Występ w dużym teatrze. „Przez sekundę wydawało się, że naprawdę jesteśmy na pustyni. „Przez sekundę mieliśmy wrażenie, jakbyśmy naprawdę byli na pustyni”.

„Manon Lescaut” Pucciniego pojawiła się w repertuarze głównego teatru kraju na osobistą prośbę naszej primadonny – teatr chciał pozyskać śpiewaczkę, ale zadowoliła się tylko tą operą. Jej zdaniem wybrano także reżysera – żeby nie był zbyt awangardowy, diwa nie lubi fajnych eksperymentatorów. Nie był to jednak występ benefisowy supergwiazdy, ale występ najwyższej klasy.

Całą scenę rozciąga się pochyły panel, na którym znajduje się śnieżnobiałe miasto zabawek (budynki sięgają aktorom gdzieś do pasa). Historię Manon Lescaut – dziewczyny z porządnej rodziny, która wychowała się w klasztorze, a potem znalazła się pomiędzy wielką miłością a wielkimi pieniędzmi – reżyser Adolphe Shapiro opowiada jako historię kobiety-zabawki. To białe miasteczko – Amiens, po którym wędruje młody poeta de Grieux i gdzie spotyka podróżującą z bratem Manon – to miejsce absolutnie bajeczne. Zamieszkują go weseli ludzie w kolorowych (krasnoludzkich?) czapkach, środkiem komunikacji między Amiens a Paryżem nie jest trywialny powóz konny, ale balon na ogrzane powietrze, z nieba sypie romantyczny śnieg – i w ogóle jest wydaje się, że ta historia z pewnością będzie szczęśliwa. Oto ta dziewczyna - a Netrebko gra tu po prostu dziewczynę w futrze lalki i z lalką w rękach - i ten młody mężczyzna (39-letni Eyvazov, pan bez dziecięcej budowy, doskonale oddaje młodzieńczą plastyczność - porywczość , niemożność poradzenia sobie własnymi rękami, chęć zbliżenia się do przedmiotu miłości i umierający strach) powinny cieszyć się w tej noworocznej bajce, prawda?

Co prawda muzyka Pucciniego, w której jest zbyt wiele pasji do historii o wesołych cukierkach, podpowiada nam, że szczęścia nie będzie – ale młody dyrygent Yader Binyamini na razie nieco wstrzymuje tę pasję. I nikomu nie zabrania się mieć nadziei, prawda? I podczas gdy pomiędzy pierwszym a drugim aktem za zamkniętą kurtyną następuje przebudowa scenerii (gdzie w tym momencie znajdują się fragmenty książki Abbe Prevosta o Manon i Kawalerze des Grieux, która zainspirowała wielu autorów oper i baletów – m.in. Pucciniego w 1893 r. ), są wyświetlane, nie zadała sobie trudu przeczytania libretta, świecka publiczność cieszy się z fabuły, w której, jak się wydaje, nikt nie zginie tragicznie (nie jak w innych dziełach Pucciniego, jak „Tosca” czy „Madama Butterfly”) ).

Świeckiej publiczności jest sporo, „wyjazd do Netrebka” daje nie tylko szansę usłyszenia wspaniałego głosu, ale także poczucie przynależności do „śmietanki”. (Nie bez powodu bilety za 15 tysięcy rubli odleciały w dniu rozpoczęcia sprzedaży). Świecka opinia publiczna jest zdenerwowana: nikt nie będzie jej opowiadał bajek. Gdy w drugim akcie kurtyna się podnosi, publiczność najpierw wstrzymuje oddech, potem zaczyna nerwowo bić brawa: paryskie mieszkanie Manon (które opuściła już biednego kochanka des Grieux i zamieszkała z Gerontem, bardzo bogatym kochankiem) robi przerażające wrażenie. Gigantyczne – niemalże do rusztu – lustro jest pochylone tak, że wpada w nie także odbicie najdroższej części stoisk: tak, tak, drodzy widzowie, niektórzy z Was właśnie tak żyją – mówią reżyser Adolf Shapiro i scenograf Maria Tregubowa. A obok tego lustra siedzi równie gigantyczna lalka - laleczka, która była w rękach dziewczynki Manon, zamieniła się w potwora, odwracając głowę i uważnie przyglądając się bohaterce i jej gościom. Na tej lalce przyczepione są kosmetyczne muchy... ale nie, one wcale nie są kosmetyczne. Na tej zabawce siedzą ogromne czarne muchy - coś w rodzaju surrealistycznego, buñuelowskiego horroru.

Zdjęcie: Kirill Kallinikov / RIA Novosti

Właściwie to wszystko to tylko stół do makijażu: rzuca się tu biżuterię, na lalce znajduje się naszyjnik z pereł (każda perła jest jak kula armatnia). Nastąpiła po prostu dramatyczna zmiana skali: o ile w pierwszym akcie ludzie byli więksi niż domy, teraz są mniejsi niż cenne bibeloty. Dom ten, w którym Geront (kolorowa rola Aleksandra Naumenki, laska w rękach jego bohatera zamienia się w jakąś pajęczą łapę, podkreślając niebezpieczeństwo tego człowieka), został wyznaczony przez Manon – specjalnie zaprojektowany domek dla lalek z tak strasznymi drobne przyjemności. Starszy mężczyzna najwyraźniej chciał zatrzymać swoją córeczkę, swoją małą własność – jednak dziewczyna w wieczorowej sukni z uwodzicielsko odkrytymi ramionami nie jest już dziewczyną, wygląda inaczej – uczy się wykorzystywać sytuację. Kiedy pojawia się des Grieux, ona jednak przypomina sobie, co to znaczy być szczerym i być szczęśliwym – a Netrebko niesamowicie to wszystko odtwarza: zarówno głosem, jak i plastycznością Manon jest znów dziewczyną. Jednak w decydującym momencie, gdy musi uciec z przeklętego domu, Manon spieszy się, by zebrać biżuterię - marnując czas, zostaje złapana przez policję, którą napadł na nią „dobroczyńca” rozwścieczony jej próbą ucieczki.

O ile w pierwszym i drugim akcie rozłożenie obrazu, przedstawienie bohaterów i umożliwienie przyjrzenia się szczegółom zajęło dużo czasu, to w trzecim i czwartym akcie spieszy się, bohaterom wkrótce zabraknie czasu. Scena w Le Havre, gdzie de Grieux bezskutecznie próbuje zaaranżować ucieczkę Manon, wysyłanej na ciężkie roboty do Ameryki, przepełnia tak gwałtowna rozpacz, że nawet stragany przestają szeleścić opakowaniami po cukierkach. To bardzo kolorowa rozpacz - z dziką paradą „towarzyszy nieszczęścia” Manon, gdzie obok bohaterki są wyraźnie niedrodzy pracownicy branży seksualnej, potężny transwestyta, cierpiący z „cyrku dziwaków” i z jakiegoś powodu czarna dziewczyna w sukni ślubnej. Moment odpłynięcia statku jest fantastycznie oddany: trójkątny utwór z bohaterami wyrywa się nagle z płaskiej wcześniej sceny i kołysając się niczym kry, odpływa w ciemność. Niepewność, niebezpieczeństwo, nienaturalność tego losu – wszystko jest w tym kawałku podłogi, który nagle przestał być niezawodny i stabilnie stojący na swoim miejscu.

Cały akt finałowy to sami Netrebko i Eyvazov na scenie. Scena jest pusta; Zgodnie z fabułą Manon i des Grieux wędrują po bezkresnych pustkowiach Ameryki, uciekając przed komendantem, który nękał bohaterkę (te okoliczności kryją się za kulisami). W spektaklu Shapiro znajdują się one „na odludziu”: goła podłoga, ciemne kulisy i dopiero w tle pojawiają się poszarpane, jakby pisane odręcznie frazy – „pomocy”, „nie chcę umierać”. Zwroty rozpływają się, jakby obmyte przez łzy, litery płyną, znikają całkowicie, na ich miejscu pojawiają się nowe, aż całe tło zamienia się w zbieraninę na wpół wymazanych słów i napisanych na nich fraz. To niesamowite zmęczenie psychiczne i fizyczne bohaterki, wyczerpanej w drodze i bliskiej śmierci: z ponurego, delikatnego, mistrzowskiego monologu Manon (Netrebko była tu jeszcze lepsza od niej samej) uwypuklone są główne pragnienia i emocje. Odpowiedzi de Grieux, który pociesza nieszczęsną kobietę i próbuje prosić Wszechmogącego o pomoc, podkreślają głuchotę otaczającego świata i głuchotę nieba; wymazują je także łzy. Wszystkie gry kończą się tutaj - Manon nie jest już zabawką, Manon jest już martwa.

W ostatnim czasie polityką Teatru Bolszoj jest zapraszanie reżyserów teatralnych do wystawiania spektakli operowych. Polityka ta nie zawsze przynosiła sukcesy: obok subtelnego i precyzyjnego „Don Pasquale” Timofeya Kulyabina w repertuarze znajduje się obecnie rozczarowująco niejasna „Iolanta” znakomitego reżysera Siergieja Żenovacha. Ale w przypadku „Manon Lescaut” Bolszoj wyszedł zwycięsko: Adolfowi Shapiro (nie debiutantowi operowemu - w Teatrze Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki wystawił „Łucję z Lammermooru”, która otrzymała „Złotą Maskę”) udało się oddają zarówno nerwowość, jak i delikatność tych oper Pucciniego. Oczywiste jest, że Anna Netrebko była wspaniała. Kolejnym zwycięstwem spektaklu jest twórczość Yusifa Eyvazova: dużo śpiewa na pierwszych światowych scenach, ale do tej pory był nieco osłonięty przed rosyjską publicznością przez żonę (pobrali się z Anną Netrebko w grudniu ubiegłego roku). Teraz można było w pełni docenić jego pracę, a jego des Grieux stał się jednym z najważniejszych sukcesów bieżącego sezonu. Tym samym projekt rozpoczęty w duchu „zrobimy wszystko dla gwiazdy, byle śpiewała”, stał się triumfem teatru. Dobrze by było, gdyby teatr o nim pamiętał i nie wahał się nadal zapraszać gwiazd pierwszego rzędu. Nawet jeśli postawią dość rygorystyczne warunki.

Anna Netrebko. Zdjęcie – IZVESTIA/Pavel Bednyakov

Gwiazda światowej sceny operowej po raz pierwszy pojawi się na scenie Teatru Bolszoj w swojej ulubionej operze „Manon Lescaut”.

16 października 2016 roku na scenie Teatru Bolszoj po raz pierwszy zaprezentowana zostanie opera „Manon Lescaut” Giacomo Pucciniego.

Główne role w nim zagrają Anna Netrebko (Manon) i jej mąż Yusif Eyvazov (Chevalier Rene Des Grieux).

Bilety są wyprzedane już od dłuższego czasu. I jak mówi dyrektor Teatru Bolszoj Władimir Urin, od kilku dni nie odbiera telefonu, bo kontrbrandu nie będzie mógł rozdać nawet znajomym.

„Manon Lescaut” to wyjątkowe wydarzenie dla melomanów. Projektu nie było w planach Bolszoj. Rok temu dyrekcja teatru rozpoczęła negocjacje ze światową gwiazdą opery Anną Netrebko. Zaproponowano jej dowolną produkcję na Scenie Historycznej Bolszoj. Prima wybrała Manon Lescaut. W przeddzień premiery w Teatrze Bolszoj odbyła się konferencja prasowa twórców opery.

„Występ na scenie Teatru Bolszoj to dla mnie zaszczyt: nigdy wcześniej tu nie byłem. Manon Lescaut to jedna z moich ulubionych oper. Jest dramatyczny, opowiada o miłości i wykonuję go z wielkim szczęściem i zachwytem”

– Anna zdumiała zebranych.

Anna Netrebko, Yusif Eyvazov. Zdjęcie – IZVESTIA/Pavel Bednyakov

„Praca z Anną to dla mnie nie tylko przyjemność, ale także nauka. Chociaż w domu mi nie śpiewa,

- powiedział Eywazow. Okazało się, że Eyvazov nie jest jedynym uczniem Anny.

„Wiele uczę się od Anny i Yusifa i podziwiam cierpliwość, z jaką podchodzą do swojej pracy. Pomimo tego, że są mistrzami na najwyższym poziomie bardzo często proszą mnie o rady i jakieś rekomendacje. Pracowaliśmy w atmosferze wzajemnego szacunku”

– mówi Yader Binyamini, specjalnie zaproszony z Włoch.

Operę „Manon Lescaut” wystawił dyrektor teatru dramatycznego Adolph Shapiro. Jego dorobek obejmuje produkcje w Moskiewskim Teatrze Artystycznym Czechowa, Tabakerce i Teatrze im. Majakowski, RAMT itp. Jest również poszukiwany za granicą. Praca na scenie operowej jest dla niego swego rodzaju odkryciem. A światowej sławy gwiazda jest tylko studentką w pracy.

„Dużo pracuję za granicą, od Szanghaju po Sao Paulo i dla mnie nie ma różnicy między artystami naszymi a zagranicznymi, tak jak nie ma różnicy między Smoktunowskim, Netrebko czy studentem. Jeśli się do nich dostosuję, nic ze mnie nie zostanie.

Jeśli chodzi o współpracę z Anną, inspiruje mnie sposób, w jaki śpiewa. Ona jest wielką artystką. Już sam fakt obecności takiego artysty na scenie staje się sztuką. Nawet jeśli poszła w złą stronę i zrobiła coś złego. Interesuje mnie jej plastyczność, reakcja, natura”

– przyznał Adolf Shapiro.

W przeciwieństwie do piosenkarza reżyser wielokrotnie odwiedzał Teatr Bolszoj. Według Adolfa Jakowlewicza w młodości jako student patrzył na „Tańce połowieckie” Borodina z trzeciego poziomu. A teraz przychodzi do pracy w Bolszoj, jakby to był dom. Ponieważ spędza tu dni i noce od ponad miesiąca.

„Trudno zrobić dobrą produkcję, ale dzięki Adolfowi Shapiro praca nad sztuką była przyjemnością. Jeśli nie podoba mi się podejście reżysera i jego wizja roli, po prostu wychodzę.

Władimir Urin, Anna Netrebko, Yusif Eyvazov. Zdjęcie – IZVESTIA/Pavel Bednyakov

– mówi Anna Netrebko. To nie miało miejsca tutaj. Anna i Yusif przylecieli do Moskwy kilka dni temu. A kiedy po raz pierwszy pojawiła się na scenie teatralnej, była dosłownie zszokowana.

„Akustyka na scenie Bolszoj jest bardzo trudna dla śpiewaków. Ze względu na masową scenerię i dużą przestrzeń dźwięk nie wraca do wykonawcy. Musimy pracować dwa razy ciężej. Już w pierwszych dniach prób przeżyłem prawdziwy szok. No cóż, jakoś się do tego przyzwyczailiśmy.”

Zakończenie opery jest tragiczne.

Są piosenkarze, którzy uwielbiają umierać na scenie, po to żyją. Nie podoba mi się to, ale kiedy trzeba, wchodzę w ten stan. Dużo mnie to kosztuje, bo jestem naprawdę zestresowany. Następnie wpływa to na moje ciało. Cóż poradzę, wybrałem ten zawód,

Adolfa Shapiro. Zdjęcie – IZVESTIA/Pavel Bednyakov

– mówi Netrebko. Jak żartuje Anna, po spektaklu 22 października ona i jej mąż upiją się z tej okazji.

A dyrekcja teatru już planuje dalsze projekty z parą. Anna i Yusif jeszcze nie raz powrócą do Bolszoj, a pod ich nieobecność na scenie wystąpi druga obsada – Ainoa Arteta (Hiszpania) i Riccardo Massi (Włochy).

Dla tych, którzy nie mogą dotrzeć do Teatru Bolszoj, kanał Kultura wyemituje transmisję opery Manon Lescaut 23 października 2016 r.

Anna Netrebko po raz pierwszy zaśpiewała w przedstawieniu w Teatrze Bolszoj. Zarówno widzowi, jak i krytykowi już ten fakt wystarczy, by klaskać w dłonie – Netrebko czy jakikolwiek inny artysta z umownej dziesiątki nadaje zarówno spektaklowi, jak i teatrowi zupełnie inny status w światowej tabeli rankingów. Performance dla Anny Netrebko zorganizowali reżyser Adolf Shapiro, artystka Maria Tregubova i dyrygent Yader Benjamin.

Na swój debiut w Bolszoj piosenkarka zaproponowała operę Pucciniego Manon Lescaut. Dla niej jest to praca znacząca, i to nie tylko pod względem twórczym. Pracując nad tą operą w Rzymie, poznała swojego przyszłego męża, tenora Yusifa Eyvazova. Duet z „Manon Lescaut” śpiewali już w Bolszoj na koncercie z okazji rocznicy Eleny Obrazcowej, więc wybór tytułu spektaklu, a także wybór partnera scenicznego najwyraźniej przyszedł naturalnie. Netrebko zaproponował także włoskiego dyrygenta Yadera Benjamina. Jego twórczość, trzeba przyznać, pozostawiła ambiwalentne wrażenie: maestro, nie doceniwszy właściwości akustycznych Teatru Bolszoj, za bardzo stłumił chór, a w dodatku wydawało się, że po prostu nie ma kontaktu między orkiestrą a orkiestrą soliści na scenie, piony regularnie „unosiły się”. Ale jeśli chodzi o brzmienie orkiestry, to trzeba tu odnotować zarówno cierpkość, namiętność, jak i włoską „słodycz”.

Niezależnie od tego, co sądzisz o teorii teatru zespołowego (czyli takiego, w którym przedstawienia wystawiane są w oparciu o własnych artystów), w którą wierzy kierownictwo Teatru Bolszoj, praktyka pokazuje, że wszystkie sukcesy teatru w tej sytuacji pozostają charakter lokalny. Jeśli mówimy oczywiście o operze.

Kolejna myśl, która przyszła mi do głowy po premierze: twórcy tego poziomu potrzebują reżysera, który będzie tylko reżyserował i kładł akcenty. Zwłaszcza jeśli chodzi o Pucciniego, którego muzyka czasami nie wymaga słów, tak całkowicie wyraża uczucia. Dwie czarne postacie na ogromnej pustej przestrzeni - to punkt wyjścia ostatniej akcji. Ale jak Netrebko i Eyvazov samą energią wypełniają tę pustkę! Jednak ta energia nie jest czymś ulotnym, to mistrzostwo: za nią lata pracy, doskonałe opanowanie głosu, nienaganna jakość i absolutna pewność siebie.

Artyści po prostu przesuwają się w stronę proscenium i w finale praktycznie wkraczają w przestrzeń sali, zawisając na krawędzi, ale jaka smutna, jak tragiczna jest ta droga! (Więc można współczuć przyszłym wykonawcom tych ról, czy poradzą sobie, czy „wyjdą” na scenę, czy się nie zgubią?).

Scenografia tego spektaklu zbudowana jest na zasadzie uwolnienia przestrzeni zgodnie z dramaturgią opery, która przechodzi od polifonii fabularnej do miłości. Artystka Maria Tregubova, uczennica Dmitrija Krymowa, zgodnie z najlepszymi tradycjami swojej szkoły, włącza znaczenie do scenografii. Całą scenę zajmuje „zabawkowe” francuskie miasteczko, wycięte z papieru: czerwone i zielone czapki wesołych uczniów wyglądają jak jasne plamy na białym tle. Manon także wygląda jak część świata zabawek: wygląda jak powiększona kopia swojej ulubionej lalki, której nie puszcza. Pojawiają się tu dwaj gracze: hazardzista (brata Manon grał Elchin Azizov) i kolekcjoner uroczych lalek Geronte de Ravoir (Aleksander Naumenko) – postać niezwykła, biorąc pod uwagę jego strój, gdzie do modnego stroju dodawany jest kapelusz z welonem (dziś) krótkie spodnie i mokasyny z lakierowanej skóry.

Scenografia drugiego aktu kontynuuje temat zabawki, ale ze zmianą wektora figuratywnego: to, co na pierwszy rzut oka wydawało się urocze, tutaj wygląda raczej odrażająco. Przesadna wielkość lalki zajmuje większą część pokoju, integralny atrybut pokoju kokietki Manon – lustra, które „pochłania” zarówno mieszkańców domu, jak i cały orkiestron. Kosmetyczne muchy, które Manon wymaga „zasadzenia” na twarzy, zostaną dosłownie zasadzone na lalce w postaci obrzydliwych owadów. Scenografia dosłownie oddaje wstręt, jaki, szczerze mówiąc, odczuwa się zarówno do gnijącego społeczeństwa, którego Manon stała się częścią, jak i do samej bohaterki, zwłaszcza w momencie jej fatalnego błędu, gdy pragnąc zagarnąć małą kawałek złota (jego rolę odgrywają te same chrząszcze i pająki na lalce) przegapia moment ucieczki. To będzie ją kosztować życie.

Trzeci akt robi równie imponujące wrażenie. Czarna pustka sceny to ta, która pochłonie Manon. Biały klin na pierwszym planie to mała wyspa, nadzieja na zbawienie. Tu zaczyna się spektakl wyrzutków: transwestyta, prostytutka, czarna panna młoda, krasnolud, kulturysta zostają zesłani z przyzwoitej Europy do dysfunkcyjnej Ameryki… Ustawiają się w ciasny klin, a „łódź” ​​zostaje odłączona od „molo” i kołysając się rozpoczyna swoją podróż w głąb sceny – w przerażające nieznane, nigdzie. Ostatnia akcja została opisana powyżej, z wyjątkiem jednego szczegółu. Cztery różne (w odczuciu reżysera) akcje „przerywane” są przez czarną kurtynę, ale „zszyte” przez emitowane na kurtynie fragmenty powieści księdza Prevosta. Shapiro omija w ten sposób potrzebę wyjaśniania widzowi, dlaczego Manon nagle, uciekając z De Grilletem, trafia do bogatego domu Geronte de Ravoir lub dlaczego pojmana trafia z kochankiem na pustynię. (W czasach Pucciniego nie było to oczywiście konieczne; treść powieści była znana zwiedzającym opery). W pewnym sensie ta technika naprawdę pomaga, w innych przeszkadza. Na przykład słynna przerwa w trzecim akcie, często wykonywana w programach koncertów jako odrębny numer, nie wymaga żadnych dodatków, chce się po prostu wymazać wszystkie te litery i pozwolić, aby to namiętne pożegnanie z życiem zabrzmiało w spokoju. To samo tyczy się finału. Podczas ostatniego duetu na tle pojawiają się zagmatwane napisy dłonią de Grilleta. Równe, schludne pismo zmienia się pod wpływem przeżyć bohaterów, płyną łzy, pojawiają się plamy, aż cały tekst tonie w tuszu. Usuń litery i nic się nie zmieni... Przynajmniej wtedy, gdy na scenie wystąpią Anna Netrebko i Yusif Eyvazov.

W 1993 roku została zwycięzcą Ogólnorosyjskiego Konkursu Wokalnego im. M. I. Glinka (I nagroda, Smoleńsk).
W 1996 - laureatka II Międzynarodowego Konkursu Młodych Śpiewaków Operowych. N. A. Rimski-Korsakow (III nagroda, St. Petersburg).
W 1998 roku została laureatką rosyjskiej nagrody muzycznej „Casta diva” w kategorii „Rola roku” (za rolę Suzanne w „Weselu Figara”).
W 2004 roku - laureat Nagrody Państwowej Federacji Rosyjskiej. Nagrodzony austriacką nagrodą muzyczną „Amadeus” za płytę „Opera Arias” (Orkiestra Filharmonii Wiedeńskiej, dyrygent G. Noseda, 2003).
W 2006 roku zdobyła nagrodę Bambi w kategorii Klasyka.
W 2007 roku otrzymała tytuł „Muzyka Roku” magazynu Musical America.
W 2008 roku otrzymała tytuł Artysty Ludowego Rosji.
Laureat najwyższej nagrody teatralnej Petersburga „Złoty Sofit” (1998-2001, 2003, 2005, 2009).
Zdobywca nagrody Classical BRIT Awards w kategorii „Piosenkarka Roku” (2007, 2008).
Laureatka nagrody ECHO Klassik w kategorii „Piosenkarka Roku” (2004, 2005, 2006, 2007, 2008, 2009, 2014, 2016).
Wprowadzony do Galerii sław magazynu Gramophone.

Biografia

Urodzony w Krasnodarze. W 1988 roku wstąpiła do Leningradzkiej Szkoły Muzycznej na wydziale wokalnym. Dwa lata później wstąpiła do Konserwatorium w Petersburgu imienia N.A. Rimskiego-Korsakowa, gdzie studiowała w klasie profesora T. Nowiczenki.

Po zwycięstwie w konkursie im. M.I. W 1993 roku Glinka została zaproszona do trupy Teatru Maryjskiego. Jej debiutancką rolą w tym teatrze była Suzanne w „Weselu Figara” V.A. Mozarta (1994). Wkrótce już jako czołowa solistka wystąpiła na scenie Maryjskiego w następujących rolach: Ludmiła („Rusłan i Ludmiła”), Ksenia („Borys Godunow”), Marta („Narzeczona cara”), Luiza („Zaręczyny w klasztorze”), Natasza Rostow („Wojna i pokój”), Rosin („Cyrulik sewilski”), Amin („La Sonnambula”), Łucja („Łucja z Lammermooru”), Gilda („Rigoletto”), Violetta („La Traviata”), Musetta i Mimi („Cyganeria”), Antoniusz („Opowieści Hoffmanna”), Donna Anna i Zerlina („Don Juan”) i inni.

W 1994 roku jako część trupy Teatru Maryjskiego rozpoczęła tournée zagraniczne. Piosenkarka występowała w Finlandii (festiwal w Mikkeli), Niemczech (festiwal w Szlezwiku-Holsztynie), Izraelu. W tym samym roku wykonała rolę Królowej Nocy w Czarodziejskim flecie (Riga Independent Opera Avangarda Akadēmija).

W 1995 roku zadebiutowała w Operze w San Francisco partią Ludmiły w operze Rusłan i Ludmiła M. Glinki. W latach 1999-2001 kontynuowała współpracę z teatrem, biorąc udział w przedstawieniach oper „Zaręczyny w klasztorze”, „Wesele Figara”, „Idomeneo”, „Cyganeria” i „Elisir miłości”.

W 2002 roku wraz z Teatrem Maryjskim zadebiutowała na scenie Metropolitan Opera w roli Nataszy (Wojna i pokój, Andriej – Dmitrij Hvorostovsky). Tę rolę, jedną z najlepszych w swoim repertuarze, wykonywała także na scenach madryckiego Teatro Real, mediolańskiej La Scali, londyńskiej Royal Opera House Covent Garden oraz na Moskiewskim Festiwalu Wielkanocnym. W 2002 roku po raz pierwszy wystąpiła na scenie Opery w Filadelfii, wykonując rolę Julii (Capulets i Montagues V. Belliniego). Latem tego samego roku zadebiutowała rolą Donny Anny w operze „Don Juan” V.A. Mozarta, który odbył się w ramach Festiwalu w Salzburgu pod dyrekcją Nikolausa Harnoncourta.

Po triumfalnym występie na festiwalu w Salzburgu Anna Netrebko zaczęła pojawiać się na scenach najsłynniejszych oper, m.in. Metropolitan Opera, San Francisco Opera House, Royal Opera House Covent Garden (Donna Anna w „Don Giovannim” W.A. Mozarta, 2003 ), Wiedeńska Opera Narodowa, Paryska Opera Narodowa, Berlińska Opera Państwowa i Bawarska Opera Państwowa (Violetta w Traviacie G. Verdiego z Rolando Villazonem, 2003), Los Angeles Opera (rola tytułowa w Łucji z Lammermooru G. Donizettiego, 2003). Również w 2003 roku podpisała ekskluzywny kontrakt z Deutsche Grammophon.

Anna Netrebko występuje z czołowymi dyrygentami – Valerym Gergievem, Jamesem Levine’em, Seiji Ozawą, Nikolausem Harnoncourtem, Zubinem Mehtą, Colinem Davisem, Claudio Abbado – na najsłynniejszych scenach świata. Można ją usłyszeć zarówno w legendarnych salach muzycznych – nowojorskiej Carnegie Hall, londyńskim Barbican Centre i Royal Albert Hall – jak i na stadionach, gdzie śpiewa dla dziesiątek tysięcy widzów. Plenerowe koncerty Anny Netrebko z Placido Domingo i Rolando Villazónem w berlińskim Waldbühne z okazji Mistrzostw Świata w piłce nożnej oraz w wiedeńskim pałacu Schönbrunn z okazji Mistrzostw Europy w piłce nożnej były transmitowane w telewizji przez miliony ludzi na całym świecie. Podczas ceremonii otwarcia XXII Zimowych Igrzysk Olimpijskich w Soczi wykonała hymn olimpijski.

W 2013 roku na Festiwalu w Verbier po raz pierwszy wystąpiła w roli Desdemony w I akcie Otella G. Verdiego (pod dyrekcją Walerego Gergieva) oraz zadebiutowała rolą tytułową w Joannie d'Arc Verdiego na Festiwalu w Salzburgu ( wykonanie koncertowe z udziałem Placido Domingo i Francesco Meli). Anna Netrebko wraz z Thomasem Hampsonem i Ianem Bostridgem wykonała „Requiem wojenne” B. Brittena (pod dyrekcją Antonio Pappano).

Ostatnie angaże obejmują: rolę Leonory w Il Trovatore G. Verdiego (Metropolitan Opera, Opera Paryska, Berlin State Opera, Festiwal w Salzburgu), role tytułowe w Makbecie (Metropolitan Opera, Monachium Opera Festival) i Joanny d'Arc „G. Verdiego (Teatr La Scala), „Manon Lescaut” G. Pucciniego (Opera w Rzymie, Opera Wiedeńska, Festiwal w Salzburgu), „Anna Boleyn” (Opera w Zurychu, Opera Narodowa w Wiedniu), „Iolanta” (Monte Opera Carlo), Tatiana w Eugeniuszu Onieginie (Opera Wiedeńska, Festiwal Operowy w Monachium); także w 2016 roku po raz pierwszy wystąpiła w roli Elsy w Lohengrinie R. Wagnera (Teatr Maryjski, Drezdeńska Opera Państwowa, reżyseria Christina Militz).

W 2016 roku w Teatrze Bolszoj brała udział w produkcji opery „Manon Lescaut” G. Pucciniego, wykonując rolę tytułową (dyrygent-producent Yader Binyamini, dyrektor produkcji Adolf Shapiro).

Dyskografia

płyta CD
1997 - M. Glinka „Ruslan i Ludmiła”, część Ludmiły (dyrygent Valery Gergiev, Philips).
1998 - S. Prokofiew „Zaręczyny w klasztorze” jako Louise (dyrygent Valery Gergiev, Philips).
2001 - S. Prokofiew „Miłość do trzech pomarańczy”, Ninetta (dyrygent Valery Gergiev, Philips).
2003 - „Arie operowe” (V. Bellini, G. Donizetti, J. Massenet, G. Berlioz, A. Dvorak i in., dyrygent Gianandrea Noseda, Deutsche Grammophon).
2004 - „Sempre Libera” (aria z oper V. Belliniego, G. Donizettiego, G. Verdiego, G. Pucciniego, dyrygenta Claudio Abbado, Deutsche Grammophon).
2005 - G. Verdi „La Traviata” (dyrygent Carlo Rizzi, Deutsche Grammophon).
2005 - S. Prokofiew „Zaręczyny w klasztorze” (dyrygent Valery Gergiev, Deutsche Grammophon).
2006 - „Album Mozarta” (Deutsche Grammophon).
2006 - Violetta: arie i duety z Traviaty G. Verdiego (z Rolando Villazonem, T. Hampsonem, Deutsche Grammophon).
2007 - „Album rosyjski” (M. Glinka, P. Czajkowski, N. Rimski-Korsakow, S. Rachmaninow, S. Prokofiew, dyrygent Valery Gergiev, Deutsche Grammophon).
2007 - „Duets” (z Rolandem Villasonem, Deutsche Grammophon).
2008 - „Pamiątki” (M.-A. Charpentier, L. Arditi, E. Grieg, A. Dvorak, N. Rimsky-Korsakov, J. Offenbach i inni, Deutsche Grammophon).

2008 - G. Puccini „La Bohème” (dyrygent Bertrand de Billy, Deutsche Grammophon).
2008 - V. Bellini „Capulets and Montagues”, Julia (dyrygent Fabio Luisi, Deutsche Grammophon).
2010 - „W ciszy nocy” (N. Rimski-Korsakow, P. Czajkowski, A. Dvorak, R. Strauss, Koncert w Filharmonii Berlińskiej, 2010; partia fortepianu – Daniel Barenboim, Deutsche Grammophon).
2011 - G. Rossini „Stabat Mater” (dyrygent Antonio Pappano, EMI).
2011 - G. Pergolesi „Stabat Mater” (dyrygent Antonio Pappano, Deutsche Grammophon).
2013 - „Verdi”, arie z oper „Don Carlos”, „Joanna d'Arc”, „Makbet”, „Il Trovatore”, „Nieszpory sycylijskie” (z Rolando Villazonem, dyrygentem Gianandreą Nosedą, Deutsche Grammophon).
2013 - B. Britten „War Requiem” (dyrygent Antonio Pappano, Warner Classics).
2014 - G. Verdi „Joanna d'Arc” (dyrygent Paolo Carignani, Deutsche Grammophon).
2014 - R. Strauss „Cztery ostatnie pieśni” i „Życie bohatera” (dyrygent Daniel Barenboim, Deutsche Grammophon).
2015 - P. Czajkowski „Iolanta” (dyrygent Emmanuel Vuillaume, Deutsche Grammophon).
2016 - „Verismo”, arie z oper G. Pucciniego, F. Cilei, R. Leoncavallo i innych (z Yusifem Eyvazowem, dyrygentem Antonio Pappano, Deutsche Grammophon).

2003 - M. Glinka „Rusłan i Ludmiła” (dyrygent Valery Gergiev, Philips).
2003 - „Anna Netrebko. Kobieta. Voice” (reż. Vincent Patterson, Deutsche Grammophon).
2005 - S. Prokofiew „Zaręczyny w klasztorze” (dyrygent Valery Gergiev, Philips).
2006 - G. Donizetti „Elisir of Love” (dyrygent Alfred Eswe, Virgin).
2006 - G. Verdi „La Traviata” (dyrygent Carlo Rizzi, Deutsche Grammophon).
2007 - V. Bellini „The Puritans” (dyrygent Patrick Summers, Deutsche Grammophon).
2008 - J. Massenet „Manon” (dyrygent Daniel Barenboim, Deutsche Grammophon).
2008 - V.A. Mozart „Wesele Figara” (dyrygent Nikolaus Harnoncourt, Deutsche Grammophon).
2008 - „Koncert w Berlinie” (z Plácido Domingo i Rolando Villazónem, dyrygentem Marco Armigliato, Deutsche Grammophon).
2009 - G. Puccini „Cyganeria” (film, reż. Robert Dornhelm).
2010 - G. Donizetti „Lucia di Lammermoor” (dyrygent Marco Armigliato, Deutsche Grammophon).
2011 - G. Donizetti „Anne Boleyn” (dyrygent Evelino Pido, Deutsche Grammophon).
2011 - G. Donizetti „Don Pasquale” (dyrygent James Levine, Deutsche Grammophon).
2012 - G. Puccini „La Bohème” (dyrygent Daniele Gatti, Deutsche Grammophon).
2014 - G. Verdi „Il Trovatore” (dyrygent Daniel Barenboim, Deutsche Grammophon).
2014 - „Anna Netrebko na Festiwalu w Salzburgu” (G. Verdi „La Traviata”, W.A. Mozart „Wesele Figara”, G. Puccini „Cyganeria”, dyrygent Daniele Gatti, Deutsche Grammophon).
2014 - P. Czajkowski „Eugeniusz Oniegin” (Metropolitan Opera, dyrygent Valery Gergiev, Deutsche Grammophon).
2015 - G. Verdi „Makbet” (dyrygent Fabio Luisi, Deutsche Grammophon).
2015 - V.A. Mozarta „Don Giovanni” (La Scala, dyrygent Daniel Barenboim, Deutsche Grammophon).

Wydrukować

- rosyjska piosenkarka, od lat oklaskiwana przez cały świat - wystąpiła po raz pierwszy w Teatrze Bolszoj. Performerka sama wybrała ten utwór na swój debiut na najsłynniejszej scenie w kraju, występując przed publicznością w roli tytułowej w „”. Ta wspaniała opera G. Pucciniego nie była wcześniej wystawiana w Teatrze Bolszoj, ale zajmuje w jej życiu szczególne miejsce: wykonując ją w Operze w Rzymie, poznała Yusifa Eyvazova, który później został jej mężem. W przedstawieniu Teatru Bolszoj piosenkarka ta wystąpiła w roli Kawalera de Grieux. W pozostałych rolach wystąpili równie wspaniali wykonawcy: Lesko – Elchin Azizov, Geront – Alexander Naumenko, Marat Gali – Nauczyciel Tańca, Julia Mazurova – Piosenkarka.

Jedną z głównych trudności roli Manon Lescaut jest sprzeczność między młodością bohaterki a partią wokalną, która wymaga silnego głosu i dużego doświadczenia. Obydwa pojawiają się u śpiewaków w dość dojrzałym wieku. Ona ma te cechy – artystka zachwyciła publiczność bogactwem wszelkich rejestrów, bogactwem barwy barw, subtelnością niuansów i frazowania, a jej niesamowita plastyczność pozwala doświadczonej śpiewaczce przekonująco wyglądać w wizerunku młodej dziewczyny. Początkowo wydawała się bardzo młoda – pół dziecka, w drugim akcie bohaterka wygląda już jak uwodzicielska młoda kobieta, ale gdy tylko pojawia się jej kochanek – we wszystkich jej ruchach znów pojawiają się rysy dziewczyny, tak spontanicznej w szczerości jej uczuć. 39-letni Yu.Eyvazov wygląda równie przekonująco w roli porywczego, zakochanego młodzieńca. To prawda, że ​​​​głos piosenkarza nie zawsze brzmiał gładko, chociaż ogólnie wykonawca poradził sobie z tą rolą.

Manon Lescaut-Anna Netrebko. Kawaler des Grieux – Yusif Eyvazov. Zdjęcie: Damir Jusupow

Spektakl poprowadził Yader Binyamini. Praca dyrygenta wywarła miłe wrażenie zarówno na publiczności, jak i na słuchaczach, którzy uważają, że śpiewanie z orkiestrą pod jego dyrekcją jest bardzo wygodne. Głosy orkiestry, chóru i solistów zabrzmiały równo i wyraźnie, zachwycając słuchaczy bogactwem i subtelnością niuansów. Solo na wiolonczeli pięknie wykonał B. Lifanovsky. Sceny choreograficzne inscenizowane przez Tatyanę Baganovą wyglądały bardzo elegancko.

Słabym punktem spektaklu „” okazała się reżyseria. Reżyser Adolf Shapiro – jakby – współpracuje z Teatrem Bolszoj po raz pierwszy, ale – w przeciwieństwie do piosenkarza – nie pokazał się z najlepszej strony. Pomysł reżysera sam w sobie nie jest zły: podkreślić w wizerunku bohaterki cechy dziewczyny, która nie opuściła całkowicie dzieciństwa i znalazła się w okrutnym „dorosłym” świecie, gdzie można ją wykorzystać jako zabawkę. Zamiast jednak psychologicznie przepracować rolę z performerką, reżyser daje się ponieść demonstrowaniu symboli – jak na przykład lalka w rękach Manon, ubrana w tę samą sukienkę i kapelusz, co sama bohaterka. Poniesiony takimi zewnętrznymi atrybutami reżyser zdaje się zapominać o wykonawcach - w rezultacie Manon wygląda nieco chłodno. Ale ona wie, jak tworzyć tak żywe, emocjonalne obrazy na scenie - pamiętajcie tylko jej Natashę Rostovą! Można tylko żałować, że reżyser zignorował tę stronę jej talentu. W niektórych momentach spektaklu reżyser sięga wręcz surrealizmu, zupełnie odbiegającego od muzyki G. Pucciniego: w drugim akcie gigantyczna lalka z obracającą się głową i ruchomymi oczami, w trzecim „freak show”, bardziej adekwatne w cyrku niż w operze...

Mimo takich reżyserskich błędów debiut w Teatrze Bolszoj można uznać za udany. Chciałbym wierzyć, że pierwsza rola piosenkarki na głównej scenie Rosji nie będzie jej ostatnią, a publiczność Teatru Bolszoj odkryje nowe oblicza jej talentu.