Rodzaje aktywności umysłowej człowieka według I.P. Pawłowa. Typ artystyczny Typ artystyczny

Sztuki piękne

Obraz

Malarstwo monumentalne, prezentowane w formie mozaik i fresków, również należy do bardzo starożytnej formy sztuki.

Malarstwo sztalugowe obejmuje obrazy różnych gatunków, które malowane są na płótnie lub papierze farbą olejną.

Gatunki malarstwa obejmują:

• Portret
• Gatunek historyczny
• Gatunek mitologiczny
• Gatunek bitewny
• Gatunek codzienny
• Sceneria
• przystań
• Martwa natura
• Gatunek zwierzęcy

1. Grafika i jego rodzaje

   • Rytownictwo- wzór naniesiony na płaską powierzchnię materiału, pokrytą farbą do odbicia na papierze. Materiały do ​​grawerowania to: metal (stal, cynk, miedź), drewno, plastik, karton.
   • Grafika– jest to wydruk z tablicy grawerskiej, będący dziełem sztalugowym o charakterze grafiki artystycznej. Wydruki obejmują grawerowanie, litografię, sitodruk i monotypię.
   • Grafika książkowa jest częścią projektu książki i służy jako jej projekt dekoracyjny oraz ilustracja.
   • Ekslibris- znak wskazujący właściciela książki. Znak znajduje się po wewnętrznej stronie oprawy lub okładki.
   • Plakat– wizerunek mający na celu przyciągnięcie uwagi ogółu, tworzony w celach edukacyjnych lub propagandowych.
   • Linoryt- grawerowanie na linoleum.
   • Drzeworyt– grawerowanie w drewnie.
   • Akwaforta– metaliczny rodzaj graweru.
   • Grafika komputerowa– obrazy skompilowane komputerowo, dynamicznie lub statycznie.

2. Rzeźba

   Definicja 2

   Forma sztuki wywodząca się z czasów starożytnych. Znalezione rzeźby składały się z gliny, drewna, kamienia i przedstawiały ludzi i zwierzęta dość podobne do oryginałów.

   Rzeźba podzielona jest na okrągłą, rozciągającą się w przestrzeni i na płaskorzeźbie, w formie trójwymiarowych obrazów na płaszczyźnie. Zarówno w malarstwie, jak i rzeźbie występują formy sztalugowe i monumentalne.

   Rzeźba monumentalna przeznaczona jest na ulice i place oraz do długotrwałego użytkowania, dlatego do tego typu rzeźb wykorzystuje się brąz, marmur i granit.

   Rzeźba sztalugowa obejmuje portrety, małe grupy gatunkowe, które są wykonane w drewnie, gipsie i innych materiałach.

   Sztuka i rzemiosło

   Twórcom dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej przyświecają główne cele $2$:

   • Tworzenie rzeczy niezbędnych do codziennego życia
   • Nadanie rzeczy określonych walorów artystycznych

   Zatem przedmioty i rzeczy związane z życiem codziennym powinny służyć człowiekowi nie tylko do celów praktycznych, ale także ozdabiać jego życie.

   Obecnie większość dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej pełni przede wszystkim funkcję estetyczną, choć nie zawsze tak było.

   Rodzaje sztuki dekoracyjnej i użytkowej obejmują:

   • Batik – tkanina ręcznie malowana.
   • Haft
   • Frędzla
   • Robienie na drutach
   • Frezowanie
   • Tworzenie koronek
   • Gobelin
   • Ceramika
   • Mozaika
   • Malarstwo artystyczne na drewnie, ceramice i metalu
   • Witraż
   • origami
   • Graffiti

Sztuki inne niż piękne

1. Architektura

   Definicja 3

   Architektura to sztuka projektowania i konstruowania budynków. Obiekty architektoniczne mogą być prezentowane w formie odrębnych budynków, a także w formie zespołów architektonicznych. Zespoły mogą również rozwijać się historycznie.

   Architektura daje możliwość analizy osiągnięć technicznych i stylów artystycznych różnych epok. Na przykład piramidy egipskie, które pozwalają ocenić styl tamtego okresu, świątynie starożytnej Grecji, Rzymu itp.

2. Literatura

   W najszerszym znaczeniu tego słowa za literaturę można uznać cały zbiór tekstów pisanych.

   Rodzaje literatury obejmują:

   • Sztuka
   • Proza
   • Pamiętniki
   • Nauka naukowa i popularnonaukowa
   • Odniesienie
   • Szkolenie
   • Techniczny

   W zależności od pewnych kryteriów dzieła literackie są klasyfikowane do jednego lub drugiego gatunku:

   Kryteria.

   • Forma – opowiadanie, dzieło, oda, szkic, opowiadanie, opowiadanie, sztuka, powieść, epos, epos, esej.
   • Treść: komedia, tragedia, farsa, parodia, widowisko towarzyszące, dramat.
   • Epicki rodzaj
   • Płeć liryczna
   • Dramatyczna płeć

3. Muzyka

   Muzyka to forma sztuki, która wykorzystuje zorganizowane w czasie dźwięki i ciszę, aby ucieleśnić obrazy artystyczne.

   Rodzaje muzyki:

   • Klasyczny
   • Popularny
   • Nieeuropejskie
   • Etniczny
   • Różnorodność
   • Awangarda
   • Alternatywny
   • Instrumentalny
   • Izba
   • Sonata
   • Nokturn
   • Preludium

Notatka 1

Formy artystyczne obejmują również:

• Kino
• Teatr
• Choreografia

IP Pawłow zidentyfikowali cztery typy wyższej aktywności nerwowej u człowieka, które opierają się na poglądach o związku między procesami pobudzenia i hamowania. W ten sposób położył „fizjologiczny fundament” pod starożytną naukę Hipokrates o temperamentach.

"I. W procesie opracowywania teorii odruchów warunkowych P. Pavlov przedstawił szereg postanowień, wśród których kluczową rolę odgrywają pojęcia „wzbudzenia - hamowania” procesów nerwowych i „właściwości” układu nerwowego (NS). zrozumienie neurofizjologicznych podstaw temperamentu. Zidentyfikował trzy takie właściwości: „siła”, „równowaga” i „mobilność”.

Siła Zgromadzenia Narodowego działa jako wskaźnik wydajności, wytrzymałości komórek nerwowych i układu nerwowego jako całości. Silny NS może wytrzymać obciążenie o większej wielkości i czasie trwania niż słaby. Silny NS jest w stanie przeciwstawić się rozwojowi skrajnego hamowania. Jednocześnie I.P. Pavlov rozróżnił parametr wytrzymałości NS na dwie niezależne właściwości - „siła wzbudzenia” i „siła hamowania”.

Bilans NS- jest to wskaźnik stosunku pobudzających i hamujących procesów nerwowych.

Mobilność N.S- jest to zdolność układu nerwowego do szybkiego reagowania na zmiany w otoczeniu poprzez naprzemienną zmianę procesów pobudzenia i hamowania. […] »

Według I. P. Pavlova istnieją cztery rodzaje wyższej aktywności nerwowej (HNA):

„1) silny, zrównoważony, zwinny - optymistyczny;

2) słaby - melancholijny;

3) silny, niezrównoważony (dominuje proces pobudzenia) - choleryczny;

4) silny, zrównoważony, obojętny - flegmatyczny.

Sam I.P. Pawłow był jednak ostrożny w stosunku do tak bezpośredniego porównania. Co więcej, zdając sobie sprawę, że w rzeczywistości nie ma typów „czystych”, założył istnienie typów pośrednich DNB. Należy pamiętać, że praca I.P. Pavlova i jego współpracowników nad określeniem rodzajów VNI opierała się wyłącznie na eksperymentach na zwierzętach. Sam Iwan Pietrowicz podczas jednej ze swoich słynnych środ pawłowskich (spotkań poświęconych swobodnemu omawianiu różnych problemów nauk fizjologicznych) nawet szczególnie podkreślił niemożność przeniesienia, jak to ujął, „psich” typów DNB na ludzi.

Dlatego zaproponowali unikalną typologię osobowości ludzkiej, choć uwzględnia ona nie tyle cechy temperamentu, ile skłonności i zdolności:

1) typ myślący(dominacja II systemu sygnalizacyjnego, tj. poleganie w interakcji z otoczeniem przede wszystkim na myśleniu pojęciowym i mowie);

2) typ artystyczny(dominacja pierwszego systemu sygnalizacyjnego, tj. poleganie w interakcji z otoczeniem przede wszystkim na percepcji i wyobraźni);

3) typ średni (pośredni).».

Nikandrov V.V., Psychologia, M., „TK Welby”; „Perspektywa”, 2007, s. 23-30. 747 i 748.

z wywiadu opierają się na zasadzie, zgodnie z którą artysta przedstawiając odtwarza piękno i prawdę, której nie można sprowadzić do przedstawianego wyglądu. Dla wprawnego widza utalentowane dzieło sztuki to dialog artysty z ludzkością, w którym stara się on odsłonić przed ludźmi „trochę więcej nieznanego piękna świata” (A. Matisse). „Pozorna oczywistość” malarstwa jest w stanie zastąpić i uprościć przekaz artysty, sprowadzając jego treść albo tylko do artystycznej, albo tylko do etycznej, albo tylko społecznej. Malarz przezwycięża tę sytuację, rozwijając środki wyrazu artystycznego, odchodzi od „rozpoznania”, zapraszając rozmówcę do „poznania” czegoś nowego. „Nieodkryte piękno” widz może odkryć jedynie pod warunkiem, że jego ideał estetyczny nie zostanie zamknięty w ramach żadnego określonego, normatywnego standardu Piękny. Dlatego ideał estetyczny eksperta jest wielowymiarowy i dynamiczny, zawiera w sobie zdolność do samorozwoju. Stąd najważniejszym postulatem postawy znawcy wobec dzieła sztuki jest zrozumienie miary i „kodu” jego konwencji artystycznej.

Dla krytyka sztuki dzieło artysty istnieje całościowo, całościowo, reprezentując zarówno wyjątkową osobowość twórczą, jak i duchowe ideały czasu i wyraz potrzeb społecznych. Wie, że każdy artysta ucieleśnia swoje twórcze credo, przekształcając rzeczywistość na język indywidualnej maniery artystycznej. Koncentruje się zatem na zrozumieniu systemu znaczeń artystycznych danego dzieła sztuki, jego wyjątkowości itp.

Zidentyfikowane zasady percepcji są wdrażane przez znawcę sztuki w rzeczywistym procesie analizy dzieła sztuki poprzez rejestrację wielu indywidualnych cech. Co więcej, dla każdego ze znaków można sobie wyobrazić pewną hipotetyczną skalę, na której odnotowuje się stopień intensywności znaku lub jego brak. Naturalnie,

że kryteria nasilenia cechy wśród ekspertów mogą nie pokrywać się ze sobą, określając odmienne podejście zarówno do poszczególnych cech, jak i do analizowanego dzieła jako całości.

Jednocześnie przeprowadzony eksperyment empiryczny pokazał, że gdy oceny krytyków sztuki nie są zbieżne, same kryteria oceny istnieją w tej samej przestrzeni artystycznego pojmowania dzieła sztuki. O wspólności zasad stosunku do wartości estetycznych decyduje nie zbieżność ocen, ale system percepcji i rozumienia sztuki. Krytyk sztuki analizując dzieło sztuki, pojmuje je w kontekście rozwoju sztuk pięknych, koreluje z różnymi ruchami, szkołami, mistrzami, rozumiejąc, że rozwój sztuki jest stosunkowo niezależny. Od bezpośredniego doświadczenia postrzeganego obrazu przechodzi do estetycznej interpretacji i uogólnień, ujawniając cel twórcy – ukazanie nowej prawdy artystycznej.

Oczywiście, postrzeganie znawcy sztuki różni się nieco od rozumienia sztuki przez grupę studentów, którą zaliczyliśmy do typu artystycznego. Krytyk sztuki nie tylko posiada wiedzę o tym szczególnym „programie” odczytywania znaczeń figuratywnych dzieła sztuki, który wyznacza procesy rozumienia nowej informacji artystycznej: poprzez „program” zawodowo realizuje potencjał swojej wiedzy i talentu. werbalizacji (literackiej prezentacji) tego, co jest postrzegane i zrozumiałe, adaptując widziane w różnych kontekstach społecznych, kulturowych i historycznych.

Oczywiście, niezależnie od tego, jak profesjonalnie wyszkolony jest specjalista od sztuki, jeśli nie potrafi on poczuć i odkryć „nieodkrytego piękna świata”, to żadne wzorce „pisma werbalnego” nie uczynią go odbiorcą artystycznym. Świadomość sztuki wcale nie determinuje treści wizji artystycznej.

W oparciu o zrekonstruowany przez nas system oczekiwań – wymogi artystycznie zorientowanego sposobu postrzegania i rozumienia sztuki – możemy przedstawić i zinterpretować działający model tego typu w formie diagramu (1):

Produkt używany - System gotowy - Produkt używany -

sztuka jako systemy (postawy sztuki jako osoby

ma znaczeń dyspozycyjnych) znaczenie wizualne

ciało systemu wartości

Wynik odbioru sztuki przez tego typu widza jest efektem złożonej interakcji pomiędzy obydwoma poziomami percepcji widza. Uznając zasadę komplementarności tych poziomów, można zauważyć pierwszeństwo dla tego typu percepcji drugiego poziomu – artystyczno-figuratywnego. Naszym zdaniem w analizowanym modelu, patrząc topologicznie, pierwszy poziom rozumienia widza jest jedynie elementem drugiego: percepcja dzieł sztuki na poziomie mimetycznym wzbogaca i poszerza system znaczeń widza – interpretacji artystycznego przekazu. -figuratywny poziom ukazywania rzeczywistości w sztuce.

Liczba stylów i trendów jest ogromna, jeśli nie nieskończona. Kluczową cechą, według której można grupować dzieła w style, są wspólne zasady myślenia artystycznego. Zastąpienie jednego sposobu myślenia artystycznego innym (naprzemienność typów kompozycji, sposobów konstrukcji przestrzennej, cech kolorystycznych) nie jest przypadkowe. Historycznie zmieniło się także nasze postrzeganie sztuki.
Budując system stylów w porządku hierarchicznym, będziemy trzymać się tradycji europocentrycznej. Najważniejszym pojęciem w historii sztuki jest pojęcie epoki. Każda epoka charakteryzuje się pewnym „obrazem świata”, na który składają się idee filozoficzne, religijne, polityczne, koncepcje naukowe, psychologiczne cechy światopoglądu, standardy etyczne i moralne, estetyczne kryteria życia, którymi odróżnia się jedna era od drugiej . Są to epoka prymitywna, epoka starożytnego świata, starożytność, średniowiecze, renesans i epoka nowożytna.
Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, płynnie przechodzą w siebie i podlegają ciągłemu rozwojowi, mieszaniu się i przeciwstawianiu. W ramach jednego historycznego stylu artystycznego zawsze rodzi się nowy, który z kolei przechodzi w następny. Wiele stylów współistnieje jednocześnie i dlatego nie ma w ogóle „czystych stylów”.
W tej samej epoce historycznej może współistnieć kilka stylów. Na przykład klasycyzm, akademizm i barok w XVII wieku, rokoko i neoklasycyzm w XVIII wieku, romantyzm i akademizm w XIX wieku. Style takie jak klasycyzm i barok nazywane są wielkimi stylami, ponieważ dotyczą wszystkich rodzajów sztuki: architektury, malarstwa, sztuki dekoracyjnej i użytkowej, literatury, muzyki.
Należy rozróżnić: style artystyczne, kierunki, nurty, szkoły i cechy poszczególnych stylów poszczególnych mistrzów. W obrębie jednego stylu może istnieć kilka ruchów artystycznych. Na kierunek artystyczny składają się zarówno cechy charakterystyczne dla danej epoki, jak i unikalne sposoby myślenia artystycznego. Na przykład styl secesyjny obejmuje szereg nurtów z przełomu wieków: postimpresjonizm, symbolizm, fowizm itp. Z drugiej strony pojęcie symboliki jako nurtu artystycznego jest dobrze rozwinięte w literaturze, natomiast w malarstwie jest bardzo niejasne i łączy artystów tak odmiennych stylistycznie, że często interpretuje się ich jedynie jako łączący ich światopogląd.

Poniżej zostaną podane definicje epok, stylów i trendów, które w taki czy inny sposób znajdują odzwierciedlenie we współczesnej sztuce pięknej i dekoracyjnej.

	- styl artystyczny, który rozwinął się w krajach Europy Zachodniej i Środkowej w XII-XV wieku. Był efektem wielowiekowej ewolucji sztuki średniowiecznej, jej najwyższym etapem i jednocześnie pierwszym w historii ogólnoeuropejskim, międzynarodowym stylem artystycznym. Zajmował się wszystkimi dziedzinami sztuki – architekturą, rzeźbą, malarstwem, witrażami, projektowaniem książek, sztuką dekoracyjną i użytkową. Podstawą stylu gotyckiego była architektura, którą charakteryzują ostrołukowe łuki skierowane ku górze, wielokolorowe witraże i wizualna dematerializacja formy. Elementy sztuki gotyckiej często można odnaleźć we współczesnym wystroju wnętrz, zwłaszcza w malowidłach ściennych, rzadziej w malarstwie sztalugowym. Od końca ubiegłego wieku istnieje subkultura gotycka, która wyraźnie objawia się w muzyce, poezji i projektowaniu ubiorów.
	(renesans) - (renesans francuski, włoski Rinascimento) Era w rozwoju kulturowym i ideologicznym wielu krajów Europy Zachodniej i Środkowej, a także niektórych krajów Europy Wschodniej. Główne cechy charakterystyczne kultury renesansu: świecki charakter, humanistyczny światopogląd, odwoływanie się do starożytnego dziedzictwa kulturowego, rodzaj jego „odrodzenia” (stąd nazwa). Kultura renesansu ma specyficzne cechy epoki przejściowej od średniowiecza do czasów nowożytnych, w której przeplatające się stare i nowe tworzą wyjątkowy, jakościowo nowy stop. Trudnym pytaniem są chronologiczne granice renesansu (we Włoszech - 14-16 wieków, w innych krajach - 15-16 wieków), jego rozmieszczenie terytorialne i cechy narodowe. Elementy tego stylu w sztuce współczesnej często wykorzystywane są w malarstwie ściennym, rzadziej w malarstwie sztalugowym.
	- (z włoskiego maniera - technika, maniera) ruch w sztuce europejskiej XVI wieku. Przedstawiciele manieryzmu odeszli od renesansowego harmonijnego postrzegania świata, humanistycznej koncepcji człowieka jako doskonałego tworu natury. Wnikliwe postrzeganie życia łączyło się z programowym pragnieniem nie podążania za naturą, ale wyrażenia subiektywnej „wewnętrznej idei” obrazu artystycznego zrodzonego w duszy artysty. Najdobitniej objawiło się to we Włoszech. Dla włoskiego manieryzmu lat dwudziestych XVI wieku. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) charakteryzują się dramatyczną ostrością obrazów, tragicznym światopoglądem, złożonością i przesadną ekspresją póz i motywów ruchu, wydłużonymi proporcjami postaci, dysonansami kolorystycznymi oraz światła i cienia. Ostatnio zaczęto go używać przez historyków sztuki do określenia zjawisk w sztuce współczesnej związanych z przemianami stylów historycznych.
	- historyczny styl artystyczny, który rozpowszechnił się początkowo w środkowych Włoszech. XVI-XVII w., a następnie w XVII-XVIII w. we Francji, Hiszpanii, Flandrii i Niemczech. Szerzej, terminem tym określa się stale odnawiające się tendencje do postawy niespokojnej, romantycznej, myślenia w formach ekspresyjnych, dynamicznych. Wreszcie w każdym czasie, w niemal każdym historycznym stylu artystycznym można odnaleźć swój „okres baroku” jako etap najwyższego rozkwitu twórczego, napięcia emocji, wybuchowości form.
	- styl artystyczny w sztuce zachodnioeuropejskiej XVII - wczesnych lat. XIX w., a w języku rosyjskim XVIII – wczesny. XIX, który jako ideał do naśladowania zwrócił się do dziedzictwa starożytnego. Przejawiało się to w architekturze, rzeźbie, malarstwie, sztuce zdobniczej i użytkowej. Artyści klasyczni uważali starożytność za najwyższe osiągnięcie i uczynili z niej swój standard w sztuce, który starali się naśladować. Z czasem przerodziło się to w akademizm.
	- kierunek w sztuce europejskiej i rosyjskiej lat 20.-30. XIX wieku, który zastąpił klasycyzm. Romantycy podkreślali indywidualność, przeciwstawiając idealne piękno klasycyzmu „niedoskonałej” rzeczywistości. Artystów przyciągały jasne, rzadkie, niezwykłe zjawiska, a także obrazy o fantastycznej naturze. W sztuce romantyzmu ważną rolę odgrywa wyostrzona indywidualna percepcja i doświadczenie. Romantyzm uwolnił sztukę od abstrakcyjnych dogmatów klasycyzmu i zwrócił ją ku historii narodowej i obrazom folkloru.
	- (z łac. sentyment - uczucie) - kierunek w sztuce zachodniej drugiej połowy XVIII wieku, wyrażający rozczarowanie „cywilizacją” opartą na ideałach „rozumu” (ideologia oświeceniowa). S. głosi uczucie, samotniczą refleksję i prostotę wiejskiego życia „małego człowieka”. J. J. Rousseau uważany jest za ideologa S.
	- kierunek w sztuce, który stara się jak najprawdziwiej i wiarygodnie oddać zarówno formę zewnętrzną, jak i istotę zjawisk i rzeczy. Jak metoda twórcza łączy indywidualne i typowe cechy podczas tworzenia obrazu. Najdłuższy istniejący kierunek, rozwijający się od epoki prymitywnej do współczesności.
	- kierunek w europejskiej kulturze artystycznej końca XIX i początku XX wieku. Pojawiająca się jako reakcja na dominację norm burżuazyjnego „zdrowego rozsądku” w sferze humanitarnej (w filozofii, estetyce - pozytywizm, w sztuce - naturalizm), symbolika ukształtowała się przede wszystkim w literaturze francuskiej końca lat 60.-70. XIX wieku i później stało się powszechne w Belgii i Niemczech, Austrii, Norwegii, Rosji. Estetyczne zasady symboliki w dużej mierze nawiązywały do ​​idei romantyzmu, a także do niektórych doktryn filozofii idealistycznej A. Schopenhauera, E. Hartmanna, częściowo F. Nietzschego, do twórczości i teoretyzowania niemieckiego kompozytora R. Wagnera . Symbolika przeciwstawiała żywą rzeczywistość światu wizji i snów. Symbol wygenerowany przez poetycką wnikliwość i wyrażający nieziemski sens zjawisk ukrytych przed potoczną świadomością uznawany był za uniwersalne narzędzie zrozumienia tajemnic istnienia i indywidualnej świadomości. Twórczy artysta był postrzegany jako pośrednik między realnym a nadzmysłowym, wszędzie odnajdujący „znaki” światowej harmonii, proroczo odgadujący znaki przyszłości zarówno we współczesnych zjawiskach, jak i wydarzeniach z przeszłości.
	- (z francuskiego impresja - impresja) kierunek w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji. Nazwę wprowadził krytyk sztuki L. Leroy, który dyskredytował wystawę artystów w 1874 r., na której prezentowany był m.in. obraz „Wschód słońca” C. Moneta. Wrażenie". Impresjonizm utwierdzał piękno realnego świata, podkreślając świeżość pierwszego wrażenia i zmienność otoczenia. Dominująca dbałość o rozwiązywanie problemów czysto obrazowych ograniczyła tradycyjną koncepcję rysunku jako głównego elementu dzieła sztuki. Impresjonizm wywarł potężny wpływ na sztukę krajów europejskich i Stanów Zjednoczonych, wzbudzając zainteresowanie tematami z życia codziennego. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley itp.)
	- ruch w malarstwie (synonim dywizjonizmu), który rozwinął się w ramach neoimpresjonizmu. Neoimpresjonizm narodził się we Francji w 1885 roku i rozprzestrzenił się także na Belgię i Włochy. Neoimpresjoniści starali się zastosować w sztuce najnowsze osiągnięcia optyki, zgodnie z którymi malarstwo wykonane z odrębnych punktów barw podstawowych daje w odbiorze wzrokowym fuzję barw i całą gamę malarstwa. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Postimpresjonizm- warunkowa zbiorcza nazwa głównych kierunków malarstwa francuskiego XIX - I ćw. XX wiek Sztuka postimpresjonizmu powstała jako reakcja na impresjonizm, który skupiał się na przekazie chwili, na poczuciu malowniczości i utracie zainteresowania kształtem przedmiotów. Do postimpresjonistów zaliczają się P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh i inni.
	- styl w sztuce europejskiej i amerykańskiej przełomu XIX i XX wieku. Modernizm na nowo zinterpretował i stylizował cechy sztuki różnych epok oraz wypracował własne techniki artystyczne oparte na zasadach asymetrii, ornamentyki i dekoracyjności. Naturalne formy stają się także przedmiotem nowoczesności. Tłumaczy to nie tylko zainteresowanie motywami roślinnymi w dziełach secesji, ale także ich samą kompozycyjną i plastyczną strukturę – bogactwo krzywoliniowych konturów, płynnych, nierównych konturów x przypominających formy roślinne. Z nowoczesnością ściśle związana jest symbolika, która stanowiła estetyczną i filozoficzną podstawę nowoczesności, opierając się na nowoczesności jako plastycznej realizacji jej idei. Secesja miała różne nazwy w różnych krajach, które w zasadzie były synonimami: Art Nouveau – we Francji, Secesja – w Austrii, Art Nouveau – w Niemczech, Liberty – we Włoszech.
	- (od francuskiego modern - modern) ogólna nazwa szeregu ruchów artystycznych pierwszej połowy XX wieku, które charakteryzują się zaprzeczeniem tradycyjnych form i estetyki przeszłości. Modernizm jest bliski awangardy i przeciwieństwem akademizmu.
	- nazwa łącząca szereg ruchów artystycznych powszechnych w latach 1905-1930. (Fowizm, Kubizm, Futuryzm, Ekspresjonizm, Dadaizm, Surrealizm). Wszystkie te kierunki łączy chęć odnowienia języka sztuki, przemyślenia na nowo jego zadań i uzyskania wolności wypowiedzi artystycznej.
	- kierunek w sztuce XIX - n.e. XX w., bazując na twórczych lekcjach francuskiego artysty Paula Cezanne’a, który wszelkie formy obrazu sprowadził do najprostszych figur geometrycznych, a kolor do kontrastujących struktur ciepłych i zimnych tonów. Cezanne był jednym z punktów wyjścia kubizmu. W dużym stopniu cezanneizm wpłynął także na rodzimą szkołę malarstwa realistycznego.
	- (od Fauve - Wild) ruch awangardowy w sztuce francuskiej. XX wiek Określenie „dziki” nadane przez współczesną krytykę grupie artystów występujących w 1905 roku w paryskim Salonie Niezależnych miało charakter ironiczny. Do tej grupy należeli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen i inni.Fowiści połączyło pociąg do lakonicznej wyrazistości form i intensywnych rozwiązań kolorystycznych, poszukiwanie impulsów w twórczości pierwotnej, sztuce średniowiecza i Wschodu.
	- celowe uproszczenie środków wizualnych, naśladownictwo prymitywnych etapów rozwoju sztuki. Termin ten odnosi się do tzw. sztuka naiwna artystów, którzy nie otrzymali specjalnego wykształcenia, ale zaangażowani byli w ogólny proces artystyczny na przełomie XIX i XX wieku. XX wiek. Twórczość tych artystów - N. Pirosmaniego, A. Russo, V. Selivanova i innych - charakteryzuje się swoistą dziecinnością w interpretacji natury, połączeniem uogólnionej formy i drobnej dosłowności w szczegółach. Prymitywizm formy wcale nie przesądza o prymitywności treści. Często służy jako źródło dla profesjonalistów, którzy zapożyczają formy, obrazy i metody ze sztuki ludowej, zasadniczo prymitywnej. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse czerpali inspirację z prymitywizmu.
	- kierunek w sztuce, który rozwinął się w oparciu o kanony starożytności i renesansu. Było to powszechne w wielu europejskich szkołach artystycznych od XVI do XIX wieku. Akademicyzm przekształcił tradycje klasyczne w system „wiecznych” zasad i przepisów, które krępują poszukiwania twórcze i próbował przeciwstawić niedoskonałą żywą naturę „wysokim”, ulepszonym, nienarodowym i ponadczasowym formom piękna, doprowadzonym do perfekcji. Akademicyzm charakteryzuje się preferowaniem tematów z mitologii starożytnej, tematów biblijnych lub historycznych przed tematami ze współczesnego życia artysty.
	- (kubizm francuski, od sześcianu - sześcianu) kierunek w sztuce pierwszej ćwierci XX wieku. Plastyczny język kubizmu opierał się na deformacji i dekompozycji obiektów na płaszczyznach geometrycznych, plastycznej zmianie kształtu. Narodziny kubizmu przypadły na lata 1907-1908 – w przededniu I wojny światowej. Niekwestionowanym liderem tego nurtu był poeta i publicysta G. Apollinaire. Ruch ten jako jeden z pierwszych ucieleśniał wiodące kierunki dalszego rozwoju sztuki XX wieku. Jednym z tych nurtów była dominacja koncepcji nad wartością artystyczną obrazu. Za ojców kubizmu uważa się J. Braque i P. Picasso. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris i inni dołączyli do powstającego ruchu.
	- ruch w literaturze, malarstwie i kinie, który powstał w 1924 roku we Francji. W znaczący sposób przyczynił się do ukształtowania świadomości współczesnego człowieka. Głównymi postaciami ruchu są Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro i wielu innych artystów z całego świata. Surrealizm wyrażał ideę istnienia poza rzeczywistością, szczególnie ważną rolę odgrywa tutaj absurd, nieświadomość, sny i marzenia. Jedną z charakterystycznych metod surrealistycznego artysty jest odwrót od świadomej twórczości, co czyni go narzędziem wydobywającym na różne sposoby dziwaczne obrazy z podświadomości, przypominające halucynacje. Surrealizm przetrwał kilka kryzysów, przetrwał II wojnę światową i stopniowo, łącząc się z kulturą masową, krzyżując się z transawangardą, wszedł w postmodernizm jako integralna część.
	- (od łac. futurum - przyszłość) ruch literacko-artystyczny w sztuce lat 1910-tych. Przypisując sobie rolę prototypu sztuki przyszłości, futuryzm jako swój program główny wysunął ideę burzenia stereotypów kulturowych, w zamian za to przepraszając za technologię i urbanizację jako główne znaki teraźniejszości i przyszłości . Ważną ideą artystyczną futuryzmu było poszukiwanie plastycznego wyrazu prędkości ruchu jako głównego znaku tempa współczesnego życia. Rosyjska wersja futuryzmu nazywana była cybofuturyzmem i opierała się na połączeniu plastycznych zasad francuskiego kubizmu z europejskimi ogólnymi zasadami estetycznymi futuryzmu.

TYP ARTYSTYCZNY (literówka grecka - odcisk, próbka) - obraz sztuki powstały w procesie twórczej wyobraźni pisarza lub artysty, który odzwierciedla cechy charakterystyczne określonej grupy ludzi, określonego społeczeństwa. Typ artystyczny może opierać się na konkretnej osobowości historycznej, ale częściej jest wynikiem uogólnienia pewnych właściwości grupy społecznej ludzi, ich cech klasowych, narodowych, psychologicznych itp. Wielu czołowych pisarzy radzieckich stworzyło żywe typowe obrazy z wykorzystaniem prawdziwych prototypów („Jak stal” N. Ostrowskiego, „Młoda gwardia” A. Fadejewa, „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie” B. Polevoya, „Zoja” M. Aligera i in.).

Jednak zarówno żywy prototyp, jak i obraz zbiorowy muszą stanowić artystyczne uogólnienie. Istnieją różnice w sposobach i technikach tworzenia typów artystycznych w ramach jednej realistycznej metody. Tym samym Gogolowska metoda skupiania uwagi na jednej, istotnej cesze charakteru, wyostrzania pewnych cech społeczno-psychologicznych typów właścicieli ziemskich utrwalonych w życiu w „Dead Souls”, wystawienia ich „na widok publiczny” nie jest tożsama z pogłębionym analiza psychologiczna samego procesu kształtowania się określonego typu osobowości w „Wojnie i pokoju” L. Tołstoja, jego objawienie „dialektyki duszy” Pierre’a Bezukhova, Andrieja Bolkońskiego, Nataszy Rostowej.

W zdolności sztuki do „uchwycenia” i artystycznego wypełnienia typu ruchu postaci, samego procesu umysłowego, pojawienia się i rozwoju idei jako siły napędowej osobowości. Dostojewski widział realizm „w najwyższym znaczeniu”. Historia realizmu świadczy o nieograniczonych możliwościach tworzenia typu artystycznego. Każdy typ artystyczny ma swój własny aspekt, perspektywę oświetlającą duchowe bogactwo i ograniczenia ludzkiej osobowości.

Specyficzne dla każdego artysty rozwiązanie dialektyki ogółu i jednostki w typie artystycznym jest bezpośrednio związane ze stopniem jej uogólnienia, a także z metodami i środkami typizacji. Społeczne znaczenie typu artystycznego zależy od przedmiotu typizacji i wiąże się z rozpoznaniem czołowych typów epoki i zasadniczych konfliktów społecznych. Głęboko odtworzone przez artystę typy społeczne osiągają kolosalny rezonans społeczny i charakteryzują całe epoki w życiu społeczeństwa. Były to typy „zbędnych” ludzi w literaturze rosyjskiej połowy XIX wieku, bohaterów lat sześćdziesiątych w dziełach Czernyszewskiego i Turgieniewa, rewolucyjnych robotników w dziełach Gorkiego itp.

Jednak samo znaczenie przedmiotu typizacji nie przesądza o stopniu i głębokości artystycznej generalizacji. W sztuce ważny jest proces artystycznego ujawniania typu. Historia sztuki zna ogromną liczbę przykładów, gdy z pozoru nieistotna postać pod ręką mistrza wyrasta na typ artystyczny o wielkiej mocy uogólniającej i staje się znaczącym faktem sztuki. Głębia myśli poetyckiej artysty, umiejętność powiązania wybranego typu z całym systemem relacji społecznych, oświecenia określonej postaci światłem ogólnej treści, znaczącej idei artystycznej, dostrzeżenia w ukazanych cechach przyrodniczych, elementach „wieczne” zasady ludzkie są najważniejszymi warunkami powstania typu artystycznego.

Kompleksowe rozwiązanie problemu o charakterze artystycznym pogłębia się wraz z rozwojem sztuki i społeczeństwa. Sztuka XX wieku przedstawił nowe aspekty tego problemu. Zasadniczy związek między pojęciami typowości i artyzmu pozostał niezmienny, jednak nowe odkrycia artystyczne w sferze zmieniających się typów społecznych wymagają nowych aspektów współczesnej interpretacji zarówno specyficznej treści historycznej typu artystycznego, jak i nowych form i środków wyrazu artystycznego.