Permski Teatr Opery i Baletu przygotowuje się do nowego sezonu. Astrachańskie przedstawienie „Rusłan i Ludmiła” stało się pierwszą operą Ogólnorosyjskiego Maratonu Teatralnego

Zwieńczeniem Ogólnorosyjskiego maratonu teatralnego, który zawitał do Astrachania, była opera M. Glinki „Rusłan i Ludmiła” Astrachańskiego Teatru Opery i Baletu. Jego premiera odbyła się dziś w naturalnej scenerii Kremla na świeżym powietrzu.

Maraton teatralny odwiedził już 62 miasta w Rosji, Astrachań stał się 63. miastem i to po raz pierwszy. Warto dodać, że podczas maratonu po raz pierwszy odbyła się opera i to w naturalnym otoczeniu Kremla. Wcześniej odbywały się tu głównie przedstawienia teatralne, lalkowe, młodzieżowe, a także dwa przedstawienia baletowe.

To już piąta produkcja Teatru Astrachańskiego w formacie Plenerowym. Ideologicznym inspiratorem oper jest dyrektor artystyczny i główny dyrygent Astrachańskiego Teatru Opery i Baletu Walerij Woronin . „Penery są wykorzystywane w Europie od dawna, w Rosji zaczęto także wystawiać przedstawienia operowe na świeżym powietrzu” – mówi Walery Władimirowicz. „Kreml astrachański to wspaniałe miejsce na przedstawienia operowe, panuje tu szczególna aura , zamiast scen teatralnych są białe kamienne mury, katedra, ogromne schody prowadzące na Miejsce Kaźni. Widzowie zupełnie inaczej odbierają przedstawienie teatralne, sami stają się jego niejako uczestnikami.”

Charakterystyczną cechą współczesnej opery było to, że przedstawienie teatralne rozpoczęło się na długo przed rozpoczęciem przedstawienia. Występ poprzedził zaimprowizowany jarmark, który odbył się pod luksusowym 100-letnim dębem, który znajduje się w centrum Placu Katedralnego. Handlarze, bufony i mumiki wnieśli do spektaklu szczególnego rosyjskiego ducha.

Reżyser teatralny opery „Rusłan i Ludmiła” Georgy Isahakyan - dyrektor artystyczny Moskiewskiego Akademickiego Teatru Muzycznego dla Dzieci imienia N.I. Sats mówił o duchu rosyjskim: „Głównym tematem opery jest duch rosyjski. Dwa wieki później, po napisaniu dzieła, widać, że ludzie różnych narodów i kultur czują się jednym narodem. To wspaniała próba spojrzenia na siebie z zewnątrz, ze wszystkimi zaletami i wadami. Jesteśmy kim jesteśmy!"

Tym razem jedno z najważniejszych dzieł kultury rosyjskiej ożyło w pobliżu murów Soboru Wniebowzięcia. Opera była pełna bajecznych, fantastycznych obrazów, ekscytującej fabuły i oczywiście wspaniałej, lirycznej i tak „rosyjskiej” muzyki. Efekty świetlne i wideo stworzyły bajeczne tło, na którym ukazały się muzyczne obrazy wielkiej twórczości M. Glinki.

W zakrojoną na szeroką skalę produkcję zaangażowało się około 300 artystów i wolontariuszy, czyli cały zespół kreatywny Teatru Astrachańskiego. Chór, orkiestra i balet były wspaniałe. Główne role profesjonalnie i artystycznie wykonali soliści Teatru Maryjskiego: partia Ludmiły – Anna Denisowa, partia Rusłana – Gleb Peryazev – wschodząca gwiazda sceny operowej. W najlepszej formie spisali się także soliści Astrachania, ale i tak rewelacją był młody tenor Jegor Żurawski. Niedawno zwyciężył w prestiżowym konkursie śpiewu operowego Belvedere, zdobywając II nagrodę. Został zaproszony do występu w Londynie w Royal Theatre Covent Garden.

Trwają negocjacje w sprawie przyszłości Festiwalu Diagilewa w Permie

W przeddzień otwarcia nowego sezonu w Permskim Teatrze Opery i Baletu odbyło się coroczne spotkanie zespołu. Dziennikarze zostali także zapoznani ze zaktualizowanym zespołem kreatywnym teatru – w skład którego wchodzą jednak znajome twarze.

Dyrektor wykonawczy opowiedział mediom o zmianach w strukturze organizacyjno-zarządczej teatru Andriej Borysow. Na czele teatru stanie dyrektor generalny – jego nazwisko nie jest jeszcze znane. Dyrektora generalnego będzie wspierać rada artystyczna Areopagu – „Areopagu ludzi kreatywnych”, która wspólnie z reżyserem opracuje strategię rozwoju teatru. Część tego „Areopagu”, dyrektor trupy operowej Medea Yasonidi I Aleksiej Miroszniczenko, głównego choreografa teatru, zachowały swój status.

Jeśli chodzi o zmiany, wraz z odejściem Teodora Currentzisa Z teatru zniknęło stanowisko dyrektora artystycznego, pojawiło się natomiast stanowisko głównego dyrygenta – został Artem Abaszew. Z dbałością Witalij Połoński Zwolniło się stanowisko głównego chórmistrza – objął je EugeniuszWorobiew.

Według Andrieja Borysowa nowy sto czterdziesty ósmy sezon otwiera serię wydarzeń przedrocznicowych: „Historycy spierają się, kiedy dokładnie teatr został otwarty, i nie potrafią określić dokładnej daty. To dobrze - mamy okazję przedłużyć wakacje i zadowolić mieszkańców Permu kreatywnymi wydarzeniami.

To prawda, że ​​​​nowe szczegóły na temat tego ostatniego w Permie nie zostały jeszcze ujawnione.

„Nie mogę powiedzieć niczego wiarygodnego, negocjacje trwają”. – dyrektor teatru wzrusza ramionami. „Bardzo chcielibyśmy, aby Teodor Currentzis został dyrektorem artystycznym festiwalu. Nawet dzisiaj podpisałbym z nim kontrakt, ale są życzenia od samego mistrza. Chciałby zawrzeć umowę nie z teatrem, ale z władzami w osobie Ministra Kultury Terytorium Permskiego Wiaczesław Torczyński, gdyż komitet organizacyjny festiwalu musi być oddzielony od teatru. Theodore chciałby, aby rezydencją komitetu organizacyjnego i orkiestry MusicAeterna był Pałac Kultury Soldatov, którego akustyka mistrzowi bardzo się podoba. Niuansów jest wiele, ale prace nad festiwalem właściwie trwają – Theodore ma wiele pomysłów na koncerty symfoniczne i nowe produkcje. Jest zbyt wcześnie, aby mówić szczegółowo o tych planach, ale istnieją, wierzcie mi na słowo. A teatr jest gotowy w każdy możliwy sposób przyczynić się do utrzymania festiwalu na wysokim poziomie artystycznym.”

Artem Abashev, główny dyrygent teatru, podzielił się swoimi planami na rozpoczęcie nowego sezonu:

„U mnie niewiele się zmieniło. Kontynuuję pracę, którą wykonywałem przez całe lato. Wybrano orkiestrę światowej klasy, która już na pierwszej próbie pokazała, że ​​potrafi wykonywać nie tylko repertuar operowy, ale także symfonie, repertuar koncertowy, z którym może występować i koncertować. Dlatego, aby orkiestra lepiej grała i czuła się wzajemnie, na początku września zagramy utwory na kameralną orkiestrę smyczkową Dvoraka i Czajkowskiego.”

Główny choreograf Aleksiej Miroshnichenko patrzył nie tylko na początek sezonu, ale także na perspektywy zespołu baletowego.

„Jest czas na rozrzucanie kamieni, jest czas na ich zbieranie – dlatego poświęcimy nasze wysiłki przywracaniu repertuaru. Zgromadziliśmy duży i wysokiej jakości repertuar - ale tak szybko zwiększaliśmy liczbę nowych spektakli, że późniejszy czas w sezonie nie pozwolił nam pokazać wszystkiego. W sezonie pojawiały się nowe spektakle, trasy koncertowe, festiwale... Dużo się dzieje, ale kostiumy i scenografia do poprzednich produkcji wiszą bezczynnie. Dlatego na scenę powrócą ukochane przez publiczność spektakle. W grudniu na scenę powróci balet „Winter Dreams”, a w kwietniu, dzień przed rozpoczęciem konkursu „Arabeska”, widzowie zobaczą balet „Anyuta”.

Początek nowego sezonu naznaczony był stratami - podczas próby doznał kontuzji Cyryl Makurin. Wcześniej teatr opuściło wielu wykonawców. Tak, solista Daria Tichonowa przeniosła się do Władywostoku, gdzie będzie uczestniczyć w trupie Teatru Maryjskiego. Reakcja dziennikarzy na utratę cennego personelu wyraźnie boli choreografa: „Nie lubię dziennikarskich klisz. „Prima Daria Tichonova opuściła teatr Perm!” - Cóż, po pierwsze, miała status solisty. Marzyłam o tym, żeby została baletnicą, ale doznała kontuzji, wróciła na scenę, świetnie się bawiła, a nawet zatańczyła „Bajaderę”. Postanowiła jednak, że będzie jej lepiej we Władywostoku. Jej prawo! Paweł Sawin, inny z naszych solistów, zdecydował, że będzie mu lepiej w Teatrze Michajłowskim - mam informację, że była lista solistów Permu, których chcieli zaprosić. Ale w Permie jest wystarczająco dużo obiecujących ludzi.

Oczywiście szkoda, że ​​gdy tylko ludzie osiągną pewien poziom, w Permie czują się „zatłoczoni”. A my jesteśmy zmuszeni sprowadzić na pierwsze stanowiska młodych ludzi, którzy powinni byli dojrzeć. Nie każdemu jest to przydatne i nie każdy może sobie z tym poradzić.”

MUZYKA I INNE SZTUKI

Lekcja 17

Temat: Najważniejszy gatunek muzyki wokalnej.

Cele Lekcji:

Kształtowanie zainteresowań poznawczych najważniejszym gatunkiem muzyki wokalnej – operą jako syntetyczną formą sztuki. Znajdź skojarzeniowe powiązania pomiędzy artystycznymi obrazami literatury i muzyki.Obserwuj rozwój i porównanie obrazów na podstawie podobieństw i różnic w intonacjach i motywach muzycznych.

Materiały do ​​lekcji: materiał muzyczny, portrety kompozytorów, ilustracje obrazów, zdjęcia.

Podczas zajęć:

Czas organizacji:

Odtwarzany jest wstęp „Świt nad rzeką Moskwą” z opery „Khovanshchina” M. Musorgskiego.

Przeczytaj epigraf do lekcji. Jak to rozumiesz?

Napisz na tablicy:

„Drżącą ręką otwierałem malowane drzwi wielkich teatrów…”
(S. Daniłow)

Wiadomość dotycząca tematu lekcji:

Czy to nie prawda, chłopaki, kiedy znajdziecie się w ogromnej, błyszczącej sali opery, czujecie się, jakby natchnieni byli radością! Dziś na zajęciach będziemy rozmawiać o operze.

Pracuj nad tematem lekcji,

1. Opera to fuzja sztuk.

Członkowie orkiestry już stroją instrumenty. A ten kolorowy szum obiecuje coś tajemniczego, cudownego... Ale potem światło gaśnie. Rampa miga. Lampy krzyżowały swe promienie na aksamitnej zasłonie haftowanej w złote wzory. Dyrygent machnął batutą, a dźwięki orkiestry połączyły się w niesamowitą uwerturę.

Większość oper rozpoczyna się uwerturą (od francuskiego słowa „uwertura” – otwierać), wykonywaną przez orkiestrę przed podniesieniem kurtyny. Uwertura przekazuje ideową koncepcję opery, wprowadza słuchaczy w emocjonalną sferę przedstawienia, gdzie motywy muzyczne stanowią główną charakterystykę bohaterów i rozwiną się w dalszej części opery w większe sceny.

Kurtyna powoli się podnosi i znajdziemy się na słonecznym placu w hiszpańskiej Sewilli, albo w starożytnym Kijowie na weselu Rusłana i Ludmiły, albo w zacienionym ogrodzie posiadłości Larinów, czy nawet na dole morze – za każdym razem w nowym, baśniowym świecie.

Melodyjna muzyka, piękne głosy, barwna sceneria, kostiumy, efekty sceniczne – wszystko rozgrywa się na scenie, a my z entuzjazmem śledzimy dramatyczne, czasem tragiczne losy bohaterów, współczujemy im, martwimy się lub wesoło się z nimi śmiejemy. Wpływ opery jest ogromny. Przy całej swojej złożoności jest niezwykle zrozumiały. Opera nie tylko odsłania jakiś fenomen życia w przystępnej, „widzialnej” formie, ale pomaga poprzez moc muzyki przeniknąć w jej głębię – czujemy, jakie żarliwe uczucia, jakie duchowe impulsy się za nią kryją. Muzyka bez pytania o zgodę przenika do serc i wywołuje zachwyt lub łzy współczucia.

Opera to cudowne połączenie wielu sztuk. A muzyka odgrywa w nim wiodącą rolę. Wiodący, ale nie wyjątkowy.

Tak jak w literaturze istnieje opowiadanie, powieść, dramat, tak w muzyce istnieją jej główne gatunki - oratorium, opera, balet. W tym cyklu opera jest najściślej związana z literaturą: po pierwsze, z konieczności zakłada źródło literackie - dzieło sztuki lub specjalnie napisane libretto, po drugie, większość fragmentów opery przeznaczona jest do śpiewania przez chór, różne zespoły wokalne lub soliści. Zatem tekst słowny, jego treść, kompozycja i brzmienie odgrywają pierwszorzędną rolę w tworzeniu opery.

Historia opery odzwierciedla różnorodność obrazów i idei literackich. Ogromna liczba wielkich dzieł prozy i poezji zabrzmiała w muzyce, czasami jedynie uzupełniając ich treść środkami niedostępnymi dla słów, ale znacznie częściej - wynosząc je na pole wartościowej interpretacji muzycznej, dając im własne życie w sztuce.

„Dama pik” A. Puszkina i P. Czajkowskiego, „Carmen” P. Merimee i J. Bizeta, „Śnieżna dziewczyna” A. Ostrowskiego i N. Rimskiego-Korsakowa - cała ta wspaniała literatura i wspaniała muzyka istnieją niezależnie, nie naruszając obszaru nawzajem, ale będąc w wiecznym, życiodajnym dialogu kulturowym.

Aby jednak opera mogła się odbyć, nie wystarczy napisać muzykę do fabuły literackiej. Opera jest syntetyczną formą sztuki, jej wykonanie jest zawsze performansem, dlatego w jej tworzeniu ogromną rolę odgrywa akcja teatralna i dekoracje.

Wykonawca operowy musi być nie tylko dobrym śpiewakiem, ale także aktorem - nie bez powodu tak wybitni artyści jak F. Chaliapin, L. Sobinov, A. Nezhdanova, I. Kozłowski i wielu innych związali swoją działalność twórczą z operą .

Przy projektowaniu scenografii operowych często pracowali wybitni artyści. Bogactwo treści figuratywnych opery, jej psychologiczna głębia i barwna obrazowość muzyki, skuteczność przedstawienia teatralnego i popularność wśród publiczności – wszystko to przyciągnęło najlepsze siły twórcze malarzy.

Nie jest to pełna lista wybitnych nazwisk związanych z historią opery i przyczyniających się do jej rozkwitu. Zasłony, kostiumy, dekoracje – każdy element spektaklu operowego wpisywał się w jedną koncepcję artystyczną spektaklu, wraz ze słowami i muzyką brał udział w tworzeniu całościowego obrazu dramatu muzycznego.

2. Historia opery.

Pierwsze przedstawienie muzyczne ze śpiewem odbyło się we włoskiej Florencji w 1594 roku. Fabuła opierała się na greckim micie o walce Apolla z potworem – wężem Pytonem; Takie przedstawienia nazywano najpierw muzyczną bajką, później dramatem muzycznym. Minęło wiele lat, zanim zaczęto je nazywać dziełem muzycznym (opera in musica), aż w końcu pozostało jedno słowo opera (po łacinie „opus”) – akt, dzieło, kompozycja.

Początkowo przedstawienia przeznaczone były wyłącznie dla szlachty dworskiej. Ale później w różnych krajach zaczęto otwierać teatry muzyczne, dostępne dla szerszych warstw ludności miejskiej, a opera stopniowo zajmowała ważne miejsce w życiu społeczeństwa.

3. Co to jest libretto?

Przede wszystkim kompozytor potrzebuje libretta. Przyzwyczailiśmy się myśleć, że treścią opery jest libretto. Nie jest to całkowicie dokładne. Libretto to właściwie pełny tekst słowny dzieła muzycznego i scenicznego. Włoskie słowo libretto oznacza małą książeczkę.

Bardzo często libretto opiera się na jakimś utworze literackim lub dramatycznym. Znamy przypadki, gdy kompozytor wybierał na libretto ukończone dzieło dramatyczne. Na przykład opera „Kamienny gość” Dargomyżskiego została napisana na podstawie pełnego tekstu Małej tragedii Puszkina.

Zwykle jednak libretto jest korygowane ze względu na specyfikę opery. Jego tekst powinien być zwięzły i zwięzły. W końcu śpiewane słowo brzmi dłużej niż wypowiedziane. Opera nie może mieć dużej liczby bohaterów, jak na przykład w powieści. Dlatego najczęściej wybiera się jedną fabułę z powieści. To znacznie zmienia źródło literackie, ale libretto jest dziełem niezależnym.

Libretto jest całkowicie podporządkowane muzyce. Librecista pracuje pod kierunkiem kompozytora, z wyczuciem słuchając wszelkich jego uwag. W takim twórczym kontakcie powstało wiele prac. Brat Piotra Iljicza Czajkowskiego, Modest Iljicz, napisał libretta do dwóch swoich oper: Dama pik i Jolanta. Słynny biograf i badacz twórczości poety P. A. Viskovaty pracował nad librettem opery Antona Grigoriewicza Rubinsteina „Demon” na podstawie wiersza Lermontowa.

M. Glinka, zajmując się tworzeniem libretta „Rusłana i Ludmiły”, skrócił szereg scen z wiersza Puszkina i połączył je w inną kompozycję. Wszyscy znają piękne, pełne poetyckiego uroku wprowadzenie do „Rusłana i Ludmiły” A. Puszkina:

Łukomorye ma zielony dąb,
Złoty łańcuch na dębowej objętości.
Zarówno w dzień, jak i w nocy kot jest naukowcem
Wszystko kręci się w kółko...
Idzie w prawo – zaczyna się piosenka,
Po lewej stronie – opowiada bajkę.
Tam dzieją się cuda: wędruje tam goblin,
Na gałęziach siedzi syrena.

Ten początek wiersza wprowadza czytelnika w magiczną atmosferę rosyjskich baśni, z ich ulubionymi obrazami i postaciami: oto chatka na udach kurczaka, goblin i syrena, czarnoksiężnik i bohater. Z tego wstępu historia Rusłana i Ludmiły wyłania się epicko – powoli, niczym spokojna opowieść uczonego gawędziarza-kota, znawcy starożytnych legend.

Operę M. Glinki otwiera także wstęp (uwertura). Jest to odcinek czysto orkiestrowy, w którym nie występuje żaden chór ani soliści. Wprowadzenie w klimat opery opiera się więc wyłącznie na muzyce.

Gdyby kompozytor w pełni realizował plan Puszkina, muzyka uwertury brzmiałaby w duchu epickiej narracji: muzyka rosyjska wykształciła bogatą tradycję intonacji i rytmu o charakterze epickim. Wielki muzyk postanawia jednak inaczej: od pierwszych taktów słuchacza urzeka szybka, radosna melodia: niesie ze sobą, obiecuje fabułę pełną wydarzeń i przygód.

Wysłuchanie uwertury z opery „Rusłan i Ludmiła” (fragment).

Powiedz mi, co usłyszałeś? (W muzyce na początku rozbrzmiewają fanfary zapowiadające zwycięstwo dobra nad złem. Następnie wybrzmiewają tematy głównych bohaterów, wyczuwalne jest napięcie, wiadomo, że walka nie będzie łatwa. Muzyka brzmi dynamicznie, szybko, przenosząc nas w baśniowy i magiczny świat.)

W muzyce uwertury słychać intonacje, które antycypują wiele epizodów fabularnych opery: w początkowym motywie fanfar odgaduje się dźwięki przyszłego zwycięstwa Rusłana - następnie w finale zabrzmią ponownie w uroczystej apoteozie chóralnej „ Chwała wielkim bogom!”, Jednak w kolejnych wątkach zawarta jest przepowiednia, że ​​to zwycięstwo przyjdzie za trudną cenę.

Zderzenie sił dobra i zła, dynamika akcji muzycznej i dramatycznej, jasność cech muzycznych i figuratywnych, bogactwo baśniowej i fantastycznej kolorystyki - a jednocześnie zabawa, humor, optymizm - to wszystko obiecana przez muzykę uwertury, a wszystko to znajduje następnie potwierdzenie w operze.

Twórczość M. Glinki, entuzjastycznie przyjęta przez współczesnych (w tym samego A. Puszkina), z literackim źródłem przypomina jedynie ogólny zarys fabuły. W przeciwnym razie jest to jasne i oryginalne zjawisko sztuki muzycznej, które stało się wybitne właśnie dzięki muzycznemu geniuszowi i umiejętnościom jego twórcy.

3. Dygresje liryczne w operze.

Mówiliśmy już, że sens w przedstawieniach operowych przekazywany jest poprzez syntezę werbalną i muzyczną, w której muzyka odgrywa bardzo ważną rolę, wyrażając czasami głębię znaczenia konkretnego epizodu.

Przykładem może być scena w lesie z opery M. I. Glinki „Życie dla cara”, w której Iwan Susanin, wchodząc w głąb gęstego lasu, prowadzi Polaków. Nie wiedzą jeszcze, co ich dalej spotka, ale akompaniament orkiestrowy w zniekształconej formie odtwarza mazurka z drugiego aktu opery, co brzmi jak złowieszcze przeczucie śmierci wrogów.

Przesłuchanie.

Mazurek. Z opery „Życie dla cara”. Akt II. Fragment.

Zniekształcony temat mazurkowy z opery „Życie dla cara” – akt IV. Fragment.

W tym przykładzie podtekst psychologiczny zawarty w akompaniamencie muzycznym, wkraczając w akcję dramatyczną, nie spowalnia jej, a wręcz przeciwnie, czyni ją jeszcze bardziej dynamiczną.

Podsumowanie lekcji.

Dzisiejsza lekcja poświęcona była ważnemu gatunkowi wokalno-dramatycznemu – operze. Nauczyłeś się wielu różnych terminów technicznych, które musisz znać, aby być lepiej wykształconym w świecie muzyki. A o operze będziemy kontynuować na następnej lekcji.

Pytania i zadania:

1. W jakim kraju narodziła się opera?
2. Jakie rodzaje sztuki łączą się w operze?
3. Jak nazywa się pełny tekst słowny opery?
4. Wymień znane rodzaje oper.
5. Jakie dzieła pisarzy rosyjskich stały się podstawą znanych Ci dzieł operowych?
6. W dzienniku obserwacji muzycznych (s. 17) kontynuujemy ciąg twórców spektaklu operowego.

Prezentacja

Dołączony:
1. Prezentacja - 30 slajdów, psx;
2. Dźwięki muzyki:
Musorgskiego. „Świt nad rzeką Moskwą” z opery „Khovanshchina”, mp3;
Glinka. Mazurek z opery „Życie za cara”, mp3;
Glinka. Zniekształcony temat mazurkowy z opery „Życie dla cara”. „Jesteśmy zmęczeni, zmarznięci…”, mp3;
Glinka. Uwertura z opery „Rusłan i Ludmiła”, mp3;
3. Artykuł towarzyszący – notatki z lekcji, docx., mp3;