Lekcja literatury na temat „M. Gorki. Spektakl „Na dnie” jako dramat filozoficzny. Ostra krytyka rzeczywistości w spektaklu, tragiczne losy „dna”.” M. Gorki „Na niższych głębokościach”: opis, postacie, analiza spektaklu

Siła napędowa akcja w dramacie Gorkiego to walka idei, a co za tym idzie, całego spektrum, jakim posługuje się autor techniki artystyczne podkreśla to. Prace nad fabułą spektaklu i jego kompozycją także trwają magistrala dramaty. Spektakl nie ma jasnej, ruchomej fabuły. Bohaterowie spektaklu są rozdzieleni, skupieni w różnych zakątkach sceny.

Spektakl „Na niższych głębokościach” to cykl małych dramatów, w których za kulisami dzieją się tradycyjne kulminacyjne momenty (śmierć Kostylewa, znęcanie się Wasilisy nad Nataszą, samobójstwo aktora). Autor celowo usuwa te wydarzenia z pola widzenia widza, podkreślając tym samym, że najważniejsze w spektaklu są rozmowy. Dramat Gorkiego zaczyna się od pojawienia się właściciela schroniska, Kostylewa. Z rozmów między noclegowniami okazuje się, że szuka swojej żony Vasilisy, którą porwa Ash. Wraz z pojawieniem się Łukasza następuje początek akcji (koniec pierwszego aktu). W poczwórnym akcie następuje rozwiązanie. Monolog Satina: „Co to jest prawda? Kurczę, to prawda!” Jest najwyższy punkt intensywność akcji, kulminacja dramatu.

Badacze twórczości Gorkiego zauważyli jeszcze jedną cechę: dramaturg posługuje się tak zwanymi epizodami „rymowanymi”. Odzwierciedlone są dwa dialogi między Nastią i Baronem. Na początku spektaklu dziewczyna broni się przed kpiną barona. Po odejściu Luki bohaterowie zdają się zmieniać role: wszystkie opowieści Barona o jego byłym bogate życie towarzyszy ta sama uwaga Nastii: „To się nie wydarzyło!” Dokładnym rymem semantycznym w spektaklu jest przypowieść Łukasza o sprawiedliwej ziemi i epizod o samobójstwie aktora. Obydwa fragmenty pokrywają się dosłownie w końcowych wersach: „A potem poszedł do domu i powiesił się…” oraz „Hej…ty! Idź... chodź tutaj! ...Aktor się tam powiesił!” Fragmenty takie, zdaniem autora, mają na celu połączenie części kompozycji.

Bohaterów spektaklu „Na dnie” nie dzieli się tradycyjnie na głównych i drugorzędnych. Każda postać ma swoją historię, swoje przeznaczenie i niesie ze sobą swoje znaczenie w dziele. W przedstawieniu są one ostro skontrastowane. Autor wielokrotnie nawiązuje do antytezy. W przeciwieństwie do strasznych warunków życia, biedy i beznadziei, hymn na cześć Człowieka rozbrzmiewa głośno.

Gorki zawsze przywiązywał dużą wagę do języka. A w spektaklu to dialogi nadają akcji atmosferę napięcia i konfliktu. Autor wkłada jasne, zwięzłe słowa w usta bohatera, aby wyrazić główną ideę - cel Człowieka: „Istnieje tylko człowiek, wszystko inne jest dziełem jego rąk i mózgu! Człowiek! Wspaniale! Brzmi dumnie!” Los znalazł odzwierciedlenie w mowie każdej postaci, podłoże społeczne, poziom kultury. Na przykład przemówienie Łukasza jest niezwykle aforystyczne: „Gdzie jest ciepło, tam jest ojczyzna”, „W życiu nie ma porządku, nie ma czystości”, „… ani jedna pchła nie jest zła: wszystkie są czarne, są wszyscy skaczą.” Materiał ze strony

Zatem, oryginalność artystyczna Sztuka Gorkiego „Na niższych głębokościach” to:

• formułowanie ostrych problemów filozoficznych;
• odmowa jasnego poruszania się fabuła;
• odcinki „rymowane”;
• brak podziału na bohaterów głównych i drugoplanowych;
• dynamika dialogów, charakterystyka mowy bohaterów sztuki.

Nie znalazłeś tego, czego szukałeś? Skorzystaj z wyszukiwania

Na tej stronie znajdują się materiały na następujące tematy:

• Gra Gorkiego na dole zawartości kompozycji fabuły
• charakterystyka mowy bohaterów spektaklu na dole
• charakterystyka mowy bohaterów spektaklu na dole
• charakterystyka mowy bohaterów na dole
• kulminacją spektaklu na dole jest scena

Prolog obecnie pełni funkcję Przedmowa – element ten nie jest bezpośrednio powiązany z fabułą spektaklu. To miejsce, w którym autor może wyrazić swoją postawę, to demonstracja pomysłów autora. Może to być również orientacja prezentacji. Wzorem starożytnych sztuk greckich prolog może być bezpośrednim zwróceniem się autora do widza („Cud zwyczajny” E. Schwartza), chórem („Romeo i Julia”), postacią („Życie człowieka” ” L. Andreeva), osoba z teatru.

Ekspozycja(od łac. ekspozycja– „ekspozycja”, „wyjaśnienie”) – Część dramatyczna praca, który charakteryzuje sytuację poprzedzającą rozpoczęcie akcji. Jej zadaniem jest przedstawienie wszystkich proponowanych okoliczności powstania dzieła dramatycznego. Już sam tytuł spektaklu pełni w pewnym stopniu funkcję ekspozycyjną. Oprócz przedstawienia całej historii spektaklu, zadaniem ekspozycji jest także wyeksponowanie akcji. W zależności od projektu wystawa może być prosty(monolog specjalny), pośredni(ujawnianie okoliczności w miarę postępu akcji).

Rolą ekspozycji może być także pokazanie wydarzeń, które miały miejsce na długo przed główną akcją spektaklu (na przykład „Winny bez winy” A.N. Ostrowskiego). Celem tej części kompozycji jest przekazanie informacji niezbędnych do zrozumienia nadchodzącej akcji, przesłania o kraju, czasie, miejscu akcji, opisu niektórych wydarzeń, które poprzedziły początek spektaklu i miały na niego wpływ, opowieści o głównej równowadze sił, o ich grupowaniu się w konflikcie, o układowych relacjach i wzajemnych powiązaniach postaci w danej sytuacji, o kontekście, w jakim wszystko należy postrzegać. Najbardziej powszechnym rodzajem ekspozycji jest ukazanie ostatniego okresu życia, którego bieg zostaje przerwany pojawieniem się konfliktu.

Ekspozycja zawiera wydarzenie, które ma miejsce na początku spektaklu. Od niej zaczyna się sytuacja wyjściowa, która nadaje impuls całemu spektaklowi. To wydarzenie jest zwykle nazywane oryginalny. Nie tylko pomaga zidentyfikować podstawę fabuły, ale także skutecznie przygotowuje początek. Fabuła i ekspozycja to nierozerwalnie powiązane elementy jednej, etap początkowy sztuki będące źródłem akcji dramatycznej. Nie należy myśleć, że wydarzenie początkowe stanowi ekspozycję – jest to błędne. Oprócz tego może obejmować kilka innych wydarzeń i różne fakty. Należy pamiętać, że nasze rozważania dotyczą dramatyczna ekspozycja, ale jest też wystawa teatralna. Jego zadaniem jest wprowadzenie widza w świat nadchodzącego spektaklu. W tym przypadku sama lokalizacja audytorium, oświetlenie, scenografia i wiele innych związanych z teatrem, ale nie ze spektaklem, będzie swego rodzaju ekspozycją.

Początek- najważniejszy element kompozycji. Tutaj znajdują się zdarzenia naruszające sytuację wyjściową. Dlatego też w tej części kompozycji rozpoczyna się główny konflikt, tutaj przybiera on swoje widoczne zarysy i rozwija się jako walka między postaciami, jako akcja. Z reguły zderzają się dwa przeciwstawne punkty widzenia, różne interesy, światopoglądy i sposoby istnienia. I nie tylko zderzają się, ale splatają w jeden konfliktowy węzeł, którego rozwiązanie jest celem spektaklu. Można nawet powiedzieć, że rozwój akcji spektaklu jest rozwiązaniem fabuły.

Odnośnie tego, co uważa się za początek działania, Hegel zauważył, że „w rzeczywistości empirycznej każde działanie ma wiele przesłanek, tak że trudno jest ustalić, w którym miejscu należy znaleźć prawdziwy początek. Lecz odkąd dramatyczna akcja zasadniczo opiera się na pewnym konflikcie, właściwym punktem wyjścia byłby To sytuacji, z której powinien się później rozwinąć ten konflikt.” Tę sytuację nazywamy remisem.

Rozwój akcji- najbardziej rozbudowana część spektaklu, jego główne pole działania i rozwoju. Tutaj zlokalizowana jest niemal cała fabuła spektaklu. Ta część składa się z pewnych epizodów, które wielu autorów dzieli na akty, sceny, zjawiska i działania. Liczba aktów w zasadzie nie jest ograniczona, ale z reguły waha się od 3 do 5. Hegel uważał, że liczba aktów powinna wynosić trzy:

1. – wykrywanie kolizji;

2. – ujawnienie tej kolizji „jako żywego zderzenia interesów, jako podziału, walki i konfliktu”;

3. – uchwała w największym stopniu zaostrzająca jej sprzeczność.

Ale prawie cały dramat europejski trzyma się struktury 5-aktowej:

I – ekspozycja;

2, 3, 4 – rozwój działania;

5. – finał;

Należy zaznaczyć, że w rozwój akcji znajduje się i punkt kulminacyjny- kolejny element strukturalny kompozycji. Ma charakter niezależny i funkcjonalnie odmienny od rozwój akcji. Dlatego definiujemy go jako element niezależny (funkcjonalnie).

Punkt kulminacyjny– w ogólnym ujęciu jest to szczyt rozwoju akcji spektaklu. W każdym przedstawieniu następuje pewien kamień milowy, który wyznacza decydujący zwrot w biegu wydarzeń, po którym zmienia się sam charakter walki i rozwiązanie zaczyna szybko się zbliżać. Ten moment jest zwykle nazywany punkt kulminacyjny. Punkt kulminacyjny opiera się na wydarzenie centralne, co stanowi radykalną zmianę akcji spektaklu na korzyść tej czy innej strony zaangażowanej w konflikt. W swojej budowie kulminacja jako element kompozycji może być złożona, tj. składać się z kilku scen.

Rozwiązanie– tu tradycyjnie kończy się główna (fabułowa) akcja spektaklu. Zasadniczą treścią tej części kompozycji jest rozwiązanie głównego konfliktu, zaprzestanie konfliktów pobocznych i innych sprzeczności, które stanowią i uzupełniają akcję spektaklu. Rozwiązanie jest logicznie powiązane z fabułą. Odległość od jednego do drugiego to strefa działki. To tutaj się kończy efekt końcowy sztuki i bohaterowie dochodzą do takiego czy innego rezultatu, jak mówią w teorii sanskryckiego dramatu, „znajdowania owoców”, ale nie zawsze jest to słodkie. W tragedii europejskiej jest to moment śmierci bohatera.

Epilog (epilog) - część kompozycji, która stanowi semantyczne dopełnienie dzieła jako całości (a nie fabuły). Epilog można potraktować jako swego rodzaju posłowie, podsumowanie, w którym autor podsumowuje semantyczne rezultaty spektaklu. W dramaturgii można to wyrazić jako końcową scenę spektaklu, następującą po rozwiązaniu. W historii dramatu zmieniała się nie tylko treść, styl, forma, ale także samo jego przeznaczenie. W starożytności epilogem było przemówienie chóru do publiczności, w którym skomentował zaistniałe wydarzenia i wyjaśnił zamierzenie autora. W epoce renesansu epilog pełni funkcję apelu do widza w formie monologu, zawierającego autorską interpretację wydarzeń podsumowującą ideę spektaklu. W dramaturgii klasycyzmu proszę traktować aktorów i autora przychylnie. W realistycznym dramacie XIX wieku epilog nabiera cech dodatkowej sceny, ujawniającej schematy determinujące losy bohaterów. Bardzo często zatem epilog przedstawiał życie bohaterów wiele lat później. W XX wieku w rozumieniu i stosowaniu epilogu panuje polifonia. Często pojawia się na początku spektaklu, a w jego trakcie wyjaśnia się, w jaki sposób bohaterowie doszli do takiego zakończenia. Czechowa nieustannie zajmowała kwestia „oryginalnego” zakończenia spektaklu. Napisał: „Mam ciekawą fabułę na komedię, ale nie wymyśliłem jeszcze zakończenia. Kto wymyśli nowe zakończenia sztuk, ten wymyśli Nowa era! Nie ma ostrych końcówek! Bohaterze, albo się ożenisz, albo się zastrzel, nie ma innego wyjścia”.

Wolkenstein natomiast uważał, że epilog to zazwyczaj „statystyczne postanowienia sceniczne: oznaka niemożności autora wyczerpującego rozstrzygnięcia dramatycznej walki w ostatnim akcie”. Definicja bardzo kontrowersyjna, ale wciąż nie bez znaczenia. Rzeczywiście, niektórzy dramatopisarze nadużywają epilogu, aby wyrazić nie tylko swoje pomysły, ale także zakończyć akcję. Jak ważny jest problem finału spektaklu i epilogu wynikający z całej treści spektaklu, podkreśla następująca opinia: „Problem ostatniego aktu jest przede wszystkim problemem ideologicznym, a dopiero potem technologicznym. . To w ostatnim akcie z reguły następuje rozwiązanie dramatycznego konfliktu, dlatego to właśnie tutaj wyraża się on najaktywniej i zdecydowanie stanowisko ideologiczne pisarz dramatyczny.” Epilog można też rozumieć jako pewne spojrzenie w przyszłość, odpowiadające na pytanie: co w przyszłości stanie się z bohaterami spektaklu?

Przykładami artystycznie rozwiązanego epilogu są „scena niema” w „Generalnym inspektorze” Gogola, pojednanie klanów w „Romeo i Julii” Szekspira czy bunt Tichona przeciwko Kabanikie w „Burzy z piorunami” Ostrowskiego.

Od ponad 100 lat spektakle oparte na sztuce M. Gorkiego „Na niższych głębokościach” nie schodzą z rosyjskiej sceny. Chodziła i największych teatrów pokój. A zainteresowanie trwa! Co wyjaśnia fenomenalny sukces sztuki i dlaczego nadal fascynuje ona umysły ludzkości także dzisiaj, 100 lat po jej powstaniu? Najwyraźniej dlatego, że jest skierowany na najważniejsze dla człowieka kwestie życiowe. W centrum - nie za bardzo ludzkie losy, tyle zderzenia idei, sporu o człowieka, o sens życia. Sednem tego sporu jest problem prawdy i kłamstwa, postrzegania życia takim, jakie jest naprawdę, z całą beznadziejnością i prawdą dla bohaterów – ludzi „z dołu”, czyli życia ze złudzeniami, niezależnie od tego, jak różnorodne i dziwaczne formy, w jakich się pojawiają. Spór ten zaczyna się na długo przed pojawieniem się Łukasza i trwa po jego odejściu.

Fabuła spektaklu „Na dole” polega na pojawieniu się Łukasza. Przedstawiając skandaliczne warunki panujące w doss Kostylewie, gdzie głód, brud, choroby, pijaństwo i złość stały się na porządku dziennym, Gorki pokazuje, że w mieszkańcach dna budzi się nadzieja, chęć zmiany życia na lepsze. Już na samym początku spektaklu Kwasznia pociesza się nadzieją, że jest wolną kobietą, a Nastya marzeniami o wspaniałym uczuciu, zapożyczając je z książki „ Fatalna miłość" Kleszcz nosi w sobie marzenie o wyrwaniu się z piwnicy i osiągnięciu dobrobytu poprzez uczciwą pracę. Ale ci, którzy nie mają złudzeń, próbują zniszczyć różowe sny każdego, kto ośmieli się jeszcze na coś mieć nadzieję. I wśród tych ludzi, zgorzkniałych życiem, pojawia się wędrowiec Łukasz. Już samo jego pojawienie się wnosi coś wyciszającego i wyciszającego w napiętą atmosferę życia noclegowni: „ Dobre zdrowie, uczciwi ludzie!.. Gdzie mogę się przystosować, moja droga? Dla starego człowieka, gdzie jest ciepło, jest ojczyzna…” Łatwo i szybko znajduje wspólny język z każdym z noclegowni, nie czuje się urażony uwagą Asha, by przestał nucić piosenkę. Zwracając się do Barona, mówi: „Widziałem hrabiego i widziałem księcia... ale barona spotykam po raz pierwszy, a i tak jest rozpieszczony...” Gruby doświadczenie życiowe, poszukiwania bezdomnych Łukasza określiły główne cechy jego psychologii, wśród których jest żywe zainteresowanie ludźmi. „Chcę zrozumieć sprawy ludzkie” – Łukasz określa swoje główne pragnienie. Zepsuje słowa współczucia dla wszystkich i dla wszystkich: „Ehe-he! Patrzę na was, bracia, - na wasze życie - „Och, och!”, „...Ja też szanuję oszustów i nie sądzę, że ani jedna pchła jest zła: wszyscy są czarni, wszyscy skaczą… to jest jak to jest.””, „...czy naprawdę można porzucić takiego człowieka? Nieważne, kim jest, zawsze jest wart swojej ceny…” Przyglądając się uważnie otaczającym go osobom, Luka widzi, jak ciężko jest Annie, znajduje dla niej słowa pocieszenia, wspiera ją, pomaga wyjść z kuchni: „No cóż, czołgaliśmy się... Och, ty! I czy w ogóle można iść samotnie w tak słabej grupie?” Jednocześnie Luka może walczyć z Vasilisą. Kiedy surowo go przesłuchuje, żąda paszportu, nazywa łobuzem, on spokojnie jej sprzeciwia się: „Przechodząc... wędrując...” Luka nie spieszy się z jej scharakteryzowaniem, ale taktownie zauważa: „Och, a ty jesteś nieuprzejma, matko... Poważny motyl”. Z taką samą godnością zachowuje się w obecności policjanta Miedwiediewa. Na jego słowa, że ​​powinien znać wszystkich w okolicy, a nie zna jego, Luka odpowiada: „To dlatego, wujku, że nie cała ziemia mieści się w Twojej okolicy... Zostało już tylko trochę, żeby to zatuszować.. .”

Luka wywołuje odmienne podejście do siebie niż z noclegowni. Dla Barona jest „kikimorą i łajdakiem”, dla chorej Anny – wrażliwym i człowiek serca: „Patrzę na ciebie… wyglądasz jak mój ojciec… jak ksiądz… tak samo czuły… miękki…” Na co Luka rozsądnie odpowiada: „Dużo zmiażdżyli, dlatego ty” re miękkie...” W tych słowach od razu pojawia się całe życie Łukasza: musiał wiele zobaczyć, przejść trudne chwile, zanim zaczął współczuć ludziom i ich rozumieć.

Drugi akt sztuki kończy się sceną bicia Nataszy przez Wasylisę. Słysząc krzyki dochodzące z kuchni, Luka pyta, co się tam dzieje: „Kto tam walczy?.. Co oni dzielą?”

Osobowość Łukasza, z jej złożonością i sprzecznościami, znajduje odzwierciedlenie w jego osobowości charakterystyka mowy, jego portret mowy. Pochodzi z folkloru i posługuje się głównie słownictwem potocznym: „ali”, „powiedzieć”, „wydaje się”, „ish”. W jego przemówieniu pojawiają się słowa używane w słownictwie chłopskim: „nie wahaj się”, „zły”, „uprzedzić”, „okrome”, „spokój” itp. W jego przemówieniu jest wiele słów z drobnymi przyrostkami: „mały” , „chleb”, „chleb” - co odzwierciedla jego stosunek do innych. Uderza szczególna barwność przemówienia Łukasza. Używa wielu aforyzmów: „Nieważne, jak udajesz, nieważne, jak się chwiejesz, ale urodziłeś się mężczyzną, umrzesz jak mężczyzna…”, „żyją - wszystko jest gorsze, ale chcą - wszystko jest lepsze ...”, itp.

Od końca pierwszego aż do zakończenia trzeciego aktu Luka jest na scenie. Wydaje się wszechobecny: udaje mu się porozmawiać niemal ze wszystkimi, pojawia się tam, gdzie omawiane są ważne problemy życiowe i niestrudzenie „pociesza” cierpiących. I choć w schronisku toczy się zwykłe życie: upijają się, grają w karty, przeklinają, Klesh skrzypi teczką, Anna kaszle i jęczy, to zewnętrzna płaszczyzna egzystencji coraz bardziej przenika narastające podniecenie emocjonalne tych, których Luka inspiruje na Nowa ścieżka.

Sam Gorki uważał Lukę za „typ negatywny”. On napisał. „Główne pytanie, które chciałem zadać, brzmi: co jest lepsze, prawda czy współczucie? Co jest bardziej potrzebne? Czy konieczne jest doprowadzenie współczucia do tego stopnia, aby posługiwać się kłamstwami, jak Łukasz?” Pytania zadawane przez Gorkiego niepokoiły wiele pokoleń aktorów reprezentujących Lukę na scenie. Jeden z najlepsi wykonawcy W tej roli artysta I. Moskvin w Moskiewskim Teatrze Artystycznym w 1902 roku stworzył wizerunek takiego Łukasza, co pozwoliło krytykom teatralnym uznać go za „przedstawiciela najwyższej prawdy”. Nowoczesny widz znajdzie i będzie w stanie znaleźć nowe interpretacje słynnego bohatera Gorkiego osoba XXI wieków, aby ustalić, jak wiernie ten obraz jest ucieleśniony na scenie, opowieść Łukasza o „ sprawiedliwa ziemia»

Maksym Gorki (Aleksiej Maksimowicz Peszkow)

(1868 - 1936)

Spektakl „Na dole” (1902)

Historia stworzenia

• Koncepcja spektaklu sięga początków XX wieku. W połowie października 1902 r. Maksym Gorki poinformował K.P. Piatnickiego, że wymyślił „cykl dramatów” składający się z czterech sztuk, z których każda miałaby przedstawiać określoną warstwę rosyjskiego społeczeństwa. O tym ostatnim z nich w liście czytamy: „Kolejny: włóczędzy. Tatar, Żyd, aktor, gospodyni pensjonatu, złodzieje, detektyw, prostytutki. To będzie straszne.”
• Gorki zaczął pisać sztukę „Na niższych głębokościach” pod koniec 1901 roku. 15 czerwca 1902 roku sztuka została ukończona. W trakcie procesu nazwa uległa zmianie („Bez twarzy”, „Nochleżka”, „Na dole”, „Na dnie życia”).
• Premiera odbyła się 31 grudnia 1902 roku w Moskwie teatr artystyczny. K.S. Stanisławski był nie tylko dyrektorem produkcji (wraz z Niemirowiczem-Danczenką), ale także grał rolę Satyny. Wspomina: „Występ był ogromnym sukcesem. Bez końca dzwonili do reżyserów, wszystkich artystów i... samego Gorkiego.
• Produkcja spektaklu na deskach rosyjskich teatrów napotkała ogromne przeszkody ze strony cenzury. Do 1905 roku granie w „Na dole” było dozwolone tylko za duże rachunki i każdorazowo za zgodą władz lokalnych.
• Sztuka ukazała się po raz pierwszy jako odrębna książka w Monachium (pod tytułem „Na dnie życia”) pod koniec 1902 roku. W Rosji – w wydawnictwie spółki Znanie w Petersburgu pod koniec stycznia 1903 roku. Zapotrzebowanie na książkę było niezwykle duże: cały nakład pierwszego wydania petersburskiego w nakładzie 40 000 egzemplarzy został wyprzedany w ciągu dwóch tygodni; do końca 1903 r. sprzedano ponad 75 000 egzemplarzy – wcześniej żadne dzieło literackie nie odniosło takiego sukcesu.

Fabuła i kompozycja

Ekspozycja

Opis wyposażenia domu dossowego Kostylewa i zamieszkujących go „dawnych ludzi”.

Nochleżka jest „Piwnica przypominająca jaskinię. Strop ciężki, sklepienia kamienne, dymione, z kruszącym się tynkiem.”

Pomieszczenie jest jakby podzielone na cele, w których gromadzą się ludzie, przechowywane są tu także narzędzia.

Mieszkańcy schroniska to przedstawiciele dna społecznego, którzy przez okoliczności upadli.

Tutaj były telegrafista Satyna, alkoholik Aktor, złodziej Vaska Ash, mechanik Kleshch i jego chora żona Anna, prostytutka Nastya, czapnik Bubnov, pijany arystokrata Baron, szewc Aloszka, haczycy Tatar i Krzywy Zob. W domu jest Kwasznia, sprzedawca klusek, i policjant Miedwiediew, wujek Wasylisy. Są związani trudne relacje często zdarzają się skandale. Wasylisa, żona Kostylewa, kocha Waską i namawia go, aby zabił jej męża, aby zostać jedyną kochanką. Waśka zakochana jest w Natalii, siostrze Wasylisy, którą bije z zazdrości.

Początek

W szczytowym momencie skandalu w schronisku pojawia się wędrowiec Luka, wesoły i życzliwy staruszek. Łukasz kocha ludzi, każdego stara się pocieszyć i dać nadzieję. Przepowiada Annie szczęście po śmierci, opowiada Aktorowi o bezpłatnym szpitalu dla alkoholików, radzi Wasce i Nataszy wyjechać na Syberię. Jest jak lekarz, który widzi, że choroba jest nieuleczalna i chce przynajmniej złagodzić cierpienie.

Rozwój akcji

Świadomość mieszkańców schroniska o grozy ich sytuacji, pojawienie się nadziei pod wpływem „dobrych” przemówień Łukasza, że ​​życie stanie się lepsze.

Punkt kulminacyjny

Rosnące napięcie w akcji, zakończonej morderstwem staruszka Kostylewa i pobiciem Nataszy.

Rozwiązanie

Upadek nadziei bohaterów: Anna umiera, Aktor popełnia samobójstwo, Ashes zostaje aresztowany.

Tematy i problemy

Społeczny

Prawda o życiu niższych warstw społecznych została ukazana z taką bezlitosnością, jakiej światowy dramat nie znał. Mieszkańcy „dna” są wyrzucani z życia z winy społeczeństwa. Ukazana jest tragedia losów „byłych ludzi”.

Ania: „Nie pamiętam, kiedy byłem najedny... Trzęsłem się o każdy kawałek chleba... Całe życie drżałem... Męczono mnie... żeby już nic nie jeść... Wszystko przez całe życie chodziłem w łachmanach... całe moje nędzne życie..."

Z drwal Kleshch: „Nie ma pracy... nie ma siły... Taka jest prawda! Nie ma schronienia, nie ma schronienia! Musimy odetchnąć... To prawda!”

Na wizerunkach „panów życia”, właściciela schroniska Kostylewa i jego żony Wasilisy, autor podkreśla ich niemoralność.

Filozoficzny

Spektakl porusza problem rozłamu ludzi, problem „gorzkiej” prawdy i „wzniosłego” kłamstwa, celu człowieka i sensu życia.

Spektakl ma charakter polifoniczny – występuje w nim wiele głosów. Filozoficzny rdzeń spektaklu tworzy zderzenie dwóch filozoficznych „prawd”: Łukasza i Satyny.

„Na dole” – społeczne dramat filozoficzny.

Główne postacie

Łukasz

• Wędrowiec od sześćdziesięciu lat, „z kijem w dłoni, z plecakiem na ramionach, z melonikiem i czajnikiem u pasa”.
• Przeszłość Luki jest nieznana, najwyraźniej ma problemy z władzami: gdy pojawia się policja, on znika. Łukasz uczy, żartuje, pociesza. Jego mowa jest zawsze przyjazna i ma tendencję do aforyzmu: mówi przysłowiami.
• Aforyzmy Łukasza wyrażają jego filozofię życia:

- „Ja też szanuję oszustów, moim zdaniem ani jedna pchła nie jest zła: wszystkie są czarne, wszystkie skaczą…”

- „I wszyscy są ludźmi! Nieważne, jak udajesz, nieważne, jak się chwiejesz, jeśli urodziłeś się mężczyzną, umrzesz jako mężczyzna…”

- „Aby kochać - trzeba kochać żywych... żywych...”

- „Dziewczyno, ktoś musi być miły... trzeba współczuć ludziom! Chrystus współczuł wszystkim i tak nam powiedział… Powiem wam – czas już współczuć człowiekowi… Dobrze się dzieje!”

- „Więzienie nie nauczy cię dobra i Syberia nie nauczy cię... ale człowiek cię nauczy... tak! Człowiek może uczyć dobroci... w bardzo prosty sposób!”

- „To, w co wierzysz, jest tym, czym jest…”

Bohaterowie o Łukaszu

Nastya: „To był dobry starzec!.. A wy... nie jesteście ludźmi... jesteście rdzą!”, „On wszystko widział... wszystko zrozumiał...”

Satyna: „I w ogóle... dla wielu był... okruchami dla bezzębnych...”, „Starzec nie jest szarlatanem! Co jest prawdą? Człowieku – to prawda! On to zrozumiał... ty nie! Jesteś głupi jak cegła... Rozumiem starca... tak! Skłamał... ale to z litości dla ciebie, do cholery!”; „To mądry facet!..On… działał na mnie jak kwas na starą i brudną monetę…”

Baron: „Jak plaster na łzy…”; „Stary człowiek to szarlatan…”

Grosz: „On… był litościwy… Ty nie masz… litości”; „On... nie lubił prawdy, był starym człowiekiem... Bardzo się zbuntował przeciwko prawdzie... i tak powinno być! Prawda – jaka tu jest prawda? A bez niej nie mogę oddychać…”

Tatar: „Stary był dobry... miał prawo w duszy! Kto ma prawo duszy, jest dobry! Kto utracił prawo, jest zgubiony!…”

Łukasz obudził w mieszkańcach schronu całe dobro, które kryło się w ich duszach. Ale w najbardziej intensywnym momencie znika. Ludzie, którzy mu uwierzyli, straciwszy poparcie, pogrążyli się w rozpaczy. Aktor powiesił się po odejściu staruszka.

Satyna

• Imię bohatera – Konstantina – poznajemy dopiero w trzecim akcie spektaklu. Satin kiedyś pracował jako telegrafista, był wykształcony, oczytany, ale teraz jest bystrzejszy i alkoholikiem. Mimo to w jego mowie przemykają słowa, których znaczenie kiedyś znał (organon, sicambre, makrobiotyka, Gibraltar, transcendentalny); cytuje Puszkina i używa wyrażeń metaforycznych. Z historii życia Satina wiadomo, że odbywał karę w więzieniu: „zabił łajdaka z pasji i irytacji... Ponieważ siostra…»
• Satyna w nic już nie wierzy, uważa się za martwego:

„Aktor (wystawiając głowę z pieca). Pewnego dnia zostaniesz całkowicie zabity... na śmierć...

Satyna. A ty jesteś głupcem.

Aktor. Dlaczego?

Satyna. Bo nie można zabić dwa razy.” (Akt 1)

"Satyna (rozkrzyczany). Martwi ludzie nie słyszą! Martwi ludzie nie czują… Krzyku… Ryku… Martwi ludzie nie słyszą!…” (Akt drugi)

• Satynowi nie jest obce współczucie, jest traktowany ze współczuciem:

Grosz: „Wiesz, jak nie urazić…”

Baron: „Mówisz... jak porządny człowiek”; „Wiesz, jak spokojnie rozumować”.

Satin próbuje powstrzymać bicie Nataszy, jest gotowy zostać świadkiem na rzecz Asha w sprawie morderstwa Kostylewa.

• Stanowisko autora wyrażane jest właśnie w monologach Satyna:

„Człowiek może wierzyć i nie wierzyć... to jego sprawa! Człowiek jest wolny... sam za wszystko płaci: za wiarę, za niewiarę, za miłość, za inteligencję - człowiek za wszystko płaci sam i dlatego jest wolny!... Wszystko jest w człowieku, wszystko jest dla człowieka!. .. Człowiek-stulecia! Wspaniale! Brzmi... dumnie! Człowiek! Musimy szanować tę osobę! Nie żałuj... nie upokarzaj go litością... musisz go szanować!"

Konflikt

Dwie „prawdy” w spektaklu