„Możesz sobie wyobrazić, jak ważne i istotne jest to teraz – przekazanie naszemu narodowi, naszej świadomości wielkości i potęgi Rosji”.

W. Niesterenko

Biografia. Wczesne lata Wasilija Nesterenki

Najmłodszy artysta ludowy Rosji urodził się w Pawłogradzie na Ukrainie w 1967 roku. Po śmierci ojca, w wieku 9 lat rozpoczął poważną naukę malarstwa, a w 1980 roku wstąpił do Moskiewskiej Liceum Plastycznego przy Akademickim Instytucie Sztuki. Surikow. Wasilij Igorevich był doskonałym uczniem i ukończył średnią szkołę artystyczną ze złotym medalem.

W październiku 1985 roku wstąpił na wydział malarstwa Instytutu Surikowa, ale zimą tego roku został powołany do wojska, gdzie służył do 1987 roku. Po wojsku kontynuował naukę w instytucie oraz w klasie akademika T.T. Salatowa. Wśród nauczycieli byli prof. LL. Shepelev, prof. S.N. Szylnikow, N.P. Christolubov i E.N. Trosheva, ale T.T. pozostał moim ulubionym nauczycielem. Salatow, o którym artysta będzie pisał nie raz w swoich artykułach.

Jesienią 1988 r. Nesterenko wziął udział w ogólnounijnej wystawie „Młodzież Rosji” w moskiewskim maneżu. Wystawa ta przyniosła mu sukces i do 1990 roku brał udział w kilku kolejnych wystawach młodych artystów.

Pierwsza osobista wystawa obiecującego artysty odbyła się w kwietniu 1990 roku w Sali Wystawowej Moskiewskiej Państwowej Akademii Sztuk Pięknych. Surikow. Kolejnym przejawem jego sukcesu był zakup obrazu „Czarnobyl” przez Muzeum Sztuki w Kijowie w maju 1990 roku. Konsekwencją tego są liczne wystawy w kraju i za granicą.

Od września 1991 do czerwca 1992 Nesterenko odbywał staż podyplomowy z ramienia Ministerstwa Kultury ZSRR w Instytucie Sztuki PRATT w Nowym Jorku, którego liderami były tak wybitne osobistości, jak Ross Near, Phoebe Hellman i Frank Lindt. Na jego wystawę przychodzą członkowie Amerykańskiej Ligi Artystów Zawodowych (ALPA) i są tak zachwyceni młodym talentem, że w kwietniu 1992 roku przyjęli go do swojej organizacji. Za swój ogromny sukces w okresie twórczości nowojorskiej Nesterenko otrzymał Nagrodę Honorową na 64. Wystawie Krajowej ALPH.

Po powrocie do ojczyzny Nesterenko podjął pracę magisterską „Triumf floty rosyjskiej” (1994). Wiosną 1994 r. Nesterenko znakomicie obronił dyplom i ukończył studia w Instytucie Surikowa. W tym samym czasie został członkiem Międzynarodowej Federacji Artystów UNESCO.

Biografia. Dojrzałe lata Wasilija Nesterenki

Ponieważ Wasilij Nesterenko odniósł sukces bardzo wcześnie, okres dojrzałości można liczyć od momentu ukończenia studiów w instytucie. Szybko odnalazł się w sztuce, radzi sobie ze wszystkimi gatunkami malarstwa: od obrazów historycznych po portrety psychologiczne.

W 1995 roku rozpoczął pracę nad szkicami do obrazów w Katedrze Chrystusa Zbawiciela, która już w 1996 roku wygrała konkurs, a Nesterenko został jednym z artystów zajmujących się restauracją. Ciężko pracuje nad szkicami i w 1999 roku ukończono monumentalny obraz. Za projekt Katedry Chrystusa Zbawiciela został odznaczony Orderem Sergiusza z Radoneża II stopnia.

W wieku 33 lat, w maju 1999 roku, Wasilij Nesterenko został Honorowym Artystą Federacji Rosyjskiej, a w 2000 roku utworzono państwową instytucję kultury „Moskiewska Galeria Sztuki Wasilija Nesterenki”. Jego ciężka praca i zapał do pracy są porażające: nie każdy artysta, zwłaszcza w tak młodym wieku, jest w stanie stworzyć kolekcję na wystawę w Nowym Maneżu.

W 2002 roku brał udział w malowaniu katedry Wniebowzięcia w Dmitrowie. W 2003 roku ukazała się publikacja jego albumów. Później namalował Kościół Wniebowzięcia w Domnino i Salę Tronową Patriarchy Jerozolimy w Jerozolimie.

W 2004 roku otrzymał tytuł „Artysty Ludowego Federacji Rosyjskiej”, a w 2007 roku został wybrany członkiem pełnoprawnym Rosyjskiej Akademii Sztuk.

Najsłynniejsze obrazy Wasilija Nesterenki

Na obrazach znajdujących się w Katedrze Chrystusa Zbawiciela znajdują się następujące dzieła: „Zmartwychwstanie Chrystusa”, „Apostoł i ewangelista Mateusz”, „Chrzest Pański”, „Wejście Pana do Jerozolimy”, a także cztery ikony Matki Bożej, pięć obrazów o tematyce biblijnej dla Refektarza Patriarchalnego i całun, który dosłownie hipnotyzuje widza.

„Triumf floty rosyjskiej” (1994) to ogromne dzieło o długości 6 metrów, uderzające nie tylko rozmiarem, ale także techniką. Trudno sobie wyobrazić, jak trudno jest przedstawić na jednym obrazie tak różnorodne portrety, nie tracąc centralnej postaci – Piotra I. Wykonany w klasycznym stylu malarstwa rosyjskiego, wypełniony jest dynamiką ruchów bohaterów i kontrastem pomiędzy kostiumy wojskowe i biżuterię damską.

Powstałe w 2005 roku historyczne płótno „Brońmy Sewastopola” było swego rodzaju deklaracją artysty, że głównym zadaniem współczesnych jest honorowanie zwycięstw swoich przodków.

Portrety gatunkowe „Niezwyciężeni” (2005) i „Sam na sam ze sobą” (1995) to wizerunki „bohaterów moich czasów” – ludzi, którzy wiodą niezwykłe życie, szczęśliwi w swojej samotności i wewnętrznej harmonii.

Przynależność obrazów Nesterenki do stylów artystycznych

Nesterenko tworzy głównie w stylu rosyjskiego malarstwa klasycznego. Dla niego przykładami są Niestierow, Iwanow, Wasniecow i Van Dyck. W malarstwie historycznym i religijnym, zwłaszcza w obrazie „Sam na sam ze sobą” można dostrzec podobieństwa z Niestierowem: on także stara się odnaleźć piękno w ascetycznym stylu życia mnichów.

Muzea i galerie są miejscami wystaw malarstwa Wasilija Nesterenki

Muzeum i Katedra Chrystusa Zbawiciela w Moskwie

Galeria Trietiakowska, Moskwa

Centralne Muzeum Sił Zbrojnych Rosji

Rosyjska Akademia Sztuk .

Zobacz wszystkie obrazy artysty Nesterenko V.G. Móc

© Artysta Nesterenko. Biografia artysty Nesterenko. Obrazy, opis obrazów artysty Nesterenki

Wasilij Igorevich Nesterenko urodził się w 1967 roku w Pawłogradzie na Ukrainie. W 1980 roku rozpoczął naukę w Moskiewskim Liceum Artystycznym przy Moskiewskim Państwowym Akademickim Instytucie Sztuki. V.I. Surikov do działu malarstwa - po szkoleniu w warsztacie Artysty Ludowego Rosji N.S. Prisekina. W czerwcu 1985 roku ukończył Moskiewską Liceum Plastyczne ze złotym medalem. Od grudnia 1985 do października 1987 służył w szeregach Armii Radzieckiej. W latach 1987–1994 studiował w Moskiewskim Państwowym Akademickim Instytucie Sztuki. V. I. Surikova. Warsztat Artysty Ludowego ZSRR, akademik T. T. Salachow. Nauczyciele: prof. L. V. Shepelev, prof. S. N. Szylnikow, prof. N. P. Christolyubov, prof. E. N. Troshev. Od jesieni 1988 aktywna działalność twórcza.

Przełom XX-XXI wieku to złożona epoka historyczna, w której rodzą się nowe kierunki, kierunki i wartości artystyczne. Twórczość moskiewskiego malarza Wasilija Nesterenki jest nierozerwalnie związana ze swoimi czasami. Należy do tych mistrzów, którzy wprowadzają sztukę rosyjską w nowy wiek.

Doskonałe przygotowanie akademickie, głęboka wrażliwość na nowoczesność i rzadka pracowitość pomogły Nesterence szybko wejść w życie artystyczne kraju. Szybko osiąga niezależność, dojrzałość stylu i cieszy się szerokim uznaniem. Posiadając znaczny zakres twórczy maluje portrety, pejzaże, duże płótna historyczne i kompozycje religijne.

Artystyczne zrozumienie zmian w życiu duchowym społeczeństwa i głębokich zmian w światopoglądzie ucieleśnia się w serii obrazów poświęconych wycieczkom do miejsc świętych, w malowaniu ikon, w tworzeniu portretów patriarchy Aleksego II z Moskwy i całej Rusi ', Patriarcha Diodor z Jerozolimy i inni duchowni.

Tematem przewodnim jego obrazów historycznych jest afirmacja jednostki, jej aktywny początek twórczy. W swojej sztuce Nesterenko często nawiązuje do epoki reform Piotra I, wprowadzając do swoich obrazów różne tematy historyczne: „Triumf floty rosyjskiej”, „Moskwa spotyka bohaterów Połtawy”.

Podstawą metody artystycznej Nesterenki jako portrecisty jest głębokie studium natury, natury człowieka. Jego portrety wyróżniają się ostrością w przekazywaniu charakteru. Artysta ze szczególnym ciepłem odkrywa duchową wartość modeli. W swoich portretach kobiet jest subtelnym autorem tekstów, tworząc jasne i harmonijne obrazy.

W jego twórczości duże znaczenie ma krajobraz. Obraz natury słychać w zespole malarstwa historycznego, w portrecie i w pełni ujawnia się w pejzażach artysty. Dużo podróżuje po Rosji i nie rozstaje się ze swoim szkicownikiem podczas wycieczek po Europie i Ameryce.

Prawdziwym sukcesem twórczym Wasilija Nesterenki był jego udział w odtworzeniu malowniczej dekoracji katedry Chrystusa Zbawiciela w Moskwie. To najbardziej skomplikowane dzieło wymagało nie tylko najwyższych umiejętności zawodowych, ale także umiejętności pracy na wzór największych malarzy XIX wieku.

W najważniejszej, centralnej części kościoła znajdują się wielopostaciowe sceny ewangeliczne w wykonaniu Nesterenki: „Wejście Pana do Jerozolimy”, „Zmartwychwstanie Chrystusa”, „Apostoł Mateusz”, „Chrzest Pański”. Katedra Chrystusa Zbawiciela.

Szczególne miejsce w twórczości artysty zajmuje jego praca w Refektarzu Patriarchalnym Katedry Chrystusa Zbawiciela. Za błogosławieństwem Patriarchy artysta wykonuje pięć scen ewangelicznych: „Ostatnia wieczerza”, „Wesele w Kanie Galilejskiej”, „Cudowne rozmnożenie chleba”, „Cudowny połów”, „Chrystus i Samarytanka” .

Twórczość Czczonego Artysty Federacji Rosyjskiej, członka-korespondenta Rosyjskiej Akademii Sztuk Wasilija Igorevicha Nesterenko niezmiennie przyciąga uwagę licznych widzów. Jego prace można oglądać w muzeach oraz na najważniejszych wystawach krajowych i zagranicznych. Dużo pracuje, jest pełen nowych kreatywnych pomysłów, a w swojej pracowni ma nowe płótna.

Wasilij Igorewicz NESTERENKO: wywiad

Wasilij Igorewicz NIESTERENKO (ur. 1967)- Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej, członek rzeczywisty Rosyjskiej Akademii Sztuk: | | | .

„W kręgu moich znajomych nie ma ludzi zepsutych sławą”

Przeprowadziłem wywiad z Artystą Ludowym Federacji Rosyjskiej Wasilijem Igorewiczem Niesterenko... pod drzewem. Umówiliśmy się na spotkanie w Chistye Prudy – są tam ławki, jest przytulnie i cicho. Niestety, nie wyszło - właśnie w tym momencie na stawach trwały prace związane z zagospodarowaniem terenu. Bez wahania ominęliśmy wszystkie bariery i w końcu dotarliśmy do zielonego kawałka w centrum. Powiesiłem torbę na gałęzi drzewa, przygotowałem dyktafon i zapytałem:

- Nic, co się stało?
- Pospiesz się! Czyli wszystko jest proste, w naturze...

Wasilij Igorevich jest osobą niezwykle uśmiechniętą, prostą i otwartą. Tak, i oczywiście bardzo zajęty. Ale na wszystkie moje pytania odpowiada bez pośpiechu, wyjaśniając to, co niejasne, i jakoś bardzo szczerze, serdecznie...

Tak więc w prosty sposób rozmawialiśmy w naturze. Żegnając się, pomyślałam, że kiedy następnym razem dotrę do Katedry Chrystusa Zbawiciela, spojrzę na niektóre obrazy zupełnie innymi oczami. O obrazie Wasilija Igorewicza.

Wywiad przeprowadziła Elena KOROVINA

- Wasilij Igorewicz, jak zostałeś artystą?
- Od dzieciństwa kochałem sztukę. Sztuka jest jak choroba. Wiele osób nie ulega zakażeniu. Wiele osób zarażonych prędzej czy później wraca do zdrowia. I tylko nieliczni „chorują” przez całe życie. Jestem więc jednym z tych, którzy zostali zarażeni na całe życie. A pytanie, gdzie iść na studia, tak naprawdę nigdy mnie nie dotyczyło - od dziewiątego roku życia wiedziałem, że będę artystą. A życie płynęło jakoś spokojnie, pewnie. Ze sztuką zetknąłem się dość wcześnie. Najpierw były wystawy w szkole, w której się uczyłam, potem - wystawy w Maneżu i Centralnym Domu Artystów. Ukończyłam szkołę artystyczną, potem Instytut Surikowa, potem staż w USA, praca magisterska... A równolegle - wystawy osobiste w Rosji i za granicą: w Japonii, USA.

We wczesnym dzieciństwie straciłem ojca, wychowywała mnie mama. Na początku nie bardzo wspierała moje pragnienie zostania artystką, wiedząc, jakie to trudne. Teraz rozumiem ją doskonale. Rodzicom, którzy mają wątpliwości, czy poświęcić swoje dziecko sztuce, zawsze radzę przeczytać powieść Emila Zoli „Kreatywność”. Powieść skłania do refleksji nad złożonością tej ścieżki. Mama bardzo się bała, że ​​tego nie wytrzymam i się złamię. A potem, widząc moją wytrwałość i wielkie pragnienie, zaczęła mnie wspierać. A teraz jest moim najbliższym i najlepszym doradcą.

- Wiem, że na początku lat 90. zaproponowano Ci pobyt i pracę w USA. Dlaczego się nie zgodziłeś?
- Urodziłem się w Rosji, jestem Rosjaninem i nie mogłem żyć z dala od ojczyzny. Wystawy za granicą - tak, dobrze, dzięki Bogu. Ale pobyt w obcym kraju – wydaje mi się, że nie jest to łatwe, oznacza zrujnowanie sobie życia. Przeczytaj wspomnienia naszych emigrantów o Rosji - Shmeleva: taki głęboki smutek z powodu utraconej Ojczyzny! Nie, bardzo trudno jest żyć w obcym kraju.

- Ale mimo to dołączyłeś do Amerykańskiej Ligi Profesjonalnych Artystów...
- Będąc w Ameryce, poznałem ucznia Repina Michaiła Aleksandrowicza Werbowa. Miał wtedy 96 lat. Komunikowaliśmy się z Michaiłem Aleksandrowiczem przez trzy lata - nie żył rok przed swoimi setnymi urodzinami. Był członkiem honorowym Amerykańskiej Ligi Artystów i pewnego razu, gdy moja wystawa odbywała się w USA (byłem wtedy studentem), odwiedzili ją artyści z tej ligi. To była moja próba sił, zostałam doceniona i zaakceptowana.

- Czy kiedykolwiek wątpiłeś w słuszność swojego wyboru?
- Wręcz przeciwnie, wzmocnił się. Wiele rzeczy mi nie pasuje we współczesnym życiu, na wsi, w kulturze, w sztuce. I nie mam zamiaru biernie czekać, aż ta negatywność dotknie moich dzieci jak czarne skrzydło, chcę z tym walczyć. Moją bronią jest pędzel i paleta. A to nie znaczy wiele. W Sewastopolu w 2005 roku odbyła się akcja z okazji 150. rocznicy obrony Sewastopola. Engels może znaleźć jedynie negatywne opinie na temat obrony tego chwalebnego miasta, Imperium Rosyjskiego i armii. Radziecka historiografia podchwyciła tę recenzję, szkoły zapomniały o Sewastopolu, a ostatecznie okazało się: nic nie wiemy o tej bitwie, w której zginęło ponad milion ludzi. Czy możesz sobie wyobrazić, jak ważne i aktualne jest to teraz - przekazanie naszemu narodowi, naszej świadomości wielkości i potęgi Rosji. Na tę okazję namalowałem obraz „Brońmy Sewastopola” (płótno 300 x 515. -red.). Dla mnie brzmi to tak: „Będziemy bronić Moskwy, będziemy bronić Rosji!” Podczas wystawy w Muzeum Sztuki w Sewastopolu widziałem fragment tego obrazu umieszczony na billboardach reklamowych, na lotniskach i dworcach kolejowych w Symferopolu i Sewastopolu oraz na autostradach południowego wybrzeża Krymu. Ludzie całym sercem przyjęli ten obraz, uchwycili jego nastrój i go wspierali.

- Teraz w Rosji nie ma chyba wielu prawdziwych koneserów sztuki...
- Nie, nie, myślę, że w Rosji ludzie naprawdę kochają i rozumieją sztukę. Często na swój sposób, nieudolnie, niezdarnie - ale bardzo je kochają! Raz widziałem nawet tatuaż na całej klatce piersiowej z reprodukcją obrazu Leonarda da Vinci „Benois Madonna”. Co to jest? Miłość do sztuki w tak wyjątkowej formie. Zapytaj dowolnego Rosjanina na ulicy, kim są Aiwazowski, Surikow, Repin, wszyscy ci odpowiedzą, wszyscy ich znają, cóż, przynajmniej wiedzą, że są rosyjskimi artystami. Ale w Europie jest to trudniejsze. Wiem z pierwszej ręki: zapytaj zwykłego Europejczyka, kim jest Magritte, Renoir, Bruegel, nie dostaniesz odpowiedzi.

- Czy chciałbyś, aby Twoje dzieci również poświęciły swoje życie sztuce? Czy postrzegasz ich jako artystów?
- Moje dzieci są jeszcze bardzo małe. Nie wiem, jaką drogę wybiorą. Ale jeśli wybiorą drogę służenia Ojczyźnie w dziedzinie sztuki, będę im tylko asystował. Jeśli nie chcą, to i tak będę starał się zaszczepić w nich miłość do sztuki.

- Co o tym myśli twoja żona?
- Moja żona Olya jest zawsze przy mnie, zawsze mnie wspiera we wszystkim. Jest moją główną asystentką.

- Zawsze interesowało mnie pytanie: dlaczego kobiet-artystów jest tak mało?
- Bo to bardzo trudna droga, powtarzam. Artystek jest tak mało nie dlatego, że kobietom brakuje talentu i zdolności, ale dlatego, że życie kobiety jest nastawione na coś innego. Szczególnie trudno jej jest porzucić wszystko i żyć sztuką. Dzieje się tak wtedy, gdy zawód staje się sposobem na życie. Nie każda artystka jest w stanie temu sprostać i pozostać wierna swojej drodze do końca życia.

- Co jest Ci bliższe - pejzaże, portrety, historie ewangeliczne?
- Nie mogę powiedzieć, że coś jest mi bliższe. Pan dał mi możliwość zobaczenia wszystkiego, zobrazowania wszystkiego, nawet czegoś abstrakcyjnego. Wszystkie obrazy są owocem inspiracji. Szczególnie lubię przedstawiać coś, co wykracza nieco poza granice malarstwa. Jak na przykład pokazać ciężar mokrego śniegu na gałęziach, szelest spadających liści? Kiedy uda się to przenieść na płótno, jest to prawdziwy sukces. Podobnie jak w portrecie najważniejsze jest ukazanie duszy danej osoby, a kwestie podobieństwa schodzą na dalszy plan. Ciekawie może być wszystko – zarówno krajobraz, jak i portret.

Bardzo lubię różnorodność w swojej pracy. Są artyści, którzy malują martwe natury przez całe życie. To wszystko. Uważam, że to trochę nudne. Albo nagość przez cały czas. Jedna wystawa, druga, trzecia – i wszędzie akty. Oczywiście jest pięknie, ale też chcę wreszcie zobaczyć na zdjęciu ubraną osobę. Niech wszystko będzie inne, najważniejsze jest to, że na każdym zdjęciu jesteś Ty, Twój styl. Urozmaicaj swoją kreatywność, nie zdradzając się. Ale różnorodność zainteresowań nie powinna wiązać się z chęcią dostosowania się do potrzeb czasu: słodka, efektowna, inaczej tego nie docenią.

Malowałem wiele kościołów: Sobór Chrystusa Zbawiciela, Sobór Wniebowzięcia w Dmitrowie, Kościół Wniebowzięcia w Domninie – majątek rodziny Romanowów, Malowałem Salę Tronową Patriarchy Jerozolimy w Jerozolimie.Interesuję się malowaniem obrazów na tematyce historycznej motywy, pejzaże, portrety. Jednak szczególnie w przypadku portretu interesuje mnie pytanie: „Kto jest bohaterem naszych czasów?” Dawno, dawno temu byli to Oniegin i Pieczorin, ale kto teraz? Oczywiście bohaterowie są różni dla każdego człowieka. I nie chciałbym, żeby większość była bohaterami jakiegoś „Domu-2”. Mówią mi: „Tak, wiesz, teraz młodzi ludzie są tak wychowani, mają inne wartości”. Tak je wychowujemy! My! Ponosimy całą odpowiedzialność i wszystko zależy od nas!

- Kim jest dla Ciebie bohater naszych czasów?
- Możesz spojrzeć na moje obrazy portretowe i uzyskać odpowiedź. Są to zarówno osoby mało znane szerokiemu kręgowi – tylko moi znajomi – jak i całkiem znane osobistości. Na przykład wielka rosyjska piosenkarka Irina Arkhipova lub słynny aktor Wasilij Lanovoy. Dla mnie wszyscy oni są bohaterami moich czasów. Próbuję poznać ich od środka, bo żeby namalować portret, nie wystarczy mieć talent, trzeba się z człowiekiem zaprzyjaźnić, poczuć jego duszę, bo inaczej nic nie wyjdzie.

Poznałeś wielu sławnych ludzi – czy Twoim zdaniem sława ich psuje? Jak uchronić się przed gorączką gwiazdową?
- Idź środkową ścieżką, jakoś się trzymaj. Przecież można wpaść w pułapkę sławy – i skończyć nie jako artysta czy performer, ale jako urzędnik, prezes jakiejś fundacji. To jak reakcja łańcuchowa. A kreatywność zostanie zabita. Ale zawsze można mieć duszę dziecka, jak Lanovoy – on zawsze jest prosty, otwarty, mimo swojej ogólnokrajowej sławy. Chyba mam szczęście: wśród moich znajomych nie ma ludzi zepsutych sławą.

Czym więc Twoim zdaniem gwiazdy różnią się od zwykłych śmiertelników?
- Trudno odpowiedzieć. Z jednej strony łatwo się z nimi porozumieć, są tacy sami jak wszyscy, ale z drugiej strony ma się wrażenie, że są nieco inni. Są kreatywni i mają młodą duszę. Wróćmy do tego samego Werbowa, ucznia Repina - znał go cały Nowy Jork, a on po prostu powiedział mi, studentowi: „Zrobiłem nową pracę, chodźmy zobaczyć, co masz do powiedzenia”. Prostota jest tym, co wyróżnia naprawdę wielkich, sławnych ludzi. Niewielu jest wśród artystów artystów, którzy potrafią szczerze cieszyć się z sukcesów swoich młodych kolegów. Ta umiejętność jest również, moim zdaniem, oznaką naprawdę utalentowanej, sławnej osoby. Sława nie powinna tego psuć. To powinien być bodziec – wyżej, dalej, głębiej. W końcu możesz po prostu osiągnąć sukces i na tym poprzestać. To wszystko. Rezultatem będzie stagnacja i stopniowy spadek kreatywności.

- Jeśli ktoś marzy o sławie, czy jest to dobre czy złe?
- Oczywiście, że to dobrze, ponieważ ten sen jest główną zachętą. Marzyło o tym wielu wielkich Rosjan: Suworow i Uszakow, Bryulłow i Repin - i zasłużenie to otrzymali. I przez swoją chwałę wywyższyli Rosję. Ważne jest również, aby zdecydować, o jakim rodzaju sławy marzysz i dlaczego. Swoją twórczością staram się ładować wyłącznie dobro. A w naszych czasach zdobycie takiej sławy przy całym swoim profesjonalizmie i talencie jest trudniejsze niż sława awanturnika. Jest taki awangardowy artysta Oleg Kulik, który na wystawach nago skacze na czworakach i gryzie nogi zwiedzających. Znane są jego krowy z wideo pod ogonami, popiersie Tołstoja w kurzych odchodach i żywe kurczaki w pobliżu... Kulik to postać dość znana. Więc jest taka chwała. Utrzymanie tradycji sztuki rosyjskiej jest trudniejsze, znacznie łatwiej jest zwrócić na siebie uwagę w ten sposób, skandalizując.

- Kto jest dla Ciebie wzorem do naśladowania w Twojej pracy?
– Nie będę wymieniać współczesnych artystów, chociaż od razu zrobię rezerwację – tacy są. Próbowałem uczyć się od wszystkich wielkich malarzy - Kuindzhiego, Iwanowa, Niestierowa, Wasnetsowa, Michała Anioła, Van Dycka...

- Czy czujesz się sławny?
- Wiele osób zna moją twórczość... Ale nie chcę nazywać się sławnym. Kiedyś w telewizji widziałem reprodukcję mojego obrazu „Triumf floty rosyjskiej”, który znajduje się w Moskwie w Muzeum Sił Zbrojnych. Historia dotyczyła Władykaukazu. Kto sprawił, że dostała się tam do programu? Nigdy nie byłem w Osetii Północnej. Ładny? Oczywiście, że jest miło. Można oczywiście zacząć mówić o naruszeniu praw autorskich, ale czy o to nam chodzi, gdy dochodzi do uznania Ciebie jako artysty?

-Czy poczułeś na własnej skórze, co oznacza pokusa sławy?
- Nie zdarza mi się to często. Tak, na wystawach, kiedy otacza mnie prasa, telewizja, kiedy ludzie przychodzą do mnie po autograf, jest to oczywiście bardzo przyjemne. Ale wiąże się to również z ogromnym poczuciem odpowiedzialności. Ja też zawsze się boję, że kogoś urażę. Podszedł do mnie mężczyzna z kawałkiem zaproszenia, poprosił o autograf, poprosił o zrobienie zdjęcia, a ja w tym czasie byłam zajęta - wywiadem, czy po prostu rozmową z gościem... Nie sposób odmówić: osoba przyszła celowo, może dotarcie na miejsce zajęło dużo czasu, może wzięła wolne w pracy - nie mam prawa go obrażać, poprosić, żeby poczekał. Musimy być na bieżąco ze wszystkim.

- Nie bałeś się podjąć malowania Katedry Chrystusa Zbawiciela? Jakie trudności napotkałeś?
- Było wiele trudności. Ciężar odpowiedzialności jest po prostu kolosalny. Spędziłem kilka lat pracując w tej świątyni. W świątyni znajdują się cztery moje obrazy, cztery ikony Matki Bożej, Całun do ołtarza głównego, pięć obrazów przedstawiających sceny ewangeliczne w refektarzu Patriarchy oraz dziesięć widoków klasztorów w przedsionku sali soborów kościelnych. Murale i obrazy wykonywałem sam, bez pomocników – było to niesamowicie trudne: w XIX wieku malowanie świątyni trwało dziesięć lat, a my malowaliśmy ją w siedem i pół miesiąca. Jak mogliśmy to zrobić? Nie wiem, to cud. Sobór Chrystusa Zbawiciela malowali ci artyści, którzy szczerze tego pragnęli, którzy chcieli zostawić po sobie ślad, którzy chcieli dołączyć do tego największego, fantastycznego wydarzenia. I było to dla nas wszystkich ogromne wyróżnienie. Kiedyś Aleksander Iwanow marzył o pomalowaniu świątyni - jemu, Iwanowowi, nie pozwolono! I miałem szczęście pracować w świątyni, odnawiając dwa obrazy Semiradskiego, dwa obrazy Sorokina - słynnych mistrzów XIX wieku! To był niezapomniany dialog ze znanymi artystami tamtych czasów. Kiedy zetknęłam się z malarstwem świątynnym, odkryłam dla siebie tak wiele nowych ścieżek, tak wiele wrażeń – cały świat, który wzbogacił moje życie, moją paletę. Dlatego nigdy nie zapomnimy tej pracy w Katedrze Chrystusa Zbawiciela.

- Miałeś wiele wystaw. Czy był jakiś, który szczególnie Cię wyróżniał? I dlaczego?
- Prawdopodobnie w Wielkiej Maneżu, w lutym 2004 roku. Przygotowując tę ​​wystawę, starałam się nie przejeżdżać obok Maneżu – ten długi rząd kolumn działał na mnie przygnębiająco. Wydawało mi się, że nic mi nie będzie. Ale wystawa się odbyła i co za widowisko!

- Czy masz ulubiony obraz ze swoich prac?
- Jeść. Wciąż nienapisane.

- A z tych pisanych?
- „Sam na sam ze sobą”. Możesz zajrzeć na moją stronę internetową. Przedstawia bohatera naszych czasów, moich czasów - zwykłego mnicha, zwykłego człowieka, ale żyjącego niezwykłym, dla nas niezrozumiałym życiem. Dopóki tacy ludzie będą w Rosji, Rosja będzie żyć. Albo obraz „Niezwyciężeni”. Próbowałem powiedzieć coś nowego o wojnie i wydaje mi się, że mi się to udało.

- Co jest dla Ciebie najgorsze w Twojej pracy?
„Najbardziej boję się tego, że nie spełnię oczekiwań ludzi”. Najgorzej jest usłyszeć: „Twoje obrazy są złe. Przyszliśmy do ciebie, a ty wysuwasz jakieś bzdury. Dzięki Bogu, mnie to nie spotkało, ale w świecie sztuki wszystko jest bardzo nieprzewidywalne. Można całe życie pracować, malować obrazy, a potem pod koniec życia powiedzą ci: „To wszystko jest przestarzałe, nic ciekawego”. Przypomnijmy sobie Aleksandra Iwanowa, który napisał „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Bryullow miał trochę więcej szczęścia – zdążył umrzeć, zanim zaczęto o nim zapominać, a Iwanow za życia nauczył się, co to znaczy być wyrzutkiem. Rembrandt został zapomniany na 200 lat! Aiwazowski był dziobany zarówno za życia, jak i po jego śmierci. A ile takich przykładów! Trudno być utalentowanym i sławnym. Chwała jest chwałą i często powoduje bezsenność i ciężkość duszy. Nie wiadomo więc, co i jak się okaże. Jak możesz rozkoszować się sławą, skoro być może jutro powiedzą, że urodziłeś się na próżno?

DO Szvidkowski

Talent artystyczny Wasilija Nesterenki jest wieloaspektowy, a jego twórczość obszerna – malarstwo kościelne i historyczne, portrety duchowieństwa i liryczne wizerunki kobiet, pejzaże i martwe natury, dzieła malowane olejem i akwarelą, arkusze graficzne wykonane węglem i ołówkiem. Z równym powodzeniem radzi sobie w małych szkicach i wielometrowych płótnach, intymnych obrazach natury i dziełach filozoficznych o najbardziej złożonej kompozycji i strukturze figuratywnej. Jego obrazy odzwierciedlają wiele aspektów naszego życia, przenikają w głąb historii, pozwalają wczuć się w tragedie przeszłości i wyczyny naszych poprzedników oraz włączyć się w posługę modlitewną Ojców Kościoła. Uczucia widza inspirowane są pojedynczymi dziełami mistrza, a także cyklami obrazów i całymi wystawami, które łączy idee dobra, miłości i pojednania.

Przemierzając strony tego albumu, przeżywamy wraz z artystą jego życie, pełne wrażeń z piękna rodzimej przyrody, twórczych spotkań ze współczesnymi i licznych podróży po całym świecie. Pamiętamy chwalebne karty historii: epokę Piotra Wielkiego z jego triumfami i bitwami, cofnijmy się do XIX wieku i odwiedźmy reduty i bastiony oblężonego Sewastopola, znajdźmy się w świętych miejscach, w których znajdują się modlitewniki Kościoła rosyjskiego trudzili się przez wieki, aż w końcu dostaną się pod łuki Świątyni Chrystusa Zbawiciela i zobaczą malowidła ścienne i malowidła opowiadające o wydarzeniach z ewangelicznej historii.

Zapoznając się z twórczością artysty, zanurzamy się w świat malarstwa, gdzie dostrzegamy wyrafinowaną grę kolorów, subtelne zestawienia bliskich tonów i aktywne pociągnięcia kolorystyczne wykonywane pewnym siebie pędzlem. Bogactwo faktury wyróżnia większość prac artysty – jest to gładka powierzchnia, uzyskana za pomocą ledwo zauważalnych szkliw, pozwalających symulować najsubtelniejsze zmiany kształtu, oraz wyrazista warstwa korpusu, uzyskana za pomocą szerokiego pędzla lub szpachli, zdolna do podkreślenie kluczowych miejsc obrazu, odsłonięcie i podkreślenie namacalności obiektów. Kolorystyka obrazów mistrza jest różnorodna - od powściągliwej i jasnej po jasną i bogatą. W jego arsenale twórczym znajdują się niemal wszystkie środki techniczne i techniki wypracowane przez wiele pokoleń artystów.

Dla Wasilija Nesterenki nie ma tematów niedostępnych, z równym sukcesem realizuje mały akwarelowy portret, monumentalny obraz olejny i kolosalne malowidło ścienne. Pracując nad pejzażem artysta stara się oddać efekty wykraczające poza zakres malarstwa: zapach jesiennego lasu, szelest liści, ciężar mokrego śniegu czy szum morza. Tworząc portret, wnika w duszę człowieka, przedstawiając świat wewnętrzny, a nie tylko podobieństwo zewnętrzne. Nastrój, jaki wywołuje obraz, natychmiast budzi reakcję widza i sprawia, że ​​wczuwa się w uczucia i myśli artysty.

Temat służenia ludziom, szczere pragnienie uczynienia życia współczesnych lepszym i czystszym, wezwanie do rozglądania się i kochania otaczającego nas świata przewija się przez całą twórczość Wasilija Nesterenki. Artysta całkowicie poświęcił swoje życie sztuce w najwyższym tego słowa znaczeniu, co obejmuje zawodowe oddanie ulubionej twórczości, bezinteresowną pracę twórczą i wierność raz wybranym ideałom.

Można powiedzieć, że twórczość Wasilija Nesterenki jest encyklopedyczna pod względem szerokości i różnorodności. Celem tego albumu jest próba zebrania większości prac artysty na kartach jednej publikacji, ułożenia ich w taki sposób, aby jak najpełniej oddać sens jego twórczych poszukiwań.

Postaramy się prześledzić drogę twórczą artysty, etapy jego formacji, a także opowiedzieć, kim byli jego nauczyciele, w jakim środowisku się wychowywał, co pozwoliło mu wznieść się na wyżyny doskonałości zawodowej i zyskać zasłużone uznanie.

Wasilij Igorevich Nesterenko urodził się w 1967 roku na Ukrainie. Wrażenia z dzieciństwa pozostaną ważnym źródłem inspiracji w jego przyszłym twórczym życiu. Niekończące się pola Ukrainy, ogromne piramidalne topole nad bezkresnym Dnieprem, wierzby płaczące pochylone nad cichym stawem i jasna, malownicza przyroda Krymu z fantastycznymi stosami skał w pobliżu brzegu Morza Czarnego – to tutaj po raz pierwszy pojawił się jego talent artystyczny objawiało się, czasem jeszcze nieśmiało, ale już dość wyraźnie. Widząc w nim skłonność do rysowania, rodzice zachęcali go do nauki.

Całe późniejsze życie Wasilija Niesterenki związane jest z Moskwą. Po wstąpieniu do Moskiewskiej Liceum Artystycznego w Instytucie Surikowa na zawsze związał się z twórczością. Egzamin szkolny stał się dla młodego artysty pierwszym sprawdzianem. Po przejściu trudnej konkurencji – piętnaście osób na miejsce – znalazł się w świecie sztuki zawodowej, w macierzystej uczelni wielu rosyjskich malarzy i rzeźbiarzy.

Zdanie egzaminów poprzedziły poważne prace przygotowawcze w Pracowni im. M.B. Grekowa, w pracowni Artysty Ludowego Rosji, laureata Nagrody Państwowej N.S. Prisekina. Słynny malarz batalistyczny, autor wielu dioram, pracował w tym czasie nad monumentalnym obrazem „Bitwa pod Kulikowem”. Wasilij, malując akwarelą edukacyjne martwe natury, marzył o dużych płótnach, uważał za cud, gdy pod ręką mistrza na płótnie ożywają postacie, życie pojawia się pozornie z niczego.

W atmosferze rosnącego zainteresowania społeczeństwa radzieckiego kulturą rosyjską rozpoczął się twórczy rozwój Wasilija Nesterenki. Młody malarz czytał książki o historii sztuki rosyjskiej i światowej, wraz z towarzyszami ze szkoły artystycznej odkrywał poezję starożytnych kościołów i klasztorów, podziwiał martwe natury Stożarowa, obrazy Plastowa i inne klasyki sztuki realistycznej. Każdą przerwę spędzał w Galerii Trietiakowskiej, znajdującej się naprzeciwko szkoły, studiował dzieła Surikowa, Repina, Lewitana, nie mógł oderwać się od obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludziom” Aleksandra Iwanowa i stopniowo zapoznawał się z duchowe piękno starożytnego malarstwa rosyjskiego.

Przez mury legendarnej szkoły przy Ławruszinskim Zaułku przeszło kilka pokoleń artystów. W jego korytarzach wisiało wówczas wiele dzieł edukacyjnych, które kunsztem nie ustępowały dziełom czcigodnych artystów. Była to prawdziwa szkoła artystyczna, zachowująca przedrewolucyjne tradycje, pieczołowicie prowadzone przez nauczycieli i uczniów przez wiele dziesięcioleci. Jedną z głównych tradycji szkoły był duch rywalizacji. Uczyli się nie tylko od nauczycieli, ale także z dzieł wielkich rosyjskich artystów i od swoich kolegów, gorliwie odnotowując udane miejsca na rysunku lub skutecznie zapisując szczegóły scenerii szkoleniowej. Wystawianie mniejszej liczby prac niż prace kolegów z grupy uznawano za wstydliwe. Honorowano pracę i umiejętności, które nie były łatwe dla wszystkich, ale Wasilij Nesterenko zawsze był liderem, był zauważalny nawet w szkole, na poziomie studenckim.

„Rysunek z rzeźby antycznej”, wykonany kreską w technice akwareli, sięga czasów jego nauki w szkole. W tym dziele widać rękę przyszłego mistrza. Już wtedy Nesterenko postawił sobie zadania, które znacznie przekraczały wymagania nauczycieli. Po znakomitym ukończeniu szkolnego kursu plastycznego otrzymał złoty medal z przedmiotów ogólnokształcących, co było rzadkością wśród artystów.

Kolejnym testem są egzaminy wstępne do Moskiewskiego Państwowego Instytutu Sztuki. V.I. Surikov - Nesterenko pokonał więcej niż inni i wszedł na Wydział Malarstwa jako numer jeden latem 1985 roku. Rozpoczął się nowy etap w życiu artysty, zbliżony złożonością do prawdziwego życia zawodowego. Konsekwentny zwolennik realizmu Wasilij Nesterenko wybrał na swoje studia najbardziej tętniący życiem i dynamiczny warsztat twórczy, który prowadził Artysta Ludowy ZSRR S.S. Salachow, wybitny współczesny malarz, akademik, szef Związku Artystów ZSRR. W pracowni Salachowa było wielu zwolenników sztuki abstrakcyjnej, którzy wyróżniali się na tle innych uczniów, ale z drugiej strony najlepsi realiści z reguły kończyli tę właśnie pracownię. Panowała w nim atmosfera współczesnej twórczości z jej dotkliwymi problemami, różnicami stylów i twórczymi przywiązaniami. Był to swego rodzaju „model” życia artystycznego, w który każdy musiał się zanurzyć po ukończeniu studiów.

Wasilij Nesterenko starał się zapewnić sobie prymat wśród studentów Instytutu Surikowa, ale aby stać się w nim zauważalnym, wymagane były wysokie umiejętności zawodowe i duża skuteczność. Liczne studia aktów modelek naturalnej wielkości, rysunki i szkice przygotowawcze, portrety kobiece i męskie wykonane olejem i węglem przeplatane poszukiwaniami kompozycyjnymi. Stopniowo rosły jego umiejętności w zakresie dokładności oddania proporcji, ostrości cech portretu, umiejętności oddania faktury i materialności przedstawionych obiektów.

W pewnym momencie artysta poczuł, że trzeba wrócić do studiowania klasyki – to tu kryje się prawdziwe mistrzostwo, tu można nauczyć się wyczucia proporcji i rytmu, proporcji i plastyczności! Przywiązując dużą wagę do rysunku jako podstawy malarstwa i kompozycji, Wasilij Nesterenko postawił sobie trudne zadanie - spróbować wykonać pełnowymiarowy rysunek z posągu Michała Anioła „Dawid” w połowie jego naturalnej wielkości. Znanych jest tylko kilka tak dużych rysunków, a powstały one głównie w Cesarskiej Akademii Sztuk. Pracuje w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Puszkina Nesterenko starał się nasycić się mocą Michała Anioła w interpretacji formy, aby poczuć harmonię proporcji i złożoną architekturę tego genialnego dzieła. Żaden rysunek z odlewów gipsowych i żadna produkcja z udziałem nagich modelek nie dała artyście tyle, co ten rysunek. Dwa miesiące spędzone w Muzeum Puszkina okazały się o wiele bardziej przydatne niż lata na warsztatach edukacyjnych.

Dla Wasilija było to pierwsze doświadczenie twórczego dialogu z wielkim mistrzem przeszłości. Malując Dawida, o życiu i twórczości Michała Anioła dowiedział się więcej niż ze wszystkich źródeł literackich, więcej niż na przykład z Żywotów Giorgia Vasariego czy ze wspomnień Ascanio Condiviego. Artystce wydawało się, że jako pilny uczeń nie tylko poznał dzieło tytana renesansu, ale także pozwolono mu z nim rozmawiać.

Doskonaliwszy się jako rysownik, Wasilij Nesterenko starał się wzbogacić swój styl twórczy technikami malarskimi dawnych mistrzów. Tego nie uczono i niewiele osób posiadało takie tajemnice. Jedynie na podstawie klasycznych przykładów można było je odkryć, zrozumieć i zastosować w praktyce. Mały obraz „Chłopstwo Madonny” Francesco Zurbaran, znajdujący się w Państwowym Ermitażu, przyciągnął uwagę Wasilija swoją wewnętrzną siłą, wyrazistym lakonizmem języka artystycznego i szczególną duchowością, która przenika najlepsze dzieła wielkich Hiszpanów. Pracując nad kopią tego obrazu, artysta udoskonalił technikę szkliwienia, niezbędną przy malarstwie wielowarstwowym. Uzupełniając swój techniczny arsenał, Nesterenko kontynuował studiowanie myślenia kompozytorskiego dawnych mistrzów, które stopniowo ujawniało się podczas pracy z oryginałami.

Kolejny egzemplarz wywarł decydujący wpływ na styl twórczy artysty, stając się na wiele lat swoistym kamertonem przy tworzeniu własnych dzieł. „Portret Małgorzaty Lotaryńskiej” A. Van Dycka, perła naszych zbiorów muzealnych, przechowywany jest w Archangielsku pod Moskwą. Przyjaźń z Muzeum Archangielskoje pomogła Wasilijowi zdobyć oddzielny warsztat w Pałacu Jusupowa, gdzie spędził kilka miesięcy sam na sam z płótnem Van Dycka. Ukończony egzemplarz znacznie przerósł wszelkie oczekiwania – artyście udało się powtórzyć lot pędzla wielkiego Fleminga. Obrazy Van Dycka są trudne do skopiowania – w końcu to szczyty portretu Europy Zachodniej. Powtórzenie w naszych czasach specyficznej techniki XVII wieku oznacza nie tylko przestudiowanie oryginału, ale także przekształcenie się w osobę tamtej epoki.

„Portret Małgorzaty Lotaryńskiej” został wystawiony w Instytucie Surikowa wraz z rysunkiem „Dawida”. Te dwa dzieła nie pozostawiły obojętnym ani nauczycieli, ani uczniów, zapewniając Niesterence sławę jako rysownika i malarza. Dla wszystkich było jasne, że przed nimi stał prawie w pełni ukształtowany mistrz. Ale ilu takich mistrzów popadło w zapomnienie, nie tworząc nigdy niczego poza dziełami edukacyjnymi!

Wasilij Nesterenko musiał spędzić jeszcze kilka lat w Instytucie Surikowa, ale czuł, że czas praktyki minął - trzeba było znaleźć własną drogę w sztuce, zadeklarować się w świecie artystycznym. Nesterenko staje się stałym uczestnikiem wszystkich wystaw ogólnorosyjskich i ogólnounijnych w Moskwie. Z tego okresu pochodzą pierwsze udane eksperymenty w malarstwie pejzażowym i portretowym. Niektóre z jego portretów pojawiają się na łamach czołowych radzieckich magazynów artystycznych.

Wychowany w realistycznych tradycjach Wasilij Nesterenko nieustannie uczył się od swoich wielkich poprzedników, których obrazy zdobią Galerię Trietiakowską i Muzeum Rosyjskie. Znajdując dla siebie coś przydatnego w twórczości Polenowa i Sierowa, Niestierowa i Vrubela, próbował powiązać swoje pierwsze udane prace z malarstwem kompozycyjnym Bryullowa, Iwanowa i Surikowa, zdając sobie sprawę, że jest wciąż na samym początku swojej ścieżki twórczej.

Artysta, zaczynając brać czynny udział w życiu artystycznym Moskwy, odczuwał brak wiedzy na temat malarstwa współczesnego, chciał zapoznać się ze zbiorami muzealnymi na Zachodzie. Czy apologeci awangardy rzeczywiście mieli rację, twierdząc, że sztuka zbudowana na klasycznych zasadach przeżyła już swoją użyteczność i przyszedł czas na abstrakcje i instalacje? Należy pamiętać, że była to era Związku Radzieckiego i wyjazd za granicę na studia artystyczne był niezwykle trudny. Ale Wasilijowi Nesterenko udało się odwiedzić Europę, zapoznać się z unikalnymi zbiorami Galerii Drezdeńskiej, Muzeum Orsay, Luwru i niektórych nowoczesnych muzeów. Malarstwo impresjonistyczne stało się dla Wasilija prawdziwym odkryciem. Nie można powiedzieć, że o nich nie wiedział - Ermitaż i Muzeum Puszkina mają bardzo dobre zbiory impresjonistów. Ale najwyraźniej trzeba było zobaczyć ich obrazy w Paryżu, żeby naprawdę je docenić. Sama dusza artysty domagała się nie ograniczania się do umiejętności akademickich, ale dążenia do przedstawienia świata w całej jego różnorodności. Nesterenki nie można nazwać zwolennikiem impresjonistów, ale wiele się nauczył, zakochując się w ich twórczości.

Prawdziwym sukcesem malarza była osobista wystawa w Japonii na początku 1991 roku, zbiegająca się z wizytą prezydenta ZSRR M.S. Gorbaczowa w Japonii. Wystawa gościła w Tokio i kilku innych miastach kraju, gdzie artysta dostrzegł autentyczne zainteresowanie japońskiej publiczności sztuką realistyczną, w swoich portretach, pejzażach i martwych naturach powstałych podczas studiów. Objazdowa wystawa w Japonii stała się nie tylko pierwszą zagraniczną wystawą Nesterenki, ale także pierwszą osobistą wystawą Nesterenki. Ten sukces zainspirował młodego mistrza.

Wiosną 1991 roku Wasilij Nesterenko nieoczekiwanie otrzymał ofertę odbycia stażu w Ameryce. Traktat o wymianie kulturalnej między obydwoma krajami, podpisany przez prezydentów Busha i Gorbaczowa, przeznaczony był dla setek studentów, ale wśród nich było tylko jedno miejsce dla artysty. Kierownictwo Instytutu Surikowa bez wahania zaproponowało kandydaturę Niestierenki Ministerstwu Kultury ZSRR. Wyjeżdża na studia do Nowego Jorku – mekki sztuki współczesnej.

Po zostaniu studentem Instytutu Sztuki PRASS Wasilij otrzymuje własny warsztat i możliwość zapoznania się z tętniącym życiem Nowym Jorku. Nesterenko nie miał nic do nauki w PRASS w zwykłym tego słowa znaczeniu - poziom jego szkolenia zawodowego często znacznie przekraczał umiejętności nie tylko uczniów, ale także nauczycieli. Stanęło przed nim kolejne zadanie – zbadanie środowiska artystycznego, kultury i sposobu myślenia Amerykanów i próba zajęcia swojego miejsca w życiu artystycznym Nowego Jorku. W krótkim czasie Wasilij Nesterenko stał się poszukiwanym artystą w Ameryce. Zorganizował kilka wystaw indywidualnych i brał udział w wielu projektach zbiorowych, a jego obrazy chętnie kupowano nie tylko w Nowym Jorku, ale także w galeriach w Kalifornii, Nowym Meksyku i Kolorado.

Patrząc wstecz, Wasilij Nesterenko uważa, że ​​pobyt w Nowym Jorku i kolejne lata aktywnej działalności wystawienniczej w USA znacznie poszerzyły jego horyzonty, przyniosły swobodę twórczą i, co najważniejsze, potwierdziły chęć dalszej pracy w zgodzie z realistyczną lub, jak mówią w Ameryce, malarstwo figuratywne. Na całym świecie nie brakuje ludzi, którzy kochają sztukę opartą na wielowiekowych tradycjach i potrafią docenić prawdziwe rzemiosło.

W otoczeniu muzeów, teatrów i galerii artysta szybko zdał sobie sprawę, że tylko sztuka nosząca piętno tożsamości narodowej może być interesująca dla tego różnorodnego świata. To na przykład wyjaśnia zainteresowanie amerykańskiej publiczności twórczością meksykańskich artystów, tę samą sytuację ze sztuką japońską. Sztuka rosyjska jest nie mniej oryginalna, a my mamy wiele do powiedzenia zarówno amerykańskim, jak i europejskim widzom. Rosja, która zachowała starą szkołę, musi jeszcze wnieść swój wkład w rozwój nowoczesnego malarstwa – uważa artysta.

Podczas pobytu w Ameryce Wasilij Nesterenko stworzył dziesiątki obrazów: portrety, pejzaże, martwe natury, akty. Jedną z pierwszych prac jest „Martwa natura z atrybutami artystycznymi”. Fabuła zaczerpnięta z Chardinu i ułożona według wszelkich zasad sztuki akademickiej jest pełna dowodów nowoczesności. W tej pracy po raz pierwszy ukształtował się rodzaj malarstwa martwej natury, który w przyszłości stanie się charakterystyczny dla twórczości Nesterenki. Artysta nie ograniczając się do przedstawiania przedmiotów, wprowadza do martwej natury detale wnętrz, pejzażu, a nawet półpostaci ludzi.

Obraz „Artysta” jest o tyle ciekawy, że powstał w odpowiedzi na słowa kilku nowojorskich kolegów: „Dlaczego nie malujesz tak jak my?” Po przedstawieniu płócien z malarstwem abstrakcyjnym w tle, powtarzając technologię ich wykonania - co nie było trudne po Van Dycku i Zurbaran - Nesterenko przedstawiła na pierwszym planie postać samej amerykańskiej artystki, autorki dzieł abstrakcyjnych, w naturalnej wielkości, jakby odpowiadając swoim przeciwnikom: „A teraz spróbuj zrobić to tak jak ja!”

Pomimo perspektyw pozornego sukcesu w Ameryce, artystę nieustannie prześladowała myśl, że tworzenie samych pejzaży i portretów nie wystarczy, aby w końcu stanąć na nogi w sztuce. Aby to zrobić, musisz namalować duży obraz kompozycyjny. Nesterenko chciał wszystkim, a przede wszystkim sobie, udowodnić, że potrafi rozwiązać niezwykle złożony problem, tworząc wielopostaciowe płótno o tematyce historycznej.

Niespodziewanie dla wielu Wasilij Nesterenko wraca do Moskwy i rozpoczyna pracę nad wielometrowym płótnem „Triumf floty rosyjskiej”. Temat patriotyczny został wybrany przez artystę nieprzypadkowo. Czas powstania tego obrazu był dla Rosji bardzo trudny – były to lata kryzysów politycznych. Wiele procesów zachodzących w kraju było wówczas nie do przyjęcia dla artysty wychowanego w miłości do narodowej kultury i historii. Pod wieloma względami ten obraz symbolizował jego postawę obywatelską. To powoduje główne brzmienie, uroczysty rytm i ceremonialny patos stworzonego dzieła.

Schemat kompozycyjny obrazu „Triumf floty rosyjskiej” nie został ustalony od razu - poprzedziły go długie prace nad szkicami i żmudne badanie dowodów z epoki Piotra Wielkiego. Artysta stanął przed koniecznością zebrania różnorodnego materiału dotyczącego historii ubioru, broni, wyposażenia żeglarskiego statków oraz przestudiowania portretów i rycin z tamtych czasów. Praca nad szkicami i tekturą obrazu wymagała mobilizacji wszystkich umiejętności, doświadczenia i wiedzy nabytych na szkoleniach oraz samodzielnej twórczości, wszystkich wrażeń zgromadzonych w muzeach.

Wasilij Nesterenko czuł potrzebę dalszego studiowania zasad kompozytorskich dawnych mistrzów. W czasie prac przygotowawczych do obrazu „Triumf floty rosyjskiej” artysta odbył szereg podróży twórczych do Włoch i Francji. W Wenecji szczególnie zafascynowały go wielopostaciowe kompozycje Veronese i Tintoretto, Tiepolo i Tycjana, w Rzymie – freski Michała Anioła i Rafaela. We Florencji artysta godzinami stał przed obrazami Botticellego. Wiedział dużo o Florencji, studiując historię sztuki, ale widok w rzeczywistości słynnego miasta wielkich artystów go urzekł: Galerie Uffizi i Pitchi, Palazzo Señoria, Borgello, Santa Croce, Santa Maria del Fiore, drzwi Ghiberti i tak dalej wiele więcej! I oczywiście Galeria Accademia ze znanym „Dawidem” Michała Anioła.

Będąc ponownie w Paryżu, odwiedzając Luwr i Wersal, artysta studiuje twórczość francuskich romantyków – Delacroix i Géricault oraz podziwia wielkie płótna Jacques’a Louisa Davida. Zainspirowany sztuką renesansu i klasycyzmu Wasilij Nesterenko niestrudzenie maluje z życia widoki Paryża, Florencji i Wenecji.

Powstałe później obrazy inspirowane były impresjami włoskimi: „Martwa natura z instrumentami morskimi” oraz „Pierrot i arlekin”. Ostatnia praca zawiera próbę filozoficznego zrozumienia życia artysty. Spojrzenie Pierrota mówi o goryczy rozczarowania, o namiętnym i bolesnym podejściu do kreatywności. Zastosowane w tym obrazie techniki malarskie, faktura ciała i rytm zestawień kolorystycznych świadczą o zamiłowaniu artysty do poszukiwań malarzy abstrakcjonistów. Nic nie umknie spojrzeniu Wasilija Nesterenki, stara się znaleźć dla siebie coś interesującego zarówno w sztuce współczesnej, jak i dziełach dawnych mistrzów, wykorzystać całą różnorodność środków artystycznych do pracy na wielkim płótnie, które czekało na niego w Moskwie warsztat.

Za każdym razem, wracając do Moskwy po wizycie w największych muzeach świata, Wasilij Nesterenko wprowadzał poprawki i zmiany w szkicach obrazu „Triumf floty rosyjskiej”. Wkrótce artysta zaczął rysować postacie naturalnej wielkości bezpośrednio na płótnie. Praca nad tym rysunkiem przygotowawczym trwała osiem miesięcy, tyle samo czasu zajęło samo malowanie.

Przed pierwszymi widzami, którzy zobaczyli zdjęcie, cesarz wszechrosyjski Piotr I pojawił się w całej okazałości w mundurze chautbenachtu, w którym dowodził czterema flotami. Fregaty i pancerniki Floty Bałtyckiej, ustawione w dwóch rzędach na redzie Kronsztadu, znikają we mgle na horyzoncie. Eleganckie stroje najbliższych współpracowników Piotra i wysłanników europejskich, ciemnozielona i czerwona kolorystyka mundurów Preobrażeńskiego, osadzona w ciemnej sylwetce na tle jasnozłotej platformy i białego dymu z ostrzału armatniego, czerwono-niebieskiego podnośnika okrętowego i sztandar cesarski z mapami czterech mórz otacza postać Piotra. Jest pełen spokoju i wielkości, ale jednocześnie nerwowo ściska rękojeść miecza i patrzy stanowczo i zdecydowanie prosto na widza. Niemal słyszymy bębnienie i strzały armat, niemal czujemy słony wiatr Bałtyku, jakbyśmy byli obecni na tym triumfie wielkiego cesarza, jego armii i floty, świadcząc o naszym podziwie dla geniuszu przemieniającego króla i odwagę swego ludu.

Obraz „Triumf floty rosyjskiej” jest pracą dyplomową Niesterenki w Moskiewskim Państwowym Instytucie Sztuki. VI Surikova. Tym monumentalnym obrazem zakończył swoją edukację artystyczną. Podczas projekcji obrazu podczas obrony pracy magisterskiej w Instytucie Surikowa okazało się, że jego poziom artystyczny znacznie przekracza wymagania stawiane pracy dyplomowej. Stworzenie obrazu „Triumf floty rosyjskiej” doprowadziło do triumfu samego autora. Od tego momentu imię Wasilija Nesterenki stało się sławne w Rosji. Prezentacja i późniejsze umieszczenie obrazu w Centralnym Muzeum Sił Zbrojnych tylko zwiększyło znaczenie tego wielkoformatowego dzieła. Artysta dał się poznać w całym kraju jako mistrz, który opanował szeroki arsenał technik artystycznych, dysponując jednocześnie darem malarza, rysownika i kompozytora.

Zaledwie dwa lata później, w 1996 roku, Rosyjska Akademia Sztuk zaprosi Wasilija Nesterenkę do zorganizowania osobistej wystawy w swoich salach wystawowych. Nie wszyscy artyści dostąpili tego zaszczytu. Wystawa okazała się wielkim sukcesem. Twórczość Nesterenki zyskała uznanie starszych kolegów, naukowców i zyskała sympatię wielu koneserów i miłośników sztuki. Wystawa ta stała się dla artysty bramą do wielkiej sztuki, początkiem prawdziwego uznania jego talentu. Wiele z obrazów prezentowanych po raz pierwszy na tej wystawie to najlepsze dzieła Wasilija Niesterenki.

Szczególnie zapada w pamięć obraz „Sam na sam ze sobą” – jeden z najbardziej serdecznych portretów mistrza. Obraz przedstawia mnicha z klasztoru Psków-Peczerskiego pogrążonego w modlitewnych myślach. Portret namalowany jest tak mistrzowsko, że wydaje się, że patrzymy na żywą osobę, a nie na płaszczyznę obrazu. Wizerunek mnicha z modlitewnika, który nie żyje próżnymi interesami świata, ale myśli i ubolewa nad zupełnie innymi rzeczami – to pierwsza i być może najskuteczniejsza próba portretowania prawdziwego bohatera naszych czasów, ten, na którym spoczywa ziemia rosyjska. Cichy, pokorny obraz niesie ze sobą wielką moc. Portret stawia pytania, na które czasami wielopostaciowy obraz nie jest w stanie odpowiedzieć. Można śmiało powiedzieć, że „Sam na sam ze sobą” to przykład malarstwa duchowego, czegoś więcej niż zwykły obraz osoby.

Cykl obrazów „Pory roku”, pejzaże Athos i Jerozolimy oraz portrety wykonane podczas pierwszych podróży pielgrzymkowych artysty przesiąknięte są duchem prawosławia.
Wasilij Nesterenko z powodzeniem próbuje swoich sił jako mistrz portretu ceremonialnego. Monumentalna postać patriarchy jerozolimskiego Diodora, ukazana w pełnych szatach, umieszczona jest na tle jasnego nieba, podkreślając bogato kolorowe szaty patriarchy. Uroczystą wielkość Prymasa Kościoła Jerozolimskiego podkreśla kopuła Bazyliki Grobu Świętego, która dominuje nad Świętym Miastem. Malarskie podejście do tego portretu charakteryzuje się dużą swobodą, co dało się zauważyć już w pierwszym szkicu akwarelowym. Artysta przełamuje umowność języka artystycznego, charakterystyczną dla jego wcześniejszych prac spłaszczoną interpretację formy.

Liczne wystawy w Moskwie, które odbyły się po wystawie w Akademii Sztuk Pięknych, wykazały duże zainteresowanie widzów twórczością Niesterenki, co z kolei zmusiło artystę do aktywnej pracy we wszystkich gatunkach malarstwa. Jednak jednym z głównych kierunków jego twórczości pozostanie wątek historyczny. W ciągu kilku lat artysta stworzył cykle obrazów poświęconych historii wojskowości rosyjskiej: „Będziemy nam pozazdrościć tej chwały!”, „Ojciec ojczyzny”, „Sny marynarki wojennej”, „Ballada husarska”, „Naszą chwałą jest potęga rosyjska!”, „Broń zwycięstwa” ”, „Portret rosyjskiego oficera”. Można w nich zobaczyć dowody chwalebnych zwycięstw pod Gangutem i Grengamem, w bitwach pod Połtawą i Borodino, broń św. Jerzego z połowy XIX wieku i broń Zwycięstwa w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej. Wizerunki młodych mężczyzn, czy to w mundurze huzara Achtyrskiego z 1812 r., czy w postaci współczesnego chłopca kabinowego, mają ukazać ciągłość tradycji historyczno-wojskowych oraz odzwierciedlać nadzieje i aspiracje samego artysty. Do tych prac należy dodać dwa portrety dzieci: „Przyszły kapitan” i „Młody dowódca”, wzruszająco opowiadające o jakże dziecinnym zainteresowaniu młodych bohaterów historią wojskowości rosyjskiej.

Obraz „Moskwa spotyka bohaterów Połtawy”, powstały w 1997 roku, kontynuuje temat Piotra. Kawalkada jeźdźców napisana jest tak przekonująco, że wydaje się, że autor był świadkiem uroczystego wjazdu Piotra do Moskwy po bitwie pod Połtawą. Rytm galopujących koni, wzniesionych ku niebu fanfar i uniesionych pałeczek nawiązuje do architektonicznego rytmu barokowego Łuku Triumfalnego, ukazanego na tle starożytnego moskiewskiego Kremla. Całość obrazu przesiąknięta jest ruchem, nie ma śladu statyczności pierwszych decyzji kompozycyjnych artysty.

Malarstwo historyczne nie przestaje ekscytować Wasilija Nesterenki. Kolejnym znaczącym dziełem w tym obszarze było monumentalne płótno „Brońmy Sewastopola!” Odważna i niezwykła kompozycja obrazu, jego figuratywna struktura o dramatycznych cechach portretowych, powściągliwe bogactwo kolorów - wszystko mówi o wzroście umiejętności artysty. Postacie są nie tylko precyzyjnie skomponowane, ruchy bohaterów są nie tylko wyraziste – obraz ukazuje wewnętrzny świat bohaterów, ich uczucia i walkę psychiczną w fatalnej, być może ostatniej chwili życia.

Obraz „Brońmy Sewastopola!” nie pozostawia nikogo obojętnym. Nawet jeśli nie wiesz, co wydarzyło się podczas wojny krymskiej, temat ochrony własnej ziemi, temat życia i śmierci może ekscytować każdego. Jeśli jednak przypomnimy sobie wszystkie okoliczności, które doprowadziły do ​​​​jednej z najkrwawszych wojen XIX wieku i skorelujemy wydarzenia wojny krymskiej z czasami współczesnymi, obraz nabiera zupełnie innego wydźwięku. To nie tyle przedstawienie wydarzeń z historii Rosji - to apel do współczesnych! Sprzeczności, które w połowie XIX wieku doprowadziły Rosję na skraj katastrofy, utrzymują się, a obecnie być może nawet się pogorszyły. Temat ochrony granic, losów Sewastopola i innych placówek nie tylko nie stracił na znaczeniu, ale dziś te kwestie stały się dla nas szczególnie ważne. Nie wolno nam zapominać, że wojna krymska, czyli wschodnia, rozpoczęła się w wyniku konfliktu religijnego w Palestynie. Nie bez powodu nasi przodkowie nazywali tę wojnę „bitwą o Żłób Pański”. Jak w wielu innych przypadkach, Rosja wystąpiła w obronie upokorzonych i uciskanych, podczas gdy niebezpieczeństwo, które zagrażało samej Rosji w tamtych latach, jest obecnie trudne do wyobrażenia. Nasza wiedza o tej wojnie jest bardzo niepełna i tendencyjna, zniekształcona przez oficjalną historiografię sowiecką. Tak naprawdę nasz kraj bynajmniej nie przegrał wojny wschodniej, chociaż liczba ofiar, jakie poniósł naród rosyjski, znacznie przewyższyła straty w wyniku najazdu napoleońskiego. Zmuszone do obrony przed koalicją mocarstw światowych na Morzu Czarnym, Bałtyckim i Białym, na Dalekim Wschodzie, na Kaukazie, w Mołdawii, Wołoszczyźnie i na Krymie, Imperium Rosyjskie mogłoby stracić prawie połowę swoich terytoriów i znaleźć się w granice Rusi PrzedPiotrowej”. Ponad milion ofiar – oto potworny skutek wojny wschodniej, prekursora wojen współczesnej historii. Dzięki bohaterstwu żołnierzy i marynarzy, którzy utrzymywali Sewastopol, dzięki odważnym zwycięstwom na Kaukazie, Rosja w wyniku wojny z niemal całym światem nie straciła praktycznie nic ze swoich ziem. Nasuwają się analogie z II wojną światową, wojna krymska jest przykładem dla naszych współczesnych.

To właśnie ta interpretacja tematu stała się podstawą powstania obrazu „Brońmy Sewastopola!” I znowu Wasilij Nesterenko spędza dużo czasu w muzeach, archiwach i bibliotekach, uważnie studiując materiały historyczne. Najbardziej znanym dziełem dotyczącym Sewastopola jest panorama Franza Roubauda, ​​stworzona z okazji 50. rocznicy zakończenia obrony miasta-twierdzy. Wasilij Nesterenko postanowił rozwiązać swój obraz zasadniczo inaczej niż zrobił to jego poprzednik. W Roubaud widzimy wielkoformatową panoramę miasta, jego zatok i okolic, można w pełni wyobrazić sobie przebieg działań wojennych i rozmieszczenie wojsk podczas jednego z ataków na Małachow Kurgan.

Nesterenko ukazuje samych obrońców bastionów, ich mimikę, doświadczenia i namiętności wrzące w środku bitwy. W centrum zdjęcia śmiertelnie ranny młody oficer, chłopiec, w ramionach doświadczonego żołnierza. Trudno opisać wygląd tego żołnierza-faceta. Jest w nim zimna determinacja, by umrzeć, ale nie opuścić bastionu i zdziwić się, że to nie on umiera, ale ten młody człowiek, którego życie dopiero się zaczęło, to także poczucie tragedii, jeszcze nie uświadomionej , ale przeniknęła już do serca starego weterana. Twarz młodego oficera jest piękna, spełnił swój obowiązek, oddał wszystko, co mógł – życie. Wszędzie wokół grzmi bitwa, chorąży krzyczy, starszy oficer wydaje rozkazy, żołnierze i marynarze strzelają z armat i armat, zaraz zagrzmi działo okrętowe i w tym odgłosie bitwy widzimy i słyszymy św. cisza śmierci.

Wciąż niedokończone płótno zaczęło pojawiać się na pierwszych stronach czołowych rosyjskich gazet i czasopism. Prezentacja obrazu „Brońmy Sewastopola!” odbyła się w Państwowym Muzeum Historycznym, stając się wydarzeniem w życiu kulturalnym stolicy. Kolejna osobista wystawa w Muzeum Sztuki w Sewastopolu, poświęcona 150. rocznicy obrony miasta, dosłownie poruszyła opinię publiczną na Krymie. To, do czego dążył artysta, próbując mówić językiem historii o problemach współczesności, okazało się bliskie szerokiemu gronu odbiorców.

Równie mocne wrażenie robi portret „Niezwyciężeni”. To nowe spojrzenie na Wielką Wojnę Ojczyźnianą i podejście do żyjących wśród nas weteranów. Nesterenko wybrał surowy i wyrazisty język do artystycznego projektu portretu. Czarny kolor munduru marynarki wojennej na tle śnieżnego pustynnego krajobrazu podkreśla intensywność spojrzenia starego marynarza, gotowego pozostać wiernym swoim ideałom aż do „dąbowego płaszcza”. Jego wzrok dosłownie wwierca się w widza, sprawiając, że przypomina sobie twarze obrońców Sewastopola.

Obraz „Hegumen Ziemi Rosyjskiej” jest odpowiedzią na wydarzenia sprzed 850 lat, kiedy Ruś znajdowała się pod panowaniem Tatarów-Mongołów. Sergiusz z Radoneża, największy rosyjski asceta, który pobłogosławił Dmitrija Donskoja za bitwę pod Kulikowem, jest przedstawiony z rękami wzniesionymi do nieba, w modlitwie wzywający pomoc do Matki Bożej i wszystkich mocy niebieskich dla dobra długo- cierpiąca ziemia rosyjska.

W twórczości Wasilija Nesterenki zauważalne jest zainteresowanie epoką Czasu Kłopotów. Mały szkic poświęcony tematowi wyzwolenia Moskwy od polskich najeźdźców w 1612 roku nosi tytuł „Wyrok Ojczyzny został zlitowany!” To słowa Sergiusza z Radoneża, który ukazał się we śnie arcybiskupowi Arsenyowi i potwierdził, że koniec Czasu Ucisków jest bliski. Płótno „Przysięga księcia Pożarskiego” przedstawia gubernatora Zarajska - zbawiciela Ojczyzny, który wziął na siebie krzyż wojskowego dowództwa milicji. Potężny książę, przypominający epickich rycerzy, stoi na tle sztandaru z wizerunkiem Kazańskiej Ikony Matki Bożej, orędowniczki Rosji we wszystkich wojnach. Książę Dmitrij Pożarski z modlitwą obiecuje chronić swoją ziemię przed wrogami zewnętrznymi i wewnętrznymi.

Najtrudniejszy czas kłopotów rozpoczął się od epoki Borysa Godunowa. Osobowość tego króla zawsze przyciągała uwagę nie tylko historyków, ale także osobistości kultury. Praca nad obrazem „Portret Władimira Matorina w roli Borysa Godunowa” dała Wasilijowi Nesterence możliwość dotknięcia tematu pod wieloma względami tradycyjnego dla sztuki rosyjskiej. Inspiracją dla artysty był obraz stworzony na scenie Teatru Bolszoj przez wybitnego śpiewaka operowego. Władimir Matorin jest performerem szkoły Chaliapin, jego niesamowite umiejętności aktorskie pomagają mu pokazać prawdziwy obraz cara Borysa. Obraz Nesterenki jest oczywiście portretem Matorina, ale artyście udało się odzwierciedlić rysy samego Godunowa, złapanego w chwili straszliwych wyrzutów sumienia. Wyraziste tło portretu przywołuje na myśl wyrzuty sumienia, które dręczyły duszę nieszczęsnego króla.

W swojej twórczości Wasilij Nesterenko wielokrotnie powraca do tematu artysty i jego roli teatralnej, gdy charakter postaci jest ściśle spleciony z osobowością samego performera - twórcy obrazu scenicznego. „Portret Wasilija Lanovoya jako Bernarda Shawa” to kolejny przykład takiego dzieła. Postać spektaklu „Drogi kłamco”, granego przez ulubieńca radzieckiej i rosyjskiej publiczności Wasilija Łanowoja na scenie Teatru Wachtangowa, została przedstawiona w tragicznym momencie jego życia, gdy otrzymuje wiadomość o śmierci ukochanej. Blada twarz, nerwowe dłonie bohatera portretu, podarte litery tworzą atmosferę dramatyzmu, którą podkreśla intensywne w kolorze i fakturze tło. Interpretacja tła staje się dla Nesterenki ważnym elementem identyfikacji wizerunku bohatera.

To właśnie tło pomaga artyście stworzyć prawdziwie teatralny obraz, łączący w sobie muzykę architektoniczną słynnego miasta, sztukę maskarady i wspomnienia wielkich artystów przeszłości. Mówimy o obrazie „Karnawał w Wenecji”, przedstawiającym słynną postać teatralną Światosława Bełzę w fantazyjnym stroju. Mistrzowsko skomponowany i odważnie namalowany portret stwarza wrażenie, że artysta bez większych trudności radzi sobie ze złożonymi zadaniami artystycznymi, jest to jednak pozorna łatwość, bo za każdym szczegółem, za każdym połączeniem koloru i ruchu formy kryje się niemal matematycznie ścisła kalkulacja , co pozwala nam postrzegać złożoną kompozycję obrazu jako jedną całość.

Portrety postaci kultury stały się ulubionym tematem w jego twórczości Wasilija Nesterenki. Tym bardziej warto zwrócić uwagę na pierwszą pracę z tego cyklu. To portret wielkiej rosyjskiej piosenkarki Iriny Arkhipowej. Legendarna osobowość, słusznie można ją nazwać „królową opery”. Artystka stanęła przed najtrudniejszym zadaniem ukazania wszechstronności postaci Iriny Arkhipowej i znaczenia jej twórczego wkładu w kulturę rosyjską. Słynna śpiewaczka ukazana w stroju scenicznym, clavier z nutami, z których jeden trzyma w dłoniach, a drugi leży na fortepianie, pozwalają rozpoznać jej ulubione utwory.

Wasilij Nesterenko dużo pracuje w dziedzinie portretu. Często udaje mu się nie tylko oddać podobieństwo, ale także zajrzeć w duszę modela, stworzyć całą kompozycję, często wykraczającą poza prosty portret. Do takich portretów należy wizerunek Nila Stołobenskiego, rosyjskiego ascety z XVI wieku, oraz portret atonickiego starszego Anthymiusa, który żył w naszych czasach i został kanonizowany całkiem niedawno.

Kobiece obrazy przyciągają szczególną uwagę. Powstałe w różnych latach portrety łączy atmosfera czystego i szczerego zachwytu nad pięknem wewnętrznego świata portretowanych. Artysta zawsze podkreśla zalety swoich modeli, dla każdego obrazu znajduje nowe rozwiązanie. Obraz „Alena” przedstawia dziewczynę z ogromnym bukietem stokrotek lecących we wszystkich kierunkach. Na tym portrecie można poczuć ducha Rosji, zapach dyskretnych polnych kwiatów. Bohaterka filmu „Indian Summer”, dziewczyna z buszu Kostroma, w cienkiej sukience i gumowych butach stoi przy zarośniętym chwastami żywopłocie, czekając na narzeczonego. Jak wiecie, indyjskie lato poprzedza wstawiennictwo, kiedy zwyczajowo odprawia się wesela. Portrety „Dziewczęce sny” i „Przeczucie miłości” poświęcone są tematowi oczekiwania na szczęście. Subtelne kolorystycznie portrety są przepojone delikatnością i liryzmem.

Mieszanka kolorów południowego parku, czerwone i różowe płatki wiśni otaczają postać Olgi, żony Wasilija Nesterenki, której portret nazywa się „Wiosna”. Obraz „Rosyjska Madonna” przedstawiający Olgę z synem Wanią na kolanach, ułożony w okrąg, nawiązuje do włoskich tondo renesansu. Artysta uwielbia sięgać do tradycyjnych tematów i motywów, jednak zawsze ukazuje je w nowy sposób. Bohaterka portretu pochyliła się nad dzieckiem w otoczeniu dzikich kwiatów i ziół na tle typowego rosyjskiego krajobrazu. Nie wystarczy powiedzieć, że to dzieło zostało napisane z miłością i inspiracją – samo w sobie jest źródłem miłości.

Szczególne miejsce w twórczości artysty zajmuje portret jego matki, Galiny Wasiliewnej Nesterenko. To jego matka pomogła Wasilijowi rozwinąć się jako osoba i odnieść sukces jako artysta. Dzieliła się z nim wszystkimi trudnościami studiów, zawsze go wspierała w chwilach przeciwności losu i twórczych rozczarowań, była blisko na wszystkich wystawach i wernisażach. Aby osiągnąć jak najlepszy wynik na portrecie, artyści starają się dowiedzieć więcej o swoim modelu, ale w tym przypadku Wasilij Nesterenko stanął, jego zdaniem, przed bardzo trudnym zadaniem innego rodzaju - jak zmieścić wszystko w jednym portrecie co czujesz i wiesz o najdroższej osobie - swojej matce? Według wielu kolegów portret wyszedł dobrze. Matka artystki patrzy na widza z cichym i serdecznym uśmiechem, cała jej postać promieniuje życzliwością i cierpliwością. Jej ojczyzna, Ukraina, przypomina złote słoneczniki przedstawione na portrecie jako tło.

Pejzaż jest często jednym z ważnych elementów portretów Wasilija Nesterenki, często wykorzystuje on elementy pejzażu zarówno w martwych naturach, jak i w obrazach historycznych. Zainteresowanie naturą przewija się przez całą twórczość artysty. Wykonał wiele prac pejzażowych: zarówno szkice z życia, jak i duże obrazy pejzażowe. Rozpoczynając, jak już wspomniano, od studiowania klasyki, Nesterenko w swoich pierwszych krajobrazach odwołuje się do twórczości swoich poprzedników. Tak więc w obrazie „Wspomnienia Krymu” widać zainteresowanie twórczością Claude'a Lorenne'a i typem krajobrazu charakterystycznym dla klasycyzmu. Szkice paryskie i niektóre widoki południowe powstały pod wpływem impresjonistów. Ale wkrótce Wasilij Nesterenko zaczął szukać swojego wizualnego języka.

Wśród pierwszych pejzaży noszących piętno indywidualności twórczej artysty można wyróżnić płótno „Zima we Władykinie”. Na tym obrazie artysta po raz pierwszy postawił sobie poważne zadanie – próbę oddania ruchu spadających płatków śniegu i ciężaru mokrego śniegu na gałęziach. Kompozycję tej pracy charakteryzuje spojrzenie poprzez zbliżony obraz pierwszego planu na tło z architekturą sakralną. Ta technika kompozycyjna będzie często powtarzana później, np. w cyklu obrazów „Pory roku”. Cztery monumentalne krajobrazy: „Zima w Ławrze Trójcy Świętej-Sergiusa”, „Wiosna na Atosie”, „Lato w ogrodzie Getsemane” i „Jesień w Pechorach” - nie tylko przedstawiają pory roku - to płótna, na których czczone są miejsca przez naród rosyjski. Natura łączy się w nich ze starożytną architekturą w jedną całość, wciągając widza w szczególny duchowy świat, który artysta odczuwał odwiedzając święte prawosławne klasztory.

Zimowe krajobrazy mistrza są ciekawe i różnorodne. Obraz „Maslenica” przedstawiający Siergijewa Posada jest piękny pod względem malarskim i kompozycyjnym, a jego głównym brzmieniem nawiązuje do radosnego nastroju prawosławnego tygodnia poprzedzającego Wielki Post. Obraz „Czekając na wiosnę” przesiąknięty jest poczuciem zbliżającego się ciepła, końca długiej rosyjskiej zimy. Patrząc na obraz „Kwiat wiosny” widz zanurza się w atmosferę majowego ogrodu, przepełnionego aromatem kwiatów wiśni. Płótno „Odległości Zaoksky” przenosi nas na wysokie wzgórze, z którego otwierają się szerokie przestrzenie środkowej Rosji, zapach opadłych liści, powietrze przejrzyste i czyste, ciche, tylko szelest ostatnich liści na gałęziach słychać brzozy.

Obraz „Zapomniani” wyróżnia się nieco na tle pozostałych. Tragedię opuszczonych przez ludzi rosyjskich wsi ukazuje obraz zrujnowanego domu stojącego samotnie na skraju wsi obok starej brzozy. To bardzo specyficzne miejsce – wieś Domnino, która niegdyś należała do rodziny królewskiej. I ile jeszcze takich „zapomnianych” zakamarków! Ale i w tym przypadku rosyjska przyroda jest piękna. Każde źdźbło trawy, każdy liść czy kwiat zawiera w sobie obraz ojczyzny i może stać się źródłem inspiracji dla artysty. Przykładem tego są obrazy „Amanitas” i „Złoty welon”. Świat Boży jest doskonały w każdym przejawie. Możesz podziwiać ogromne odległości lub po prostu spojrzeć pod swoje stopy i zobaczyć cały wszechświat usiany żółto-pomarańczowymi liśćmi, paprociami i grzybami.

Najbardziej żywy i kompletny obraz Ojczyzny znajduje odzwierciedlenie w obrazie „Och, rosyjska ziemia!” Ogromne niebo zdaje się zakrywać wzgórze porośnięte polnymi kwiatami. Pasące się krowy są postrzegane jako epiccy strażnicy rodzimych pól i łąk. Epickie brzmienie obrazu podkreśla tytuł zapożyczony z „Opowieści o kampanii Igora”.

Czasami krajobraz może dosłownie oszołomić Cię nieoczekiwanym oświetleniem lub nagle otwartą perspektywą. Niezwykłe przejawy natury, które mają silny wpływ na człowieka, zaczęły przyciągać Wasilija Nesterenkę. Krwawoczerwony promień zachodzącego słońca, nagle wdzierający się w szarą atmosferę zmierzchu zimowego wieczoru, na obrazie „Zimowy karmazyn” wnosi coś apokaliptycznego do zwykłego rosyjskiego motywu. Podobny nastrój ogarnia widza w pejzażu „Icy Sunset”.

Niespodziewanie pojawiająca się pełnia księżyca natychmiast przemieniła nocny krajobraz morski pomarańczową poświatą na obrazie „Nocna gwiazda”. Krajobraz „Magiczny sen” to hymn starożytnej Cymerii, słyszany przez artystę w słonecznych odbiciach fal Koktebel. „Morze” to chyba najbardziej niezwykły krajobraz Wasilija Nesterenki w kompozycji. Ogromne błękitne morze zajmuje prawie całą płaszczyznę obrazu, unosząc widza daleko za horyzont i natychmiast zwracając go z powrotem na brzeg, gdzie pieni się u podnóża skał. Możesz patrzeć na ten obraz, jak na żywioł morza, przez nieskończenie długi czas, wyobrażając sobie, że stoisz nad skalistym klifem w słonym morskim wietrze.

Widoki miast zajmują ważne miejsce w pejzażach Niestierenki. Artysta malował Wenecję i Florencję, Londyn i Paryż, Kordobę i Sewillę, Grenadę i Toledo. Motywy miejskie Nowego Jorku są oryginalne w kompozycji. Jednak najbliższe artyście są widoki ukochanej Moskwy. Obraz „Widok Kremla ze Starego Rynku” to obraz nowej, a zarazem starożytnej stolicy z wieżami i kościołami, z dachami pokrytymi śniegiem, z prawosławnymi krzyżami. Krajobraz „Katedra Chrystusa Zbawiciela” to malarska pamiątka rekonstrukcji malowideł głównej katedry w kraju.

Praca w Katedrze Chrystusa Zbawiciela odegrała istotną rolę w twórczym losie Wasilija
Niesterenko. Pierwsze szkice obrazów powstały w 1995 r., a ostatnie ikony i obrazy powstały w 2002 r. Cały ten okres naznaczony był dużym zainteresowaniem artysty malarstwem duchowym. Ten kierunek w sztuce praktycznie przestał istnieć w czasach sowieckich, odkąd odeszli ostatni przedstawiciele malarstwa duchowego, Paweł Korin i Michaił Niestierow. Odbudowa Soboru Chrystusa Zbawiciela i innych świątyń w Rosji na przełomie tysiącleci stała się potężną zachętą do odrodzenia samego malarstwa duchowego. Pracując nad malarstwem kościelnym, Wasilij Nesterenko tworzył jednocześnie obrazy o tematyce duchowej, prawosławnej.

Seria trzech obrazów: „Boże Narodzenie”, „Wielkanoc”, „Trójca” - poświęcona jest głównym świętom chrześcijańskim. W kompozycjach tych dzieł, oprócz wnętrz i elewacji kościelnych, znajdują się elementy świątecznego wystroju charakterystyczne dla każdego z tych dwunastu świąt. Na obrazie „Wielkanoc” na specjalnej platformie ułożone są wielkanocne ciasta, jajka i pisanki przyniesione przez parafian z zapalonymi świecami. Ludzie odchodzili od podestu w oczekiwaniu na księdza, który miał przyjść i pokropić wodą święconą te integralne części uroczystego posiłku wielkanocnego. Promień wiosennego słońca padający na obraz przedstawiający Zmartwychwstałego Zbawiciela i migoczące światła świec tworzą ukrytą atmosferę mistycznej głębi, spowijającą niepojętą tajemnicę Zmartwychwstania Chrystusa.

W Święto Trójcy Świętej zwyczajowo dekoruje się kościoły gałązkami brzozy i pokrywa podłogę świeżą letnią trawą. Te zioła, kwiaty i liście, emanujące aromatem pól i lasów, tworzą niezwykłą, ale niezwykle uroczystą atmosferę podczas nabożeństwa. Na obrazie „Trójca” widzimy trzy źródła światła, które w różny sposób wpływają na oświetlenie i kolor przedmiotów. To żółtawe światło lampy nad ikoną, migoczące światła świec i jasne światło słoneczne padające ukośnie na kamienny pylon z Trójcą Rublowa. Nie można jednak oprzeć się wrażeniu, że głównym źródłem światła jest sama ikona ze starożytnym wizerunkiem Trójcy Starotestamentowej.

Obraz „Boże Narodzenie” otwiera ten cykl trzech obrazów. Narodzenie Chrystusa wyznacza początek nowej ery w historii ludzkości. Wszystkie proroctwa dotyczące przyjścia obiecanego Mesjasza na świat spełniły się – w żłóbku jaskini betlejemskiej narodził się Syn Boży. Dzieciątko Chrystus w ramionach Dziewicy Maryi swoim narodzeniem rozświetla cały wszechświat. Oblubieni Józef i pasterze są pierwszymi świadkami dziejącego się cudu. Oto fabuła malarstwa kościelnego, umieszczonego przez artystę w centrum obrazu „Boże Narodzenie”. Obraz ten, ozdobiony girlandą z gałązek jodłowych, a także drobne rzeźby krów i osłów, wchodzą w skład tzw. szopki, symbolizującej Żłób Pański w Betlejem. Głęboki zielony kolor gałęzi jodłowych podkreśla blask Gwiazdy Betlejemskiej i odbicia płonących świec po obu stronach szopki.

Wasilij Nesterenko często otwiera swoje wystawy właśnie tym obrazem, symbolizującym początek świata chrześcijańskiego i poświęconym jednemu z najważniejszych świąt kościelnych. Album ten również zaczyna się od obrazu „Boże Narodzenie”, który zdaniem artysty powinien pomóc czytelnikowi od razu poczuć atmosferę rosyjskiego malarstwa duchowego i realistycznego.

Przed rozpoczęciem malowania Soboru Chrystusa Zbawiciela Nesterenko ukończył prace nad ikoną „Obraz Matki Bożej Niespodziewanej radości” i obrazem „Ukrzyżowanie”. Jeszcze jako student artysta uważnie studiował obrazy o tematyce Ukrzyżowania, stworzone przez wielkich hiszpańskich mistrzów: Diego Velazqueza, Francesco Zurbaran i Alonso Cano. I wreszcie Wasilij Nesterenko poczuł, że może podjąć się pracy poświęconej przedstawieniu najstraszniejszego wydarzenia w historii ludzkości. Obraz Wasilija Nesterenki nosi oczywiście piętno tradycyjnego podejścia do rozwiązania tematu Ukrzyżowania, ale z drugiej strony wyraźnie widoczna jest jego twórcza indywidualność w interpretacji tej fabuły. Artysta wierzy, że obrazy przedstawiające wydarzenia ewangeliczne powinny wyglądać nowocześnie i być bliskie ludziom naszych czasów. Każdy człowiek powinien żyć historią Ewangelii w swojej duszy. Nie bez powodu mówi się, że swoimi grzechami krzyżujemy Zbawiciela Świata. Praca nad obrazem „Ukrzyżowanie” zbiegła się w czasie z bombardowaniem Serbii, a wielu z pierwszych widzów tego dzieła dostrzegło w obrazie Jerozolimy przedstawionym na dole płótna nutę naszej współczesności.

Ikona „Obraz Matki Bożej Niespodziewanej Radości” poświęcona jest tematowi grzechu i pokuty. Ukazany na ikonie grzesznik, widząc konsekwencje swoich nieprawych czynów, przynosi szczerą skruchę, co wywołuje nieoczekiwaną radość Najświętszej Bogurodzicy.

Te i wiele innych prac po raz pierwszy zaprezentowano na osobistej wystawie Wasilija Niesterenki w Nowym Maneżu w Moskwie wiosną 1999 roku. Wystawa ta stała się kolejnym kamieniem milowym w twórczej biografii artysty. Ale zaraz po otwarciu wystawy rozpoczyna się nowy etap w życiu Nesterenki – artysta zaczyna malować Sobór Chrystusa Zbawiciela.

Wasilij Nesterenko musiał odtworzyć cztery kolosalne obrazy. Na północno-zachodnim pylonie świątyni znajdują się obrazy „Zmartwychwstanie Chrystusa” oraz „Święty Apostoł i Ewangelista Mateusz”. Obie działki łączą się kompozycyjnie w jedną całość, a ich łączna wysokość wynosi dwadzieścia trzy metry, co jest porównywalne z ośmiopiętrowym budynkiem. Dwa kolejne obrazy: „Chrzest Pański” i „Wjazd Pana do Jerozolimy” znajdują się w półkolistych tympanonach nawy północnej i zachodniej. Długość każdego z obrazów przekracza dwanaście metrów. Artysta ukończył to wspaniałe dzieło w rekordowym czasie, w ciągu zaledwie siedmiu i pół miesiąca.

W XIX wieku Sobór Chrystusa Zbawiciela był malowany przez dziesięć lat, trzykrotnie usuwano rusztowanie, aby artyści mogli zobaczyć od dołu, jak przebiega ich praca, jak malownicze tematy łączą się ze sobą i z ozdobami. Teraz nie było takiej możliwości - artyści, rzeźbiarze i budowniczowie spieszyli się, aby wszystko ukończyć do 2000. rocznicy Narodzenia Chrystusa. Dlatego praca nad muralami wymagała ogromnego wysiłku. Dla Wasilija Nesterenki zadanie komplikował fakt, że miał nie jedną fabułę, ale cztery na raz, a także fakt, że pracował bez asystentów. Była to wyjątkowa sytuacja podczas odbudowy Świątyni. Oprócz Nesterenki nikt nie pracował sam nad takimi historiami. Z reguły malowali w zespołach po pięciu, sześciu, a nawet dwunastu artystów każdy. Od tego czasu minęło wiele lat, teraz trudno sobie wyobrazić, jak Wasilij mógł wytrzymać taki ładunek - jednocześnie pracując na wszystkich czterech działkach, przemieszczając się przez lasy z jednej części Świątyni do drugiej.

Artyści byli pod stałą obserwacją Komisji ds. Zdobnictwa Artystycznego, domagając się przestrzegania kanonów religijnych i poziomu oryginalnego malarstwa XIX wieku. W skład Komisji weszli przedstawiciele kościoła, członkowie Prezydium Rosyjskiej Akademii Sztuk, które, podobnie jak w XIX wieku, kierowało całą pracą artystyczną w Świątyni, konserwatorzy, technolodzy i architekci. Opinie członków Komisji nie zawsze były zbieżne i nie zawsze były bliskie samym mistrzom, którzy pracowali w bardzo rygorystycznym reżimie. Każde nieostrożne słowo mogłoby pogrążyć artystów w rozpacz i zagrozić ukończeniu dzieła. Ponadto malarze byli nieustannie namawiani przez architektów i budowniczych, którzy spieszyli się z demontażem rusztowania, aby rozpocząć wykańczanie marmurowych posadzek i innych elementów dekoracyjnych w dolnej części Świątyni. Wielu nie rozumiało, że bez wystarczającego czasu nie da się dokończyć rozpoczętych kompozycji, skorelować ich z sąsiednimi obrazami, sprowadzić napięcie tonalne i kolorystykę w jedną całość.

Wasilij Nesterenko pracował czternaście godzin dziennie. W tym czasie prace budowlane i instalacyjne nie zatrzymały się wewnątrz Świątyni. Ryk wind, ostry dźwięk pił do metalu, zgrzyt wyciąganych gwoździ i inne odgłosy budowy utrudniały początkowo koncentrację, ale z czasem musiałem się do nich przyzwyczaić. Wszystkie myśli były zajęte twórczymi zadaniami odtworzenia znakomitych przykładów malarstwa duchowego XIX wieku.

Katedra Chrystusa Zbawiciela została wzniesiona jako pomnik wyzwolenia Rosji od najazdu napoleońskiego, konsekrowana w imię Narodzenia Chrystusa i przez długi czas była jednym z symboli rosyjskiego prawosławia. Jej dekorację malarską i rzeźbiarską stworzyli najlepsi artyści Cesarskiej Akademii Sztuk. Prawie wszystkie przedmioty Soboru Chrystusa Zbawiciela były często wykorzystywane do tworzenia ikon i obrazów w większości innych rosyjskich kościołów. Trudno przecenić jego znaczenie dla życia duchowego Rosji. Tragiczny zwrot w historii naszego kraju doprowadził do barbarzyńskiego zniszczenia Katedry Chrystusa Zbawiciela. Nikt nie wierzył, że kiedykolwiek zostanie odrestaurowana, a historia Świątyni, jej unikalne malarstwo i rzeźba stały się legendą.

A teraz nadszedł nowy czas i postanowili ożywić Pomnik-Świątynię, Symbol Świątyni. Patriarcha Moskwy i Wszechrusi Aleksy II udzielił błogosławieństwa przywrócenia jego wystroju wnętrz w całej okazałości dawnej świetności, powtórzenia oryginalnych technologii i zastosowania podobnych materiałów.

Wasilij Nesterenko otrzymał zlecenie odtworzenia dwóch obrazów Henryka Semiradskiego, dwóch obrazów Jewgrafa Sorokina, a następnie po dwóch latach czterech ikon Bogurodzicy Fiodora Bronnikowa oraz Całunu do ołtarza głównego.

Dla Nesterenki, który od czasów szkolnych interesował się duchowym malarstwem Katedry Chrystusa Zbawiciela, rozpoczął długi twórczy dialog z najlepszymi przedstawicielami rosyjskiej szkoły akademickiej. Nie było to powtórzenie istniejących już obrazów, ale raczej dialog z ich autorami.

Jakość reprodukcji dostarczanych artyście była często tak słaba, że ​​nie można było ocenić, czy dana grupa postaci to mężczyzna, czy kobieta. Całkowity brak koloru, ponieważ obrazy uzyskano z czarno-białych fototypów, a rozmyte, rozmyte kontury zmusiły Wasilija Nesterenkę do twórczego przemyślenia tych prac. Zachowując całkowicie całą kompozycję, artysta musiał na nowo szukać wielu rozwiązań artystycznych.

Murale, nad którymi pracował Nesterenko, noszą piętno jego indywidualności twórczej, choć powstały na podstawie twórczości Semiradskiego i Sorokina. Liczne detale, powiązania kompozycyjne, twarze i dłonie postaci, interpretacja fałd, kolorystyka słusznie należą do Nesterenki. Zgodnie z XIX-wieczną tradycją artysta podpisywał swoich poddanych, np. podpis na zachodnim tympanonie brzmi: „Kompozycję G. Semiradskiego odtworzył W. Niesterenko”. Odpowiada to twórczemu dialogowi między artystami różnych stuleci, jednocząc autora pierwotnego dzieła i autora, który stworzył nowe dzieło w oparciu o zachowany schemat materiałowy i kompozycyjny.

Wasilij Nesterenko rozpoczął prace nad ścianami świątyni od obrazu „Chrzest Pański”. Szczegółowy rysunek węglem pomógł mu w dalszej pracy nad fabułą, pozwalając mu bardziej skupić się na kolorystyce i interpretacji obrazów. Dzieło to przepojone jest mistycznym wydźwiękiem i przedstawia moment, w którym Trójjedyny Bóg objawił się we wszystkich swoich postaciach: w postaci Jezusa Chrystusa przyjmującego chrzest, w postaci Ducha Świętego unoszącego się w postaci gołębicy nad Zbawicielem, i Głos Boga Ojca, oznajmiający: „To jest mój Syn umiłowany”, w którym mam upodobanie”. Praca nad taką fabułą była bardzo trudna, ale Wasilijowi Nesterenko udało się stworzyć prawdziwie duchowe dzieło, spełniające kanony prawosławne.

Ledwie zaczął malować obraz „Chrzest Pański”, artysta rozpoczął pracę nad rysunkiem przygotowawczym na ścianie do obrazu „Wejście Pana do Jerozolimy”. Najgorzej zachował się obraz oryginalnej fabuły – niejasny fototyp nie mógł dać Nesterence niczego poza najbardziej ogólną kompozycją, dzięki czemu artysta miał największą swobodę podczas tworzenia tego konkretnego obrazu. Zgodnie z metodą Semiradskiego Nesterenko aktywnie korzystał ze szkiców w pełnej skali. Artysta często umieszczał na obrazie całe postacie zaczerpnięte z życia. Wasilij Nesterenko osiągnął to kolorem i tonem obrazu „Wejście Pana do Jerozolimy” przypomina dzieła Semiradskiego, ale jednocześnie jest wielkim osiągnięciem samego Niestierenki, zarówno pod względem malarskim, jak i pod wieloma względami elementy kompozycji.

Kontynuując pracę nad dwoma tympanonami, artysta, mijając swój pylon, odczuwał wewnętrzne drżenie. Kolosalna przestrzeń, na której miały powstać obrazy „Zmartwychwstanie Chrystusa” i „Ewangelista Mateusz”, była przytłaczająca rozmiarami, ginęła w dole pod podłogami rusztowań i była ledwo widoczna w półmroku na górze. Ale artysta zaczął pracować nad tematami pylonu, uzasadniając stwierdzenie: „oczy się boją, ale ręce działają”. W tym momencie napięcie w pracy osiągnęło dla Wasilija Nesterenki najwyższy punkt.

Malowidła na pylonach podzielono rusztowaniami na dziewięć pięter, co uniemożliwiało dostrzeżenie całości postaci i znacznie utrudniało zachowanie proporcji. Wasilijowi pomógł naturalnej wielkości rysunek przygotowawczy, który wykonał rok wcześniej do centralnej części obrazu „Zmartwychwstanie Chrystusa”. W tej ogromnej pracy graficznej wykonanej węglem artysta szczegółowo prześledził rozwiązanie tonalne i plastyczne głównej części obrazu. Jeszcze wcześniej, bo w 1995 roku, Nesterenko namalował obraz o tym samym tytule, będący projektem mającego na celu odtworzenie w kolorze malowidła północno-zachodniego pylonu. Te dwa płótna pozwoliły artyście z sukcesem pracować na pylonie, pomimo wszelkich problemów technicznych.

Płaszczyzna ściany, na której Nesterenko pracował nad wizerunkiem ewangelisty Mateusza, była niemal w całości pokryta metalowymi konstrukcjami, kanałami i siatkami. Ale znowu pomogły prace przygotowawcze wykonane w pełnym rozmiarze przed rozpoczęciem malowania. Artysta z wyprzedzeniem rozwiązał wszystkie problemy malarsko-plastyczne, co pozwoliło mu skoncentrować się na oddaniu wyglądu Apostoła, osiągnąć maksymalną wyrazistość jego spojrzenia i podporządkować obrazowe rozwiązanie obrazowi, aby odsłonić potężny wizerunek autora jedna z czterech Ewangelii.

Głównym osiągnięciem Wasilija Nesterenki w obrazie „Zmartwychwstanie Chrystusa” był obraz światła emanującego z postaci Chrystusa, który zstąpił do piekła, aby wyprowadzić Adama, Ewę i dusze Starego Testamentu sprawiedliwych, a z Życiodajny Krzyż Pański świecący nad postacią Zbawiciela. Obraz „Zmartwychwstanie Chrystusa” stał się głównym dziełem artysty na ścianach Katedry Chrystusa Zbawiciela.

Ale na tym nie skończyła się jego praca dla Świątyni. Niesterenko na zlecenie Komisji Dekoracji Artystycznych odtworzył cykl czterech ikon Matki Bożej, wykonanych niegdyś przez Bronnikowa. Ikony „Narodzenia Najświętszej Maryi Panny” i „Wprowadzenie do Świątyni” znajdują się po obu stronach Ołtarza Głównego, natomiast ikony „Zwiastowania” i „Wniebowzięcia” znajdują się w zachodniej części Świątyni, naprzeciw ołtarza. Wasilij Nesterenko skoncentrował wszystkie swoje siły twórcze podczas pracy nad Całunem. Ikona ta, która stała się prawdziwym arcydziełem, została odtworzona przez mistrza na tron ​​​​Ołtarza Głównego Katedry Chrystusa Zbawiciela.

Kolejnym ważnym projektem artysty była seria obrazów o tematyce ewangelicznej dla patriarchalnego refektarza świątyni. Obraz „Ostatnia wieczerza” powstał jeszcze przed rozpoczęciem malowania i został podarowany przez rząd moskiewski do Soboru Chrystusa Zbawiciela w 1998 roku. Cztery inne wielopostaciowe obrazy przedstawiające ziemskie życie Zbawiciela zostały wymyślone i wykonane przez artystę po zakończeniu prac nad malowidłami górnej Świątyni. Po obu stronach „Ostatniej Wieczerzy” znajdują się obrazy „Wesele w Kanie Galilejskiej” i „Cudowne rozmnożenie chlebów”, poświęcone przedstawieniu cudów objawionych przez Jezusa Chrystusa i symbolizujących przemianę chleba i wina w Ciało i Krew Pańska podczas Sakramentu Eucharystii. Obraz „Cudowny połów” przypomina kolejny cud Zbawiciela, który objawił się na brzegu Morza Galilejskiego. Obraz „Chrystus i Samarytanka” przedstawia scenę przy studni Jakuba, kiedy Jezus Chrystus objawia tajemnicę swego przyjścia na świat, mówiąc o tym, jak i gdzie oddawać cześć Bogu, o tajemnicy wody wpływającej do życia wiecznego.

Obrazy te zostały wykonane pewnym pędzlem prawdziwego mistrza, który w swojej twórczości przeszedł długą drogę od produkcji akademickich po obrazy historyczne i obrazy Soboru Chrystusa Zbawiciela. Naturalne wrażenia z twórczych podróży do Ziemi Świętej pozwoliły Nesterence osiągnąć prawdziwość w przedstawieniu Kany i Jerozolimy, kamieni na brzegu Morza Galilejskiego oraz liści cytryny i winogron nad starożytną studnią w Samarii. Obrazy Jezusa Chrystusa, Matki Bożej i apostołów towarzyszą widzowi od jednego obrazu do drugiego. Będąc w refektarzu patriarchalnym, jesteśmy otoczeni scenami z ewangelicznej historii, zanurzeni w atmosferze Ziemi Świętej.

Obrazy z cyklu Ewangelia stały się wielkim osiągnięciem twórczym Wasilija Nesterenki. Wystawione na osobistej wystawie artysty w Wielkim Maneżu i wielokrotnie reprodukowane, obrazy te spotkały się z zasłużonym uznaniem szerokiego grona miłośników sztuki.

Lista dzieł wykonanych przez Wasilija Nesterenkę dla Soboru Chrystusa Zbawiciela byłaby niepełna bez dziesięciu typów klasztorów prawosławnych stworzonych dla Przedsionka Sali Rad Kościelnych. Malowidła przedstawiające najważniejsze klasztory klasztorne dla Rosji wyróżniają się różnorodnością kompozycyjną. Artysta zwraca uwagę na najbardziej charakterystyczne cechy każdego klasztoru. Zespoły architektoniczne często tworzą jedną całość z otaczającą przyrodą i brzmią inaczej w zmieniających się porach roku.

Znaczące miejsce w twórczej biografii Wasilija Nesterenki zajmują dwa lata pracy nad obrazami katedry Wniebowzięcia w Dmitrowie. Czworokąt świątyni, zbudowany według projektu Aleviza Nowego, architekta katedry Archanioła na Kremlu moskiewskim, został ukończony i pomalowany w XIX wieku. W tworzeniu malowideł ściennych wzięło udział wielu mistrzów, którzy wcześniej pracowali w Katedrze Chrystusa Zbawiciela. Czas był łaskawy dla tego zabytku architektury, ale malownicza dekoracja bardzo ucierpiała pod warstwą farby i bielenia z czasów sowieckich. Całkowicie brakowało jednej trzeciej obrazów. Szef administracji miejskiej i dziekan kościołów rejonu Dmitrowskiego zasugerowali Wasilijowi Nesterenko utworzenie zespołu twórczego zdolnego do stworzenia nowych dzieł, które można byłoby połączyć z zachowanymi obrazami.

Nesterenko, zdobywając ogromne doświadczenie w Katedrze Chrystusa Zbawiciela, nie tylko z sukcesem nadzorował pracę artystów i zdobników, ale także sam stworzył kilka obrazów w Ołtarzu Głównym oraz obraz „Obraz Trójcy Świętej” w kaplicy Sergiusza Katedra. Pracując przy ołtarzu nad tematami „Ostatnia wieczerza”, „Modlitwa kielicha”, „Kalwaria” i „Obraz św. Jana Chrzciciela”, artysta zmuszony był skorelować swoje dzieło z częściowo zachowanymi sąsiadującymi malowidłami, które zostały wykonane w stylu bardziej archaicznym niż malarstwo akademickie drugiej połowy XIX wieku.

Pracując nad obrazem „Obraz Trójcy Świętej” artysta miał swobodę wyboru stylu malarskiego. W rezultacie powstało dzieło wyróżniające się na tle innych dzieł kościelnych Wasilija Nesterenki. „Obraz Trójcy Świętej” jest przykładem sukcesu artysty we współczesnym malarstwie duchowym. Malowidło wykonane na sklepieniu swoją jasną kolorystyką, wyrafinowanymi proporcjami i uduchowionymi twarzami aniołów, przywodzi na myśl świat niebiański, tajemnice Boskiego wszechświata.

Choć prace nad obrazami w Soborze Wniebowzięcia Dmitrowskiego nie były tak intensywne jak w Soborze Chrystusa Zbawiciela, to ze względu na bardziej intymne wymiary pojawiły się elementy, które znacznie komplikowały zadania twórcze. Wiązały się one z koniecznością wpisania powstałych dzieł w ustaloną już dekorację malarską.

Idea stworzenia zupełnie nowego wnętrza kościoła przeniknęła prace nad szkicami kościoła Trójcy Życiodajnej na cześć Tysiąclecia Chrztu Rusi. Obraz Trójcy, objawiający się w różnych przejawach, powtarza się trzykrotnie w półkolistych tympanonach - jest to Chrzest Pański, Zesłanie Ducha Świętego i Trójca Starotestamentowa z nadchodzącymi rosyjskimi świętymi, którym Obraz Świętego Trójca została objawiona. Przez stosunkowo niski ikonostas powinien być wyraźnie widoczny obraz Zbawiciela ustanawiający sakrament Komunii podczas Ostatniej Wieczerzy oraz obraz Niebiańskiej Eucharystii na ścianie ołtarza.

Wzdłuż obwodu świątyni przedstawiono katedry rosyjskich świętych z różnych krajów, wznoszących swoje słowa modlitewne do świata niebieskiego podczas tysiącletniej historii Kościoła rosyjskiego. Obrazy te mają symbolizować jedność współczesnych wierzących i starożytnych świętych w modlitewnym zwracaniu się do Boga.

Artysta przez cztery lata pracował nad odtworzeniem artystycznej dekoracji kościoła Wniebowzięcia NMP w Domninie, rodzinnej posiadłości bojarów Romanowów. Wieś Domnino położona jest na ziemi Kostromskiej. Dawno, dawno temu sołtysem tej wsi był legendarny Iwan Susanin, a w pobliżu przed polskimi wojskami ukrywał się młody Michaił Romanow, przyszły założyciel dynastii królewskiej. Cerkiew Wniebowzięcia stoi w miejscu, gdzie według legendy znajdował się dom zakonnicy Marty, matki Michaiła Romanowa.

Klasyczny przykład rosyjskiej architektury sakralnej, świątynia posiada trzy kaplice z unikalnymi ikonami szkół jarosławskiej i kostromskiej. Częściowo zachowały się starożytne malowidła ścienne wykonane w stylu prowincjonalnego baroku.

Kompleksowe prace pod ogólnym kierownictwem Wasilija Nesterenki pozwoliły przywrócić ponad sto ikon, uporządkować obrazy i odnowić ikonostasy z unikalnymi rzeźbami. Powstały nowe obrazy ozdobne i narracyjne. Wasilij Nesterenko wziął osobisty udział w pracach nad kilkoma nowymi kompozycjami dla Kościoła Wniebowzięcia. Album zawiera szkic „Zaśnięcia Najświętszej Maryi Panny”, wykonany przez artystę do pomalowania niszy w zewnętrznej części kościoła.

Spędzając czas w sercu Rosji, w najbardziej malowniczych zakątkach Susanino, artysta napisał wiele szkiców. Kraina Kostromy stała się źródłem inspiracji dla obrazów: „Och, rosyjska ziemio!”, „Zapomniane”, „Okolitsa”, „Indyjskie lato” i inne.

Wasilij Nesterenko wywarł niezapomniane wrażenia z pracy przy wnętrzu Sali Tronowej Patriarchatu Jerozolimskiego. Artysta został zaproszony w imieniu patriarchy Diodora w wigilię 2000. rocznicy Narodzenia Pańskiego.

Krótkoterminowa, ale bardzo intensywna praca zespołu twórczego pod przewodnictwem Nesterenki pozwoliła stworzyć wykwintną dekorację ozdobną i malowniczą. Sam artysta namalował „Obraz Ducha Świętego” w centralnej absydzie Sali Tronowej.

Na początku stycznia 2000 roku, w wigilię Narodzenia Pańskiego, pod obrazem Wasilija Niesterenki zebrali się wszyscy patriarchowie i prezydenci krajów prawosławnych. Nesterenko i jego koledzy-twórcy otrzymali niepowtarzalną okazję uczestniczenia w uroczystych nabożeństwach rocznicowych w kościele Grobu Świętego w Jerozolimie i w kościele Żłóbka w Betlejem.

Z tego czasu datuje się powstanie obrazu „Boże Narodzenie w Jerozolimie”, przedstawiającego róg rosyjskiego klasztoru prawosławnego w Ogrodzie Getsemani. Powstały po powrocie do Rosji „Obraz Zbawiciela w koronie cierniowej” jest bliski artyście, gdyż swoją techniką i malarstwem przypomina obrazy, które wykonał w Katedrze Chrystusa Zbawiciela.

Analizując twórczość Wasilija Nesterenki, staje się oczywiste, że obrazy kościelne i obrazy duchowe artysty są ściśle powiązane z jego twórczością portretową i pejzażową i są postrzegane w ogólnym kontekście jego twórczości. Interpretacja skalistego brzegu Jordanu na obrazie „Chrzest Pański” pozwala przywołać niektóre poglądy krymskie i atońskie. Pejzażowa część obrazu „Chrystus i Samarytanka” przypomina dzieło „Boże Narodzenie w Jerozolimie”. Można doszukać się wielu podobieństw w stylistyce malarstwa pomiędzy pejzażami morskimi artysty a obrazem „Cudowny połów”. Jeszcze wyraźniejsze powiązanie można dostrzec pomiędzy portretami rzeczywistych osób a wizerunkami powstającymi na obrazach i płótnach wielopostaciowych. Artysta wypełnia swoje prace żywymi ludźmi o dokładnych i wyrazistych cechach portretu. Nesterenko znajduje specjalne rozwiązanie dla kompozycji każdej fabuły, ale schematy kompozycyjne zarówno obrazów duchowych, jak i historycznych podporządkowuje tym samym prawom.

Pomimo różnorodności gatunków i bogactwa tematów, które przyciągają artystę, jego twórczość jest bardzo integralna w swojej wewnętrznej treści. Niezależnie od tego, czego się podejmuje, stara się wniknąć w istotę zadania twórczego, odnajdując odzwierciedlenie najwyższego piękna i harmonii w portretach kobiet i wizerunkach duchowieństwa, w monumentalnych pracach pejzażowych oraz w małych szkicach z natury, takich jak „Ścieżka w Skałach” czy „Droga na szczyt”. Wasilij Nesterenko nie ogranicza się do przedstawiania identycznych motywów i nie ogranicza się do tego czy innego gatunku. Artysta stara się ogarnąć cały otaczający go świat, oddać we własnym języku całe piękno i harmonię człowieka i natury, podziwiać doskonałość wszechświata stworzonego przez Stwórcę.

Sztuka Wasilija Niestierenki nawołuje do życzliwości i tolerancji, w swej istocie jest pojednaniem i dąży do doskonałości w swojej formie. Artysta wierzy, że tylko dobro może być źródłem inspiracji i przedmiotem zastosowania zdolności twórczych. Widz natychmiast to zauważa. Generalnie trudno oszukać opinię publiczną – w końcu twórczość artysty jest odzwierciedleniem jego myśli i aspiracji. W naszym stuleciu, gdy przykłady zaprzeczania wartościom duchowym stają się coraz częstsze, Wasilij Nesterenko świadomie wybrał dla siebie drogę służenia dobru i pięknu. Nawołuje do piękna, pokazując pozytywne przykłady z historii i zwracając uwagę na to, co najlepsze w tym, co nas otacza.

Najpełniej daje się to odczuć, gdy zebrane zostaną prace artysty, wykonane w różnych gatunkach. Wtedy widza ogarnia ogólne wrażenie harmonii, ciszy i spokoju. Tak było na pierwszej wystawie indywidualnej w Akademii Sztuk Pięknych, na wystawach w Nowym Maneżu i wielu innych salach. Powtórzyło się to ze szczególną siłą w Wielkim Maneżu, kiedy tysiące ludzi zapoznało się z całą różnorodnością twórczości artysty.

Osobista wystawa Wasilija Nesterenki w największej hali wystawienniczej w Rosji, Wielkim Maneżu, odbyła się na początku 2004 roku. Tylko nielicznym artystom w całej historii tej sali wystawienniczej udało się zorganizować w jej pomieszczeniach wystawy indywidualne. Ale kolosalny rozmiar Wielkiego Maneżu okazał się współmierny do zakresu talentu Wasilija Nesterenki. Przygotowując się do wystawy, artysta stworzył wiele nowych prac, które po raz pierwszy pokazano w tej sali. Pod względem stopnia aktywności twórczej czas przygotowania wystawy w Wielkim Maneżu był dla Wasilija Nesterenki porównywalny z czasem pracy w Katedrze Chrystusa Zbawiciela. Wystawa spotkała się z ogromnym odzewem w Moskwie.

Sześć miesięcy później Prezydent Federacji Rosyjskiej W.W. Putin wręczył na Kremlu W.I. Niesterence odznakę Honorowego Tytułu „Artysta Ludowy Rosji”. Kolejnym ważnym rezultatem wystawy było pragnienie przywódców państw i zwykłych widzów, aby mieć możliwość zapoznania się z twórczością artysty nie tylko w Moskwie, ale także w innych miastach Rosji.

Indywidualne wystawy Wasilija Nesterenki organizowano w Państwowych Muzeach Sztuki w Orelu, Orenburgu, Lipiecku, Wołogdzie, Dmitrowie, Ryazaniu, Pietrozawodsku, a także w muzeach w miastach bliskich i dalekich za granicą - w Kijowie, Sewastopolu, Mińsku, Berlinie, Nikozji, Pekin i inne miasta. Wiele z nich odniosło tak duży sukces, że artysta został poproszony o znaczne powiększenie wystawy, aby jeszcze większa liczba miłośników sztuki mogła zapoznać się z jego twórczością.

Decyzją rządu moskiewskiego w stolicy Rosji utworzono „Państwową Galerię Sztuki Wasilija Niesterenki” i przeznaczono na ten cel budynek na Starym Arbacie. Jednak wystawy nadal są ulubionym sposobem komunikacji artysty z widzami. Często artysta otrzymuje możliwość zorganizowania wystaw i prezentacji jednej pracy. Na przykład w Państwowej Galerii Trietiakowskiej odbyła się prezentacja portretu Iriny Arkhipowej, obrazu „Brońmy Sewastopola!” - w Państwowym Muzeum Historycznym, portret Włodzimierza Matorina - w Związku Pracowników Teatru Rosji i portret Wasilija Łanowoja - w Centralnym Domu Artystów.

Artysta stworzył wiele nowych prac na drugą wystawę osobistą w murach Nowego Maneżu - są to obrazy „Rosyjska Madonna”, „Portret matki”, „Morze”, „Magiczny sen”, „Przeczucie miłości”, „ Karnawał w Wenecji” i inne. Wychowany na akademickich tradycjach sztuki rosyjskiej, będąc członkiem Rosyjskiej Akademii Sztuk, Wasilij Nesterenko wziął na siebie wielką odpowiedzialność za zorganizowanie drugiej osobistej wystawy w salach tej jednej z najsłynniejszych i najstarszych akademii na świecie. Stało się to w 2006 roku, w przededniu 250-lecia Rosyjskiej Akademii Sztuk i dziesięć lat po pierwszej pamiątkowej wystawie artysty.

Obrazy Wasilija Nesterenki są bliskie zarówno specjalistom malarstwa, jak i osobom dalekim od twórczości artystycznej; mówią o współczesnej Rosji z jej chwalebną przeszłością i bogatymi tradycjami, wychwalają piękno przyrody i wzywają do zwrócenia się ku wartościom duchowym. Można go słusznie nazwać artystą narodowym.

Zdobywszy szacunek kolegów i miłość publiczności, Wasilij Nesterenko pozostaje oddany swojej ulubionej pracy. Dla niego sztuka to nie tylko praca – to sposób na życie. Służyć Rosji swoim talentem, przynosić korzyści społeczeństwu swoimi dziełami - to prawdziwy obowiązek artysty w jego rozumieniu.

Wasilij Nesterenko nadal aktywnie pracuje we wszystkich gatunkach malarstwa, stawiając sobie coraz to nowe cele. W jego pracowni są puste płótna, w jego planach twórczych są nowe tematy, w jego marzeniach są wspaniałe osiągnięcia.

Członek Prezydium Rady ds. Kultury i Sztuki przy Prezydencie Federacji Rosyjskiej,
Wiceprezydent Rosyjskiej Akademii Sztuk,
Doktor historii sztuki, profesor
DO Szvidkowski

2004, marzec- wystawa osobista w Centralnym Muzeum Wielkiej Wojny Ojczyźnianej 1941-1955. na wzgórzu Połonna

2004, maj - czerwiec- wystawa osobista w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych Oryol

2004, wrzesień - październik - wystawa osobista w kompleksie muzealnym miasta Dmitrowa

2004, październik - udział w wystawie „Biblia w malarstwie artystów rosyjskich XVIII-XX wieku”, zorganizowanej przez Patriarchat Moskiewski wspólnie z Galerią Trietiakowską i Muzeum Rosyjskim

2004, październik- wybrany członkiem Komisji Ekspertów ds. przyznawania Nagród Państwowych w dziedzinie literatury i sztuki Centralnego Okręgu Federalnego

2004, październik - grudzień - wystawa osobista w galerii sztuki Rezerwatu Muzealnego Wołogdy Kremla

2004, listopad - wystawa osobista w Centralnym Domu Artystów w Moskwie

2005, czerwiec- prezentacja obrazu „Brońmy Sewastopola” w Państwowym Muzeum Historycznym w Moskwie

2005, sierpień- wystawa osobista w Muzeum Sztuki w Sewastopolu im. M.P. Kroszycki

2005, październik- prezentacja portretu W. Matorina w roli Borysa Godunowa w Związku Pracowników Teatru Rosji

2006, styczeń - luty- wystawa osobista w Moskiewskiej Państwowej Sali Wystawowej „Nowy Manege”.
Został wybrany członkiem rzeczywistym Rosyjskiej Akademii Sztuk

2006, czerwiec - lipiec- wystawa osobista w Muzeum Sztuk Pięknych Republiki Karelii

2006, grudzień- wystawa indywidualna w Narodowym Muzeum Sztuki Republiki Białorusi

2007, luty - marzec- wystawa osobista w Witebskim Regionalnym Muzeum Krajoznawczym

2007, luty - marzec- wystawa osobista w Domu Rządowym Federacji Rosyjskiej

2007, kwiecień - maj- wystawa osobista w Obwodowym Muzeum Sztuki i Centrum Wystawowym w Briańsku

2007, kwiecień- udział w wystawie „Dziedzictwo historyczne i kulturowe Moskwy. 10 lat rozwoju” w Centralnej Hali Wystawowej „Manege” w Moskwie

2007, czerwiec- udział w wystawie jubileuszowej poświęconej 250-leciu Rosyjskiej Akademii Sztuk w Centralnej Sali Wystawowej Manege w St. Petersburgu

2007, czerwiec - wrzesień- udział w wystawie „Będziemy pamiętać srogą jesień… Moskwa. 1941” w budynku Składów Prowiantu

2007, październik- udział w otwarciu Forum Historycznego oraz listopadowym festiwalu historyczno-muzycznym „Perły Rosji”

2007, listopad - grudzień- udział w wystawie „Dedykowane ojczyźnie” w Moskiewskim Akademickim Liceum Artystycznym Rosyjskiej Akademii Sztuk

2008, styczeń - luty- wystawa indywidualna w Regionalnej Galerii Sztuki „Obraz” w Kałudze

2008, luty - marzec- wystawa osobista w Państwowym Muzeum Sztuki w Biełgorodzie

2008, kwiecień - maj- udział w wystawie „Rodzina Moskiewska: Tradycje i nowoczesność” w Centralnej Sali Wystawowej „Manege”

2008, kwiecień - sierpień- udział w wystawie Federalnej Instytucji Państwowej „Państwowe Centralne Muzeum im. A. A. Bakhrushina”

2008, czerwiec - lipiec- wystawa osobista w Regionalnym Muzeum Sztuk Pięknych w Tiumeniu

2008, wrzesień - listopad- Wybrany na członka Prezydium Rosyjskiej Akademii Sztuk.
Wystawa indywidualna w Moskiewskim Państwowym Muzeum Historyczno-Architektonicznym, Artystycznym i Krajobrazowym-Rezerwacie „Carycyno”

2010, styczeń – luty- udział w wystawie Moskiewskiego Akademickiego Liceum Artystycznego „A. W. Dronow i jego uczniowie”

2010, luty – marzec- wystawa osobista w Centralnym Muzeum Służby Granicznej FSB Federacji Rosyjskiej

2010, sierpień – wrzesień- wystawa osobista w Narodowym Muzeum Sztuki Czuwasz w Czeboksarach

2011, styczeń – marzec- wystawa indywidualna w Wyższej Szkole Zarządzania MSWiA.
Członek Patriarchalnej Rady ds. Kultury.

2011, marzec – maj- wystawa indywidualna w centrum muzealno-wystawienniczym „Pracownica i Kobieta Kolektywu”

2011, wrzesień - 2012, luty- wystawa osobista w Moskiewskim Państwowym Muzeum Historyczno-Architektonicznym, Artystycznym i Krajobrazowym-Rezerwacie „Carycyno”

2012, luty – marzec- jubileuszowa wystawa osobista „Odległe Granice”
w Rosyjskiej Akademii Sztuk

2012, marzec – maj- wystawa osobista „Wielkie kamienie milowe historii Rosji”
w Państwowej Instytucji Kultury w Moskwie „Państwowe Muzeum Historyczno-Architektoniczne, Sztuki i Krajobrazu-Rezerwat „Carycyno”

2014, maj – czerwiec- wystawa osobista „Rosja. Historia i nowoczesność”
w Narodowym Muzeum Sztuki Chińskiej w Pekinie

2014, czerwiec- udział w wystawie „Symbole Ojczyzny 2014” w Moskwie.
Członek Rady Centralnej Rosyjskiego Wojskowego Towarzystwa Historycznego. Prezentacja portretów M.Yu. Lermontow i F. Cooper w Bibliotece Kongresu w Waszyngtonie.

2014, sierpień- udział w spotkaniu Prezydenta Rosji W.W. Putina z osobistościami kultury
w Domu-Muzeum A.P. Czechowa w Jałcie

2014, październik – listopad- wystawa osobista w Państwowym Muzeum Sztuki w Niżnym Nowogrodzie

2015 - dyrektor artystyczny projektu wystawienniczego RVIO „Pamiętajcie… Świat ocalił radziecki żołnierz!” (wraz z S.A. Szczerbakowem), Moskiewska Państwowa Sala Wystawowa „Nowy Maneż”. Wystawa osobista „Jesteśmy Rosjanami, Bóg z nami!”, Sewastopol. Wystawa osobista „Światło Chrystusa oświeca wszystko”, Muzea Watykańskie

2015 – 2016 - praca nad obrazami kościoła Świętego Wielkiego Męczennika i Uzdrowiciela Pantelejmona w rosyjskim klasztorze Św. Pantelejmona na Athos

2016, grudzień – 2017, styczeń- wystawa „Rosyjski Athos” w salach Rosyjskiej Akademii Sztuk

2017, luty – marzec- rocznicowa wystawa osobista „Naszą chwałą jest państwo rosyjskie!” w Centralnej Hali Wystawowej Manege w Moskwie; kwiecień maj- w Centralnej Sali Wystawowej „Manege” w Petersburgu

W Centralnej Sali Wystawowej Manege otwarto wystawę słynnego artysty

Jest jednym z tych, na których spoczywa rosyjska ziemia, powiedział o tym jeden z uczestników konferencji prasowej Aleksander Rozhkin, akademik, członek prezydium Rosyjskiej Akademii Sztuk, redaktor naczelny magazynu Galerii Trietiakowskiej Wasilij Nesterenko. I już na początku swojego krótkiego przemówienia, a raczej wprowadzenia do wystawy, nazwał artystę wielbicielem kultury rosyjskiej.

W obecności przedstawicieli wielu mediów, właściwie całej Rosji, takich rzeczy się nie mówi. I to właśnie te słowa przyszły mi na myśl, kiedy po konferencji prasowej opuściłem budynek ITAR-TASS na początku bulwaru Tverskoy. Stąd już rzut beretem do Maneżu, gdzie Wasilij Nesterenko przygotowuje się do pokazu swoich obrazów. Trochę ponad kilometr, około 20 minut pieszo, powoli, wzdłuż Bolszai Nikickiej. Notabene na tej ulicy 100 lat temu, w budynku nr 5, w okresie grudzień 1916 - marzec 1917, odbywała się wystawa z okazji 45-lecia Stowarzyszenia Wystaw Objazdowych. W tym czasie w Moskwie wystawiały także Związek Artystów Rosyjskich, Świat Sztuki i Moskiewskie Stowarzyszenie Artystów.

Ogólnie rzecz biorąc, pierwsze dwa miesiące rewolucyjnego roku 1917 dla mistrzów sztuk pięknych zbiegły się z apogeum sezonu wystawowego. „W Moskwie jest tyle wystaw” – zauważył recenzent – ​​„jakby rosyjscy artyści zamiast odbywać służbę wojskową zmuszani byli do malowania… W sumie jedenaście. Wygląda na to, że wydarzyło się wiele wydarzeń w ciągu roku. W tym samym czasie jeden z liderów Teatru Artystycznego Vl. Niemirowicz-Danczenko całkiem słusznie postawił pytanie: „Czy społeczeństwo jest obecnie naprawdę zainteresowane nowymi osiągnięciami w sztuce? Czy może być tym teraz zainteresowany? Czy ma na to wystarczający zapas uwagi? A artysta Apollinary Wasnetsow napisał: „Nowoczesny kierunek sztuki, jej wyobcowanie z życia, oczywiście, nie może w żaden sposób zareagować na ekscytujące wydarzenia ostatnich czasów: mija bez śladu”.

Sto lat później te problemy – czy dzisiejsze społeczeństwo rzeczywiście interesuje się sztuką, czy sztuka jest wyalienowana z życia w Rosji – nie są już tak dotkliwe, choć nigdzie nie zniknęły. Na konferencji prasowej padło pytanie o stosunek Wasilija Nestierenki do faktu, że w dalszym ciągu artyści dzielą się na „białych” i „czerwonych” (realistów i artystów awangardowych).

A artysta odpowiedział, że w sztuce konfrontacja jest nieunikniona, ale „nie ma potrzeby dusić ani jednego, ani drugiego, wtedy paleta będzie szeroka”. Jako przykład podał Zuraba Cereteli, który „wszystkich pojednał”.

Nesterenko powiedział, że kiedyś uczył się także u Taira Salachowa (Artysty Ludowego ZSRR), swego rodzaju radzieckiego „artysty niemal awangardowego”. I podkreślał: naszym głównym zadaniem jest przezwyciężenie rozłamu w społeczeństwie, w przeciwnym razie możemy popaść w zamęt. Powiedział też, że państwo może stracić edukację artystyczną.

Co zaskakujące, dziś artysta zidentyfikował niemal te same problemy, które nękały Rosję sto lat temu. „W dzisiejszych czasach” – napisał krytyk A. Rostisławow w 1917 r. – „trudno mówić o konkretnym sztandarze tego czy innego zaawansowanego społeczeństwa artystycznego. Rozdrobnienie na odrębne społeczeństwa i kręgi jest rzeczywiście zjawiskiem bardzo zauważalnym w naszym kraju w ostatniej dekadzie. Najwyraźniej i dla nas przyszedł czas na salony.” Idea wystaw na wzór Salonów Paryskich, gdzie pod jednym dachem gromadzili się artyści reprezentujący wszystkie kierunki sztuki współczesnej, wyrażała się wszędzie. W Moskwie na Wielkanoc 1917 roku zaplanowano otwarcie wystawy „Salon Wiosenny”, w którym oczekiwano udziału wszystkich towarzystw artystycznych i wyrażano nadzieję, że „taka wystawa będzie mogła żywo i najbardziej typowo (32) przedstawić wszystkie istniejące nurty sztuki współczesnej.”

W organizacji takich wystaw współcześni widzieli szansę na położenie kresu przekształcaniu wystaw „w rynek sprzedaży”, mieli nadzieję, że uda im się popchnąć „rosyjską sztukę do przodu” i będąc najwyższym sądem dla artystów, pomogłoby im się ulepszyć. I to także była jedna z cech życia artystycznego początku 1917 roku. A dzisiaj spójrzcie tylko na te imponujące kolejki ustawiające się w krajowych galeriach sztuki i na wiele pytań, które nurtują nas z przeszłości znikną same...

Artysta Ludowy Rosji, członek zwyczajny Rosyjskiej Akademii Sztuk Wasilij Nesterenko, to już trzecia wystawa osobista w Wielkim Maneżu.

W całej historii tej głównej sali wystawienniczej w kraju tylko nielicznym artystom udało się uhonorować tak wysokie wyróżnienie. I nie każdy, szczerze mówiąc, jest w stanie dokonać tak tytanicznej pracy, jak zorganizowanie osobistej wystawy na powierzchni 10 tysięcy metrów kwadratowych. m, gdzie według Władysława Kononowa, dyrektora wykonawczego Rosyjskiego Wojskowego Towarzystwa Historycznego i jednego z organizatorów wystawy, przygotowywanych jest do ekspozycji 1000 dzieł Wasilija Niesterenki. Na co artysta odpowiedział: „Nie licząc tych małych”. I powiedział, że zaprezentowane zostaną także naturalnej wielkości reprodukcje obrazów z Góry Athos i Soboru Chrystusa Zbawiciela.

Ogólnie rzecz biorąc, w dorobku artysty znajduje się tak wiele wystaw osobistych, że prawie nie da się ich wszystkich wymienić. Są jednak wśród nich takie, o których nie można zapomnieć. Są to wystawy organizowane w Rosyjskiej Akademii Sztuk, na Kremlu, w Domu Rządowym Federacji Rosyjskiej, w Muzeum Soboru Chrystusa Zbawiciela, w Muzeum Książki i Drukarstwa w Ławrze Kijowsko-Peczerskiej, w Dom Ukraiński (Kijów), w wielu miastach Rosji i za granicą, m.in. w Pradze, Berlinie, Pekinie, Tokio, Nowym Jorku... Im bliżej zapoznajemy się z twórczością Niesterenki, tym bardziej zdumiewająca jest skala jego działalności. Może jednocześnie prowadzić kilka dużych projektów i prawie co roku organizuje kilka wystaw osobistych w kraju. Jednocześnie pojęcie „Rosji” dla artysty obejmuje także Ukrainę i Białoruś, o których mówił nie raz.

Poprzednia wystawa w Centralnej Hali Wystawowej Manege odbyła się latem 2010 roku i nosiła tytuł „Rosja – połączenie czasów”. Obecna wystawa Wasilija Nesterenki nosi tytuł „Naszą chwałą jest państwo rosyjskie!” Spółgłoskowe i symboliczne!

Wystawa poświęcona jest 50-leciu artysty i – choć może to wydawać się dziwne – 35-leciu jego działalności twórczej. Zapytałem mistrza o tę osobliwość.

„W szkole rysowałem portrety na kopertach. Była taka praca. Po raz pierwszy wzięłam udział w wystawie w 7 klasie. Ogólnie rzecz biorąc, musisz wyznaczyć sobie maksymalne cele. Jeśli nie spróbujesz, nic się nie stanie” – powiedział.

Wasilij Nesterenko pisze w realistyczny sposób, jak rosyjskie malarstwo klasyczne i tworzy w różnych gatunkach. Podstawą nowej wystawy są dzieła historyczne odzwierciedlające punkty zwrotne w historii Rosji: „Wyzwolenie z czasów kłopotów” (fragment zdjęcia znajduje się na zdjęciu) , „Śmierć inwazji”, „Moskwa spotyka bohaterów Połtawy”, „Będziemy bronić Sewastopola!”, „Triumf floty rosyjskiej”, „Jesteśmy Rosjanami, Bóg jest z nami!” i inni.

„Dla mnie historia to nie tylko wydarzenia. To powód, aby mówić językiem historii o teraźniejszości” – powiedział Wasilij Nesterenko. - „Pozbycie się zamętu” to ważny temat. Czas kłopotów jest zawsze aktualny dla Rosji... 1612. Ludzie pokutowali i cały bieg historii uległ zmianie. Arcybiskup Arseny powiedział niedawno, że „nasza Ojczyzna znalazła się teraz na wadze Bożej sprawiedliwości”.

Artysta pracował przez cztery lata, aby stworzyć to wspaniałe płótno.

Zapytany o podobieństwa historyczne artysta tak wyjaśnia swoje stanowisko: „Będziemy bronić Sewastopola” znaczy dla mnie – będziemy bronić Wysp Kurylskich, Kaliningradu, Krymu, ostatecznie będziemy bronić Moskwy. Wątek historyczny, w moim rozumieniu, jest pomostem do teraźniejszości i przyszłości.

Dodajmy, że malarstwo historyczne wymaga szczegółowej znajomości ukazywanej epoki, nawet warunków atmosferycznych. Na przykład fakt, że w dniu zwycięskiego wjazdu Piotra I do Moskwy padał śnieg, co widać na płótnie Niesterenki.

Swoją drogą, w dniu konferencji prasowej powietrze było mroźne, świeże i przejrzyste, jak to bywa w Moskwie na przełomie stycznia i lutego. A kiedy wyszedłem na zewnątrz, słońce już zachodziło, ale wciąż świeciło w złotych kopułach Świątyni Wielkiego Wniebowstąpienia, zalewając górne piętra domów przy Bulwarze Nikitskim jasnym światłem i ukośnymi promieniami dotykającymi dachów starożytnych budynków przy ulicy Bolszaja Nikitskaja. A nad tym wszystkim wisiał księżyc w nowiu, wypełniony srebrnym światłem. Wierzcie lub nie, ale dzisiejsze fazy księżyca prawie pokrywają się z tymi obserwowanymi w 1917 roku. A dziś w Moskwie otwartych jest także wiele wystaw, zarówno dobrych, jak i innych. „Ale jego obrazy (Nesterenki) mają duchowy magnetyzm” – zauważył Aleksander Rozhkin. A Vladislav Kononov podkreślał: „Ile trzeba wiedzieć, żeby nie skończyć przed sądem zawodowych historyków. Ale nie mają żadnych skarg na artystę. Obrazy Wasilija Nesterenki są bronią w walce z fałszowaniem historii. Misją Nesterenki jest niesienie prawdy historycznej.”

„Dla mnie I wojna światowa jest szczytem rosyjskiego ducha” – powiedział Wasilij Nesterenko. Obraz „Jesteśmy Rosjanami, Bóg jest z nami!” i poświęcony jest I wojnie światowej, a dokładniej jednemu z jej bohaterskich epizodów. Niemcy przez długi czas nie mogli zająć słabo bronionej twierdzy Osowiec i postanowili zrzucić gazy na wojska rosyjskie. Kiedy gęsta chmura trującej mieszaniny chloru i fosgenu, napędzana tylnym wiatrem, zbliżyła się do pozycji rosyjskich, nawet trawa uschła, a nasi żołnierze i oficerowie nie mieli masek przeciwgazowych. Niemcy wzięli pałki nabijane gwoździami i ruszyli, aby „oczyścić terytorium” - wykończyć ocalałych żołnierzy. Ale otruci Rosjanie, skazani na śmierć, stanęli do walki wręcz. „Atak Umarłych” – później nazwano ten impuls kilkuset wojowników.

Ówczesne gazety rosyjskie pytały: „Co nam przynosi „oświecona” Europa? Trujące gazy i pałki do dobijania żołnierzy rosyjskich. Kulturalni barbarzyńcy! Od tego czasu stosunek Europy do Rosji nie uległ zmianie. A pytania do krajów „cywilizowanych” pozostają takie same.

I seria prac „Och, rosyjska ziemia!” to prawdziwy hymn Rosji Środkowej z jej poetycką naturą, świątyniami i klasztorami. „Jest oddany Ojczyźnie” – podkreślił podczas konferencji prasowej Aleksander Rozkin. - Jego twórczość kształtuje postawę wobec własnych korzeni. W jego twórczości Rosja jawi się jako ptak feniks. Chodzi o troskę o przyszłe pokolenia.”

„Pytają” – mówi artysta – „dlaczego nie namalujesz wulkanów Indonezji? Niech inni je narysują, a ja narysuję nasze góry i nasze rzeki. A kiedy znajduję się w zamarzniętej rzece w Ałtaju, wiem, dlaczego to robię, ale w Indonezji nie wiem”. Seria obrazów pejzażowych powstała w wyniku twórczych podróży mistrza na Sachalin i Wyspy Kurylskie, w Sajany i nad jezioro Bajkał. Prace poświęcone przyrodzie Uralu, Syberii i Dalekiego Wschodu łączą się w cykl zatytułowany „Na dalekich granicach”.

Prawdziwym sukcesem twórczym Wasilija Nesterenki był jego udział w odtworzeniu malowideł ściennych katedry Chrystusa Zbawiciela w Moskwie. W tym celu stworzono zespół prawie trzystu artystów, aby wykonać dzieło w jak najkrótszym czasie. Najtrudniejsze zadanie wymagało nie tylko najwyższych umiejętności zawodowych, ale także umiejętności malowania na wzór największych malarzy XIX wieku.

Wasilij pracował czternaście godzin dziennie. Jak przystało na malarza ikon, przed przystąpieniem do pracy pościł i modlił się, a następnie wspiął się na rusztowanie i pomalował świątynię, robiąc to bezpośrednio, bez żadnych rysunków i krat. To on namalował dla katedry obrazy „Zmartwychwstanie Chrystusa”, „Apostoł Mateusz”, „Wejście Pana do Jerozolimy”, „Chrzest Pański” oraz namalował cykl ikon Theotokos i Całun , „Ostatnia wieczerza” oraz obrazy z cyklu ewangelicznego dla refektarza patriarchalnego. „Świątynia została odrestaurowana tak, jak na to zasługuje Rosja” – powiedział Wasilij Nesterenko.

Przed przystąpieniem do malowania Soboru Chrystusa Zbawiciela artysta ukończył prace nad ikoną „Obraz Matki Bożej Niespodziewanej Radości” i obrazem „Ukrzyżowanie”.

I był też w jego życiu Athos, gdzie przez prawie rok przewodził grupie artystów, którzy za błogosławieństwem patriarchy moskiewskiego i całej Rusi Cyryla oraz starszych rosyjskiego klasztoru św. Pantelejmona namalowali świątynię św. Święty Wielki Męczennik i Uzdrowiciel Panteleimon w Starym Rusiku.

To prawie 3500 mkw. M! Podczas konferencji prasowej Wasilij Nesterenko zauważył: „Mówią, że Athos to niebo na ziemi, ale niebo na ziemi jest trudne”.

Wizerunki kobiet odgrywają w twórczości artystki znaczącą rolę. Tworzone przez niego portrety kobiet, jak sam mówi, zawsze podkreślają atuty swoich modelek. Załóżmy, że obraz „Alena” przedstawia dziewczynę z ogromnym bukietem stokrotek. Bohaterka obrazu „Indyjskie lato”, dziewczyna z rosyjskiego buszu, w cienkiej sukience i kaloszach stoi przy płocie porośniętym chwastami... Portrety „Dziewczynowe sny” i „Przeczucie miłości”, nasycone subtelnymi liryzm, poświęcone są także tematyce kobiecych oczekiwań.

Jednak chyba największe wrażenie z tej serii robi obraz „Rosyjska Madonna”. Do niedawna nie wiedziałem, że przedstawia żonę artysty Olgę i syna Wanię. A na obrazie „Wiosna” jest też Olga…

Portret jego matki, Galiny Wasiliewnej, zajmuje w twórczości artysty szczególne miejsce. To jego matka pomogła Wasilijowi zostać artystą. Od niej pochodzi miłość do ojczyzny.

Zdaniem ekspertów najbardziej zwięzły obraz Ojczyzny znajduje odzwierciedlenie w epickim obrazie Wasilija Niestierowa „Och, rosyjska ziemia!” Ten wers pochodzi z „Opowieści o kampanii Igora”. (Och, rosyjska ziemio! Już jesteś za górką!) W tym genialnym poemacie starożytności, rosyjska ziemia jest postrzegana jako coś zjednoczonego, jako własność narodu pochodzącego z jednego korzenia, pomimo konfliktów, konfliktów i niespokojnych czasów.. .

Ale, jak powiedział Wasilij Nesterenko, „dzieła trzeba oglądać”. A przez całą konferencję prasową na ścianie przestronnej sali przed oczami dziennikarzy wisiał fragment obrazu „Uwolnienie z kłopotów”. A na pytanie, czy lubi udzielać wywiadów, mistrz odpowiedział: „Opowiadanie to nie mój zawód. To nie moja twarz powinna być znana, ale moja praca.

Wiele obrazów mistrza zostanie wystawionych po raz pierwszy. I wcale nie ze względu na komplement Aleksander Rozhkin zauważył: „To nie jest tylko wystawa, to zjawisko w życiu kulturalnym Rosji”.

Posłuchajmy kompetentnej opinii. Przypomnijmy, że osobista wystawa Wasilija Nesterenki „Nasza chwała jest państwem rosyjskim!” odbędzie się w Centralnej Hali Wystawowej Manege w dniach 10 lutego – 3 marca 2017 r., a wernisaż odbędzie się jutro, 9 lutego.

Specjalnie dla „Stulecia”

Artykuł ukazał się w ramach ważnego społecznie projektu „Rosja i rewolucja. 1917 – 2017” ze środków pomocy państwa przyznanych w formie dotacji zgodnie z zarządzeniem Prezydenta Federacji Rosyjskiej z dnia 8 grudnia 2016 r. nr 96/68-3 oraz na podstawie konkursu ogólnorosyjskiego społeczeństwa organizacja „Rosyjski Związek Rektorów”.

W Moskwie, w budynku Manege, otwarto wystawę artysty ludowego Wasilija Nesterenki. Pierwszego dnia na uroczystość otwarcia zaproszono wyłącznie prasę i osobistości. Przyjechał pierwszy, drugi okazał się mieć bardzo napięty grafik.

Korespondenci, fotografowie i redaktorzy uważnie przechadzali się wśród ogromnej liczby obrazów, przyglądając się obrazom, które przedstawił im artysta.

Generalnie nie ma co go krytykować i chwalić. Z wyjątkiem wielkości obrazów i ich obfitości. Ale, jak powiedział jeden z odwiedzających, Wasilij Nesterenko wyraźnie nie nakłada farby na takie płótna. Nie wiem, co komentator miał na myśli, ale też wydawało mi się, że postacie na obrazach nie zostały przedstawione zbyt wyraźnie. Jednak najwyraźniej Nesterenko nie dążył do dokładnego powtórzenia rzeczywistości. Najwyraźniej jego zadaniem jest przekazanie podpowiedzi, a następnie umożliwienie widzowi przemyślenia i dokończenia wszystkiego w głowie – na tyle, na ile pozwala mu rozwój.

Ogólnym tematem obrazów Nesterenki jest religia. Artysta rozumie pod pojęciem „sztuka” fantazję na temat postaci biblijnych. W rzeczywistości nigdy nie istniały, ale Wasilij Nesterenko uważany jest za malarza. Malarstwo i fikcja to dwa pojęcia nie do pogodzenia, ale w fikcji, także tej o tematyce religijnej, zaletą jest to, że siła obrazu wizualnego zależy od stopnia zanurzenia artysty w temacie.

Wasilij Nesterenko uważa się za chorego. Oczywiście w sensie alegorycznym: „Sztuka jest jak choroba. Wiele osób nie ulega zakażeniu. Wiele osób zarażonych prędzej czy później wraca do zdrowia. I tylko nieliczni „chorują” przez całe życie. Jestem więc jednym z tych, którzy zostali zarażeni na całe życie”. To zdanie pochodzi z jego wywiadu dla magazynu „Heir” (nr 16).

Obraz jest dobry i poprzez niego należy rozumieć ogólny przekaz wystawy: malarz, który nie pokazał ani jednego obrazu, ale zadziwił skalę swego zanurzenia w religii. Jeśli nie uciekniemy się do antagonistycznego słownictwa, bardziej słuszne byłoby nazwanie Wasilija Nesterenki malarzem ikon. Wynika to z jego dzieł.

Polityczny aspekt wystawy jest również bardzo oczywisty i należy go również przyjrzeć się od drugiej strony. Po pierwsze, ukraiński artysta stał się w Rosji „artystą ludowym”. Choć nie wiadomo, czy naród rosyjski wie, że tak wysokie tytuły przypadły Ukraińcom z wyraźną porażką w prawach prawdziwych twórców ludowych – artystów rosyjskich?

Jeśli jednak spojrzeć na tę stronę malarstwa przez sztalugę polityki, to tutaj ukraińskie korzenie zostają wywrócone na lewą stronę. Twórczość Wasilija Nesterenki rozpoczęła się w USA: w listopadzie 1991 roku odbyła się osobista wystawa w City Bank Gallery w Nowym Jorku. Następnie w marcu 1992 r. - wystawa osobista w Ambassador Gallery w SOHO w Nowym Jorku. Następnie w kwietniu 1992 r. – wystawa w budynku National Westminster Bank w Nowym Jorku.

W rezultacie prawdziwy Ukrainiec i przyszły Artysta Ludowy Rosji został w tym samym roku przyjęty na członka Amerykańskiej Ligi Artystów Zawodowych. Potem kontynuacja wystaw w USA, po których obfitości nie ma wątpliwości, że kraj ten zrobił zbyt wiele, aby Wasilij Nesterenko mógł być uważany za jego macochę.

Stany Zjednoczone stały się ojcem chrzestnym przyszłego wielkiego artysty. Dziś krąży wiele plotek na temat rekrutacji, dlatego amerykański okres w życiu Wasilija Niestierenki bardzo otwarcie sygnalizuje społeczeństwu, że amerykańskie służby wywiadowcze zakochały się w Ukraińcy, ponieważ przywiózł im rosyjską kulturę malarską, co odzwierciedlało Motywy religijne greckie i żydowskie.

W rezultacie taki kosmopolityzm został wyizolowany na pomniku zwycięskiej demokracji: demokracji USA, która zwyciężyła w ZSRR. Mówimy o Katedrze Chrystusa Zbawiciela. W lutym 1995 roku przyszły Artysta Ludowy Rosji, który wrócił ze Stanów Zjednoczonych i miał już pełny tytuł i uznanie w całym świecie zachodnim, rozpoczął pracę nad szkicami do obrazów w Katedrze Chrystusa Zbawiciela.

Według Senki i kapelusza: w 1995 roku Wasilij Nesterenko został członkiem Moskiewskiego Związku Artystów. Następnie w latach 1996 - 1997 miał indywidualną wystawę w Mercer Gallery w Nowym Jorku. Po kolejnej fali namów ze Stanów Zjednoczonych Wasilij Nesterenko natychmiast udał się na Kreml, gdzie w Administracji Prezydenta Federacji Rosyjskiej odbyła się jego osobista wystawa. Prezydent Rosji w tym czasie był niewolnikiem Stanów Zjednoczonych i najniższym niewolnikiem Izraela, Borysem Jelcynem.

W ten sposób sam Bóg odciągnął Wasilija Nesterenkę od prawdziwego malarstwa. Nigdy nie malował rosyjskich pejzaży i rosyjskich portretów. Ale ściany Maneżu ugięły się pod ogromnymi panelami z wizerunkami świętych, co wyraźnie pokazało, że Wasilij Nesterenko naprawdę ma dość sztuki, ale ma jej dość na placu - poprzez rozłam na religię.

Stąd uznanie: 1999 – Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej; 2000 – Order św. Sergiusza z Radoneża II stopnia Rosyjskiej Cerkwi Prawosławnej za obrazy w Soborze Chrystusa Zbawiciela; 2003 – Certyfikat Patriarchalny na wykonanie nowych obrazów w Soborze Wniebowzięcia NMP w Dmitrowie; 2004 – Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej; 2004 – Order Andrieja Rublowa III stopnia Patriarchatu Moskiewskiego.

W odpowiedzi na wywiad amerykański, który dał tak niezwykły początek malowniczej ikonografii Wasilija Niestierenki, rosyjski wywiad wyróżniony został za swoją alternatywność: 2010 – Nagroda FSB w kategorii Sztuk Pięknych.

Dla artysty najważniejsza jest umiejętność spędzania wolnego czasu. Ale obecnie Wasilij Nesterenko wyraźnie wypadł z obrazu. Niektórzy kojarzą początek jego upadku z przeładowaniem jego płócien tematyką religijną. Szczególnie Żydzi niezwykle negatywnie oceniają fakt, że choć tytuł „Artysty Ludowego” przypadł jednemu z nich, to szczerze mówiąc nie był on zgodny z modą współczesną. Na otwarciu wystawy nie było ani jednego rabina.

Inni przypisują problemy temu, że widzą w Wasiliju Nesterence kandydata na stanowisko dyrektora Rosyjskiej Akademii Sztuk, w której obecny jest obecnie równie odnoszący sukcesy artysta Zurab Cereteli. Jeśli tak się stanie, to już niedługo będziemy świadkami zakulisowej walki Ukraińca z Gruzinem o kolejne stanowisko w rosyjskiej placówce oświatowej.

O tym, że chmury nad ikonami Wasilija Niesterenki zaczęły gęstnieć, pokazało otwarcie wystawy, na którym nie było dostojników, a nawet Minister Kultury nie przybył, aby udokumentować znaczenie postaci ludowego artysty . Tę jawną plutę władz w kierunku wybitnych obrazów religijnych skutecznie stłumiła liczebność księży i ​​rozmaitych hierarchów kościelnych. Ale też - wszystko jest nisko i nisko...

Marina Vetrova