Utalentowani artyści tworzący niezwykłe obrazy. Warto przyjrzeć się współczesnym artystom rosyjskim. Obrazy znanych współczesnych artystów

Sztuką malarstwa współczesnego są dzieła powstałe obecnie lub w niedalekiej przeszłości. Minie pewna liczba lat i te obrazy staną się częścią historii. Dzieła malarstwa powstałe od lat 60. ubiegłego wieku do współczesności odzwierciedlają kilka nurtów w sztuce współczesnej, które można zaliczyć do postmodernizmu. W okresie secesji twórczość malarzy była szerzej reprezentowana, a w latach 70. XX wieku nastąpiła zmiana społecznej orientacji sztuki malarskiej.

Sztuka współczesna

Artyści malarstwa współczesnego reprezentują przede wszystkim nowe nurty w sztuce pięknej. W terminologii kulturowej istnieje pojęcie „sztuki współczesnej”, które w pewnym sensie koreluje z pojęciem „malarstwa współczesnego”. Przez sztukę współczesną artyści najczęściej mają na myśli innowację, gdy malarz zwraca się ku nowatorskim tematom, niezależnie od ich zainteresowania. Obraz można namalować i przedstawić dowolne przedsiębiorstwo przemysłowe. Albo na płótnie jest pejzaż z polem pszenicy, łąką, lasem, ale jednocześnie z pewnością w oddali zostanie narysowany kombajn. Styl malarstwa współczesnego zakłada społeczną orientację obrazu. Jednocześnie znacznie wyżej cenione są pejzaże współczesnych artystów pozbawione podtekstu społecznego.

Wybór kierunku

Od końca lat 90. artyści malarstwa współczesnego porzucili tematykę industrialną i przenieśli swoją twórczość do głównego nurtu czystej sztuki pięknej. Pojawili się mistrzowie doskonałego malarstwa portretowego, pejzażowego i martwej natury w stylu malarstwa flamandzkiego. I stopniowo w malarstwie współczesnym zaczęła pojawiać się prawdziwa sztuka, w niczym nie ustępująca obrazom wybitnych artystów XVIII i XIX wieku, a pod pewnymi względami nawet im przewyższająca. Dzisiejszym mistrzom pędzla pomaga rozwinięta baza techniczna i mnóstwo nowych narzędzi, które pozwalają im w pełni odzwierciedlić swoje plany na płótnie. W ten sposób artyści współczesnego malarstwa mogą tworzyć na miarę swoich możliwości. Oczywiście w procesie malowania ważna jest jakość farb czy pędzli, ale najważniejszy jest talent.

Abstrakcyjny ekspresjonizm

Współcześni artyści stosują metody malarskie, które pozwalają na stosowanie niegeometrycznych pociągnięć nakładanych w dużych ilościach na dużym płótnie. Używa się dużych pędzli, czasem pędzli malarskich. Takie malarstwo trudno nazwać sztuką w klasycznym tego słowa znaczeniu, ale abstrakcja jest kontynuacją surrealizmu, który pojawił się już w 1920 roku dzięki pomysłom Andre Bretona i od razu znalazł wielu naśladowców, takich jak Salvator Dali, Hans Hofmann , Adolfa Gottlieba. Jednocześnie artyści malarstwa współczesnego rozumieją ekspresjonizm na swój własny sposób. Dziś ten gatunek różni się od swojego poprzednika wielkością płócien, które mogą osiągnąć trzy metry długości.

Pop Art

Przeciwwagą dla abstrakcjonizmu była nowa awangarda konceptualna, promująca wartości estetyczne. Współcześni artyści zaczęli umieszczać na swoich obrazach wizerunki znanych postaci, takich jak Mao Zedong czy Marilyn Monroe. Sztukę tę nazywa się „pop-artem” – popularnym, powszechnie uznanym kierunkiem w malarstwie. Kultura masowa zastąpiła sztukę abstrakcyjną i dała początek szczególnemu typowi estetyki, która w barwny, efektowny sposób przedstawiała społeczeństwu to, co było na ustach wszystkich, najnowsze wydarzenia czy wizerunki znanych osób w różnych sytuacjach życiowych.

Założycielami i naśladowcami pop-artu byli Andy Warhol, Tom Wesselmann, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Fotorealizm

Sztuka współczesna jest wieloaspektowa, często wyłania się w niej nowy kierunek, łączący dwa lub więcej rodzajów twórczości wizualnej. Taką formą autoekspresji artysty stał się fotorealizm. Ten styl malarstwa pojawił się w USA w 1968 roku. Wymyślił go awangardowy artysta Louis Meisel, a gatunek ten został wprowadzony dwa lata później w Whitney Museum podczas wystawy „Dwudziestu dwóch realistów”.

Malarstwo w stylu fotorealizmu kojarzy się z fotografią, ruch obiektu zostaje zatrzymany w czasie. Artysta fotorealista kolekcjonuje swój obraz, który zostanie uchwycony na zdjęciu, za pomocą fotografii. Z negatywu lub slajdu obraz przenoszony jest na płótno poprzez projekcję lub za pomocą siatki skali. Następnie tworzony jest pełnoprawny obraz przy użyciu technologii malarskich.

Rozkwit fotorealizmu przypadł na połowę lat 70., potem nastąpił spadek popularności, a na początku lat 90. gatunek ten odrodził się ponownie. Uznani artyści pracowali głównie w USA, było wśród nich wielu rzeźbiarzy, którzy również tworzyli swoje dzieła za pomocą projekcji obrazu. Najbardziej znani mistrzowie malarstwa opartego na fotorealizmie to Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Artyści fotorealiści młodszego pokolenia - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Współcześni artyści Rosji

• Serge Fedulov (ur. 1958), pochodzący z Niewinnomysska na terytorium Stawropola. Uczestnik kilku wystaw w Ameryce Łacińskiej i Europie. Jego obrazy wyróżniają się realizmem i kontrastowymi zestawieniami kolorystycznymi.
• Michaił Gołubiew (ur. 1981) jest absolwentem klasy plastycznej Omskiej Szkoły Malarstwa. Obecnie mieszka w Petersburgu. Wyróżnia go niezwykły styl twórczości, wszystkie jego prace są malarskimi refleksjami o głębokim wydźwięku filozoficznym.
• Dmitrij Annenkov (ur. 1965) w Moskwie. Absolwentka Instytutu Sztuki Stroganowa. Popularny za granicą, ale preferuje wystawy rosyjskie. Twórczość Annenkowa jest realistyczna, artysta jest uznanym mistrzem martwej natury.

Rosyjscy impresjoniści

• Alexey Chernigin, rosyjski artysta impresjonistyczny (ur. 1975), jest synem słynnego artysty Aleksandra Czernigina. Studiował malarstwo i projektowanie graficzne w Szkole Artystycznej w Niżnym Nowogrodzie. Ukończył Instytut Architektury w Niżnym Nowogrodzie, uzyskując dyplom z wzornictwa przemysłowego. Od 1998 członek Związku Artystów Rosji. Od 2001 roku jest wykładowcą NGASU na Wydziale Architektury Wnętrz.
• Konstantin Lupanov, artysta krasnodarski (ur. 1977). Absolwentka Akademii Przemysłowej Państwowego Uniwersytetu Kultury i Sztuki na kierunku Malarstwo Monumentalne. Uczestnik wielu wystaw sztuki w Petersburgu. Wyróżnia go rzadki styl malarstwa olejnego z wirującymi pociągnięciami. Obrazy Łupanowa są całkowicie pozbawione kontrastujących zestawień kolorystycznych, obrazy zdają się przenikać jeden w drugi. Sam artysta nazywa swoje prace „wesołym, nieodpowiedzialnym kiczem”, jednak jest w tym stwierdzeniu pewna kokieteria: obrazy są właściwie malowane dość profesjonalnie.

Rosyjscy artyści malujący w stylu aktu

• Siergiej Marshennikow (ur. 1971), jeden z najsłynniejszych rosyjskich artystów naszych czasów. Absolwentka Ufa College of Arts. Jego obrazy są przykładem rażącego realizmu. Prace sprawiają wrażenie artystycznej fotografii, kompozycja jest niezwykle precyzyjna, a każde pociągnięcie jest weryfikowane. Żona artysty, Natalia, najczęściej pełni rolę modelki, co pomaga mu stworzyć zmysłowy obraz.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (ur. 1964), wnuczka słynnego śpiewaka operowego Ławrentija Dmitriewicza Donskoja. Najwybitniejszy przedstawiciel współczesnego malarstwa rosyjskiego. Rysuje w stylu fabuły nago. W palecie twórczej artysty znajdują się piękności z orientalnego haremu i nagie wiejskie dziewczyny na brzegu rzeki w noc Iwana Kupały, rosyjska łaźnia z gorącymi kobietami wychodzącymi na śnieg i pływającymi w lodowej dziurze. Artysta dużo i utalentowanie rysuje.

Współcześni rosyjscy artyści i ich twórczość cieszą się coraz większym zainteresowaniem koneserów sztuk pięknych na całym świecie.

Malarstwo współczesne jako sztuka światowa

Obecnie twórczość wizualna przybrała formy odmienne od tych, na które było zapotrzebowanie w XVIII i XIX wieku. Współcześni artyści świata zwrócili się w stronę awangardy w węższym ujęciu, płótna nabrały wyrafinowania i nabrały większego znaczenia. Dzisiejsze społeczeństwo potrzebuje sztuki zaktualizowanej; potrzeba ta rozciąga się na wszystkie rodzaje twórczości, w tym malarstwo. Obrazy współczesnych artystów, jeśli są wykonane na odpowiednio wysokim poziomie, zostają wyprzedane i stają się przedmiotem targów lub wymiany. Niektóre obrazy znajdują się na liście szczególnie cennych dzieł sztuki. Obrazy z przeszłości, namalowane przez wielkich malarzy, są wciąż poszukiwane, ale coraz większą popularnością cieszą się współcześni artyści. Olej, tempera, akwarela i inne farby pomagają im w kreatywności i pomyślnej realizacji planów. Malarze z reguły trzymają się jednego stylu. Może to być krajobraz, portret, sceny batalistyczne lub inny gatunek. W związku z tym artysta wybiera do swojej pracy określony rodzaj farby.

Współcześni artyści świata

Najsłynniejsi współcześni artyści różnią się stylem malarstwa, ich pędzel jest rozpoznawalny, czasem nie trzeba nawet patrzeć na podpis w dolnej części płótna. Znani mistrzowie malarstwa współczesnego to Philip Pearlstein, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Błochin, Wasilij Shulzhenko.

Gazeta Artystyczna Rosja przedstawia ocenę: najdrożsi żyjący artyści rosyjscy. Jeśli nadal jesteś pewien, że na zachodniej scenie nie było rosyjskich artystów, jesteśmy gotowi się z tym sprzeczać. Język liczb.

Warunki były proste: każdego żyjącego artystę mogło reprezentować tylko jedno, jego najdroższe dzieło. Przy sporządzaniu rankingu wzięto pod uwagę nie tylko wyniki aukcji publicznych, ale także najbardziej spektakularne sprzedaże prywatne. Autorzy rankingu kierowali się zasadą „jeśli coś głośno się sprzedaje, to ktoś tego potrzebuje”, dlatego docenili pracę marketerów i menadżerów prasowych artystów, którzy doprowadzili do rekordowej sprzedaży prywatnej. Ważna uwaga: rating opiera się wyłącznie na wskaźnikach finansowych; gdyby opierała się na działalności wystawienniczej artystów, wyglądałaby nieco inaczej. Zewnętrznymi źródłami analiz były zasoby Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.com I Artinvestment.ru.

Jako walutę światowego rankingu wybrano dolara amerykańskiego, a za równowartość sprzedaży artystów rosyjskich przyjęto funta brytyjskiego (ponieważ 90% sprzedaży krajowej odbywało się w Londynie w tej walucie). Pozostałe 10% dzieł sprzedanych w dolarach amerykańskich i euro zostało przeliczone po kursie obowiązującym w momencie transakcji, w wyniku czego niektóre pozycje zamieniły się miejscami. Oprócz rzeczywistego kosztu dzieła zebrano dane dotyczące całkowitej kapitalizacji artystów (liczby najlepszych dzieł sprzedanych na aukcjach w ciągu wszystkich lat), miejsca współczesnego artysty w rankingu artystów wszechczasów, miejsce najdroższego dzieła uczestnika spośród wszystkich sprzedanych dzieł innych autorów, a także o narodowości i kraju zamieszkania. Statystyki dotyczące powtórnej sprzedaży każdego artysty zawierają również ważne informacje jako obiektywny wskaźnik inwestycji
atrakcyjność.

Ubiegły rok 2013 znacząco zmienił pozycję współczesnych artystów w międzynarodowych rankingach sprzedaży. Spośród 50 najdroższych dzieł sztuki w ubiegłym sezonie sprzedano 16 dzieł sztuki współczesnej – to rekordowa liczba (dla porównania w latach 2010–2012 sprzedano 17 dzieł; w XX w. miała miejsce tylko jedna sprzedaż). Popyt na żyjących artystów jest po części identyczny z popytem na całą sztukę współczesną, po części zaś wynika z cynicznego zrozumienia, że ​​kapitalizacja majątku po ich śmierci niezmiennie będzie rosła.

Wśród rosyjskich uczestników najbardziej szanowani okazali się bracia Siergiej I Aleksiej Tkaczow(ur. 1922 i 1925), najmłodszy - Anatolij Osmołowski(ur. 1969). Pytanie kto będzie nowy Jean-Michela Basquiata, gdy jest otwarty. W sprzedaży naszych artystów widoczne są wyraźne klasy nabywców: liderów kupują zagraniczni kolekcjonerzy i rosyjscy oligarchowie, miejsca od 10 do 30 zapewniają kolekcjonerzy-emigranci, a warunkowe dno pierwszej 50-tki to nasza przyszłość, młodzi kolekcjonerzy którzy weszli na rynek z „nowymi” pieniędzmi.

1. Ilja Kabakow
Wydaje się, że w ogóle jest on głównym artystą rosyjskim (co nie przeszkadza urodzonemu w Dniepropietrowsku Kabakowowi określać się jako Ukraińca), założycielem moskiewskiego konceptualizmu (jednym z), autorem terminu i praktyki „instalacja całkowita”. Od 1988 roku mieszka i pracuje w Nowym Jorku. Współpracuje z żoną Emilią Kabakową, dlatego tytuł powinien wyglądać jak „Ilya i Emilia Kabakov”, ale skoro Ilya Iosifovich stał się znany wcześniej niż Ilya i Emilia, niech tak pozostanie. Prace znajdują się w Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskim, Ermitażu, MoMA, Fundacja Sztuki Kolodzei(USA) itp.
Rok urodzenia: 1933
Praca: „Żuk”. 1982
Data sprzedaży: 28.02.2008
Cena (GBP)1: 2 932 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 10 686 000
Miejsce: 1
Średni koszt pracy (GBP): 117 429
Liczba powtórnych sprzedaży: 12

2. Eryk Bułatow
Stosując techniki, które później nazwano sztuką społeczną, łączył w swoich pracach malarstwo figuratywne z tekstem. W czasach sowieckich odnoszący sukcesy ilustrator książek dla dzieci. Od 1989 mieszka i pracuje w Nowym Jorku, a od 1992 w Paryżu. Pierwszy rosyjski artysta z osobistą wystawą w Centrum Pompidou. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Centrum Pompidou, Muzeum Ludwiga w Kolonii itp. oraz znajdują się w zbiorach Fundacji Dina Verni, Viktor Bondarenko, Wiaczesław Kantor, Ekaterina i Władimir Semenikhin, Igor Tsukanov.
Rok urodzenia: 1933
Praca: „Chwała KPZR”. 1975
Data sprzedaży: 28.02.2008
Cena (GBP)1: 1 084 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 8 802 000
Miejsce: 2
Średni koszt pracy (GBP): 163 000
Liczba powtórnych sprzedaży: 11

3. Witalij Komar i Aleksander Melamid
Twórcy Sots Art – ironicznego ruchu w sztuce nieoficjalnej, parodiującego symbolikę i techniki biurokracji. Od 1978 roku mieszkają w Nowym Jorku. Do połowy XXI wieku pracowali w parach. W ramach projektu artystycznego zorganizowali „sprzedaż dusz” znanych artystów w drodze aukcji (soul Andy Warhol od tego czasu jest własnością moskiewskiego artysty Alena Kircowa). Prace znajdują się w zbiorach MoMA, Muzeum Guggenheima, Metropolitan Museum of Art, Luwrze oraz w zbiorach Shalva Breus, Daria Żukowa I Roman Abramowicz itd.
Rok urodzenia: 1943, 1945
Praca: „Spotkanie Sołżenicyna i Bölla na daczy Rostropowicza”. 1972
Data sprzedaży: 23.04.2010
Cena (GBP)1: 657 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 3 014 000
Miejsce: 7
Średni koszt pracy (GBP): 75 350
Liczba powtórnych sprzedaży: 3

dawne archiwum comar&melamid artstudio

4. Siemion Faibisowicz
Artysta fotorealista, który pozostaje najdokładniejszym realistą nawet teraz, gdy Siemion Natanowicz mniej interesuje się malarstwem niż dziennikarstwem. Wystawiał na Malajach Gruzińskich, gdzie w 1985 roku został zauważony przez nowojorskich handlarzy i kolekcjonerów. Od 1987 roku jest regularnie wystawiana w USA i Europie Zachodniej. Aktywny zwolennik uchylenia ustawy o promocji homoseksualizmu w Rosji. Mieszka i pracuje w Moskwie. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Moskiewskiego Domu Fotografii, muzeów w Niemczech, Polsce, USA i znajdują się w zbiorach Daria Żukowa I Roman Abramowicz, Igor Markin, Igor
Tsukanova.
Rok urodzenia: 1949
Praca: „Żołnierze” (z cyklu „Stacje”), 1989
Data sprzedaży: 13.10.2007
Cena (GBP)1: 311 200
Całkowita kapitalizacja (GBP): 3 093 000
Miejsce: 6
Średni koszt pracy (GBP): 106 655
Liczba powtórnych sprzedaży: 7

5. Grigorij (Grisha) Bruskin
Główny bohater pierwszej i ostatniej aukcji sowieckiej Sotheby's w 1988 r., gdzie jego praca Fundamental Lexicon znalazła się na szczycie (220 tys. funtów). Na zaproszenie rządu niemieckiego stworzył monumentalny tryptyk dla odbudowanego Reichstagu w Berlinie. Laureat Nagrody Kandinsky'ego w nominacji „Projekt Roku” za wystawę Czas H w Multimedialnym Muzeum Sztuki. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku i Moskwie. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego i Muzeum Puszkina. A. S. Puszkina, Muzeum Ludwiga w Kolonii, MoMA, Muzeum Kultury Żydowskiej (Nowy Jork) itp. Znajdują się w zbiorach królowej Hiszpanii Sofia, Peter Aven, Shalva Breus, Vladimir i Ekaterina Semenikhin, Milos Forman.
Rok urodzenia: 1945
Praca: „Logie. Część 1". 1987
Data sprzedaży: 07.11.2000
Cena (GBP)1: 424 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 720 000
Miejsce: 15
Średni koszt pracy (GBP): 24 828
Liczba powtórnych sprzedaży: 5

6. Oleg Tselkov
Jeden z najsłynniejszych artystów lat sześćdziesiątych, w latach 60. rozpoczął i kontynuuje serię obrazów przedstawiających surowe, jakby wyrzeźbione z gliny, ludzkie twarze (lub postacie), malowane jasnymi anilinowymi kolorami. Od 1977 mieszka w Paryżu. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Ermitażu, Muzeum Zimmerliego Uniwersytetu Rutgersa itp. I znajdują się w zbiorach Michaił Barysznikow, Arthur Miller, Igor Tsukanov. Należy do największej prywatnej kolekcji dzieł Tselkowa w Rosji Jewgienij Jewtuszenko.
Rok urodzenia: 1934
Praca: „Chłopiec z balonami”. 1957
Data sprzedaży: 26.11.2008
Cena (GBP)1: 238 406
Całkowita kapitalizacja (GBP): 4 232 000
Miejsce: 5
Średni koszt pracy (GBP): 53 570
Liczba powtórnych sprzedaży: 14

7. Oskar Rabin
Lider „grupy Lianozowa” (moskiewskich artystów nonkonformistów lat 50. i 60. XX w.), organizator skandalicznego Wystawa buldożerów 1974. Jako pierwszy w Związku Radzieckim zaczął sprzedawać dzieła prywatnie. W 1978 roku został pozbawiony obywatelstwa sowieckiego. Mieszka i pracuje w Paryżu. W 2006 roku został laureatem Nagrody za Innowacyjność za wkład w sztukę. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Muzeum Zimmerliego na Uniwersytecie Rutgersa, a także w zbiorach Aleksandra Glezera, Wiaczesława Kantora, Aleksandra Kronika, Ivety i Tamaza Manasherowa, Jewgienij Nutowicz, Asłan Czechojew.
Rok urodzenia: 1928
Praca: „Miasto i Księżyc (Socjalista
miasto)". 1959
Data sprzedaży: 15.04.2008
Cena (GBP)1: 171 939
Całkowita kapitalizacja (GBP): 5 397 000
Miejsce: 3
Średni koszt pracy (GBP): 27 964
Liczba powtórnych sprzedaży: 45

8. Zurab Cereteli
Największy przedstawiciel sztuki już monumentalnej. Autor pomnika Piotra I w Moskwie i pomnika Dobro zwycięża zło przed budynkiem ONZ w Nowym Jorku. Założyciel Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej, prezes Rosyjskiej Akademii Sztuk, twórca działającej przy wspomnianej uczelni Galerii Sztuki Zurab Tsereteli. Rzeźby Zuraba Cereteli, oprócz Rosji, zdobią Brazylię, Wielką Brytanię, Gruzję, Hiszpanię, Litwę, USA, Francję i Japonię.
Rok urodzenia: 1934
Praca: „Sen Atosa”
Data sprzedaży: 12.01.2009
Cena (GBP)1: 151 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 498 000
Miejsce: 19
Średni koszt pracy (GBP): 27 667
Liczba powtórnych sprzedaży: 4

9. Wiktor Pivovarov
Jeden z twórców moskiewskiego konceptualizmu. Podobnie jak Kabakov, twórca gatunku albumów koncepcyjnych; jak Kabakow, Bułatow i Oleg Wasiliew, odnoszący sukcesy ilustrator książek dla dzieci, współpracujący z magazynami „Murzilka” i „Funny Pictures”. Od 1982 roku mieszka i pracuje w Pradze. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego i Muzeum Puszkina. A. S. Puszkina, Fundacja Sztuki Kołodzei(USA), w zbiorach Władimira i Ekateriny Semenikhinów, Igora Tsukanova.
Rok urodzenia: 1937
Praca: „Tryptyk z wężem”. 2000
Data sprzedaży: 18.10.2008
Cena (GBP)1: 145 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 482 000
Miejsce: 20
Średni koszt pracy (GBP): 17 852
Liczba powtórnych sprzedaży: 6

10. Aleksander Melamid
Połowa kreatywnego tandemu Komar – Melamid, która rozpadła się w 2003 roku. Razem z Witalijem Komarem uczestnik Wystawa buldożerów(gdzie zginęli Podwójny autoportret, przełomowe dzieło Sots Art). Od 1978 roku mieszka i pracuje w Nowym Jorku. Brak informacji o tym, w jakich słynnych kolekcjach znajdują się dzieła Melamida, stworzone przez niego niezależnie.
Rok urodzenia: 1945
Praca: „Kardynał José Saraiva Martins”. 2007
Data sprzedaży: 18.10.2008
Cena (GBP)1: 145 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 145 000
Miejsce: 36
Średni koszt pracy (GBP): 145 000
Liczba powtórnych sprzedaży: —

11. Francisco Infante-Arana
Właściciel chyba najobszerniejszej listy wystaw wśród rosyjskich artystów. Członek grupy kinetycznej "Ruch", w latach 70. odnalazł własną wersję fotoreportażu, czyli „artefaktu” – form geometrycznych wkomponowanych w naturalny krajobraz.
Rok urodzenia: 1943
Praca: „Budowanie znaku”. 1984
Data sprzedaży: 31.05.2006
Cena (GBP)1: 142 400
Całkowita kapitalizacja (GBP): 572 000
Miejsce: 17
Średni koszt pracy (GBP): 22 000
Liczba powtórnych sprzedaży: —

12. Władimir Niemukhin
Metafizyk. Klasyk drugiej fali rosyjskiej awangardy, członek „grupy Lianozow”, jeden z uczestników wystawy Bulldozer, kurator (lub inicjator) ważnych wystaw lat 80., kiedy nieoficjalny sowiecki
sztuka dopiero uświadamiała sobie siebie.
Rok urodzenia: 1925
Praca: „Niedokończony pasjans”. 1966
Data sprzedaży: 26.04.2006
Cena (GBP)1: 240 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 4 338 000
Miejsce: 4
Średni koszt pracy (GBP): 36 454
Liczba powtórnych sprzedaży: 26

13. Władimir Jankilewski
Surrealista, jeden z głównych przedstawicieli powojennej sztuki nieoficjalnej Moskwy, twórca monumentalnych poliptyków filozoficznych.
Rok urodzenia: 1938
Praca: „Tryptyk nr 10. Anatomia duszy. II.” 1970
Data sprzedaży: 23.04.2010
Cena (GBP)1: 133 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 754 000
Miejsce: 14
Średni koszt pracy (GBP): 12 780
Liczba powtórnych sprzedaży: 7

14. Aleksander Winogradow i Władimir Dubossarski
Projekt sceniczny Obrazy na zamówienie, którą rozpoczęli w beznadziejnych latach 90. dla malarstwa, otrzymało to, na co zasługiwało, w 2000 roku. Duet zyskał popularność wśród kolekcjonerów, a jeden obraz trafił do kolekcji Centrum Pompidou.
Rok urodzenia: 1963, 1964
Praca: „Nocny fitness”. 2004
Data sprzedaży: 22.06.2007
Cena (GBP)1: 132 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 1 378 000
Miejsce: 11
Średni koszt pracy (GBP): 26 500
Liczba powtórnych sprzedaży: 4

15. Siergiej Wołkow
Jeden z bohaterów sztuki pierestrojki, znany z wyrazistych obrazów z przemyślanymi wypowiedziami. Uczestnik aukcji radzieckiej Sotheby's w 1988 r.
Rok urodzenia: 1956
Praca: „Podwójna wizja.
Tryptyk"
Data sprzedaży: 31.05.2007
Cena (GBP)1: 132 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 777 000
Miejsce: 12
Średni koszt pracy (GBP): 38 850
Liczba powtórnych sprzedaży: 4

16. AES + F (Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeniy Svyatsky, Vladimir Fridkes)
Projekty AES wyróżniały się dobrą prezentacją w leniwych latach 90-tych, dlatego zostały zapamiętane. Teraz tworzą duże animowane murale, które są emitowane na dziesiątkach ekranów.
Rok urodzenia: 1955, 1958, 1957, 1956
Praca: „Wojownik nr 4”
Data sprzedaży: 03.12.2008
Cena (GBP)1: 120 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 305 000
Miejsce: 27
Średni koszt pracy (GBP): 30 500
Liczba powtórnych sprzedaży: —

17. Lew Tabenkin
Rzeźbiarz i malarz z rzeźbiarską wizją, jakby rzeźbił swoich bohaterów z gliny.
Rok urodzenia: 1952
Praca: „Orkiestra Jazzowa”. 2004
Data sprzedaży: 30.06.2008
Cena (GBP)1: 117 650
Całkowita kapitalizacja (GBP): 263 000
Miejsce: 28
Średni koszt pracy (GBP): 26 300
Liczba powtórnych sprzedaży: 7

18. Michaił (Misha Shaevich) Brusiłowski
Surrealista ze Swierdłowska, autor wymownych alegorii.
Rok urodzenia: 1931
Praca: „Piłka nożna”. 1965
Data sprzedaży: 28.11.2006
Cena (GBP)1: 108 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 133 000
Miejsce: 38
Średni koszt pracy (GBP): 22 167
Liczba powtórnych sprzedaży: —

19. Olga Bułhakowa
Jedna z głównych postaci inteligenckiego malarstwa „karnawałowego” epoki Breżniewa. Członek korespondent
Rosyjska Akademia Sztuk.
Rok urodzenia: 1951
Praca: „Sen o czerwieni
ptak." 1988
Data sprzedaży: 22.11.2010
Cena (GBP)1: 100 876
Całkowita kapitalizacja (GBP): 219 000
Miejsce: 31
Średni koszt pracy (GBP): 36 500
Liczba powtórnych sprzedaży: —

20. Aleksander Iwanow
Artysta abstrakcjonista znany przede wszystkim jako biznesmen, kolekcjoner i twórca Muzeum Faberge w Baden-Baden (Niemcy).
Rok urodzenia: 1962
Praca: „Miłość”. 1996
Data sprzedaży: 06.05.2013
Cena (GBP)1: 97 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 201 000
Miejsce: 33
Średni koszt pracy (GBP): 50 250
Liczba powtórnych sprzedaży: —

21. Iwan Czuikow
Niezależne skrzydło moskiewskiego konceptualizmu obrazkowego. Autor serii obrazów-obiektów Okna. Jakimś cudem w latach 60. spalił wszystkie obrazy, dlatego właścicielom galerii do dziś jest smutno.
Rok urodzenia: 1935
Praca: „Bez tytułu”. 1986
Data sprzedaży: 03.12.2008
Cena (GBP)1: 96 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 1 545 000
Miejsce: 10
Średni koszt pracy (GBP): 36 786
Liczba powtórnych sprzedaży: 8

22. Konstantin Zvezdochetov
W młodości członek grupy Mukhomor, która nazywała siebie „ojcami „nowej fali” w Związku Radzieckim” -
nie bez powodu; z początkiem dojrzałości twórczej, uczestniczka Biennale w Wenecji i Kassel
dokument. Badacz i koneser wizualności w sowieckiej kulturze oddolnej.
Rok urodzenia: 1958
Produkt: „Perdo-K-62M”
Data sprzedaży: 13.06.2008
Cena (GBP)1: 92 446
Całkowita kapitalizacja (GBP): 430 000
Miejsce: 22
Średni koszt pracy (GBP): 22 632
Liczba powtórnych sprzedaży: 2

23. Natalya Nesterova
Jedna z głównych gwiazd sztuki stagnacji Breżniewa. Uwielbiany przez kolekcjonerów ze względu na teksturowany, malarski styl.
Rok urodzenia: 1944
Praca: „Młynarz i jego
syn". 1969
Data sprzedaży: 15.06.2007
Cena (GBP)1: 92 388
Całkowita kapitalizacja (GBP): 1 950 000
Miejsce: 9
Średni koszt pracy (GBP): 20 526
Liczba powtórnych sprzedaży: 15

24. Maksym Kantor
Malarz ekspresjonista występujący w pawilonie rosyjskim na Biennale w Wenecji w 1997 r., a także publicysta i pisarz, autor powieści filozoficzno-satyrycznej Poradnik rysowania o tajnikach rosyjskiego świata sztuki.
Rok urodzenia: 1957
Praca: „Struktura demokracji”. 2003
Data sprzedaży: 18.10.2008
Cena (GBP)1: 87 650
Całkowita kapitalizacja (GBP): 441 000
Miejsce: 21
Średni koszt pracy (GBP): 44 100
Liczba powtórnych sprzedaży: 2

25. Andriej Siderski
Tworzy obrazy w wymyślonym przez siebie stylu psy-artu. Tłumaczył dzieła Carlosa Castanedy i Richarda Bacha na język rosyjski.
Rok urodzenia: 1960
Praca: „Tryptyk”
Data sprzedaży: 12.04.2009
Cena (GBP)1: 90 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 102 000
Miejsce: 42
Średni koszt pracy (GBP): 51 000
Liczba powtórnych sprzedaży: —

26. Walery Koshlyakov
Znany z obrazów z motywami architektonicznymi. Największy przedstawiciel „fali południoworosyjskiej”. Często wykorzystuje kartony, torby i taśmę. Pierwsza wystawa z jego udziałem odbyła się w publicznej toalecie w Rostowie nad Donem w 1988 roku.
Rok urodzenia: 1962
Praca: „Wersal”. 1993
Data sprzedaży: 03.12.2008
Cena (GBP)1: 72 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 346 000
Miejsce: 26
Średni koszt pracy (GBP): 21 625
Liczba powtórnych sprzedaży: 8

27. Aleksiej Sundukow
Lakoniczne, ołowiane obrazy przedstawiające „ołowiane obrzydliwości” codziennego życia Rosjan.
Rok urodzenia: 1952
Praca: „Istota bytu”. 1988
Data sprzedaży: 23.04.2010
Cena (GBP)1: 67 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 255 000
Miejsce: 29
Średni koszt pracy (GBP): 25 500
Liczba powtórnych sprzedaży: 1

28. Igor Nowikow
Należy do pokolenia moskiewskich artystów nonkonformistów końca lat 80.
Rok urodzenia: 1961
Praca: „Śniadanie Kremla, czyli Moskwa na sprzedaż”. 2009
Data sprzedaży: 03.12.2010
Cena (GBP)1: 62 092
Całkowita kapitalizacja (GBP): 397 000
Miejsce: 24
Średni koszt pracy (GBP): 15 880
Liczba powtórnych sprzedaży: 3

29. Wadim Zacharow
Archiwista moskiewskiego konceptualizmu. Autor spektakularnych instalacji o głębokich tematach reprezentował Rosję w Wenecji
dwuletni
Rok urodzenia: 1959
Praca: „Barok”. 1986-1994
Data sprzedaży: 18.10.2008
Cena (GBP)1: 61 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 243 000
Miejsce: 30
Średni koszt pracy (GBP): 20 250
Liczba powtórnych sprzedaży: —

30. Jurij Krasny
Autorka programów artystycznych dla dzieci ze specjalnymi potrzebami.
Rok urodzenia: 1925
Praca: „Palacz”
Data sprzedaży: 04.04.2008Cena (GBP)1: 59 055
Całkowita kapitalizacja (GBP): 89 000
Miejsce: 44
Średni koszt pracy (GBP): 11 125
Liczba powtórnych sprzedaży: 8

31. Siergiej i Aleksiej Tkachew
Klasycy późnego sowieckiego impresjonizmu, uczniowie Arkadego Plastova, słynący z obrazów z życia rosyjskiej wsi.
Rok urodzenia: 1922, 1925
Praca: „W polu”. 1954
Data sprzedaży: 01.12.2010
Cena (GBP)1: 58 813
Całkowita kapitalizacja (GBP): 428 000
Miejsce: 23
Średni koszt pracy (GBP): 22 526
Liczba powtórnych sprzedaży: 4

32. Swietłana Kopystyanskaja
Znany z instalacji malarskich. Po aukcji w Moskwie Sotheby's w 1988 pracuje za granicą.
Rok urodzenia: 1950
Praca: „Pejzaż morski”
Data sprzedaży: 13.10.2007
Cena (GBP)1: 57 600
Całkowita kapitalizacja (GBP): 202 000
Miejsce: 32
Średni koszt pracy (GBP): 22 444
Liczba powtórnych sprzedaży: 2

33. Borys Orłow
Rzeźbiarz bliski sztuce społecznej. Zasłynął z dzieł utrzymanych w ironicznym stylu „imperialnym” oraz mistrzowskiego wykonania popiersi i bukietów z brązu.
Rok urodzenia: 1941
Praca: „Żeglarz”. 1976
Data sprzedaży: 17.10.2013
Cena (GBP)1: 55 085
Całkowita kapitalizacja (GBP): 174 000
Miejsce: 34
Średni koszt pracy (GBP): 17 400
Liczba powtórnych sprzedaży: 1

34. Wiaczesław Kalinin
Autor wyrazistych obrazów przedstawiających życie miejskich klas niższych i bohemy pitnej.
Rok urodzenia: 1939
Praca plastyczna: „Autoportret z lotnią”
Data sprzedaży: 25.11.2012
Cena (GBP)1: 54 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 766 000
Miejsce: 13
Średni koszt pracy (GBP): 12 767
Liczba powtórnych sprzedaży: 24

35. Jewgienij Semenow
Znany z serii zdjęć przedstawiających pacjentów z chorobą Downa wcielających się w postacie gospel.
Rok urodzenia: 1960
Praca: „Serce”. 2009
Data sprzedaży: 29.06.2009
Cena (GBP)1: 49250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 49 000
Miejsce: 48
Średni koszt pracy (GBP): 49 000
Liczba powtórnych sprzedaży: —

36. Jurij Cooper
Zasłynął dzięki nostalgicznym płótnom ze starymi przedmiotami gospodarstwa domowego. Autor sztuki Dwanaście obrazów z życia artysty wystawiony w Moskiewskim Teatrze Artystycznym. A.P. Czechow.
Rok urodzenia: 1940
Praca: „Okno. Ulica Dassa, 56.” 1978
Data sprzedaży: 06.09.2010
Cena (GBP)1: 49250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 157 000
Miejsce: 35
Średni koszt pracy (GBP): 2754
Liczba powtórnych sprzedaży: 14

37. Aleksander Kosolapow
Artysta socjalistyczny, którego twórczość stała się celem wszelkiego rodzaju ataków. Podczas targów Art Moskwa 2005 fanatyk religijny zniszczył młotkiem jedno z jego dzieł.
Rok urodzenia: 1943
Praca: „Marlboro Malewicz”. 1987
Data sprzedaży: 03.12.2008
Cena (GBP)1: 48 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 510 000
Miejsce: 18
Średni koszt pracy (GBP): 15 938
Liczba powtórnych sprzedaży: 1

38. Leonid Sokow
Czołowy rzeźbiarz Sots Art, łączący folklor z polityką. Wśród znanych dzieł Urządzenie do określania narodowości na podstawie kształtu nosa.
Rok urodzenia: 1941
Praca: „Niedźwiedź uderzający młotkiem w sierp”. 1996
Data sprzedaży: 03.12.2008
Cena (GBP)1: 48 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 352 000
Miejsce: 25
Średni koszt pracy (GBP): 13 538
Liczba powtórnych sprzedaży: 7

39. Władimir Owczinnikow
Jeden z patriarchów nieoficjalnej sztuki w Leningradzie. Ortodoksyjna wersja Fernando Botero.
Rok urodzenia: 1941
Praca: „Anioły i tory kolejowe”. 1977
Data sprzedaży: 17.04.2007
Cena (GBP)1: 47 846
Całkowita kapitalizacja (GBP): 675 000
Miejsce: 16
Średni koszt pracy (GBP): 15 341
Liczba powtórnych sprzedaży: —

40. Konstantin Chudyakow
Autor obrazów o tematyce religijnej. Obecnie pracuje w technologii sztuki cyfrowej.
Rok urodzenia: 1945
Praca: „Ostatnia wieczerza”. 2007
Data sprzedaży: 18.02.2011
Cena (GBP)1: 46 850
Całkowita kapitalizacja (GBP): 97 000
Miejsce: 43
Średni koszt pracy (GBP): 32 333
Liczba powtórnych sprzedaży: —

41. Ernst Neizvestny
Ikona radzieckiego nonkonformizmu – odkąd otwarcie sprzeciwił się Sekretarzowi Generalnemu Nikicie Chruszczowowi na wernisażu legendarnej wystawy poświęconej 30-leciu Moskiewskiego Związku Artystów Plastyków. Następnie wykonał pomnik na grobie Chruszczowa i pomnik przed europejską siedzibą ONZ.
Rok urodzenia: 1925
Praca: „Bez tytułu”
Data sprzedaży: 06.08.2010
Cena (GBP)1: 46 850
Całkowita kapitalizacja (GBP): 2 931 000
Miejsce: 8
Średni koszt pracy (GBP): 24 839
Liczba powtórnych sprzedaży: 13

42. Anatolij Osmołowski
Jedna z głównych postaci moskiewskiego akcjonizmu lat 90., teoretyk sztuki, kurator, wydawca i kierownik programu badawczo-edukacyjnego Instytutu Baza, laureat pierwszej Nagrody Kandinsky'ego.
Rok urodzenia: 1969
Praca: „Chleb” (z cyklu „Poganie”). 2009
Data sprzedaży: 23.04.2010
Cena (GBP)1: 46 850
Całkowita kapitalizacja (GBP): 83 000
Miejsce: 46
Średni koszt pracy (GBP): 11 857
Liczba powtórnych sprzedaży: —

43. Dmitrij Vrubel
Malarz fotorealista, znany głównie z obrazu przedstawiającego pocałunki Breżniewa i Honeckera (a dokładniej dzięki reprodukcji autora na Murze Berlińskim).
Rok urodzenia: 1960
Praca: „Braterski pocałunek (tryptyk)”. 1990
Data sprzedaży: 25.11.2013
Cena (GBP)1: 45 000

Miejsce: 40
Średni koszt pracy (GBP): 16 429
Liczba powtórnych sprzedaży: 2

44. Leonid Lamm
Autor instalacji łączących motywy rosyjskiej awangardy ze scenami z życia sowieckiego więzienia. Mieszka w Ameryce. W latach 70. spędził trzy lata w więzieniach i obozach pod fałszywymi zarzutami.
Rok urodzenia: 1928
Praca: „Jabłko II” (z cyklu „Siódme niebo”). 1974-1986
Data sprzedaży: 16.12.2009
Cena (GBP)1: 43 910
Całkowita kapitalizacja (GBP): 115 000
Miejsce: 41
Średni koszt pracy (GBP): 14 375
Liczba powtórnych sprzedaży: —

Malownicze instalacje Iriny Nakhowej z lat 80. w jej mieszkaniu mogą pretendować do autorstwa gatunku „totalnego”.

45. Irina Nakhova
Muza moskiewskiego konceptualizmu. Laureat Nagrody Kandinsky’ego 2013 w kategorii „Projekt Roku”. W 2015 roku na 56. Biennale w Wenecji
będzie reprezentował Rosję.
Rok urodzenia: 1955
Praca: „Tryptyk”. 1983
Data sprzedaży: 03.12.2008
Cena (GBP)1: 38 900
Całkowita kapitalizacja (GBP): 85 000
Miejsce: 45
Średni koszt pracy (GBP): 17 000
Liczba powtórnych sprzedaży: 1

46. ​​​​Katya Filippova
Awangardowy projektant odzieży, który zasłynął w okresie pierestrojki. Dekorowała witryny paryskiego domu towarowego Galeries Lafayette i przyjaźniła się z Pierrem Cardinem.
Rok urodzenia: 1958
„Praca: Marina Ladynina” (z cyklu „Russian Hollywood”)
Data sprzedaży: 03.12.2008
Cena (GBP)1: 38 900
Całkowita kapitalizacja (GBP): 39 000
Miejsce: 49
Średni koszt pracy (GBP): 39 000
Liczba powtórnych sprzedaży: —

47. Borys Zaborow
Artysta teatralny, ilustrator książek. W 1980 wyemigrował do Paryża i pracował nad kostiumami dla Comedy Française.
Rok urodzenia: 1935
Praca: „Uczestnik” 1981
Data sprzedaży: 30.10.2006
Cena (GBP)1: 36 356
Całkowita kapitalizacja (GBP): 67 000
Miejsce: 47
Średni koszt pracy (GBP): 13 400
Liczba powtórnych sprzedaży: 2

48. Rostisław Lebiediew
Klasyczny artysta socjalistyczny, kolega (i sąsiad warsztatu) Borysa Orłowa i Dmitrija Prigowa. Twórczo przekształcona propaganda wizualna z czasów sowieckich.
Rok urodzenia: 1946
Praca: „Rosyjska bajka” 1949
Data sprzedaży: 06.03.2008
Cena (GBP)1: 34 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 122 000
Miejsce: 39
Średni koszt pracy (GBP): 24 400
Liczba powtórnych sprzedaży: 2

49. Andriej Filippow
Należy do moskiewskiej szkoły konceptualnej. Autor obrazów i instalacji, których łączy temat „Moskwa – Trzeci Rzym”. Od 2009 roku wraz z Yurim Albertem i Victorem Skersisem jest członkiem grupy Cupid.
Rok urodzenia: 1959
Praca: „Siedem stóp pod stępką”. 1988
Data sprzedaży: 31.05.2006
Cena (GBP)1: 33 600
Całkowita kapitalizacja (GBP): 137 000
Miejsce: 37
Średni koszt pracy (GBP): 12 455
Liczba powtórnych sprzedaży: 3

50. Władimir Shinkariew
Założyciel i ideolog leningradzkiej grupy artystycznej „Mitki”, w której powieści Mitki po raz pierwszy użyto tego terminu. Powieść powstała z nudów podczas pracy w kotłowni.
Rok urodzenia: 1954
Praca: „Plac Lenina I”. 1999
Data sprzedaży: 30.06.2008
Cena (GBP)1: 32 450
Całkowita kapitalizacja (GBP): 33 000
Miejsce: 50
Średni koszt pracy (GBP): 16 500
Liczba powtórnych sprzedaży: —

Sprzedaż vs wystawy

Uznanie na rynku i uznanie przez środowisko zawodowe dla wielu wydają się różnymi rzeczami, jednak podział na artystów „komercyjnych” i „niekomercyjnych” jest bardzo arbitralny. I tak spośród rosyjskich artystów, którzy przez ostatnie dziesięć lat wystawiali na Biennale Sztuki Współczesnej w Wenecji (a to jest szczyt ich kariery zawodowej), w naszym rankingu uwzględniono siedmiu (jeśli liczyć osoby, to 11 osób). A 10 najlepszych artystów z rankingu albo wystawiało swoje prace na Biennale w Wenecji, albo miało osobiste wystawy w głównych muzeach. Jeśli chodzi o tych wspaniałych artystów, którzy nie zostali uwzględnieni w rankingu, ich brak lub niezbyt wybitna sprzedaż można wytłumaczyć prosto i banalnie. Kolekcjonerzy są konserwatywni i nawet od najbardziej awangardowych twórców wolą kupować obrazy (obrazy, przedmioty przypominające obrazy czy fotografie) lub rzeźbę (lub przedmioty przypominające rzeźbę). W naszym rankingu nie ma rekordowych spektakli ani gigantycznych instalacji (instalacje kupują zwykle muzea, ale ceny są na poziomie muzealnym, z rabatem). Dlatego takie gwiazdy jak Andrey Monastyrsky, Oleg Kulik, Pavel Pepperstein(do niedawna zajmowałem się głównie grafiką, a grafika jest a priori tańsza od malowania) lub np. Nikołaj Poliski, których wspaniałe projekty nie znalazły jeszcze wyrozumiałych kolekcjonerów.

Ponadto rynek jest również konserwatywny, ponieważ uznanie przychodzi powoli – należy pamiętać, że w pierwszej dziesiątce wszyscy artyści urodzili się w latach 50. i starszych. Oznacza to, że obiecujący uczestnicy biennale mają jeszcze wszystko przed sobą.

Ranking najdroższych dzieł żyjących artystów to konstrukcja, która mówi znacznie mniej o roli i miejscu artysty w historii sztuki, niż o wieku i stanie zdrowia

Zasady sporządzania naszej oceny są proste: po pierwsze, pod uwagę brane są wyłącznie transakcje z dziełami żyjących autorów; po drugie, pod uwagę brana jest wyłącznie sprzedaż na aukcjach publicznych; i po trzecie, przestrzegana jest zasada „jeden artysta – jedno dzieło” (jeśli w rankingu dzieł dwie płyty należą do Jonesa, pozostaje tylko ta najdroższa, a pozostałych nie bierze się pod uwagę). Ranking prowadzony jest w przeliczeniu na dolary (według kursu z dnia sprzedaży).

1. JEFF KOONS Królik. 1986. 91,075 milionów dolarów

Im dłużej przyglądasz się aukcyjnej karierze Jeffa Koonsa (1955), tym bardziej przekonujesz się, że dla pop-artu nie ma rzeczy niemożliwych. Można podziwiać rzeźby Koonsa w formie balonowych zabawek, ale można też uznać je za kicz i zły gust - masz rację. Jednego nie można odmówić: instalacje Jeffa Koonsa kosztują szalone sumy pieniędzy.

Jeff Koons rozpoczął swoją drogę do sławy jako żyjący artysta odnoszący największe sukcesy w 2007 roku, kiedy w Sotheby's zakupiono jego gigantyczną metalową instalację „Wiszące serce” za 23,6 miliona dolarów. Dzieło zostało kupione przez galerię Larry’ego Gagosiana, która reprezentuje Koonsa. – napisali prasie, że jest to w interesie ukraińskiego miliardera Wiktora Pinczuka). Galeria pozyskała nie tylko instalację, ale w istocie dzieło sztuki jubilerskiej. Mimo że dzieło nie było wykonane ze złota (materiał nierdzewny stal) i był wyraźnie większy od zwykłego wisiorka (rzeźba ma 2,7 m wysokości i waży 1600 kg), ale miał podobne przeznaczenie. Ponad sześć i pół tysiąca godzin poświęcono na wykonanie kompozycji z sercem pokryty dziesięcioma warstwami farby, w efekcie za efektowną „dekorację” zapłacono ogromne sumy pieniędzy.

Następnie 30 czerwca 2008 roku na aukcji Christie’s w Londynie sprzedano fioletowy „Balloon Flower” za 12,92 miliona funtów (25,8 miliona dolarów). Co ciekawe, siedem lat wcześniej poprzedni właściciele „Kwiatka” kupili dzieło za 1,1 miliona dolarów, a jak łatwo wyliczyć, w tym czasie jego cena rynkowa wzrosła niemal 25-krotnie.

Spadek na rynku sztuki w latach 2008–2009 dał sceptykom powód do narzekań, że moda na Koonsa już minęła. Mylili się jednak: wraz z rynkiem sztuki odrodziło się zainteresowanie twórczością Koonsa. Następca Andy'ego Warhola jako król pop-artu poprawił swój osobisty rekord w listopadzie 2012 roku, sprzedając w Christie's wielobarwną rzeźbę „Tulipany” z serii „Celebration” za 33,7 miliona dolarów (w tym prowizja).

Ale „Tulipany” były „kwiatami” w sensie dosłownym i przenośnym. Zaledwie rok później, w listopadzie 2013 r., nastąpiła sprzedaż rzeźby ze stali nierdzewnej „Balonowy pies (pomarańczowy)”: cena młotka wyniosła aż 58,4 mln dolarów! Bajeczna suma dla żyjącego artysty. Dzieło współczesnego autora zostało sprzedane za cenę obrazu Van Gogha lub Picassa. To były już jagody...

Dzięki temu wynikowi Koons przez kilka lat królował na szczycie rankingów żyjących artystów. W listopadzie 2018 na krótko wyprzedził go David Hockney (patrz drugie miejsce w naszym rankingu). Ale zaledwie sześć miesięcy później wszystko wróciło do normy: 15 maja 2019 roku w Nowym Jorku, na aukcji sztuki powojennej i współczesnej w Christie's, wystawiono na sprzedaż podręcznikową rzeźbę Koonsa z 1986 roku – srebrną „ Królik” wykonany ze stali nierdzewnej imitujący balon o podobnym kształcie.

W sumie Koons stworzył 3 takie dowcipy i jeden oryginalny egzemplarz. Przedmiotem licytacji był egzemplarz „Królika” nr 2 – z kolekcji kultowego wydawcy Cy Newhouse, współwłaściciela wydawnictwa Conde Nast (magazyny Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ itp.). Srebrnego „Królika” kupił „ojciec glamour” Cy Newhouse w 1992 roku za imponującą jak na ówczesne standardy sumę – 1 milion dolarów. Po 27 latach walki 10 oferentów cena młotkowa rzeźby była 80-krotnie wyższa od poprzedniej ceny sprzedaży. Biorąc pod uwagę prowizję Kupującego, ostateczny wynik wyniósł 91,075 miliona dolarów, co stanowi rekord dla wszystkich żyjących artystów.

2. DAVID HOCKNEY Portret artysty. Basen z dwiema postaciami. 1972. 90 312 500 dolarów

David Hockney (1937) to jeden z najważniejszych brytyjskich artystów XX wieku. W 2011 roku, według ankiety przeprowadzonej wśród tysięcy profesjonalnych brytyjskich artystów i rzeźbiarzy, David Hockney został uznany za najbardziej wpływowego brytyjskiego artystę wszechczasów. W tym samym czasie Hockney pokonał takich mistrzów jak William Turner i Francis Bacon. Jego twórczość zazwyczaj zaliczana jest do pop-artu, choć we wczesnych pracach skłaniał się bardziej ku ekspresjonizmowi w duchu Francisa Bacona.

David Hockney urodził się i wychował w Anglii, w hrabstwie Yorkshire. Matka przyszłego artysty utrzymywała w rodzinie purytańską surowość, a ojciec, prosty księgowy, amatorsko rysujący, zachęcał syna do zajęcia się malarstwem. Mając dwadzieścia kilka lat, David przeprowadził się do Kalifornii, gdzie mieszkał łącznie przez około trzydzieści lat. Nadal ma tam dwa warsztaty. Hockney uczynił bohaterów swoich dzieł lokalnymi bogaczami, a ich wille, baseny i trawniki zalały kalifornijskie słońce. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł okresu amerykańskiego – obraz „Plusk” – to obraz snopka rozprysków unoszących się z basenu po wskoczeniu mężczyzny do wody. Aby zobrazować ten snop, który „żyje” nie dłużej niż dwie sekundy, Hockney pracował przez dwa tygodnie. Nawiasem mówiąc, obraz ten został sprzedany w Sotheby’s w 2006 roku za 5,4 miliona dolarów i przez pewien czas uznawany był za jego najdroższe dzieło.

Hockney (1937) ma już ponad osiemdziesiąt lat, ale nadal pracuje, a nawet wymyśla nowe techniki artystyczne, wykorzystując nowinki techniczne. Kiedyś wpadł na pomysł robienia ogromnych kolaży z polaroidów, drukował swoje prace na faksach, a dziś artysta z entuzjazmem doskonali rysowanie na iPadzie. Na jego wystawach godne miejsce zajmują obrazy rysowane na tabliczce.

W 2005 roku Hockney wreszcie wrócił ze Stanów do Anglii. Obecnie maluje w plenerze iw pracowni ogromne (często składające się z kilku części) pejzaże lokalnych lasów i wrzosowisk. Według Hockneya w ciągu 30 lat spędzonych w Kalifornii tak bardzo przyzwyczaił się do prostej zmiany pór roku, że naprawdę go to fascynuje i fascynuje. Całe cykle jego ostatnich prac poświęcone są na przykład temu samemu krajobrazowi w różnych porach roku.

W 2018 roku ceny obrazów Hockneya kilkakrotnie przekroczyły granicę 10 milionów dolarów. A 15 listopada 2018 roku Christie’s zarejestrowała nowy absolutny rekord w dziedzinie twórczości żyjącego artysty – 90 312 500 dolarów za obraz „Portret artysty (basen z dwiema figurami)”.

3. GERHARD RICHTER Malarstwo abstrakcyjne. 1986. 46,3 miliona dolarów

Żywy klasyk Gerharda Richtera (1932) zajmuje drugie miejsce w naszym rankingu. Niemiecki artysta był liderem wśród swoich żyjących kolegów do czasu pobicia rekordu 58 milionów Jeffa Koonsa. Jest jednak mało prawdopodobne, aby ta okoliczność zachwiała i tak już żelaznym autorytetem Richtera na rynku sztuki. Pod koniec 2012 roku roczne obroty aukcyjne niemieckiego artysty ustępowały jedynie obrotom Andy'ego Warhola i Pabla Picassa.

Przez wiele lat nic nie zapowiadało sukcesu, jaki spotkał teraz Richtera. Artysta przez dziesięciolecia zajmował skromne miejsce na rynku sztuki współczesnej i wcale nie zabiegał o sławę. Można powiedzieć, że sława go ogarnęła sama. Wielu uważa, że ​​punktem wyjścia był zakup przez nowojorskie MoMA w 1995 roku cyklu prac Richtera „18 października 1977”. Amerykańskie muzeum zapłaciło 3 miliony dolarów za 15 obrazów w odcieniach szarości i wkrótce zaczęło myśleć o zorganizowaniu pełnoprawnej retrospektywy niemieckiego artysty. Wspaniałą wystawę otwarto sześć lat później, w 2001 roku, i od tego czasu zainteresowanie twórczością Richtera gwałtownie wzrosło. Od 2004 do 2008 roku ceny jego obrazów potroiły się. W 2010 roku prace Richtera zarobiły już 76,9 mln dolarów, w 2011 – według portalu Artnet – prace Richtera zarobiły na aukcjach łącznie 200 mln dolarów, a w 2012 (wg Artprice) – 262,7 mln dolarów – więcej niż dzieło jakiegokolwiek innego żywy artysta.

O ile np. olbrzymi sukces aukcyjny Jaspera Johnsa towarzyszy głównie jego wczesnym pracom, o tyle tak ostry podział nie jest typowy dla twórczości Richtera: popyt jest równie stabilny na rzeczy z różnych okresów twórczych, których było w Polsce bardzo dużo Kariera Richtera. W ciągu ostatnich sześćdziesięciu lat artysta próbował swoich sił w prawie wszystkich tradycyjnych gatunkach malarstwa - portrecie, pejzażu, morzu, akcie, martwej naturze i oczywiście abstrakcji.

Historia rekordów aukcyjnych Richtera rozpoczęła się od serii martwych natur „Świece”. 27 fotorealistycznych obrazów świec z początku lat 80. XX wieku, w okresie ich malowania, kosztowało zaledwie 15 tysięcy marek niemieckich (5800 dolarów) za dzieło. Ale nadal nikt nie kupił „Świec” na ich pierwszej wystawie w Galerii Maxa Hetzlera w Stuttgarcie. Wtedy temat obrazów nazwano staromodnym; dziś „Świece” uważane są za dzieło ponadczasowe. A kosztują miliony dolarów.

W lutym 2008 roku „Świeczka”, napisany w 1983 roku, został niespodziewanie kupiony za funty 7,97 mln (16 mln dolarów). Ten osobisty rekord trwał trzy i pół roku. Następnie w październiku 2011 r inny „Świeca” (1982) poszedł pod młotek w Christie's za funta 10,46 mln (16,48 mln dolarów). Dzięki tej płycie Gerhard Richter po raz pierwszy znalazł się w pierwszej trójce żyjących artystów odnoszących największe sukcesy, zajmując miejsce za Jasperem Johnsem i Jeffem Koonsem.

Następnie rozpoczął się zwycięski pochód „Obrazów abstrakcyjnych” Richtera. Artysta maluje takie prace swoją unikalną techniką: na jasne tło nakłada mieszankę prostych farb, a następnie długą skrobaczką wielkości zderzaka samochodowego rozmazuje je po płótnie. W ten sposób powstają skomplikowane przejścia kolorów, plamy i paski. Badanie powierzchni jego „Obrazów Abstrakcyjnych” przypomina wykopaliska: na nich poprzez szczeliny licznych kolorowych warstw widoczne są ślady różnych „figur”.

9 listopada 2011 na aukcji sztuki współczesnej i powojennej Sotheby’s na dużą skalę „Malarstwo abstrakcyjne (849-3)” Rok 1997 poszedł pod młotek 20,8 miliona dolarów (13,2 miliona funtów). A sześć miesięcy później 8 maja 2012 na aukcji sztuki powojennej i współczesnej w Christie's w Nowym Jorku „Malarstwo abstrakcyjne (798-3)” Rok 1993 był rekordowy 21,8 miliona dolarów(w tym prowizja). Pięć miesięcy później – kolejny rekord: „Malarstwo abstrakcyjne (809-4)” z kolekcji muzyka rockowego Erica Claptona 12 października 2012 w Sotheby’s w Londynie poszło pod młotek za £ 21,3 miliona (34,2 miliona dolarów). Barierę 30 milionów Richter przełamał z taką łatwością, jak gdybyśmy mówili nie o malarstwie współczesnym, ale o arcydziełach, które mają już sto lat – nie mniej. Choć w przypadku Richtera wydaje się, że włączenie do panteonu „wielkich” nastąpiło jeszcze za życia artysty. Ceny pracy Niemca wciąż rosną.

Kolejna płyta Richtera należała do twórczości fotorealistycznej – pejzażu „Plac Katedralny w Mediolanie (Domplatz, Mailand)” 1968. Praca została sprzedana za 37,1 mln na aukcji Sotheby’s 14 maja 2013 r. Widok najpiękniejszego placu namalował niemiecki artysta w 1968 roku na zamówienie firmy Siemens Electro, specjalnie dla biura firmy w Mediolanie. W momencie powstania było to największe dzieło figuratywne Richtera (mierzące prawie trzy na trzy metry).

Rekord Placu Katedralnego trwał prawie dwa lata, aż 10 lutego 2015 r mu nie przeszkodził "Malarstwo abstrakcyjne" ( 1986): Cena młotka sięga funtów 30,389 mln (46,3 mln dolarów). Wystawiony na aukcję w Sotheby’s „Malarstwo abstrakcyjne” o wymiarach 300,5 × 250,5 cm jest jedną z pierwszych wielkoformatowych prac Richtera wykonanych w autorskiej technice zeskrobywania warstw farby. Ostatni raz w 1999 roku „Malarstwo abstrakcyjne” zostało kupione na aukcji za 607 tys. dolarów (od tego roku do obecnej sprzedaży dzieło było eksponowane w Muzeum Ludwiga w Kolonii). Na aukcji 10 lutego 2015 r. amerykański klient, w etapach aukcyjnych wynoszących 2 miliony funtów, osiągnął cenę młotkową wynoszącą 46,3 miliona dolarów, co oznacza, że ​​od 1999 r. cena dzieła wzrosła ponad 76 razy!

4. CUI ZHUZHO „Wielkie Śnieżne Góry”. 2013. 39,577 mln dolarów.

Przez długi czas nie śledziliśmy uważnie rozwoju sytuacji na chińskim rynku sztuki, nie chcąc obciążać naszych czytelników zbyt dużą ilością informacji o „nie naszej” sztuce. Z wyjątkiem dysydenta Ai Weiwei, który nie jest nawet tak drogi, jak artysta rezonansowy, chińscy autorzy wydawali się zbyt liczni i odlegli od nas, aby zagłębić się w to, co działo się na ich rynku. Ale statystyki, jak mówią, są poważne i jeśli mówimy o żyjących autorach odnoszących największe sukcesy na świecie, to nadal nie możemy obejść się bez opowieści o wybitnych przedstawicielach sztuki współczesnej w Niebiańskim Imperium.

Zacznijmy od chińskiego artysty Cui Ruzhuo. Artysta urodził się w 1944 roku w Pekinie, w latach 1981-1996 mieszkał w USA. Po powrocie do Chin zaczął uczyć w Narodowej Akademii Sztuk. Cui Ruzhuo na nowo interpretuje tradycyjny chiński styl malowania tuszem i tworzy ogromne obrazy na zwojach, które chińscy biznesmeni i urzędnicy uwielbiają dawać sobie nawzajem w prezencie. Na Zachodzie niewiele o nim wiadomo, choć wielu musi pamiętać historię zwoju o wartości 3,7 miliona dolarów, który został omyłkowo wyrzucony przez sprzątaczki w hotelu w Hongkongu, myląc go ze śmieciami. A zatem był to dokładnie zwój Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ma już ponad 70 lat, a rynek jego twórczości kwitnie. Ponad 60 dzieł tego artysty przekroczyło granicę 1 miliona dolarów, jednak jego prace odnosiły sukcesy jedynie na chińskich aukcjach. Rekordy Cui Ruzhuo są naprawdę imponujące. Najpierw on „Krajobraz w śniegu” na aukcji Poly w Hongkongu 7 kwietnia 2014 r osiągnęła cenę młotkową wynoszącą 184 mln HKD ( 23,7 mln dolarów amerykańskich).

Dokładnie rok później 6 kwietnia 2015, na specjalnej aukcji Poly w Hongkongu poświęconej wyłącznie pracom z serii Cui Ruzhuo „Wielki śnieżny krajobraz góry Jiangnan”(Jiangnan to historyczny region Chin, zajmujący prawy brzeg dolnego biegu Jangcy) ośmiu atramentów na papierowych krajobrazach osiągnęło cenę młotkową wynoszącą 236 mln HKD ( 30,444 mln dolarów amerykańskich).

Rok później historia powtórzyła się na indywidualnej aukcji Cui Ruzhuo zorganizowanej przez Poly Auctions w Hongkongu. 4 kwietnia 2016 r sześcioczęściowy poliptyk „Wielkie Śnieżne Góry” W 2013 r. osiągnięto cenę młotkową (uwzględniając prowizję domu aukcyjnego) w wysokości 306 mln HKD (39,577 mln dolarów)). Jak dotąd jest to absolutny rekord wśród żyjących artystów azjatyckich.

Według handlarza dziełami sztuki Johnsona Chana, który od 30 lat zajmuje się chińską sztuką współczesną, istnieje bezwarunkowa chęć podniesienia cen dzieł tego autora, ale wszystko to dzieje się na poziomie cenowym, którego doświadczeni kolekcjonerzy raczej nie będą chcieli kupić cokolwiek. „Chińczycy chcą podnieść oceny swoich artystów, zawyżając ceny swoich dzieł na dużych międzynarodowych aukcjach, takich jak ta organizowana przez Poly w Hongkongu, ale nie ma wątpliwości, że te oceny są całkowicie sfabrykowane” – komentuje Cui Johnson Chan Najnowsza płyta Ruzhuo.

To oczywiście tylko opinia jednego indywidualnego dealera, ale mamy prawdziwy zapis zarejestrowany we wszystkich bazach danych. Zatem weźmiemy go pod uwagę. Sam Cui Ruzhuo, sądząc po jego wypowiedziach, daleki jest od skromności Gerharda Richtera, jeśli chodzi o jego aukcyjne sukcesy. Wygląda na to, że ten wyścig po rekordy poważnie go fascynuje. „Mam nadzieję, że w ciągu najbliższych 5-10 lat ceny moich dzieł przekroczą ceny dzieł zachodnich mistrzów, takich jak Picasso i Van Gogh. To chińskie marzenie” – mówi Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Flaga. 1983. 36 milionów dolarów

Trzecie miejsce w rankingu żyjących artystów należy do Amerykanina Jaspera Johnsa (1930). Obecna rekordowa cena za dzieło Jonesa to $ 36 milionów. Tyle zapłacili za jego sławę "Flaga" na aukcji Christie’s 12 listopada 2014.

Cykl obrazów „flagowych” zapoczątkowany przez Jonesa w połowie lat pięćdziesiątych, zaraz po powrocie artysty z wojska, stał się jednym z centralnych w jego twórczości. Artysta już w młodości zainteresował się ideą Ready Made, przemianą przedmiotu codziennego użytku w dzieło sztuki. Jednak flagi Jonesa nie były prawdziwe, zostały namalowane olejem na płótnie. Dzieło sztuki nabyło zatem właściwości rzeczy pochodzącej ze zwykłego życia, było jednocześnie wizerunkiem flagi i samej flagi. Seria prac z flagami przyniosła Jasperowi Johnowi światową sławę. Ale jego prace abstrakcyjne są nie mniej popularne. Przez wiele lat na czele listy najdroższych dzieł, sporządzonej według powyższych zasad, znajdowało się jego streszczenie "Fałszywy start". Do 2007 roku uważano, że to bardzo jasne i dekoracyjne płótno, namalowane przez Jonesa w 1959 roku, ma cenę niemal niedostępną dla żyjącego artysty (nawet dożywotniego klasyka) - $ 17 milionów. Tyle za to zapłacili w złocie na rynek sztuki 1988.

Co ciekawe, rekordzista Jaspera Johnsa nie miał charakteru ciągłego. W 1989 r. przerwała mu pracę jego kolega Willem de Kooning: dwumetrowa abstrakcja „Blending” została sprzedana w Sotheby's za 20,7 miliona dolarów. Jasper Johns musiał się przeprowadzić. Ale 8 lat później, w 1997 r., de Kooning zmarł, oraz „False Start” Jonesa ponownie od prawie 10 lat zajmują pierwsze miejsca w rankingach aukcyjnych żyjących artystów.

Ale w 2007 roku wszystko się zmieniło. Rekord False Start został po raz pierwszy przyćmiony twórczością młodego i ambitnego Damiena Hirsta i Jeffa Koonsa. Następnie doszło do rekordowej sprzedaży obrazu Luciena Freuda „Inspektor świadczeń sypialnych” za 33,6 miliona dolarów (obecnie nieżyjącego i dlatego nie biorącego udziału w tym rankingu). Potem rozpoczęły się nagrania Gerharda Richtera. W sumie, jak na razie, przy obecnym rekordzie 36 milionów, Jasper Johns, jeden z mistrzów amerykańskiej sztuki powojennej, działający na styku neodadaizmu, abstrakcyjnego ekspresjonizmu i pop-artu, zajmuje zaszczytne trzecie miejsce.

6. ED RUSHEY Rozbić. 1963. 30,4 miliona dolarów

Nagły sukces obrazu „Smash” amerykańskiego artysty Edward Rushay (ur. 1937) na aukcji Christie’s 12 listopada 2014 r uczyniło tego autora jednym z najdroższych żyjących artystów. Poprzednia rekordowa cena za dzieło Eda Rushy (nazwisko Ruscha często wymawia się w języku rosyjskim jako „Rusha”, ale poprawna wymowa to Rusha) wyniosła „tylko” 6,98 miliona dolarów: tyle zapłacono za jego płótno „Płonący gaz” Stacja” w 2007 roku. Siedem lat później "Rozbić" z szacunkami na 15–20 milionów dolarów osiągnął cenę młotkową 30,4 miliona dolarów. Widać, że rynek dzieł tego autora osiągnął nowy poziom – nie bez powodu Barack Obama ozdabia Biały Dom swoimi pracami, a sam Larry Gagosian wystawia go w swoich galeriach.

Ed Ruscha nigdy nie kierował się ku powojennemu Nowym Jorku z jego szaleństwem na rzecz abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Zamiast tego przez ponad 40 lat szukał inspiracji w Kalifornii, gdzie w wieku 18 lat przeprowadził się z Nebraski. Artysta stał u początków nowego nurtu w sztuce, zwanego pop-artem. Wraz z Warholem, Lichtensteinem, Waynem Thiebaudem i innymi śpiewakami kultury popularnej Edward Ruscha wziął udział w wystawie „Nowe obrazy rzeczy zwyczajnych” w Muzeum Pasadena w 1962 roku, która stała się pierwszą muzealną wystawą amerykańskiego pop-artu. Jednak sam Ed Rusha nie lubi, gdy jego twórczość zaliczana jest do pop-artu, konceptualizmu czy innego nurtu w sztuce.

Jego unikalny styl nazywany jest „malowaniem tekstu”. Od końca lat pięćdziesiątych Ed Ruscha zaczął malować słowa. Tak jak dla Warhola puszka zupy stała się dziełem sztuki, tak dla Eda Rushay’a były to zwykłe słowa i wyrażenia, wzięte albo z billboardu, albo z opakowania w supermarkecie, albo z napisów końcowych filmu (Hollywood było zawsze „w pobliżu” dla Rushay i w przeciwieństwie do wielu innych artystów Rusche szanował „fabrykę snów”). Słowa na jego płótnach nabierają właściwości trójwymiarowych obiektów, są prawdziwymi martwymi naturami słów. Patrząc na jego płótna, pierwsze co przychodzi na myśl to wizualna i dźwiękowa percepcja namalowanego słowa, a dopiero potem znaczenie semantyczne. Tego ostatniego z reguły nie da się jednoznacznie rozszyfrować; Wybór słów i wyrażeń Rushay'a można interpretować na różne sposoby. To samo jasnożółte słowo „Smash” na ciemnoniebieskim tle może być odebrane jako agresywne wezwanie do rozbicia czegoś lub kogoś na kawałki; jako samotny przymiotnik wyrwany z kontekstu (na przykład część nagłówka gazety) lub po prostu jako osobne słowo uchwycone w miejskim strumieniu obrazów wizualnych. Ed Ruscha lubi tę niepewność. „Zawsze miałem głęboki szacunek do rzeczy dziwnych, niewytłumaczalnych... Wyjaśnienia w pewnym sensie zabijają sprawę” – powiedział w wywiadzie.

7. WEŁNA CHRYSTOFA Bez tytułu (RIOT). 1990. 29,93 miliona dolarów

Amerykański artysta Krzysztof Wełna(1955) po raz pierwszy wdarł się na listę żyjących artystów w 2013 roku – po sprzedaży dzieła „Czas apokalipsy” za 26,5 miliona dolarów, co od razu postawiło go na równi z Jasperem Johnsem i Gerhardem Richterem. Kwota tej historycznej transakcji – ponad 20 milionów dolarów – zaskoczyła wielu, gdyż wcześniej ceny dzieł artysty nie przekraczały 8 milionów dolarów, jednak już wtedy widoczny był szybki rozwój rynku dzieł Christophera Woola: ma na swoim koncie 48 transakcji aukcyjnych na kwoty powyżej 1 miliona dolarów, z czego 22 (prawie połowa) miały miejsce w 2013 roku. Dwa lata później liczba dzieł Chrisa Woola sprzedanych za ponad milion dolarów osiągnęła 70, a nowy rekord życiowy nie trwał długo. Na aukcji Praca Sotheby’s z 12 maja 2015 r. „Bez tytułu (RIOT)” został sprzedany za $ 29,93 mlnłącznie z Premią Kupującego.

Christopher Wool znany jest przede wszystkim z wielkoformatowych prac z czarnymi literami na białych aluminiowych blachach. To oni z reguły biją rekordy na aukcjach. To wszystko rzeczy z końca lat 80. i początku 90. XX wieku. Jak głosi legenda, pewnego dnia Wool przechadzał się wieczorem po Nowym Jorku i nagle na nowej białej ciężarówce zobaczył graffiti wypisane czarnymi literami – słowa „sex” i „luv”. Widok ten zrobił na nim tak wielkie wrażenie, że natychmiast wrócił do warsztatu i tymi samymi słowami napisał własną wersję. Był rok 1987 i dalsze poszukiwania przez artystę słów i fraz do swoich „literowych” prac odzwierciedlają sprzecznego ducha tego czasu. To hasło „sprzedaj dom, sprzedaj samochód, sprzedaj dzieci” zaczerpnięte przez Woola z filmu „Czas Apokalipsy” oraz słowo „GŁUPCA” („głupiec”) pisane wielkimi literami i słowo „RIOT” („bunt”), często spotykany w nagłówkach ówczesnych gazet.

Wełna nanosiła słowa i wyrażenia na blachy aluminiowe za pomocą szablonów z farbami alkidowymi lub emaliami, celowo pozostawiając zacieki, ślady szablonu i inne dowody procesu twórczego. Artysta podzielił słowa w taki sposób, aby widz nie od razu zrozumiał ich znaczenie. Na początku widzisz tylko zlepek liter, to znaczy postrzegasz słowo jako obiekt wizualny, a dopiero potem czytasz i rozszyfrujesz znaczenie frazy lub słowa. Wełna zastosowała czcionkę używaną przez wojsko amerykańskie po II wojnie światowej, co potęguje wrażenie rozkazu, dyrektywy, hasła. Te „literowe” prace postrzegane są jako element miejskiego krajobrazu, niczym nielegalne graffiti, które naruszyło czystość powierzchni jakiegoś obiektu ulicznego. Cykl prac Christophera Woola uznawany jest za jeden ze szczytów abstrakcji językowej, dlatego też jest tak wysoko ceniony przez miłośników sztuki współczesnej.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 miliona dolarów

brytyjski Petera Doiga(1959), choć należy do pokolenia postmodernistów Koonsa i Hirsta, wybrał dla siebie zupełnie tradycyjny gatunek pejzażu, który przez długi czas nie cieszył się uznaniem zaawansowanych artystów. Swoją twórczością Peter Doig ożywia słabnące zainteresowanie publiczności malarstwem figuratywnym. Jego prace cieszą się dużym uznaniem zarówno wśród krytyków, jak i laików, czego dowodem jest szybki wzrost cen jego dzieł. Jeśli na początku lat 90. jego krajobrazy kosztowały kilka tysięcy dolarów, teraz kosztują miliony.

Twórczość Doiga często nazywana jest realizmem magicznym. Opierając się na prawdziwych pejzażach, tworzy fantastyczne, tajemnicze i często ponure obrazy. Artysta uwielbia przedstawiać przedmioty porzucone przez ludzi: zrujnowany budynek zbudowany przez Le Corbusiera w środku lasu czy pusty biały kajak na tafli leśnego jeziora. Oprócz natury i wyobraźni Doig inspiruje się horrorami, starymi pocztówkami, fotografiami, amatorskimi filmami itp. Obrazy Doiga są kolorowe, złożone, dekoracyjne i nie prowokacyjne. Posiadanie takiego obrazu to przyjemność. Zainteresowanie kolekcjonerów podsyca także niska produktywność autora: mieszkający na Trynidadzie artysta tworzy nie więcej niż kilkanaście obrazów rocznie.

Na początku XXI wieku pojedyncze pejzaże artysty sprzedawano za kilkaset tysięcy dolarów. W tym samym czasie prace Doiga znalazły się w Saatchi Gallery, na Biennale Whitney Museum oraz w kolekcji MoMA. W 2006 roku przekroczony został aukcyjny poziom 1 miliona dolarów, a rok później nastąpił nieoczekiwany przełom: wystawiona w Sotheby's 7 lutego 2007 roku praca „White Canoe” z szacunkową kwotą 0,8–1,2 miliona dolarów była pięciokrotnie wyższa. niż wstępnie szacowano i został sprzedany za 5,7 miliona funtów (11,3 miliona dolarów). Była to wówczas rekordowa cena za dzieła żyjącego europejskiego artysty.

W 2008 roku Doig miał wystawy indywidualne w Tate Gallery i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu. Wielomilionowe metki z cenami za prace Doiga stały się normą. Od niedawna rekord życiowy Petera Doiga zaczął być aktualizowany kilka razy w roku – wystarczy, że zmienimy wizerunek i miejsce tego artysty w naszym rankingu żyjących autorów.

Do chwili obecnej najdroższym dziełem Petera Doiga jest śnieżny pejzaż „Rosedale” z 1991 roku. Co ciekawe, rekord padł nie w Sotheby’s czy Christie’s, ale na aukcji sztuki współczesnej w domu aukcyjnym Phillips. Miało to miejsce 18 maja 2017 r. Widok na zaśnieżoną dzielnicę Toronto Rosedale sprzedano nabywcy telefonu za 28,81 miliona dolarów, o około 3 miliony dolarów więcej niż poprzedni rekord (25,9 miliona dolarów za „Swallowed by the Mire”). „Rosedale” wzięło udział w kluczowej wystawie Doiga w Whitechapel Gallery w Londynie w 1998 roku i w ogóle praca ta była świeża na rynku, dlatego rekordowa cena jest w pełni zasłużona.

9. FRANK STELLA Przylądek Sosen. 1959. 28 milionów dolarów

Frank Stella to wybitny przedstawiciel postmalarskiej abstrakcji i minimalizmu w sztuce. Na pewnym etapie zaliczany jest do przedstawicieli nurtu malarstwa hard-edge. Początkowo Stella kontrastował surową geometrię, ascetyczną monochromatyczność i strukturę swoich obrazów ze spontanicznością i chaosem obrazów abstrakcyjnych ekspresjonistów, takich jak Jackson Pollock.

Pod koniec lat pięćdziesiątych artysta został dostrzeżony przez słynnego galernika Leo Castelliego i po raz pierwszy został nagrodzony wystawą. Przedstawił na nim tzw. „czarne obrazy” – płótna zamalowane równoległymi czarnymi liniami, pomiędzy którymi oddzielały się cienkie odstępy niepomalowanego płótna. Linie tworzą geometryczne kształty, przypominające nieco złudzenia optyczne, te same obrazy, które migoczą, poruszają się, skręcają, tworzą wrażenie głębokiej przestrzeni, jeśli patrzysz na nie przez dłuższy czas. Stella kontynuowała motyw równoległych linii z cienkimi pasami dzielącymi w swoich pracach na aluminium i miedzi. Zmieniła się kolorystyka, podstawa malarska, a nawet kształt obrazów (wyróżniają się m.in. prace w kształcie liter U, T, L). Jednak główną zasadą jego malarstwa była nadal klarowność konturu, monumentalność, prosta forma i monochromatyczność. W kolejnych dekadach Stella odeszła od malarstwa geometrycznego w kierunku gładkich, naturalnych form i linii, a od malarstwa monochromatycznego w kierunku jasnych i zróżnicowanych przejść kolorystycznych. W latach 70. Stella była urzeczona ogromnymi wzorami używanymi do malowania statków. Artysta wykorzystywał je do tworzenia ogromnych obrazów z elementami assemblażu – w swoich pracach włączał fragmenty stalowych rur lub drucianej siatki.

Frank Stella już we wczesnych wywiadach otwarcie mówi o znaczeniach, jakie nadawane są jego twórczości, a raczej o ich braku: „Widzisz to, co widzisz”. Obraz jest przedmiotem samym w sobie, a nie reprodukcją czegoś. „To płaska powierzchnia pokryta farbą i niczym więcej” – powiedziała Stella.

Cóż, podpisana przez Franka Stellę, ta „powierzchnia pokryta farbą” może być dziś warta miliony dolarów. Frank Stella po raz pierwszy znalazł się w rankingu żyjących artystów w 2015 roku, sprzedając dzieło „Crossing the Delaware” (1961) za 13,69 mln dolarów łącznie z prowizją.

Cztery lata później, 15 maja 2019 roku, wczesne (1959) dzieło „Cape of Pines” ustanowiło nowy rekord: cena młotka wyniosła ponad 28 milionów dolarów, łącznie z prowizją. To jeden z 29 „czarnych obrazów” – tych samych, którymi Stella zadebiutowała na swojej pierwszej wystawie w Nowym Jorku. Absolwent Uniwersytetu Princeton, Frank Stella, miał wtedy 23 lata. Często nie starczało mu pieniędzy na farby olejne dla artystów. Młody artysta zarabiał na naprawach, bardzo podobały mu się czyste kolory farby i wtedy zrodził się pomysł, aby pracować tą farbą na płótnie. Czarną emalią Stella maluje równoległe paski, pozostawiając pomiędzy nimi cienkie linie niezagruntowanego płótna. Co więcej, pisze bez linijek, na oko, bez wstępnego szkicu. Stella nigdy nie wiedziała dokładnie, ile czarnych linii będzie na danym obrazie. Na przykład na obrazie „Przylądek sosen” było ich 35. Tytuł pracy nawiązuje do nazwy przylądka w Zatoce Massachusetts – Point of Pines. Na początku XX wieku był to duży park rozrywki, a dziś jest to jeden z obszarów miasta Revere.

10. YOSHITOMO NARA Nóż za plecami. 2000. 24,95 miliona dolarów

Yoshitomo Nara (1959) to jedna z kluczowych postaci japońskiego neopop-artu. Japoński - bo pomimo światowej sławy i wielu lat pracy za granicą, jego twórczość wciąż wyróżnia się wyraźną tożsamością narodową. Ulubionymi bohaterami Nary są dziewczyny i psy w stylu japońskich komiksów manga i anime. Wymyślone przez niego obrazy „chodzą do ludzi” od wielu lat: drukuje się je na koszulkach, pamiątkach i robi z nimi różne „gadżety”. Urodzony w biednej rodzinie, daleko od stolicy, jest nie tylko kochany za swój talent, ale także ceniony jako człowiek, który dorobił się siebie. Artysta pracuje szybko i ekspresyjnie. Wiadomo, że niektóre z jego arcydzieł powstały dosłownie z dnia na dzień. Obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary z reguły są bardzo lakoniczne, jeśli nie skąpe w środkach wyrazu, zawsze jednak niosą ze sobą silny ładunek emocjonalny. Nastoletnie dziewczęta Nary często patrzą na widza niemiłym zezem. W ich oczach jest śmiałość, wyzwanie i agresja. W rękach - albo nóż, albo papieros. Istnieje opinia, że ​​ukazane wypaczenia zachowań są reakcją na opresyjną moralność społeczną, rozmaite tabu i przyjęte przez Japończyków zasady wychowania. Niemal średniowieczna surowość i wstyd wpychają problemy do środka i tworzą grunt pod opóźnioną eksplozję emocjonalną. „The Knife Behind Your Back” zwięźle oddaje jedną z głównych idei artysty. W tej pracy pojawia się nienawistne spojrzenie dziewczyny i ręka grożąca schowana za jej plecami. Do 2019 roku obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary nie raz osiągnęły już milion, a nawet kilka milionów. Ale dwadzieścia milionów to pierwszy raz. Nara to jedna z najsłynniejszych na świecie artystek urodzonych w Japonii. A teraz najdroższy na świecie. 6 października 2109 roku w Sotheby’s w Hongkongu odebrał ten tytuł Takashiemu Murakamiemu i zauważalnie pobił 90-letnią awangardową artystkę Yayoi Kusamę (maksymalne ceny aukcyjne jej obrazów zbliżają się już do 9 milionów dolarów).

11. ZENG FANZHI Ostatnia Wieczerza. 2001. 23,3 miliona dolarów

Na aukcji Sotheby's w Hongkongu 5 października 2013 r rok płótno na dużą skalę "Ostatnia Wieczerza" Artysta z Pekinu Zeng Fanzhi (1964) został sprzedany za rekordową kwotę 160 mln HKD – 23,3 miliona dolarów USA. Ostateczny koszt dzieła Fanzhi, napisanego oczywiście pod wpływem twórczości Leonarda da Vinci, okazał się dwukrotnie wyższy niż wstępne szacunki na około 10 milionów dolarów.Poprzedni rekord ceny Zeng Fanzhi wynosił $ 9,6 miliona zapłacone za dzieło na aukcji Christie’s w Hongkongu w maju 2008 roku „Seria Maska. 1996. Nie. 6".

„Ostatnia wieczerza” to największy (2,2 × 4 metry) obraz Fanzhi z serii „Maski”, obejmujący okres od 1994 do 2001 roku. Cykl poświęcony ewolucji chińskiego społeczeństwa pod wpływem reform gospodarczych. Wprowadzenie elementów gospodarki rynkowej przez rząd ChRL doprowadziło do urbanizacji i rozbicia Chińczyków. Fanzhi przedstawia mieszkańców współczesnych chińskich miast, którzy muszą walczyć o miejsce pod słońcem. Dobrze znana kompozycja fresku Leonarda w odczytaniu Fanzhiego nabiera zupełnie innego znaczenia: scena akcji zostaje przeniesiona z Jerozolimy do klasy chińskiej szkoły z typowymi tablicami hieroglifów na ścianach. „Chrystus” i „apostołowie” zamienili się w pionierów ze szkarłatnymi krawatami, a tylko „Judasz” nosi złoty krawat – to metafora zachodniego kapitalizmu przenikającego i niszczącego zwykły sposób życia w kraju socjalistycznym.

Prace Zeng Fanzhi są stylistycznie bliskie europejskiemu ekspresjonizmowi i równie dramatyczne. Ale jednocześnie są pełne chińskiej symboliki i specyfiki. Ta wszechstronność przyciąga do twórczości artysty zarówno chińskich, jak i zachodnich kolekcjonerów. Bezpośrednim potwierdzeniem tego jest pochodzenie „Ostatniej wieczerzy”: dzieło wystawił na aukcję słynny kolekcjoner chińskiej awangardy lat 80. i początku 90. XX wieku, belgijski baron Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN Most. 1980. 20,6 miliona dolarów

Na aukcji Christie’s 13 maja 2015 r praca abstrakcyjna "Most" 85-letni amerykański artysta Roberta Rymana(Robert Ryman) został sprzedany za 20,6 miliona dolarów biorąc pod uwagę prowizję - dwa razy droższe niż dolna wycena.

Roberta Rymana(1930) nie od razu zdawał sobie sprawę, że chce zostać artystą. W wieku 23 lat przeprowadził się do Nowego Jorku z Nashville w stanie Tennessee, chcąc zostać saksofonistą jazzowym. Dopóki nie stał się sławnym muzykiem, musiał pracować jako ochroniarz w MoMA, gdzie poznał Sola LeWitta i Dana Flavina. Pierwsza pracowała w muzeum jako nocna sekretarka, druga jako ochroniarz i operator windy. Pod wrażeniem dzieł abstrakcyjnych ekspresjonistów, które zobaczył w MoMA – Rothko, De Kooninga, Pollocka i Newmana – Robert Ryman sam zajął się malarstwem w 1955 roku.

Ryman często uchodzi za minimalistę, jednak woli, żeby nazywano go „realistą”, gdyż nie interesuje go tworzenie iluzji, a jedynie ukazywanie walorów materiałów, z których korzysta. Większość jego prac malowana jest farbami we wszystkich możliwych odcieniach bieli (od szarawej lub żółtawej po olśniewającą biel) w oparciu o lakoniczny kwadratowy kształt. Robert Ryman w swojej karierze próbował wielu materiałów i technik: malował olejem, akrylem, kazeiną, emalią, pastelami, gwaszem itp. na płótnie, stali, plexi, aluminium, papierze, tekturze falistej, winylu, tapetach itp. Jego przyjaciel, profesjonalny konserwator Orrin Riley, doradził mu w sprawie korozyjności materiałów, których miał zamiar użyć. Jak powiedział kiedyś artysta: „Nigdy nie mam pytań Co napisz, najważniejsze Jak pisać". Wszystko zależy od faktury, charakteru pociągnięć, granicy między powierzchnią farby a krawędziami podłoża, a także relacji między dziełem a ścianą. Od 1975 roku szczególnym elementem jego twórczości są oprawy, które Ryman sam projektuje i celowo pozostawia widoczne, podkreślając, że jego prace są „tak prawdziwe jak ściany, na których wiszą”. Ryman woli nadawać swoim pracom „nazwy”, a nie „tytuły”. „Nazwa” pomaga odróżnić prace od innych, a Ryman często nadaje swoim pracom nazwy marek farb, firm itp., a „tytuł” ​​przywołuje na myśl jakieś aluzje i głęboko ukryte znaczenia, których obecność w jego pracach artysta regularnie zaprzecza. Nie liczy się nic oprócz materiału i techniki.

13. DAMIEN HURST Senna wiosna. 2002. 19,2 miliona dolarów

Do angielskiego artysty Damien Hirst (1965) miał jako pierwszy zająć pierwsze miejsce w tym rankingu w sporze z żywym klasykiem Jasperem Johnsem. Wspomniane już dzieło „Fałsz start” mogłoby przez długi czas pozostać niezatapialnym liderem 21 czerwca 2007 instalacja autorstwa 42-letniego wówczas Hirsta „Śpiąca wiosna”(2002) nie został sprzedany w Sotheby's za funty 9,76 mln, czyli za 19,2 mln dolarów. Nawiasem mówiąc, dzieło ma dość nietypowy format. Z jednej strony mamy gablotę z atrapami tabletek (6136 tabletek), w zasadzie klasyczną instalację. Z drugiej strony witryna ta jest wykonana na płasko (głębokość 10 cm), umieszczona w ramie i zawieszona na ścianie jak panel plazmowy, zapewniając w pełni komfort użytkowania typowy dla obrazów. W 2002 roku siostrzana instalacja, Sleepy Winter, została sprzedana za 7,4 miliona dolarów, czyli o ponad połowę mniej. Ktoś „wyjaśnił” różnicę w cenie mówiąc, że zimą tabletki bardziej wyblakną. Ale jasne jest, że to wyjaśnienie jest całkowicie bezpodstawne, ponieważ mechanizm ustalania cen takich rzeczy nie jest już powiązany z ich dekoracyjnym charakterem.

W 2007 roku wielu uznało Hirsta za autora najdroższego dzieła wśród żyjących artystów. Pytanie jednak należy do kategorii „w zależności od tego, jak liczyć”. Faktem jest, że Hirsta sprzedano za drogie funty, a Jonesa za teraz tańsze dolary, a nawet dwadzieścia lat temu. Ale nawet jeśli liczymy według wartości nominalnej, bez uwzględnienia 20-letniej inflacji, wówczas praca Hirsta była droższa w dolarach, a Jonesa w funtach. Sytuacja była na granicy i każdy mógł swobodnie decydować, kogo uważa za najdroższego. Jednak Hearst nie utrzymał się długo na pierwszym miejscu. W tym samym 2007 roku został wyparty z pierwszego miejsca przez Koonsa ze swoim „Wiszącym sercem”.

Tuż w przededniu światowego spadku cen sztuki współczesnej Hirst podjął się bezprecedensowego dla młodego artysty przedsięwzięcia – indywidualnej aukcji jego dzieł, która odbyła się 15 września 2008 roku w Londynie. Ogłoszona dzień wcześniej wiadomość o upadłości banku Lehman Brothers wcale nie zepsuła apetytu miłośnikom sztuki współczesnej: spośród 223 dzieł oferowanych przez Sotheby's tylko pięć nie znalazło nowych właścicieli (swoją drogą jednym z nabywców był Wiktor Pinczuk). Praca „Złoty Byk”- ogromny wypchany byk w formaldehydzie, zwieńczony złotym dyskiem - przyniósł tyle 10,3 miliona funtów (18,6 miliona dolarów). To najlepszy wynik Hirsta przeliczony w funtach (walucie, w której przeprowadzono transakcję). Jednak rankingujemy w przeliczeniu na dolary, więc (niech Złoty Cielę nam wybaczy) nadal będziemy uważać „Śpiącą wiosnę” za najlepszą sprzedaż Hirsta.

Od 2008 roku Hirst nie osiągnął sprzedaży na poziomie „Śpiącej wiosny” i „Złotego cielca”. Świeże płyty z 2010 roku - za twórczość Richtera, Jonesa, Fanzhi, Woola i Koonsa - przesunęły Damiena na szóste miejsce w naszym rankingu. Nie osądzajmy jednak kategorycznie końca ery Hearsta. Zdaniem analityków Hirst jako „supergwiazda” przeszedł już do historii, co oznacza, że ​​będzie kupowany na bardzo długi czas; Największą wartość w przyszłości mają jednak prace powstałe w najbardziej nowatorskim okresie jego twórczości, czyli w latach 90. XX wieku.

14. MAURIZIO CATTELAN Jego. 2001. 17,19 miliona dolarów

Włoch Maurizio Cattelan (1960) zajął się sztuką po pracy jako ochroniarz, kucharz, ogrodnik i projektant mebli. Artysta samouk zasłynął na całym świecie dzięki ironicznym rzeźbom i instalacjom. Zrzucił na papieża meteoryt, żonę klienta zamienił w trofeum myśliwskie, zrobił dziury w podłodze Muzeum Starych Mistrzów, pokazał giełdzie w Mediolanie gigantyczny środkowy palec, a na jarmark Frieze przywiózł żywego osła. W najbliższej przyszłości Cattelan obiecuje zainstalować złotą toaletę w Muzeum Guggenheima. Ostatecznie wybryki Maurizio Cattelana zyskały szerokie uznanie w świecie sztuki: został zaproszony na Biennale w Wenecji (instalacja „Inni” w 2011 r. - stado dwóch tysięcy gołębi, które ze wszystkich rur i belek groźnie spoglądają na tłumy gości przechodzących poniżej), zorganizował retrospektywę w Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku (listopad 2011) i wreszcie za swoje rzeźby zapłacono mu mnóstwo pieniędzy.

Od 2010 roku najdroższym dziełem Maurizio Cattelana jest woskowa rzeźba mężczyzny wyglądającego przez dziurę w podłodze, przypominającego wyglądem samego artystę (Bez tytułu, 2001). Ta rzeźba-instalacja, istniejąca w trzech egzemplarzach plus kopia autorska, została po raz pierwszy pokazana w Muzeum Boijmans van Beuningen w Rotterdamie. Następnie ta złośliwa postać wyjrzała z dziury w podłodze sali z obrazami holenderskich malarzy z XVIII - XIX wieku. W tej pracy Maurizio Cattellan kojarzy się z śmiałym przestępcą wkraczającym do sakralnej przestrzeni sali muzealnej z obrazami wielkich mistrzów. Chce w ten sposób pozbawić sztukę aureoli świętości, jaką nadają jej mury muzeów. Dzieło, które wymaga każdorazowego wyeksponowania dziur w podłodze, zostało sprzedane w Sotheby’s za 7,922 mln dolarów.

Rekord trwał do 8 maja 2016 r., kiedy to jeszcze bardziej prowokacyjne dzieło Cattelana „On” przedstawiające klęczącego Hitlera zostało sprzedane na aukcji za 17,189 mln dolarów. To dziwna rzecz. Nazwa jest dziwna. Wybór postaci jest ryzykowny. Jak wszystko od Cattelana. Co On ma na myśli? „Jego” czy „Jego piekielny majestat”? Jasne jest, że na pewno nie mówimy o gloryfikowaniu wizerunku Führera. Hitler pojawia się w tym dziele raczej w bezradnej, żałosnej formie. I absurdalne – wcielenie Szatana jest wysokie jak dziecko, ubrane w strój uczniaka i klęczące z pokornym wyrazem twarzy. Dla Cattelana ten obraz jest zaproszeniem do zastanowienia się nad naturą absolutnego zła i sposobem na pozbycie się lęków. Nawiasem mówiąc, rzeźba „On” jest dobrze znana zachodnim odbiorcom. Jej bracia z tej serii byli wystawiani ponad 10 razy w wiodących muzeach na całym świecie, w tym w Centrum Pompidou i Muzeum Solomona Guggenheima.

15. MARK GROTJAN Bez tytułu (S III wydany we Francji Twarz 43.14). 2011. 16,8 miliona dolarów

17 maja 2017 roku na wieczornej aukcji Christie’s w Nowym Jorku pojawił się jeden z najwspanialszych obrazów Marka Grotjahna, jaki kiedykolwiek wystawiono na aukcję. Obraz „Bez tytułu (S III wydany do Francji, twarz 43,14)” został wystawiony przez paryskiego kolekcjonera Patricka Seguina za szacunkową kwotę 13–16 mln dolarów, a ponieważ sprzedaż działki była gwarantowana przez stronę trzecią, nikt nie był szczególnie zaskoczony poprzez ustanowienie przez 49-letniego artystę nowego osobistego rekordu aukcyjnego. Cena młotkowa wynosząca 14,75 mln dolarów (w tym premia kupującego w wysokości 16,8 mln dolarów) przekroczyła poprzedni rekord aukcyjny Grotjahna o ponad 10 mln dolarów, co plasuje go w gronie żyjących artystów, których prace sprzedają się za ośmiocyfrowe sumy. W skarbcu aukcyjnym Marka Grotjahna znajduje się już około trzydziestu siedmiocyfrowych wyników (sprzedaż powyżej 1 miliona dolarów, ale nie więcej niż 10 milionów dolarów).

Mark Grotjahn (1968), w którego twórczości eksperci dostrzegają wpływ modernizmu, abstrakcyjnego minimalizmu, popu i op-artu, do swojego charakterystycznego stylu doszedł w połowie lat 90., po przeprowadzce z przyjacielem Brentem Petersonem do Los Angeles i otwarciu tam galerii „Pokój 702” Jak sam artysta wspomina, już wtedy zaczął się zastanawiać, co było dla niego w sztuce najważniejsze. Szukał motywu, z którym mógłby poeksperymentować. I zdałam sobie sprawę, że zawsze interesowała go linia i kolor. Eksperymenty w duchu Rayonizmu i minimalizmu z perspektywą linearną, licznymi punktami zbiegu i wielokolorowymi abstrakcyjnymi trójkątnymi kształtami ostatecznie przyniosły Grotjahnowi światową sławę.

Od abstrakcyjnych, kolorowych krajobrazów z wieloma liniami horyzontu i znikającymi punktami perspektywy, w końcu dotarł do trójkątnych kształtów przypominających skrzydła motyla. Malarstwo Grotjahna 2001–2007 To właśnie nazywają „motylami”. Dziś przesunięcie punktu zbiegu lub wykorzystanie kilku oddalonych od siebie w przestrzeni punktów zbiegu na raz uważane jest za jedną z najpotężniejszych technik artysty.

Kolejny duży cykl prac nosił tytuł „Twarze”; w abstrakcyjnych liniach tego cyklu można dostrzec rysy ludzkiej twarzy, uproszczone do stanu maski w duchu Matisse’a, Jawlensky’ego czy Brancusiego. Mówiąc o skrajnym uproszczeniu i stylizacji form, o rozwiązaniu kompozycyjnym obrazów, gdy rozproszone kontury oczu i ust zdają się patrzeć na nas z leśnej gęstwiny, badacze zwracają uwagę na związek „Twarz” Grotjahna ze sztuką prymitywne plemiona Afryki i Oceanii, a sam artysta po prostu „lubi obrazy oczu wyglądających z dżungli. Czasami wyobrażałem sobie twarze pawianów lub małp. Nie mogę powiedzieć, że świadomie lub podświadomie byłem pod wpływem prymitywnej sztuki afrykańskiej; raczej byłem pod wpływem artystów, którzy byli pod jej wpływem. Picasso jest najbardziej oczywistym przykładem”.

Prace z cyklu „Twarze” nazywane są brutalnymi i eleganckimi, przyjemnymi dla oka i przyjemnymi dla umysłu. Z biegiem czasu zmienia się także faktura tych prac: dla uzyskania efektu wewnętrznej przestrzeni artysta używa szerokich pociągnięć gęstej farby, a nawet rozprysków w stylu Pollocka, jednak powierzchnia obrazu jest wypoziomowana tak, że po bliższym przyjrzeniu się wydaje się całkowicie płaski. Obraz „Bez tytułu (S III wydany Francji, twarz 43,14)”, który ustanowił rekord aukcji, należy właśnie do tej słynnej serii Marka Grotjahna.

16. TAKASHI MURAKAMI Mój samotny kowboj. 15,16 mln dolarów

język japoński Takashi Murakami (1962) wszedł do naszej oceny z rzeźbą „Mój samotny kowboj”, sprzedany w Sotheby's w maju 2008 roku za $ 15,16 mln. Dzięki tej sprzedaży Takashi Murakami był przez długi czas uważany za żyjącego artystę azjatyckiego odnoszącego największe sukcesy – dopóki nie przyćmiła go sprzedaż „Ostatniej wieczerzy” Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami pracuje jako malarz, rzeźbiarz, projektant mody i animator. Murakami chciał za podstawę swojej twórczości wziąć coś prawdziwie japońskiego, bez zachodnich i innych zapożyczeń. W latach studenckich fascynował się tradycyjnym japońskim malarstwem nihonga, które później zostało zastąpione popularną sztuką anime i mangi. Tak narodził się psychodeliczny Mr DOB, wzory uśmiechniętych kwiatów i jasne, błyszczące rzeźby z włókna szklanego, jakby prosto z kart japońskich komiksów. Niektórzy uważają sztukę Murakamiego za fast food i ucieleśnienie wulgarności, inni nazywają artystę Japończykiem Andym Warholem – a w szeregach tego ostatniego, jak widzimy, jest wielu bardzo bogatych ludzi.

Nazwę swojej rzeźby Murakami zapożyczył od filmu Andy’ego Warhola „Samotni kowboje” (1968), którego Japończycy, jak sam przyznał, nigdy nie oglądali, ale bardzo spodobało mu się to połączenie słów. Murakami zarówno zadowolił fanów japońskich komiksów erotycznych, jak i wyśmiał ich jedną rzeźbą. Powiększony, a także trójwymiarowy bohater anime zamienia się w fetysz kultury masowej. Ta artystyczna wypowiedź jest w duchu klasycznego zachodniego pop-artu (pamiętajcie Państwo zestaw mebli Allena Jonesa czy „Różową Panterę” Koonsa), ale z akcentem narodowym.

17. KAWS. Album zespołu KAWS. 2005. 14 784 505 dolarów

KAWS to pseudonim amerykańskiego artysty Briana Donnelly’ego z New Jersey. To najmłodszy uczestnik naszego rankingu, urodzony w 1974 roku. Donelly zaczynał jako animator w Disneyu (malował tła do kreskówek „101 dalmatyńczyków” i innych). Od młodości interesował się graffiti. Jego charakterystycznym projektem na początku była czaszka z literą „X” w miejscu oczodołów. Twórczością młodego pisarza pokochały postacie show-biznesu i ludzie z branży modowej: stworzył okładkę albumu Kanye Westa, wydał we współpracy z Nike, Comme des Garçons i Uniqlo. Z biegiem czasu KAWS stał się znaną postacią w świecie sztuki współczesnej. Jego charakterystyczna postać, przypominająca Myszkę Miki, zakorzeniła się w muzeach, przestrzeni publicznej i kolekcjach prywatnych. Dawno, dawno temu firma KAWS wraz z marką My Plastic Heart wypuściła limitowaną edycję zabawek winylowych, które niespodziewanie stały się obiektem dużego zainteresowania kolekcjonerów. Jednym z zapalonych kolekcjonerów tych „zabawek” jest założyciel Black Star, raper Timati: zebrał prawie w całości całą serię „Cavs Companions”.

Dzieło KAWS ustanowiło rekord twórczości artysty – 14,7 mln dolarów – na aukcji Sotheby’s w Hongkongu 1 kwietnia 2019 r. Wcześniej znajdowała się w kolekcji japońskiego projektanta mody Nigo. Album KAWS jest hołdem złożonym okładce słynnego albumu The Beatles z 1967 roku „Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”. Tyle że zamiast ludzi są na nim Kimpsons – stylizowane postacie z serialu animowanego The Simpsons z „X” zamiast oczu.

18. JIN SHANI Tadżycka panna młoda. 1983. 13,89 miliona dolarów

Wśród stosunkowo młodych i współczesnych artystów chińskich, należących do tzw. „nowej fali” drugiej połowy lat 80. w sztuce chińskiej, w naszym rankingu dość nieoczekiwanie znalazł się przedstawiciel zupełnie innego pokolenia i innej szkoły. Jin Shangyi, ponad 80-letni obecnie, jest jednym z czołowych przedstawicieli pierwszego pokolenia artystów w komunistycznych Chinach. Poglądy tej grupy artystów ukształtowały się w dużej mierze pod wpływem ich najbliższego komunistycznego sojusznika – ZSRR.

Oficjalna sztuka radziecka, socrealizm i malarstwo olejne, które było wówczas niezwykłe w Chinach (w przeciwieństwie do tradycyjnego chińskiego malarstwa tuszem), osiągnęły szczyt popularności w latach pięćdziesiątych XX wieku, a radziecki artysta Konstantin zaczął wykładać na Pekińskim Uniwersytecie Artystycznym przez trzy lata (od 1954 do 1957) Metodiewicz Maksimow. Jin Shani, który był wówczas najmłodszy w grupie, trafił do jego klasy. Artysta zawsze ciepło wspominał swojego nauczyciela, mówiąc, że to Maksimov nauczył go poprawnie rozumieć i przedstawiać model. K. M. Maksimov wyszkolił całą plejada chińskich realistów, obecnie klasyków.

W twórczości Jin Shana można wyczuć wpływ zarówno radzieckiego „stylu surowego”, jak i europejskiej szkoły malarstwa. Artysta wiele czasu poświęcał studiowaniu dziedzictwa renesansu i klasycyzmu, uznając za konieczne zachowanie w swoich pracach ducha chińskiego. Obraz „Tadżycka panna młoda”, namalowany w 1983 roku, uważany jest za powszechnie uznawane arcydzieło, nowy kamień milowy w twórczości Jin Shana. Został wystawiony na aukcję przez China Guardian w listopadzie 2013 roku i sprzedał się kilkakrotnie więcej niż szacowano – za 13,89 mln dolarów łącznie z prowizją.

19. BANKSY Rozłożony parlament. 2008. 12,14 miliona dolarów

Murale z oznaczeniami Banksy’ego zaczęły pojawiać się na murach miejskich (najpierw w Wielkiej Brytanii, a potem na całym świecie) pod koniec lat 90. Jego filozoficzne, a zarazem przejmujące graffiti poświęcone były problematyce ataku państwa na wolności obywateli, zbrodni przeciwko środowisku, nieodpowiedzialnej konsumpcji i nieludzkości systemu nielegalnej migracji. Z biegiem czasu „wyrzuty” Banksy’ego zyskały niespotykaną popularność medialną. Faktycznie stał się jednym z głównych przedstawicieli opinii publicznej potępiającej hipokryzję państw i korporacji, powodującą rosnącą niesprawiedliwość w systemie kapitalistycznym.

Znaczenie Banksy'ego, wyczucie „nerwu czasu” i trafność jego metafor docenili nie tylko widzowie, ale także kolekcjonerzy. W latach 2010-tych za jego dzieła przekazano setki tysięcy, a nawet ponad milion dolarów. Doszło do tego, że graffiti Banksy’ego zostało zniszczone i skradzione wraz z fragmentami ścian.

W dobie zaawansowanego nadzoru cyfrowego Banksy’emu wciąż udaje się zachować anonimowość. Istnieje wersja, że ​​nie jest to już jedna osoba, ale grupa kilku artystów, na czele której stoi utalentowana kobieta. To by wiele wyjaśniało. I zewnętrzna odmienność pisarzy, uchwycona w obiektywach kamer świadków, i bezosobowy sposób nakładania szablonu (zapewnia dużą prędkość i nie wymaga bezpośredniego udziału autora) oraz wzruszający romans bohaterów obrazów ( kulki, płatki śniegu itp.). Tak czy inaczej, ludzie z projektu Banksy'ego, w tym jego asystenci, wiedzą, jak trzymać gębę na kłódkę.

W 2019 roku najdroższym dziełem Banksy’ego nieoczekiwanie stało się czterometrowe płótno Parlament zdecentralizowany („zdegradowany”, „zdegradowany” lub „zdecentralizowany” parlament). Szympansy kłócące się w Izbie Gmin zdają się kpić z publiczności w roku skandalicznego Brexitu. Zaskakujące jest, że obraz powstał 10 lat przed tym historycznym punktem zwrotnym i dlatego ktoś uważa go za proroczy. Na aukcji Sotheby's 3 października 2019 r. podczas zaciętej licytacji nieznany nabywca kupił ten olej za 12 143 000 dolarów – sześć razy drożej niż wstępnie szacowano.

20. JOHN CURREN „Słodki i prosty”. 1999. 12,007 milionów dolarów

Amerykański artysta Johna Currana (1962) znany ze swoich satyrycznych obrazów figuratywnych na prowokacyjne tematy seksualne i społeczne. W pracach Currena udaje się łączyć techniki malarskie dawnych mistrzów (zwłaszcza Lucasa Cranacha Starszego i manierystów) z fotografiami mody z kolorowych magazynów. Osiągając większą groteskowość, Curren często zaburza proporcje ludzkiego ciała, powiększa lub pomniejsza jego poszczególne części, przedstawia bohaterów w połamanych, manierycznych pozach.

Curren zaczynał w 1989 roku od portretów dziewcząt przerysowanych ze szkolnego albumu; kontynuowana na początku lat 90. obrazami cycatych piękności, inspirowanymi zdjęciami z Cosmopolitan i Playboya; w 1992 r. ukazały się portrety zamożnych starszych pań; w 1994 roku Curren poślubił rzeźbiarkę Rachel Feinstein, która na wiele lat stała się jego główną muzą i modelką. Pod koniec lat 90. mistrzostwo techniczne Currena w połączeniu z kiczem i groteskowością jego obrazów przyniosło mu popularność. W 2003 roku Larry Gagosian podjął się promocji artysty i jeśli taki handlarz jak Gagosian przyjmie artystę, sukces jest gwarantowany. W 2004 roku w Whitney Museum odbyła się retrospektywa Johna Currana.

Mniej więcej w tym czasie jego prace zaczęły być sprzedawane za sześciocyfrowe sumy. Aktualny rekord za obraz Johna Currena należy do dzieła „Sweet and Simple” sprzedanego 15 listopada 2016 roku w Christie's za 12 milionów dolarów. Obraz z dwoma aktami ledwo przekroczył dolną szacunkową kwotę 12–18 milionów dolarów. A jednak dla Johna Currana, który ma już ponad 50 lat, jest to zdecydowanie przełom w mojej karierze. Jego poprzedni rekord z 2008 roku wynosił 5,5 miliona dolarów (nawiasem mówiąc, za tę samą pracę „Sweet and Simple”).

21. BRYCE MARDEN Uczestniczył. 1996–1999 10,917 mln dolarów

Kolejnym żyjącym amerykańskim artystą abstrakcjonistą w naszym rankingu jest Brice Marden (1938). Prace Mardena utrzymane w stylu minimalizmu, a od końca lat 80. XX w. malarstwa gestycznego, wyróżniają się niepowtarzalną, nieco stonowaną paletą. Połączenia kolorystyczne w pracach Mardena inspirowane są jego podróżami po całym świecie - Grecji, Indiach, Tajlandii, Sri Lance. Wśród autorów, którzy wpłynęli na rozwój Mardena, są Jackson Pollock (na początku lat 60. Marden pracował jako ochroniarz w Muzeum Żydowskim, gdzie na własne oczy był świadkiem „ociekania” Pollocka), Alberto Giacometti (zaznajomiony z jego twórczością w Paryżu) i Robert Rauschenberg (niektórzy Marden pracowali przez pewien czas jako jego asystent). Pierwszy etap twórczości Marden poświęcony był klasycznym, minimalistycznym płótnom składającym się z kolorowych prostokątnych bloków (poziomych lub pionowych). W przeciwieństwie do wielu innych minimalistów, którzy poszukiwali idealnej jakości dzieł, które wyglądały, jakby były drukowane maszynowo, a nie rysowane przez człowieka, Marden utrwalała ślady twórczości artysty i łączyła różne materiały (wosk i farby olejne). Od połowy lat 80. pod wpływem orientalnej kaligrafii abstrakcję geometryczną zastąpiły kręte, meandrowe linie, dla których tłem były te same monochromatyczne pola barwne. Jedna z tych „znaczących” prac, „The Attended”, została sprzedana w Sotheby’s w listopadzie 2013 r. za 10,917 mln dolarów (w tym prowizja).

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 grudnia 1959. 10,6 miliona dolarów

23. ZHANG XIAOGAN Wieczna miłość. 10,2 miliona dolarów

Kolejny przedstawiciel chińskiej sztuki współczesnej - symbolista i surrealista Zhang Xiaoganga (1958). Na aukcji Sotheby's w Hongkongu 3 kwietnia 2011, gdzie sprzedano chińską sztukę awangardową z kolekcji belgijskiego barona Guya Ullensa, tryptyk Zhanga Xiaoganga "Wieczna miłość" został sprzedany za $ 10,2 miliona. Był to wówczas rekord nie tylko artysty, ale całej chińskiej sztuki współczesnej. Mówią, że dzieło Xiaoganga kupiła żona miliardera Wang Wei, która planuje otworzyć własne muzeum.

Zhang Xiaogang, który interesuje się mistycyzmem i filozofią Wschodu, napisał historię „Wiecznej Miłości” w trzech częściach – życiu, śmierci i odrodzeniu. Tryptyk ten znalazł się na kultowej wystawie Chiny/Awangarda z 1989 roku w Narodowym Muzeum Sztuki. Również w 1989 r. wojsko brutalnie stłumiło demonstracje studenckie na placu Tiananmen. Po tym tragicznym wydarzeniu zaczęto dokręcać śruby – ekspozycja w Muzeum Narodowym uległa rozproszeniu, wielu artystów wyemigrowało. W odpowiedzi na narzucony z góry socrealizm powstał kierunek realizmu cynicznego, którego jednym z głównych przedstawicieli był Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezradny Henry Moore. 1967. 9,9 miliona dolarów

amerykański Bruce Nauman (1941), zdobywcy głównej nagrody na 48. Biennale w Wenecji (1999), osiągnięcie swojego rekordu zajęło dużo czasu. Nauman rozpoczął karierę w latach sześćdziesiątych. Koneserzy nazywają go, obok Andy'ego Warhola i Josepha Beuysa, jedną z najbardziej wpływowych postaci w sztuce drugiej połowy XX wieku. Jednak wytężona intelektualność i absolutny brak dekoracyjności niektórych jego dzieł w oczywisty sposób uniemożliwiły mu szybkie uznanie i sukces wśród szerokiej publiczności. Nauman często eksperymentuje z językiem, odkrywając nieoczekiwane znaczenia w znanych zwrotach. Słowa stają się bohaterami wielu jego dzieł, m.in. neonowych pseudoznaków i paneli. Sam Nauman nazywa siebie rzeźbiarzem, choć na przestrzeni ostatnich czterdziestu lat próbował swoich sił w zupełnie innych gatunkach – rzeźbie, fotografii, sztuce wideo, performance, grafice. Na początku lat dziewięćdziesiątych Larry Gagosian wypowiedział prorocze słowa: „Musimy jeszcze zdać sobie sprawę z prawdziwej wartości dzieła Naumana”. Oto jak to się stało: 17 maja 2001 w Christie's, dzieło Naumana z 1967 roku „Bezradny Henry Moore (widok z tyłu)”(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ustanowił nowy rekord w segmencie sztuki powojennej. Odlew dłoni Naumana zawiązanych na plecach, wykonany z gipsu i wosku, poszedł pod młotek za dolara 9,9 miliona do kolekcji francuskiego potentata Francois Pinaulta (według innych źródeł Amerykanki Phyllis Wattis). Wartość prac wyceniono na zaledwie 2–3 miliony dolarów, więc wynik był dla wszystkich prawdziwym zaskoczeniem.

Przed tą legendarną wyprzedażą tylko dwa dzieła Naumana przekroczyły granicę miliona dolarów. I w całej jego aukcyjnej karierze tylko sześć dzieł, oprócz „Henry’ego Moore’a…”, poszło za siedmiocyfrowe sumy, ale ich wyników nadal nie można porównywać z dziewięcioma milionami.

„Bezradny Henry Moore” to jedna z serii polemicznych prac Naumana na temat postaci Henry’ego Moore’a (1898–1986), brytyjskiego artysty, który w latach sześćdziesiątych uznawany był za jednego z najwybitniejszych rzeźbiarzy XX wieku. Młodzi autorzy, którzy znaleźli się w cieniu uznanego mistrza, następnie zaatakowali go ostrą krytyką. Twórczość Naumana jest odpowiedzią na tę krytykę i jednocześnie refleksją nad tematem kreatywności. Tytuł dzieła staje się grą słów, gdyż łączy w sobie dwa znaczenia angielskiego słowa związany – związany (w sensie dosłownym) i skazany na pewien los.

Uwaga! Wszelkie materiały znajdujące się w serwisie oraz znajdująca się w serwisie baza danych wyników aukcji, w tym ilustrowane informacje referencyjne o dziełach sprzedanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej. Wykorzystywanie w celach komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest niedozwolone. Serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów udostępnionych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz z bazy danych na żądanie uprawnionego organu.

Sztuka najdroższych młodych rosyjskich artystów (nawet tych, których nazwiska słyszano od dawna) jest nadal dość dostępna. „Bilet wstępu” do pierwszej dwudziestki będzie kosztować niecałe 5000 dolarów

Źródłem inspiracji dla naszego nowego rankingu było najnowsze, ciekawe zestawienie 10 najdroższych dzieł artystów poniżej 33. roku życia, które pochodziły od dwóch nazwisk. Nie chcąc podobnego losu dla naszych autorów, kierowaliśmy się tradycyjną zasadą „jeden artysta – jeden obraz”.

Ponadto zdecydowano o podniesieniu granicy wieku młodego artysty z 33 do 35 lat. Bo to właśnie ten wiek przyjmuje się za formalne kryterium „młodego artysty” w rosyjskich konkursach, nagrodach i biennale. W szczególności mija 35 lat od nominacji „Nowe pokolenie” do nagrody za innowacyjność, do nominacji „Młody artysta” do nagrody Kandinsky’ego, za udział w Moskiewskim Międzynarodowym Biennale Młodej Sztuki Youngart.ru, za zachętę stypendia Centrum Garaż i wiele innych projektów dla młodych artystów. Dlatego niechętnie musieliśmy wykluczyć z rankingu wszystkie osoby urodzone przed 1979 rokiem.

Kolejne kryterium wyboru: miejsce urodzenia - ZSRR. Dlatego w rankingu biorą udział nie tylko nasi obecni rodacy, ale także inni artyści z orbity sztuki rosyjskiej z bliższej i dalszej zagranicy - czy to Ukrainy, Francji czy Wielkiej Brytanii. Nie dajcie się więc zmylić indywidualnymi nazwami – tak właśnie wszystko zostało zamierzone.

I oczywiście nasza ocena, jak zawsze, opiera się wyłącznie na sprzedaży na aukcjach publicznych. Oferty galerii nie są brane pod uwagę, ponieważ jest to bardzo podejrzana sprawa. Ceny nie uwzględniają prowizji kupującego i tradycyjnie podawane są w walucie transakcji oraz w dolarach według kursu obowiązującego w dniu sprzedaży. Oto co otrzymaliśmy.

Co można zauważyć na podstawie wyników?

Sztuka młodych rosyjskich artystów (nawet tych, których nazwiska słyszano od dawna) jest nadal stosunkowo niedroga. „Bilet wstępu” do pierwszej dwudziestki będzie kosztować mniej niż 5000 dolarów. A już za 8–10 000 dolarów kolekcjonerzy mogli kupić to, co najlepsze znanej Tatiany Achmetgalievej, Walerego Chtaka czy mniej znanego „rosyjskiego Francuza” Witalija Rusakowa. Francuska galeria przywiozła niedawno graffiti tego ostatniego do Moskwy na Salon Sztuk Pięknych – tam, jak mówili, artysta cieszy się dość dużą popularnością. W sumie będziesz zaskoczony, aby wykupić całą dwudziestkę najlepszych rosyjskich dzieł sztuki młodej, hipotetyczny kolekcjoner lub inwestor potrzebowałby 218 903 dolarów (skorygowanych o warunek „jeden artysta – jeden obraz”).

Poszukiwacze uniwersalnej „formuły na sukces” w sztuce i tym razem będą zawiedzeni. W twórczości grupy rekordzistów nie ma jednego dominującego stylu i kierunku. Wręcz przeciwnie, reprezentowana jest szeroka gama gatunków i trendów. Od postmodernizmu do realizmu. Istnieje również pełna różnorodność technologiczna. Jest grafika, fotografia, tkaniny i ceramika. Ale nadal 11 z 20 prac to obrazy (płótno, olej lub akryl). Jest to pozdrowienie dla tych, którzy od dawna przepowiadali śmierć malarstwa w ogóle, a sztuki współczesnej w szczególności.

Zatem rodzaj sztuki i gatunek dzieła nie są decydujące. Jednocześnie jasne jest, że aby odnieść sukces, trzeba „być w trendzie” - i to nie w Rosji, ale na świecie. Próbują to zrobić młodzi rosyjscy artyści: ich prace są niezwykle aktualne.

Aby to osiągnąć, w wielu przypadkach wykorzystują dotkliwe problemy społeczne, odpowiednie motywy wizualne i techniki artystyczne, mieszając rodzaje i gatunki sztuki w duchu postmodernistycznym. Podobnie jak nanoszenie wzoru na powierzchnię płótna, jak w przypadku graffiti, lub techniki sztuki cyfrowej w malarstwie. Jednak mimo całego postmodernizmu i ostrej orientacji społecznej autorzy wyraźnie nie zapominają, że prace te powinny również cieszyć oko i wpisywać się w wystrój nowoczesnych wnętrz. Stąd gładkość i połysk, ukłon w stronę realizmu (fotorealizmu). I oczywiście uznajmy to za ogromny plus dla kupujących, że nasza ocena młodych artystów nadal obeszła się bez romantycznie słodkich aktów, które są masowo sprzedawane na aukcjach (na szczęście głównie na aukcjach wnętrz) i jeszcze bardziej entuzjastycznie publikowane na blogach.

Kolejną rzeczą, która rzuca się w oczy, jest duża różnica między pierwszym a drugim wynikiem. Rekordowo innowacyjna sztuka cyfrowa Olega Dou oddziela ją od drugiego miejsca – obrazu Veroniki Smirnovej – aż o 20 tysięcy dolarów. Swoją drogą, gdybyśmy złamali zasadę „jeden artysta – jedno zdjęcie” – i rosyjski ambasador programu Adobe Photoshop (w kwietniu 2012 r. dzieło Olega Dou zdobiło okładkę wersji CS6 Photoshopa) zajęłoby dodatkowe siedem miejsc w naszym rankingu ze swoimi pracami. Dlaczego nie Liu Chunxi? Ale nasza Doe jest nawet o dwa lata młodsza.

Co zaskakujące, prawie połowa rekordów w naszej dwudziestce pochodzi z lat 2011–2013. Oznacza to, że nie są to jakieś przedkryzysowe „rzeczy z dawnych czasów”, ale całkiem żywy proces komercyjny.

Warto również zauważyć, że tylko sześć prac z 20 najlepszych ocen uzyskało wysokie oceny na naszych aukcjach krajowych - w kijowskiej „Złotej Sekcji” i na moskiewskim VLADEY oraz aukcji „Rosyjskiej Galerii Sztuki”. Cała reszta zbierała gotówkę na aukcjach zagranicznych, najczęściej u Phillipsa, który jednak również należy do rosyjskich właścicieli. I nie chodzi tu tylko o to, że w jego własnym kraju nie ma proroka. I nie tylko, że w Rosji kupowanie dzieł młodych artystów nadal postrzegane jest niemal jako dziwactwo. A także, że krajowa infrastruktura aukcyjna współpracująca ze sztuką współczesną dopiero zaczyna nabierać kształtu. Na tej samej aukcji VLADEY odbyła się niedawno tylko pierwsza aukcja, a starzy moskiewskiego rynku aukcyjnego ze sztuką współczesną (zwłaszcza sztuką XXI wieku) nie działają: publiczność kupujących jest niewielka i nie można na niej zarobić dobrych prowizji niedrogie przedmioty. Jednak w najbliższej przyszłości ta nisza niedrogiej sztuki współczesnej zostanie zaatakowana przez inne formaty handlowe – nowe platformy elektroniczne, które mają za sobą silną reputację offline. W szczególności pewnego dnia struktura Siergieja Gridchina (właściciela rezydencji artystycznej Gridchinhall) ogłosiła uruchomienie we wrześniu nowej platformy elektronicznej Artlet.com - od razu z tysiącem prac prawie 200 współczesnych artystów. Nie zostaną one uwzględnione w naszej ocenie (nie ma zasady aukcji), ale wszyscy musimy iść, a nie warcaby.

Strona redakcyjna

Uwaga! Wszelkie materiały znajdujące się w serwisie oraz znajdująca się w serwisie baza danych wyników aukcji, w tym ilustrowane informacje referencyjne o dziełach sprzedanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej. Wykorzystywanie w celach komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest niedozwolone. Serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów udostępnionych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz z bazy danych na żądanie uprawnionego organu.

Przedstawiamy zaktualizowaną wersję ratingu opublikowanego przez TANR w 2014 roku

Aktualizacja materiału: Aleksiej Aleksiejew, Konstantin Agunowicz, Denis Belkevich, Anna Savitskaya, 22 grudnia 2016 r. Dzaktualizował materiał w dniu 25 lutego 2017 r — Eduard Bassalaev.

Podobne zestawienie opublikowaliśmy już w 2014 roku, a my prezentujemy jego zaktualizowaną wersję. W pierwszej pięćdziesiątce znaleźli się artyści, którzy urodzili się i pracowali (lub nadal pracują) na terenie ZSRR-Rosja, których prace w ciągu ostatnich dziesięciu lat były sprzedawane na międzynarodowych aukcjach za kwoty przekraczające 30 tysięcy funtów (wybrano funta brytyjskiego, gdyż 90% sprzedaży krajowej miało miejsce w Londynie w tej walucie).

Ilja i Emilia Kabakow

1. Ilja Kabakow

Wydaje się, że jest on w ogóle głównym artystą rosyjskim, ojcem założycielem moskiewskiego konceptualizmu (jednym z), autorem terminu i praktyki „instalacji totalnej”. Od 1988 roku mieszka w Nowym Jorku. Współpracuje z żoną Emilią Kabakovą , dlatego tytuł powinien wyglądać jak „Ilya i Emilia Kabakov”, ale od tego czasu Ilia Iosifowicz stał się znany przed Ilyą i Emilią, to niech tak pozostanie. Prace znajdują się w Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskim, Ermitażu, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MoMA), Fundacji Sztuki Kolodzei (USA) itp. Rok urodzenia: 1933

Praca: „Żuk”. 1982

Data sprzedaży: 28.02.2008

Cena (GBP): 2 932 500

2. Eryk Bułatow

Stosując techniki, które później nazwano sztuką społeczną, łączył w swoich pracach malarstwo figuratywne z tekstem. W czasach sowieckich odnoszący sukcesy ilustrator książek dla dzieci. Od 1989 mieszka i pracuje w Nowym Jorku, a od 1992 w Paryżu. Pierwszy rosyjski artysta z osobistą wystawą w Centrum Pompidou. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Centrum Pompidou, Muzeum Ludwiga w Kolonii itp. oraz znajdują się w zbiorach Fundacji Diny Verny, Wiktor Bondarenko, Wiaczesław Kantor, Katarzyna I Władimir Semenikhin, Igor Tsukanov.

Rok urodzenia: 1933

Praca: „Chwała KPZR”. 1975

Data sprzedaży: 28.02.2008

Cena (GBP): 1 084 500

3. Witalij Komar i Aleksander Melamid

Twórcy Sots Art – ironicznego ruchu w sztuce nieoficjalnej, parodiującego symbolikę i techniki biurokracji. Od 1978 roku mieszkają w Nowym Jorku. Do połowy XXI wieku pracowali w parach. W ramach projektu artystycznego zorganizowali „sprzedaż dusz” znanych artystów w drodze aukcji (soul Andy Warhola od tego czasu jest własnością moskiewskiego artysty Alena Kircowa). Prace znajdują się w zbiorach MoMA, Muzeum Guggenheima, Metropolitan Museum of Art, Luwrze oraz w zbiorach Shalva Breusa, Daria Żukowa I Roman Abramowicz itd.

Rok urodzenia: 1943, 1945

Praca: „Spotkanie Sołżenicyna i Bölla na daczy Rostropowicza”. 1972

Data sprzedaży: 23.04.2010

Cena (GBP): 657 250

4. Siemion Faibisowicz

Artysta fotorealista, który nawet teraz pozostaje najprecyzyjniejszym realistą, gdy malarstwo urzeka Siemion Natanowicz mniej dziennikarstwa. Wystawiał na Malajach Gruzińskich, gdzie w 1985 roku został zauważony przez nowojorskich handlarzy i kolekcjonerów. Od 1987 roku jest regularnie wystawiana w USA i Europie Zachodniej. Aktywny zwolennik uchylenia ustawy o promocji homoseksualizmu w Rosji. Mieszka i pracuje w Moskwie. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Moskiewskiego Domu Fotografii (Multimedialne Muzeum Sztuki), muzeach w Niemczech, Polsce, USA i znajdują się w zbiorach Daria Żukowa I Roman Abramowicz, Igor Markin, Igor Tsukanov.

Rok urodzenia: 1949

Praca: „Żołnierze”. 1989. Z cyklu „Stacje”

Data sprzedaży: 13.10.2007

Cena (GBP): 311 200

Grisza Bruskin

5. Grigorij (Grisha) Bruskin

Bohater pierwszej i ostatniej sowieckiej aukcji w Sotheby’s w 1988 roku, gdzie jego „Fundamental Lexicon” stał się najwyższą ceną (220 tys. funtów). Na zaproszenie rządu niemieckiego stworzył monumentalny tryptyk dla odbudowanego Reichstagu w Berlinie. Laureat Nagrody Kandinsky'ego w kategorii „Projekt Roku” za wystawę „Czas „H”” w Multimedialnym Muzeum Sztuki. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku i Moskwie. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego i Muzeum Puszkina. A.S. Puszkin, Muzeum Ludwiga w Kolonii, MoMA, Muzeum Kultury Żydowskiej (Nowy Jork) itp. Znajdują się w zbiorach królowej Hiszpanii Sofia, Petra Avena, Shalva Breusa, Katarzyna I Władimir Semenikhin, Miłosz Forman.

Rok urodzenia: 1945

Praca: „Logie. Część 1". 1987

Data sprzedaży: 07.11.2000

Cena (GBP): 424 000

6. Oleg Tselkov

Jeden z najsłynniejszych artystów lat sześćdziesiątych, w latach 60. rozpoczął i kontynuuje serię obrazów, na których przedstawia szorstkie ludzkie twarze (lub postacie), jakby wyrzeźbione z gliny, pomalowane jasnymi anilinowymi kolorami. Od 1977 mieszka w Paryżu. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Ermitażu, Muzeum Zimmerliego Uniwersytetu Rutgersa itp. I znajdują się w zbiorach Michaił Barysznikow, Artur Miller, Igor Tsukanov. Należy do największej prywatnej kolekcji dzieł Tselkowa w Rosji Jewgienij Jewtuszenko.

Rok urodzenia: 1934

Praca: „Chłopiec z balonami”. 1957

Data sprzedaży: 26.11.2008

Cena (GBP): 238 406

Śnieg, ciemność, brud - i Moskwa z Renoirem w uścisku, Oscar Rabin

7. Oskar Rabin

Lider grupy Lianozov (moskiewscy artyści nonkonformistyczni lat 50.–60. XX w.), organizator skandalicznej wystawy Buldożerów z 1974 r. Jako pierwszy w Związku Radzieckim zaczął sprzedawać dzieła prywatnie. W 1978 roku został pozbawiony obywatelstwa sowieckiego. Mieszka w Paryżu. W 2006 roku został laureatem Nagrody za Innowacyjność za wkład w sztukę. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Muzeum Zimmerliego Uniwersytetu Rutgersa i znajdują się w zbiorach Aleksandra Glezer, Wiaczesław Kantor, Aleksandra Kronika, Iveta I Tamaz Manaszerow, Jewgienij Nutowicz, Asłana Czechojewa.

Rok urodzenia: 1928

Praca: „Miasto i księżyc” („Miasto socjalistyczne”). 1959

Data sprzedaży: 15.04.2008

Cena (GBP): 171 939

8. Zurab Cereteli

Największy przedstawiciel sztuki już monumentalnej. Autor pomnika Piotr I w Moskwie oraz pomnik „Dobro zwycięża zło” przed budynkiem ONZ w Nowym Jorku. Założyciel Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej, prezes Rosyjskiej Akademii Sztuk, twórca działającej przy wspomnianej uczelni Galerii Sztuki Zurab Tsereteli. Rzeźby Tsereteli, oprócz Rosji, zdobią Brazylię, Wielką Brytanię, Gruzję, Hiszpanię, Litwę, USA, Francję i Japonię.

Rok urodzenia: 1934

Praca: „Sen Atosa”

Data sprzedaży: 12.01.2009

Cena (GBP): 151 250

9. Wiktor Pivovarov

Jeden z twórców moskiewskiego konceptualizmu. Tak jak Kabakow, twórca gatunku albumów koncepcyjnych; jak Kabakow, Bułatow I Oleg Wasiliew- odnoszący sukcesy ilustrator książek dla dzieci, współpracujący z magazynami „Murzilka” i „Funny Pictures”. Od 1982 roku mieszka i pracuje w Pradze. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego i Muzeum Puszkina. A.S. Puszkin, Fundacja Sztuki Kolodzei (USA), w zbiorach Katarzyna I Władimir Semenikhin, Igor Tsukanov.

Rok urodzenia: 1937

Praca: „Tryptyk z wężem”. 2000

Data sprzedaży: 18.10.2008

Cena (GBP): 145 250

10. Aleksander Melamid

Połowa kreatywnego tandemu Komar – Melamid, która rozpadła się w 2003 roku. Razem z Witalij Komar uczestnik wystawy Bulldozer (gdzie zaginął ich „Podwójny autoportret”, podstawowe dzieło Sots Art). Od 1978 roku mieszka w Nowym Jorku. Brak informacji o tym, w jakich słynnych kolekcjach znajdują się dzieła Melamida, stworzone przez niego niezależnie.

Rok urodzenia: 1945

Praca: „Kardynał José Saraiva Martins”. 2007

Data sprzedaży: 18.10.2008

Cena (GBP): 145 250

11. Francisco Infante-Arana

Właściciel chyba najcięższej listy wystaw wśród rosyjskich artystów. Członek grupy kinetycznej "Ruch", w latach 70. odnalazł własną wersję fotoreportażu, czyli „artefaktu” – form geometrycznych wkomponowanych w naturalny krajobraz.

Rok urodzenia: 1943

Praca: „Budowanie znaku”. 1984

Data sprzedaży: 31.05.2006

Cena (GBP): 142 400

12. Władimir Jankilewski

Surrealista, jeden z głównych bohaterów powojennej sztuki nieoficjalnej Moskwy, twórca monumentalnych poliptyków filozoficznych.

Rok urodzenia: 1938

Praca: „Tryptyk nr 10. Anatomia duszy. II”. 1970

Data sprzedaży: 23.04.2010

Cena (GBP): 133 250

13. Aleksander Winogradow i Władimir Dubossarski

Projekt malarski „Malarstwo na zamówienie”, który rozpoczęli w beznadziejnych latach 90. dla malarstwa, otrzymał to, na co zasługiwał, w 2000 roku. Duet zyskał popularność wśród kolekcjonerów, a jeden obraz trafił do kolekcji Centrum Pompidou.

Rok urodzenia: 1963, 1964

Praca: „Nocny fitness”. 2004

Data sprzedaży: 22.06.2007

Cena (GBP): 132 000

14. Siergiej Wołkow

Jeden z bohaterów sztuki pierestrojki, znany z wyrazistych obrazów z przemyślanymi wypowiedziami. Uczestnik sowieckiej aukcji Sotheby’s w 1988 r.

Rok urodzenia: 1956

Praca: „Podwójna wizja. Tryptyk"

Data sprzedaży: 31.05.2007

Cena (GBP): 132 000

15. AES+F (Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeniy Svyatsky, Vladimir Fridkes)

Projekty AES+F wyróżniały się dobrą prezentacją w tandetnych latach 90., dlatego zostały zapamiętane. Teraz tworzą duże animowane murale, które są emitowane na dziesiątkach ekranów.

Rok urodzenia: 1955, 1958, 1957, 1956

Praca: „Wojownik nr 4”

Data sprzedaży: 03.12.2008

Cena (GBP): 120 500

16. Lew Tabenkin

Rzeźbiarz i malarz z rzeźbiarską wizją, jakby rzeźbił swoich bohaterów z gliny.

Rok urodzenia: 1952

Praca: „Orkiestra Jazzowa”. 2004

Data sprzedaży: 30.06.2008

Cena (GBP): 117 650

„Sen czerwonego ptaka” 1988 Olga Bułhakowa

17. Olga Bułhakowa

Jedna z głównych postaci intelektualnego malarstwa „karnawałowego” epoki Breżniewa. Członek korespondent Rosyjskiej Akademii Sztuk.

Rok urodzenia: 1951

Praca: „Sen czerwonego ptaka”. 1988

Data sprzedaży: 22.11.2010

Cena (GBP): 100 876

Siergiej i Aleksiej Tkaczowie. „Bracia” („Podwójny autoportret”). 1981–1983. Galeria Trietiakowska

18. Siergiej i Aleksiej Tkaczow

Klasyka późnego impresjonizmu sowieckiego, studenci Arkadia Plastova, słynący z obrazów przedstawiających życie rosyjskiej wsi.

Rok urodzenia: 1922, 1925

Praca: „Dzień sobotni”. 1973

Data sprzedaży: 20.10.2016

Cena (GBP): 97 935

19. Aleksander Iwanow

Artysta abstrakcjonista znany przede wszystkim jako biznesmen, kolekcjoner i twórca Muzeum Faberge w Baden-Baden (Niemcy).

Rok urodzenia: 1962

Produkt: Miłość. 1996

Data sprzedaży: 06.05.2013

Cena (GBP): 97 250

20. Iwan Czuikow

Niezależne skrzydło moskiewskiego konceptualizmu obrazkowego. Autor cyklu obrazów-obiektów „Okna”. Jakimś cudem w latach 60. spalił wszystkie swoje obrazy, nad czym galerzyści do dziś nie mogą się powstrzymać.

Rok urodzenia: 1935

Praca: „Bez tytułu”. 1986

Data sprzedaży: 03.12.2008

Cena (GBP): 96 500

21. Konstantin Zvezdochetov

W młodości członek grupy „Amanita”, którego członkowie nie bez powodu nazywali siebie „ojcami „nowej fali” w Związku Radzieckim; wraz z nadejściem dojrzałości twórczej brał udział w Biennale w Wenecji i Kassel Documenta. Badacz i koneser wizualności w sowieckiej kulturze oddolnej.

Rok urodzenia: 1958

Produkt: Perdo-K-62M

Data sprzedaży: 13.06.2008

Cena (GBP): 92 446

22. Natalya Nesterova

Jedna z głównych gwiazd sztuki stagnacji Breżniewa. Uwielbiany przez kolekcjonerów ze względu na teksturowany, malarski styl.

Rok urodzenia: 1944

Praca: „Młynarz i jego syn”. 1969

Data sprzedaży: 15.06.2007

Cena (GBP): 92 388

23. Maksym Kantor

Malarz ekspresjonista występujący w pawilonie rosyjskim na Biennale w Wenecji w 1997 roku, publicysta i pisarz, autor powieści filozoficzno-satyrycznej „Podręcznik rysunkowy” o tajnikach rosyjskiego świata sztuki.

Rok urodzenia: 1957

Praca: „Struktura demokracji”. 2003

Data sprzedaży: 18.10.2008

Cena (GBP): 87 650

24. Andriej Siderski

Tworzy obrazy w wymyślonym przez siebie stylu psy-artu. Przetłumaczone prace na język rosyjski Carlosa Castanedę I Ryszarda Bacha.

Rok urodzenia: 1960

Praca: „Tryptyk”

Data sprzedaży: 12.04.2009

Cena (GBP): 90 000

25. Walery Koshlyakov

Znany z obrazów z motywami architektonicznymi. Największy przedstawiciel „fali południoworosyjskiej”. Często wykorzystuje kartony, torby i taśmę. Pierwsza wystawa z jego udziałem odbyła się w publicznej toalecie w Rostowie nad Donem w 1988 roku.

Rok urodzenia: 1962

Produkt: Moskwa. 2006

Data sprzedaży: 17.10.2013

Cena (GBP): 84 629

fragment - W pobliżu obrazu. 1987. Olej na płótnie. 200x297. Państwowa Galeria Trietiakowska.

26. Aleksiej Sundukow

Tworzy lakoniczne, ołowiane obrazy o „ołowianych obrzydliwościach” codziennego życia Rosjan.

Rok urodzenia: 1952

Praca: „Istota bytu”. 1988

Cena (USD) 103 363

Data sprzedaży: 23.04.2010

27. Nikas Safronow

Rok urodzenia: 1956

Praca: „Sen o Włoszech”

Data sprzedaży: 06.07.2011

Cena (GBP): 63 650

28. Igor Nowikow

Należy do pokolenia moskiewskich artystów nonkonformistów końca lat 80.

Rok urodzenia: 1961

Praca: „Śniadanie Kremla, czyli Moskwa na sprzedaż”. 2009

Data sprzedaży: 03.12.2010

Cena (GBP): 62 092

29. Wadim Zacharow

Rok urodzenia: 1959

Praca: „Barok”. 1986–1994

Data sprzedaży: 18.10.2008

Cena (GBP): 61 250

30. Swietłana Kopystyanskaja

Znany z instalacji malarskich. Po aukcji w Moskwie w 1988 r. Sotheby's działa za granicą.

Rok urodzenia: 1950

Praca: „Pejzaż morski”

Data sprzedaży: 13.10.2007

Cena (GBP): 57 600

31. Borys Orłow

Rzeźbiarz bliski sztuce społecznej. Zasłynął z dzieł utrzymanych w ironicznym stylu „imperialnym” oraz mistrzowskiego wykonania popiersi i bukietów z brązu.

Rok urodzenia: 1941

Praca: „Żeglarz”. 1976

Data sprzedaży: 17.10.2013

Cena (GBP): 55 085

Rok urodzenia: 1939

Praca plastyczna: „Autoportret z lotnią”

Data sprzedaży: 29.11.2007

Cena (GBP): 54 500

33. Jewgienij Semenow

Znany z serii zdjęć przedstawiających pacjentów z chorobą Downa wcielających się w postacie gospel.

Rok urodzenia: 1960

Praca: „Serce”. 2009

Data sprzedaży: 29.06.2009

Cena (GBP): 49 250

34. Jurij Cooper

Zasłynął dzięki nostalgicznym płótnom ze starymi przedmiotami gospodarstwa domowego. Autor sztuki „Dwanaście obrazów z życia artysty” wystawianej w Moskiewskim Teatrze Artystycznym. A.P. Czechow.

Rok urodzenia: 1940

Praca: „Okno. Ulica Dassa, 56.” 1978

Data sprzedaży: 06.09.2010

Cena (GBP): 49 250

35. Aleksander Kosolapow

Artysta Sots Art, którego prace stały się celem wszelkiego rodzaju ataków. Podczas targów Art Moskwa 2005 fanatyk religijny zniszczył młotkiem jedno z jego dzieł.

Rok urodzenia: 1943

Praca: „Marlboro Malewicz”. 1987

Data sprzedaży: 03.12.2008

Cena (GBP): 48 500

„Niedźwiedź uderzający sierp młotkiem”. 1996 Sokołow Leonid

36. Leonid Sokow

Czołowy rzeźbiarz Sots Art, łączący folklor z polityką. Do słynnych dzieł należy „Urządzenie do określania narodowości na podstawie kształtu nosa”.

Rok urodzenia: 1941

Praca: „Niedźwiedź uderzający młotkiem w sierp”. 1996

Data sprzedaży: 03.12.2008

Cena (GBP): 48 500

Rok urodzenia: 1945

Praca: „Ostatnia wieczerza”. 2007

Data sprzedaży: 18.02.2011

Cena (GBP): 46 850

Dmitrij Gutow i Anatolij Osmołowski na otwarciu 4. Moskiewskiego Biennale Sztuki Współczesnej. Fot. Olesia Burlaka 2012.

38. Anatolij Osmołowski

Jedna z głównych postaci moskiewskiego akcjonizmu lat 90., teoretyk sztuki, kurator, wydawca i kierownik programu badawczo-edukacyjnego Instytutu Baza, laureat pierwszej Nagrody Kandinsky'ego.

Rok urodzenia: 1969

Praca: „Chleb”. 2009. Z cyklu „Poganie”

Data sprzedaży: 23.04.2010

Cena (GBP): 46 850

Malowidło ścienne „Pocałunek brata” autorstwa Dmitrija Vrubela w East Side Gallery w Berlinie.

39. Dmitrij Vrubel

Malarz fotorealista, najbardziej znany ze swoich przedstawień całujących się ludzi Breżniew I Honeckera na murze berlińskim.

Rok urodzenia: 1960

Praca: Braterski pocałunek (tryptyk). 1990

Data sprzedaży: 25.11.2013

Cena (GBP): 45 000

Rok urodzenia: 1928

Praca: „Jabłko II”. 1974–1986. Z cyklu „Siódme niebo”

Data sprzedaży: 16.12.2009

Cena (GBP): 43 910

Po lewej - Galeria XL - Irina Nakhova „Wielka czerwień” 1998-1999

41. Irina Nakhova

Muza moskiewskiego konceptualizmu. Laureat Nagrody Kandinsky'ego 2013 w kategorii „Projekt Roku”. W 2015 roku reprezentowała Rosję na 56. Biennale w Wenecji.

Rok urodzenia: 1955

Praca: „Tryptyk”. 1983

Data sprzedaży: 03.12.2008

Cena (GBP): 38 900

42. Katya Filippova

Awangardowy projektant odzieży, który zasłynął w okresie pierestrojki. Dekorowała witryny paryskiego domu towarowego Galeries Lafayette, z którym się przyjaźniła Pierre'a Cardina.

Rok urodzenia: 1958

Praca: „Marina Ladynina”. Z cyklu „Rosyjskie Hollywood”

Data sprzedaży: 03.12.2008

Cena (GBP): 38 900

43. Jurij Albert

Rok urodzenia: 1959

Praca: „Nie jestem Kabakowem”. 1982

Data sprzedaży: 25.11.2014

Cena (GBP): 37 500

44. Borys Zaborow

Artysta teatralny, ilustrator książek. W 1980 wyemigrował do Paryża i pracował nad kostiumami dla Comedy Française.

Rok urodzenia: 1935

Praca: „Uczestnik”. 1981

Data sprzedaży: 30.10.2006

Cena (GBP): 36 356

Alexey Morozov i Sergey Minaev na wernisażu wystawy artysty MMOMA 09.02.2017

45. Aleksiej Morozow

Rzeźbiarz i malarz, często sięgający po tematykę starożytną. Przyszłość, mocno zakorzeniona w przeszłości, stała się stałym zalążkiem konceptualnym jego nowych dzieł.

Rok urodzenia: 1974

Praca: „Carrus I (brąz)”. 2011

Data sprzedaży: 25.11.2014

Cena (GBP): 35 000

46. ​​​​Michaił Shemyakin

Malarz, grafik i rzeźbiarz, miłośnik makabrycznych obrazów. Od 1971 roku mieszka za granicą – najpierw we Francji, potem w USA. Autor kilku sensacyjnych pomników w Moskwie, Samarze, Petersburgu i innych miastach. Odnoszący sukcesy artysta teatralny. Laureat Nagrody Państwowej Federacji Rosyjskiej.

Rok urodzenia: 1943

Praca: „Bez tytułu”. 1985

Data sprzedaży: 13.06.2008

Cena (GBP): 34 450

47. Rostisław Lebiediew

Artysta Classic Sots Art, kolega (i sąsiad warsztatu) Borys Orłow I Dmitrij Prigow. Twórczo przekształcona propaganda wizualna z czasów sowieckich.

Rok urodzenia: 1946

Praca: „Rosyjska bajka”. 1949

Data sprzedaży: 06.05.2008

Cena (GBP): 34 000

48. Andriej Filippow

Należy do moskiewskiej szkoły konceptualnej. Autor obrazów i instalacji, których łączy temat „Moskwa – trzeci Rzym”. Od 2009 roku wraz z Jurij Albert I Wiktor Skersis należy do grupy "Amorek".

Rok urodzenia: 1959

Praca: „Siedem stóp pod stępką”. 1988

Data sprzedaży: 31.05.2006

Cena (GBP): 33 600

2005 „Bez tytułu” Aidan Salakhova

Warsztaty Aidana Salakhovej 2016

49. Aidan Salakhova

Artysta, rzeźbiarz, były właściciel galerii, jedna z kluczowych postaci współczesnej sztuki rosyjskiej.

Rok urodzenia: 1964

Praca: „Bez słów nr 14 (marmur).” 2015

Data sprzedaży: 06.07.2016

Cena (GBP): 32 500

50. Władimir Shinkariew

Założyciel i ideolog grupy artystycznej „Mitki”. Pojęcie to po raz pierwszy zostało wprowadzone w powieści „Mitki”. Powieść powstała z nudów podczas pracy w kotłowni.