Sztuką malarstwa współczesnego są dzieła powstałe obecnie lub w niedalekiej przeszłości. Minie pewna liczba lat i te obrazy staną się częścią historii. Dzieła malarstwa powstałe od lat 60. ubiegłego wieku do współczesności odzwierciedlają kilka nurtów w sztuce współczesnej, które można zaliczyć do postmodernizmu. W okresie secesji twórczość malarzy była szerzej reprezentowana, a w latach 70. XX wieku nastąpiła zmiana społecznej orientacji sztuki malarskiej.

Sztuka współczesna

Artyści malarstwa współczesnego reprezentują przede wszystkim nowe nurty w sztuce pięknej. W terminologii kulturowej istnieje pojęcie „sztuki współczesnej”, które w pewnym sensie koreluje z pojęciem „malarstwa współczesnego”. Przez sztukę współczesną artyści najczęściej mają na myśli innowację, gdy malarz zwraca się ku nowatorskim tematom, niezależnie od ich zainteresowania. Obraz można namalować i przedstawić dowolne przedsiębiorstwo przemysłowe. Albo na płótnie jest pejzaż z polem pszenicy, łąką, lasem, ale jednocześnie z pewnością w oddali zostanie narysowany kombajn. Styl malarstwa współczesnego zakłada społeczną orientację obrazu. Jednocześnie znacznie wyżej cenione są pejzaże współczesnych artystów pozbawione podtekstu społecznego.

Wybór kierunku

Od końca lat 90. artyści malarstwa współczesnego porzucili tematykę industrialną i przenieśli swoją twórczość do głównego nurtu czystej sztuki pięknej. Pojawili się mistrzowie doskonałego malarstwa portretowego, pejzażowego i martwej natury w stylu malarstwa flamandzkiego. I stopniowo w malarstwie współczesnym zaczęła pojawiać się prawdziwa sztuka, w niczym nie ustępująca obrazom wybitnych artystów XVIII i XIX wieku, a pod pewnymi względami nawet im przewyższająca. Dzisiejszym mistrzom pędzla pomaga rozwinięta baza techniczna i mnóstwo nowych narzędzi, które pozwalają im w pełni odzwierciedlić swoje plany na płótnie. W ten sposób artyści współczesnego malarstwa mogą tworzyć na miarę swoich możliwości. Oczywiście w procesie malowania ważna jest jakość farb czy pędzli, ale najważniejszy jest talent.

Abstrakcyjny ekspresjonizm

Współcześni artyści stosują metody malarskie, które pozwalają na stosowanie niegeometrycznych pociągnięć nakładanych w dużych ilościach na dużym płótnie. Używa się dużych pędzli, czasem pędzli malarskich. Takie malarstwo trudno nazwać sztuką w klasycznym tego słowa znaczeniu, ale abstrakcja jest kontynuacją surrealizmu, który pojawił się już w 1920 roku dzięki pomysłom Andre Bretona i od razu znalazł wielu naśladowców, takich jak Salvator Dali, Hans Hofmann , Adolfa Gottlieba. Jednocześnie artyści malarstwa współczesnego rozumieją ekspresjonizm na swój własny sposób. Dziś ten gatunek różni się od swojego poprzednika wielkością płócien, które mogą osiągnąć trzy metry długości.

Pop Art

Przeciwwagą dla abstrakcjonizmu była nowa awangarda konceptualna, promująca wartości estetyczne. Współcześni artyści zaczęli umieszczać na swoich obrazach wizerunki znanych postaci, takich jak Mao Zedong czy Marilyn Monroe. Sztukę tę nazywa się „pop-artem” – popularnym, powszechnie uznanym kierunkiem w malarstwie. Kultura masowa zastąpiła sztukę abstrakcyjną i dała początek szczególnemu typowi estetyki, która w barwny, efektowny sposób przedstawiała społeczeństwu to, co było na ustach wszystkich, najnowsze wydarzenia czy wizerunki znanych osób w różnych sytuacjach życiowych.

Założycielami i naśladowcami pop-artu byli Andy Warhol, Tom Wesselmann, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Fotorealizm

Sztuka współczesna jest wieloaspektowa, często wyłania się w niej nowy kierunek, łączący dwa lub więcej rodzajów twórczości wizualnej. Taką formą autoekspresji artysty stał się fotorealizm. Ten styl malarstwa pojawił się w USA w 1968 roku. Wymyślił go awangardowy artysta Louis Meisel, a gatunek ten został wprowadzony dwa lata później w Whitney Museum podczas wystawy „Dwudziestu dwóch realistów”.

Malarstwo w stylu fotorealizmu kojarzy się z fotografią, ruch obiektu zostaje zatrzymany w czasie. Artysta fotorealista kolekcjonuje swój obraz, który zostanie uchwycony na zdjęciu, za pomocą fotografii. Z negatywu lub slajdu obraz przenoszony jest na płótno poprzez projekcję lub za pomocą siatki skali. Następnie tworzony jest pełnoprawny obraz przy użyciu technologii malarskich.

Rozkwit fotorealizmu przypadł na połowę lat 70., potem nastąpił spadek popularności, a na początku lat 90. gatunek ten odrodził się ponownie. Uznani artyści pracowali głównie w USA, było wśród nich wielu rzeźbiarzy, którzy również tworzyli swoje dzieła za pomocą projekcji obrazu. Najbardziej znani mistrzowie malarstwa opartego na fotorealizmie to Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Artyści fotorealiści młodszego pokolenia - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Współcześni artyści Rosji

• Serge Fedulov (ur. 1958), pochodzący z Niewinnomysska na terytorium Stawropola. Uczestnik kilku wystaw w Ameryce Łacińskiej i Europie. Jego obrazy wyróżniają się realizmem i kontrastowymi zestawieniami kolorystycznymi.
• Michaił Gołubiew (ur. 1981) jest absolwentem klasy plastycznej Omskiej Szkoły Malarstwa. Obecnie mieszka w Petersburgu. Wyróżnia go niezwykły styl twórczości, wszystkie jego prace są malarskimi refleksjami o głębokim wydźwięku filozoficznym.
• Dmitrij Annenkov (ur. 1965) w Moskwie. Absolwentka Instytutu Sztuki Stroganowa. Popularny za granicą, ale preferuje wystawy rosyjskie. Twórczość Annenkowa jest realistyczna, artysta jest uznanym mistrzem martwej natury.

Rosyjscy impresjoniści

• Alexey Chernigin, rosyjski artysta impresjonistyczny (ur. 1975), jest synem słynnego artysty Aleksandra Czernigina. Studiował malarstwo i projektowanie graficzne w Szkole Artystycznej w Niżnym Nowogrodzie. Ukończył Instytut Architektury w Niżnym Nowogrodzie, uzyskując dyplom z wzornictwa przemysłowego. Od 1998 członek Związku Artystów Rosji. Od 2001 roku jest wykładowcą NGASU na Wydziale Architektury Wnętrz.
• Konstantin Lupanov, artysta krasnodarski (ur. 1977). Absolwentka Akademii Przemysłowej Państwowego Uniwersytetu Kultury i Sztuki na kierunku Malarstwo Monumentalne. Uczestnik wielu wystaw sztuki w Petersburgu. Wyróżnia go rzadki styl malarstwa olejnego z wirującymi pociągnięciami. Obrazy Łupanowa są całkowicie pozbawione kontrastujących zestawień kolorystycznych, obrazy zdają się przenikać jeden w drugi. Sam artysta nazywa swoje prace „wesołym, nieodpowiedzialnym kiczem”, jednak jest w tym stwierdzeniu pewna kokieteria: obrazy są właściwie malowane dość profesjonalnie.

Rosyjscy artyści malujący w stylu aktu

• Siergiej Marshennikow (ur. 1971), jeden z najsłynniejszych rosyjskich artystów naszych czasów. Absolwentka Ufa College of Arts. Jego obrazy są przykładem rażącego realizmu. Prace sprawiają wrażenie artystycznej fotografii, kompozycja jest niezwykle precyzyjna, a każde pociągnięcie jest weryfikowane. Żona artysty, Natalia, najczęściej pełni rolę modelki, co pomaga mu stworzyć zmysłowy obraz.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (ur. 1964), wnuczka słynnego śpiewaka operowego Ławrentija Dmitriewicza Donskoja. Najwybitniejszy przedstawiciel współczesnego malarstwa rosyjskiego. Rysuje w stylu fabuły nago. W palecie twórczej artysty znajdują się piękności z orientalnego haremu i nagie wiejskie dziewczyny na brzegu rzeki w noc Iwana Kupały, rosyjska łaźnia z gorącymi kobietami wychodzącymi na śnieg i pływającymi w lodowej dziurze. Artysta dużo i utalentowanie rysuje.

Współcześni rosyjscy artyści i ich twórczość cieszą się coraz większym zainteresowaniem koneserów sztuk pięknych na całym świecie.

Malarstwo współczesne jako sztuka światowa

Obecnie twórczość wizualna przybrała formy odmienne od tych, na które było zapotrzebowanie w XVIII i XIX wieku. Współcześni artyści świata zwrócili się w stronę awangardy w węższym ujęciu, płótna nabrały wyrafinowania i nabrały większego znaczenia. Dzisiejsze społeczeństwo potrzebuje sztuki zaktualizowanej; potrzeba ta rozciąga się na wszystkie rodzaje twórczości, w tym malarstwo. Obrazy współczesnych artystów, jeśli są wykonane na odpowiednio wysokim poziomie, zostają wyprzedane i stają się przedmiotem targów lub wymiany. Niektóre obrazy znajdują się na liście szczególnie cennych dzieł sztuki. Obrazy z przeszłości, namalowane przez wielkich malarzy, są wciąż poszukiwane, ale coraz większą popularnością cieszą się współcześni artyści. Olej, tempera, akwarela i inne farby pomagają im w kreatywności i pomyślnej realizacji planów. Malarze z reguły trzymają się jednego stylu. Może to być krajobraz, portret, sceny batalistyczne lub inny gatunek. W związku z tym artysta wybiera do swojej pracy określony rodzaj farby.

Współcześni artyści świata

Najsłynniejsi współcześni artyści różnią się stylem malarstwa, ich pędzel jest rozpoznawalny, czasem nie trzeba nawet patrzeć na podpis w dolnej części płótna. Znani mistrzowie malarstwa współczesnego to Philip Pearlstein, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Błochin, Wasilij Shulzhenko.

Malarstwo współczesne zyskało dziś niesamowitą popularność, dzięki czemu zasłynęło nie tylko ze skłonności do poszerzania granic i poszukiwania nowych środków wyrazu, ale także z rekordowych wyników sprzedaży na rynku sztuki współczesnej w ciągu ostatnich kilku lat. Co więcej, sukcesami cieszą się artyści z niemal całego świata, od Ameryki po Azję. Następnie dowiecie się, czyje nazwiska reprezentują najlepsze współczesne malarstwo świata, kim jest, najdroższym współczesnym artystą i komu niewiele brakowało do tego tytułu.

Najdrożsi współcześni artyści

Wśród niezliczonej liczby nazw, jakie nosi współczesne malarstwo, wyjątkowym sukcesem cieszą się obrazy tylko niektórych artystów. Wśród nich najdroższe obrazy posiadał słynny neoekspresjonista i artysta graffiti Jean-Michel Basquiat, który jednak zmarł w wieku 27 lat. Na naszej liście zobaczysz tylko pierwszych siedmiu żyjących do dziś bogatych artystów.

Brice'a Mardena

Twórczość tego amerykańskiego autora jest dość trudna do sklasyfikowania i prowadzi do jednego nurtu artystycznego, choć często zalicza się go do przedstawicieli minimalizmu lub abstrakcjonizmu. Jednak w przeciwieństwie do artystów reprezentujących te style, których obrazy wydają się nigdy nie dotykane, współczesne malarstwo Mardena zachowało pociągnięcia szpachelką i inne ślady jego twórczości. Za jednego z tych, którzy wywarli wpływ na jego twórczość, uważa się innego współczesnego artystę, Jaspera Johnsa, którego nazwisko poznacie później.

Zeng Fanzhi

Ten współczesny artysta jest jedną z głównych postaci współczesnej chińskiej sceny artystycznej. To właśnie jego dzieło zatytułowane „Ostatnia wieczerza”, oparte na słynnym dziele Leonarda da Vinci, zostało sprzedane za 23,3 miliona dolarów i stało się najdroższym obrazem, jakim może pochwalić się współczesne malarstwo azjatyckie. Znane są także prace artysty „Autoportret”, tryptyk „Szpital” i obrazy z cyklu „Maski”.

W latach 90. jego styl malarski często ulegał zmianom i ostatecznie odszedł od ekspresjonizmu na rzecz symboliki.

Petera Doiga

Peter Doig to światowej sławy szkocki artysta współczesny, którego twórczość przesiąknięta jest motywem realizmu magicznego. Wiele jego prac dezorientuje widza, nawet jeśli przedstawiają rozpoznawalne obrazy, takie jak postacie, drzewa i budynki.

W 2015 roku jego obraz „Zalany” pobił rekord i stał się najdroższym obrazem współczesnych artystów ze Szkocji, sprzedając się na aukcji za 25,9 mln. Popularne są także obrazy Doiga „Dom architekta w dolinie”, „Biały kajak”, „Odbicie”, „Przydrożna restauracja” i inne.

Krzysztof Wełna

Współczesny artysta Christopher Wool w swojej twórczości eksploruje różne idee postkonceptualne. Najsłynniejsze współczesne obrazy artysty to druki blokowe ukazane w kolorze czarnym na białym płótnie.

Takie obrazy współczesnych artystów budzą wiele kontrowersji i niezadowolenia wśród zwolenników malarstwa tradycyjnego, ale tak czy inaczej jedno z dzieł Woola „Apokalipsa” przyniosło mu 26 milionów dolarów. Wełna nie zastanawia się długo nad tytułami obrazów, ale nadaje im nazwy zgodnie z napisami: „Błękitny głupek”, „Kłopoty” itp.

Jaspera Johnsa

Współczesny artysta Jasper Johns znany jest ze swojej buntowniczej postawy wobec ekspresjonizmu abstrakcyjnego, który zdominował dziedzinę malarstwa na początku twórczości artysty. Ponadto tworzy drogie płótna z flagami, tablicami rejestracyjnymi, numerami i innymi znanymi symbolami, które mają już jasne znaczenie i nie wymagają rozszyfrowania.

Swoją drogą do najdroższych obrazów współczesnych artystów należy amerykańskie dzieło „Flaga”, sprzedane na aukcji w 2010 roku za 28 milionów dolarów. Można także obejrzeć prace „Trzy flagi”, „Fałsz start”, „Od 0 do 9”, „Cel o czterech twarzach” i wiele innych.

Gerharda Richtera

Ten nowoczesny artysta z Niemiec, podobnie jak wielu malarzy na początku swojej kariery, studiował realistyczne malarstwo akademickie, później jednak zainteresował się sztuką bardziej postępową.

W twórczości autora widać wpływy wielu ruchów artystycznych XX wieku, takich jak ekspresjonizm abstrakcyjny, pop-art, minimalizm i konceptualizm, ale jednocześnie Richter zachował sceptyczny stosunek do wszelkich utrwalonych przekonań artystycznych i filozoficznych, będąc pewnym siebie że malarstwo współczesne to dynamika i poszukiwanie. Wśród dzieł artysty znajdują się „Kraina łąk”, „Czytanie”, „1024 kolorów”, „Ściana” itp.

Jeffa Koonsa

I wreszcie oto on – najdroższy współczesny artysta świata. Amerykanin Jeff Koons pracuje w stylu neo-pop i jest znany ze swojej chwytliwej, kiczowatej i wyzywającej kreatywności.

Znany jest głównie jako autor ogromnej liczby współczesnych rzeźb, z których część była wystawiana w samym Wersalu. Ale wśród dzieł artysty znajdują się także obrazy, za które wyjątkowi koneserzy są gotowi zapłacić miliony dolarów: „Dzwon wolności”, „Auto”, „Dziewczyna z delfinem i małpą”, „Siodło” i inne.

Weź to dla siebie i powiedz swoim znajomym!

Przeczytaj także na naszej stronie:

Pokaż więcej

„Krajobraz Droga Birch Grove” 120x100
Nóż paletowy, olej, płótno
Konstantin Loris-Melikov

Sztuka XXI wieku
— wszystkożerny,
cyniczny, ironiczno-sarkastyczny, demokratyczny – nazywany schyłkiem wielkiej epoki.

Postmoderniści znajdują się w sytuacji, w której wszystko zostało przed nimi powiedziane. A wystarczy, że wykorzystają to, co stworzyli, mieszają style, tworzą sztukę, choć nie nową, ale rozpoznawalną...

najjaśniejsze kierunki:

1. neorealizm;


2. Minimalna sztuka;


3. postmodernistyczny;


4. Hiperrealizm;


5. Instalacja;


6. Środowisko;


7. Sztuka wideo;


8. graffiti;


9. Transawangarda;


10. Sztuka ciała;


11. Stuckizm;


12. Neoplastycyzm;


13. Sztuka uliczna;


14. Sztuka pocztowa;


15. Brak sztuki.

1. NEOREALIZM.
To sztuka powojennych Włoch, które walczyły z powojennym pesymizmem.

Nowy front sztuki zjednoczył się
abstrakcjonistów i realistów i trwała tylko 4 lata. Ale od
Wyszli z niego znani artyści: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
Treccani. Żywo i wyraziście przedstawiali robotników i chłopów.

Podobne tendencje pojawiły się w innych
krajów, ale za najbardziej uderzającą szkołę uważa się szkołę neorealizmu, która
pojawił się w Ameryce dzięki staraniom monumentalisty Diego Rivery.

Obejrzyj: Renato Guttuso

Freski Diego Rivery - Pałac Prezydencki (Meksyk, Meksyk).

Fragment fresku Diego Rivery dla hotelu Prado w Meksyku, „Sen niedzieli w parku Alameda”, 1948

2. MINIMALNA SZTUKA.
To jest kierunek awangardy.
Używa prostych formularzy i wyklucza jakiekolwiek skojarzenia.

Karla Andre, 1964

Trend ten pojawił się w USA pod koniec
lata 60. Minimaliści nazywali Marcela Duchampa swoimi bezpośrednimi poprzednikami.
(gotowe), Pieta Mondriana (neoplastycyzm) i Kazimierza Malewicza
(Suprematyzm), nazwali jego czarny kwadrat pierwszym dziełem
sztuka minimalna.

Niezwykle prosty i geometryczny
odpowiednie kompozycje - pudełka plastikowe, pręty metalowe,
szyszki - wykonane w przedsiębiorstwach przemysłowych według szkiców artystów.

Patrzeć:

Prace Donalda Judda, Carla
Andre, Sol Levita – Muzeum Guggenheima (Nowy Jork, USA), Muzeum
sztuka współczesna (Nowy Jork, USA), Metropolitan Museum of Art (Nowy Jork,
USA).

3. PONOWOCZESNOŚĆ. To obszerna lista nierealistycznych trendów końca XX wieku.

Vanchegi Mutu. Kolaż „Narządy płciowe dorosłej kobiety”, 2005

Cykliczność jest charakterystyczna dla sztuki, ale
Ponowoczesność była pierwszym przykładem „negacji negacji”. Najpierw
modernizm odrzucił klasykę, a następnie postmodernizm odrzucił modernizm, as
wcześniej odrzucił klasykę. Postmoderniści powrócili do tych form i
style, które istniały przed modernizmem, ale na wyższym poziomie.

Postmodernizm jest wytworem epoki
najnowsze technologie. Dlatego jego charakterystyczną cechą jest mieszanie
style, obrazy, różne epoki i subkultury. Najważniejsze dla postmodernistów
stało się cytatem, zręcznym żonglowaniem cytatami.

Zobacz: Galeria Tate (Londyn,
Wielka Brytania), Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Centrum Pompidou
(Paryż, Francja), Muzeum Guggenheima (Nowy Jork, USA).

HIPERREALIZM. Sztuka naśladująca fotografię.

Chuck Zamknij. „Roberta”, 1974

Sztuka ta nazywana jest także superrealizmem,
Fotorealizm, radykalny realizm czy zimny realizm. To się pojawiło
kierunek w Ameryce w latach 60-tych i 10 lat później stał się powszechny w
Europa.

Hiperrealizm, fotorealizm, Don Eddie,

Artyści tego ruchu są dokładnie
skopiuj świat taki, jaki widzimy na zdjęciu. W twórczości artystów
można odczytać pewną ironię w stosunku do produktu stworzonego przez człowieka. Artyści głównie przedstawiają
historie z życia współczesnej metropolii.

Richard Estes- zamiłowanie do przedstawiania odbić metropolii w witrynach sklepowych, na masce samochodu czy na ladzie kawiarni

Patrzeć:

prace Chucka Close'a, Dona Eddiego, Richarda Estesa - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (Nowy Jork, USA), Brooklyn Museum (USA).

5. INSTALACJA.
To kompozycja w galerii, którą można stworzyć ze wszystkiego, najważniejsze, że jest podtekst i pomysł.

Fontanna (Duchamp)

Najprawdopodobniej tak by się nie stało
wskazówki, gdyby nie kultowy pisuar Duchampa. Nazwy głównych na świecie
instalatorzy: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis i Kabakov.

„Jim Dine. Ze zbiorów Centrum Pompidou”

W instalacji najważniejszy jest podtekst i przestrzeń, w której artyści zderzają się z banalnymi przedmiotami.

Patrzeć:
Tate Modern (Londyn, Wielka Brytania), Muzeum Guggenheima (Nowy Jork, USA).

6. ŚRODOWISKO.

To sztuka tworzenia trójwymiarowej kompozycji imitującej rzeczywiste środowisko.

Jako ruch w sztuce Środowiska
pojawił się już w latach 20. XX wieku. Kilka wyprzedza swoje czasy
dziesięcioleci, artysta Dadaista, kiedy zaprezentował publiczności swoje
praca „Merz-budynek” to trójwymiarowa konstrukcja zbudowana z różnych obiektów i
materiały, nie nadające się do niczego innego niż kontemplacja.

Edwarda Kienholza

Historia jako plantator

Pół wieku później gatunek ten stał się
Edward Kienholz i George Siegel pracowali i odnieśli sukces. W swoją pracę
z konieczności wprowadzili szokujący element urojeniowej fantazji.

Patrzeć:
dzieła Edwarda Kienholza i George’a Siegela
— Muzeum Sztuki Współczesnej (Sztokholm, Szwecja).

7. SZTUKA WIDEO.

Trend ten pojawił się w ostatniej trzeciej połowie XX wieku dzięki pojawieniu się przenośnych kamer wideo.

To kolejna próba powrotu sztuki
rzeczywistości, ale teraz za pomocą technologii wideo i komputerowej.
Amerykanin Nam June Paik nakręcił film przedstawiający papieża przechodzącego ulicami
Nowym Jorku i został pierwszym artystą wideo.

Wpływ miały eksperymenty Nam June Paika
telewizja, teledyski (był założycielem kanału MTV),
efekty komputerowe w kinie. Dzieła June Pike, Billa Violi to zrobiły
kierunek sztuki jest polem działania eksperymentu. Włożyli
początek „rzeźb wideo”, „instalacji wideo” i „oper wideo”.

Patrzeć:
sztuka wideo, od psychodelicznej po społeczną
(popularny w Chinach, Chen-che-yen na Youtube.com)

8.GRAFITI.

Napisy i rysunki na ścianach domów niosą ze sobą śmiałe przesłanie.

Po raz pierwszy pojawił się w latach 70. na północy
Ameryka. W ich wygląd zaangażowali się właściciele galerii z jednej z dzielnic
Manhattan. Stali się mecenasami twórczości tych, którzy mieszkali obok nich.
Portorykańczycy i Jamajczycy. Graffiti łączy w sobie elementy urbanistyczne
subkultura i etniczność.

geniusz pop-artu Keith Haring

Nazwiska z historii graffiti: Keith Haring,
Jean-Michel Basquiat, John Mathom, Kenny Scharf. Notoryczna osobowość
- Brytyjski artysta graffiti Banksy. Wszędzie są pocztówki z jego pracami
Brytyjskie sklepy z pamiątkami

Patrzeć:
Graffiti Museum (Nowy Jork, USA), prace Banksy'ego - w serwisiebanksy.co.uk.

9. TRANSAWANTGARDA.
Jeden z nurtów malarstwa postmodernistycznego. Łączy w sobie przeszłość, nowe malarstwo i ekspresję.

Dzieło artysty transawangardowego Alexandra Roitburda

Autorem terminu transawangarda jest
współczesny krytyk Bonito Oliva. Tym terminem zdefiniował kreatywność
5 jego rodaków - Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco
Clemente, Mimmo Paladino, Nicolo de Maria. Ich twórczość charakteryzuje się:
połączenie stylów klasycznych, brak przywiązania do stylu narodowego
szkole, stawiamy na przyjemność estetyczną i dynamikę.

Francesco Clemente w Schirn (Frankfurt)

Obejrzyj: Muzeum Kolekcji Peggy
Guggenheim (Wenecja, Włochy), Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Palazzo
(Wenecja, Włochy), Galeria Sztuki Współczesnej (Mediolan, Włochy)

10. SZTUKA CIAŁA.

Jeden z kierunków akcjonizmu. Ciało pełni rolę płótna.

Body art to jeden z przejawów kultury punkowej lat 70.
Bezpośrednio związany z ówczesną modą na tatuaże i nudyzm.

Żywe obrazy powstają tuż przed
widzów, nagrywane na wideo, a następnie transmitowane w galerii. Bruce'a
Nauman przedstawiający pisuar Duchampa w galerii. Duet Gilbert i
Jerzego są żywymi rzeźbami. Przedstawiali typ przeciętnego Anglika.

Zobacz: np. na stronie artysty Orlana orlan.eu.

11. STACKIZM.

Brytyjskie stowarzyszenie artystyczne zajmujące się malarstwem figuratywnym. Sprzeciwił się konceptualistom.

Pierwsza wystawa odbyła się w Londynie w 2007 r.,
jak protest przeciwko galerii Tate. Według jednej wersji protestowali w
w związku z nabywaniem przez galerię dzieł artystów z obejściem prawa. Hałas
zwrócił uwagę prasy na Stuckistów. Teraz na świecie są
ponad 120 artystów. Ich motto: artysta, który nie rysuje, nie jest artystą.

Billy'ego Dziecinnego. Skraj lasu”

Termin Stuckizm został zaproponowany przez Thomsona.
Artystka Tracey Emin wykrzyknęła o swoim chłopaku Billym
Childisha: twój obraz utknął, utknął, utknął! (eng. Utknąłem!
Zablokowany! Stos!)

Patrzeć:
na stronie internetowej Stuckist stickism.com.
Prace Charliego Thomsona i Billy'ego Childisha w Tate Gallery (Londyn, Wielka Brytania).

12. NEOPLASTIZM.
Sztuka abstrakcyjna. Przecięcie linii prostopadłych 3 kolorów.

Ideologiem kierunku jest Holender Piet

Mondriana. Uważał świat za iluzję, dlatego zadaniem artysty jest oczyszczenie
malarstwo z form zmysłowych (figuratywnych) w imię estetyki
(abstrakcyjne) formy.

Artysta zaproponował taki krok
tak zwięźle, jak to możliwe, używając 3 kolorów - niebieskiego, czerwonego i
żółty. Wypełniały przestrzenie pomiędzy prostopadłymi liniami.

Pieta Mondriana. Czerwony, żółty, niebieski i czarny

Neoplastycyzm do dziś inspiruje projektantów, architektów i grafików przemysłowych.

Patrzeć:
prace Pieta Mondriana i Theo Vannoy Doesburga w Muzeum Miejskim w Hadze.

13. SZTUKA ULICZNA.

Sztuka, dla której miasto jest wystawą lub płótnem

Cel artysty ulicznego: natychmiastowe wciągnięcie przechodnia w dialog za pomocą jego instalacji, rzeźby, plakatu lub szablonu.

Przedstawiamy wybór obrazów wciąż mało znanych, ale niezwykle utalentowanych artystów. Wszyscy chłopaki pochodzą z Rosji i naszych współczesnych. Oglądaj, czytaj i ciesz się.

Kochani, cały czas piszę tutaj o osobistościach dość znanych i spełnionych. Oczywiście znacznie ciekawiej byłoby dla mnie pisać o artystach, o których nikt jeszcze nie wie, ale co możesz zrobić - w społeczeństwie VKontakte możesz pisać o wszystkim, ale na blogu możesz pisać tylko o tym, kim są ludzie szukam w Yandex i Google, w przeciwnym razie nikt tam nie pójdzie oprócz ciebie. Ale dla odmiany i przyjemności zdecydowałem się jednak dokonać selekcji „Mało znanych współczesnych artystów Rosji i ich obrazy”.

• Co jeszcze jest ciekawego? (linki do innych artykułów).
• Obrazy Marchuka – jednego z najsłynniejszych współczesnych artystów ukraińskich
• Legendarny dziekan Wydziału Grafiki słynnej „Repinki”.

Niektórzy z tych chłopaków są wciąż na samym początku swojej podróży, inni mają już stosunkowo ugruntowaną pozycję i z powodzeniem sprzedają swoje prace na VKontakte lub na targowiskach, takich jak targi rzemiosła, i są znani nawet w wąskich kręgach, ale wszyscy mają jedną wspólną cechę - nadal nie są znane opinii publicznej. Ale nieznane nie oznacza braku talentu, więc myślę, że będziesz zainteresowany obejrzeniem. Postanowiłem uwzględnić tutaj nie tylko samych rysowników, ale także kilku rzeźbiarzy.

Mało znani współcześni artyści Rosji i ich obrazy. Ilustratorzy i malarze.

Mało znani artyści. Kolorowy surrealistyczny modernizm w malarstwie Marii Susarenko.

O tej artystce dowiedziałam się niedawno i niemal od razu zakochałam się w jej obrazach. Częściowo dlatego, że jest mi ona bardzo bliska duchowo jako artyście, częściowo zaś z powodu mojego zachwytu nad techniką i bujną wyobraźnią. Maria Susarenko to słodka dziewczyna z Petersburga i absolwentka słynnej Państwowej Akademii Sztuki i Przemysłu w Petersburgu im. GLIN. Stieglitza. Obrazy Marii Susarenko to burzliwa mieszanka modernizmu i surrealizmu. Wyglądają bardzo jasno i dekoracyjnie.

Obrazy mało znanych artystów. Prace Marii Susarenko

Niesamowity szczegół!

Mało znani artyści. Subbotina Dasza.

Odwiecznym motywem Yuralgi są koty.
Zabawny dziwak. Właśnie taką broszkę bym nosiła.

MOAR – https://vk.com/shamancats

Mało znani współcześni artyści Rosji. Rzeźbiarze.

Mimo, że nie ma tu obrazów, a dekoracje, są one tak urocze i kochane, że nie mogłam się powstrzymać. W końcu rzeźbiarz jest także artystą. Tak, artystą może być malarz, grafik, ilustrator lub rzeźbiarz (twój kapitan oczywiście). Oto dwie dziewczyny, których biżuteria nie zawstydziłaby Rene Lalique.

Mało znani artyści. Grimoire Czarnego Kurczaka.

Warsztat „Grimoire La poule noire”, co w tłumaczeniu oznacza „Grimoire Czarnej Kury” (twoja oczywistość kapitana), prowadzi Lera Prokopets. Lera jest miniaturzystką rzeźbiarką i po prostu przepiękną kobietą. Pracuje głównie z gliną polimerową i kamieniami. Lera tworzy zachwycającą biżuterię w stylu, który nazwałabym gotyckim „art nouveau”. Taka lekko czarodziejska, mroczna, ale pełna wdzięku piękność. Cóż, oczywiście, jest to „grimuar czarnego kurczaka”.

Mało znani artyści. Oryginalna biżuteria secesyjna. Zdjęcie z warsztatów „Grimoire Czarnej Kury”.

Hekate, grecka bogini nocy.
Morfina. Cienki:) Demony lub wampiry z wywieszonymi językami to jeden z ulubionych motywów Lery.

„Gracze w karty”

Autor

Paula Cezanne’a

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale malować zaczął w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po osobistej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise’a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na obrzeża rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wycieczki do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne’a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie obiektu lub fabuły na płótno, dlatego jego obrazy nie wywołują u widza dezorientacji. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowych tekstur nadawał kształtom obiektów niesamowitą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890–1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób z zapałem gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji greckiego armatora-miliardera Georg Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, zdecydował się wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowego” dzieła Cezanne’a byli handlarz dziełami sztuki William Acquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, którzy zaoferowali za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz za 250 milionów trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Katar.W lutym 2012 roku sfinalizowano największą w historii malarstwa transakcję na dzieła sztuki. Dziennikarka Alexandra Pierce poinformowała o tym w Vanity Fair. Dowiedziała się o cenie obrazu i nazwisku nowego właściciela, po czym informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich zbiory się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję Graczy w karty.

Najbardziejdrogie malowaniena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten mały kraj ma największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani objął władzę w 1995 r., gdy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zdaniem ekspertów zasługą obecnego władcy jest jasna strategia rozwoju kraju i kreowanie pomyślnego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety mają prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al-Dżazira. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.

2

"Numer 5"

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler – taki przydomek nadano Pollockowi przez amerykańską publiczność ze względu na jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich rozlewał farbę na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej. Od najmłodszych lat interesował się filozofią Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Nieprzypadkowo autor nazwał swoją twórczość „malowaniem akcji”. Jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock zmieszał farbę z piaskiem i potłuczonym szkłem, a następnie pomalował kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem i szufelką. Artysta cieszył się tak dużą popularnością, że w latach 50. XX wieku naśladowcy znaleźli się nawet w ZSRR. Obraz „Numer 5” uznawany jest za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, a w 2006 roku sprzedał na aukcji Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak wkrótce kancelaria prawnicza wydała w imieniu swojego klienta komunikat prasowy, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście w ostatnim czasie kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przeoczył tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 roku wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając ich autora za wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość tworzenia nowej sztuki wyczuwalna jest w każdym dziele. De Kooninga wyróżnia impulsywność malarstwa i szeroka kreska, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiały się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach twarzy. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu, która trafiła na aukcję.

Od lat 70. obraz przechowywany był w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, jednak po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych próbowano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stevenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął wyprzedawać swoją kolekcję obrazów. Wywołało to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się kupić gazetę Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych pojawiła się opinia o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu „Dama z gronostajem” Leonarda da Vinci. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym także źle narysowana korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeliBloch-Bauer I”

Autor

Gustava Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami, ale dopiero Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca przejął odpowiedzialność za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Każdy widz zatrzymuje się przed jego obrazami: szczery erotyzm jest wyraźnie widoczny pod cienkimi pociągnięciami złota.

138x136cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Losy obrazu, zwanego „austriacką Moną Lisą”, z łatwością mogłyby stać się podstawą bestsellera. Twórczość artystki wywołała konflikt pomiędzy całym państwem a jedną starszą panią.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnim życzeniem było przekazanie obrazu Austriackiej Galerii Państwowej. Bloch jednak w testamencie anulował darowiznę, a obraz został wywłaszczony przez hitlerowców. Później galeria z trudem kupiła Złotą Adele, ale potem pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Marii Altmann przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego film „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe kroki: przeprowadzono negocjacje w sprawie pożyczek, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili postępowania miała 79 lat, a do historii zapisała się jako osoba, która zmieniła testament Blocha-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz kupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edvard Munch

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Chora dziewczyna” (jest pięć kopii) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo depresyjnej tematyki jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weźmy na przykład „Krzyk”.

73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's

Pełny tytuł obrazu to Der Schrei der Natur (w tłumaczeniu z języka niemieckiego „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę – te same emocje, których doświadcza widz patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i ponownie gotowy do wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jego drukowanych kopii, a maska ​​​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Dla jednego tematu Munch napisał cztery wersje pracy: ta, która znajduje się w kolekcji prywatnej, wykonana jest pastelami. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 r. Kupującym został Leon Black, który za „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów artystów współczesnych i mistrzów klasycyzmu minionych wieków.

6

„Akt na tle popiersia i zielonych liści”

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie udał się do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku występuje podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu poglądowi, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Podczas swojej pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu i przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu bohater znalazł uznanie, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 roku zainteresował się młodą Marią Teresą Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Płótno zakupił nowojorski handlarz Paul Rosenberg, który w 1951 roku sprzedał je Sidneyowi F. Brody'emu. Brodyowie pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta kończył 80 lat. Po śmierci męża pani Brody w marcu 2010 roku wystawiła dzieło na aukcję w Christie’s. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie wystawiono ją po raz drugi, lecz nazwisko właściciela nadal nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy’ego Warhole’a

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których trzeba pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop-artu, reżyser, jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla firmy I.Miller. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola to nazwa nadana epoce pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w studiu Factory, gdzie gromadziła się cała bohema Nowego Jorku. Jego wybitni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol testował technikę sitodruku – wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Tę metodę zastosował także podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz ma wrażenie, że widzi materiał z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają obie strony, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.

Dziś na rynku światowym działa dwóch handlarzy dziełami sztuki promujących twórczość Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Ten pierwszy wydał w 2008 roku 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tyle że za wyższą cenę. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalot pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać „Osiem Elvisów” nieznanemu nabywcy za rekordową dla Warhola kwotę – 100 milionów dolarów.

8

"Pomarańczowy,Czerwony żółty"

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dvinsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie) w dużej rodzinie żydowskiego farmaceuty. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale i zdobył stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki byli idolami artysty, a muzea prześladowały go przez całe życie.

206x236cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothki miały charakter surrealistyczny, jednak z czasem uprościł fabułę do barwienia plam, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, w latach 60. XX wieku stały się brązowo-fioletowe, by po śmierci artysty zgęstnieć i przejść w czerń. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się w swoich obrazach jakiegokolwiek sensu. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor rozpuszczający się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, aby widz „wciągnął się” w kolor niczym w lejek. Bądź ostrożny: patrzenie według wszystkich zasad może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowej świadomości nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, relaksu i oczyszczenia. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silny wpływ emocjonalny (mówią, czasem uzdrawiający). Artystka deklarowała: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i takie przypadki rzeczywiście miały miejsce. Według teorii Rothki ludzie w tym momencie przeżywają to samo duchowe przeżycie, jakie on przeżył podczas pracy nad obrazem. Jeśli potrafiłeś to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie zdziwisz się, że te dzieła sztuki abstrakcyjnej często porównywane są przez krytyków do ikon.

Praca „Orange, Red, Yellow” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowa cena na aukcji Christie’s w Nowym Jorku wynosi 35–45 mln dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Imię szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostaje ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, zupełnego imiennika, a jednocześnie dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy jego ojciec się go wyparł, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego tropy pomieszały się w całej Europie. Za jego życia jego prace wystawiane były w czołowych ośrodkach kulturalnych świata, m.in. w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywnej angielskiej publiczności nie spieszyło się z kupowaniem takich dzieł sztuki. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Za okres początkowy swojej twórczości sam artysta uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył wielkie arcydzieła. Przed powstaniem „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez Furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a Furie są jego udręką. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w kolekcji prywatnej i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale czym jest kilka milionów dla konesera sztuki, i to hojnego? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, na co znaczący wpływ miała jego przyjaciółka Dasza Żukowa, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen osobiście jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, zakupionych za kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 roku stał się właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejne cenne dzieło Bacona – „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadjewicz.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich obrazach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Obiad na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i w plenerze. W Paryżu prowadził bohemy i nie opuścił go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także zapalonym ogrodnikiem i uwielbiał przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, obiekty zdają się być rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże kreski, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazach późnego Moneta temat wody i życia w niej zajmuje szczególne miejsce. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy zakwitły ich kwiaty, zaczął rysować. Cykl „Lilie wodne” składa się z 60 prac, które artysta malował na przestrzeni prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Z wiekiem wzrok mu się pogorszył, ale nie przestał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody wygląd stawu stale się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki uważnej pracy doszedł do zrozumienia istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda T

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 roku Jones rozpoczął naukę w szkole projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp Jones pracował z realnymi obiektami, przedstawiając je na płótnie i w rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał proste i zrozumiałe przedmioty: butelkę po piwie, flagę czy kartki. W filmie Falstart nie ma jasnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” etykietując kolory na obrazie, odwracając samo pojęcie koloru: „Chciałem znaleźć taki sposób przedstawienia koloru, aby można go było określić inną metodą”. Według krytyków jego najbardziej wybuchowy i „niepewny” obraz kupił nieznany nabywca.

12

„Siedzinagina kanapie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani od dzieciństwa często chorował, w czasie gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, a w 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka rozkwitła.

65x100cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby's

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a następnie żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnim rekordem przed sprzedażą „Aktu siedzącego na sofie” w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksymalną aktualnie cenę Modiglianiego. Aktywna sprzedaż dzieł rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie, chory na gruźlicę, a następnego dnia Jeanne Hebuterne, będąca w dziewiątym miesiącu ciąży, również popełniła samobójstwo.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua

Zainteresowanie kaligrafią doprowadziło Qi Baishi do malarstwa. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Chińskie Ministerstwo Kultury nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, a w 1956 roku otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

10x26cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Strażnik Chin

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i na tym polega jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do waszego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za jaką zakupiono dzieło, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Sam zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-nr 1”

Autor

Clyfforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedziłem Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i byłem rozczarowany. Później zapisał się na kurs w Studenckiej Lidze Artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć - okazało się, że „nie dla niego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta odnalazł siebie, a wraz z nim uznanie

79x93cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Still zapisał wszystkie swoje dzieła, ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum nazwane jego imieniem. Denver stało się takim miastem, jednak sama budowa była dla władz kosztowna, a aby ją ukończyć, wystawiono na aukcję cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią ponownie na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-Nr 1” został sprzedany za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż za maksymalnie 25–35 mln dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łac. „dominacja”).

71x88,5cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Obraz przechowywany był w Muzeum Miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, jednak po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, w którym powstał „Manifest suprematyzmu”, dlatego Sotheby’s jeszcze przed aukcją zapowiadał, że nie trafi ono do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli z Muzeum MoMA kolejną „Kompozycję suprematystyczną”, aby sprzedać ją na aukcji Phillipsa za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paul Gauguin

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, następnie wraz z rodziną wrócił do Francji, jednak wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować i zaprzyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, aż w czasie kłótni Van Gogh odciął mu ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby dochód wykorzystać na podróż w głąb wyspy Tahiti. Tworzył tam dzieła, w których wyczuwalny jest subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w chatce krytej strzechą, a na jego płótnach rozkwitał tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitianka Tehura, co nie przeszkodziło artyście wdawać się w rozwiązłe związki. Zachorując na kiłę wyjechał do Francji. Jednak dla Gauguina było tam tłoczno i ​​wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

"Żonkile i obrusy w odcieniach błękitu i różu"

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm

W 1889 roku Henri Matisse dostał ataku zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wracał do zdrowia po operacji, mama kupiła mu farby. Początkowo Matisse z nudów kopiował kolorowe pocztówki, potem kopiował dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, aż na początku XX wieku wymyślił styl – fowizm.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas był własnością Yvesa Saint Laurenta. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja dzieł sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre’a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie’s. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w odcieniach błękitu i różu”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład fowizmu, jest on wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze słynnego cyklu obrazów malowanych na obrusach, dzieło to, jako jedyne, znajduje się dziś w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyZawietrzny

htensteina

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Lichtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność posługiwania się ironią uczyniły go artystą kultowym ubiegłego wieku.

91x91cm
1964
cena
44,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Któregoś dnia w ręce Lichtensteina wpadła guma do żucia. Przeniósł obraz z wkładki na płótno i zasłynął. W tej historii z jego biografii zawarte jest całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie do żucia jest nie mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i karykatury: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Po przeprowadzce do Paryża w 1912 roku artysta zmienił swoje prawdziwe nazwisko, Cornelis, na Mondrian. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet nosi imię Mondriana.

27x127cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's

Najbardziej „muzyczni” artyści XX wieku utrzymywali się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta nowotworowy. W latach czterdziestych XX wieku przeniósł się do Stanów Zjednoczonych i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork zainspirowały go najbardziej! Obraz „Zwycięstwo. Boogie-Woogie” jest tego najlepszym przykładem. Charakterystyczne, schludne kwadraty uzyskano za pomocą taśmy samoprzylepnej, ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wypuścił słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużymi nadrukami w kratkę.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

BazyliaKandinsky'ego

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z rządem sowieckim, ale szybko zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie są dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W czasach nazizmu w Niemczech jego obrazy uznano za „sztukę zdegenerowaną” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, a w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsza powstała w 1910 r., ostatnia w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” zabrzmiało dla mnie jak modlitwa” – stwierdził artysta. W przeciwieństwie do wielu swoich naśladowców, planował to, co przedstawi na ogromnym płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernand Léger

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Léger zdobył wykształcenie architektoniczne, a następnie uczęszczał do Ecole des Beaux-Arts w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennika Cezanne’a, był apologetą kubizmu, a w XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

David Norman, prezes międzynarodowego działu impresjonizmu i modernizmu w Sotheby's, uważa ogromną kwotę zapłaconą za „Błękitną Damę” za w pełni uzasadnioną. Obraz należy do słynnej kolekcji Légera (artysta namalował trzy obrazy o tej samej tematyce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych – przyp. red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej formie. Sam autor przekazał to dzieło galerii Der Sturm, następnie trafiło ono do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwigaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią ikoniczną. Władze lokalne zarzucały mu jednak uprawianie „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121cm
1913
cena
38,096 mln dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspiracją dla niego był zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku szczególnie dotkliwie odczuwa się niepokój artysty: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki – pełne wdzięku i niebezpieczne. Było to ostatnie dzieło ze słynnej serii sprzedane na aukcji, pozostałe znajdują się w muzeach. W 1937 roku hitlerowcy surowo potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł wywieziono z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Urlopowicz"tancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od pracy kopisty w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” i w końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59cm
1879
cena
37,043 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być szpiegowane: dziewczyny nie pozują artyście, a po prostu stają się częścią atmosfery wychwytywanej przez wzrok Degasa. „Resting Dancer” został sprzedany w 1999 roku za 28 milionów dolarów, a niecałe 10 lat później został kupiony za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższa praca artysty, jaką kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je projektował i zabraniał ich zmiany. Zastanawiam się, jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Obraz"

Autor

Joanna Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiedział się po stronie republikanów. W 1937 roku uciekł przed faszystowskim reżimem do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro namalował obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Drugi tytuł obrazu to „Błękitna Gwiazda”. Artysta namalował go w tym samym roku, kiedy oznajmił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie naśmiewał się z płócien, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując prace śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, jednak poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit – surrealistyczną abstrakcję. Jego „Obraz” należy do cyklu „obrazów snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech nabywców, jednak jedna rozmowa telefoniczna incognito rozstrzygnęła spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yvesa Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złotnika, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie’s

Pierwsza wystawa monochromatycznych prac w kolorze żółtym, pomarańczowym i różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein poczuł się urażony i następnym razem pokazał 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „międzynarodowy błękit Kleina”. Artysta sprzedawał także pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na działanie deszczu, podpalając karton, wykonując odbitki ciała człowieka na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem jak mogłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyczków i naturalnej gąbki.

26

„W poszukiwaniu Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence'a Alma-Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał do swojego nazwiska przedrostek „alma”, aby móc pojawiać się na pierwszych miejscach w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy cieszyły się takim zainteresowaniem, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Głównym tematem twórczości Alma-Tadema była starożytność. W swoich obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu przeprowadził nawet wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrza tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego tematy mitologiczne. Artysta za życia był niezwykle poszukiwany, jednak po śmierci szybko o nim zapomniano. Obecnie zainteresowanie odżywa, o czym świadczy cena obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, która jest siedmiokrotnie wyższa od szacunkowej przedsprzedaży.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection Museum w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytuję płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i sprzedawały się z sukcesem, że eksperci zaczęli wątpić: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret nagiego śpiącego urzędnika” – jak podaje „The Sun” – kupił koneser piękna i miliarder Roman Abramowicz.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden Gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł do kręgu najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Légera, a także współpracował z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100cm
1913
cena
28,642 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Gris, jak sam stwierdził, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co upodabnia twórczość do geometrii. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze dzieło w stylu kubistycznym „Tribute to Picasso”. Obraz „Skrzypce i gitara” uznawany jest za wybitny w twórczości artysty. Już za życia Gris był sławny i lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace znajdują się w największych muzeach świata i znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda”

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja” – powiedział Dali, gdy został wydalony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najsłynniejszym artystą surrealistycznym. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. To on na przykład był pomysłodawcą opakowania Chupa Chups.

25x33cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali z wizytą do wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Podczas tej historycznej wizyty namalowano obraz „Portret Paula Eluarda”. „Poczułem, że powierzono mi obowiązek uwiecznienia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marka Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych swojej epoki. W latach 30. XX w., podczas przejęcia władzy przez nazistów, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji powrócił dopiero w 1948 r.

80x103cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 r
na aukcji Sotheby’s

Obraz „Rocznica” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Zawiera wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, w scenerii mieszczańskiego życia zostaje zachowany klimat baśni, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie czerpał ludzi z życia, a jedynie z pamięci lub wyobraźni. Obraz „Rocznica” przedstawia samego artystę i jego żonę Belę. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, w nowojorskim Museum of Modern Art MoMA znajduje się dokładnie taki sam egzemplarz, tyle że pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.

przygotował projekt
Tatiana Palasowa
ocena została opracowana
według listy www.art-spb.ru
magazyn tmn nr 13 (maj-czerwiec 2013)