Lekcje Tretiakowa: Malarstwo renesansowe. Artyści wczesnego renesansu Rosyjscy artyści renesansu

7 sierpnia 2014

Studenci uniwersytety artystyczne a osoby zainteresowane historią sztuki wiedzą, że na przełomie XIV i XV wieku nastąpiła gwałtowna zmiana w malarstwie – renesans. Około lat dwudziestych XIV wieku wszyscy nagle stali się znacznie lepsi w rysowaniu. Dlaczego obrazy nagle stały się tak realistyczne i szczegółowe i dlaczego na obrazach pojawiło się światło i objętość? Długo nikt się nad tym nie zastanawiał. Dopóki David Hockney nie sięgnął po szkło powiększające.

Dowiedzmy się, co odkrył...

Któregoś dnia przyglądał się rysunkom Jeana Auguste’a Dominique’a Ingresa, lidera francuskiej szkoły akademickiej XIX wieku. Hockney zainteresował się oglądaniem swoich małych rysunków w większej skali i powiększył je na kserokopiarce. W ten sposób natknął się na tajemniczą stronę historii malarstwa od czasów renesansu.

Po wykonaniu kserokopii małych (około 30 centymetrów) rysunków Ingresa Hockney był zdumiony ich realizmem. Wydawało mu się też, że kwestie Ingresa są dla niego czymś
przypomnieć. Okazało się, że przypominały mu twórczość Warhola. I Warhol to zrobił – wyświetlił zdjęcie na płótnie i obrysował je.

Po lewej: fragment rysunku Ingresa. Po prawej: rysunek Warhola przedstawiający Mao Zedonga

Ciekawe rzeczy, mówi Hockney. Najwyraźniej Ingres zastosował Camera Lucida – urządzenie będące konstrukcją z pryzmatem, które mocuje się np. na stojaku do tabletu. Zatem artysta, patrząc jednym okiem na swój rysunek, widzi rzeczywisty obraz, a drugim - rzeczywisty rysunek i swoją rękę. Efektem jest złudzenie optyczne, które pozwala dokładnie przenieść rzeczywiste proporcje na papier. I to jest właśnie „gwarancja” realizmu obrazu.

Rysowanie portretu aparatem Lucida, 1807

Wtedy Hockney poważnie zainteresował się tym „optycznym” rodzajem rysunków i obrazów. W swojej pracowni wraz z zespołem powiesił na ścianach setki reprodukcji obrazów powstałych na przestrzeni wieków. Prace, które wyglądały „prawdziwie” i te, które tak nie wyglądały. Układając według czasu powstania i regionu – na górze północ, na dole południe, Hockney i jego zespół dostrzegli wyraźną zmianę w malarstwie na przełomie XIV i XV wieku. Ogólnie rzecz biorąc, wie o tym każdy, kto choć trochę zna historię sztuki - renesans.

Może używali tego samego aparatu-lucida? Został opatentowany w 1807 roku przez Williama Hyde’a Wollastona. Chociaż w rzeczywistości takie urządzenie opisał Johannes Kepler w 1611 roku w swoim dziele Dioptrice. Może więc użyli innego urządzenia optycznego – kamery obscura? Znane jest już od czasów Arystotelesa i jest to ciemne pomieszczenie, do którego światło wpada przez mały otwór i dzięki temu w ciemnym pomieszczeniu uzyskuje się projekcję tego, co znajduje się przed otworem, ale odwróconą. Wszystko byłoby dobrze, ale obraz, który uzyskuje się rzutując kamerą otworkową bez obiektywu, delikatnie mówiąc, nie jest wysokiej jakości, jest niewyraźny, wymaga dużo jasnego światła, nie mówiąc już o rozmiarze projekcji. Jednak aż do XVI wieku wykonanie soczewek wysokiej jakości było prawie niemożliwe, ponieważ w tamtym czasie nie było możliwości uzyskania tak wysokiej jakości szkła. Biznes, pomyślał Hockney, który już wtedy zmagał się z problemem z fizykiem Charlesem Falco.

Jest jednak obraz Jana Van Eycka, mistrza z Brugii, Malarz flamandzki epoka wczesnego renesansu - w której ukryta jest wskazówka. Obraz nosi tytuł „Portret pary Arnolfinich”.

Jan Van Eyck „Portret pary Arnolfinich” 1434

Obraz po prostu błyszczy ogromną ilością szczegółów, co jest dość ciekawe, ponieważ został namalowany dopiero w 1434 roku. A wskazówką, jak autorowi udało się zrobić tak duży krok naprzód w realizmie obrazu, jest lustro. A także świecznik - niezwykle złożony i realistyczny.

Hockneya szalała ciekawość. Dostał kopię takiego żyrandola i próbował go narysować. Artysta stanął przed faktem, że tak złożoną rzecz trudno jest narysować z perspektywy. Jeszcze jeden ważny punkt istniała materialność obrazu tego metalowego przedmiotu. Podczas przedstawiania obiektu stalowego bardzo ważne jest, aby rozmieścić światła tak realistycznie, jak to możliwe, ponieważ daje to duży realizm. Problem z tymi najważniejszymi momentami polega jednak na tym, że poruszają się wraz z ruchem oka widza lub artysty, co oznacza, że ​​wcale nie jest łatwo je uchwycić. Jest także realistyczny obraz metalu i odblasków cecha wyróżniająca obrazy renesansu, wcześniej artyści nawet nie próbowali tego robić.

Odtwarzając dokładny model 3D żyrandola, zespół Hockneya zapewnił, że żyrandol na Portret Arnolfini został narysowany dokładnie w perspektywie z jednym punktem zbiegu. Problem w tym, że tak precyzyjne przyrządy optyczne, jak kamera obscura z obiektywem, pojawiły się dopiero jakieś sto lat po powstaniu obrazu.

Fragment obrazu Jana Van Eycka „Portret pary Arnolfinich” z 1434 r

Powiększony fragment pokazuje, że lustro na obrazie „Portret pary Arnolfinich” jest wypukłe. Oznacza to, że istniały też lustra wręcz przeciwnie – wklęsłe. Co więcej, w tamtych czasach wykonywano takie lustra - brano szklaną kulę, a jej spód pokrywano srebrem, a następnie obcinano wszystko oprócz dna. Tylna strona lustra nie została przyciemniona. Oznacza to, że wklęsłe zwierciadło Jana Van Eycka mogłoby być tym samym zwierciadłem, które jest przedstawione na obrazie, tyle że z Odwrotna strona. A każdy fizyk wie, że takie lustro po odbiciu tworzy obraz tego, co się odbija. To tutaj jego przyjaciel fizyk Charles Falco pomagał Davidowi Hockneyowi w obliczeniach i badaniach.

Wklęsłe lustro rzutuje na płótno obraz wieży za oknem.

Wyraźna, skupiona część projekcji ma powierzchnię około 30 centymetrów kwadratowych, co odpowiada dokładnie wielkości głów na wielu renesansowych portretach.

Hockney zarysowuje projekcję człowieka na płótnie

Takiej wielkości jest np. portret „Doża Leonarda Loredana” autorstwa Giovanniego Belliniego (1501), portret mężczyzny autorstwa Roberta Campina (1430), rzeczywisty portret Jana Van Eycka „mężczyzny w czerwonym turbanie ” i wiele innych wczesnych portretów holenderskich.

Portrety renesansowe

Malarstwo było wysoko płatnym zajęciem i oczywiście wszelkie tajemnice handlowe trzymane były w najściślejszej tajemnicy. Dla artysty korzystne było to, że wszyscy niewtajemniczeni wierzyli, że tajemnice są w rękach mistrza i nie można ich ukraść. Działalność była zamknięta dla osób z zewnątrz – artyści byli członkami cechu i to w większości różni mistrzowie- od tych, którzy robili siodła, do tych, którzy robili lustra. Natomiast w Gildii św. Łukasza, założonej w Antwerpii, a pierwsza wzmianka o niej pochodzi z 1382 roku (wówczas podobne gildie powstawały w wielu miastach północy, a jedną z największych był cech w Brugii, mieście, w którym mieszkał Van Eyck) pracowali także mistrzowie wykonujący lustra .

W ten sposób Hockney odtworzył sposób malowania złożonego żyrandola z obrazu Van Eycka. Nic dziwnego, że rozmiar żyrandola zaprojektowanego przez Hockneya dokładnie odpowiada rozmiarowi żyrandola z obrazu „Portret pary Arnolfinich”. No i oczywiście podkreślenia na metalu - na projekcji stoją nieruchomo i nie zmieniają się wraz ze zmianą pozycji artysty.

Ale problem nadal nie został całkowicie rozwiązany, ponieważ do pojawienia się wysokiej jakości optyki niezbędnej do korzystania z kamery obscura minęło 100 lat, a wielkość projekcji uzyskiwanej za pomocą lustra jest bardzo mała. Jak malować obrazy większy rozmiar 30 centymetrów kwadratowych? Powstały na zasadzie kolażu – pod wieloma względami przypominały wizję sferyczną z wieloma znikającymi punktami. Hockney to rozumiał, bo sam robił takie zdjęcia – stworzył wiele kolaży fotograficznych, które osiągały dokładnie ten sam efekt.

Niemal sto lat później, w XVI wieku, w końcu stało się możliwe dobre pozyskiwanie i obróbka szkła – pojawiły się duże soczewki. I można je było wreszcie włożyć w kamerę obscura, której zasada działania była znana od czasów starożytnych. Obiektyw Camera obscura był niesamowitą rewolucją w sztuce wizualnej, ponieważ projekcja mogła teraz mieć dowolny rozmiar. I jeszcze jedno, teraz obraz nie był „szerokokątny”, ale w przybliżeniu o normalnym aspekcie - czyli w przybliżeniu taki sam, jak dzisiaj, fotografowany obiektywem o ogniskowej 35-50 mm.

Jednak problem związany z używaniem kamery otworkowej z obiektywem polega na tym, że projekcja do przodu z obiektywu jest odbiciem lustrzanym. Doprowadziło to do duża liczba leworęcznych w malarstwie we wczesnych stadiach stosowania optyki. Jak na tym obrazie z XVII wieku z Muzeum Fransa Halsa, na którym tańczy leworęczna para, leworęczny starzec potrząsa im palcem, a leworęczna małpa zagląda pod suknię kobiety.

Wszyscy na tym zdjęciu są leworęczni

Problem rozwiązuje się instalując lustro, w które skierowany jest obiektyw, uzyskując w ten sposób prawidłową projekcję. Ale najwyraźniej dobrze, gładko i duże lustro kosztowało to dużo pieniędzy, więc nie każdy je miał.

Kolejnym problemem było skupienie się. Faktem jest, że niektóre fragmenty obrazu w jednym miejscu płótna pod promieniami projekcyjnymi były nieostre i niewyraźne. W pracach Jana Vermeera, gdzie zastosowanie optyki jest dość oczywiste, jego prace na ogół przypominają fotografie, można też dostrzec miejsca nieostre. Można nawet zobaczyć wzór wytwarzany przez obiektyw – słynny „bokeh”. Podobnie jak tutaj na przykład na obrazie „Mleczarka” (1658) kosz, znajdujący się w nim chleb i niebieski wazon są nieostre. Jednak ludzkie oko nie widzi „nieostrego”.

Niektóre części obrazu są nieostre

I w świetle tego wszystkiego wcale nie jest zaskakujące, że dobrym przyjacielem Jana Vermeera był Anthony Phillips van Leeuwenhoek, naukowiec i mikrobiolog, a także wyjątkowy mistrz, który stworzył własne mikroskopy i soczewki. Naukowiec został pośmiertnym zarządcą artysty. Sugeruje to, że Vermeer przedstawił swojego przyjaciela na dwóch płótnach - „Geografie” i „Astronomie”.

Aby zobaczyć jakąkolwiek część z ostrością, musisz zmienić położenie płótna pod promieniami projekcyjnymi. Ale w tym przypadku pojawiły się błędy w proporcjach. Jak widać: ogromne ramię „Anthei” Parmigianino (około 1537), mała głowa „Lady Genovese” Anthony'ego Van Dycka (1626), ogromne nogi chłopa z obrazu Georgesa de La Tour .

Błędy w proporcjach

Oczywiście wszyscy artyści używali soczewek inaczej. Niektóre służyły do ​​szkicowania, inne składały się z różnych części – wszak teraz można było zrobić portret, a resztę dokończyć innym modelem, a nawet manekinem.

Po Velazquezie nie ma prawie żadnych rysunków. Pozostało jednak jego arcydzieło - portret papieża Innocentego X (1650). Na płaszczu papieża widać cudowną grę świateł – oczywiście jedwabiu. Blikov. A napisanie tego wszystkiego z jednego punktu widzenia wymagało wiele wysiłku. Ale jeśli wykonasz projekcję, całe to piękno nigdzie nie ucieknie - światła nie będą się już poruszać, możesz malować szerokimi i szybkimi pociągnięciami, jak u Velasqueza.

Hockney reprodukuje obraz Velazqueza

Później wielu artystów było stać na kamerę obscura i przestało to być możliwe Duży sekret. Canaletto aktywnie wykorzystywał kamerę do tworzenia swoich widoków Wenecji i nie ukrywał tego. Obrazy te, dzięki swojej trafności, pozwalają mówić o Canaletto jako o dokumentaliście. Dzięki Canaletto możesz zobaczyć więcej niż tylko piękne zdjęcie ale także samą historię. Można zobaczyć, jak wyglądał pierwszy most Westminsterski w Londynie w 1746 roku.

Canaletto „Most Westminsterski” z 1746 r

Brytyjski artysta Sir Joshua Reynolds posiadał kamerę obscura i najwyraźniej nikomu o tym nie mówił, ponieważ jego aparat składa się i wygląda jak książka. Dziś znajduje się w Londyńskim Muzeum Nauki.

Camera obscura przebrana za książkę

Wreszcie na początku XIX wieku William Henry Fox Talbot, posługując się kamerą lucida – taką, w której trzeba patrzeć jednym okiem i rysować rękami, przeklął, uznając, że trzeba raz na zawsze skończyć z taką niedogodnością wszystkich i stał się jednym z wynalazców fotografii chemicznej, a później popularyzatorem, który uczynił ją masową.

Wraz z wynalezieniem fotografii monopol malarstwa na realizm obrazu zniknął, a monopolistą stała się fotografia. I tu wreszcie malarstwo uwolniło się od soczewki, kontynuując drogę, z której zawróciło w XIV wieku, a Van Gogh stał się prekursorem całej sztuki XX wieku.

Lewy: Bizantyjska mozaika XII wiek. Po prawej: Vincent Van Gogh, Portret pana Trabuca, 1889.

Wynalezienie fotografii to najlepsze, co przytrafiło się malarstwu w całej jego historii. Nie było już potrzeby tworzenia wyłącznie prawdziwych obrazów, artysta stał się wolny. Oczywiście zajęło społeczeństwu sto lat, zanim dogoniła artystów w zakresie rozumienia muzyki wizualnej i przestała myśleć, że ludzie tacy jak Van Gogh są „szaleni”. Jednocześnie artyści zaczęli aktywnie wykorzystywać fotografie jako „materiał odniesienia”. Potem pojawili się tacy ludzie jak Wassily Kandinsky, rosyjska awangarda, Mark Rothko, Jackson Pollock. W ślad za malarstwem wyzwoliła się także architektura, rzeźba i muzyka. To prawda, że ​​​​rosyjska akademicka szkoła malarstwa utknęła w czasie i dziś w akademiach i szkołach używanie fotografii jako pomocy nadal uważane jest za hańbę, a za najwyższy wyczyn uważa się czysto techniczną umiejętność malowania tak realistycznego, jak to możliwe gołymi rękami.

Dzięki artykułowi dziennikarza Lawrence’a Weschlera, który był obecny podczas badań Davida Hockneya i Falco, kolejny interesujący fakt: Portret pary Arnolfinich autorstwa Van Eycka to portret włoskiego kupca w Brugii. Pan Arnolfini jest Florentczykiem, a ponadto jest przedstawicielem banku Medyceuszy (praktycznie mistrzowie Florencji w okresie renesansu, uważani są za mecenasów sztuki tamtych czasów we Włoszech). Co to znaczy? Fakt, że z łatwością mógł zabrać ze sobą tajemnicę cechu św. Łukasza – lustro – do Florencji, w której – jak się uważa – tradycyjna historia i rozpoczął się renesans, a artystów z Brugii (i odpowiednio innych mistrzów) uważa się za „prymitywistów”.

Istnieje wiele kontrowersji wokół teorii Hockneya-Falco. Ale z pewnością jest w tym ziarno prawdy. Jeśli chodzi o krytyków sztuki, krytyków i historyków, trudno sobie nawet wyobrazić, ile prac naukowych z zakresu historii i sztuki faktycznie okazało się kompletną bzdurą, ale to zmienia całą historię sztuki, wszystkie jej teorie i teksty.

Fakty dotyczące stosowania optyki w żaden sposób nie umniejszają talentu artystów - w końcu technologia jest środkiem przekazywania tego, czego chce artysta. I odwrotnie, fakt, że te obrazy zawierają w sobie jak najbardziej realną rzeczywistość, tylko dodaje im wagi - w końcu tak właśnie wyglądali ludzie tamtych czasów, rzeczy, lokale, miasta. To są prawdziwe dokumenty.

W okresie renesansu następuje wiele zmian i odkryć. Eksplorowane są nowe kontynenty, rozwija się handel, powstają ważne rzeczy, takie jak papier, kompas morski, proch strzelniczy i wiele innych. Duże znaczenie miały także zmiany w malarstwie. Malarstwo renesansowe zyskało ogromną popularność.

Główne style i nurty w twórczości mistrzów

Okres ten był jednym z najbardziej owocnych w historii sztuki. Arcydzieła ogromnej liczby wybitnych mistrzów można dziś znaleźć w różnych centrach sztuki. Innowatorzy pojawili się we Florencji w pierwszej połowie XV wieku. Ich renesansowe obrazy zapoczątkowały nową erę w historii sztuki.

W tym czasie nauka i sztuka stają się bardzo blisko powiązane. Artyści i naukowcy starali się opanować świat fizyczny. Malarze próbowali skorzystać z dokładniejszych pomysłów na temat ludzkiego ciała. Wielu artystów dążyło do realizmu. Styl rozpoczyna się od obrazu Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza”, który malował przez prawie cztery lata.

Jedno z najbardziej znanych dzieł

Został namalowany w 1490 roku dla refektarza klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Obraz przedstawia ostatni posiłek Jezusa z uczniami, zanim został schwytany i zabity. Współcześni obserwujący twórczość artysty w tym okresie zauważyli, jak potrafił malować od rana do wieczora, nawet nie przerywając posiłku. A potem mógł na kilka dni porzucić swoje malarstwo i w ogóle do niego nie podchodzić.

Artysta był bardzo zaniepokojony wizerunkiem samego Chrystusa i zdrajcy Judasza. Kiedy obraz został ostatecznie ukończony, słusznie uznano go za arcydzieło. " Ostatnia Wieczerza” jest nadal jednym z najpopularniejszych. Reprodukcje renesansowe zawsze cieszyły się dużym zainteresowaniem, ale to arcydzieło charakteryzuje się niezliczoną liczbą kopii.

Uznane arcydzieło, czyli tajemniczy uśmiech kobiety

Wśród dzieł stworzonych przez Leonarda w XVI wieku znajduje się portret zwany Mona Lisą, czyli La Gioconda. W era nowożytna jest to prawdopodobnie najsłynniejszy obraz na świecie. Popularność zyskała głównie dzięki nieuchwytnemu uśmiechowi na twarzy ukazanej na płótnie kobiety. Co doprowadziło do takiej tajemnicy? Umiejętna praca mistrza, umiejętność tak umiejętnego cieniowania kącików oczu i ust? Do dziś nie udało się ustalić dokładnego charakteru tego uśmiechu.

Inne szczegóły tego zdjęcia są poza konkurencją. Warto zwrócić uwagę na dłonie i oczy kobiety: z jaką precyzją artysta malując płótno potraktował najmniejsze detale. Nie mniej interesujący jest dramatyczny pejzaż w tle obrazu, świat, w którym wszystko zdaje się płynąć.

Kolejny znany przedstawiciel malarstwa

Równie znanym przedstawicielem renesansu jest Sandro Botticelli. To wielki włoski malarz. Dużą popularnością cieszą się także jego renesansowe obrazy szeroki zasięg widzowie. „Pokłon Trzech Króli”, „Madonna z Dzieciątkiem na tronie”, „Zwiastowanie” - te dzieła Botticellego poświęcone tematyce religijnej stały się ogromnymi osiągnięciami artysty.

Inny słynne dzieło mistrz - „Madonna Magnificat”. Zasłynęła za życia Sandro, o czym świadczą liczne reprodukcje. Podobne płótna w kształcie koła były dość poszukiwane w XV-wiecznej Florencji.

Nowy zwrot w twórczości artysty

Począwszy od 1490 roku Sandro zmienił swój styl. Staje się bardziej ascetyczny, zestawienie kolorów jest teraz znacznie bardziej powściągliwe, często dominują ciemne tony. Nowe podejście zaangażowanie twórcy w pisanie swoich dzieł widać wyraźnie w „Koronacji Marii”, „Opłakiwaniu Chrystusa” i innych płótnach przedstawiających Madonnę z Dzieciątkiem.

Arcydzieła namalowane wówczas przez Sandro Botticellego, jak na przykład portret Dantego, pozbawione są tła pejzażowego i wewnętrznego. Jedną z równie znaczących realizacji artysty są „Mistyczne Święta Bożego Narodzenia”. Obraz powstał pod wpływem zamieszek, jakie miały miejsce pod koniec 1500 roku we Włoszech. Wiele obrazów artystów renesansu nie tylko zyskało popularność, ale stało się przykładem dla kolejnych pokoleń malarzy.

Artysta, którego płótna otacza aura zachwytu

Rafael Santi da Urbino był nie tylko architektem. Jego renesansowe obrazy cenione są za klarowność formy, prostotę kompozycji i wizualne osiągnięcie ideału wielkości człowieka. Wraz z Michałem Aniołem i Leonardem da Vinci należy do tradycyjnej trójcy największych mistrzów tego okresu.

Żył stosunkowo małe życie, ma zaledwie 37 lat. Ale w tym czasie stworzył ogromną liczbę swoich arcydzieł. Niektóre z jego dzieł znajdują się w Pałacu Watykańskim w Rzymie. Nie każdy widz może na własne oczy zobaczyć obrazy artystów renesansu. Zdjęcia tych arcydzieł są dostępne dla każdego (niektóre z nich przedstawiono w tym artykule).

Najsłynniejsze dzieła Rafaela

W latach 1504–1507 Rafael stworzył całą serię Madonn. Obrazy wyróżniają się urzekającym pięknem, mądrością i jednocześnie pewnym oświeconym smutkiem. Jego najsłynniejszym obrazem był „ Madonna Sykstyńska Przedstawiana jest unosząca się w powietrzu i płynnie opadająca w stronę ludzi z Dzieciątkiem na rękach. To właśnie ten ruch artystka potrafiła bardzo umiejętnie oddać.

Dzieło to zostało wysoko ocenione przez wielu znanych krytyków i wszyscy doszli do tego samego wniosku, że jest ono naprawdę rzadkie i niezwykłe. Wszystkie obrazy artystów renesansu mają długą historię. Ale największą popularność zyskała dzięki niekończącym się wędrówkom, począwszy od momentu jej stworzenia. Po licznych próbach ostatecznie zajął należne mu miejsce wśród ekspozycji Muzeum Drezdeńskiego.

Malowidła renesansowe. Zdjęcia znanych obrazów

Kolejnym znanym włoskim malarzem, rzeźbiarzem i architektem, który wywarł ogromny wpływ na rozwój sztuki zachodniej, jest Michelangelo di Simoni. Pomimo tego, że znany jest głównie jako rzeźbiarz, znajdują się tu także piękne dzieła jego malarstwa. A najważniejszym z nich jest sufit Kaplicy Sykstyńskiej.

Prace te prowadzono przez cztery lata. Przestrzeń zajmuje około pięciuset metry kwadratowe i zawiera ponad trzysta cyfr. W samym centrum znajduje się dziewięć epizodów z Księgi Rodzaju, podzielonych na kilka grup. Stworzenie ziemi, stworzenie człowieka i jego upadek. Wśród najbardziej znane obrazy na suficie – „Stworzenie Adama” oraz „Adam i Ewa”.

Jego równie znanym dziełem jest „ Sąd Ostateczny”. Został on wykonany na ścianie ołtarza Kaplicy Sykstyńskiej. Fresk przedstawia drugie przyjście Jezusa Chrystusa. Tutaj Michał Anioł ignoruje standardowe konwencje artystyczne, pisząc Jezusa. Przedstawił go z masywną, muskularną budową ciała, młodego i pozbawionego brody.

Znaczenie religii, czyli sztuka renesansu

Malarstwo włoskie renesansu stało się podstawą rozwoju sztuki zachodniej. Wiele popularnych dzieł tego pokolenia twórców wywarło ogromny wpływ na artystów, który trwa do dziś. Wielcy przedstawiciele sztuki tego okresu skupiali swoją uwagę na tematyce religijnej, pracując często na zlecenie zamożnych mecenasów, w tym samego papieża.

Religia dosłownie przeniknęła życie codzienne ludzi tej epoki, jest głęboko zakorzeniony w umysłach artystów. Prawie wszystkie obrazy religijne znajdują się w muzeach i repozytoriach sztuki, ale reprodukcje obrazów renesansowych, związanych nie tylko z tą tematyką, można znaleźć w wielu instytucjach, a nawet zwykłych domach. Ludzie będą bez końca podziwiać dzieła znani mistrzowie ten okres.

Renesans przyniósł głębokie zmiany we wszystkich dziedzinach kultury – filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która staje się coraz bardziej niezależna od religii, przestaje być „służebnicą teologii”, choć wciąż daleka jest od całkowitej niezależności. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odradzają się nauki myślicieli starożytnych, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył Akademię Platońską we Florencji i przetłumaczył dzieła wielkiego Greka na łacinę. Idee Arystotelesa powróciły do ​​Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W epoce renesansu, zdaniem Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządził na europejskich uniwersytetach”.

Wraz ze starożytnymi naukami, filozofia naturalna lub filozofia natury. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. W ich pracach rozwijają się idee, że filozofia powinna badać nie nadprzyrodzonego Boga, ale samą naturę, że natura przestrzega swoich wewnętrznych praw, że podstawą wiedzy jest doświadczenie i obserwacja, a nie boskie objawienie, że człowiek jest częścią natury.

Rozprzestrzenianiu się naturalnych poglądów filozoficznych sprzyjały m.in naukowy odkrycia. Głównym był teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w poglądach na świat.

Należy jednak zauważyć, że poglądy naukowe i filozoficzne tamtych czasów są nadal aktualne zauważalny wpływ ze strony religii i teologii. Tego rodzaju pogląd często przybiera formę panteizm, w którym nie zaprzecza się istnieniu Boga, lecz On rozpuszcza się w naturze i utożsamia się z nią. Do tego musimy dodać wpływ tak zwanych nauk okultystycznych – astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to dzieje się nawet u takiego filozofa jak D. Bruno.

Najbardziej znaczące zmiany, jakie przyniósł renesans, to kultura artystyczna, sztuka. To właśnie na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i radykalne.

Sztuka w średniowieczu miała w dużej mierze charakter użytkowy, była wpleciona w samo życie i miała je ozdabiać. W okresie renesansu sztuka po raz pierwszy nabrała samoistnej wartości, stała się niezależnym obszarem piękna. Jednocześnie u postrzegającego widza po raz pierwszy powstaje czysto artystyczne, estetyczne uczucie, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki samej w sobie, a nie celu, któremu służy.

Nigdy wcześniej sztuka nie cieszyła się tak wielkim honorem i szacunkiem. Nawet w starożytnej Grecji praca artysty była zauważalnie gorsza pod względem społecznym od pracy polityka i obywatela. Artysta zajmował jeszcze skromniejsze miejsce w starożytnym Rzymie.

Teraz miejsce i rola artysty w społeczeństwie wzrasta niepomiernie. Po raz pierwszy postrzegany jest jako niezależny i szanowany profesjonalista, naukowiec i myśliciel, wyjątkowa jednostka. W okresie renesansu sztukę postrzegano jako jeden z najpotężniejszych środków wiedzy i jako taką utożsamiano ją z nauką. Leonardo da Vinci postrzega naukę i sztukę jako dwa całkowicie równe sposoby studiowania przyrody. Pisze: „Malarstwo jest nauką i prawowitą córką natury”.

Sztuka jako kreatywność jest jeszcze bardziej ceniona. Artysta renesansu pod względem swoich możliwości twórczych utożsamiany jest z Bogiem Stwórcą. Stąd jasne jest, dlaczego Rafael otrzymał do swojego imienia dodatek „Boski”. Z tych samych powodów „Komedia” Dantego nazywana była także „Boską”.

Głębokie zmiany zachodzą w samej sztuce. Dokonuje zdecydowanego zwrotu od średniowiecznego symbolu i znaku do obrazu realistycznego i wiarygodnego. Środki stają się nowe ekspresja artystyczna. Opierają się obecnie na perspektywie liniowej i powietrznej, trójwymiarowości objętości i doktrynie proporcji. Sztuka dąży we wszystkim do wierności rzeczywistości, do osiągnięcia obiektywności, autentyczności i witalności.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka osiągnęła w tym okresie najwyższy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki imion tytanów, geniuszy, mistrzów i po prostu utalentowani artyści. Świetne nazwiska są też w innych krajach, ale Włochy są bezkonkurencyjne.

Włoski renesans ma zwykle kilka etapów:

• Protorenesans: druga połowa XIII wieku. - XIV wiek
• Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
• Wysoki renesans: koniec XV wieku. - pierwsza tercja XVI w.
• Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.

Głównymi postaciami prarenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).

Los poddał Dantego wielu próbom. Za udział w walce politycznej był prześladowany, błąkał się i zmarł na obcej ziemi, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne, ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą języka włoskiego język literacki. Czasem się to nazywa ostatni poetaŚredniowiecze i pierwszy poeta New Age. Te dwie zasady – stara i nowa – są rzeczywiście ściśle ze sobą powiązane w jego twórczości.

Pierwsze dzieła Dantego - „ Nowe życie" i "Uczta" - to liryczne wiersze miłosne poświęcone jego ukochanej Beatrice, którą poznał raz we Florencji, a która zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował tę miłość do końca życia. Teksty Dantego pod względem gatunkowym nawiązują do średniowiecznej poezji dworskiej, gdzie przedmiotem śpiewu jest wizerunek „Pięknej Pani”. Jednak uczucia wyrażone przez poetę należą już do renesansu. Są spowodowane prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnione szczerym ciepłem i naznaczone wyjątkową osobowością.

Szczytem twórczości Dantego był « Boska Komedia ”, który zajął szczególne miejsce w historii kultury światowej. Wiersz ten w swej konstrukcji wpisuje się także w tradycje średniowieczne. Opowiada o przygodach człowieka, który trafia do zaświatów. Wiersz składa się z trzech części – Piekło, Czyściec i Niebo, z których każda zawiera 33 pieśni zapisane w trzywersowych zwrotkach.

Powtarzająca się liczba „trzy” bezpośrednio nawiązuje do chrześcijańskiej nauki o Trójcy. W trakcie opowieści Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie pozwala swemu towarzyszowi przez dziewięć kręgów piekła i czyśćca – rzymskiemu poecie Wergiliuszowi – wejść do nieba, gdyż poganin jest pozbawiony takiego prawa. Poecie towarzyszy tu jego zmarła ukochana Beatrice.

Jednak w swoich myślach i sądach, w postawie wobec przedstawionych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco odbiega od nauczania chrześcijańskiego. Więc. zamiast chrześcijańskiego potępienia miłości zmysłowej jako grzechu mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest zawarta w naturze samego życia. Dante traktuje miłość Franceski i Paola ze zrozumieniem i współczuciem. choć ich miłość wiąże się ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu triumfuje u Dantego także w innych przypadkach.

Wśród wybitnych poetów włoskich jest także Francesco Petrarca. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swoich sonety. Jednocześnie był wszechstronnym myślicielem, filozofem i historykiem. Słusznie uważany jest za twórcę całej kultury renesansu.

Dzieło Petrarki również częściowo mieści się w ramach średniowiecza teksty dworskie. Podobnie jak Dante miał kochankę o imieniu Laura, której zadedykował swoją „Księgę pieśni”. Jednocześnie Petrarka bardziej zdecydowanie zrywa więzi kultura średniowieczna. W jego pracach wyrażane uczucia – miłość, ból, rozpacz, tęsknota – pojawiają się znacznie dotkliwiej i nago. Element osobowy jest w nich silniejszy.

Innym wybitnym przedstawicielem literatury był Giovanniego Boccaccio(1313-1375). autor światowej sławy Dekameron.” Boccaccio zapożycza zasadę konstruowania swojego zbioru opowiadań i zarys fabuły ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.

Głównymi bohaterami opowiadań są zwykli i zwykli ludzie. Są napisane zaskakująco jasnym, żywym, potocznym językiem. Nie ma w nich nudnego moralizowania, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie błyszczy miłością do życia i zabawy. Fabuła niektórych z nich ma charakter miłosny i erotyczny. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także opowiadanie Fiametta, które jest uważane za pierwsze powieść psychologiczna Literatura zachodnia.

Giotto di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego prarenesansu w sztukach pięknych. Jego głównym gatunkiem było malarstwo freskowe. Wszystkie napisane są o tematyce biblijnej i mitologicznej, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów i świętych. Jednak w interpretacji tych wątków wyraźnie dominuje zasada renesansu. Giotto w swojej twórczości porzuca średniowieczne konwencje na rzecz realizmu i prawdopodobieństwa. To jemu przypisuje się zasługę wskrzeszenia malarstwa jako odrębnej wartości artystycznej.

Jego prace dość realistycznie przedstawiają naturalny krajobraz, w którym wyraźnie widać drzewa, skały i świątynie. Wszystkie uczestniczące postacie, w tym sami święci, jawią się jako żywe osoby, obdarzone fizycznym ciałem, ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Ich ubrania podkreślają naturalne kształty ich ciał. Prace Giotta cechuje jasna barwa i malowniczość, subtelna plastyczność.

Głównym dziełem Giotta jest obraz przedstawiający kaplicę del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Największe wrażenie robi cykl ścienny, na który składają się sceny z „Ucieczki do Egiptu”, „Pocałunku Judasza” i „Opłakiwania Chrystusa”.

Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i wiarygodnie. Położenie ich ciał, gesty, stan emocjonalny, spojrzenia, twarze – wszystko to ukazane jest z rzadką psychologiczną perswazją. Jednocześnie zachowanie każdego jest ściśle zgodne z przypisaną mu rolą. Każda scena ma swój niepowtarzalny klimat.

Dlatego w scenie „Ucieczka do Egiptu” dominuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” przepełniony jest burzliwą dynamiką, ostrymi i zdecydowanymi działaniami bohaterów, którzy dosłownie zmagali się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – ​​Judasz i Chrystus – zamarli w bezruchu i walczyli oczami.

Szczególną dramaturgię naznaczona jest scena „Żałoba Chrystusa”. Przepełniona jest tragiczną rozpaczą, nieznośnym bólem i cierpieniem, niepocieszonym żalem i smutkiem.

W końcu powstał wczesny renesans nowa estetyka i zasady artystyczne sztuka. Jednocześnie historie biblijne nadal cieszą się dużą popularnością. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna, niewiele w niej zostało ze średniowiecza.

Ojczyzna Wczesny renesans Florencja stała się, a architekt uważany jest za „ojców renesansu” Philippe’a Brunelleschiego(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny architektury renesansowej i odkrył nowe formy, które przetrwały wieki. Zrobił wiele, aby opracować prawa perspektywy.

Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną już konstrukcją katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. stał przed nim wyłącznie trudne zadanie, ponieważ wymagana kopuła musiała być ogromna - około 50 m średnicy. Dzięki oryginalnemu projektowi genialnie pokonuje trudną sytuację. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i jakby unosiła się nad miastem, ale cała budowla katedry nabrała harmonii i majestatu.

Nie mniej wspaniała praca Brunelleschi stała się słynną Kaplicą Pazzi, wzniesioną na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielka budowla na planie prostokąta, nakryta pośrodku kopułą. Wnętrze wyłożone jest białym marmurem. Podobnie jak inne budynki Brunelleschi, kaplica wyróżnia się prostotą i przejrzystością, elegancją i wdziękiem.

Twórczość Brunelleschiego wyróżnia się tym, że wykracza poza budynki sakralne i tworzy wspaniałe budowle architektury świeckiej. Doskonałym przykładem takiej architektury jest dom schroniska edukacyjnego, zbudowany na planie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.

Florencki rzeźbiarz Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Pracował w różnych gatunkach, wszędzie pokazując prawdziwą innowację. Donatello w swojej twórczości wykorzystuje dziedzictwo starożytne, opierając się na głębokim badaniu natury, odważnie aktualizując środki wyrazu artystycznego.

Bierze udział w rozwoju teorii perspektywy linearnej, ożywia rzeźbiarski portret i obraz nagiego ciała, rzuca pierwsze pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są ucieleśnieniem humanistycznego ideału harmonijnie rozwiniętej osobowości. Donatello swoją twórczością wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój rzeźby europejskiej.

Dążenie Donatello do idealizowania portretowanej osoby jest wyraźnie widoczne w posąg młodego Dawida. W tej pracy David wydaje się młody, piękny, pełen duchowości i siła fizyczna młodzi mężczyźni. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tors. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiła się cała seria nagich postaci w rzeźbie renesansowej.

Zasada bohaterstwa brzmi mocno i wyraźnie posąg św. Jerzy, który stał się jednym ze szczytów twórczości Donatello. Tutaj mógł w pełni zrealizować ten pomysł silna osobowość. Przed nami wysoki, szczupły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby starożytnej.

Klasycznym dziełem Donatello jest brązowy posąg dowódcy Gattamelatty, pierwszy pomnik jeździecki w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga najwyższy poziom uogólnienia artystycznego i filozoficznego, co przybliża to dzieło do starożytności.

Jednocześnie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy bohater renesansu, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia lakoniczna forma, wyraźna i precyzyjna plastyczność oraz naturalność pozy jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.

W ostatni okres kreatywność Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judyta ukazana jest w momencie, gdy podnosi miecz nad już rannym Holofernesem. żeby go wykończyć.

Masaccio słusznie uważany jest za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy wywodzące się od Giotto. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele udało mu się zrobić. Jednak stworzone przez niego freski stały się prawdziwą szkołą malarstwa dla kolejnych włoskich artystów. Według Vasariego współczesny Wysoki renesans i autorytatywny krytyk, „żaden mistrz nie zbliżył się tak do współczesnych mistrzów jak Masaccio”.

Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, opowiadające o epizodach z legend o św. Piotrze, a także przedstawiające dwie sceny biblijne - „Upadek” i „Wypędzenie z raju”. ”

Choć freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego ani mistycznego. Przedstawieni Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń sprawiają wrażenie całkowicie ziemskich ludzi. Są obdarzeni indywidualnymi cechami i zachowują się całkowicie naturalnie i po ludzku. Szczególnie w scenie „Chrztu” zaskakująco wiarygodnie ukazano nagiego młodzieńca drżącego z zimna. Masaccio buduje swoją kompozycję wykorzystując nie tylko perspektywę linearną, ale także powietrzną.

Z całego cyklu zasługuje na szczególne wyróżnienie fresk „Wypędzenie z raju”. To prawdziwe arcydzieło malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niewyraźnego krajobrazu wyraźnie widać postacie Adama i Ewy, które opuściły bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupiona jest na Mamie i Ewie.

Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa potrafił tak przekonująco i autentycznie namalować nagie ciało, oddać jego naturalne proporcje, nadać mu stabilność i ruch. Równie przekonująco i żywo wyrażone stan wewnętrzny bohaterowie. Idąc szeroko, Adam ze wstydem spuścił głowę i zakrył twarz rękami. Łkająca Ewa odchyliła głowę w rozpaczy z otwartymi ustami. Ten fresk otwiera nową erę w sztuce.

To, co zrobił Masaccio, było kontynuowane przez takich artystów jak Andrea Mantegna(1431 -1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwsza zasłynęła przede wszystkim dzięki malarstwu, wśród których szczególne miejsce zajmują freski opowiadające o ostatnich epizodach z życia św. Jakuba – procesja na egzekucję i sama egzekucja. Botticelli preferował malarstwo sztalugowe. Jego najbardziej znane obrazy to „Wiosna” i „Narodziny Wenus”.

Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiągnęła swój najwyższy rozkwit, Wysoki renesans. Dla Włochów okres ten okazał się niezwykle trudny. Rozdrobniony, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, co dziwne, doświadczyła niespotykanego rozkwitu. To właśnie w tym czasie stworzyli tytani tacy jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.

W architekturze początek wysokiego renesansu kojarzony jest z kreatywnością Donato Bramante(1444-1514). To on stworzył styl, który zadecydował o rozwoju architektury tego okresu.

Jednym z jego wczesnych dzieł był kościół klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w którego refektarzu Leonardo da Vinci namalował swój słynny fresk „Ostatnia wieczerza”. Jego sława zaczyna się od małej kaplicy zwanej Tempetto(1502), zbudowany w Rzymie, który stał się swego rodzaju „manifestem” Wysokiego Renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia się prostotą środków architektonicznych, harmonią części i rzadką wyrazistością. To naprawdę małe arcydzieło.

Szczytem twórczości Bramantego jest rekonstrukcja Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Opracował także projekt katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie je wdrażać.

Zobacz też: Michał Anioł Buonarroti

W sztuce włoskiego renesansu szczególne miejsce zajmuje Wenecja. Szkoła, która się tu rozwinęła, różniła się znacząco od szkół florenckich, rzymskich, mediolańskich czy bolońskich. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie byli skłonni do radykalnej odnowy. To na tych szkołach opierał się klasycyzm XVII wieku. i neoklasycyzm kolejnych wieków.

Szkoła wenecka stanowiła dla nich swego rodzaju przeciwwagę i antypod. Panował tu duch innowacji i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Spośród przedstawicieli innych szkół włoskich Leonardo był najbliżej Wenecji. Być może właśnie tutaj jego pasja poszukiwań i eksperymentów znalazła należyte zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze pomiędzy „starymi i nowymi” artystami, ten ostatni oparł się na przykładzie Wenecji. To tu zrodziły się tendencje, które doprowadziły do ​​baroku i romantyzmu. I chociaż romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Weronese. W Wenecji El Greco otrzymał ładunek twórczy, który pozwolił mu wstrząsnąć malarstwem hiszpańskim. Velázquez przejeżdżał przez Wenecję. To samo można powiedzieć o artyści flamandzcy Rubensa i Van Dycka.

Jako miasto portowe Wenecja znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Był pod wpływem północnych Niemiec, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Durer był tu dwukrotnie – pod koniec XV wieku. i początek XVI w. Odwiedził ją Goethe (1790). Wagner przysłuchiwał się tu śpiewowi gondolierów (1857), pod którego wpływem napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.

Bliskość morza przywoływała raczej płynne i ruchome formy niż wyraźne struktury geometryczne. Wenecja skłaniała się nie tyle do rozumu ze swoimi rygorystycznymi zasadami, ile do uczuć, z których narodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. Tematem tej poezji była natura – jej widzialna i namacalna materialność, kobieta – ekscytujące piękno jej ciała, muzyka – zrodzona z gry kolorów i światła oraz z czarujących dźwięków uduchowionej natury.

Artyści szkoła wenecka Preferowali nie formę i design, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się oddać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. Piękno kobiecego ciała widzieli nie tyle w harmonii form i proporcji, ile w samym żywym i czującym ciele.

Realistyczna wiarygodność i autentyczność nie były dla nich wystarczające. Starali się odkryć bogactwa tkwiące w samym malarstwie. To Wenecji należy się zasługa odkrycia czystej zasady obrazowości, czyli malowniczości w niej czysta forma. Artyści weneccy jako pierwsi pokazali możliwość oddzielenia malarstwa od przedmiotów i formy, możliwość rozwiązywania problemów malarskich za pomocą jednego koloru, środków czysto obrazowych, możliwość traktowania malarstwa jako celu samego w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na ekspresji i wyrazistości, będzie podążać tą drogą. Według niektórych ekspertów od Tycjana można przejść do Rubensa i Rembrandta, następnie do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne’a itp.

Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy zachował się jak prawdziwy innowator. W końcu zwycięża go zasada świecka i zamiast o tematyce biblijnej woli pisać o tematyce mitologicznej i literackiej. W jego twórczości utrwalił się obraz sztalugowy, który nie przypomina już ikony ani obrazu ołtarzowego.

Otwiera się Giorgione Nowa era w malarstwie, jako pierwszy zaczął malować od życia. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy przenosi nacisk na mobilność, zmienność i płynność. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To Giorgione zaczął szukać tajemnicy malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, będąc prekursorem Caravaggia i caravaggizmu.

Giorgione stworzył dzieła różnych gatunków i tematów - „Koncert wiejski” i „Judith”. Jego najsłynniejszym dziełem było „Śpiąca Wenus”" To zdjęcie jest pozbawione jakiejkolwiek fabuły. Gloryfikuje piękno i urok nagiego kobiecego ciała, przedstawiając „nagość samą w sobie”.

Dyrektorem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – obok dzieł Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansu. Większość swojego długiego życia spędził w okresie późnego renesansu.

W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga swój najwyższy wzrost i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowację Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Cechuje je niezwykła zmysłowość, dzięki czemu wywierają potężny wpływ na widza. Dzieła Tycjana są zaskakująco muzyczne i melodyjne.

Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem swój smak nabrało malarstwo, a według Delacroix i Van Gogha muzyka. Jego płótna malowane są otwartą kreską, a jednocześnie lekkie, swobodne i przejrzyste. To właśnie w jego pracach kolor zdaje się rozpuszczać i wchłaniać formę, a zasada obrazowości po raz pierwszy zyskuje autonomię i pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości zamienia się w czarujący i subtelny liryzm.

W dziełach pierwszego okresu Tycjan gloryfikuje beztroską radość życia, korzystanie z dóbr ziemskich. Wychwala zasadę zmysłowości, ludzkie ciało tryskające zdrowiem, wieczne piękno ciała, fizyczną doskonałość człowieka. Temu poświęcone są jego obrazy, takie jak „Miłość ziemska i niebiańska”, „Święto Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis”.

Na obrazie dominuje zasada zmysłowości „Pokutująca Magdalena”, chociaż jest poświęcony sytuacji dramatycznej. Ale i tutaj skruszony grzesznik ma zmysłowe ciało, urzekające ciało promieniujące światłem, pełne i zmysłowe usta, różowe policzki i złote włosy. Płótno „Chłopiec z psami” przepełnione jest uduchowionym liryzmem.

W twórczości drugiego okresu zasada zmysłowości zostaje zachowana, ale uzupełnia ją narastający psychologizm i dramatyzm. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od tego, co fizyczne i zmysłowe, do duchowego i dramatycznego. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne we wcieleniu tematów i tematów, którymi wielki artysta poruszał się dwukrotnie. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los samotnego, porzuconego przez ludzi cierpiącego nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i pięknem fizycznym. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera cech tragedii.

Jeszcze bardziej uderzającym przykładem są warianty obrazu „Koronacja cierniowa” poświęconego epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich przechowywanym w Luwrze. Chrystus jawi się jako fizycznie piękny i silny sportowiec, zdolny odeprzeć swoich gwałcicieli. W monachijskiej wersji, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam epizod jest przekazywany znacznie głębiej, bardziej kompleksowo i wymownie. Chrystus ukazany jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i upokorzenie. Teraz najważniejsze nie jest ukoronowanie i bicie, nie zjawisko fizyczne, ale psychiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.

W późniejszych dziełach Tycjana tragiczny dźwięk staje się coraz bardziej intensywny. Świadczy o tym obraz „Opłakiwanie Chrystusa”.

Renesans czy renesans dał nam wiele wspaniałych dzieł sztuki. Był to okres sprzyjający rozwojowi kreatywności. Nazwiska wielu wielkich artystów kojarzą się z renesansem. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Tycjan, Correggio – to tylko niewielka część nazwisk twórców tamtych czasów.

Z tym okresem wiąże się pojawienie się nowych stylów i malarstwa. Podejście do przedstawiania ludzkiego ciała stało się niemal naukowe. Artyści dążą do rzeczywistości - dopracowują każdy szczegół. Ludzie i wydarzenia na obrazach tamtych czasów wyglądają niezwykle realistycznie.

Historycy wyróżniają kilka okresów w rozwoju malarstwa w okresie renesansu.

Gotyk – XII w. Popularny styl na dworze. Cechowała go pompatyczność, pretensjonalność i nadmierna barwność. Stosowane jako farby. Malowidła były tematem scen ołtarzowych. Najbardziej znanymi przedstawicielami tego nurtu są włoscy artyści Vittore Carpaccio i Sandro Botticelli.

Sandro Botticellego

Protorenesans - XIII wiek. W tym czasie miała miejsce restrukturyzacja moralności w malarstwie. Tematyka religijna schodzi na dalszy plan, a tematyka świecka staje się coraz bardziej popularna. Obraz zastępuje ikonę. Ludzie są przedstawiani bardziej realistycznie, a mimika i gesty stają się ważne dla artystów. Pojawia się nowy gatunek Dzieła wizualne - . Przedstawicielami tego czasu są Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Wcześniejszy renesans - XIV wiek. Powstanie malarstwa niereligijnego. Nawet twarze na ikonach stają się bardziej żywe – nabierają ludzkich rysów. Artyści więcej wczesne okresy próbowali rysować pejzaże, ale służyły jedynie jako dodatek, tło do głównego obrazu. W okresie wczesnego renesansu stał się gatunkiem niezależnym. Portret również się rozwija. Naukowcy odkrywają prawo perspektywy linearnej, a artyści na tej podstawie budują swoje obrazy. Na ich płótnach widać właściwą trójwymiarową przestrzeń. Wybitnymi przedstawicielami tego okresu są Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Wysoki renesans - złoty wiek. Horyzonty artystów stają się jeszcze szersze – ich zainteresowania sięgają przestrzeni Kosmosu, uznają człowieka za centrum wszechświata.

W tym czasie pojawili się „tytani” renesansu - Leonardo Da Vinci, Michał Anioł, Tycjan, Raphael Santi i inni. To ludzie, których zainteresowania nie ograniczały się do malarstwa. Ich wiedza sięgała znacznie dalej. Najwybitniejszym przedstawicielem był Leonardo Da Vinci, który był nie tylko wielkim malarzem, ale także naukowcem, rzeźbiarzem i dramaturgiem. Stworzył fantastyczne techniki malarskie, m.in. „smuffato” – iluzję zamglenia, która posłużyła do stworzenia słynnej „La Giocondy”.

Leonardo da Vinci

Późny renesans- zanik renesansu (od połowy XVI w. do końca XVII w.). Ten czas wiąże się ze zmianą, kryzysem religijnym. Okres świetności dobiega końca, linie na płótnach stają się coraz bardziej nerwowe, zanika indywidualizm. Tłum coraz częściej staje się obrazem obrazów. Utalentowane dzieła tamtych czasów napisali Paolo Veronese i Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

Włochy dały światu najbardziej utalentowanych artystów renesansu, to oni są najczęściej wymieniani w historii malarstwa. Tymczasem w innych krajach w tym okresie rozwinęło się także malarstwo i wpłynęło na rozwój tej sztuki. Malarstwo w innych krajach tego okresu nazywa się renesansem północnym.

Renesans (renesans). Włochy. XV-XVI wiek. Wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.

Bogaci i potężni gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, artyści i rzeźbiarze codziennie prowadzą rozmowy ze swoimi patronami. Przez chwilę wydawało się, że narodem rządzą mędrcy, tak jak chciał Platon.

Pamiętali starożytnych Rzymian i Greków. Który także zbudował społeczeństwo wolnych obywateli. Gdzie główną wartością są ludzie (nie licząc oczywiście niewolników).

Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest mieszanina. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i szczerość obrazów. Piękno fizyczne i piękno duchowe.

To był tylko błysk. Okres wysokiego renesansu trwa około 30 lat! Od 1490 do 1527 r Od początków rozkwitu twórczości Leonarda. Przed splądrowaniem Rzymu.

Miraż idealnego świata szybko zniknął. Włochy okazały się zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.

Jednak te 30 lat określiło główne cechy Malarstwo europejskie 500 lat przed nami! Aż do .

Realizm obrazu. Antropocentryzm (kiedy dana osoba jest główny bohater i bohater). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Sceneria…

Niewiarygodne, że w ciągu tych 30 lat stworzyli ich kilka genialni mistrzowie. Które innym razem rodzą się raz na 1000 lat.

Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Nie możemy jednak nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach. Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięć mistrzów renesansu florenckiego”. Początek XVI wieku. .

XIV wiek. Protorenesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed wysokim renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, prawie nie nadeszłaby.

Przed Giottem były ikony i freski. Powstały według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. Płaskie figury. Niezachowanie proporcji. Zamiast krajobrazu jest złote tło. Jak na przykład na tej ikonce.

Guido da Siena. Pokłon Trzech Króli. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy.

I nagle pojawiają się freski Giotta. Mają obszerne figury. Twarze szlachetnych ludzi. Smutny. Smutny. Zaskoczony. Stary i młody. Różny.

Freski Giotta w kościele Scrovegni w Padwie (1302-1305). Po lewej: Opłakiwanie Chrystusa. Środek: Pocałunek Judasza (fragment). Po prawej: Zwiastowanie św. Anny (Matki Marii), fragment.

Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w kaplicy Scrovegnich w Padwie. Kiedy kościół ten został otwarty dla parafian, napływały do ​​niego tłumy ludzi. Ponieważ nigdy czegoś takiego nie widzieli.

W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. To tak, jakby przełożył historie biblijne na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne zwykli ludzie.

Giotto. Pokłon Trzech Króli. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegnich w Padwie we Włoszech.

To właśnie będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Lakoniczne obrazy. Żywe emocje bohaterów. Realizm.

Więcej o freskach mistrza przeczytasz w artykule.

Giotto był podziwiany. Ale jego innowacje nie były dalej rozwijane. Moda na międzynarodowy gotyk dotarła do Włoch.

Dopiero po 100 latach pojawi się mistrz, godny następca Giotta.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Św. Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancacciego w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.

Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.

Pierwszym artystą, który tego użył, był Masaccio perspektywa liniowa. Zaprojektował go jego przyjaciel, architekt Brunelleschi. Teraz świat przedstawiony stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawek należy już do przeszłości.

Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancacciego w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.

Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.

Zamiast blokowych postaci Giotto ma pięknie zbudowanych ludzi. Podobnie jak starożytni Grecy.

Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancacci, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.
Masaccio. Wypędzenie z raju. 1426-1427 Fresk w kaplicy Brancaccich, kościół Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Masaccio żył krótko. Zmarł niespodziewanie, podobnie jak jego ojciec. W wieku 27 lat.

Miał jednak wielu naśladowców. Mistrzowie kolejnych pokoleń udali się do Kaplicy Brancacciego, aby uczyć się z jego fresków.

W ten sposób innowacje Masaccio zostały przejęte przez wszystkich wielkich tytanów wysokiego renesansu.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie we Włoszech.

Leonardo da Vinci to jeden z tytanów renesansu. Co miało ogromny wpływ na rozwój malarstwa.

To on podniósł rangę samego artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. Są to twórcy i arystokraci ducha.

Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w malarstwo portretowe.

Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Wzrok nie powinien wędrować od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Lakoniczny. Harmonijny.

Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Czertoryskiego w Krakowie.

Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób na ożywienie obrazów.

Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były jasne. Wszystkie szczegóły są starannie narysowane. Namalowany rysunek nie mógłby być żywy.

Ale potem Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zacieniował linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego bohaterowie zdają się być spojeni ledwie dostrzegalną mgłą. Postacie ożyły.

. 1503-1519 Luwr, Paryż.

Od tego czasu sfumato wejdzie do aktywnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.

Często pojawia się opinia, że ​​​​Leonardo jest oczywiście geniuszem. Ale nie wiedział, jak cokolwiek zakończyć. I często nie kończyłem obrazów. A wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). I ogólnie został wrzucony albo do medycyny, albo do muzyki. A kiedyś nawet interesowałam się sztuką serwowania.

Jednak pomyśl samodzielnie. 19 obrazów. I on - największy artysta wszystkich czasów i narodów. A niektórzy nawet nie są bliscy wielkości. Jednocześnie namalował w swoim życiu 6000 płócien. Wiadomo, kto ma większą skuteczność.

O sobie sławny obraz przeczytaj mistrza w artykule.

4. Michał Anioł (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michał Anioł (fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale był mistrzem uniwersalnym. Podobnie jak inni jego koledzy z renesansu. Dlatego jego malarskie dziedzictwo jest nie mniej imponujące.

Można go rozpoznać przede wszystkim po rozwiniętych fizycznie postaciach. Ponieważ przedstawił idealnego mężczyznę. W którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.

Dlatego wszyscy jego bohaterowie są tak muskularni i odporni. Nawet kobiety i starcy.

Michał Anioł. Fragmenty fresku „Sąd Ostateczny” w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.

Michał Anioł często malował tę postać nago. A potem dodał ubrania na wierzch. Aby ciało było jak najbardziej wyrzeźbione.

Sam namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż jest to kilkaset liczb! Nie pozwalał nawet nikomu pocierać farby. Tak, był samotnikiem. Posiadający fajny i kłótliwy charakter. Ale przede wszystkim był niezadowolony z... siebie.

Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan.

Michał Anioł żył długo. Przeżył upadek renesansu. Dla niego była to osobista tragedia. Jego późniejsze prace są pełne smutku i smutku.

Ogólnie rzecz biorąc, ścieżka twórcza Michała Anioła jest wyjątkowa. Jego wczesne prace są celebracją ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytna Grecja. Jak ma na imię Dawid?

W ostatnie latażycie to tragiczne obrazy. Celowo grubo ciosany kamień. To tak, jakbyśmy patrzyli na pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrz na jego Pietę.

Rzeźby Michała Anioła w Akademii sztuki piękne we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta Palestriny. 1555

Jak to jest możliwe? Jeden artysta w jednym życiu przeszedł wszystkie etapy sztuki od renesansu po XX wiek. Co powinny zrobić kolejne pokolenia? Cóż, idź swoją drogą. Zdając sobie sprawę, że poprzeczka jest ustawiona bardzo wysoko.

5. Rafał (1483-1520)

. 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy.

Rafał nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz był zawsze doceniany. I w ciągu życia. I po śmierci.

Jego bohaterowie obdarzeni są zmysłowym, lirycznym pięknem. To jego słusznie uważa się za najpiękniejsze kobiece obrazy, jakie kiedykolwiek stworzono. Ich zewnętrzne piękno odzwierciedla i duchowe piękno bohaterki. Ich łagodność. Ich poświęcenie.

Rafał. . 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy.

Fiodor Dostojewski wypowiedział słynne słowa „Piękno zbawi świat”. To był jego ulubiony obraz.

Jednak obrazy zmysłowe nie są jedyne silny punkt Rafał. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był niedoścignionym architektem w malarstwie. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że nie może być inaczej.

Rafał. Szkoła ateńska. 1509-1511 Fresk w strofach Pałacu Apostolskiego w Watykanie.

Rafał żył tylko 37 lat. Zmarł nagle. Przez przeziębienie i błąd medyczny. Ale jego dziedzictwo jest trudne do przecenienia. Wielu artystów było idolem tego mistrza. Mnożąc swoje zmysłowe obrazy na tysiącach płócien..

Tycjan był niezrównanym kolorystą. Dużo eksperymentował także z kompozycją. Ogólnie rzecz biorąc, był odważnym i genialnym innowatorem.

Wszyscy go kochali za błyskotliwość jego talentu. Nazywany „Królem malarzy i malarzem królów”.

Mówiąc o Tycjanie, chcę po każdym zdaniu postawić wykrzyknik. Przecież to on wniósł dynamikę do malarstwa. Patos. Entuzjazm. Jasny kolor. Połysk kolorów.

Tycjanowski. Wniebowstąpienie Marii. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari w Wenecji.

Pod koniec życia rozwinął się niezwykła technika listy. Pociągnięcia są szybkie i gęste. Farbę nakładałam pędzlem lub palcami. Dzięki temu obrazy są jeszcze bardziej żywe i oddychające. Fabuła jest jeszcze bardziej dynamiczna i dramatyczna.

Tycjanowski. Tarquin i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama w Cambridge, Anglia.

Czy to Ci niczego nie przypomina? Oczywiście, jest to technologia. A technika artystów XIX wieku: Barbizończyków i. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, w ciągu jednego życia przeżyłby 500 lat malarstwa. Dlatego jest geniuszem.

Przeczytaj o słynnym arcydziele mistrza w artykule.

Artyści renesansu to artyści o wielkiej wiedzy. Aby pozostawić po sobie takie dziedzictwo, trzeba było wiele wiedzieć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.

Dlatego każdy ich obraz skłania do refleksji. Dlaczego to jest przedstawione? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?

Dlatego prawie nigdy nie popełniali błędów. Ponieważ dokładnie przemyśleli swoją przyszłą pracę. Wykorzystując całą swoją wiedzę.

Byli czymś więcej niż artystami. Byli filozofami. Wyjaśnianie nam świata poprzez malarstwo.

Dlatego zawsze będą dla nas niezwykle interesujące.