Rola sztuki w życiu człowieka: co czeka nas w świecie piękna. Dlaczego sztuka jest potrzebna? Czym jest prawdziwa sztuka? Rola i znaczenie sztuki w życiu człowieka. Znaczenie sztuki dla człowieka

Sztuka jest działalnością jednostki. Przy jego pomocy poznaje świat, relaksuje się i tworzy coś nowego. Rola i znaczenie sztuki w życiu człowieka jest nie do przecenienia. Bez niego byłoby to prawie niemożliwe. To swego rodzaju fundament pod dalsze odkrycia.

Czym jest sztuka

Jest to twórcza aktywność, która pozwala człowiekowi zrealizować swój wewnętrzny świat. Możesz tworzyć za pomocą dźwięków, tańców, rysunków, słów, kolorów, różnych naturalnych materiałów i tak dalej. Sztuka jest jedną z wielu form świadomości istot inteligentnych. Powstaje dzięki kreatywności konkretnych jednostek, które poruszają tematy interesujące nie tylko autora, ale także inne osoby. Wiele osób zadaje sobie pytanie: „Czy ludziom potrzebna jest sztuka?” Odpowiedź na pewno brzmi tak, ponieważ jest to sposób rozumienia świata. Nauka to także jeden z rodzajów pozyskiwania wiedzy z otaczającej nas rzeczywistości. Sztuka może być:

• Rzemiosło. Za proces twórczy uważa się każdy rodzaj działalności człowieka. Mistrzostwo w jakiejś dziedzinie: szyciu, robieniu koralików, tworzeniu mebli itp. jest uważane za sztukę. W końcu człowiek stara się przenieść swoją wizję świata w rzeczywistość.
• Działalność kulturalna. Ludzie zawsze dążyli do czegoś pięknego. Tworząc coś dobrego, człowiek podkreśla swoją miłość i spokój.
• Wszelkie wyraziste formy. Wraz z rozwojem społeczeństwa i wiedzy estetycznej absolutnie każdą działalność, która wyraża pewne znaczenie za pomocą specjalnych środków, można nazwać sztuką.

Termin ten jest dość szeroki. Jeśli interpretować to w skali całego społeczeństwa ludzkiego, jest to szczególny środek poznania lub refleksji otaczającego świata, duchowości i świadomości jednostki. Praktycznie nie ma osoby, która nie potrafiłaby tego wytłumaczyć. Posłuchaj swojego wewnętrznego świata i ustal, czym jest dla Ciebie sztuka. Jest przecież wartościowa zarówno dla konkretnego autora, jak i dla ogółu ludzi. W ciągu istnienia ludzkości powstało już wiele dzieł sztuki, które można podziwiać i które mogą zainspirować Cię do własnych twórczych pomysłów.

Historia sztuki

Według jednej z teorii człowiek zaczął zajmować się twórczością już w czasach prymitywnego społeczeństwa. Świadczą o tym inskrypcje naskalne. Były to pierwsze masowe formy sztuki. Stosowano je głównie w celach praktycznych. Około 40 tysięcy lat temu sztuka stała się niezależnym sposobem rozumienia świata. Reprezentowały ją różnorodne rytuały, kompozycje muzyczne, choreografia, biżuteria na ciało, wizerunki na skałach, drzewach i skórach zabitych zwierząt.

W prymitywnym świecie sztuka pełniła funkcję przekazywania informacji. Ludzie nie potrafili porozumiewać się za pomocą języka, więc przekazywali informacje poprzez kreatywność. Dlatego sztuka dla ludzi tamtych czasów była integralną częścią egzystencji. Do zastosowania obrazów wykorzystano przedmioty z otaczającego świata i różne z nich kolory.

Sztuka w świecie starożytnym

To właśnie w starożytnych cywilizacjach, takich jak Egipt, Indie, Rzym itd., położono podwaliny procesu twórczego. Już wtedy ludzie zaczęli zastanawiać się, czy ludzie potrzebują sztuki. Każdy rozwinięty ośrodek cywilizacyjny miał swój niepowtarzalny styl, który przetrwał wiele stuleci i nie uległ zmianie. W tym czasie zaczęły powstawać pierwsze dzieła artystów. Starożytni Grecy przedstawiali ludzkie ciało lepiej niż ktokolwiek inny. Potrafili poprawnie przedstawić mięśnie, postawę i zachować proporcje ciała.

Sztuka w średniowieczu

Ludzie tamtych czasów skupiali swoją uwagę na opowieściach biblijnych i prawdach duchowych. W średniowieczu nie zadawali już sobie pytania, czy człowiek potrzebuje sztuki, bo odpowiedź była oczywista. Obraz lub mozaika wykorzystywała złote tło i przedstawiała ludzi o idealnych proporcjach i kształtach ciała. W sferę architektury wkroczyła sztuka różnego rodzaju, budowano piękne posągi. Ludzi nie interesowało, czym jest prawdziwa sztuka, po prostu tworzyli własne, piękne dzieła. Niektóre kraje islamskie przypisywały takim stworzeniom boską moc. Mieszkańcy Indii używali tej sztuki do tańców religijnych i rzeźb. Chińczycy preferowali rzeźby z brązu, rzeźby w drewnie, poezję, kaligrafię, muzykę i malarstwo. Styl tego ludu zmieniał się w każdej epoce i nosił imiona panujących dynastii. W XVII wieku rozprzestrzeniła się w Japonii i już wtedy ludzie wiedzieli, czym jest prawdziwa sztuka. W końcu wywarło to już poważny wpływ na edukację przydatnej osobowości dla społeczeństwa. Służył także jako dobry odpoczynek i relaks.

Świat renesansu i współczesności

Ludzkość powróciła do humanizmu i wartości materialnych. Miało to wpływ na rozwój sztuki. Postacie ludzkie utraciły swoje wyidealizowane formy. W tych epokach artyści próbowali pokazać Wszechświat i różne ówczesne idee. Interpretacji tego, „czym jest sztuka”, pojawiło się już wiele. Kreatywni ludzie postrzegali to jako sposób na przekazanie ludzkiej indywidualności. Już w XIX wieku ukształtowało się wiele stylów, takich jak symbolika czy fowizm. Jednak już w XX wieku doszło do wielu odkryć naukowych i rozwoju technologii. W tym okresie kreatywne osoby szukały nowych sposobów ukazania swojego wewnętrznego świata i odzwierciedlenia współczesnego piękna.

W drugiej połowie XX wieku do sztuki dołączył ruch modernistyczny. Ludzie starali się znaleźć prawdę i przestrzegali surowych norm. W tym okresie pojawiło się wielu krytyków malarstwa, którzy uważali, że to już koniec.

Jaka jest sztuka?

We współczesnym świecie proces twórczy osiągnął niespotykany dotąd rozwój. Dzięki sieci WWW różne rodzaje umiejętności rozprzestrzeniają się z dużą szybkością. Sztuka jest następująca:

• Spektakularna sztuka. Dotyczy to teatrów, oper, cyrków, kina i tak dalej. Za pomocą percepcji wzrokowej autorzy przekazują swoją wizję świata i różnych wydarzeń. Reżyserzy tworzą filmy, które odzwierciedlają istniejące problemy świata. Rozrywką dla ludzi jest wiele dziedzin sztuki, np. cyrk.
• Sztuka. Dziedzina ta obejmuje fotografię, malarstwo, komiks, rzeźbę i niemy film. Autorzy za pomocą statycznych obrazów oddają przyrodę, życie ludzi i problemy ludzkości. Nieme kino jest dynamiczną formą sztuki. We współczesnym świecie zjawisko to straciło już popularność.
• Sztuka ekspresyjna. Ludzie odzwierciedlają swoje poglądy w literaturze i tworzą piękne budynki. Wyrażają także swój wewnętrzny świat w muzyce i choreografii. Większość prac porusza problemy globalne i wady ludzkości. Dzięki temu ludzie doskonalą się i oddalają od zła i samobiczowania.

Człowiek wynalazł wiele materiałów do twórczego wyrażania siebie. Artyści używają farby, płótna, atramentu i tak dalej. Architekci - glina, żelazo, gips i tak dalej. Dzięki nowoczesnym metodom przechowywania informacji człowiek może przenieść swoją twórczość do wersji elektronicznej. Jest już wielu muzyków, artystów, reżyserów i pisarzy, którzy wykorzystują komputer do tworzenia dzieł sztuki.

Współczesny świat i sztuka

Twórcza sfera życia uczy człowieka prawdziwego piękna, czyni go bardziej miłosiernym i życzliwym. Sztuka uczy także patrzeć na proste rzeczy z innej perspektywy, najczęściej pozytywnej. Nie wszystkie dzieła mają jedno konkretne znaczenie, każdy szuka w nich czegoś innego. Również każdy indywidualnie wybiera dla siebie rodzaj aktywności. Może to być malarstwo, balet, a nawet literatura klasyczna. Ludzie poprzez kreatywność uczą się współczucia, wrażliwości i emocjonalności. Życie codzienne może przygnębiać człowieka, ale sztuka przypomina nam, jak piękny może być otaczający nas świat. Wiele osób po prostu czerpie pozytywną energię z różnych dzieł autorskich.

Od najmłodszych lat zaszczepia się w człowieku zamiłowanie do kreatywności. Zapoznanie dzieci ze sztuką pozwala im nauczyć się rozumieć literaturę, malarstwo, architekturę, muzykę i wiele innych. Kultywuje osobowość. Są jednak chwile, kiedy dana osoba nie rozumie, dlaczego sztuka jest potrzebna. Takie zachowanie jest jednym z etapów rozwoju osobowości, po którym ludzie mają mimowolne pragnienie czegoś nowego i nieznanego. Pozwala to poszerzać horyzonty, doskonalić się i kształtować indywidualne wartości moralne. Najważniejsze jest to, że kreatywność czyni człowieka lepszym.

Jak sztuka wpływa na rozwój osobowości

Osoba jest istotą, która kształtuje się za pomocą otaczających ją wydarzeń i innych opinii. Sztuka zajmuje w tym procesie szczególne miejsce, oddziałuje zarówno na konkretną jednostkę, jak i na całe społeczeństwo. Dzięki niemu człowiek rozwija przyjemne uczucia, ciekawe myśli i zasady moralne, a pomaga mu w tym rozwój sztuki współczesnej. Życie bez tej branży jest prawie niemożliwe. Byłoby sucho, a dla osób o bogatym świecie wewnętrznym ukazywałoby się jedynie w czerni i bieli. Fikcja jako sztuka zajmuje w istnieniu szczególne miejsce. Potrafi napełnić człowieka, niczym dzbanek wodą, zasadami życia i poglądami. Lew Tołstoj wierzył, że duchowe piękno może ocalić ludzkość. Studiując dzieła różnych autorów, ludzie stają się wewnętrznie atrakcyjni.

W sztukach pięknych człowiek stara się przekazać swój punkt widzenia na otaczający go świat, czasem z własnej wyobraźni. Przecież nie może odtworzyć czegoś, czego nie ma. Każdy obraz przekazuje konkretną myśl lub uczucie twórcy. Człowiek żywi się tymi dziełami sztuki. Jeśli wiadomość była dobra, osoba będzie promieniować pozytywnymi emocjami. Agresywna twórczość powoduje u człowieka negatywne uczucia. W życiu ludzie muszą mieć pozytywne myśli i czyny, w przeciwnym razie ludzkości grozi zagłada. W końcu, jeśli wszyscy chcą krzywdy otaczających ich ludzi, mogą rozpocząć się masowe akty przemocy i morderstwa.

Zapoznanie dzieci ze sztuką

Rodzice zaczynają angażować się w edukację kulturalną swojego dziecka niemal od urodzenia. Zapoznanie dzieci ze sztuką jest ważną częścią kształtowania pozytywnej osobowości. Wiek szkolny uznawany jest za najkorzystniejszy dla rozwoju osoby kulturalnej. Na tym etapie szkoły rozwijają w dziecku sympatię do dzieł klasycznych. Na lekcjach przyglądają się wielkim artystom, pisarzom, muzykom i ich znaczącemu wkładowi w kulturę ludzkości. W przyszłości będą lepiej postrzegać twórczość różnych autorów i nie pytać, po co sztuka jest potrzebna. Kiedy jednak dzieci rozpoczynają naukę w gimnazjum, nauczyciele nie przywiązują należytej wagi do kreatywności. W takim przypadku wielu rodziców wysyła je do specjalnych szkół artystycznych. Dzieci rozwijają umiejętność uczenia się czegoś nowego, zainteresowanie sztuką, umiejętność tworzenia i bycia życzliwym człowiekiem. Przecież twórczość artystyczna odgrywa znaczącą rolę w rozwoju dojrzałej osobowości.

Sztuka i literatura

Słowo jest integralną częścią kreatywności. Dzięki niemu możesz bardzo precyzyjnie przekazać informacje, zdarzenia, uczucia i tak dalej. jest w stanie przekazać człowiekowi szeroką gamę emocji i poglądów na życie. Wyobraźnia pomaga również w przekazywaniu obrazów o nieopisanym pięknie. Dzięki temu słowu ludzie mogą doświadczyć radości, niepokoju, kondolencji, smutku i tak dalej. Tekst książki przypomina nieco alternatywną rzeczywistość.

Pisarze mówią także o swoich założeniach, które odnoszą się do przyszłości ludzkości. Istnieje wiele popularnych dystopii, które odzwierciedlają daleką od świetlanej przyszłości, na przykład: „Nowy wspaniały świat” Aldousa Huxleya, „1984” George’a Orwella. Służą jako ostrzeżenie dla człowieka, aby nie zapomniał kochać i starać się doceniać wszystko, co ma. Fakt ten pokazuje, dlaczego sztuka literatury negatywnej jest potrzebna. Przecież takie książki ośmieszają ludzkie problemy: szaleńczą konsumpcję, miłość do pieniędzy, władzy i tak dalej. Przecież te rzeczy wcale nie przynoszą szczęścia, a należy angażować się jedynie w szlachetne czyny i mieć honor.

Czemu służy sztuka fotografii i malarstwa?

Prawie każdy człowiek uwielbia ozdabiać ściany swojego domu pracami artystów lub fotografów. Nie wszyscy jednak zastanawiali się, dlaczego tam wiszą i jak wpływają na ich nastrój. Psychologowie uważają, że obrazy na ścianach mogą wpływać na osobę. Obraz oddziałuje przede wszystkim na podświadomość i bardzo ważne jest, jaki to kolor. Wpływ kolorowania obrazu:

• Kolor pomarańczowy. Potrafi wywołać w człowieku ciepłe uczucie, jednak niektóre prace mogą wręcz irytować.
• Czerwone obrazy. To jeden z najbardziej wpływowych kolorów na ludzi. Potrafi karmić zdrowych ludzi pasją i ciepłem. U pacjentów z zaburzeniami psychicznymi może rozwinąć się agresja.
• Zielony. To kolor całego świata roślin, który stwarza w człowieku poczucie bezpieczeństwa i świeżości.
• Niebieskie obrazy. Potrafią dać ludziom spokój i odrobinę chłodu. Wszystkie jasne kolory mają pozytywny wpływ na stan emocjonalny człowieka.

Eksperci od dawna przekonują, że zróżnicowana kolorystyka obrazów i fotografii może poprawić nastrój, uporządkować emocje, a w niektórych przypadkach uzdrawiać. Jednak niektórzy ludzie mogą nadal mieć pytania dotyczące tego, dlaczego potrzebne są zdjęcia. Można je spotkać w szkołach, przedszkolach, placówkach oświatowych i niektórych zakładach pracy. Często są to spokojne krajobrazy, lasy i portrety pięknych ludzi.

Bez względu na to, jak złożone i nieprzewidywalne może być nasze życie, zawsze są chwile i wydarzenia, które je ozdabiają i czynią je pięknym. Zawsze staramy się dążyć do tego, co najlepsze, do czegoś dobrego. Życie, kochanie, robienie czegoś pożytecznego dla siebie i społeczeństwa jest cudowne. Rola sztuki jest równie ważna jak samo życie. Wszystko, co nas otacza, jest rodzajem sztuki.

Już w starożytności nasi przodkowie próbowali przedstawiać obrazy, wydarzenia z ich życia, bitwy i polowania na ścianach, kawałkach skóry i kamieniach. Nie mieli wówczas pojęcia, że ​​ich próby przyniosą ludzkości w przyszłości wiele nowej wiedzy. Ich rzeźby, naczynia, broń, stroje mają ogromne znaczenie, dzięki tym znaleziskom poznajemy historię rozwoju naszych przodków. Nie mieli wtedy pojęcia, że ​​wszystko, co robią, jest sztuką i że rola sztuki w życiu człowieka będzie bardzo wielka.

Rozwojowi kulturalnemu i moralności służą różne dziedziny sztuki (której istotą jest ukazywanie i nauczanie prawdziwego, pięknego świata). Za pomocą muzyki, poezji profesjonalistów i amatorów możemy zrozumieć estetyczne postrzeganie naszego świata. Dlatego rola sztuki w życiu człowieka jest po prostu ogromna!

Artyści, rzeźbiarze, poeci, muzycy i każdy człowiek, który poprzez swoją twórczość stara się przekazać postrzeganie i wizję czegoś wyjątkowego, co nas otacza, zajmuje ważne miejsce w kulturowym rozwoju ludzkości. Nawet małe dziecko, wykonując swój pierwszy rysunek, aplikację czy rękodzieło, w pewnym stopniu dotknęło już świata sztuki. W starszym wieku, jako nastolatek, kształtują się jego upodobania w wyborze stylu ubioru, preferencje muzyczne, książkowe i sposób postrzegania życia. Światopogląd i gust estetyczny układają się w logiczny łańcuch podczas bezpośredniej komunikacji z dziełami sztuki, ale dopiero osobista ocena wpływa na wybór i kształtowanie gustu. Dlatego trzeba częściej spotykać się ze światem sztuki i prawdziwymi arcydziełami.

Rola sztuki w życiu człowieka jest tak wielka, że ​​gdy już opanujesz nawyk odwiedzania muzeów i galerii sztuki, czytania ciekawych książek, poezji, będziesz chciał dotknąć świata duchowego i historycznego, poznać nowych i ciekawych ludzi, dostać się do poznać twórczość artystyczną innych narodów oraz zapoznać się z ich historią i kulturą. Wszystko to wnosi do naszego życia różnorodność i jasne kolory, przyczynia się do chęci życia lepszego, ciekawszego. Wokół nas jest mnóstwo duchowego bogactwa, a rola sztuki we współczesnym świecie nie jest najmniej istotna. Dotknąwszy piękna, człowiek stara się wnieść do swojego życia jak najwięcej pięknych rzeczy, dąży do doskonałości swojego ciała i mowy, prawidłowego zachowania i komunikacji z innymi ludźmi. Studiując i komunikując się ze sztuką, istnieje chęć wymyślenia czegoś nowego i oryginalnego, chcesz tworzyć i wymyślać.

Slajd 1

Sztuka w życiu współczesnego człowieka

Sztuka jest częścią duchowej kultury ludzkości, specyficznym rodzajem duchowego i praktycznego poznawania świata.

M. Klodt. Rzeźba na moście Aniczkowa. Sankt Petersburg

Slajd 2

malarstwo, architektura, rzeźba, muzyka, beletrystyka, teatr, taniec, kino, projektowanie, sztuka dekoracyjna i użytkowa.

Sztuka obejmuje różne rodzaje działalności człowieka:

W. Borowikowski. Portret sióstr Gagarin

A. Gaudiego Katedra Sagrada Familia Hiszpania (Barcelona)

Slajd 3

W szerszym znaczeniu słowo „sztuka” odnosi się do każdej formy działalności człowieka, jeśli jest ona wykonywana umiejętnie, po mistrzowsku, umiejętnie.

Slajd 4

O. Rodin. Poeta i muza

Każdy rodzaj sztuki mówi swoim własnym językiem o odwiecznych problemach życia, o dobru i złu, o miłości i nienawiści, o radości i smutku, o pięknie świata i ludzkiej duszy, o szczytach myśli i dążeń, o komedii i tragedii życia. Sztuka pomaga człowiekowi w wyborze ideałów i wartości. Zawsze tak było. Sztuka jest swego rodzaju podręcznikiem życia.

V. Van Gogh Wrony nad polem pszenicy

Slajd 5

„Sztuka jest odwiecznym, radosnym i dobrym symbolem dążenia człowieka do dobra, radości i doskonałości” – napisał słynny niemiecki pisarz T. Mann.

Klasztor Nowodziewiczy Moskwa

Slajd 7

Obraz artystyczny to uogólnione wyobrażenie o rzeczywistości, stosunek do życia, do otaczającego nas świata, wyrażone językiem sztuki. Artysta odsłaniając swój wewnętrzny świat, zawsze wsłuchuje się w falę swojej epoki, ze wszystkimi jej niepokojami i radościami, antycypując pewne zmiany. Dzięki temu możliwe staje się stworzenie artystycznego obrazu epoki.

Leonardo da Vinci Mona Lisa Paryż, Luwr

Slajd 8

Styl (od greckiego stylos – kij do pisania) oznacza pismo ręczne – to zespół charakterystycznych cech, technik, metod i cech twórczości. W sztuce wyróżnia się: styl epoki (historyczny), styl narodowy (przynależność do określonego narodu), styl indywidualny konkretnego artysty.

Sobór Wasyla Błogosławionego w Moskwie

Nefretete Starożytny Egipt

Slajd 9

Język każdej sztuki pomaga usłyszeć w dziele żywy głos artysty, wielowiekową mądrość ludu. Ekspresję i emocjonalność języka w malarstwie, grafice, muzyce, rzeźbie, poezji i tańcu zapewniają takie pojęcia, jak: kompozycja, forma, faktura, rytm, ton, intensywność.

O. Tabakov – Salieri A. Bezrukov – Mozart

Slajd 10

Piotra Wielkiego na Placu Senackim w Petersburgu

Koloseum Włochy, Rzym

S. Raphael Madonna Sykstyńska Niemcy, Drezno

Co więcej, każdy rodzaj sztuki mówi swoim własnym językiem. Aby nauczyć się rozumieć całą różnorodność sztuki, musisz zrozumieć figuratywną strukturę dzieła sztuki, należącą do określonego stylu i kierunku.

Gorbunowa Julia

Praca badawcza na temat „Rola sztuki w życiu człowieka”

Pobierać:

Zapowiedź:

1. Wstęp
2. Głównym elementem

2.1.Pojęcie sztuki.

2.2.Rodzaje sztuki

2.3.Funkcje sztuki

2.4.Rola sztuki w życiu człowieka

2.5.Życie jest krótkie, sztuka jest wieczna.

1. Wniosek
2. Literatura

1. Wstęp.

Zdecydowałam się na pracę nad tematem „Rola sztuki w życiu człowieka”, ponieważ chciałam pogłębić i uogólnić swoją wiedzę o sztuce. Interesowało mnie poszerzanie horyzontów, dowiadywanie się, jakie funkcje pełni sztuka, jaką rolę odgrywa sztuka w życiu człowieka, aby dalej o tym opowiadać z punktu widzenia osoby znającej się na rzeczy.

Wybrany temat pracy uważam za istotny, gdyż pewne jego aspekty nie zostały w pełni zbadane, a prowadzone badania mają na celu wypełnienie tej luki. Zachęca mnie do wykazania się zdolnościami intelektualnymi, moralnymi i komunikacyjnymi;

Przed rozpoczęciem pracy przeprowadziłam ankietę wśród uczniów naszej szkoły. Zadając im kilka pytań, by poznać ich stosunek do sztuki. Następujące wyniki zostały osiągnięte,

Całkowita liczba ankietowanych osób.

1. Jaką rolę Twoim zdaniem odgrywa sztuka w życiu współczesnego człowieka?

Większy%

NIE %

Pomaga żyć %

1. Czego uczy nas sztuka i czy w ogóle uczy?

Uroda %

Zrozumienie życia%

Robienie właściwych rzeczy%

Poszerza horyzonty %

Niczego nie uczy

1. Jakie znasz rodzaje sztuki?

Teatr%

Film %

Muzyka%

Obraz %

Architektura%

Rzeźba %

Inne rodzaje sztuki %

1. Jaki rodzaj sztuki uprawiasz lub jaka Cię pasjonuje?

Namiętny %

Brak pasji %

1. Czy były okresy, kiedy sztuka odgrywała jakąś rolę w Twoim życiu?

Tak %

NIE %

Ankieta wykazała, że ​​praca pomoże ludziom zrozumieć znaczenie sztuki i, jak sądzę, przyciągnie wielu, jeśli nie do zaangażowania się w sztukę, to do wzbudzenia zainteresowania problemem.

Moja praca ma również znaczenie praktyczne, gdyż materiały mogą posłużyć do przygotowania eseju z literatury, do wystąpień ustnych na zajęciach z plastyki, plastyki i plastyki, a w przyszłości do przygotowania się do egzaminów.

Cel prace: ukazanie znaczenia różnych rodzajów sztuki w życiu człowieka;pokazać, jak sztuka wpływa na kształtowanie się kultury duchowej osobowości człowieka; wzbudzić zainteresowanie ludzi światem sztuki.

Zadania - odsłonić istotę sztuki, rozważyć relację człowieka ze sztuką w społeczeństwie, rozważyć główne funkcje sztuki w społeczeństwie, ich znaczenie i rolę dla człowieka.

Problematyczne kwestie: W jaki sposób sztuka wyraża ludzkie uczucia i otaczający nas świat?

Dlaczego mówią „życie jest krótkie, ale sztuka jest wieczna”?

Czym jest sztuka? Kiedy, jak i dlaczego powstała sztuka?

Jaką rolę odgrywa sztuka w życiu człowieka i moim życiu?

Spodziewany wynik

Po zapoznaniu się z moją twórczością oczekuje się wyższego poziomu rozwoju emocjonalnej i wartościowej postawy wobec świata, zjawisk życia i sztuki; zrozumienie miejsca i roli sztuki w życiu człowieka.

2. Część główna

2.1.Pojęcie sztuki

„Sztuka dodaje skrzydeł i niesie daleko, daleko!” -
– powiedział pisarzCzechow A.P.

Jak miło byłoby, gdyby ktoś stworzył urządzenie, które pokazywałoby stopień wpływu sztuki na człowieka, społeczeństwo jako całość, a nawet na przyrodę. Jak malarstwo, muzyka, literatura, teatr, kino wpływają na zdrowie człowieka i jakość jego życia? Czy można zmierzyć i przewidzieć taki wpływ? Oczywiście kultura jako całość, jako połączenie nauki, sztuki i edukacji, jest w stanie korzystnie wpłynąć zarówno na jednostkę, jak i na całe społeczeństwo, przy wyborze właściwego kierunku i priorytetów życiowych.

Sztuka to twórcze rozumienie otaczającego nas świata przez utalentowaną osobę. Owoce tego zrozumienia należą nie tylko do jego twórców, ale do całej ludzkości żyjącej na planecie Ziemia.

Piękne dzieła starożytnych greckich rzeźbiarzy i architektów, florenckich mistrzów mozaiki, Rafaela i Michała Anioła... Dante, Petrarka, Mozart, Bach, Czajkowski są nieśmiertelni. Zapiera dech w piersiach, gdy próbujesz uchwycić umysłem wszystko, co stworzyli geniusze, zachowali i kontynuują ich potomkowie i naśladowcy.

W prymitywnym społeczeństwieprymitywna twórczośćrodzi się z widokiemHomo sapiensjako sposób działalności człowieka na rozwiązywanie problemów praktycznych. Pochodzące z epokiŚrodkowy paleolit, sztuka prymitywnaosiągnął swój szczyt około 40 tysięcy lat temu i był społecznym wytworem społeczeństwa, ucieleśniającym nowy etap w rozwoju rzeczywistości. Najstarsze dzieła sztuki, jak np. naszyjnik z muszelek znaleziony w Republice Południowej Afryki, datowane są na 75 tysiąclecie p.n.e. mi. i więcej. W epoce kamienia sztukę reprezentowały prymitywne rytuały, muzyka, tańce, wszelkiego rodzaju ozdoby ciała, geoglify – wizerunki na ziemi, dendrografy – wizerunki na korze drzew, wizerunki na skórach zwierząt, malowidła jaskiniowe, malowidła naskalne,petroglify i rzeźba.

Pojawienie się sztuki wiąże się zGry, rytuały I rytuały, w tym spowodowanemitologicznie- magicznyreprezentacje.

Obecnie słowo „sztuka” jest często używane w jego pierwotnym, bardzo szerokim znaczeniu. Jest to każda umiejętność wykonywania jakichkolwiek zadań, która wymaga pewnego udoskonalenia jej wyników. W węższym znaczeniu tego słowa jest to twórczość „zgodnie z prawami piękna”. Dzieła twórczości artystycznej, podobnie jak dzieła sztuki użytkowej, powstają według „praw piękna”. Dzieło sztuki, podobnie jak wszystkie inne rodzaje świadomości społecznej, jest zawsze jednością przedmiotu w nim poznawanego i podmiotu poznającego ten przedmiot.

W prymitywnym, przedklasowym społeczeństwie sztuka jako szczególna odmiana świadomości społecznej nie istniała jeszcze samodzielnie. Było to wówczas w jedności z mitologią, magią, religią, z legendami o przeszłym życiu, z prymitywnymi ideami geograficznymi, z wymogami moralnymi.

I wtedy sztuka wyróżniała się wśród nich jako szczególna, specyficzna odmiana. Stało się jedną z form rozwoju świadomości społecznej różnych narodów. Tak należy na to patrzeć.

Sztuka jest zatem rodzajem świadomości społeczeństwa, jest treścią artystyczną, a nie naukową. L. Tołstoj na przykład zdefiniował sztukę jako środek wymiany uczuć, przeciwstawiając ją nauce jako sposobowi wymiany myśli.

Sztukę często porównuje się do odblaskowego lustra, odbijającego rzeczywistość poprzez myśli i uczucia twórcy. Dzięki niemu lustro to odbija te zjawiska życia, które przyciągnęły uwagę artysty i go podekscytowały.

Można tu słusznie dostrzec jedną z najważniejszych specyfiki sztuki jako rodzaju działalności człowieka.

Każdy produkt pracy – czy to narzędzie, narzędzie, maszyna czy środek podtrzymujący życie – jest stworzony dla jakiejś szczególnej potrzeby. Nawet takie produkty produkcji duchowej, jak badania naukowe, mogą pozostać dostępne i ważne dla wąskiej grupy specjalistów, nie tracąc przy tym nic ze swojego społecznego znaczenia.

Ale dzieło sztuki można uznać za takie tylko wtedy, gdy jego treść jest uniwersalna, „interesująca ogół”. Artysta powołany jest do wyrażenia czegoś równie ważnego zarówno dla kierowcy, jak i naukowca, co ma zastosowanie w jego życiu nie tylko w zakresie specyfiki wykonywanego zawodu, ale także w zakresie jego zaangażowania w życie narodowe, zdolność bycia osobą, bycia osobą.

2.2. Rodzaje sztuki

W zależności od środków materialnych, za pomocą których dzieła sztuki są konstruowane, obiektywnie powstają trzy grupy rodzajów sztuki: 1) przestrzenna lub plastyczna (malarstwo, rzeźba, grafika, fotografia artystyczna, architektura, rzemiosło artystyczne i wzornictwo), czyli takie, które rozwijają swoje obrazy w przestrzeni; 2) tymczasowe (werbalne i muzyczne), czyli takie, w których obrazy budowane są w czasie, a nie w realnej przestrzeni; 3) czasoprzestrzenne (taniec; aktorstwo i wszystko na nim oparte; syntetyczne - teatr, kino, telewizja, rozmaitość i cyrk itp.), czyli takie, których obrazy mają zarówno rozciągłość, jak i trwanie, fizyczność i dynamikę. Każdy rodzaj sztuki charakteryzuje się bezpośrednio sposobem materialnego istnienia jego dzieł i rodzajem zastosowanych znaków graficznych. W tych granicach wszystkie jego typy mają odmiany, zdeterminowane cechami konkretnego materiału i wynikającą z tego oryginalnością języka artystycznego.

Zatem odmianami sztuki werbalnej są twórczość ustna i literatura pisana; rodzaje muzyki - wokalna i różne rodzaje muzyki instrumentalnej; odmiany sztuk performatywnych - dramat, muzyka, teatr lalek, teatr cieni, a także pop i cyrk; odmiany tańca - taniec codzienny, klasyczny, akrobatyczny, gimnastyczny, taniec na lodzie itp.

Z drugiej strony każdy rodzaj sztuki ma podział rodzajowy i gatunkowy. Kryteria tych podziałów są różnie definiowane, ale samo występowanie takich typów literatury jak epopeja, liryka, dramat, takich rodzajów sztuk pięknych jak sztaluga, monumentalno-dekoracyjna, miniatura, takich gatunków malarstwa jak portret, pejzaż, martwa życie jest oczywiste...

Zatem sztuka jako całość jest historycznie ustalonym systemem różnych, specyficznych metod artystycznego poznawania świata,

z których każdy ma cechy wspólne dla wszystkich i indywidualnie unikalne.

2.3. Funkcje sztuki

Sztuka ma podobieństwa i różnice z innymi formami świadomości społecznej. Podobnie jak nauka obiektywnie odzwierciedla rzeczywistość i poznaje jej ważne i istotne aspekty. Ale w przeciwieństwie do nauki, która opanowuje świat poprzez abstrakcyjne myślenie teoretyczne, sztuka rozumie świat poprzez myślenie wyobraźniowe. Rzeczywistość pojawia się w sztuce całościowo, w bogactwie jej zmysłowych przejawów.

W odróżnieniu od nauki świadomość artystyczna nie stawia sobie za cel dostarczania jakichś szczególnych informacji o prywatnych gałęziach praktyki społecznej i identyfikowania ich wzorców, np. fizycznych, ekonomicznych itp. Przedmiotem sztuki jest wszystko, co w życiu człowieka interesuje.

Te cele, które autor lub twórca celowo i świadomie stawia sobie podczas pracy nad dziełem, mają kierunek. Może to być jakiś cel polityczny, komentarz na temat statusu społecznego, wytworzenie określonego nastroju lub emocji, efekt psychologiczny, zilustrowanie czegoś, promocja produktu (w przypadku reklamy) lub po prostu przekazanie informacji jakiś komunikat.

1. Środki transportu.W najprostszej formie sztuka jest środkiem komunikacji. Podobnie jak większość innych form komunikacji, niesie ze sobą intencję przekazania informacji odbiorcom. Na przykład ilustracja naukowa jest także formą sztuki służącą przekazywaniu informacji. Innym przykładem tego rodzaju są mapy geograficzne. Treść przekazu niekoniecznie ma jednak charakter naukowy. Sztuka pozwala przekazać nie tylko obiektywne informacje, ale także emocje, nastrój i uczucia.
2. Sztuka jako rozrywka. Celem sztuki może być stworzenie nastroju lub emocji, które pomogą się zrelaksować lub dobrze się bawić. Bardzo często właśnie w tym celu powstają kreskówki lub gry wideo.
3. Awangarda, sztuka dla zmian politycznych.Jednym z najważniejszych celów sztuki początku XX wieku było tworzenie dzieł, które wywołały zmiany polityczne. Kierunki, które pojawiły się w tym celu to:Dadaizm, surrealizm, Rosyjski konstruktywizm, abstrakcyjny ekspresjonizm– łącznie zwaneawangarda.
4. Sztuka w psychoterapii.Psychologowie i psychoterapeuci mogą wykorzystywać sztukę do celów terapeutycznych. Do diagnozy stanu osobowości i stanu emocjonalnego wykorzystuje się specjalną technikę opartą na analizie rysunków pacjenta. W tym przypadku ostatecznym celem nie jest diagnoza, ale zdrowie psychiczne.
5. Sztuka na rzecz protestu społecznego, obalenia istniejącego porządku i/lub anarchii.Sztuka jako forma protestu może nie mieć żadnego konkretnego celu politycznego, ale może ograniczać się do krytyki istniejącego reżimu lub jego aspektu.

2.4. Rola sztuki w życiu człowieka

Wszelkiego rodzaju sztuki służą największej ze sztuk – sztuce życia na ziemi.
Bertolta Brechta

Teraz nie można sobie wyobrazić, że naszżycienie towarzyszyłaby sztuka,kreacja. Gdzie i kiedy mieszkaszCzłowiekJuż u zarania swego rozwoju starał się zrozumieć otaczający go świat, czyli starał się zrozumieć i w przenośni, w sposób zrozumiały przekazać zdobytą wiedzę przyszłym pokoleniom. Tak pojawiły się malowidła ścienne w jaskiniach – starożytnych osadach ludzkich. A to rodzi się nie tylko z chęci ochrony potomków przed błędami popełnionymi już przez przodków, ale z przekazania piękna i harmonii świata, zachwytu nad doskonałymi stworzeniami natury.

Ludzkość nie liczyła czasu, stopniowo posuwała się do przodu i wyżej, rozwijała się także sztuka, towarzysząc człowiekowi na wszystkich etapach tej długiej i bolesnej drogi. Jeśli spojrzysz na renesans, podziwiasz wyżyny, jakie osiągnęli artyści i poeci, muzycy i architekci. Nieśmiertelne dzieła Rafaela i Leonarda da Vinci do dziś fascynują swoją doskonałością i głęboką świadomością roli człowieka w świecie, gdzie jest mu przeznaczone kroczyć swoją krótką, ale piękną, czasem tragiczną drogą.

Sztuka jest jednym z najważniejszych etapów ewolucji człowieka. Sztuka pomaga człowiekowi spojrzeć na świat z różnych punktów widzenia. Z każdą epoką, z każdym stuleciem jest on coraz bardziej udoskonalany przez człowieka. Sztuka zawsze pomagała ludziom rozwijać umiejętności i doskonalić abstrakcyjne myślenie. Na przestrzeni wieków człowiek coraz bardziej próbował zmieniać sztukę, udoskonalać ją i pogłębiać swoją wiedzę. Sztuka jest wielką tajemnicą świata, w której kryją się tajemnice historii naszego życia. Sztuka to nasza historia. Czasami można znaleźć odpowiedzi na pytania, na które nawet najstarsze rękopisy nie potrafią odpowiedzieć.
Dziś człowiek nie wyobraża sobie już życia bez przeczytania powieści, bez nowego filmu, bez premiery teatralnej, bez modnego przeboju i ulubionego zespołu muzycznego, bez wystaw plastycznych... W sztuce człowiek odnajduje nową wiedzę, odpowiedzi na nurtujące pytania ważnych pytań, spokoju od codziennego zgiełku i przyjemności. Prawdziwe dzieło sztuki zawsze pozostaje w zgodzie z myślami czytelników, widzów i słuchaczy. Powieść może opowiadać o odległej epoce historycznej, o ludziach, którzy wydają się mieć zupełnie inny sposób i styl życia, ale uczucia, którymi byli przepojeni ludzie przez cały czas, są zrozumiałe dla obecnego czytelnika, zgodne z nim, jeśli powieść napisał prawdziwy mistrz. Niech Romeo i Julia mieszkają w Weronie w czasach starożytnych. To nie czas i miejsce akcji determinuje moje postrzeganie wielkiej miłości i prawdziwej przyjaźni opisywanej przez genialnego Szekspira.

Rosja nie stała się odległą prowincją sztuki. Już u zarania swego powstania głośno i odważnie deklarowała swoje prawo do stania obok największych twórców Europy: „Opowieści o kampanii Igora”, ikon i obrazów Andrieja Rublowa i Greka Teofana, katedr Włodzimierza w Kijowie i Moskwę. Jesteśmy nie tylko dumni z niesamowitych proporcji Kościoła wstawienniczego na Nerl i Moskiewskiej Katedry wstawienniczej, lepiej znanej jako katedra św. Bazylego, ale także w sposób święty czcimy nazwiska twórców.

Naszą uwagę przyciągają nie tylko starożytne dzieła. W życiu codziennym nieustannie spotykamy się z dziełami sztuki. Odwiedzając muzea i sale wystawowe, chcemy dołączyć do tego wspaniałego świata, dostępnego najpierw tylko dla geniuszy, a później dla innych, uczymy się rozumieć, widzieć, chłonąć piękno, które stało się już częścią naszej codzienności.

Obrazy, muzyka, teatr, książki, filmy dają człowiekowi niezrównaną radość i satysfakcję, budzą w nim współczucie. Wyeliminuj to wszystko z życia cywilizowanego człowieka, a zamieni się on, jeśli nie w zwierzę, to w robota lub zombie. Bogactwa sztuki są niewyczerpane. Nie da się zwiedzić wszystkich muzeów świata, nie da się wysłuchać wszystkich symfonii, sonat, oper, nie da się zrecenzować wszystkich arcydzieł architektury, nie da się ponownie przeczytać wszystkich powieści, wierszy, wierszy. I nie ma sensu. Wszystkowiedzący w rzeczywistości okazują się ludźmi powierzchownymi. Z całej różnorodności człowiek wybiera dla swojej duszy to, co jest mu najbliższe, co stanowi podstawę jego umysłu i uczuć.

Możliwości sztuki są wielostronne. Sztuka kształtuje walory intelektualne i moralne, pobudza kreatywność i sprzyja pomyślnej socjalizacji. W starożytnej Grecji sztuki piękne uważano za skuteczny sposób wywierania wpływu na człowieka. W galeriach eksponowano rzeźby uosabiające szlachetne przymioty ludzkie („Miłosierdzie”, „Sprawiedliwość” itp.). Wierzono, że kontemplując piękne rzeźby, człowiek wchłania wszystko, co najlepsze, co odzwierciedlają. To samo tyczy się obrazów wielkich mistrzów.

Grupa badaczy pod przewodnictwem profesor Mariny de Tommaso z Uniwersytetu w Bari we Włoszech odkryła, że ​​piękne obrazy mogą zmniejszyć ból, pisze dziś Daily Telegraph. Naukowcy mają nadzieję, że nowe wyniki przekonają szpitale do większej dbałości o wystrój pomieszczeń, w których przetrzymywani są pacjenci.

W badaniu grupę osób, składającą się zarówno z mężczyzn, jak i kobiet, poproszono o obejrzenie 300 obrazów takich mistrzów jak Leonardo da Vinci i Sandro Botticelli, a także wybranie spośród nich 20 obrazów, które uznali za najpiękniejsze i najbrzydsze. . W kolejnym etapie badanym pokazywano te zdjęcia albo nic, pozostawiając wolną dużą czarną ścianę na zdjęcia, a jednocześnie uderzali uczestników krótkim impulsem lasera o sile porównywalnej z dotknięciem gorącej patelni. Stwierdzono, że gdy ludzie patrzą na obrazy, które im się podobają, ból odczuwany jest trzy razy słabiej niż wtedy, gdy są zmuszeni patrzeć na brzydkie zdjęcia lub czarną ścianę.

Nie tylko dzieci, ale często także dorośli nie potrafią sobie poradzić ze swoimi emocjami. Żyjemy według zasad, zmuszając się do ciągłego powtarzania „Potrzebujemy, potrzebujemy, potrzebujemy…”, zapominając o swoich pragnieniach. Z tego powodu powstaje wewnętrzne niezadowolenie, które człowiek będąc istotą społeczną stara się zachować dla siebie. W rezultacie organizm cierpi, ponieważ negatywny stan emocjonalny często prowadzi do różnych chorób. W tym przypadku kreatywność pomaga złagodzić stres emocjonalny, zharmonizować świat wewnętrzny i osiągnąć wzajemne zrozumienie z innymi. Oczywiście może to być nie tylko rysunek, ale także aplikacja, haft, fotografia, modelowanie z zapałek, proza, poezja i wiele innych, w ten czy inny sposób związanych ze sztuką.

Pytanie, jak literatura wpływa na człowieka, jego zachowanie i psychikę, jakie mechanizmy prowadzą do unikalnych przeżyć, a w konsekwencji do zmian w cechach osobowych człowieka podczas lektury dzieła literackiego, zaprząta umysły wielu naukowców i badaczy od czasów starożytnych razy do teraźniejszości. Fikcja, dając wiedzę o rzeczywistości, poszerza horyzonty umysłowe czytelników w każdym wieku, daje przeżycie emocjonalne wykraczające poza to, co człowiek może zdobyć w swoim życiu, kształtuje gust artystyczny, dostarcza przyjemności estetycznej, która zajmuje duże miejsce w życiu współczesnego człowieka i jest jedną z jego potrzeb. Ale co najważniejsze, główną funkcją fikcji jest kształtowanie w ludziach głębokich i trwałych uczuć, które zachęcają ich do przemyślenia, określenia ich światopoglądu i kierowania ich zachowaniem osobowość.

Literatura jest dla ludzi szkołą uczuć i wiedzy o rzeczywistości oraz kształtuje wyobrażenie o idealnych działaniach ludzi, pięknie świata i relacji. Słowo jest wielką tajemnicą. Jej magiczna siła polega na zdolności wywoływania żywych obrazów i przenoszenia czytelnika do innego świata. Bez literatury nigdy nie wiedzielibyśmy, że kiedyś na świecie żył wspaniały człowiek i pisarz Wiktor Hugo czy na przykład Aleksander Siergiejewicz Puszkin. Nie wiedzielibyśmy nic o czasach, w których żyli. Dzięki literaturze stajemy się bardziej wykształceni i poznajemy historię naszych przodków.

Wpływ muzyki na człowieka jest ogromny. Człowiek słyszy dźwięk nie tylko uszami; słyszy dźwięk z każdego poru swojego ciała. Dźwięk przenika całą jego istotę i pod pewnym wpływem spowalnia lub przyspiesza rytm krążenia krwi; albo pobudza układ nerwowy, albo go uspokaja; budzi w człowieku silniejsze namiętności lub uspokaja go, przynosząc mu spokój. W zależności od dźwięku powstaje określony efekt. Dlatego wiedza o dźwięku może dać człowiekowi magiczne narzędzie do zarządzania, dostrajania, kontrolowania i korzystania z życia, a także pomagania innym ludziom z jak największym pożytkiem.Nie jest tajemnicą, że sztuka może leczyć.

Izoterapia, terapia tańcem, muzykoterapia – to już powszechne prawdy.

Twórca farmakologii muzycznej, naukowiec Robert Shofler, zaleca słuchanie w celach terapeutycznych wszystkich symfonii Czajkowskiego, „Króla lasu” Schuberta i ody „Do radości” Beethovena. Twierdzi, że te prace sprzyjają przyspieszeniu powrotu do zdrowia. Natomiast badacze z Uniwersytetu Kalifornijskiego udowodnili eksperymentalnie, że po 10 minutach słuchania muzyki Mozarta testy wykazały wzrost IQ uczniów o 8-9 jednostek.

Ale nie każda sztuka leczy.

Na przykład: Muzyka rockowa powoduje wydzielanie się hormonów stresu, które wymazują pewne informacje z mózgu, powodując agresję lub depresję. Rosyjski psycholog D. Azarow zauważa, że ​​istnieje specjalna kombinacja nut, nazwał je muzyką zabójczą.Po kilkukrotnym wysłuchaniu takich fraz muzycznych u człowieka pojawia się ponury nastrój i myśli.

Bicie dzwonów szybko zabija:

1. bakterie tyfusu
2. wirusy.

Muzyka klasyczna (Mozart itp.) promuje:

1. ogólny spokój
2. zwiększone wydzielanie mleka (o 20%) u matek karmiących.

 Rytmiczne dźwięki niektórych wykonawców, ze względu na ich bezpośredni wpływ na mózg, przyczyniają się do:

1. wydzielanie hormonów stresu
2. upośledzenie pamięci
3. osłabienie (po 1-2 latach) stanu ogólnego (szczególnie podczas słuchania muzyki na słuchawkach).

Mantra, czyli dźwięki medytacyjne „om”, „aum” itp. mają naturę wibracyjną.
Wibracje początkowo przyczyniają się do aktywacji niektórych narządów i struktur mózgu. Jednocześnie do krwi uwalnianych jest wiele różnych hormonów. (Prawdopodobnie pomaga to w wykonywaniu monotonnej pracy przy mniejszym zużyciu energii).

Wibrujące dźwięki powodują

1. przyjemność - dla niektórych osób, dla innych - te same dźwięki powodują
2. reakcja na stres z uwolnieniem hormonów i gwałtownym wzrostem metabolizmu oksydacyjnego.

1. przyczynia się do gwałtownego wzrostu ciśnienia krwi,
2. często prowadzące do skurczów serca.

W źródłach literackich starożytności znajdujemy wiele przykładów celowego wpływu muzyki na stan psychiczny ludzi. Plutarch podaje, że napady wściekłości Aleksandra Wielkiego zwykle uspokajano grą na lirze. Potężny Achilles, zdaniem Homera, grając na lirze, próbował ostudzić swój „słynny” gniew, od którego rozpoczyna się akcja w Iliadzie.

Panowała opinia, że ​​muzyka ratuje ludzi przed nieuchronną śmiercią z powodu ukąszeń jadowitych węży i ​​skorpionów. Jako antidotum w takich przypadkach szeroko zalecał muzykę jeden z najsłynniejszych lekarzy starożytnego Rzymu, Galen. Nirkus, towarzysz Aleksandra Wielkiego w jego wyprawach, odwiedzając Indie, opowiadał, że w tym kraju, który obfituje w jadowite węże, śpiew uważany jest za jedyne lekarstwo na ich ukąszenia. Jak wytłumaczyć cudowne działanie muzyki? Badania naszych czasów wykazały, że muzyka w takich przypadkach działa nie jako antidotum, ale jako środek eliminujący traumę psychiczną, pomaga ofierze stłumić uczucie grozy. To tylko jeden przykład, kiedy zdrowie, a nawet życie człowieka w dużej mierze zależy od jego stanu umysłu. Ale ten indywidualny przykład pozwala nam ocenić, jak wielką rolę odgrywa układ nerwowy w organizmie. Trzeba to uwzględnić przy wyjaśnianiu mechanizmu oddziaływania sztuki na zdrowie człowieka.

Jeszcze bardziej uderzający jest wpływ muzyki na emocje. Wpływ muzyki na emocje znany jest już od czasów starożytnych. Muzyki używano do celów leczniczych i na wojnie. Muzyka działa zarówno jako sposób na odwrócenie uwagi od niepokojących myśli, jak i jako środek uspokojenia, a nawet uzdrowienia. Muzyka odgrywa ogromną rolę w walce z przepracowaniem. Muzyka potrafi nadać rytm przed rozpoczęciem pracy lub wprowadzić w nastrój głębokiego odpoczynku w przerwie.

Sztuka sprawia, że ​​świat ludzi staje się piękniejszy, żywy i tętniący życiem. Na przykład malarstwo: ile starożytnych obrazów przetrwało do naszych czasów, na podstawie których możemy określić, jak żyli ludzie dwa, trzy, cztery lub więcej wieków temu. Teraz jest wiele obrazów malowanych przez naszych współczesnych i cokolwiek to jest: abstrakcja, realizm, martwa natura czy pejzaż - malarstwo to cudowna sztuka, dzięki której człowiek nauczył się postrzegać świat jako jasny i kolorowy.
Architektura to kolejna z najważniejszych dziedzin sztuki. Na całym świecie znajduje się ogromna liczba pięknych pomników i nie są one nazywane tylko „pomnikami” - kryją w sobie największe tajemnice historii i pamięć o nich. Czasami naukowcy na całym świecie nie mogą rozwiązać tych tajemnic.
Oczywiście, aby dostrzec piękno np. sztuki operowej, trzeba poznać jej cechy, zrozumieć język muzyki i wokalu, za pomocą którego kompozytor i śpiewacy przekazują wszystkie odcienie życia i uczucia i wpływać na myśli i emocje słuchaczy. Percepcja poezji i sztuk pięknych również wymaga pewnego przygotowania i odpowiedniego zrozumienia. Nawet ciekawa historia nie zachwyci czytelnika, jeśli nie rozwinie on techniki ekspresyjnego czytania, jeśli całą swoją energię poświęci na komponowanie słów z mówionych dźwięków i nie doświadczy ich artystycznego i estetycznego wpływu.

Wpływ sztuki na człowieka może być długotrwały lub długotrwały. Podkreśla to ogromne możliwości wykorzystania sztuki dla uzyskania trwałego i długotrwałego efektu, wykorzystania jej do celów edukacyjnych, a także ogólnej poprawy zdrowia i profilaktyki. Sztuka nie oddziałuje na pojedyncze zdolności i siły człowieka, czy to na emocje, czy na intelekt, ale na człowieka jako całość. Tworzy, czasem nieświadomie, cały system ludzkich postaw.

Artystyczny geniusz słynnego plakatu D. Moore’a „Czy zgłosiłeś się jako wolontariusz?”, tak szeroko propagowanego podczas II wojny światowej, polega na tym, że poprzez wszystkie duchowe możliwości człowieka odwołuje się on do sumienia ludzkiego. Te. Siła sztuki polega na odwoływaniu się do sumienia człowieka i rozbudzaniu jego duchowych zdolności. I przy tej okazji możemy przytoczyć słynne słowa Puszkina:

Spal serca ludzi tym czasownikiem.

Myślę, że to jest prawdziwy cel sztuki.

2.5.Życie jest krótkie, sztuka jest wieczna.

Sztuka jest wieczna i piękna, ponieważ przynosi światu piękno i dobro.

Osoba ma bardzo rygorystyczne wymagania i sztuka musi te wymagania odzwierciedlać. Artyści klasycyzmu wzorowali się na klasycznych przykładach. Wierzyli, że to, co wieczne, jest niezmienne – dlatego należy uczyć się od autorów greckich i rzymskich. Rycerze, królowie i książęta bardzo często stają się bohaterami. Byli przekonani, że piękno w sztuce tworzy prawda – dlatego pisarz powinien naśladować naturę i wiarygodnie przedstawiać życie. Pojawiają się sztywne kanony teorii klasycyzmu. Znawca sztuki Boileau pisze: „To, co niewiarygodne, nie może cię poruszyć, niech prawda zawsze wygląda wiarygodnie”. Pisarze klasycyzmu podeszli do życia z pozycji rozumu, nie ufali uczuciom, uznając je za zmienne i zwodnicze. Dokładne, rozsądne, prawdziwe i piękne. „Musisz pomyśleć o jakiejś myśli, a dopiero potem pisać”.

Sztuka nigdy się nie starzeje. W książce filozofa akademickiego I.T. Frolov pisał: „Przyczyną tego jest wyjątkowa oryginalność dzieł sztuki, ich głęboko zindywidualizowany charakter, ostatecznie zdeterminowany przez ich nieustanny apel do człowieka. Wyjątkowa jedność człowieka i świata w dziele sztuki, „rzeczywistości ludzkiej”. Słynny duński fizyk Niels Bohr napisał: „Powodem, dla którego sztuka może nas wzbogacić, jest jej zdolność przypominania nam o harmoniach wykraczających poza zasięg systematycznej analizy”. Sztuka często podkreśla uniwersalne, „wieczne” problemy: dobro i zło, wolność, godność człowieka. Zmieniające się warunki każdej epoki zmuszają nas do rozwiązywania tych problemów na nowo.

Sztuka ma wiele twarzy, jest wieczna, ale niestety nie może oddziaływać na człowieka bez jego woli, wysiłku umysłowego i pewnego wysiłku myślowego. Człowiek musi chcieć nauczyć się widzieć i rozumieć piękno, wtedy sztuka będzie miała korzystny wpływ na niego i na całe społeczeństwo. Prawdopodobnie stanie się to w przyszłości. W międzyczasie utalentowani twórcy nie powinni zapominać, że ich dzieła mają moc wpływania na miliony, a to może być korzystne lub szkodliwe.

Podam prosty przykład. Na przykład artysta namalował obraz. Obraz przedstawia negatywne sceny morderstwa, wszędzie jest krew i brud, zastosowano najbardziej chaotyczne, ostre tony, krótko mówiąc, cały obraz działa na widza przygnębiająco, wywołując u człowieka negatywne emocje. Energia emanująca z obrazu jest niezwykle przygnębiająca. To tyle, jeśli chodzi o pełną relację pomiędzy myśleniem artysty, a fizyczną kreacją obrazu i w związku z tym oglądającym go widzem lub widzami... Wyobraźcie sobie tysiące, dziesiątki tysięcy takich przygnębiających obrazów. To samo można powiedzieć o naszym kinie. Jakie bajki oglądają nasze dzieci, nie mówiąc już o filmach dla dorosłych? I ogólnie rzecz biorąc, teraz nie ma nawet takiego zakazu „Poniżej 16 lat”, jak w latach 70. Kompletny „negatywizm”... Wyobraź sobie, ile negatywnej energii jest w kraju, na świecie, na całej Ziemi!.. To samo można powiedzieć o wszystkich rodzajach naszej sztuki!
„Myśli połączone z działaniami prowadzą do zmiany. Jeśli są szlachetne, to wyzwalają, ratują, sprzyjają rozkwitowi. wzbogacać. Jeśli są podli, to zniewalają, zubożają, osłabiają i niszczą. Jeśli na nasze ekrany wkroczy propaganda przemocy, kultu władzy i zła, zginiemy po nieszczęsnych bohaterach tych jednodniowych filmów akcji.

Prawdziwa sztuka musi być piękna, mieć dobry, ludzki początek w wielowiekowych tradycjach.

3. Wniosek.

Sztuka odgrywa istotną rolę w naszym życiu, pomagając przyszłym pokoleniom wzrastać moralnie. Każde pokolenie wnosi swój wkład w rozwój ludzkości, wzbogacając ją kulturowo. Bez sztuki raczej nie bylibyśmy w stanie spojrzeć na świat z różnych punktów widzenia, inaczej, spojrzeć poza zwyczajność, poczuć trochę bystrzej. Sztuka, podobnie jak człowiek, ma wiele małych żył, naczyń krwionośnych i narządów.

Pasje, aspiracje, marzenia, obrazy, lęki – wszystko, czym żyje każdy człowiek – nabywakreatywnośćspecjalny kolor i wytrzymałość.

Niemożliwe jest, aby każdy był twórcą, ale w naszej mocy jest próba wniknięcia w istotę twórczości geniusza, zbliżenia się do zrozumienia piękna. A im częściej stajemy się kontemplatorami obrazów, arcydzieł architektury, słuchaczami pięknej muzyki, tym lepiej dla nas i otaczających nas osób.

Sztuka pomaga nam opanować naukę i stopniowo pogłębiać naszą wiedzę. Jak wspomniano powyżej, jest to kluczowa część rozwoju człowieka:

Kształtuje zdolność człowieka do postrzegania, odczuwania, prawidłowego rozumienia i doceniania piękna otaczającej rzeczywistości i sztuki,

Kształtuje umiejętność posługiwania się środkami plastycznymi dla zrozumienia życia człowieka i samej przyrody;

Rozwija głębokie zrozumienie piękna przyrody i otaczającego świata. umiejętność dbania o to piękno;

Uzbraja w wiedzę, a także wpaja umiejętności z zakresu sztuk dostępnych – muzyki, malarstwa, teatru, ekspresji literackiej, architektury;

Rozwija kreatywność, umiejętności i zdolności odczuwania i tworzenia piękna w otaczającym życiu, w domu, w życiu codziennym;

Rozwija rozumienie piękna w relacjach międzyludzkich, chęć i umiejętność wnoszenia piękna w życie codzienne.

Sztuka wpływa więc na nasze życie ze wszystkich stron, czyni je różnorodnym i jasnym, żywym i interesującym, bogatym, pomagając człowiekowi coraz lepiej rozumieć swój cel na tym świecie.Nasz ziemski świat jest utkany z doskonałości i niedoskonałości. I tylko od samego człowieka zależy, jak zbuduje swoją przyszłość, co będzie czytał, czego będzie słuchał, jak mówić.

„Najlepszym sposobem na kultywowanie uczuć w ogóle, rozbudzanie poczucia piękna i rozwijanie twórczej wyobraźni jest sama sztuka” – zauważył psycholog N.E. Rumiancewa.

4. Literatura

1. Nazarenko-Krivosheina E.P. Jesteś piękny, stary? - M.: Jak. Strażnik, 1987.

2. Nieżnow G.G. Sztuka w naszym życiu - M., „Wiedza”, 1975

3. Pospelow G.N. Sztuka i estetyka - M.: Sztuka, 1984.

8. Solntsev N.V. Dziedzictwo i czas. M., 1996.

9. Do przygotowania pracy wykorzystano materiały ze stron internetowych.

Wprowadzenie 3
1. Istota sztuki i jej miejsce w życiu człowieka i społeczeństwa 4
2. Powstanie sztuki i jej konieczność dla człowieka 8
3. Rola sztuki w rozwoju społeczeństwa i życia człowieka 13
Wniosek 24
Referencje 25

Wstęp

Ludzie codziennie mają kontakt ze sztuką. I z reguły nie w muzeach. Od urodzenia i przez całe życie ludzie są zanurzeni w sztuce.
Budynek hotelu, dworca kolejowego, sklepu, wnętrza mieszkania, odzieży i biżuterii może być dziełem sztuki. Ale może tak nie być. Nie każdy obraz, posąg, piosenka czy zestaw porcelany uważany jest za arcydzieło. Nie ma przepisu, który dokładnie określiłby, co i w jakich proporcjach należy połączyć, aby powstało dzieło sztuki. Można jednak rozwinąć umiejętność odczuwania i doceniania piękna, które często nazywamy smakiem.
Czym jest sztuka? Dlaczego ma taką magiczną moc nad człowiekiem? Dlaczego ludzie pokonują tysiące kilometrów, aby na własne oczy zobaczyć największe dzieła sztuki światowej: pałace, mozaiki, obrazy? Po co artyści tworzą swoje dzieła, nawet jeśli wydaje się, że nikt ich nie potrzebuje? Dlaczego są gotowi zaryzykować swoje dobro, aby zrealizować swoją wizję?
Sztukę często nazywa się źródłem przyjemności. Z stulecia na wiek miliony ludzi zachwycają się obrazami Rafaela przedstawiającymi piękne ludzkie ciała. Ale obraz Chrystusa ukrzyżowanego i cierpiącego nie jest przeznaczony dla przyjemności, a mimo to ten temat jest wspólny tysiącom malarzy na przestrzeni wieków...
Często mówi się, że sztuka odzwierciedla życie. Oczywiście jest to w dużej mierze prawdą: często dokładność i rozpoznawalność tego, co przedstawia artysta, jest niesamowita. Jest jednak mało prawdopodobne, aby proste odbicie życia, jego kopiowanie wzbudziło tak duże zainteresowanie sztuką i podziw dla niej.
W tym eseju zastanowimy się nad miejscem i rolą sztuki w życiu człowieka.

1. Istota sztuki i jej miejsce w życiu człowieka i społeczeństwa

Słowo „sztuka” w języku rosyjskim i wielu innych językach używane jest w dwóch znaczeniach – w wąskim znaczeniu (specyficzna forma praktyczno-duchowego poznawania świata) i w szerokim znaczeniu – jako najwyższy poziom umiejętności, umiejętności, niezależnie od tego, w jakiej sferze życia społecznego się one przejawiają (sztuka generała, umiejętności chirurga, szewca itp.) (2, s. 9).
W tym eseju interesuje nas analiza sztuki właśnie w pierwszym, wąskim znaczeniu tego słowa, choć oba znaczenia są ze sobą historycznie powiązane.
Sztuka, jako niezależna forma świadomości społecznej i jako gałąź produkcji duchowej, wyrosła z produkcji materialnej i początkowo została w nią wpleciona jako moment estetyczny, czysto utylitarny. Człowiek, podkreślał A.M. Gorki, jest z natury artystą i stara się w ten czy inny sposób wprowadzać piękno wszędzie (1, s. 92). Aktywność estetyczna człowieka stale objawia się w jego pracy, życiu codziennym, życiu publicznym, a nie tylko w sztuce. Następuje estetyczna asymilacja świata przez człowieka społecznego.
Sztuka realizuje szereg funkcji społecznych.
Po pierwsze, jest to jego funkcja poznawcza. Dzieła sztuki są cennym źródłem informacji o złożonych procesach społecznych, czasem o tych, których istotę i dynamikę nauka chwyta znacznie trudniej i z opóźnieniem (np. zwroty i punkty zwrotne w świadomości społecznej).
Oczywiście nie wszystko w otaczającym nas świecie interesuje się sztuką, a jeśli tak, to w różnym stopniu, a samo podejście sztuki do przedmiotu jej poznania, perspektywa jej widzenia jest bardzo specyficzna w porównaniu z innymi formy świadomości społecznej. Ogólnym przedmiotem wiedzy w sztuce zawsze była i pozostaje osoba. Dlatego sztukę w ogóle, a w szczególności fikcję, nazywa się humanistyką, podręcznikiem życia itp. Podkreśla to inną ważną funkcję sztuki - edukacyjną, to znaczy jej zdolność do wywierania niezatartego wpływu na rozwój ideologiczny i moralny człowieka, jego samodoskonalenie lub, przeciwnie, jego upadek.
Jednak funkcje poznawcze i edukacyjne nie są specyficzne dla sztuki: funkcje te pełnią także wszystkie inne formy świadomości społecznej. Specyficzną funkcją sztuki, która czyni ją sztuką w prawdziwym znaczeniu tego słowa, jest jej funkcja estetyczna. Postrzegając i rozumiejąc dzieło sztuki, nie tylko przyswajamy jego treść (jak treść fizyki, biologii, matematyki), przepuszczamy tę treść przez nasze serca, nasze emocje, nadajemy zmysłowo specyficznym obrazom stworzonym przez artystę ocenę estetyczną jako piękne lub brzydkie, wzniosłe lub podłe, tragiczne lub komiczne. Sztuka kształtuje w nas właśnie umiejętność wystawiania takich ocen estetycznych, odróżniania tego, co naprawdę piękne i wzniosłe, od wszelkiego rodzaju namiastek.
Funkcje poznawcze, edukacyjne i estetyczne w sztuce łączą się ze sobą. Dzięki chwili estetycznej cieszymy się treścią dzieła sztuki i to właśnie w procesie rozkoszowania zostajemy oświeceni i wykształceni. W związku z tym czasami mówią o hedonistycznej funkcji sztuki (od greckiego „hedone” - przyjemność).
Od wielu stuleci w literaturze społeczno-filozoficznej i estetycznej toczy się debata na temat relacji piękna w sztuce do rzeczywistości. W tym przypadku ujawniają się dwa główne stanowiska. Według jednego z nich (w Rosji N.G. Czernyszewski wyszedł z tego w swojej rozprawie „O estetycznych relacjach sztuki do rzeczywistości”) piękno w życiu jest zawsze i pod każdym względem wyższe niż piękno w sztuce (1, s. 94). ). Sztuka jawi się w tym przypadku jako kopia typowych postaci i przedmiotów samej rzeczywistości oraz jej namiastka. Oczywiście preferowana jest koncepcja alternatywna (Hegel, A.I. Herzen i in.): piękno w sztuce jest wyższe niż piękno w życiu, ponieważ artysta widzi ostrzej, dalej, głębiej, czuje się potężniej i barwniej niż jego przyszli widzowie , czytelników, słuchaczy i dlatego potrafi ich rozpalać, inspirować, prostować swoją sztuką. W przeciwnym razie – w funkcji substytutu czy nawet duplikatu – sztuka nie byłaby społeczeństwu potrzebna (4, s. 156).
Każda forma świadomości społecznej odzwierciedla obiektywną rzeczywistość w specyficzny, nieodłączny sposób.
Specyficznym rezultatem teoretycznej refleksji nad światem jest koncepcja naukowa. Stanowi abstrakcję: w imię zrozumienia głębokiej istoty przedmiotu abstrahujemy nie tylko od jego bezpośrednio postrzeganego zmysłowo, ale także od wielu logicznie wydedukowanych cech, jeśli nie są one najważniejsze. Kolejna rzecz to wynik estetycznego odzwierciedlenia rzeczywistości. To artystyczny, konkretny obraz zmysłowy, w którym pewien stopień abstrakcji (typizacji) łączy się z zachowaniem konkretnych sensorycznych, indywidualnych, często unikalnych cech odbitego obiektu.
Hegel pisał, że „obrazy i znaki zmysłowe pojawiają się w sztuce nie tylko dla nich samych i dla ich bezpośredniego uzewnętrznienia, ale po to, aby w tej formie zaspokoić najwyższe interesy duchowe, gdyż mają zdolność budzenia i dotykania wszystkich głębin świadomości i wywołać ich reakcję duchową” (4, s. 157). Ukazując specyfikę myślenia artystycznego na tle innych form świadomości społecznej, definicja ta, w pełni zgodna z głównym paradygmatem heglowskiego systemu filozoficznego, prowadzi do wniosku o obrazie artystycznym jako wyrazie abstrakcyjnej idei w konkretnym sensie zmysłowym. formularz. W rzeczywistości obraz artystyczny oddaje nie samą abstrakcyjną ideę, ale jej konkretny nośnik, obdarzony takimi indywidualnymi cechami, które czynią obraz żywym i imponującym, nieredukowalnym do znanych nam już obrazów tego samego rzędu. Przypomnijmy na przykład Artamonowów u M. Gorkiego i Forsytów u D. Galsworthy’ego (5).
Zatem, w przeciwieństwie do koncepcji naukowej, obraz artystyczny odsłania to, co ogólne w jednostce. Artysta ukazując jednostkę, odsłania to, co jest w niej typowe, czyli to, co jest najbardziej charakterystyczne dla całego typu ukazanych zjawisk społecznych czy przyrodniczych.
Jednostka w obrazie artystycznym nie tylko przeplata się z ogółem, ale go „ożywia”. To jednostka w prawdziwym dziele sztuki wyrasta na koncepcję typu, obrazu. Im jaśniejsze i dokładniejsze są dostrzegane drobne, indywidualne, specyficzne szczegóły, tym szerszy jest obraz, tym szersze uogólnienie zawiera. Wizerunek Skąpskiego Rycerza Puszkina to nie tylko specyficzny obraz chciwego starca, ale także obnażenie samego chciwości i okrucieństwa. W rzeźbie Rodina „Myśliciel” widz widzi coś więcej niż konkretny obraz odtworzony przez autora.
W związku z fuzją tego, co racjonalne i konkretno-zmysłowe w obrazie oraz wynikającym z tego emocjonalnym oddziaływaniem sztuki, szczególnego znaczenia nabiera forma artystyczna. W sztuce, jak we wszystkich dziedzinach otaczającego nas świata, forma zależy od treści, jest jej podporządkowana i jej służy. To znane stanowisko należy jednak podkreślić, mając na uwadze tezę przedstawicieli estetyki formalistycznej i sztuki formalistycznej o dziele sztuki jako „czystej formie”, samowystarczalnej „ grze formą” itp. Jednocześnie naukowemu rozumieniu sztuki zawsze było obce nihilistyczne podejście do formy, a nawet jakiekolwiek umniejszanie jej aktywnej roli w systemie obrazu artystycznego i dzieła sztuki jako całości. Nie sposób wyobrazić sobie dzieła sztuki, w którym treść nie byłaby wyrażona w formie artystycznej.
W różnych rodzajach sztuki artysta dysponuje różnymi sposobami wyrażania treści. W malarstwie, rzeźbie, grafice - to kolor, linia, światłocień; w - muzyka - rytm, harmonia; w literaturze - słowo itp. Wszystkie te środki przedstawienia stanowią elementy formy artystycznej, za pomocą której artysta ucieleśnia swoją koncepcję ideowo-artystyczną. Forma sztuki to bardzo złożona formacja, której wszystkie elementy są ze sobą w naturalny sposób powiązane. W obrazie Rafaela, dramacie Szekspira, symfonii Czajkowskiego, powieści Hemingwaya nie można dowolnie zmieniać struktury fabuły, charakteru, dialogu, kompozycji, nie można znaleźć innego rozwiązania harmonii, koloru, rytmu, więc aby nie naruszyć integralności całego dzieła.

2. Powstanie sztuki i jej konieczność dla człowieka

Sztuka jako szczególny obszar działalności człowieka, posiadający własne, niezależne zadania, szczególne walory, któremu służą profesjonalni artyści, stała się możliwa dopiero na podstawie podziału pracy. Tworzenie sztuki i nauki – wszystko to było możliwe jedynie przy pomocy zwiększonego podziału pracy, który opierał się na dużym podziale pracy pomiędzy masami wykonującymi prostą pracę fizyczną i nielicznymi uprzywilejowanymi, którzy zarządzają pracą, w handlu, sprawach rządowych, a później także w nauce i sztuce. Najprostszą, całkowicie spontanicznie ukształtowaną formą tego podziału pracy było niewolnictwo” (2, s. 13).
Ponieważ jednak działalność artystyczna jest wyjątkową formą wiedzy i pracy twórczej, jej początki są znacznie starsze, gdyż ludzie pracowali i w procesie tej pracy poznawali otaczający ich świat na długo przed podziałem społeczeństwa na klasy. Odkrycia archeologiczne na przestrzeni ostatnich stu lat odsłoniły liczne dzieła twórczości wizualnej prymitywnego człowieka, których wiek szacuje się na dziesiątki tysięcy lat. To malowidła naskalne; figurki wykonane z kamienia i kości; obrazy i wzory ozdobne wyryte na kawałkach poroża jelenia lub na płytach kamiennych. Odnaleziono je w Europie, Azji i Afryce, są to dzieła, które pojawiły się na długo przed powstaniem świadomej idei twórczości artystycznej. Wiele z nich, odtwarzających głównie sylwetki zwierząt – jeleni, żubrów, dzikich koni, mamutów – jest na tyle żywotnych, tak wyrazistych i wiernych naturze, że stanowią nie tylko cenne zabytki, ale do dziś zachowują swoją moc artystyczną (2, s. 14).
Materialny, obiektywny charakter dzieł sztuki stwarza szczególnie korzystne warunki dla badaczy początków sztuki pięknej w porównaniu z historykami zajmującymi się początkami innych rodzajów sztuk. Jeśli początkowe etapy eposu, muzyki i tańca należy oceniać głównie na podstawie danych pośrednich i przez analogię z twórczością współczesnych plemion na wczesnych etapach rozwoju społecznego (analogia jest bardzo względna i można na niej polegać jedynie z dużą ostrożnością) ), wówczas na własne oczy konfrontujemy się z dzieciństwem malarstwa, rzeźby i grafiki.
Nie pokrywa się to z dzieciństwem społeczeństwa ludzkiego, czyli najstarszymi epokami jego powstawania. Według współczesnej nauki proces humanizacji małpoludowych przodków człowieka rozpoczął się jeszcze przed pierwszym zlodowaceniem ery czwartorzędu, dlatego „wiek” ludzkości wynosi około miliona lat. Pierwsze ślady sztuki prymitywnej sięgają epoki górnego paleolitu, która rozpoczęła się około kilkudziesięciu tysiącleci p.n.e. mi. Był to czas względnej dojrzałości prymitywnego systemu komunalnego: człowiek tej epoki nie różnił się swoją budową fizyczną od człowieka współczesnego, mówił już i potrafił wytwarzać dość skomplikowane narzędzia z kamienia, kości i rogu. Prowadził zbiorowe polowanie na duże zwierzęta za pomocą włóczni i strzałek. Klany zjednoczyły się w plemiona i powstał matriarchat.
Musiało upłynąć ponad 900 tysięcy lat, oddzielających najstarszych ludzi od współczesnego człowieka, zanim ręka i mózg dojrzały do ​​twórczości artystycznej.
Tymczasem produkcja prymitywnych narzędzi kamiennych sięga znacznie starszych czasów dolnego i środkowego paleolitu. Już Sinanthropus (którego pozostałości odnaleziono w pobliżu Pekinu) osiągnął dość wysoki poziom w produkcji narzędzi kamiennych i wiedział, jak używać ognia. Ludzie późniejszego, neandertalskiego typu, obrabiali narzędzia ostrożniej, przystosowując je do specjalnych celów. Dopiero dzięki takiej „szkole”, która trwała wiele tysiącleci, wykształcili niezbędną elastyczność ręki, wierność oka i umiejętność uogólniania tego, co widzialne, uwypuklania w nim tego, co najbardziej istotne i charakterystyczne – czyli: wszystkie te cechy, które pojawiły się na cudownych rysunkach jaskini Altamira. Gdyby człowiek nie ćwiczył i nie udoskonalał swojej ręki, przetwarzając w celu uzyskania pożywienia tak trudny w obróbce materiał jak kamień, nie byłby w stanie nauczyć się rysować: bez opanowania tworzenia form użytkowych byłby nie udało się stworzyć formy artystycznej. Gdyby wiele, wiele pokoleń nie skoncentrowało swojej zdolności myślenia na schwytaniu bestii – głównego źródła życia prymitywnego człowieka – nie przyszłoby im do głowy przedstawić tej bestii.
Zatem, po pierwsze, „praca jest starsza od sztuki”, po drugie, sztuka zawdzięcza swoje powstanie pracy. Co jednak spowodowało przejście od produkcji wyłącznie użytecznych, praktycznie niezbędnych narzędzi do produkcji wraz z nimi „bezużytecznych” obrazów? To właśnie to pytanie było przedmiotem najcięższych i najbardziej zagmatwanych dyskusji burżuazyjnych naukowców, którzy za wszelką cenę starali się zastosować tezę Immanuela Kanta o „bezcelowości”, „bezinteresowności” i „wrodzonej wartości” estetycznego stosunku do świata do sztuki prymitywnej.
Ci, którzy pisali o sztuce prymitywnej, K. Bucher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Breuil, V. Gausenstein i inni, argumentowali, że ludzie prymitywni zajmowali się „sztuką dla sztuki”, że pierwszym i decydującym bodźcem do Twórczość artystyczna była wrodzoną ludzką chęcią zabawy (2, s. 15).
Teorie „zabawy” w jej różnych odmianach opierały się na estetyce Kanta i Schillera, według których główną cechą doświadczenia estetycznego, artystycznego jest właśnie chęć „swobodnej zabawy pozorami” – wolnej od jakiegokolwiek celu praktycznego, od logicznych i ocenę moralną.
„Estetyczny impuls twórczy” – pisał Schiller – „niepostrzeżenie buduje pośród straszliwego królestwa sił i pośród świętego królestwa praw trzecie, wesołe królestwo zabawy i pozoru, w którym odsuwa od człowieka wyrywa z kajdan wszelkich relacji i uwalnia go od wszystkiego, co nazywa się przymusem zarówno w sensie fizycznym, jak i moralnym” (2, s. 16).
Schiller odniósł tę podstawową tezę swojej estetyki do kwestii powstania sztuki (na długo przed odkryciem autentycznych pomników twórczości paleolitycznej), wierząc, że „wesołe królestwo zabawy” budowało się już u zarania społeczeństwa ludzkiego: „ ...teraz starożytny Niemiec szuka bardziej błyszczących skór zwierzęcych, wspanialszych rogów, bardziej wdzięcznych naczyń, a Kaledończyk wyszukuje najpiękniejsze muszle na swoje uroczystości. Zadowoleni jednak faktem, że w to, co konieczne, wprowadzono nadmiar estetyki, swobodny impuls do zabawy w końcu całkowicie zrywa z okowami potrzeby, a samo piękno staje się przedmiotem ludzkich dążeń. Ozdabia siebie. Do jego potrzeb zaliczają się wolne przyjemności, a bezużyteczne wkrótce stają się najlepszą częścią jego radości. Jednak ten punkt widzenia jest obalony przez fakty.
Nie da się zaprzeczyć, że kolory, linie, a także dźwięki i zapachy oddziałują na organizm człowieka – jedne w sposób irytujący, odpychający, inne wręcz przeciwnie, wzmacniając i promując jego prawidłowe i aktywne funkcjonowanie. Jest to w ten czy inny sposób brane pod uwagę przez osobę w jego działalności artystycznej, ale w żaden sposób nie leży u jej podstaw. Motywy, które zmusiły człowieka paleolitu do rysowania i rzeźbienia postaci zwierząt na ścianach jaskiń, nie mają oczywiście nic wspólnego z instynktownymi impulsami: jest to świadomy i celowy akt twórczy stworzenia, które już dawno zerwało łańcuchy ślepych instynktu i wkroczył na ścieżkę opanowania sił natury - a co za tym idzie, zrozumienia tych sił.
Człowiek rysuje zwierzę: w ten sposób syntetyzuje swoje obserwacje na jego temat; coraz pewniej odtwarza swoją sylwetkę, nawyki, ruchy, różne swoje stany. Na tym rysunku formułuje swoją wiedzę i utrwala ją. Jednocześnie uczy się generalizować: jeden obraz jelenia oddaje cechy obserwowane u wielu jeleni. To samo w sobie daje ogromny impuls do rozwoju myślenia. Trudno przecenić postępową rolę twórczości artystycznej w zmianie świadomości człowieka i jego stosunku do natury. To drugie nie jest już dla niego takie ciemne, nie tak zaszyfrowane – studiuje je krok po kroku, wciąż dotykiem.
Zatem prymitywne sztuki piękne są jednocześnie zalążkami nauki, a ściślej, prymitywnej wiedzy. Jest rzeczą oczywistą, że na tym niemowlęcym, prymitywnym etapie rozwoju społecznego tych form wiedzy nie można było jeszcze rozczłonkować, tak jak rozczłonkowano je w czasach późniejszych; początkowo występowały razem. Nie była to jeszcze sztuka w pełnym zakresie tego pojęcia i nie była to wiedza we właściwym tego słowa znaczeniu, ale coś, w czym pierwotne elementy obu zostały nierozerwalnie połączone (3, s. 72). .
W związku z tym staje się zrozumiałe, dlaczego wczesna sztuka tak dużo uwagi poświęcała bestii, a stosunkowo mało człowiekowi. Ma na celu przede wszystkim zrozumienie natury zewnętrznej. W czasach, gdy zwierzęta nauczyły się już przedstawiać niezwykle realistycznie i żywo, postacie ludzkie są prawie zawsze przedstawiane bardzo prymitywnie, po prostu nieudolnie, z wyjątkiem nielicznych wyjątków, takich jak płaskorzeźby z Lossel. W sztuce paleolitu nie ma jeszcze tego pierwotnego zainteresowania światem relacji międzyludzkich, które wyróżniałoby sztukę, która oddzielała jej sferę od sfery nauki. Z zabytków sztuki prymitywnej (przynajmniej sztuk pięknych) trudno dowiedzieć się czegokolwiek o życiu społeczności plemiennej poza polowaniami i związanymi z nimi magicznymi rytuałami; Najważniejsze miejsce zajmuje obiekt polowania – bestia. To właśnie jego badanie miało główne znaczenie praktyczne, gdyż było głównym źródłem istnienia, a utylitarno-poznawcze podejście do malarstwa i rzeźby znalazło odzwierciedlenie w tym, że przedstawiały one głównie zwierzęta i takie gatunki, których wydobycie było szczególnie ważne, a jednocześnie trudne i niebezpieczne, dlatego wymagały szczególnie dokładnych badań. Rzadko przedstawiano ptaki i rośliny.
Rysując postać zwierzęcia, człowiek w pewnym sensie rzeczywiście „opanował” zwierzę, ponieważ je znał, a wiedza jest źródłem panowania nad naturą. Życiowa konieczność wiedzy figuratywnej była powodem pojawienia się sztuki. Ale nasz przodek rozumiał to „mistrzostwo” w sensie dosłownym i wykonywał magiczne rytuały wokół wykonanego przez siebie rysunku, aby zapewnić powodzenie polowania. Fantastycznie przemyślał na nowo prawdziwe, racjonalne motywy swoich działań. To prawda, jest bardzo prawdopodobne, że twórczość wizualna nie zawsze miała cel rytualny; tu oczywiście w grę wchodziły także inne motywy, o których już była mowa powyżej: potrzeba wymiany informacji itp. Ale w każdym razie nie można zaprzeczyć, że większość obrazów i rzeźb służyła także celom magicznym.
Ludzie zaczęli zajmować się sztuką znacznie wcześniej, niż mieli pojęcie o sztuce i znacznie wcześniej, niż mogli zrozumieć jej prawdziwe znaczenie i rzeczywiste korzyści.
Opanowując umiejętność przedstawiania świata widzialnego, ludzie nie zdawali sobie także sprawy z prawdziwego społecznego znaczenia tej umiejętności. Nastąpiło coś podobnego do późniejszego rozwoju nauk, które również stopniowo wyzwalały się z niewoli naiwnych fantastycznych idei: średniowieczni alchemicy poszukiwali „kamienia filozoficznego” i spędzili nad tym lata intensywnej pracy. Nigdy nie znaleźli kamienia filozoficznego, ale zdobyli cenne doświadczenie w badaniu właściwości metali, kwasów, soli itp., Co przygotowało drogę do późniejszego rozwoju chemii.
Twierdząc, że sztuka prymitywna była jedną z pierwotnych form wiedzy, nauki o otaczającym świecie, nie należy zakładać, że zatem nie ma w niej nic estetycznego we właściwym znaczeniu tego słowa. Estetyka nie jest czymś całkowicie przeciwnym do użyteczności.
Treść dawnej sztuki jest uboga, jej horyzonty są zamknięte, a cała jej integralność opiera się na niedorozwoju świadomości społecznej. Dalszy postęp sztuki można było osiągnąć jedynie kosztem utraty tej pierwotnej integralności, którą widzimy już w późniejszych etapach pierwotnego formowania się wspólnoty. W porównaniu ze sztuką górnego paleolitu zaznaczają one pewien spadek aktywności artystycznej, ale spadek ten jest względny. Schematyzując obraz, prymitywny artysta uczy się uogólniać i abstrahować pojęcia linii prostej lub krzywej, okręgu itp. oraz nabywa umiejętności świadomego konstruowania i racjonalnego rozmieszczenia elementów rysunkowych na płaszczyźnie. Bez tych uśpionych umiejętności przejście do nowych wartości artystycznych, które powstają w sztuce starożytnych społeczeństw niewolniczych, byłoby niemożliwe. Można powiedzieć, że w okresie sztuki prymitywnej ukształtowały się ostatecznie pojęcia rytmu i kompozycji. Twórczość artystyczna systemu plemiennego wyraźnie ukazuje zatem potrzebę sztuki w życiu człowieka.

3. Rola sztuki w rozwoju społeczeństwa i życia człowieka

Dyskusja na temat roli sztuki w rozwoju społeczeństwa i życia jednostki toczyła się i trwa nadal, historycy sztuki wysuwają różne koncepcje, ale poziom masowej kultury artystycznej w Federacji Rosyjskiej spadł w miarę tak niski, jak być może w jakimkolwiek cywilizowanym kraju.
Jesteśmy prawdopodobnie jedynym stanem, w którym sztuka i muzyka zostały faktycznie wyeliminowane z edukacji powszechnej. Nawet postępująca humanitaryzacja zapewnia niezmiennie „resztkową” rolę sztuki. Niestety, zasada naukowa od dawna i niepodzielnie dominuje w edukacji. Wszędzie, we wszystkich dokumentach pedagogicznych, mówi się jedynie o opanowaniu naukowej metody poznania, opanowaniu wiedzy i umiejętności naukowych oraz kształtowaniu naukowego światopoglądu. I tak jest we wszystkich dokumentach – od najbardziej tradycyjnych po najbardziej innowacyjne. Co więcej, nawet w analizie sztuki, nie tylko w szkole średniej, ale i na studiach wyższych, utrwaliło się podejście czysto naukowe (6, s. 12).
Zło zakorzeniło się; zniekształcone wyobrażenie o braku poważnego związku między rozwojem artystycznym, po pierwsze, z moralnością człowieka i społeczeństwa, a po drugie, z samym rozwojem ludzkiego myślenia.
Jednakże ludzkie myślenie jest początkowo dwustronne: składa się w równych częściach ze strony racjonalno-logicznej i emocjonalno-wyobrażeniowej. Podstawą nauki i podstawą ludzkiej działalności artystycznej są różne formy myślenia, które spowodowały ich rozwój, zupełnie nieidentyczne przedmioty wiedzy i wynikający z tego wymóg zasadniczo odmiennych form przekazywania doświadczeń. Stanowiska te, które w naturalny sposób wynikają ze sformułowania „sztuka nie jest nauką”, mogą budzić wątpliwości i odrzucenie. I będą opierać się na zupełnie nienaukowym, a banalnym, codziennym podejściu do sztuki; rozumiejąc ich rolę jedynie jako sferę rekreacji, twórczej rozrywki, przyjemności estetycznej, a nie specjalną, równorzędną, naukową sferę wiedzy, której niczym innym nie da się zastąpić.
Panuje powszechne przekonanie, że myślenie emocjonalno-figuratywne, które historycznie rozkwitło już wcześniej, jest bardziej prymitywne niż racjonalne, coś nie do końca ludzkiego, pół-zwierzęcego. Dziś na takim błędnym przekonaniu opiera się odrzucenie tej ścieżki wiedzy jako niedostatecznie rozwiniętej i „niewystarczająco naukowej”, zapominając, że rozwija się ona i doskonali od powstania ludzkości (6, s. 13).
Nie ma ludzkiego myślenia składającego się wyłącznie ze świadomości racjonalno-logicznej, teoretycznej. Ten rodzaj myślenia jest zmyślony. W myśleniu bierze udział cała osoba - ze wszystkimi swoimi „nieracjonalnymi” uczuciami, doznaniami itp. A rozwijając myślenie, musisz je ukształtować całościowo. Tak naprawdę w rozwoju ludzkości wyłoniły się dwa najważniejsze systemy wiedzy o świecie. Myślimy w trakcie ich ciągłej interakcji, czy tego chcemy, czy nie. Tak to się działo historycznie.
Jeśli porównamy te dwie strony myślenia na diagramie, otrzymamy co następuje:

Formy myślenia Zakres działania i wynik pracy Przedmiot wiedzy (czego się uczy) Sposoby opanowywania doświadczenia (jak się go uczy) Wyniki opanowywania doświadczenia
Racjonalno-logiczna działalność naukowa. Wynik - koncepcja Obiekt rzeczywisty (temat) Badanie treści Wiedzy. Zrozumienie wzorców procesów naturalnych i społecznych
Emocjonalno-wyobrażeniowa działalność artystyczna. Rezultatem jest obraz artystyczny Stosunek do przedmiotu (tematu) Doświadczenie treści (życie) Emocjonalne i wartościowe kryteria aktywności życiowej, wyrażone w bodźcach do działań, pragnieniach i aspiracjach

Z tabeli wynika, że ​​w tych dwóch rzędach wszystko jest inne – zarówno przedmiot wiedzy, jak i sposoby i rezultaty jej rozwoju. Oczywiście wskazane tu obszary działalności to te, w których formy te manifestują się tylko najdobitniej. We wszystkich obszarach pracy „pracują” razem, zarówno naukowej, przemysłowej, jak i artystycznej.
Działalność naukowa (i wiedza) rozwija sferę myślenia teoretycznego aktywniej niż jakakolwiek inna.
Ale działalność artystyczna stawia także na rozwój własnej sfery myślenia. Bardziej prawdopodobne jest, że naukowy będzie w stanie to wykorzystać i wykorzystać do własnych celów (6, s. 14).
Badając jakąkolwiek roślinę: jej kwiaty, owoce czy liście, rosyjskiego lub meksykańskiego naukowca interesują całkowicie obiektywne dane: jej rodzaj i gatunek, kształt, waga, skład chemiczny, system rozwoju - to, co nie zależy od obserwatora. Im dokładniejsze i niezależne od ucznia są dane i wnioski obserwacyjne, tym są cenniejsze i tym bardziej naukowe. Ale obserwacja artystyczna i jej wyniki są zasadniczo różne. Nie mogą i nie powinny być w ogóle obiektywne. Na pewno są osobiste, moje. Efektem jest mój osobisty stosunek do tej rośliny, kwiatu, liścia - czy sprawiają mi one przyjemność, czułość, smutek, gorycz, zdziwienie. Oczywiście cała ludzkość patrzy na ten przedmiot przeze mnie, ale także mój naród, moją historię. Budują ścieżki mojej percepcji. Inaczej będę postrzegał gałązkę brzozy niż Meksykankę. Poza mną nie ma artystycznej percepcji, ona nie może mieć miejsca. Emocje nie mogą być pozaosobowe.
Dlatego nie da się przekazać doświadczenia myślenia emocjonalno-wyobrażeniowego nowym pokoleniom poprzez wiedzę teoretyczną (co do tej pory uparcie próbowaliśmy). Nie ma sensu po prostu studiować tego doświadczenia. Przy takim „nauce” na przykład uczucia moralne, takie jak czułość, nienawiść, miłość, przekształcają się w zasady moralne, w prawa społeczne, które nie mają nic wspólnego z uczuciami. Bądźmy szczerzy: wszystkie prawa moralne społeczeństwa , jeśli nie są przez jednostkę doświadczane, nie zawierają się w uczuciach, a jedynie w wiedzy, są nie tylko nietrwałe, ale często stają się przedmiotem antymoralnej manipulacji.
L.N. Tołstoj słusznie stwierdził, że sztuka nikogo nie przekonuje, po prostu zaraża ideami. A „zakażeni” nie mogą już żyć inaczej. Świadomość zaangażowania, podobieństwa, empatii to siła ludzkiego myślenia. Globalna technokratyzacja jest katastrofalna. Bardzo trafnie napisał o tym psycholog Zinczenko: „Dla myślenia technokratycznego nie ma kategorii moralności, sumienia, ludzkiego doświadczenia i godności”. Ostro powiedziane, ale trafnie.
B.M. Nemensky wyjaśnia dlaczego: myślenie technokratyczne jest zawsze prymatem środków nad znaczeniem (6, s. 16). Sensem życia ludzkiego jest bowiem właśnie doskonalenie ludzkich relacji ze światem, harmonizacja tych relacji. Biorąc pod uwagę integralność obu sposobów poznania, to, co naukowe, zapewnia środki harmonizacji, podczas gdy artystyczne obejmuje wprowadzenie tych środków do systemu działań i determinuje kształtowanie się ludzkich pragnień jako bodźców do działania. Kiedy kryteria emocjonalne i wartości zostają zniekształcone, wiedza zostaje skierowana w stronę celów antyludzkich.
Wraz z uciskiem i niedorozwojem sfery emocjonalno-wyobrażeniowej w naszym społeczeństwie występuje dzisiejszy brak równowagi - prymat środków, pomieszanie celów. I to jest niebezpieczne, bo czy tego chcemy, czy nie, czy to rozumiemy, czy nie, to nasze uczucia determinują „pierwsze poruszenia duszy”, determinują pragnienia. A pragnienia, nawet wbrew przekonaniom, kształtują działania.
Dwa sposoby poznania powstały właśnie dlatego, że istnieją dwa przedmioty, czyli podmioty wiedzy. A przedmiotem (podmiotem) poznania dla sfery emocjonalno-wyobrażeniowej myślenia nie jest sama rzeczywistość życia, ale nasz ludzki stosunek emocjonalny i osobisty do niej. W tym wypadku (forma naukowa) poznawany jest przedmiot, w innym (artystycznym) poznawany jest wątek emocjonalno-wartościowego związku przedmiotu z podmiotem – relacja podmiotu do przedmiotu (podmiotu). I tu tkwi sedno całego problemu.
I wtedy wątek rozumienia aktywności sfery emocjonalno-wyobrażeniowej myślenia rozciąga się na te rodzaje twórczości, w których ta forma przejawia się najbardziej, na sztukę. Sztuka jest wielofunkcyjna, ale jej główna rola w życiu społeczeństwa polega właśnie na tym – analizie, formułowaniu, utrwalaniu w formie figuratywnej i przekazywaniu kolejnym pokoleniom doświadczeń relacji emocjonalnych i wartościowych do pewnych zjawisk związków między ludźmi i przyrodą. Naturalnie, podobnie jak w formie naukowej, istnieje walka idei i tendencji w odniesieniu do zjawisk życia. Nie tylko pożyteczne, ale także idee szkodliwe dla społeczeństwa żyją i walczą. A społeczeństwo intuicyjnie wybiera i konsoliduje z nich to, czego dziś potrzebuje do dobrobytu lub upadku.
Czy nie czas już szukać dróg harmonijnego rozwoju, ale nie wśród starszych pokoleń, na które jest już za późno, ale wśród pokolenia wkraczającego w życie? Musisz tylko zdać sobie sprawę, że nie oferujemy jednego strumienia rozwoju zamiast drugiego. Konieczne jest osiągnięcie harmonii w rozwoju myślenia. Ale w tym celu musimy przyjąć za cel, biorąc pod uwagę dwustronność naszego myślenia: obecność myślenia racjonalno-logicznego i emocjonalno-wyobrażeniowego, obecność odpowiadających im różnych kręgów wiedzy - prawdziwego przedmiotu i związku między z zastrzeżeniem przedmiotu. A jeśli zaakceptujesz te dwie strony, łatwo będzie zaakceptować dwa sposoby opanowywania doświadczenia – studiowanie treści doświadczenia i życie, przeżywanie treści. Tutaj, właśnie tutaj, kładzie się podwaliny dydaktyki artystycznej – nic więcej nie jest podane (6, s. 17).
Jednak po wnikliwej analizie można dostrzec odmienną rolę trzech form myślenia plastyczno-artystycznego w zachowaniu i komunikowaniu się ludzi.
Dekoracja. Tylko wolno urodzeni obywatele rzymscy mieli prawo nosić strój. Specjalne dekrety dotyczące ubioru w Europie wydano już w XIII wieku. Większość z nich określiła ścisłe zasady określające, która klasa może nosić jakie kostiumy. Na przykład w Kolonii w XV wieku. sędziowie i lekarze musieli nosić czerwień, prawnicy – ​​fiolet, pozostali eksperci – czerń. Przez długi czas w Europie kapelusz mógł nosić tylko wolny człowiek. W Rosji za Elżbiety osoby bez rangi nie miały prawa nosić jedwabiu ani aksamitu. W średniowiecznych Niemczech chłopom pańszczyźnianym zakazano noszenia butów pod groźbą śmierci: był to wyłączny przywilej szlachty. A w Sudanie istnieje zwyczaj przeciągania mosiężnego drutu przez dolną wargę. Oznacza to, że dana osoba jest w związku małżeńskim. Jej fryzura również o tym mówi. A dziś, wybierając ten czy inny rodzaj odzieży lub jej krój, osoba uważająca się za członka określonej grupy społecznej, używa ich jako symboli społecznych, które służą jako regulator relacji między ludźmi. Ozdabianie siebie, broni, ubrań i domu nie było rozrywką od czasu powstania społeczeństwa ludzkiego. Poprzez dekorację osoba wyróżniała się spośród otoczenia ludzi, wskazując swoje w nim miejsce (bohater, przywódca, arystokrata, panna młoda itp.) i przedstawiając się określonej wspólnocie ludzi (wojownik, członek plemienia, członek kasty lub biznesmen, hipis itp.).d.). Pomimo bardziej różnorodnego wykorzystania wystroju, jego pierwotna rola pozostaje dziś taka sama - znak włączenia i izolacji; znak przekazu potwierdzający miejsce danej osoby, danej grupy ludzi w środowisku relacji międzyludzkich – tu leży podstawa istnienia dekoracji jako zjawiska estetycznego (6, s. 18).
Fakt, że masy Rosjan są w tym obszarze analfabetami, prowadzi do wielu nieporozumień społecznych i osobistych załamań moralnych. Eksperci słusznie zauważają, że społeczeństwo nie opracowało jeszcze systematycznego systemu nauczania języka sztuki dekoracyjnej. Każdy przechodzi przez szkołę języka takiej komunikacji całkowicie samodzielnie i spontanicznie.
Konstruktywny kierunek myślenia artystycznego i plastycznego pełni inną funkcję społeczną i odpowiada na inną potrzebę. Można prześledzić rolę tego sposobu myślenia w sztuce, gdzie ujawnia się on wyraźniej i otwarcie pełni rolę lidera. Konstrukcja dowolnych obiektów jest bezpośrednio związana z komunikacją międzyludzką, ale różni się od wystroju. Architektura (podobnie jak design) najpełniej wyraża ten kierunek artystycznego myślenia. Buduje domy, wsie i miasta z ich ulicami, parkami, fabrykami, teatrami, klubami - i to nie tylko dla wygody życia codziennego. Świątynia egipska swoim projektem wyrażała pewne relacje międzyludzkie. Gotycka świątynia i samo średniowieczne miasto, jego konstrukcja, charakter domów są zupełnie inne. Twierdza, zamek pana feudalnego i majątek szlachecki z XIII wieku. były odpowiedzią na odmienne relacje społeczne i gospodarcze oraz w różny sposób kształtowały środowisko komunikacyjne ludzi. Nie bez powodu architekturę nazywa się kamienną kroniką ludzkości, z niej możemy badać zmieniającą się naturę relacji międzyludzkich.
Wpływ form architektonicznych na nasze życie nie jest dziś trudny do odczucia. Na przykład, jak bardzo zmieniło się zniszczenie moskiewskich dziedzińców w rozwoju gier dla dzieci. W tych ogromnych, niepodzielnych budynkach nie odnaleziono dotychczas organicznych form samoorganizacji środowiska dziecięcego. A relacje między dorosłymi a sąsiadami budowane są inaczej, a raczej prawie w ogóle nie są budowane. Swoją drogą, jest tu nad czym myśleć. W jakim stopniu nasza codzienna architektura naprawdę wyraża rodzaj relacji międzyludzkich, jakich pragniemy? Potrzebujemy środowiska do komunikacji, aby stworzyć silne więzi międzyludzkie. Teraz sąsiedzi, nawet z tego samego piętra, mogą w ogóle się nie znać i nie mieć ze sobą żadnego związku. A architektura przyczynia się do tego na wszelkie możliwe sposoby, nie ma środowiska do komunikacji. Nawet na wydziałach humanistycznych Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego nie ma miejsca, gdzie można by usiąść i porozmawiać. Znajdują się tu jedynie sale wykładowe i sale zgromadzeń publicznych. Nie ma zaplanowanego środowiska, w którym jednostka może komunikować się z inną osobą, kłócić się, rozmawiać, myśleć. Chociaż być może w poprzednich okresach historii naszego społeczeństwa nie było to konieczne. A poza architekturą i pomimo niej niezwykle trudno jest stworzyć warunki komunikacji, dlatego architektura, poza wąską funkcją utylitarną (ochrona przed zimnem, deszczem i zapewnienie warunków do pracy), architektura pełni istotne społeczne, „duchowe” -utylitarna” rola w kształtowaniu relacji międzyludzkich. Pełni funkcję konstruktywnego elementu myślenia artystycznego: tworzy realne środowisko, które determinuje charakter, styl życia i relacje w społeczeństwie. Robiąc to, niejako wyznacza parametry i kamienie milowe dla pewnego ideału estetycznego i moralnego, tworząc dla niego środowisko do rozwoju. Tworzenie ideału estetycznego rozpoczyna się od zbudowania jego podstaw i podstawowych właściwości. Sfera konstrukcyjna spełnia swój cel poprzez wszystkie sztuki.
Wizualna podstawa myślenia plastyczno-artystycznego przejawia się we wszystkich sztukach, ale staje się linią wiodącą w sztukach pięknych właściwych, a nawet najdotkliwiej w sztuce sztalugowej - w malarstwie, grafice, rzeźbie. Dla jakich potrzeb społeczeństwa rozwinęły się te formy myślenia? Naszym zdaniem możliwości tych form są najbardziej subtelne i złożone. Mają one w dużej mierze charakter badawczy i pod pewnymi względami przypominają działalność naukową. Tutaj analizujemy wszystkie aspekty prawdziwego życia. Ale analiza ma charakter emocjonalny i przenośny, a nie obiektywnych praw natury i społeczeństwa, ale natury osobistych, emocjonalnych relacji człowieka z całym jego otoczeniem - przyrodą i społeczeństwem. To poprzez osobowość każdego z nas nasze człowieczeństwo – nasza wspólnota – może się jedynie przejawić. Społeczeństwo bez jednostek jest stadem. Jeśli więc w nauce konkluzja brzmi: „Wiem, rozumiem”, to tutaj: „Kocham, nienawidzę”, „Podoba mi się to, budzi we mnie obrzydzenie”. Są to kryteria emocjonalne i wartości danej osoby.
Obrazowa forma myślenia rozszerza możliwości systemów figuratywnych, wypełniając je żywą krwią rzeczywistości. Tutaj myślenie zachodzi w realnych, widzialnych obrazach (a nie tylko w obrazie rzeczywistości). To myślenie realnymi obrazami pozwala analizować wszystkie najbardziej złożone, subtelne aspekty rzeczywistości, urzeczywistniać je, budować wobec nich postawę, zmienno i zmysłowo (często intuicyjnie) porównywać z nią swoje ideały moralne i estetyczne i ugruntowywać tę postawę w obrazach artystycznych. Przypnij go i przekaż innym osobom.
Z tego powodu sztuka piękna jest potężną i subtelną szkołą kultury emocjonalnej i jej kroniką. To właśnie ta strona myślenia artystycznego umożliwia sztuce pięknej podnoszenie i rozwiązywanie najbardziej złożonych problemów duchowych społeczeństwa.
Elementy myślenia artystycznego, niczym trzy serca, trzy silniki procesu artystycznego, uczestniczą w kształtowaniu charakteru społeczeństwa ludzkiego i na swój sposób wpływają na jego formy, metody i rozwój.
Zmieniające się zadania sztuki na różnych etapach kształtowania się ideału moralnego i estetycznego danej epoki przejawiają się w pulsacji tych trzech nurtów. Wzloty i upadki każdego z nich są odpowiedzią na zmiany w zapotrzebowaniu społeczeństwa na sztukę jako narzędzie pomagające nie tylko ukształtować ideał moralny i estetyczny epoki, ale także utrwalić go w życiu codziennym. Od praktyki, poprzez jej rozwój duchowy, emocjonalny, moralny i estetyczny, aż do codziennej praktyki życia - oto droga do realizacji tych fundamentów. A każda podstawa (sfera) ma swoją, niepowtarzalną i niezastąpioną funkcję, wynikającą ze specyfiki, natury jej możliwości.
Sztuka jawi się w swoim prawdziwym znaczeniu jako jedna z najważniejszych form samoświadomości i samoorganizacji zbiorowości ludzkiej, jako przejaw niezastąpionej formy myślenia, wypracowanej przez miliony lat ludzkiej egzystencji, bez której społeczeństwo ludzkie nie mogłoby istnieć. w ogóle istnieć.

Wniosek

W pracy tej zbadaliśmy rolę sztuki w życiu społeczeństwa i każdego człowieka, skupiając się na specyfice jednej z form przejawów myślenia emocjonalno-wyobrażeniowego - sfery plastyczno-artystycznej.
To nie jest tylko problem teoretyczny. Istniejąca niechęć do dostrzegania realności tych form myślenia skutkuje kształtowaniem się inteligencji jednostronnej. Na całym świecie nastąpiła fetyszyzacja racjonalno-logicznej ścieżki wiedzy.
O tym niebezpieczeństwie pisze profesor MIT J. Weizenbaum: „Z punktu widzenia zdrowego rozsądku nauka stała się jedyną uprawnioną formą wiedzy... przypisywaniem wiedzy naukowej pewności przez zdrowy rozsądek, przypisywaniem, które obecnie stało się dogmat zdrowego rozsądku ze względu na jego niemal powszechną praktykę, w rzeczywistości pozbawił go legitymizacji mocy wszystkich innych form wiedzy. Takie myśli wyrazili także nasi naukowcy. Wystarczy przypomnieć filozofa E. Iljenkowa. Ale społeczeństwo w ogóle ich nie słucha.
Tradycje kultury emocjonalnej i wartości zostały utracone, nierozwinięte i nie przekazane przez przodków. I to oni tworzą kulturę stosunku do świata, która leży u podstaw całego ludzkiego życia, u podstaw ludzkiego działania.

Bibliografia

1. Apresyan R. Estetyka. – M.: Gardariki, 2003.
2. Ogólna historia sztuki. W 9 tomach T.1. Sztuka prymitywna. – M., 1967.
3. Loktev A. Teoria sztuki. – M.: Vlados, 2003.
4. Ilyenkov E. Działa. – M.: Logos, 2000.
5. Sztuka. – M.: Avanta+, 2003.
6. Nemensky B.M. Poznanie emocjonalno-wyobrażeniowe w rozwoju człowieka / W książce. Sztuka współczesna: rozwój czy kryzys. – M.: Wiedza, 1991. s. 12-22.

© Publikowanie materiałów w innych zasobach elektronicznych wyłącznie z aktywnym linkiem

Papiery testowe w Magnitogorsku, kup arkusze testowe, prace kursowe z prawa, kup prace kursowe z prawa, prace kursowe w RANEPA, prace kursowe z prawa w RANEPA, prace dyplomowe z prawa w Magnitogorsk, dyplomy z prawa w MIEP, dyplomy i prace kursowe w VSU, testy w SGA, prace magisterskie z prawa w Chelgu.