Współczesna sztuka japońska. Malarstwo japońskie. Nowoczesne malarstwo japońskie. Hej Arakawa: wszędzie, nie nigdzie

Dzisiejszy świat jest często obwiniany o kryzys duchowy, za zerwanie więzi z tradycjami, za globalizację, która nieuchronnie pochłania narodowe fundamenty. Wszystko jest jednocześnie spersonalizowane i odpersonalizowane. Gdybyśmy mogli podzielić tak zwaną sztukę klasyczną na szkoły narodowe i wyobrazić sobie, co jest sztuką włoską, co jest sztuką niemiecką, a co francuską; to czy możemy podzielić sztukę współczesną na te same „szkoły”?

Odpowiadając na to pytanie, chciałbym przedstawić państwu współczesną sztukę japońską. Na konferencji w Mori Art Museum na temat internacjonalizmu w sztuce współczesnej w zeszłym roku profesor Uniwersytetu Tokijskiego Michio Hayashi zasugerował, że popularne postrzeganie „japońskości” na Zachodzie zostało scementowane w latach 80. przez trójcę „kiczu”. „naturalność” i „technologiczne wyrafinowanie”. Dziś popularną, a szczególnie popularną komercyjnie sztukę współczesną Japonii można jeszcze umieścić w tym trójkącie. Dla widza zachodniego pozostaje tajemnicza i oryginalna ze względu na specyficzne cechy tkwiące tylko w sztuce Kraju Kwitnącej Wiśni. W sierpniu Zachód i Wschód spotkały się jednocześnie w trzech miejscach sztuki: do 8 sierpnia na Manhattanie odbywała się wystawa „Dualizm istnienia – Post-Fukushima” (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), ekspozycja „teamLab: Ultra Przestrzeń Subiektywna” trwała do 15 sierpnia jest praktycznie w pobliżu (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); a „Cykl Arhat” Takashi Murakamiego w Palazzo Reale w Mediolanie wciąż podbija i zadziwia odwiedzających.

Wszystkie prezentowane prace powstały po 11 marca 2011 roku, kiedy tsunami uderzyło w Japonię. Katastrofa nuklearna w elektrowni jądrowej Fukushima zmobilizowała naród, spowodowała konieczność ponownego rozważenia priorytetów i wartości oraz powrotu do dawno zapomnianych tradycji. Sztuka nie mogła stać z boku i zaprezentowała światu nowy typ artysty, skupiony na potrzebach współczesnego odbiorcy, a jednocześnie szanujący historyczne fundamenty i wartości.

Takashi Murakami jest artystą odnoszącym sukcesy komercyjne, który spopularyzował techno-kicz i stworzył nowy język wizualny superflat, oparty na tradycjach japońskiego malarstwa nihonga oraz specyfice anime i mangi. Ideologia jego replikowanych rzeźb i skandalicznych instalacji miała zademonstrować zmiany w Japonii po wojnie, kiedy dominował konsumpcjonizm. Ale 11 marca 2011 r. podzielił życie Japonii na „przed” i „po”, jak dwa straszne dni w sierpniu 1945 r., kiedy na Hiroszimę i Nagasaki zrzucono bomby atomowe. Po tym silnym trzęsieniu ziemi, które miało straszliwe konsekwencje, Murakami wkroczył na ścieżkę przemyślenia buddyzmu i japońskiej estetyki, zrobił krok w kierunku powrotu do źródeł i duchowości. Pierwszą pracą, która zainicjowała cykl Arhatów, jest 500 Arhatów, pokazanych na indywidualnej wystawie Takashiego Murakamiego w Doha w Katarze w 2012 roku. Powrót do wątków buddyjskich autor tłumaczy jako próbę uświadomienia sobie, że na tym świecie nie jesteśmy tylko my, że istnieją siły, które są od nas niezależne i że za każdym razem musimy się doskonalić, aby przestać być od nas zależni. własne pragnienia i afekty. Gęsta ściana arhatów, jakby chroniąca publiczność przed szalejącymi żywiołami przez całe 100 metrów płótna, zaszczepiła w duszy wszystkim spokój i ciszę. Murakami nie ograniczył się jednak do jednej pracy i kontynuował cykl obrazów, uzupełniając i rozszerzając narrację, jakby posługując się techniką mangową i opowiadając historię w projektowaniu wizualnym. Druga część cyklu została zaprezentowana w Galerii Blum & Poe (Los Angeles) w 2013 roku. Dziś w Mediolanie arhaty po raz trzeci podróżują po świecie, szerząc ideę powrotu do duchowości i wyrzeczenia się namiętności. Mimo zbudowania i głębi znaczeń obrazy są łatwo odbierane dzięki odważnej i jasnej decyzji kolorystycznej, samemu językowi artystycznemu. Elementy mangi przyniosły im tę niezbędną część popularyzacji, aby idee nadawcze buddyzmu były łatwo odczytywane i akceptowane nawet przez niewtajemniczoną publiczność.

Kolejnym przedstawicielem współczesnego malarstwa japońskiego może być Kazuki Umezawa, uczeń Murakamiego, co sprowadza nas z powrotem do kwestii szkoły i ciągłości. Tworzy cyfrowe renderingi postaci z anime, rysując je na naklejkach, aby stworzyć dodatkową głębię i wizualny chaos. Z przypadkowych i rozproszonych w całym Internecie obrazów konstruuje kolaże, przełamuje tła, tworząc mandale, które odzwierciedlają strukturę i treść wyobraźni otaku (fanów anime i mangi). Odwołanie się do buddyjskiego symbolu podnosi wartość semantyczną prac młodego artysty, łącząc z jednej strony sacrum i ugruntowane w kulturze, z drugiej współczesność, ale znów z włączeniem specyficznego japońskiego fenomenu - Anime.

Takashi Murakami i Kazuki Umezawa umiejętnie balansują między trafnością a tradycją, kiczem i stylem.

Co zaskakujące, po trzęsieniu ziemi, które miało miejsce 11 marca 2011 roku w Japonii, 16-letni chłopiec, który przez dziewięć dni był uwięziony pod gruzami swojego domu i został uratowany, zapytany przez dziennikarza o jego przyszłe marzenia, odpowiedział: „Ja chcesz zostać artystą.”

Czym jest anime i manga? Najprostsza definicja wygląda tak:
Manga to japońskie komiksy.
Anime to japońska animacja.

Terminy „manga” i „anime” są często uważane za ograniczone do określonych gatunków (fikcja, fantasy) i stylów graficznych (realizm, „wielkie oczy”). To nie jest prawda. Terminy „manga” i „anime” definiują jedynie podstawową kulturę, na podstawie której powstają odpowiednie dzieła.
Nie ma drugiego kraju na świecie, który tak dużą wagę przywiązuje do komiksu i animacji. Twórcami popularnych japońskich komiksów są ludzie bardzo zamożni (Takahashi Rumikom jest jedną z najbogatszych kobiet w Japonii), najsłynniejsze z nich to narodowe celebrytki, manga stanowi około jednej czwartej wszystkich druków produkowanych w Japonii i jest czytana niezależnie od wiek i płeć. Pozycja anime jest nieco skromniejsza, ale też godna pozazdroszczenia. Na przykład nie ma na świecie kraju, w którym aktorzy głosowi animowani (seiyu) cieszyliby się takim uznaniem, szacunkiem i miłością. Japonia jest jedynym krajem na świecie, który nominował pełnometrażowy film animowany do Oscara za najlepszy film zagraniczny.

Między innymi anime i manga to świetny sposób na docenienie nie tylko tego, jak współcześni Japończycy odzwierciedlają i doświadczają swoich oryginalnych tradycji, ale także jak motywy i fabuły innych narodów znajdują odzwierciedlenie w japońskich dziełach. I wcale nie chodzi o to, że pierwszy jest zawsze ciekawszy od drugiego. Trzeba bardzo dobrze znać język japoński i teorię literatury, aby naprawdę zrozumieć, czym japońska wersyfikacja (i japońska mentalność) różni się od europejskiej. Aby zrozumieć, czym różnią się japońskie elfy od elfów Tolkiena, wystarczy obejrzeć jeden lub dwa seriale.
Tym samym anime i manga są swego rodzaju „tylnymi drzwiami” do świata japońskiej świadomości. I przechodząc przez ten pasaż można nie tylko skrócić drogę bez przebijania się przez wszystkie ogrodzenia i bastiony wzniesione przez półtora tysiącletnią „kulturę wysoką” Japonii (sztuka anime i mangi jest znacznie młodsza, i jest w nim mniej tradycji), ale też czerpie sporą przyjemność. Łączenie biznesu z przyjemnością – co może być lepszego?

Teraz kilka konkretnych uwag dotyczących mangi i anime osobno.

Manga

„Historie w obrazach” znane są w Japonii od samego początku jej historii kultury. Nawet w kopcach kofun (grobowców starożytnych władców) archeolodzy znajdują rysunki, które pod względem ideologii i struktury nieco przypominają komiksy.
Rozpowszechnianie „historii na obrazach” zawsze ułatwiała złożoność i niejednoznaczność japońskiego pisma. Nawet teraz japońskie dzieci mogą czytać „dorosłe” książki i gazety dopiero po ukończeniu szkoły podstawowej (w wieku 12 lat!). Niemal natychmiast po pojawieniu się prozy japońskiej pojawiły się jej ilustrowane retele, w których tekstu było niewiele, a główną rolę odgrywały ilustracje.

Za pierwsze japońskie komiksy uważa się „Śmieszne obrazki z życia zwierząt”, stworzone w XII wieku przez buddyjskiego księdza i artystę Kakuyu (inna nazwa to Toba, lata życia - 1053-1140). Są to cztery papierowe zwoje, które przedstawiają sekwencję czarno-białych, rysowanych atramentem obrazków z podpisami. Zdjęcia opowiadały o zwierzętach przedstawiających ludzi oraz o mnichach buddyjskich naruszających statut. Teraz te zwoje są uważane za święte relikwie i są przechowywane w klasztorze, w którym mieszkał ascetyczny Kakuyu.
Przez prawie tysiąc lat swojej historii „historie na obrazach” wyglądały i były różnie nazywane. Słowo „manga” (dosłownie – „dziwne (lub śmieszne) obrazki, groteski”) zostało ukute przez słynnego grafika Katsushika Hokusai w 1814 roku i choć sam artysta użył go do serii rysunków „z życia”, to określenie utknąłem w odniesieniu do komiksów.
Duży wpływ na rozwój mangi miały europejskie kreskówki i amerykańskie komiksy, które zasłynęły w Japonii w drugiej połowie XIX wieku. Pierwsza połowa XX wieku to czas poszukiwania miejsca komiksu w systemie kultury japońskiej czasów nowożytnych. Dużą rolę odegrał tu rząd militarystyczny, wykorzystujący kulturę masową do wpływania na ludność. Finansowana przez wojsko „właściwa” manga (zaczęła nawet na krótko pojawiać się w kolorze) i zakazana mangą krytyką polityczną, zmuszając byłych rysowników do opanowania fabuł przygodowych i fantasy (na przykład idea „gigantycznego robota” pojawiła się po raz pierwszy w manga odwetowa z 1943 roku, w której taki robot rozbił znienawidzone USA). Wreszcie w okresie powojennym wielki Tezuka Osamu swoim dziełem dokonał prawdziwej rewolucji w świecie mangi i wraz ze swoimi uczniami i wyznawcami uczynił mangę głównym nurtem kultury masowej.

Manga jest prawie zawsze czarno-biała, tylko okładki i pojedyncze ilustracje są rysowane w kolorze. Większość mang to „sequele” drukowane w gazetach lub (częściej) w tygodnikach lub miesięcznikach. Zwykła objętość serii w tygodniku to 15-20 stron. Popularna wśród czytelników manga jest przedrukowywana w postaci osobnych tomów – tankōbon. Są oczywiście zarówno krótkie opowiadania manga, jak i manga od razu publikowane jako tankōbon.
W Japonii jest wiele magazynów manga. Każda z nich jest skierowana do określonej grupy odbiorców, powiedzmy, młodszych nastolatków zainteresowanych science fiction lub starszych dziewcząt zainteresowanych baletem. Najsilniejsze są różnice między magazynami dla kobiet i mężczyzn. Zakres odbiorców takich czasopism waha się od małych dzieci (manga jest dla nich drukowana bez podpisów) po mężczyzn i kobiety w średnim wieku. Istnieją już eksperymenty w dziedzinie mangi dla osób starszych. Oczywiście ta różnorodność odbiorców dała początek całej gamie stylów i gatunków: od symboliki po fotorealizm, od baśni po dzieła filozoficzne i podręczniki szkolne.

Twórca mangi nazywany jest „mangaką”. Zwykle jedna osoba (często z asystentami czeladników) rysuje komiksy i pisze teksty, ale jest też kreatywność grupowa. Jednak więcej niż trzy lub cztery osoby zwykle nie pracują nad jedną mangą. Z tego wzrasta uczciwość artystyczna, a dochody osobiste - rosną. Oprócz mangi profesjonalnej istnieje również manga amatorska – „doujinshi”. Wielu mangaków zaczęło jako twórcy doujinshi („doujinshika”). W dużych miastach istnieją specjalne rynki, na których dōjinshiki sprzedają swoje produkty i czasami znajdują poważnych wydawców dla swojej pracy.

Anime

Termin „anime” pojawił się dopiero w połowie lat 70., wcześniej był powszechnie określany jako „manga-eiga” („komiks filmowy”). Japończycy zaczęli eksperymentować z animacją w połowie 1910 roku, a pierwsze anime pojawiło się w 1917 roku. Przez dość długi czas anime znajdowało się na podwórku kina, ale i tutaj pożyteczną rolę odegrali militaryści, którzy popierali każdą „poprawną” sztukę. Tak więc pierwsze dwa duże filmy anime zostały wydane odpowiednio w 1943 i 1945 roku i były propagandą „gry”, która gloryfikowała potęgę japońskiej armii. Podobnie jak w przypadku mangi decydującą rolę w historii anime odegrał Tezuka Osamu, który zaproponował porzucenie bezsensownej rywalizacji z filmami fabularnymi Walta Disneya i przejście do tworzenia seriali telewizyjnych przewyższających amerykańskie nie jakością obrazu, ale w apelu do japońskiej publiczności.

Większość anime to seriale telewizyjne i seriale przeznaczone do sprzedaży na wideo (seriale OAV). Istnieje jednak również wiele filmów telewizyjnych i pełnometrażowych anime. Pod względem różnorodności stylów, gatunków i odbiorców manga znacznie przewyższa anime, ale ta ostatnia co roku dogania rywala. Z drugiej strony wiele anime to adaptacje popularnej mangi i nie konkurują ze sobą, ale wspierają się komercyjnie. Jednak większość anime jest przeznaczona dla dzieci i nastolatków, chociaż są też anime dla młodych dorosłych. Widownia w średnim wieku zostaje podbita przez „rodzinne anime”, które dzieci oglądają z rodzicami. Seriality dyktuje własne prawa – twórcy anime są mniej skłonni do technicznych eksperymentów niż animatorzy z innych krajów, ale dużą wagę przywiązują do tworzenia atrakcyjnych i ciekawych postaci (stąd znaczenie wysokiej jakości głosu) oraz rozwoju fabuły. Projektanci anime są ważniejsi niż animatorzy.
Anime jest produkowane przez studia anime, zwykle stosunkowo niewielkie i finansowane przez zewnętrznych sponsorów (kanały telewizyjne, korporacje zabawkowe, wydawcy mangi). Zazwyczaj takie studia powstają wokół kilku wybitnych twórców, dlatego też często w studiu panuje pewien „stylu studyjnego”, który wyznaczają czołowi projektanci.

Sztuka i projektowanie

3946

01.02.18 09:02

Dzisiejsza scena artystyczna w Japonii jest bardzo różnorodna i prowokacyjna: patrząc na prace mistrzów z Kraju Kwitnącej Wiśni, pomyślisz, że wylądowałeś na innej planecie! Jest domem dla innowatorów, którzy zmienili krajobraz branży w skali globalnej. Oto lista 10 współczesnych japońskich artystów i ich dzieł, od niesamowitych stworzeń Takashi Murakamiego (który obchodzi dziś swoje urodziny) po kolorowy wszechświat Kusamy.

Od futurystycznych światów po kropkowane konstelacje: współcześni japońscy artyści

Takashi Murakami: tradycjonalista i klasyka

Zacznijmy od bohatera okazji! Takashi Murakami to jeden z najbardziej kultowych współczesnych artystów japońskich, zajmujący się malarstwem, rzeźbą na dużą skalę i modą. Styl Murakamiego inspirowany jest mangą i anime. Jest założycielem ruchu Superflat, który wspiera japońskie tradycje artystyczne i powojenną kulturę kraju. Murakami wypromował wielu swoich rówieśników, niektórych z nich poznamy także dzisiaj. Dzieła „subkulturowe” Takashiego Murakamiego prezentowane są na rynkach mody i sztuki. Jego prowokacyjny My Lonesome Cowboy (1998) został sprzedany w Nowym Jorku w Sotheby's w 2008 roku za rekordową kwotę 15,2 miliona dolarów. Murakami współpracował ze znanymi na całym świecie markami Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.

Tycho Asima i jej surrealistyczny wszechświat

Członek firmy produkcyjnej Kaikai Kiki i ruchu Superflat (oba założone przez Takashi Murakami), Chiho Ashima jest znana z fantastycznych pejzaży miejskich i dziwnych popowych stworzeń. Artysta tworzy surrealistyczne sny zamieszkane przez demony, duchy, młode piękności przedstawione na tle dziwacznej natury. Jej prace są zazwyczaj wielkoformatowe i drukowane na papierze, skórze, plastiku. W 2006 roku ta współczesna japońska artystka uczestniczyła w Art on the Underground w Londynie. Na platformę stworzyła 17 kolejnych łuków - magiczny krajobraz stopniowo zmieniał się z dnia w noc, z miejskiego w wiejski. Ten cud rozkwitł na stacji metra Gloucester Road.

Chiharu Shima i nieskończone wątki

Inny artysta, Chiharu Shiota, pracuje nad wielkoskalowymi instalacjami wizualnymi dla określonych punktów orientacyjnych. Urodziła się w Osace, obecnie mieszka w Niemczech - w Berlinie. Centralnymi tematami jej twórczości są niepamięć i pamięć, sny i rzeczywistość, przeszłość i teraźniejszość, a także konfrontacja niepokoju. Najbardziej znane prace Chiharu Shioty to nieprzeniknione pajęczyny czarnej nici, które owijają wiele przedmiotów codziennego użytku i osobistych, takich jak stare krzesła, suknia ślubna, spalony fortepian. Latem 2014 roku Shiota połączyła ponad 300 podarowanych jej butów i butów nitkami czerwonej włóczki i powiesiła je na haczykach. Pierwsza wystawa Chiharu w stolicy Niemiec odbyła się podczas Berlińskiego Tygodnia Sztuki w 2016 roku i wywołała sensację.

Hej Arakawa: wszędzie, nie nigdzie

Ei Arakawa inspiruje się stanami zmian, okresami niestabilności, elementami ryzyka, a jego instalacje często symbolizują tematy przyjaźni i pracy zespołowej. Credo współczesnego japońskiego artysty określa nieokreślone performatywne „wszędzie, ale nigdzie”. Jego kreacje pojawiają się w nieoczekiwanych miejscach. W 2013 roku prace Arakawy były wystawiane na Biennale w Wenecji oraz na wystawie japońskiej sztuki współczesnej w Mori Art Museum (Tokio). Instalacja Hawaiian Presence (2014) powstała we współpracy z nowojorską artystką Carissa Rodriguez i była prezentowana na Whitney Biennale. Również w 2014 roku Arakawa i jego brat Tomu, występując w duecie United Brothers, zaoferowali odwiedzającym Frieze London swoje „dzieło” „The This Soup Taste Ambivalent” z „radioaktywnymi” korzeniami Fukushimy daikon.

Koki Tanaka: związek i powtórzenie

W 2015 roku Koki Tanaka został wybrany Artystą Roku. Tanaka bada wspólne doświadczenie kreatywności i wyobraźni, zachęca do wymiany między uczestnikami projektu i opowiada się za nowymi zasadami współpracy. Jego instalacja w pawilonie japońskim na Biennale w Wenecji w 2013 roku składała się z filmów wideo obiektów zamieniających przestrzeń w platformę wymiany sztuki. Instalacje Kokiego Tanaki (nie mylić z jego imieniem i nazwiskiem) ilustrują relacje między przedmiotami a czynnościami, jak np. zapis wideo prostych gestów wykonywanych zwykłymi przedmiotami (krojenie warzyw nożem, wlewanie piwa do szklanki, otwieranie parasola) . Nie dzieje się nic znaczącego, ale obsesyjna powtarzalność i dbałość o najdrobniejsze szczegóły sprawiają, że widz docenia prozaiczny charakter.

Mariko Mori i opływowe kształty

Inna współczesna japońska artystka, Mariko Mori, „wyczarowuje” obiekty multimedialne, łącząc filmy, zdjęcia, obiekty. Ma minimalistyczną futurystyczną wizję i smukłe, surrealistyczne formy. Powracającym tematem w twórczości Maury'ego jest zestawienie zachodniej legendy z zachodnią kulturą. W 2010 roku Mariko założyła Fundację Fau, edukacyjną, kulturalną organizację non-profit, dla której wyprodukowała serię swoich instalacji artystycznych honorujących sześć zamieszkałych kontynentów. Ostatnio stała instalacja Fundacji, Pierścień: Jeden z naturą, została podniesiona nad malowniczym wodospadem w Resende niedaleko Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: Synteza dźwięku i obrazu

Ryoji Ikeda to artysta i kompozytor zajmujący się nowymi mediami, którego twórczość związana jest głównie z dźwiękiem w różnych „surowych” stanach, od dźwięków sinusoidalnych po odgłosy wykorzystujące częstotliwości na granicy ludzkiego słuchu. Jego zapierające dech w piersiach instalacje zawierają dźwięki generowane komputerowo, które są wizualnie przekształcane w projekcje wideo lub cyfrowe szablony. Obiekty sztuki audiowizualnej Ikedy wykorzystują skalę, światło, cień, głośność, elektroniczne dźwięki i rytm. Słynny obiekt testowy artysty składa się z pięciu projektorów, które oświetlają obszar o długości 28 metrów i szerokości 8 metrów. Urządzenie konwertuje dane (tekst, dźwięki, zdjęcia i filmy) na kod kreskowy i binarne wzory zer i jedynek.

Tatsuo Miyajima i liczniki LED

Współczesny japoński rzeźbiarz i monter Tatsuo Miyajima wykorzystuje w swojej sztuce obwody elektryczne, wideo, komputery i inne gadżety. Główne koncepcje Miyajima są inspirowane ideami humanistycznymi i naukami buddyjskimi. Liczniki LED w jego konfiguracji migają nieprzerwanie w powtórzeniach od 1 do 9, symbolizując podróż od życia do śmierci, ale unikając ostateczności reprezentowanej przez 0 (zero nigdy nie pojawia się w pracy Tatsuo). Wszechobecne liczby w siatkach, wieżach i diagramach wyrażają zainteresowanie Miyajimy ideami ciągłości, wieczności, połączenia oraz przepływu czasu i przestrzeni. Nie tak dawno obiekt Strzała Czasu Miyajimy był pokazywany na inauguracyjnej wystawie „Niekompletne myśli widoczne w Nowym Jorku”.

Nara Yoshimoto i złe dzieci

Nara Yoshimoto tworzy obrazy, rzeźby i rysunki dzieci i psów, tematy, które odzwierciedlają dziecięce poczucie znudzenia i frustracji oraz dziką niezależność, która jest naturalna dla małych dzieci. Estetyka prac Yoshimoto przywodzi na myśl tradycyjne ilustracje książkowe, mieszankę niespokojnego napięcia i zamiłowania artysty do punk rocka. W 2011 roku w Asian Society Museum w Nowym Jorku odbyła się pierwsza indywidualna wystawa Yoshitomo zatytułowana „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool”, obejmująca 20-letnią karierę współczesnego japońskiego artysty. Wystawy były ściśle związane ze światowymi subkulturami młodzieżowymi, ich wyobcowaniem i protestem .

Yayoi Kusama i przestrzeń, która rośnie dzięki dziwacznym formom

Niesamowita twórcza biografia Yayoi Kusamy obejmuje siedem dekad. W tym czasie niesamowita Japonka zdołała studiować malarstwo, grafikę, kolaż, rzeźbę, kino, grawerowanie, sztukę ekologiczną, instalację, a także literaturę, modę i projektowanie mody. Kusama rozwinęła bardzo charakterystyczny styl sztuki kropkowej, który stał się jej znakiem rozpoznawczym. Iluzoryczne wizje przedstawione w pracach 88-letniej Kusamy - kiedy świat wydaje się pokryty mnożącymi się dziwacznymi formami - są wynikiem halucynacji, których doświadczała od dzieciństwa. Pomieszczenia z kolorowymi kropkami i „niekończącymi się” lustrami odzwierciedlającymi ich nagromadzenie są rozpoznawalne, nie da się ich pomylić z niczym innym.

Pomimo tego, że Japonia jest uznawana na całym świecie za kraj rozwijających się technologii, współczesna sztuka współczesna nie spieszy się z zerwaniem więzi z tradycją. Wystawa „Mono no Avare. Urok rzeczy” to smutna opowieść o kondycji człowieka w dobie plastiku.

Mono no świadomy - charakterystyczna dla kultury japońskiej zasada estetyczna, od której wzięła się wystawa, oznacza smutny urok rzeczy, uczucie fascynacji oczywistym i ukrytym pięknem rzeczy i zjawisk, z obowiązkowym odcieniem bezprzyczynowego smutku wywołanego przez poczucie iluzoryczności i kruchości wszystkiego, co widzialne. Jest nierozerwalnie związany z tradycyjną japońską religią szintoizmu. Shintoiści wierzą, że wszystkie rzeczy są obdarzone duchową esencją „kami”. Istnieje w każdym przedmiocie: zarówno w drewnie, jak iw kamieniu. „Kami” są nieśmiertelni i wchodzą w cykl życia i śmierci, dzięki któremu wszystko na świecie jest stale aktualizowane.

I choć sztuka współczesna mówi językiem międzynarodowym, japońska sztuka współczesna prezentowana na tej wystawie jest lepiej widziana przez pryzmat ich tradycji.

Instalacja wprowadzająca artysty Hiraki Sawy zajmuje cały pokój i jest teatrem cieni, w którym aktorzy są sprzętem domowym. Został zbudowany na zasadzie kolejki dziecięcej. Pociąg z latarką przejeżdża przez stworzony przez artystę pejzaż, promień światła rodzi świat makro z mikroświata rzeczy. A teraz jest to gaj brzozowy, a nie pionowo stojące ołówki; a to są linie energetyczne na polach, a nie wiszące spinacze do bielizny; a odwrócona plastikowa umywalka z uchwytami to tunel. Praca nosi tytuł „Inside”, była wcześniej pokazywana na Biennale w Wenecji.

Obraz Shinishiro Kano można nazwać prymitywnym surrealizmem. W martwej naturze Kano koszykówka, planeta Ziemia i owoce znajdują się na jednym talerzu.

W obrazie nie ma obrazu, a jedynie ramę namalowaną olejem. Na jednym płótnie postać bóstwa w czerwonym kimonie jest połączona z czerwonym ręcznikiem zawieszonym na haczyku na drugim. Czy nie jest to cykl malarski o iluzorycznej naturze świata? A może, że każda rzecz ma kami.

Na obrazie Masayi Chiby, na tle pięknej dżungli, pojawiają się dwie postacie: antropomorficzne stwory rozpadające się z istoty białej, ledwo przypominające mężczyznę i kobietę. Osadzone są na patykach jak orientalne lalki teatralne. Materia jest śmiertelna, jest tylko powłoką - tak jakby autor chciał nam powiedzieć. Jego inne dzieło malarskie „Sleeping Man” jest mniej więcej takie samo. Na zdjęciu nie ma osoby, tylko garść rzeczy na podnóżku: stare fotografie i pocztówki, wyrosłe kaktusy, rękawiczki, ulubione taśmy, słoik z przyprawami i zestaw narzędzi.

Artysta Teppei Kanueji „rzeźbi” (obiekt zabudowany) swoją osobę na tej samej zasadzie: skleja domowe śmieci w postaci antropomorficznego stwora i pokrywa je białą farbą.

Ogromna mandala wyłożona jest solą na podłodze – jest to tradycyjny rytuał świątynny dla Japonii, najwyraźniej wywodzący się z buddyzmu. Taka biżuteria oddaje ducha labiryntu lub mapy tajemniczej krainy oraz to, jak dobrze, że w muzeum nie ma wiatru. Ta instalacja jest wyjątkowa, artysta tworzył ją przez kilka dni w murach muzeum. Istnieje również ciekawa japońska tradycja: przed walką zapaśnicy sumo posypują ziemię solą.

Instalacja Hiroaki Mority "Od Evian do Volvik" otwiera dość interesujący współczesny temat dla Japonii - recykling plastiku. Na szklanej półce leży butelka wody Evian, jej cień dokładnie pada na szyjkę kolejnej butelki Volvika stojącej na podłodze. Tworzy iluzję, że woda przelewa się z butelki do butelki. Absurd na pierwszy rzut oka. Dla Japończyków ta konceptualna praca symbolizuje nie tylko obieg „kami”, czyli duchowej esencji, ale także w sensie dosłownym zasadę recyklingu – recyklingu surowców wtórnych. Jako kraj wyspiarski Japonia była jedną z pierwszych, które nauczyły się, jak zbierać, sortować i przetwarzać odpady z tworzyw sztucznych. Z powstałego materiału regenerowane są nie tylko nowe butelki i trampki, ale powstają nawet sztuczne wyspy.

Instalacja Teppei Kuneuji na pierwszy rzut oka przypomina sortownię śmieci. Plastikowe przedmioty układają się tu w różnych sekwencjach: miarki, foremki, różne zabawki, wieszaki, kolorowe szczoteczki do zębów, wężyki, szklanki i inne. Posypane białym proszkiem wydaje się, że leżą tu na wieki. Kiedy spacerujesz wśród tych znajomych przedmiotów, ale teraz nie są one używane, kontemplując je już oderwane, odczuwasz wrażenie medytacji w skalnym ogrodzie. W swoich kolażach fotograficznych Teppei Kuneuji „mentalnie” buduje wieżyczki z gruzu budowlanego. Nie są to jednak takie łańcuchy kinetyczne, jak w przypadku artystycznego duetu Fishli i Weiss, ale jak buddyjska budowla sakralna, w której kamień spoczywa na kamieniu bez spoiwa.

Artysta Suda Yoshihiro umieścił umiejętnie wykonaną drewnianą różową różę z jednym opadłym płatkiem między szyby w oknie muzeum z widokiem na Moika. Patrząc na tę bardzo subtelną i poetycką interwencję w muzeum, chcę zacząć mówić japońskimi wierszami z gatunku haiku, takimi jak: „Zima. Nawet róża w muzeum kwitnie wiecznie”.

Kolejne nie mniej poetyckie dzieło, The Opposite of Volume, Onishi Yasuaki nawiązuje do twórczości średniowiecznego malarza i mnicha Zen Toyo Sesshu. Ten japoński klasyk słynie z tego, że sprowadza do Kraju Kwitnącej Wiśni chiński monochromatyczny rysunek tuszem.

Instalacja Yasuaki to szara polietylenowa trójwymiarowa sylwetka góry, na którą z sufitu spadają strumienie (jak deszcz) zamarzniętego, płynnego plastiku. Plotka głosi, że aby zrobić „pustą” górę pod ulewą, jak z monochromatycznego obrazu Toyo Sesshu, artysta musiał zbudować górę z pudeł, przykryć cienkim polietylenem, a następnie spuścić z niego gorący plastik. sufit.

Wreszcie instalacja Kengo Kito: girlandy kolorowych plastikowych sportowych obręczy zwisające jak „japońskie pozdrowienia”, przywiezione do Rosji na Igrzyska Olimpijskie. Ciekawe, że wystawa „Urok rzeczy” wykorzystuje plastik jako materiał, z którym japońscy artyści dotykają nie tylko kwestii środowiskowych, ale także duchowych.

Tadasu Takamine. „God Save America”, 2002. Wideo (8 min. 18 sek.)

Podwójna perspektywa: japońska sztuka współczesna
Kuratorzy Elena Yaichnikova i Kenjiro Hosaka

Część pierwsza: „Rzeczywistość / zwykły świat”. Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej, góry. Moskwa, pas Ermolaevsky, 17
Część druga: „Wyimaginowany świat / fantazja”. Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej, góry. Moskwa, Bulwar Gogolewskiego, 10

Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej wraz z Fundacją Japońską prezentuje wystawę „Podwójna perspektywa: japońska sztuka współczesna”, której celem jest zapoznanie szerokiej publiczności ze współczesnymi artystami japońskimi.
Podwójna perspektywa to dwóch kuratorów z różnych krajów, dwie placówki muzealne i dwuczęściowa struktura projektu. Wystawa, której kuratorami są Elena Yaichnikova i Kenjiro Hosaka, obejmuje prace ponad 30 artystów różnych stylów, którzy pracowali od lat 70. do chwili obecnej. Projekt składa się z dwóch części – „Świat rzeczywisty / Życie codzienne” i „Świat wyobrażony / Fantazje” – które znajdują się na terenie muzeum przy 17 Ermolaevsky Lane i 10 Gogolevsky Boulevard.

Część pierwsza: „Rzeczywistość/zwykły świat”

Pierwsza część wystawy „Real World/Everyday” przedstawia spojrzenie japońskich artystów na otaczający nas świat poprzez odwołanie się do światowej historii XX wieku (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa i Yuken Teruya), refleksje nad strukturą współczesności społeczeństwa (Typ Dumb i Tadasu Takamine), interakcji z przestrzenią miejską (kontakt z Gonzo i ChimPom) oraz poszukiwania poezji w życiu codziennym (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi i Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura w serii prac wideo „Requiem” przemienia się w różne postacie historyczne: Chaplina, pisarza Yukio Mishimę, a nawet Lenina – i odtwarza epizody z ich życia. Inny uczestnik projektu, Tetsuya Umeda, tworzy instalacje z improwizowanych środków, zwykłych rzeczy - w ten sposób najbardziej banalna codzienność staje się sztuką. Na wystawie zostaną zaprezentowane prace Yoko Ono - słynny „Cut Piece” w wersji z 1965 i 2003 roku oraz instalacja dźwiękowa „Cough Piece” (1961). Na wystawie zostaną zaprezentowane prace Kishio Sugi, jednego z głównych przedstawicieli ruchu Mono-Ha (Mono-Ha, tłumaczone jako „Szkoła rzeczy”), który stanowił japońską alternatywę dla zachodniego modernizmu. Sekcja fotograficzna zaprezentuje twórczość Toshio Shibaty, Takashiego Hommy i Lieko Shigi.

Yayoi Kusama. "Jestem tu, ale nigdzie", 2000. Technika mieszana. Instalacja w Maison de la culture du Japon w Paryżu.
Kolekcja autora

Prace składające się na drugą część projektu zaprezentują publiczności wolny, wyimaginowany świat, w którym jest wszystko, czego nie jesteśmy w stanie zobaczyć w prawdziwym życiu, wszystko, co znajduje się poza jego granicami. Prace artystów tej części wystawy nawiązują do japońskiej popkultury, świata fantazji, naiwności, mitów i refleksji nad kosmogoniczną strukturą świata. Każdy uczestnik wystawy nadaje swoje znaczenie pojęciu „wyobraźni”. Tak więc artysta Tadanori Yokoo, w swojej relacji z wyimaginowanym światem, czyni znikanie, a raczej „znikanie siebie”, głównym tematem swoich prac. Podobny motyw można odnaleźć w twórczości Yayoi Kusamy: projektując swoje fantazje w rzeczywistość, tworzy świat pełen dziwacznych wzorów. Gigantyczna rzeźba „Dziecko Słońca” (2011) autorstwa Kenji Yanobe powstała w strasznym czasie, gdy doszło do wybuchu w elektrowni jądrowej Fukushima-1. Jego monumentalny obiekt staje się punktem przecięcia wyobrażeń. Artysta rozumie, że doświadczenie przeżyte na granicy realności stanie się impulsem do stworzenia nowego świata. W części Imaginary World/Fantasy znajdują się również prace Yoshitomo Nara, Takashi Murakamiego, Makoto Aidy, Hiraki Sawy i wielu innych.
Część prac powstała specjalnie na wystawę. Artysta Yoshinori Niva przyjechał do Moskwy w ramach projektu „Władimir Lenin jest poszukiwany w moskiewskich mieszkaniach” (2012) w celu odnalezienia w moskiewskich mieszkaniach artefaktów związanych z osobowością rewolucjonisty. Jego praca to dokumentacja wideo z jego poszukiwań i podróży po Moskwie. Artysta Tetsuya Umeda, którego prace będą prezentowane jednocześnie w dwóch miejscach, przyjedzie do Moskwy, by na miejscu zrealizować swoje instalacje.
Te dwie, na pierwszy rzut oka, nieporównywalne ze sobą części wystawy mają na celu pokazanie dwóch biegunów sztuki japońskiej, które w rzeczywistości okazują się nierozłączne.
W ramach wystawy planowane są również otwarte kursy mistrzowskie oraz kreatywne spotkania z uczestnikami projektu. Odbędą się wykłady japońskiego kuratora Kenjiro Hosaki i artysty Kenji Yanobe. Dla Rosji ta wystawa po raz pierwszy prezentuje na taką skalę współczesną sztukę japońską.

Yoshitomo Nara. "Cukierkowo-niebieska noc", 2001. 1166,5 x 100 cm. Akryl na płótnie
Zdjęcie: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Przestrzeń oddzielenia", 1975. Gałęzie i bloki betonowe. 184 x 240 x 460 cm
Zdjęcie: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. „Dziecko słońca”, 2011. Włókno szklane, stal, neon itp. 620 x 444 x 263 cm. Instalacja w parku pamięci Ezpo"70
Zdjęcie: Thomas Swab