Powstał pod koniec XVIII wieku, ale największy rozkwit osiągnął w latach trzydziestych XIX wieku. Od początku lat pięćdziesiątych XIX wieku okres ten zaczął podupadać, lecz jego wątki rozciągały się na cały wiek XIX, dając podwaliny takim ruchom jak symbolizm, dekadencja i neoromantyzm.

Pojawienie się romantyzmu

Za kolebkę ruchu uważa się Europę, w szczególności Anglię i Francję, skąd wzięła się nazwa tego ruchu artystycznego – „romantisme”. Wyjaśnia to fakt, że romantyzm XIX wieku powstał w wyniku Wielkiej Rewolucji Francuskiej.

Rewolucja zniszczyła całą dotychczasową hierarchię i pomieszała społeczeństwo i warstwy społeczne. Mężczyzna zaczął czuć się samotny i zaczął szukać pocieszenia w hazardzie i innych rozrywkach. Na tym tle zrodził się pomysł, że całe życie jest grą, w której są zwycięzcy i przegrani. Bohaterem każdego dzieła romantycznego jest człowiek igrający z losem, z losem.

Co to jest romantyzm

Romantyzm to wszystko, co istnieje tylko w książkach: zjawiska niezrozumiałe, niewiarygodne i fantastyczne, a jednocześnie kojarzone z afirmacją osobowości poprzez jej życie duchowe i twórcze. Wydarzenia rozgrywają się głównie na tle wyrażanych namiętności, wszyscy bohaterowie mają wyraźnie zarysowane charaktery i często obdarzeni są buntowniczym duchem.

Pisarze epoki romantyzmu podkreślają, że główną wartością w życiu jest osobowość człowieka. Każdy człowiek to odrębny świat pełen niesamowitego piękna. Stąd czerpią wszelkie inspiracje i wzniosłe uczucia, a także pojawia się tendencja do idealizacji.

Według powieściopisarzy ideał jest pojęciem efemerycznym, niemniej jednak ma prawo istnieć. Ideał wykracza poza wszystko, co zwyczajne, dlatego główny bohater i jego idee są wprost przeciwne codziennym relacjom i rzeczom materialnym.

Cechy charakterystyczne

Cechy romantyzmu tkwią w głównych ideach i konfliktach.

Główną ideą niemal każdej pracy jest ciągły ruch bohatera w przestrzeni fizycznej. Fakt ten zdaje się odzwierciedlać zamęt duszy, jego nieustanne przemyślenia i jednocześnie zmiany otaczającego go świata.

Podobnie jak wiele ruchów artystycznych, romantyzm ma swoje własne konflikty. Tutaj cała koncepcja opiera się na złożonej relacji bohatera ze światem zewnętrznym. Jest bardzo egocentryczny, a jednocześnie buntuje się przeciwko niskim, wulgarnym, materialnym przedmiotom rzeczywistości, co w ten czy inny sposób objawia się w działaniach, myślach i pomysłach bohatera. Najdobitniej wyrażają się pod tym względem literackie przykłady romantyzmu: Childe Harold – główny bohater „Pielgrzymki Childe Harold” Byrona i Pechorin – z „Bohatera naszych czasów” Lermontowa.

Jeśli podsumujemy to wszystko, okaże się, że podstawą każdego takiego dzieła jest przepaść pomiędzy rzeczywistością a wyidealizowanym światem, która ma bardzo ostre krawędzie.

Romantyzm w literaturze europejskiej

Europejski romantyzm XIX wieku wyróżnia się tym, że większość jego dzieł ma fantastyczne podstawy. Są to liczne baśniowe legendy, opowiadania i opowiadania.

Głównymi krajami, w których romantyzm jako ruch literacki objawił się najbardziej wyraziście, są Francja, Anglia i Niemcy.

To artystyczne zjawisko ma kilka etapów:

1. 1801-1815. Początek kształtowania się estetyki romantycznej.
2. 1815-1830. Powstanie i rozkwit ruchu, określenie głównych postulatów tego kierunku.
3. 1830-1848. Romantyzm przybiera formy bardziej społeczne.

Każdy z powyższych krajów wniósł swój szczególny wkład w rozwój tego zjawiska kulturowego. We Francji romantycy mieli wydźwięk bardziej polityczny, pisarze byli wrogo nastawieni do nowej burżuazji. To społeczeństwo, zdaniem francuskich przywódców, zniszczyło integralność jednostki, jej piękno i wolność ducha.

Romantyzm istnieje w legendach angielskich już od dawna, jednak aż do końca XVIII wieku nie wyróżniał się jako odrębny ruch literacki. Utwory angielskie, w odróżnieniu od francuskich, pełne są gotyku, religii, folkloru narodowego oraz kultury społeczeństw chłopskich i robotniczych (w tym duchowych). Ponadto angielska proza ​​i teksty przepełnione są podróżami do odległych krain i eksploracją obcych krain.

W Niemczech romantyzm jako ruch literacki ukształtował się pod wpływem filozofii idealistycznej. Podstawą była indywidualność i ci, którzy są uciskani przez feudalizm, a także postrzeganie wszechświata jako jednego żywego systemu. Niemal każde dzieło niemieckie przesiąknięte jest refleksjami na temat istnienia człowieka i życia jego ducha.

Europa: przykłady prac

Za najwybitniejsze dzieła europejskie w duchu romantyzmu uważa się następujące dzieła literackie:

Traktat „Geniusz chrześcijaństwa”, opowiadania „Atala” i „Rene” Chateaubrianda;

Powieści „Delfin”, „Corinna, czyli Włochy” Germaine de Stael;

Powieść „Adolf” Benjamina Constanta;

Powieść Musseta „Wyznanie syna stulecia”;

Rzymski „Saint-Mars” Vigny’ego;

Manifest „Przedmowa” do dzieła „Cromwell”, powieści „Notre Dame” Hugo;

Dramat „Henryk III i jego dwór”, cykl powieści o muszkieterach, „Hrabia Monte Christo” i „Królowa Margot” Dumasa;

Powieści „Indiana”, „Wędrujący uczeń”, „Horacy”, „Consuelo” George Sand;

Manifest „Racine i Szekspir” Stendhala;

Wiersze „Starożytny żeglarz” i „Christabel” Coleridge’a;

- „Wiersze wschodnie” i „Manfred” Byrona;

Dzieła zebrane Balzaca;

Powieść „Ivanhoe” Waltera Scotta;

Bajka „Hiacynt i róża”, powieść „Heinrich von Ofterdingen” Novalisa;

Zbiory opowiadań, baśni i powieści Hoffmanna.

Romantyzm w literaturze rosyjskiej

Rosyjski romantyzm XIX wieku powstał pod bezpośrednim wpływem literatury zachodnioeuropejskiej. Mimo to posiadał jednak swoje charakterystyczne cechy, które doszukiwano się już w poprzednich okresach.

To artystyczne zjawisko w Rosji w pełni odzwierciedlało wrogość postępowców i rewolucjonistów wobec rządzącej burżuazji, w szczególności wobec jej sposobu życia - nieokiełznanego, niemoralnego i okrutnego. Rosyjski romantyzm XIX wieku był bezpośrednią konsekwencją buntowniczych nastrojów i przewidywania punktów zwrotnych w historii kraju.

W literaturze tamtych czasów wyróżnia się dwa kierunki: psychologiczny i cywilny. Pierwsza opierała się na opisie i analizie uczuć i przeżyć, druga zaś na propagandzie walki ze współczesnym społeczeństwem. Wspólną i główną ideą wszystkich powieściopisarzy było to, że poeta lub pisarz musiał postępować zgodnie z ideałami, które opisał w swoich dziełach.

Rosja: przykłady prac

Najbardziej uderzające przykłady romantyzmu w literaturze rosyjskiej XIX wieku to:

Opowiadania „Ondine”, „Więzień Chillon”, ballady „Król lasu”, „Rybak”, „Lenora” Żukowskiego;

Dzieła „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pik” Puszkina;

- „Noc przed Bożym Narodzeniem” Gogola;

- „Bohater naszych czasów” Lermontowa.

Romantyzm w literaturze amerykańskiej

W Ameryce kierunek ten rozwinął się nieco później: jego początkowy etap przypada na lata 1820-1830, kolejny na lata 1840-1860 XIX wieku. Na oba etapy wyjątkowy wpływ miały niepokoje społeczne zarówno we Francji (które stały się impulsem do powstania Stanów Zjednoczonych), jak i bezpośrednio w samej Ameryce (wojna o niepodległość od Anglii i wojna między Północą a Południem).

Ruchy artystyczne w amerykańskim romantyzmie reprezentowane są przez dwa typy: abolicjonistyczny, który opowiadał się za wyzwoleniem z niewolnictwa, i wschodni, który idealizował plantacje.

Literatura amerykańska tego okresu opiera się na ponownym przemyśleniu wiedzy i gatunków przechwyconych z Europy i zmieszanych z unikalnym sposobem i tempem życia na wciąż nowym i mało poznanym kontynencie. Dzieła amerykańskie są bogato zabarwione intonacjami narodowymi, poczuciem niepodległości i walką o wolność.

Amerykański romantyzm. Przykłady prac

cykl Alhambra, opowiadania „Widmowy pan młody”, „Rip Van Winkle” i „Legenda Sleepy Hollow” Washingtona Irvinga;

Ostatni Mohikanin Fenimore’a Coopera;

Wiersz „Kruk”, opowiadania „Ligeia”, „Złoty robak”, „Upadek domu Usherów” i inne E. Alana Poe;

powieści Gortona „Szkarłatna litera” i „Dom o siedmiu szczytach”;

powieści Melville'a „Typee” i „Moby Dick”;

powieść Harriet Beecher Stowe „Chata wujka Toma”;

Poetycko przetłumaczone legendy „Evangeline”, „Pieśń Hiawathy”, „Swatanie Milesa Standisha” Longfellowa;

Kolekcja Liście trawy Whitmana;

Esej „Kobieta w XIX wieku” Margaret Fuller.

Romantyzm jako ruch literacki miał dość silny wpływ na sztukę muzyczną, teatralną i malarstwo – wystarczy przypomnieć liczne inscenizacje i obrazy tamtych czasów. Stało się tak głównie za sprawą takich cech ruchu, jak wysoka estetyka i emocjonalność, heroizm i patos, rycerskość, idealizacja i humanizm. Mimo że epoka romantyzmu trwała dość krótko, nie wpłynęło to w żaden sposób na popularność książek powstałych w XIX wieku w kolejnych dziesięcioleciach – dzieła sztuki literackiej tego okresu są do tego kochane i szanowane przez publiczność dzień.

ŚWIATOWA KULTURA SZTUCZNA: Koncepcja, treść i morfologia zespołu multimedialnego dla szkół średnich. – Petersburg: Asterion, 2004. – 279 s.

5.4. Wiek romantyzmu

5.4.1. ogólna charakterystyka

Romantyzm to ruch ideowo-artystyczny w kulturze europejskiej końca XVIII – pierwszej połowy XIX wieku. Jest to epoka rewolucji burżuazyjnych, przewrotów politycznych i gospodarczych w Europie, charakteryzująca się krytycznością w stosunku do współczesnej rzeczywistości, a jednocześnie do odrzuconych przez nią zasad społeczno-politycznych przeszłości XVIII wieku. (Era Oświecenia). Romantyzm jako szczególny typ światopoglądu stał się jednym z najbardziej złożonych i wewnętrznie sprzecznych zjawisk w historii kultury. Rozczarowanie ideałami Oświecenia i skutkami francuskiej rewolucji burżuazyjnej 1789 r. zdeterminowały pesymistyczny pogląd na rozwój społeczny; mentalność „smutku świata” łączyła się w romantyzmie z pragnieniem harmonii w porządku świata. Odrzucając racjonalizm i mechanizm Oświecenia, romantycy zachowali jednak podstawowe pojęcia poprzedniej epoki: „człowiek naturalny”, pogląd na naturę jako wielką dobrą zasadę, pragnienie sprawiedliwości i równości.

W kulturze artystycznej upadek nadziei na wolność, powszechny pokój i dobrobyt społeczny zdeterminował główny motyw tego okresu, mający fundamentalne znaczenie dla estetyki romantyzmu – „upadek złudzeń”. Kolejnym ważnym motywem działalności artystycznej, generowanym przez rozdźwięk ideału z rzeczywistością, niemożność osiągnięcia ideałów, są „dwa światy”, tj. ucieczka od rzeczywistości w iluzoryczny świat mistycyzmu, wyidealizowanej starożytności czy dalekich, egzotycznych dla Europy krajów. W ten sposób wśród romantyków zaburzona została światowa harmonia. Świat rozpadł się na przeciwstawne sobie kategorie: życie ziemskie i życie wieczne, Bóg i diabeł, bohater i tłum, czas teraźniejszy i odległa przeszłość, piękno i brzydota, życie idealne i codzienne.

W związku z nowym światopoglądem w dobie romantyzmu stopniowo zmieniało się rozumienie jednostki i relacji pomiędzy znaczeniem jednostki i społeczeństwa dla kultury. W przeciwieństwie do klasycyzmu, który kładł nacisk na naturalność podobieństwo wszyscy ludzie, tj. priorytetem ogółu, romantyzm stawiał jednostkę na pierwszym planie odmienność. Stąd rozumienie osobowości romantycznej jako samotnej, niezrozumianej, zbuntowanej (aktywnie lub biernie) wobec wszystkich i wszystkiego, przepełnionej dumą, rzucającej wyzwanie Bogu, społeczeństwu i tłumowi.

W kulturze artystycznej romantyzm stał się reakcją na racjonalistyczną estetykę klasycyzmu. Nie można jednak powiedzieć, że romantyzm w sztuce całkowicie odrzuca to, co osiągnięto w klasycyzmie: romantyzm opuszcza stylistyczne podstawy klasycyzmu, przemyślając na nowo język form artystycznych, a także ideologiczną orientację sztuki. Pomimo pozornej „biegunowości” poglądów klasycyzmu i romantyzmu na człowieka i jego miejsce w świecie, idea osobowości końca XVIII – początku XIX wieku. polega na połączeniu racjonalistycznego ideału człowieka Oświecenia z obowiązkową redukcją wszystkiego, co prywatne, subiektywne do ogólnego, transpersonalnego i pewną romantyczną „patyną”. Idea ta znalazła swój najżywszy wyraz w liryce – najbardziej subiektywnym typie literatury, która stała się wyrazicielem tendencji romantycznych w sztuce.

Romantyzm jako styl w sztuce pojawił się najpierw w literaturze, a następnie w innych formach sztuki. Nawet samo pojęcie „romantyzmu” wywodzi się z literatury i wywodzi się od epitetu „romantyczny” (po raz pierwszy wprowadzony jako termin literacki przez Novalisa). Aż do XVIII wieku epitet ten wskazywał na pewne cechy dzieł literackich pisanych w językach romańskich, w szczególności rozrywkę, wiele przygód i wydarzeń. Pod koniec XVIII wieku. „Romantyczny” zaczęto rozumieć szerzej: nie tylko przygodowy, rozrywkowy, ale także starożytny, oryginalny ludowy, odległy, naiwny, fantastyczny, duchowo wzniosły, upiorny, ale także niesamowity, przerażający. Dlatego romantycy często idealizowali przeszłość i próbowali tchnąć nowe życie w mity i historie biblijne. Fikcja staje się kontrastem do rzeczywistości.

Obok literatury (zwłaszcza liryki) inną formą sztuki, w której w pełni ucieleśniały się tendencje romantyczne, była muzyka. Indywidualizm zakorzeniony w sentymentalizmie osiągnął w epoce romantyzmu niespotykane dotąd rozmiary. W rezultacie gwałtownie wzrósł status jednostki, artysty-twórcy. Osobisty los, osobisty dramat nabrały powszechnego oddźwięku, dlatego w dobie romantyzmu szczególnie popularne stały się dzieła o tematyce konfesyjnej. Muzyka w każdym ze swoich przejawów jest „wyznaniem duszy”. To nie przypadek, że I.I. Sollertinsky nazwał tę muzykę „brzmiącą autobiografią”, „rodzajem symfonicznego, wokalno-piśniowego pamiętnika fortepianowego”.

W przeciwieństwie do romantyzmu literackiego, który pojawił się pod koniec XVIII wieku, romantyzm muzyczny ujawnił się dopiero w drugiej dekadzie XIX wieku. Znamienne, że termin „muzyka romantyczna” należy do E.T.A. Hoffmanna, pisarza i kompozytora, którego samo dzieło symbolizowało niezwykle ważne dla estetyki romantycznej połączenie literatury i muzyki. Jeśli w renesansie główną formą sztuki było malarstwo, a główne idee Oświecenia znalazły odzwierciedlenie w teatrze, to estetyka romantyczna na pierwszym miejscu stawiała literaturę i muzykę. Co więcej, sami romantycy nie doszli do konsensusu co do tego, który z tych rodzajów sztuki zajmuje wyższą pozycję w „hierarchii” sztuk, a idea unii literatury i muzyki stawiała takie „syntetyczne” ” gatunki takie jak opera, muzyka programowa, romans na pierwszym miejscu - piosenka. W dziedzinie muzyki instrumentalnej, mniej podatnej na idee romantyzmu, najważniejsza stała się miniatura fortepianowa, zdolna do szybkiego stworzenia szkicu nastroju, krajobrazu czy charakterystycznego obrazu. W malarstwie za główny gatunek romantyczny można uznać portret, w którym najważniejsze było rozpoznanie jasnych postaci, napięcie życia duchowego, ulotny ruch ludzkich uczuć, a także autoportret, którego prawie nigdy nie było widać w XVIII w. Wiele cech charakterystycznych dla malarstwa romantycznego było kontynuowanych w późniejszych ruchach stylistycznych, na przykład mistycyzm i złożony alegoryzm - w symbolizm, zwiększona emocjonalność i impulsywność – w ekspresjonizm.

Charakteryzując romantyzm zachodnioeuropejski, Iwanow-Razumnik podzielił go na trzy odmiany: niemiecką, angielską i francuską, charakteryzując je odpowiednio jako logiczny, czyli romantyzm myśli, etyczny, czyli romantyzm woli i estetyczny, czyli romantyzm uczuć.

Niemcy Był to wówczas kraj rozdrobniony, który nie miał możliwości wzięcia czynnego udziału w kolonizacji Wschodu, nie miał wystarczających środków, aby bez niczyjej pomocy prowadzić wojny w Europie. Jednak to właśnie w Niemczech kształtuje się wiele szkół i nauk filozoficznych - nie jest ona zdolna do aktywnego i zdecydowanego działania, ale ma potężny potencjał ideologiczny. Niemiecki romantyzm charakteryzuje się melancholią, kontemplacją i nastrojami mistyczno-panteistycznymi. Niemiecki romantyzm zwraca się w stronę mitów, legend, tradycji i opowieści swojego ludu, co znajduje odzwierciedlenie w literaturze, muzyce i malarstwie tego okresu. E.T.A. Hoffmann pisze baśnie, wykorzystując wiele motywów z folkloru niemieckiego, jego opera „Ondine” także nawiązuje do legend ludowych. Twórczość R. Wagnera jest niemal całkowicie zakorzeniona w mitologii niemieckiej, eposach heroicznych (Lohengrin, Parsifal, Pierścień Nibelunga itp.) I legendarnej przeszłości jego kraju (Latający Holender, Tannhäuser itp.). K.M. Weber (opera „Free Shooter”) także zwraca się do tradycji swojego ludu.

Na początku XIX wieku. Austria było ogromnym imperium obejmującym Węgry, Czechy, północne Włochy i południowo-wschodnią Bawarię, więc jego skład narodowy był zróżnicowany: Czesi i Węgrzy, Słowacy i Chorwaci, Rumuni i Ukraińcy, Polacy i Włosi, a także sami Austriacy i Niemcy stanowili jedno trzecia część populacji. Tradycje, zwyczaje, folklor i twórczość artystyczna każdego z tych narodów wpłynęły na ukształtowanie się specyficznych cech kultury austriackiej. Jednak wszystkie te narody zjednoczyła dynastia Habsburgów. W przeciwieństwie do Niemiec, w których narody o rozwiniętej kulturze narodowej nie posiadały jednego państwa i dlatego starały się stworzyć państwo narodowe jako gwarancję zachowania swojej kultury, narody Cesarstwa Austriackiego żyły w ramach jednego państwa, które było ukształtował się na długo przed rewolucją przemysłową na zasadzie dynastycznej i nie był utożsamiany z żadnym z narodów pod jego rządami. Ze względu na to, że język niemiecki był językiem ojczystym członków panującej dynastii, uważali go oni za język urzędowy kraju i najbardziej preferowany środek komunikacji międzyetnicznej wśród jego mieszkańców. Być może dlatego wiele cech charakterystycznych dla kultury artystycznej Niemiec było charakterystycznych także dla Austrii. Na przykład stosunek do natury jako schronienia przed bolączkami cywilizacji, pocieszenia, uzdrowienia niespokojnego człowieka znajduje wyraźne odzwierciedlenie w twórczości F. Schuberta (np. Cykl wokalny „Piękna żona młynarza”), w którego W pracy przeżycia emocjonalne jednostki są ściśle powiązane z obrazami natury.

W przeciwieństwie do Niemiec, Anglia Był to wówczas kraj rozwinięty, o bogatych tradycjach politycznych i gospodarczych oraz formie rządów, na której wzorowała się cała Europa, uważając ją za najskuteczniejszą (monarchia parlamentarna). Jednak, jak pokazuje historia sztuki, Anglia okresu romantyzmu nie stworzyła żadnej ciekawej muzyki, a osiągnięcia romantyzmu znalazły przełożenie na dwa rodzaje sztuki: literaturę i malarstwo. Głównymi tematami angielskiego romantyzmu były refleksje na temat osobowości romantycznej, bohatera swoich czasów, a także tego, jakie cechy moralne powinien posiadać ten bohater (np. w twórczości J. G. Byrona „Childe Harold”, „Don Juan” oraz w „Endymiona” J. Keatsa). W angielskim malarstwie romantycznym dominował pejzaż jako odzwierciedlenie duchowej czystości i wielkich możliwości „naturalnego człowieka” (np. Pejzaże J. Constable'a).

Francuski Romantyzm był żywym odzwierciedleniem wydarzeń roku 1789, tj. Wielka Rewolucja Francuska. Dlatego ze wszystkich regionalnych odmian romantyzmu francuski jest najskuteczniejszy i najbardziej aktywny, najbardziej bogaty emocjonalnie. Nadał wiele imion w różnych formach sztuki. I tak w literaturze jednym z najwybitniejszych romantyków, który jako pierwszy sformułował główne cechy romantyzmu francuskiego (przedmowa do dramatu „Cromwell”), był V. Hugo, kolejnym A. de Musset, słynący z konfesjonałów dzieło „Spowiedź syna stulecia”. W muzyce G. Berlioz stał się wielkim innowatorem, jednym z pierwszych, którzy stworzyli ten gatunek symfonia programowa(„Fantastyczna Symfonia”) i zreformował środki wyrazu muzycznego. Francuscy artyści reformują także środki artystyczne i wyraziste: dynamizują kompozycję, łącząc formy z szybkim ruchem, posługują się jasną, bogatą kolorystyką opartą na kontrastach światła i cienia, tonach ciepłych i zimnych.

amerykański Romantyzm z wielu powodów nie przedstawiał jednego obrazu. Brak głębokich korzeni narodowych, odległość geograficzna od krajów europejskich, mozaikowość kultury powstałej na nowym kontynencie, a także troska o usamodzielnienie się od Europy wyznaczyły drogę amerykańskiego romantyzmu. Przede wszystkim jest to próba odnalezienia korzeni własnej kultury w głębinach kultury aborygenów – Indian. Dlatego wielu artystów, zwłaszcza literackich, zwraca się ku idealizacji życia Indian, ich wizerunku (F. Cooper, G. Longfellow). Innych interesuje natura tej żyznej krainy, przez co pejzaż staje się jednym z najpowszechniejszych gatunków romantycznych.

Powszechnie wiadomo, że romantyzm rosyjski znacznie różnił się od zachodnioeuropejskiego. Rosja przełom XVIII – XIX w. w swym rozwoju gospodarczym nie „dogoniła” jeszcze Europy, nie doświadczyła swojej burżuazyjnej rewolucji, stąd tragizm i beznadzieja „smutku świata”, „odwrotu” w wyidealizowane średniowiecze, charakterystyczne dla Niemiec, Francji i Anglii romantyzm, były obce kulturze rosyjskiej. Mówiąc o zachodnioeuropejskich tradycjach rosyjskiego romantyzmu, zauważamy, że nastroje charakterystyczne dla Europy końca XVIII wieku stały się istotne w Rosji w związku z dwoma wydarzeniami w historii Rosji - wojną patriotyczną 1812 r. i powstaniem dekabrystów. Wojna Ojczyźniana przyczyniła się do wzrostu samoświadomości narodowej, a powstanie dekabrystów było swego rodzaju rozwiązaniem sytuacji rewolucyjnej na wzór Europy Zachodniej. Dlatego wczesny romantyzm rosyjski, który rozkwitł w drugiej dekadzie XIX w., w przeciwieństwie do zachodnioeuropejskiego, był „bardziej optymistyczny, aktywny, ofensywny” (G. Gukowski). Kultura rosyjska przeżywała czas rewolucyjnego rozkwitu we wszystkich sferach kultury. Inną istotną różnicą między romantyzmem zachodnioeuropejskim a rosyjskim było to, że główną siłą napędową społeczną w Europie była trzecia władza, podczas gdy w Rosji – szlachta – dlatego rosyjski romantyzm często nazywany jest „szlachetnym”. Rzeczywiście, najważniejsze zjawiska w dziedzinie kultury rosyjskiej pierwszej połowy XIX wieku. miało miejsce wśród szlachty. Nawet walkę o zniesienie pańszczyzny prowadziła głównie szlachta.

W tym czasie w świadomości społecznej Rosji nasilił się opór kulturowy między Petersburgiem a Moskwą. Pamiętajmy o tym już w XVIII wieku. Moskwa kontrastowała reakcyjny, klasycystyczny Petersburg z zaawansowanym sentymentalizmem tamtych czasów. Na początku XIX wieku. To w Moskwie pojawiły się pierwsze pędy romantyzmu. Bardziej patriarchalna Moskwa zwróciła się głównie w stronę pasywnego kierunku romantyzmu, którego główną ideą był odwrót w idealizm, podczas gdy kultura petersburska odzwierciedlała swój aktywny rewolucyjno-edukacyjny, kolektywny początek. Kultura Petersburga Puszkina pozostała zasadniczo zorientowana na osiągnięcia zachodnioeuropejskiego oświecenia, tj. do pewnych spekulatywnych maksym dotyczących transformacji społeczeństwa, podczas gdy moskiewski sentymentalizm przerodził się w romantyzm, stawiając na pierwszym miejscu osobowość twórczą.

Romantyzm stał się ostatnim paneuropejski styl w sztuce. Jednak oprócz cech ogólnych należy zauważyć, że każdy kraj stworzył swój własny, niepowtarzalny, oryginalny romantyczny smak. Wynika to z faktu, że w ramach romantyzmu, który zapoczątkował szybki wzrost samoświadomości narodowej, powstaje ogromna liczba narodowych szkół artystycznych, z których każda ma swoje unikalne idee, tematy, ulubione gatunki, jak również a także szczególny styl narodowy.

Romantyzm w sztukach pięknych opierał się w dużej mierze na ideach filozofów i pisarzy. W malarstwie, podobnie jak w innych dziedzinach sztuki, romantyków pociągało wszystko, co niezwykłe, nieznane, czy to odległe kraje z ich egzotycznymi zwyczajami i kostiumami (Delacroix), świat mistycznych wizji (Blake, Friedrich, Prerafaelici) czy magiczne sny (Runge) czy mroczne głębiny podświadomości (Goya, Fusli). Źródłem inspiracji dla wielu artystów było dziedzictwo artystyczne przeszłości: starożytnego Wschodu, średniowiecza i prarenesansu (nazarejczyków, prerafaelitów).

W przeciwieństwie do klasycyzmu, który wychwalał jasną siłę rozumu, romantycy śpiewali namiętne, burzliwe uczucia, które całkowicie zawładnęły człowiekiem. Pierwszą odpowiedzią na nowe trendy były portrety i pejzaże, które stały się ulubionymi gatunkami malarstwa romantycznego.

Szczyt gatunek portretowy kojarzono z zainteresowaniem romantyków jasną indywidualnością człowieka, pięknem i bogactwem jego duchowego świata. Życie ducha ludzkiego w portrecie romantycznym dominuje nad zainteresowaniem fizycznym pięknem, zmysłową plastycznością obrazu.

W romantycznym portrecie (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) zawsze ujawnia się wyjątkowość każdej osoby, przekazywana jest dynamika, intensywny rytm życia wewnętrznego i buntownicza pasja.

Romantyków interesuje także tragedia złamanej duszy: bohaterami ich dzieł są często osoby chore psychicznie (Gericault „Wariatka cierpiąca na uzależnienie od hazardu”, „Złodziej dzieci”, „Szalony mężczyzna, który wyobraża sobie siebie jako dowódca”).

Sceneria pojmowany przez romantyków jako ucieleśnienie duszy wszechświata; przyroda, podobnie jak dusza ludzka, przejawia się w dynamice, ciągłej zmienności. Charakterystyczne dla klasycyzmu uporządkowane i uszlachetnione krajobrazy zastąpiono obrazami o spontanicznej, zbuntowanej, potężnej, ciągle zmieniającej się naturze, odpowiadającej pomieszaniu uczuć romantycznych bohaterów. Romantycy szczególnie lubili pisać burze, burze, erupcje wulkanów, trzęsienia ziemi, wraki statków, które mogły wywołać silne emocje u widza (Gericault, Friedrich, Turner).

Charakterystyczna dla romantyzmu poetyka nocy – dziwnego, nierzeczywistego świata żyjącego według własnych praw – doprowadziła do rozkwitu „gatunku nocy”, który stał się ulubieńcem malarstwa romantycznego, zwłaszcza wśród artystów niemieckich.

Jednym z pierwszych krajów, w którym rozwinął się romantyzm w sztukach plastycznych, byłNiemcy .

Twórczość wywarła zauważalny wpływ na rozwój gatunku romantycznego pejzażuCaspara Davida Friedricha (1774-1840). W jego dorobku artystycznym dominują pejzaże przedstawiające szczyty górskie, lasy, morze, wybrzeże morskie, a także ruiny starych katedr, opuszczone opactwa, klasztory („Krzyż w górach”, „Katedra”, „Opactwo wśród Dębów Drzewa"). Zwykle zawierają w sobie uczucie ciągłego smutku wynikającego ze świadomości tragicznej straty człowieka na świecie.

Artysta uwielbiał te stany natury, które najbardziej odpowiadają jego romantycznemu postrzeganiu: wczesny poranek, wieczorny zachód słońca, wschód księżyca („Dwoje kontemplujący księżyc”, „Cmentarz klasztorny”, „Krajobraz z tęczą”, „Wschód księżyca nad morzem”, „ Kredowe Klify” na Rugii”, „Na żaglówce”, „Przystań nocą”).

Stałymi bohaterami jego dzieł są samotni marzyciele, pogrążeni w kontemplacji natury. Patrząc w ogromne odległości i nieskończone wysokości, zapoznają się z odwiecznymi tajemnicami wszechświata i zostają przeniesieni w piękny świat snów. Friedrich przekazuje ten wspaniały świat za pomocą magicznie świecącego światła- promienny słoneczny lub tajemniczy księżycowy.

Twórczość Fryderyka budziła podziw współczesnych, m.in. W.Goethe i W.A. Żukowskiego, dzięki któremu wiele jego obrazów zostało przejętych przez Rosję.

Malarz, grafik, poeta i teoretyk sztukiPhilipa Otto Runge (1777-1810), zajmował się głównie portretem. W swoich pracach poetyzował wizerunki zwykłych ludzi, często swoich bliskich („Nas troje” – nie zachował się autoportret z narzeczoną i bratem; „Dzieci rodziny Huelsenbecków”, „Portret rodziny artysty rodzice”, „Autoportret”). Głęboka religijność Runge'a znalazła wyraz w takich obrazach jak „Chrystus na brzegu Jeziora Tyberiadzkiego” i „Odpoczynek w czasie lotu do Egiptu” (niedokończony). Artysta podsumował swoje przemyślenia na temat sztuki w swoim traktacie teoretycznym „Sfera kolorów”.

Chęć ożywienia podstaw religijnych i moralnych w sztuce niemieckiej wiąże się z twórczą działalnością artystów Szkoła Nazareńska (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornelius). Zjednoczeni w swego rodzaju bractwo religijne („Unia św. Łukasza”) „Nazarejczycy” mieszkali w Rzymie na wzór wspólnoty monastycznej i malowali obrazy o tematyce religijnej. Za wzór swoich poszukiwań twórczych uznawali malarstwo włoskie i niemieckie.XIV - XVwieki (Perugino, wczesny Raphael, A. Durera, H. Holbein Młodszy, L.Cranacha). Na obrazie „Triumf religii w sztuce” Overbeck bezpośrednio naśladuje „Szkołę ateńską” Rafaela, a Korneliusz w „Jeźdźcach Apokalipsy” naśladuje rycinę Durera o tym samym tytule.

Członkowie bractwa za główne cnoty artysty uważali duchową czystość i szczerą wiarę, wierząc, że „tylko Biblia uczyniła Rafaela geniuszem”. Prowadząc samotne życie w celach opuszczonego klasztoru, swoją służbę sztuce podnieśli do kategorii służby duchowej.

„Nazareńczycy” skłaniali się ku wielkim formom monumentalnym i starali się ucieleśniać wzniosłe ideały za pomocą odrodzonej techniki freskowej. Niektóre obrazy zostały przez nich wspólnie ukończone.

W latach dwudziestych i trzydziestych XIX wieku członkowie bractwa rozproszyli się po całych Niemczech, zajmując czołowe stanowiska w różnych akademiach artystycznych. Tylko Overbeck mieszkał we Włoszech aż do śmierci, nie zmieniając swoich zasad artystycznych. Najlepsze tradycje „Nazarejczyków” przez długi czas zachowały się w malarstwie historycznym. Ich poszukiwania ideologiczne i moralne wywarły wpływ na angielskich prerafaelitów, a także na twórczość takich mistrzów jak Schwind i Spitzweg.

Moritza Schwinda (1804-1871), z urodzenia Austriak, pracował w Monachium. W pracach sztalugowych przedstawia głównie wygląd i życie starożytnych niemieckich miast prowincjonalnych wraz z ich mieszkańcami. Dokonano tego z wielką poezją i liryzmem, z miłością do swoich bohaterów.

Carla Spitzwega (1808-1885) - monachijski malarz, grafik, znakomity rysownik, karykaturzysta, również nie pozbawiony sentymentalizmu, ale z dużym humorem opowiada o życiu miasta („Biedny poeta”, „Poranna kawa”).

Schwind i Spitzweg kojarzą się zazwyczaj z ruchem w kulturze niemieckiej zwanym biedermeierem.biedermeierowskie - to jeden z najpopularniejszych stylów epoki (przede wszystkim w życiu codziennym, ale także w sztuce) . Wysunął na pierwszy plan mieszczan, przeciętnego człowieka na ulicy. Centralnym tematem malarstwa biedermeierowego było codzienne życie człowieka, pozostające w nierozerwalnym związku z jego domem i rodziną. Zainteresowanie Biedermeiera nie przeszłością, ale teraźniejszością, nie tym, co wielkie, ale tym, co małe, przyczyniło się do ukształtowania się tendencji realistycznej w malarstwie.

Francuska szkoła romantyczna

Najbardziej konsekwentna szkoła romantyzmu w malarstwie rozwinęła się we Francji. Powstała jako opozycja wobec klasycyzmu, który przerodził się w zimny, racjonalny akademizm i wypuścił takich wielkich mistrzów, którzy określili dominujący wpływ szkoły francuskiej na cały XIX wiek.

Francuscy artyści romantyczni skłaniali się ku tematom pełnym dramatyzmu i patosu, wewnętrznego napięcia, dalekim od „nudnej codzienności”. Ucieleśniając je, zreformowali środki obrazowe i ekspresyjne:

Z nazwą kojarzone są pierwsze błyskotliwe sukcesy romantyzmu w malarstwie francuskimTeodora Gericault (1791-1824), który przed innymi potrafił wyrazić czysto romantyczne poczucie konfliktu w świecie. Już w pierwszych pracach widać chęć ukazania dramatycznych wydarzeń naszych czasów. Na przykład obrazy „Oficer strzelca konnego w ataku” i „Ranny kirasjer” odzwierciedlały romans epoki napoleońskiej.

Obraz Gericaulta „Tratwa Meduzy”, poświęcony niedawnemu wydarzeniu we współczesnym życiu - śmierci statku pasażerskiego z winy przedsiębiorstwa spedycyjnego, wywołał ogromny oddźwięk. . Gericault stworzył gigantyczne płótno o wymiarach 7 x 5 m, na którym przedstawił moment, gdy ludzie będący na skraju śmierci ujrzeli na horyzoncie statek ratunkowy. Ekstremalne napięcie podkreśla surowa, ponura kolorystyka i ukośna kompozycja. Obraz ten stał się symbolem współczesnej Gericault France, która niczym ludzie uciekający z wraku doświadczyła zarówno nadziei, jak i rozpaczy.

Temat swojego ostatniego dużego obrazu „Wyścigi Epsom” artysta odnalazł w Anglii. Przedstawia konie latające jak ptaki (ulubiony obraz Gericaulta, który jako nastolatek stał się doskonałym jeźdźcem). Wrażenie szybkości potęguje pewna technika: konie i dżokeje są pomalowane bardzo starannie, a tło jest szerokie.

Po śmierci Gericaulta (zmarł tragicznie, u szczytu sił i talentu) jego młody przyjaciel stał się uznanym przywódcą francuskich romantykówEugeniusza Delacroix (1798-1863). Delacroix był wszechstronnie uzdolniony, posiadał talent muzyczny i literacki. Jego pamiętniki i artykuły o artystach są najciekawszymi dokumentami epoki. Jego teoretyczne studia nad prawami koloru wywarły ogromny wpływ na przyszłych impresjonistów, a zwłaszcza na V. Van Gogha.

Pierwszym obrazem Delacroix, który przyniósł mu sławę, był „Dante i Wergiliusz” („Łódź Dantego”), oparty na fabule „Boskiej komedii”. Zadziwiała współczesnych swoim namiętnym patosem i siłą ponurej kolorystyki.

Szczytem twórczości artysty była „Wolność na barykadach” („Wolność prowadząca lud”). Autentyczność realnego faktu (obraz powstał u szczytu rewolucji lipcowej 1830 roku we Francji) łączy się tu z romantycznym marzeniem o wolności i symboliką obrazów. Piękna młoda kobieta staje się symbolem rewolucyjnej Francji.

Reakcją na wydarzenia współczesne był także wcześniejszy obraz „Masakra na Chios”, poświęcony walce narodu greckiego z panowaniem tureckim. .

Odwiedzając Maroko, Delacroix odkrył egzotyczny świat arabskiego Wschodu, któremu poświęcił wiele obrazów i szkiców. W „Kobietach Algierii” świat muzułmańskiego haremu po raz pierwszy ukazał się europejskiej publiczności.

Artysta stworzył także cykle portretów przedstawicieli inteligencji twórczej, z których wielu było jego przyjaciółmi (portrety N. Paganiniego, F. Chopina, G. Berlioza i in.)

W późniejszym okresie swojej twórczości Delacroix skłaniał się ku tematyce historycznej, pracując jako monumentalista (obrazy w Izbie Poselskiej, Senacie) i jako grafik (ilustracje do dzieł Szekspira, Goethego, Byrona).

Z gatunkiem pejzażu kojarzą się nazwiska angielskich malarzy epoki romantyzmu – R. Beningtona, J. Constable’a, W. Turnera. W tej dziedzinie naprawdę otworzyli nową kartę: ich rodzima natura znalazła w ich pracy tak szerokie i pełne miłości odbicie, jakiego nie znał wówczas żaden inny kraj.

Johna Contable'a (1776-1837) jako jeden z pierwszych w historii europejskiego krajobrazu pisał szkice wyłącznie z życia, zwracając się ku bezpośredniej obserwacji przyrody. Jego obrazy są proste w motywach: wioski, farmy, kościoły, pas rzeki lub morskiej plaży: „Wóz z sianem”, Dolina Detham”, „Katedra w Salisbury z Ogrodu Biskupiego”. Prace Constable'a stały się impulsem do rozwoju realistycznego krajobrazu we Francji.

Williama Turnera (1775-1851) - malarz morski . Przyciągało go wzburzone morze, ulewy, burze, powodzie, tornada: „Ostatni rejs statku „Brave”, „Burza z piorunami nad Piazzetta”. Odważne eksploracje kolorystyczne i rzadkie efekty świetlne zamieniają czasem jego obrazy w lśniące fantasmagoryczne spektakle: „Pożar londyńskiego parlamentu”, „Zamieć. Parowiec opuszcza port i wysyła sygnały o niebezpieczeństwie, gdy wpłynie na płytką wodę. .

Turner jest właścicielem pierwszego obrazu przedstawiającego lokomotywę parową poruszającą się po szynach – symbol industrializacji. W filmie „Deszcz, para i prędkość” lokomotywa parowa pędzi wzdłuż Tamizy wśród mglistej mgły deszczowej. Wszystkie obiekty materialne wydają się zlewać w miraż, który doskonale oddaje wrażenie prędkości.

Unikalne badanie Turnera nad efektami świetlnymi i kolorystycznymi w dużej mierze wyprzedziło odkrycia francuskich artystów impresjonistów.

W 1848 powstał w Angliibractwo prerafaelickie (od łac. prae – „przed” i Raphael), które jednoczyło artystów nieakceptujących współczesnego im społeczeństwa i sztuki szkoły akademickiej. Swój ideał upatrywali w sztuce średniowiecza i wczesnego renesansu (stąd nazwa). Głównymi członkami bractwa sąWilliama Holmana Hunta, Johna Everetta Millaisa i Dantego Gabriela Rossettiego. W swoich wczesnych pracach artyści ci zamiast podpisów używali skrótu RV .

Miłość starożytności była podobna do romantyków prerafaelitów. Sięgali po tematykę biblijną („Światło świata” i „Niewierny pasterz” W. H. Hunta, „Dzieciństwo Marii” i „Zwiastowanie” D. G. Rossettiego), sceny z dziejów średniowiecza oraz sztuki autorstwa W. Szekspira („Ofelia” Millais).

Aby malować postacie i przedmioty ludzkie w ich naturalnej wielkości, prerafaelici zwiększali rozmiar swoich płócien i wykonywali szkice krajobrazów z życia. Postacie z ich obrazów miały prototypy wśród prawdziwych ludzi. Na przykład D. G. Rossetti niemal we wszystkich swoich dziełach przedstawiał swoją ukochaną Elżbietę Siddal, pozostając wiernym ukochanej, niczym średniowieczny rycerz, nawet po jej przedwczesnej śmierci („Niebieska jedwabna sukienka”, 1866).

Ideologiem prerafaelitów byłJohna Ruskina (1819-1900) – angielski pisarz, krytyk i teoretyk sztuki, autor słynnej serii książek „Artyści nowocześni”.

Twórczość prerafaelitów wywarła znaczący wpływ na wielu artystów i stała się zwiastunem symboliki w literaturze (W. Pater, O. Wilde) i sztukach pięknych (O. Beardsley, G. Moreau i in.).

Przydomek „Nazareńczycy” mógł pochodzić od nazwy miasta Nazaret w Galilei, gdzie narodził się Jezus Chrystus. Według innej wersji powstała ona przez analogię z nazwą starożytnej żydowskiej wspólnoty religijnej Nazarejczyków. Możliwe też, że nazwa grupy wzięła się od tradycyjnej nazwy fryzury „alla nazarena”, powszechnej w średniowieczu i znanej z autoportretu A. Dürera: przywrócono sposób noszenia długich włosów z przedziałkiem na środku przez Overbecka.

biedermeierowski(niem. „dzielny Meyer”, filister) to nazwisko fikcyjnej postaci ze zbioru poezji niemieckiego poety Ludwiga Eichrodta. Eichrodt stworzył parodię prawdziwej osoby - Samuela Friedricha Sautera, starego nauczyciela, który pisał naiwne wiersze. Eichrodt w swojej karykaturze podkreślał filistyńską prymitywność myślenia biedermeierowskiego, które stało się swoistym parodycznym symbolem epoki. rozległe pociągnięcia czarnymi, brązowymi i zielonkawymi kolorami oddają wściekłość burzy. Wzrok widza wydaje się znajdować w środku wiru, statek wydaje się być zabawką fal i wiatru.

Romantyzm jako kierunek w malarstwie ukształtował się w Europie Zachodniej pod koniec XVIII wieku. Romantyzm osiągnął swój rozkwit w sztuce większości krajów Europy Zachodniej w latach 20-30. 19 wiek.

Sam termin „romantyzm” wywodzi się od słowa „powieść” (w XVII wieku powieści były dziełami literackimi pisanymi nie po łacinie, ale w językach od niej pochodnych - francuskim, angielskim itp.). Później wszystko, co niezrozumiałe i tajemnicze, zaczęto nazywać romantycznym.

Jako zjawisko kulturowe romantyzm ukształtował się ze specjalnego światopoglądu powstałego w wyniku Wielkiej Rewolucji Francuskiej. Rozczarowani ideałami Oświecenia romantycy, dążąc do harmonii i integralności, stworzyli nowe ideały estetyczne i wartości artystyczne. Głównym obiektem ich uwagi były wybitne postacie ze wszystkimi ich doświadczeniami i pragnieniem wolności. Bohater dzieł romantycznych to niezwykła osoba, która z woli losu znalazła się w trudnych okolicznościach życiowych.

Choć romantyzm powstał jako protest przeciwko sztuce klasycyzmu, pod wieloma względami był do niej bliski. Romantykami byli po części tacy przedstawiciele klasycyzmu jak N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingr.

Romantycy wprowadzili do malarstwa cechy narodowe, czyli coś, czego brakowało w sztuce klasycystów.
Największym przedstawicielem francuskiego romantyzmu był T. Gericault.

Teodora Gericaulta

Theodore Gericault, wielki francuski malarz, rzeźbiarz i grafik, urodził się w 1791 roku w Rouen w zamożnej rodzinie. Jego talent artystyczny objawił się dość wcześnie. Często zamiast uczęszczać na zajęcia w szkole, Gericault przesiadywał w stajni i rysował konie. Już wtedy starał się nie tylko przenieść na papier zewnętrzne cechy zwierząt, ale także oddać ich usposobienie i charakter.

Po ukończeniu Liceum w 1808 roku Gericault został uczniem słynnego wówczas mistrza malarstwa Carla Verneta, który słynął z umiejętności przedstawiania koni na płótnie. Jednak młodemu artyście nie podobał się styl Verneta. Wkrótce opuszcza warsztat i udaje się na studia do innego, nie mniej utalentowanego malarza niż Vernet, P. N. Guerina. Studiując u dwóch znanych artystów, Gericault nie kontynuował jednak swoich tradycji malarskich. Za jego prawdziwych nauczycieli należy najprawdopodobniej uznać J. A. Grosa i J. L. Davida.

Wczesne prace Gericaulta wyróżniają się tym, że są jak najbliżej życia. Takie obrazy są niezwykle wyraziste i żałosne. Pokazują entuzjastyczny nastrój autora w ocenie otaczającego go świata. Przykładem jest obraz zatytułowany „Oficer cesarskich chasseurów podczas ataku”, powstały w 1812 roku. Obraz ten po raz pierwszy zobaczyli zwiedzający Salon Paryski. Z podziwem przyjęli dzieło młodego artysty, doceniając talent młodego mistrza.

Dzieło powstało w tym okresie historii Francji, kiedy Napoleon znajdował się u szczytu swojej świetności. Jego współcześni ubóstwiali go, wielkiego cesarza, któremu udało się podbić większość Europy. W takim nastroju, pod wrażeniem zwycięstw armii napoleońskiej, powstał obraz. Płótno przedstawia żołnierza galopującego na koniu do ataku. Jego twarz wyraża determinację, odwagę i nieustraszoność w obliczu śmierci. Cała kompozycja
niezwykle dynamiczny i emocjonalny. Widz ma wrażenie, że sam staje się prawdziwym uczestnikiem wydarzeń ukazanych na płótnie.

Postać dzielnego żołnierza pojawi się w twórczości Gericaulta nie raz. Wśród takich obrazów szczególnie interesujący są bohaterowie obrazów „Oficer karabinierów”, „Oficer kirasjerów przed atakiem”, „Portret karabiniera”, „Ranny kirasjer”, powstałych w latach 1812–1814. Ostatnia praca jest o tyle szczególna, że ​​została zaprezentowana na kolejnej wystawie zorganizowanej w Salonie w tym samym roku. Jednak nie to jest główną zaletą kompozycji. Co ważniejsze, ukazał zmiany, jakie zaszły w stylu twórczym artysty. Jeśli w jego pierwszych płótnach odbijały się szczere uczucia patriotyczne, to w jego pracach z 1814 roku patos w przedstawianiu bohaterów ustępuje miejsca dramatowi.

Taką zmianę nastroju artysty ponownie powiązano z wydarzeniami rozgrywającymi się wówczas we Francji. W 1812 roku Napoleon został pokonany w Rosji, dzięki czemu on, niegdyś genialny bohater, zyskał wśród współczesnych sławę nieudanego dowódcy wojskowego i aroganckiego, dumnego człowieka. Gericault ucieleśnia idealne rozczarowanie na obrazie „Ranny kirasjer”. Płótno przedstawia rannego wojownika próbującego szybko opuścić pole bitwy. Opiera się na szabli – broni, którą jeszcze kilka minut temu trzymał wysoko w powietrzu.

To właśnie niezadowolenie Géricaulta z polityki Napoleona podyktowało jego wstąpienie na służbę Ludwika XVIII, który objął tron ​​​​francuski w 1814 r. Nastroje pesymistyczne wiązały się także z faktem, że po drugim przejęciu władzy przez Napoleona we Francji (okres stu dni) młody artysta opuścił swój rodzinny kraj z Burbonami. Ale nawet tutaj był rozczarowany. Młody człowiek nie mógł spokojnie patrzeć, jak król niszczy wszystko, co udało się osiągnąć za panowania Napoleona. Ponadto za Ludwika XVIII nasiliła się reakcja feudalno-katolicka, kraj cofał się coraz szybciej, wracając do starej struktury państwowej. Młody, postępowy człowiek nie mógł tego zaakceptować. Wkrótce młody człowiek, straciwszy wiarę w swoje ideały, opuszcza armię dowodzoną przez Ludwika XVIII i ponownie sięga po pędzle i farby. Tych lat nie można nazwać jasnymi ani niczym niezwykłym w twórczości artysty.

W 1816 roku Gericault udał się w podróż do Włoch. Po zwiedzeniu Rzymu i Florencji i studiowaniu arcydzieł znanych mistrzów artysta zainteresował się malarstwem monumentalnym. Jego uwagę szczególnie przykuwają freski Michała Anioła, które zdobiły Kaplicę Sykstyńską. W tym czasie Gericault stworzył dzieła, które swoją skalą i majestatem pod wieloma względami przypominały obrazy malarzy wysokiego renesansu. Wśród nich najciekawsze to „Porwanie nimfy przez centaura” i „Człowiek obalający byka”.

Te same cechy manier dawnych mistrzów widać na obrazie „Gonitwa wolnych koni w Rzymie”, powstałym około 1817 roku i przedstawiającym zawody jeźdźców podczas jednego z odbywających się w Rzymie karnawałów. Osobliwością tej kompozycji jest to, że artysta skompilował ją na podstawie wcześniej wykonanych rysunków naturalnych. Ponadto charakter szkiców wyraźnie odbiega od stylistyki całego dzieła. Jeśli pierwsze to sceny opisujące życie Rzymian – współczesnych artyście, to w całej kompozycji pojawiają się wizerunki odważnych starożytnych bohaterów, jakby wyłaniające się ze starożytnych narracji. Gericault podąża w tym śladem J. L. Davida, który, aby nadać obrazowi heroiczny patos, przyodział swoich bohaterów w starożytne formy.

Wkrótce po namalowaniu tego obrazu Gericault powrócił do Francji, gdzie został członkiem środowiska opozycyjnego skupionego wokół malarza Horacego Verneta. Artysta po przybyciu do Paryża szczególnie zainteresował się grafiką. W 1818 r. stworzył szereg litografii o tematyce militarnej, z których najważniejszą był „Powrót z Rosji”. Litografia przedstawia pokonanych żołnierzy armii francuskiej wędrujących po zaśnieżonym polu. Postacie okaleczonych i zmęczonych wojną ludzi zostały przedstawione w sposób realistyczny i zgodny z prawdą. W kompozycji nie ma patosu ani heroicznego patosu, charakterystycznego dla wczesnych dzieł Gericaulta. Artysta stara się oddać rzeczywisty stan rzeczy, wszystkie nieszczęścia, jakie musieli przeżywać francuscy żołnierze porzuceni przez swego dowódcę na obcej ziemi.

W dziele „Powrót z Rosji” po raz pierwszy usłyszano temat zmagań człowieka ze śmiercią. Tutaj jednak motyw ten nie jest wyrażony tak wyraźnie, jak w późniejszych dziełach Gericaulta. Przykładem takich obrazów jest obraz „Tratwa Meduzy”. Został namalowany w 1819 roku i w tym samym roku wystawiony na Salonie Paryskim. Płótno przedstawia ludzi zmagających się z szalejącymi żywiołami wody. Artysta ukazuje nie tylko ich cierpienie i udrękę, ale także chęć wyjścia za wszelką cenę zwycięsko z walki ze śmiercią.

Fabuła kompozycji podyktowana jest wydarzeniem, które miało miejsce latem 1816 roku i wstrząsnęło całą Francją. Słynna wówczas fregata „Medusa” uderzyła w rafę i zatonęła u wybrzeży Afryki. Ze 149 osób na statku tylko 15 zdołało uciec, wśród nich chirurg Savigny i inżynier Correar. Po przybyciu do domu opublikowali małą książeczkę opowiadającą o swoich przygodach i szczęśliwym zbawieniu. To właśnie z tych wspomnień Francuzi dowiedzieli się, że nieszczęście wydarzyło się z winy niedoświadczonego kapitana statku, który dostał się na pokład dzięki patronatowi szlachetnego przyjaciela.

Obrazy tworzone przez Gericaulta są niezwykle dynamiczne, elastyczne i wyraziste, co artysta osiągnął dzięki długiej i żmudnej pracy. Aby wiernie oddać na płótnie straszne wydarzenia, oddać uczucia ludzi umierających na morzu, artysta spotyka się z naocznymi świadkami tragedii, wiele czasu poświęca studiowaniu twarzy wychudzonych pacjentów leczonych w jednym ze szpitali w Paryżu, jak a także marynarze, którym udało się uciec po katastrofach statków. W tym czasie malarz stworzył dużą liczbę prac portretowych.

Szalejące morze, jakby próbujące połknąć wraz z ludźmi kruchą drewnianą tratwę, również jest pełne głębokiego znaczenia. Obraz ten jest niezwykle wyrazisty i dynamiczny. Podobnie jak postacie ludzkie, został on skopiowany z życia: artysta wykonał kilka szkiców przedstawiających morze podczas burzy. Pracując nad monumentalną kompozycją Gericault niejednokrotnie sięgał do przygotowanych wcześniej szkiców, aby w pełni oddać charakter elementów. Dlatego obraz robi na widzu ogromne wrażenie, przekonując go o realizmie i prawdziwości tego, co się dzieje.

„Tratwa Meduzy” przedstawia Géricaulta jako niezwykłego mistrza kompozycji. Artysta długo zastanawiał się, jak ułożyć postacie na obrazie, aby jak najpełniej oddać zamysł autora. Po drodze wprowadzono kilka zmian. Z poprzedzających obraz szkiców wynika, że ​​początkowo Géricault chciał przedstawić zmagania ludzi na tratwie ze sobą, później jednak porzucił taką interpretację wydarzenia. W ostatecznej wersji płótno przedstawia moment, w którym już zdesperowani ludzie dostrzegają na horyzoncie statek Argus i wyciągają do niego ręce. Ostatnim dodatkiem do obrazu była postać ludzka umieszczona na dole, po prawej stronie płótna. To ona była ostatnim szlifem kompozycji, która potem nabrała głęboko tragicznego charakteru. Warto zauważyć, że zmiana ta została dokonana, gdy obraz był już wystawiony w Salonie.

Malarstwo Géricault swoją monumentalnością i wzmożoną emocjonalnością przypomina pod wieloma względami twórczość mistrzów wysokiego renesansu (przede wszystkim „Sąd Ostateczny” Michała Anioła, których artysta spotkał podczas podróży do Włoch.

Obraz „Tratwa Meduzy”, który stał się arcydziełem malarstwa francuskiego, odniósł ogromny sukces w kręgach opozycji, które widziały w nim odzwierciedlenie rewolucyjnych ideałów. Z tych samych powodów dzieło nie zostało przyjęte wśród najwyższej szlachty i oficjalnych przedstawicieli sztuk pięknych Francji. Dlatego też w tamtym czasie obraz nie został odkupiony przez państwo od autora.

Rozczarowany przyjęciem, jakie spotkało jego dzieło w ojczyźnie, Gericault wyjeżdża do Anglii, gdzie prezentuje Brytyjczykom swoje ulubione dzieło. W Londynie koneserzy sztuki przyjęli słynny obraz z wielkim zachwytem.

Gericault zbliża się do angielskich artystów, którzy urzekają go umiejętnością szczerego i zgodnego z prawdą przedstawiania rzeczywistości. Géricault poświęca cykl litografii życiu i życiu codziennemu stolicy Anglii, wśród których najciekawsze są dzieła zwane „Wielką suitą angielską” (1821) i „Stary żebrak umierający u drzwi piekarni” ( 1821). W tym ostatnim artysta przedstawił londyńskiego włóczęgę, którego wizerunek odzwierciedlał wrażenia, jakie malarz otrzymał podczas studiowania życia ludzi w robotniczych dzielnicach miasta.

W tym samym cyklu znalazły się takie litografie, jak „Kowal z Flandrii” i „U bram stoczni Adelphin”, które przedstawiają widzowi obraz życia zwykłych ludzi w Londynie. Interesujące w tych pracach są wizerunki koni, ciężkich i ciężkich. Zauważalnie różnią się od tych pełnych wdzięku i wdzięcznych zwierząt, które malowali inni artyści - współcześni Gericault.

Podczas pobytu w stolicy Anglii Gericault tworzył nie tylko litografie, ale także obrazy. Jednym z najbardziej uderzających dzieł tego okresu było płótno „Wyścigi w Epsom”, powstałe w 1821 roku. Na obrazie artysta przedstawia konie biegnące z pełną prędkością, a ich stopy w ogóle nie dotykają ziemi. Mistrz używa tej przebiegłej techniki (zdjęcie pokazało, że takie ułożenie nóg konia w biegu jest niemożliwe; to fantazja artysty), aby nadać kompozycji dynamikę, wywołać u widza wrażenie błyskawicznego ruchu konie. To wrażenie jest wzmocnione przez dokładne oddanie plastyczności (pozy, gestów) postaci ludzkich, a także zastosowanie jasnych i bogatych kombinacji kolorystycznych (czerwony, gniady, białe konie; bogaty niebieski, ciemnoczerwony, biało-niebieski i złoty -żółte kurtki dżokejowe).

Temat wyścigów konnych, który od dawna przyciągał uwagę malarza swoją szczególną ekspresją, powracał niejednokrotnie w pracach Géricaulta powstałych po zakończeniu pracy nad „Wyścigami w Epsom”.

W 1822 roku artysta opuścił Anglię i wrócił do rodzinnej Francji. Tworzy tu duże płótna nawiązujące do dzieł mistrzów renesansu. Wśród nich znajdują się „Handel murzyński”, „Otwarcie drzwi więzienia inkwizycji w Hiszpanii”. Obrazy te pozostały niedokończone – śmierć uniemożliwiła Gericaultowi dokończenie dzieła.

Na szczególną uwagę zasługują portrety, których powstanie przez historyków sztuki datuje się na lata 1822–1823. Na szczególną uwagę zasługuje historia ich malarstwa. Faktem jest, że portrety te powstały na zamówienie znajomego artysty, który pracował jako psychiatra w jednej z paryskich klinik. Miały stać się swoistymi ilustracjami ukazującymi różne choroby psychiczne człowieka. Tak powstawały portrety „Szalona Stara Kobieta”, „Szaleniec”, „Szaleniec wyobrażający sobie siebie jako dowódcę”. Dla mistrza malarstwa ważne było nie tyle ukazanie zewnętrznych oznak i symptomów choroby, ile oddanie wewnętrznego, psychicznego stanu chorego. Na płótnach przed widzem pojawiają się tragiczne wizerunki ludzi, których oczy przepełnione są bólem i smutkiem.

Wśród portretów Gericaulta szczególne miejsce zajmuje portret czarnego mężczyzny, znajdujący się obecnie w zbiorach Muzeum w Rouen. Z płótna na widza patrzy zdeterminowany i silny człowiek, gotowy do walki do końca z wrogimi mu siłami. Obraz jest niezwykle jasny, emocjonalny i wyrazisty. Człowiek na tym zdjęciu jest bardzo podobny do bohaterów o silnej woli, których Géricault wcześniej pokazywał w dużych kompozycjach (na przykład na płótnie „Tratwa Meduzy”).

Gericault był nie tylko mistrzem malarstwa, ale także znakomitym rzeźbiarzem. Jego dzieła w tej formie sztuki z początku XIX wieku były pierwszymi przykładami rzeźby romantycznej. Wśród takich dzieł na szczególną uwagę zasługuje niezwykle wyrazista kompozycja „Nimfa i Satyr”. Obrazy zatrzymane w ruchu trafnie oddają plastyczność ludzkiego ciała.

Theodore Gericault zginął tragicznie w 1824 roku w Paryżu, spadając z konia. Jego przedwczesna śmierć była zaskoczeniem dla wszystkich współczesnych słynnemu artyście.

Twórczość Gericaulta wyznaczyła nowy etap w rozwoju malarstwa nie tylko we Francji, ale także w sztuce światowej - okres romantyzmu. W swoich pracach mistrz pokonuje wpływy tradycji klasycystycznych. Jego prace są niezwykle barwne i odzwierciedlają różnorodność świata przyrody. Artysta wprowadzając do kompozycji postacie ludzkie stara się możliwie najpełniej i wyraźnie oddać wewnętrzne przeżycia i emocje danej osoby.

Po śmierci Gericaulta tradycje jego sztuki romantycznej przejął młodszy współczesny artyście E. Delacroix.

Eugeniusza Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, słynny francuski artysta i grafik, następca tradycji romantyzmu zapoczątkowanych w twórczości Gericaulta, urodził się w 1798 r. Nie kończąc nauki w Imperial Lyceum, w 1815 r. Delacroix rozpoczął naukę u słynnego mistrza Guerina. Jednak metody artystyczne młodego malarza nie odpowiadały wymaganiom nauczyciela, więc siedem lat później młody człowiek go opuścił.

Studiując u Guerina, Delacroix poświęcił wiele czasu na studiowanie twórczości Dawida i mistrzów malarstwa renesansu. Uważa kulturę starożytności, której tradycje naśladował Dawid, za fundamentalną dla rozwoju sztuki światowej. Ideały estetyczne Delacroix były zatem dziełami poetów i myślicieli starożytnej Grecji, wśród nich artysta szczególnie cenił dzieła Homera, Horacego i Marka Aureliusza.

Pierwszymi pracami Delacroix były niedokończone płótna, na których młody malarz starał się odzwierciedlić walkę Greków z Turkami. Artystce zabrakło jednak umiejętności i doświadczenia, aby stworzyć wyrazisty obraz.

W 1822 roku Delacroix wystawił na Salonie Paryskim swoje dzieło zatytułowane „Dante i Wergiliusz”. To płótno, niezwykle emocjonalne i jasne kolory, pod wieloma względami przypomina dzieło Gericaulta „Tratwa Meduzy”.

Dwa lata później w Salonie zaprezentowano publiczności kolejny obraz Delacroix „Masakra na Chios”. To tutaj urzeczywistnił się wieloletni plan artysty ukazania zmagań Greków z Turkami. Ogólna kompozycja obrazu składa się z kilku części, które tworzą oddzielnie umieszczone grupy ludzi, z których każda ma swój własny dramatyczny konflikt. Całość sprawia wrażenie głębokiej tragedii. Wrażenie napięcia i dynamiki potęguje połączenie gładkich i ostrych linii tworzących sylwetki bohaterów, co prowadzi do zmiany proporcji postaci przedstawionej przez artystę. Jednak właśnie dzięki temu obraz zyskuje realistyczny charakter i życiową siłę przekonywania.

Metoda twórcza Delacroix, wyrażona w pełni w „Rzezi na Chios”, daleka jest od stylu klasycystycznego akceptowanego wówczas w oficjalnych kręgach Francji i wśród przedstawicieli sztuk pięknych. Dlatego malarstwo młodego artysty spotkało się na Salonie z ostrą krytyką.

Mimo niepowodzeń malarz pozostaje wierny swemu ideałowi. W 1827 r. Ukazało się kolejne dzieło poświęcone tematowi walki narodu greckiego o niepodległość - „Grecja na ruinach Missolonghi”. Przedstawiona na płótnie postać zdeterminowanej i dumnej Greczynki uosabia niepokonaną Grecję.

W 1827 roku Delacroix wykonał dwa dzieła będące wyrazem twórczych poszukiwań mistrza w zakresie środków i metod wyrazu artystycznego. Są to obrazy „Śmierć Sardanapala” i „Marino Faliero”. W pierwszym z nich tragizm sytuacji zostaje oddany w ruchu postaci ludzkich. Jedynie obraz samego Sardanapala jest tu statyczny i spokojny. W utworze „Marino Faliero” dynamiczna jest tylko postać głównego bohatera. Reszta bohaterów zdawała się zamarła z przerażenia na myśl o tym, co miało się wydarzyć.

W latach 20 XIX wiek Delacroix ukończył szereg dzieł, których wątki zostały zaczerpnięte ze słynnych dzieł literackich. W 1825 roku artysta odwiedził Anglię, ojczyznę Williama Szekspira. W tym samym roku pod wpływem tej podróży i tragedii słynnego dramatopisarza Delacroix powstała litografia „Makbet”. W latach 1827–1828 stworzył litografię „Faust” poświęconą dziełu Goethego pod tym samym tytułem.

W związku z wydarzeniami, które miały miejsce we Francji w 1830 roku, Delacroix namalował obraz „Wolność prowadząca naród”. Rewolucyjna Francja ukazana jest w obrazie młodej, silnej kobiety, potężnej, zdecydowanej i niezależnej, śmiało przewodzącej tłumowi, w którym wyróżniają się postacie robotnika, studenta, rannego żołnierza, paryskiego gamena (obraz, który przewidywał Gavroche’a, który później pojawił się w Nędznikach V. Hugo).

Praca ta wyraźnie różniła się od podobnych prac innych artystów, których interesowała jedynie rzetelna transmisja tego czy innego wydarzenia. Obrazy Delacroix charakteryzowały się dużym heroicznym patosem. Przedstawione tutaj obrazy są uogólnionymi symbolami wolności i niepodległości narodu francuskiego.

Wraz z dojściem do władzy Ludwika Filipa, burżuazyjnego króla, bohaterstwo i wzniosłe uczucia głoszone przez Delacroix nie znalazły miejsca we współczesnym życiu. W 1831 roku artysta odbył podróż do krajów afrykańskich. Odwiedził Tanger, Meknes, Oran i Algier. W tym samym czasie Delacroix odwiedza Hiszpanię. Życie Wschodu dosłownie fascynuje artystę swoim szybkim biegiem. Tworzy szkice, rysunki oraz szereg prac akwarelowych.

Po wizycie w Maroku Delacroix namalował płótna poświęcone Wschodowi. Obrazy, na których artysta ukazuje wyścigi konne czy bitwy jeźdźców mauretańskich, są niezwykle dynamiczne i wyraziste. Dla porównania kompozycja „Algierskie kobiety w swoich komnatach” powstała w 1834 roku sprawia wrażenie spokojnej i statycznej. Nie ma w nim charakterystycznej dla wcześniejszych prac artysty gwałtownej dynamiki i napięcia. Delacroix jawi się tu jako mistrz koloru. Kolorystyka zastosowana przez malarza w pełni oddaje jaskrawą różnorodność palety, która widzowi kojarzy się z kolorami Wschodu.

Tą samą powolnością i regularnością charakteryzuje się płótno „Żydowskie wesele w Maroku”, namalowane około 1841 r. Dzięki trafnemu oddaniu przez artystę wyjątkowości narodowego wnętrza tworzy się tu tajemniczy, orientalny klimat. Kompozycja wydaje się zaskakująco dynamiczna: malarz pokazuje, jak ludzie wspinają się po schodach i wchodzą do pokoju. Światło wpadające do pomieszczenia sprawia, że ​​obraz wygląda realistycznie i przekonująco.

Motywy wschodnie były obecne w twórczości Delacroix jeszcze przez długi czas. I tak na wystawie zorganizowanej w Salonie w 1847 roku spośród sześciu zaprezentowanych przez niego prac pięć poświęconych było życiu i sposobowi życia Wschodu.

W latach 30-40. W XIX wieku w twórczości Delacroix pojawiły się nowe wątki. W tym czasie mistrz tworzy dzieła o tematyce historycznej. Wśród nich na szczególną uwagę zasługują obrazy „Protest Mirabeau przeciwko rozwiązaniu Stanów Generalnych” i „Boissy d’Anglas”. Szkic tego ostatniego, pokazany w 1831 roku w Salonie, jest uderzającym przykładem kompozycji o tematyce powstania ludowego.

Obrazy „Bitwa pod Poitiers” (1830) i „Bitwa pod Taibourgiem” (1837) poświęcone są wizerunkowi ludu. Dynamika bitwy, ruch ludzi, ich wściekłość, złość i cierpienie ukazane są tu z całym realizmem. Artystka stara się oddać emocje i namiętności człowieka przytłoczonego chęcią zwycięstwa za wszelką cenę. To właśnie postacie ludzkie w głównej mierze oddają dramatyczny charakter wydarzenia.

Bardzo często w pracach Delacroix zwycięzca i pokonany są sobie ostro przeciwstawni. Szczególnie wyraźnie widać to na płótnie „Zdobycie Konstantynopola przez krzyżowców” namalowanym w 1840 roku. Na pierwszym planie grupa ludzi pogrążonych w smutku. Za nimi rozciąga się zachwycający, urzekający krajobraz. Umieszczono tu także postacie zwycięskich jeźdźców, których groźne sylwetki kontrastują z żałobnymi postaciami na pierwszym planie.

Zdobycie Konstantynopola przez krzyżowców przedstawia Delacroix jako niezwykłego kolorystę. Jasne i nasycone barwy nie potęgują jednak tragicznej zasady, której wyrazem są żałobne postacie znajdujące się blisko widza. Wręcz przeciwnie, bogata paleta stwarza wrażenie święta zorganizowanego na cześć zwycięzców.

Nie mniej kolorowa jest kompozycja „Sprawiedliwość Trajana”, powstała w tym samym 1840 roku. Współcześni artysty uznali ten obraz za jeden z najlepszych spośród wszystkich obrazów artysty. Szczególnie interesujący jest fakt, że w trakcie pracy mistrz eksperymentuje w dziedzinie koloru. Nawet jego cienie przybierają różne odcienie. Wszystkie kolory kompozycji odpowiadają dokładnie naturze. Wykonanie dzieła poprzedziły długie obserwacje malarza zmian odcieni w przyrodzie. Artysta zapisał je w swoim pamiętniku. Następnie, zgodnie z przekazami, naukowcy potwierdzili, że odkrycia dokonane przez Delacroix w dziedzinie tonalności są w pełni zgodne z narodzoną wówczas doktryną koloru, której założycielem był E. Chevreuil. Ponadto artysta porównuje swoje odkrycia z paletą stosowaną przez szkołę wenecką, która była dla niego przykładem kunsztu malarskiego.

Wśród obrazów Delacroix szczególne miejsce zajmują portrety. Mistrz rzadko sięgał po ten gatunek. Malował tylko tych ludzi, z którymi znał się od dawna, których rozwój duchowy odbywał się na oczach artysty. Dlatego obrazy na portretach są bardzo wyraziste i głębokie. Są to portrety Chopina i Georges Sand. Płótno poświęcone słynnemu pisarzowi (1834) przedstawia szlachetną kobietę o silnej woli, która zachwyca współczesnych. Portret Chopina, namalowany cztery lata później, w 1838 roku, przedstawia poetycki i duchowy obraz wielkiego kompozytora.

Ciekawy i niezwykle wyrazisty portret słynnego skrzypka i kompozytora Paganiniego, namalowany przez Delacroix około 1831 roku. Styl muzyczny Paganiniego był pod wieloma względami podobny do metody malarskiej artysty. Twórczość Paganiniego cechuje ta sama ekspresja i intensywna emocjonalność, jakie charakteryzowały dzieła malarza.

Krajobrazy zajmują w twórczości Delacroix niewielkie miejsce. Okazały się one jednak bardzo istotne dla rozwoju malarstwa francuskiego drugiej połowy XIX wieku. Pejzaże Delacroix cechuje chęć dokładnego oddania światła i nieuchwytnego życia natury. Żywymi tego przykładami są płótna „Niebo”, w których poczucie dynamiki powstają dzięki śnieżnobiałym chmurom unoszącym się po niebie oraz „Morze widoczne z brzegów Dieppe” (1854), w którym malarz po mistrzowsku przekazuje szybowanie lekkich żaglowców po powierzchni morza.

W 1833 roku artysta otrzymał od króla francuskiego zamówienie na pomalowanie sali w Pałacu Burbonów. Prace nad powstaniem monumentalnego dzieła trwały cztery lata. Realizując zlecenie malarz kierował się przede wszystkim tym, aby obrazy były niezwykle proste i zwięzłe, zrozumiałe dla widza.
Ostatnim dziełem Delacroix był obraz przedstawiający Kaplicę Świętych Aniołów w kościele Saint-Sulpice w Paryżu. Powstał w latach 1849-1861. Używając jasnych, bogatych kolorów (różowy, jaskrawy niebieski, liliowy, umieszczonych na popielatym i żółto-brązowym tle) artysta tworzy w kompozycjach radosny nastrój, wywołując uczucie w widzu entuzjastyczna radość. Pejzaż zawarty w obrazie „Wypędzenie Iliodora ze świątyni” jako swego rodzaju tło, wizualnie zwiększa przestrzeń kompozycji i pomieszczeń kaplicy. Z drugiej strony, jakby chcąc podkreślić zamkniętą przestrzeń, Delacroix wprowadza do kompozycji klatkę schodową i balustradę. Umieszczone za nim postacie ludzi sprawiają wrażenie niemal płaskich sylwetek.

Eugene Delacroix zmarł w 1863 roku w Paryżu.

Delacroix był najbardziej wykształconym malarzem pierwszej połowy XIX wieku. Wiele tematów jego obrazów zaczerpniętych jest z twórczości literackiej znanych mistrzów pióra. Ciekawostką jest to, że artysta najczęściej malował swoje postacie bez użycia modela. Tego samego starał się uczyć swoich naśladowców. Według Delacroix malowanie jest czymś bardziej złożonym niż prymitywne kopiowanie linii. Artysta wierzył, że sztuka polega przede wszystkim na umiejętności wyrażania nastroju i zamysłu twórczego mistrza.

Delacroix jest autorem kilku prac teoretycznych poświęconych zagadnieniom koloru, metody i stylu artysty. Dzieła te stały się drogowskazem dla malarzy kolejnych pokoleń w poszukiwaniu własnych środków artystycznych służących do tworzenia kompozycji.

Początek XIX wieku był w Rosji czasem rozkwitu kulturalnego i duchowego. Jeśli pod względem rozwoju gospodarczego i społeczno-politycznego Rosja pozostawała w tyle za zaawansowanymi państwami europejskimi, to pod względem osiągnięć kulturalnych nie tylko dotrzymywała im kroku, ale często wyprzedzała. Rozwój kultury rosyjskiej w pierwszej połowie XIX wieku opierał się na przemianach epoki poprzedniej. Przenikanie elementów stosunków kapitalistycznych do gospodarki zwiększyło zapotrzebowanie na ludzi wykształconych i wykształconych. Miasta stały się głównymi ośrodkami kulturalnymi.

W procesy społeczne wciągnięto nowe warstwy społeczne. Kultura rozwijała się na tle stale rosnącej samoświadomości narodowej narodu rosyjskiego i w związku z tym miała wyraźny charakter narodowy. Wywarła znaczący wpływ na literaturę, teatr, muzykę i sztuki piękne. Wojna Ojczyźniana 1812 r, co w niespotykanym dotąd stopniu przyspieszyło wzrost samoświadomości narodowej narodu rosyjskiego i jej utrwalenie. Nastąpiło zbliżenie z narodem rosyjskim innych narodów Rosji.

Początek XIX wieku słusznie nazywany jest złotym wiekiem malarstwa rosyjskiego. To wtedy rosyjscy artyści osiągnęli poziom umiejętności, który stawiał ich dzieła na równi z najlepszymi przykładami sztuki europejskiej.

Trzy nazwiska ujawniają malarstwo rosyjskie XIX wieku - Kiprensky , Tropinin , Wenecjanow. Każdy ma inne pochodzenie: nieślubnego właściciela ziemskiego, chłopa pańszczyźnianego i potomka kupca. Każdy ma swoje aspiracje twórcze - romantyczny, realistyczny i „wiejski autor tekstów”.

Pomimo wczesnej pasji do malarstwa historycznego, Kiprensky znany jest przede wszystkim jako wybitny portrecista. Można tak powiedzieć na początku XIX w. został pierwszym rosyjskim portrecistą. Starzy mistrzowie, którzy zasłynęli w XVIII wieku, nie mogli już z nim konkurować: Rokotow zmarł w 1808 r., Lewicki, który przeżył go o 14 lat, nie malował już z powodu choroby oczu, i Borovikovsky, który nie przeżył kilku na kilka miesięcy przed powstaniem dekabryści pracowali bardzo mało.

Kiprensky miał szczęście zostać artystycznym kronikarzem swoich czasów. Za „Historię w twarzach” można uznać jego portrety, które przedstawiają wielu uczestników wydarzeń historycznych, którym był współczesny: bohaterów wojny 1812 roku, przedstawicieli ruchu dekabrystów. Przydatna była także technika rysowania ołówkiem, której nauczaniu poświęcono poważną uwagę w Akademii Sztuk Pięknych. Kiprensky stworzył w istocie nowy gatunek - portret obrazkowy.

Kiprensky stworzył wiele portretów rosyjskich postaci kulturowych i oczywiście najbardziej znanym z nich jest Puszkin. Zostało napisane na zamówienie Delviga, przyjaciela poety z liceum, w 1827 r. Współcześni zauważyli zdumiewające podobieństwo portretu do oryginału. Artysta uwolnił wizerunek poety od codziennych cech, które są nieodłącznym elementem portretu Puszkina autorstwa Tropinina, namalowanego w tym samym roku. Artysta uchwycił Aleksandra Siergiejewicza w chwili inspiracji, gdy odwiedziła go poetycka muza.

Śmierć dopadła artystę podczas jego drugiej podróży do Włoch. W ostatnich latach wiele złego wydarzyło się w życiu słynnego malarza. Rozpoczął się twórczy kryzys. Krótko przed śmiercią jego życie zostało przyćmione przez tragiczne wydarzenie: według współczesnych artysta został fałszywie oskarżony o morderstwo i bał się wyjść z domu. Nawet małżeństwo z włoską uczennicą nie rozjaśniło jego ostatnich dni.

Niewiele osób opłakiwało rosyjskiego malarza, który zmarł w obcym kraju. Do nielicznych, którzy naprawdę zrozumieli, jakiego mistrza utraciła rosyjska kultura, był przebywający wówczas we Włoszech artysta Aleksander Iwanow. W tych smutnych dniach napisał: Kiprensky „był pierwszym, który rozsławił rosyjskie nazwisko w Europie”.

Tropinin wszedł do historii sztuki rosyjskiej jako wybitny portrecista. Powiedział: „Portret człowieka maluje się ku pamięci bliskich mu osób, tych, którzy go kochają”. Według współczesnych Tropinin namalował około 3000 portretów. Czy tak jest, trudno powiedzieć. Jedna z książek o artyście zawiera listę 212 precyzyjnie zidentyfikowanych osób, które sportretował Tropinin. Ma także wiele prac zatytułowanych „Portret nieznanej kobiety”. Dostojnicy państwowi, szlachta, wojownicy, biznesmeni, drobni urzędnicy, chłopi pańszczyźniani, intelektualiści i postacie kultury rosyjskiej pozowali Tropininowi. Wśród nich: historyk Karamzin, pisarz Zagoskin, krytyk sztuki Odoevsky, malarze Bryullov i Aiwazowski, rzeźbiarz Witali, architekt Gilardi, kompozytor Alyabyev, aktorzy Szczepkin i Mo-chalov, dramaturg Sukhovo-Kobylin.

Jednym z najlepszych dzieł Tropinina jest portret jego syna. Trzeba powiedzieć, że jedno z „odkryć” sztuki rosyjskiej XIX wieku. był portret dziecka. W średniowieczu dziecko postrzegano jako małego dorosłego, który jeszcze nie dorósł. Dzieci ubierano nawet w stroje nie różniące się od dorosłych: w połowie XVIII wieku. dziewczęta nosiły obcisłe gorsety i szerokie spódnice z klapami. Dopiero na początku XIX w. widzieli w dziecku dziecko. Artyści byli jednymi z pierwszych, którzy to zrobili. W portrecie Tropinina jest dużo prostoty i naturalności. Chłopak nie pozuje. Zainteresowany czymś, odwrócił się na chwilę: usta miał lekko otwarte, oczy błyszczały. Wygląd dziecka jest zaskakująco uroczy i poetycki. Złote, rozczochrane włosy, otwarta, dziecinnie pulchna twarz, żywy wyraz inteligentnych oczu. Można poczuć, z jaką miłością artysta namalował portret swojego syna.

Tropinin dwukrotnie malował autoportrety. Na tej ostatniej, datowanej na rok 1846, artysta ma 70 lat. Przedstawiał siebie z paletą i pędzlami w dłoniach, opartego na masztabelu – specjalnym kiju używanym przez malarzy. Za nim majestatyczna panorama Kremla. W młodości Tropinin posiadał heroiczną siłę i dobry humor. Sądząc po autoportrecie, zachował siłę ciała nawet w starszym wieku. Okrągła twarz w okularach emanuje dobrą naturą. Artysta zmarł 10 lat później, ale jego wizerunek pozostał w pamięci potomków – wielkiego, życzliwego człowieka, który swoim talentem wzbogacił sztukę rosyjską.

Venetsianov odkrył motyw chłopski w malarstwie rosyjskim. Jako pierwszy wśród rosyjskich artystów pokazał na swoich płótnach piękno rodzimej natury. Akademia Sztuk Pięknych nie faworyzowała gatunku pejzażu. Zajmował przedostatnie miejsce pod względem ważności, pozostawiając w tyle jeszcze bardziej nikczemne – gospodarstwo domowe. Tylko nieliczni mistrzowie malowali naturę, preferując pejzaże włoskie lub wyimaginowane.

W wielu pracach Venetsianova natura i człowiek są nierozłączni. Są związani tak ściśle, jak chłop z ziemią i jej darami. Artysta stworzył swoje najsłynniejsze dzieła – „Sianokiszonki”, „Na polach uprawnych. Wiosna”, „W żniwa. Lato” – w latach 20. XX wieku. To był szczyt jego twórczości. Nikt w sztuce rosyjskiej nie potrafił pokazać chłopskiego życia i pracy chłopskiej z taką miłością i tak poetycko jak Wenecjanow. Na obrazie „Na zaoranym polu. Wiosna” kobieta bronuje pole. Ta ciężka, wyczerpująca praca wygląda wysublimowanie na płótnie Wenecjanowa: wieśniaczka w eleganckiej sukience i kokoshniku. Swoją piękną twarzą i elastyczną sylwetką przypomina starożytną boginię. Prowadzona za uzdy dwóch posłusznych koni zaprzężonych w bronę, nie idzie, ale zdaje się szybować nad polem. Życie wokół płynie spokojnie, miarowo, spokojnie. Rzadkie drzewa zmieniają kolor na zielony, białe chmury płyną po niebie, pole wydaje się nie mieć końca, na skraju którego siedzi dziecko, czekając na matkę.

Obraz „W żniwa. Lato” zdaje się być kontynuacją poprzedniego. Żniwa już dojrzały, na polach pełno złotego ścierniska – nadszedł czas żniw. Na pierwszym planie wieśniaczka, odkładając sierp, karmi piersią swoje dziecko. Niebo, pole i pracujący na nim ludzie są dla artysty nierozłączni. Jednak głównym przedmiotem jego uwagi jest zawsze człowiek.

Wenecjanow stworzył całą galerię portretów chłopów. Było to nowością w malarstwie rosyjskim. W XVIII wieku ludzie z ludu, a zwłaszcza chłopi pańszczyźniani, nie budzili większego zainteresowania artystów. Według historyków sztuki Wenecjanow jako pierwszy w historii malarstwa rosyjskiego „dokładnie uchwycił i odtworzył rosyjski typ ludowy”. „Żniwiarze”, „Dziewczyna z chabrami”, „Dziewczyna z cielęciem”, „Śpiący pasterz” - piękne wizerunki chłopów uwiecznione przez Wenecjanowa. Szczególne miejsce w twórczości artysty zajmowały portrety dzieci chłopskich. Jak dobry jest „Zakharka” - chłopiec o dużych oczach, zadartym nosie i dużych ustach z toporem na ramieniu! Zakharka wydaje się uosabiać energiczną chłopską naturę, przyzwyczajoną do pracy od dzieciństwa.

Aleksiej Gawrilowicz pozostawił dobrą pamięć o sobie nie tylko jako artyście, ale także jako wybitnym nauczycielu. Podczas jednej z wizyt w Petersburgu przyjął jako ucznia nowicjusza, potem kolejnego, trzeciego... W ten sposób powstała cała szkoła artystyczna, która przeszła do historii sztuki pod nazwiskiem Venetsianovsky. Przez ćwierć wieku przewinęło się przez nią około 70 utalentowanych młodych mężczyzn. Venetsianov próbował wykupić artystów pańszczyźnianych z niewoli i bardzo się martwił, jeśli to się nie powiedzie. Najzdolniejszy z jego uczniów, Grigorij Soroka, nigdy nie otrzymał wolności od właściciela ziemskiego. Dożył zniesienia pańszczyzny, lecz doprowadzony do rozpaczy wszechmocą swego byłego właściciela, popełnił samobójstwo.

Wielu uczniów Venetsianova mieszkało w jego domu przy pełnym wsparciu. Poznali tajniki malarstwa weneckiego: zdecydowane przestrzeganie praw perspektywy, uważne zwracanie uwagi na naturę. Wśród jego uczniów było wielu utalentowanych mistrzów, którzy pozostawili zauważalny ślad w sztuce rosyjskiej: Grigorij Soroka, Aleksiej Tyranow, Aleksander Aleksiejew, Nikifor Kryłow. „Venetsianovtsy” - z miłością nazywali jego zwierzęta.

Można zatem stwierdzić, że w pierwszej tercji XIX wieku nastąpił gwałtowny wzrost rozwoju kulturalnego Rosji i okres ten nazywany jest złotym wiekiem malarstwa rosyjskiego.

Rosyjscy artyści osiągnęli poziom umiejętności, który stawia ich dzieła na równi z najlepszymi przykładami sztuki europejskiej.

Gloryfikowanie bohaterskich czynów ludu, idea jego duchowego przebudzenia, obnażanie bolączek feudalnej Rosji – to główne tematy sztuk pięknych XIX wieku.

W portrecie cechy romantyzmu - niezależność ludzkiej osobowości, jej indywidualność, swoboda wyrażania uczuć - są szczególnie wyraźne.

Powstało wiele portretów rosyjskich osobistości kultury, w tym portrety dzieci. W modzie staje się motyw chłopski, pejzaż ukazujący piękno naszej rodzimej przyrody.