale Giacomo po raz pierwszy usłyszał operę Aida Verdiego, zdał sobie sprawę, że to jest jego powołanie.

Po studiach w Mediolanie Puccini skomponował operę Manon Lescaut, co przyniosło mu pierwszy wielki sukces w 1893 roku. Potem jedna udana produkcja nastąpiła po drugiej: cyganeria w 1896 r., Tęsknota w 1900 i Pani Motyl w 1904.

W sumie Puccini skomponował dwanaście oper, z których ostatnia była Turandot. Zmarł nie dokończywszy tego dzieła, a dzieło dokończył inny kompozytor. Na premierze opery dyrygent Arturo Toscanini zatrzymał orkiestrę dokładnie tam, gdzie zatrzymał się Puccini. Zwrócił się do publiczności i powiedział:

Wraz ze śmiercią Pucciniego zakończył się okres świetności włoskiej opery. W naszej książce nie będziemy już wspominać o włoskich kompozytorach operowych. Ale kto wie, co przyniesie nam przyszłość?

W życiu Gustava Mahlera był bardziej znany jako dyrygent niż jako kompozytor. Dyrygował zimą, a latem z reguły wolał pisać.

Mówi się, że Mahler jako dziecko znalazł fortepian na strychu domu swojej babci. Cztery lata później, w wieku dziesięciu lat, dał swój pierwszy występ.

Mahler studiował w Konserwatorium Wiedeńskim, gdzie zaczął komponować muzykę. W 1897 roku został dyrektorem Wiedeńskiej Opery Państwowej i w ciągu następnych dziesięciu lat zyskał znaczną sławę w tej dziedzinie.

Sam zaczął pisać trzy opery, ale ich nie ukończył. W naszych czasach znany jest przede wszystkim jako kompozytor symfonii. W tym gatunku jest właścicielem jednego z prawdziwych „hitów” - Symfonia nr 8, W jego wykonaniu bierze udział ponad tysiąc muzyków i śpiewaków.

Po śmierci Mahlera jego muzyka wyszła z mody na około pięćdziesiąt lat, jednak w drugiej połowie XX wieku odzyskała popularność, zwłaszcza w Wielkiej Brytanii i USA.

Ryszarda Straussa urodził się w Niemczech i nie należał do wiedeńskiej dynastii Straussów. Mimo że kompozytor ten żył niemal całą pierwszą połowę XX wieku, do dziś uważany jest za przedstawiciela niemieckiego romantyzmu muzycznego.

Światową popularność Richarda Straussa ucierpiało nieco na tym, że po 1939 roku zdecydował się on pozostać w Niemczech, a po II wojnie światowej został nawet oskarżony o współpracę z nazistami.

Strauss był znakomitym dyrygentem, dzięki czemu doskonale rozumiał, jak powinien brzmieć dany instrument w orkiestrze. Często stosował tę wiedzę w praktyce. Udzielał także różnych rad innym kompozytorom, np.:

„Nigdy nie patrz na puzony, tylko je zachęcasz”.

„Nie pocij się podczas występu; Tylko słuchaczom powinno być gorąco.”

Współcześnie Straussa wspomina się przede wszystkim w związku z jego twórczością Tak mówił Zaratustra, intro, które Stanley Kubrick wykorzystał w swoim filmie 2001: Odyseja kosmiczna. Ale napisał także jedne z najlepszych niemieckich oper, wśród nich: Walier Różynki, Salome I Ariadna na Naxos. Na rok przed śmiercią komponował także bardzo pięknie Cztery ostatnie piosenki na głos i orkiestrę. W sumie nie były to ostatnie pieśni Straussa, ale stały się swego rodzaju finałem jego twórczości.

Do tej pory wśród kompozytorów wspomnianych w tej książce był tylko jeden przedstawiciel Skandynawii – Edvard Grieg. Ale teraz ponownie zostajemy przeniesieni w ten surowy i zimny region – tym razem do Finlandii, gdzie się urodziłem Jan Sibelius, wielki geniusz muzyczny.

Muzyka Sibeliusa wchłonęła mity i legendy jego ojczyzny. Jego największe dzieło Finlandia, uważany jest za ucieleśnienie fińskiego ducha narodowego, tak jak w Wielkiej Brytanii dzieła Elgara uznawane są za skarb narodowy. Co więcej, Sibelius, podobnie jak Mahler, był prawdziwym mistrzem symfonii.

Jeśli chodzi o inne pasje kompozytora, to na co dzień nadmiernie lubił pić i palić, tak że w wieku czterdziestu lat zachorował na raka gardła. Często brakowało mu też pieniędzy, więc państwo zapewniało mu emeryturę, aby mógł dalej pisać muzykę, nie martwiąc się o swoją sytuację finansową. Ale ponad dwadzieścia lat przed śmiercią Sibelius w ogóle przestał cokolwiek komponować. Resztę życia spędził we względnej samotności. Szczególnie surowo odnosił się do tych, którzy otrzymywali pieniądze za recenzje jego muzyki:

„Nie zwracaj uwagi na to, co mówią krytycy. Do tej pory ani jeden krytyk nie został uhonorowany statuetką”.

Ten ostatni na naszej liście kompozytorów okresu romantyzmu także żył niemal do połowy XX w., chociaż większość swoich najsłynniejszych dzieł napisał już w XX w. A mimo to uważany jest za romantyka, a wydaje nam się, że jest najbardziej romantycznym kompozytorem z całej grupy.

Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow urodził się w rodzinie szlacheckiej, która w tym czasie była już całkiem wyczerpana. Już we wczesnym dzieciństwie wykazywał zainteresowanie muzyką, dlatego rodzice wysłali go na studia najpierw do Petersburga, a następnie do Moskwy.

Rachmaninow był niezwykle utalentowanym pianistą, ale okazał się także wspaniałym kompozytorem.

Kopalnia Koncert fortepianowy nr 1 pisał w wieku dziewiętnastu lat. Znalazł czas na swoją pierwszą operę, Aleko.

Ale ten wspaniały muzyk z reguły nie był szczególnie zadowolony z życia. Na wielu zdjęciach widzimy wściekłego, marszczącego brwi mężczyznę. Inny rosyjski kompozytor, Igor Strawiński, zauważył kiedyś:

„Nieśmiertelną istotą Rachmaninowa była jego ponurość. Miał sześć i pół stopy ponurego wyglądu... był przerażającym człowiekiem.

Kiedy młody Rachmaninow grał dla Czajkowskiego, był tak zachwycony, że wystawił mu ocenę A z czterema plusami – najwyższą ocenę w całej historii Konserwatorium Moskiewskiego. Wkrótce o młodych talentach zrobiło się głośno w całym mieście.

Mimo to los przez długi czas pozostawał niełaskawy dla muzyka.

Krytycy bardzo ostro to ocenili Symfonie nr 1, którego premiera zakończyła się fiaskiem. To spowodowało, że Rachmaninow miał trudne przeżycia emocjonalne, stracił wiarę w swoje możliwości i nie mógł w ogóle nic skomponować.

Ostatecznie dopiero pomoc doświadczonego psychiatry Nikołaja Dahla pozwoliła mu wyjść z kryzysu. W 1901 roku Rachmaninow ukończył Koncert fortepianowy, nad którym pracował ciężko przez wiele lat i który zadedykował doktorowi Dahlowi. Tym razem publiczność przyjęła dzieło kompozytora z zachwytem. Od tego czasu Koncert fortepianowy nr 2 stał się ukochanym klasykiem wykonywanym przez różne grupy muzyczne na całym świecie.

Rachmaninow zaczął koncertować w Europie i USA. Po powrocie do Rosji dyrygował i komponował.

Po rewolucji 1917 Rachmaninow wraz z rodziną jeździł na koncerty do Skandynawii. Nigdy nie wrócił do domu. Zamiast tego przeniósł się do Szwajcarii, gdzie kupił dom nad brzegiem Jeziora Czterech Kantonów. Zawsze kochał zbiorniki wodne, a teraz, gdy stał się już dość bogatym człowiekiem, mógł sobie pozwolić na relaks na brzegu i podziwianie otwierającego się krajobrazu.

Rachmaninow był znakomitym dyrygentem i tym, którzy chcieli się wyróżnić w tej dziedzinie, zawsze udzielał następujących rad:

„Dobry konduktor musi być dobrym kierowcą. Obydwa wymagają tych samych cech: koncentracji, nieprzerwanej, intensywnej uwagi i obecności umysłu. Dyrygentowi wystarczy tylko trochę wiedzy o muzyce…”

W 1935 Rachmaninow zdecydował się osiedlić w USA. Początkowo mieszkał w Nowym Jorku, a następnie przeniósł się do Los Angeles. Tam zaczął budować dla siebie nowy dom, zupełnie identyczny z tym, który zostawił w Moskwie.

Turczyn V S

Trzy podrozdziały romansu Przeglądając naszą książkę, zauważysz, że jest to największy ze wszystkich rozdziałów i zawiera wzmiankę o nie mniej niż trzydziestu siedmiu kompozytorach. Wielu z nich mieszkało i pracowało jednocześnie w różnych krajach. Dlatego podzieliliśmy ten rozdział na trzy sekcje: „Wcześnie