Charakterystyczny dla tego stylu jest gatunek galanteryjnych uroczystości. Historia gatunku walecznego. Szarmancki styl w obrazach K.A. Somowa. Pytania i zadania

Prawdopodobnie w każdym stylu i gatunku sztuki plastycznej można wymienić przedstawicieli, którzy są ich uosobieniem. I tak na przykład w malarstwie renesansowym triumfują Michał Anioł i Rafael, w baroku – Peter Paul Rubens, w secesji – Gustav Klimt i Alphonse Mucha.
A jeśli mówimy o sztuce rokoko, przychodzą na myśl przede wszystkim nazwiska takich mistrzów jak Antoine WATTO i Francois BOUCHER.

Antoine WATTO

Francois BOUCHER

Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie arystokracji dworskiej, „wielkie uroczystości”, idylliczne obrazy życia „pasterskiego” na tle dziewiczej przyrody (tzw. malarstwo pasterskie. Przypomnij sobie gobelin „Pasterka”, rzekomo wiszący w domu wodza szlachty Hipolita Matwiejewicza Worobjaninowa, o którym niezapomniany Ostap Bender udawał, że pamięta podczas spotkania z archiwistą Korobeinikowem?), świat skomplikowanych intryg miłosnych i przebiegłych alegorii.

Życie ludzkie jest krótkie i ulotne, dlatego trzeba chwytać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się i czuć – w to wierzyło wielu francuskich arystokratów XVIII wieku, dalekich od idei filozofów Oświecenia, którzy przybliżyli to, co wydarzyło się w 1789. Pogrążeni w hedonizmie i epikureizmie nie byli w stanie stawić praktycznie żadnego oporu fali rewolucyjnej, która porwała zarówno ich, jak i świat „wyrafinowanych przyjemności”, do których byli przyzwyczajeni. I to nie przypadek, że po rewolucji francuskiej 1789 r. i terrorze jakobińskim sztuka ponownie dokonała ostrego zwrotu, w wyniku czego powstał taki styl, jak styl Empire.

Swoją drogą, czy pewne podobieństwa historyczne nie są oczywiste?

W poprzednim poście o stylu rokoko pisałem już, że jego następcę, ponad sto lat później, można śmiało uznać za secesyjny. Niezwykłą popularność secesji w Rosji na początku XX wieku we wszystkim, od architektury i sztuk pięknych po literaturę i modę, można w dużej mierze wytłumaczyć tym samym hedonizmem, tym razem rosyjskiej arystokracji i inteligencji (w końcu XX wiek, nie 18). Do tego dochodzi jeszcze dekadencja, niezwykle modna wśród młodzieży Rosji na początku XX wieku. Poeta M. Kuzmin, który na początku ubiegłego wieku wychwalał w Rosji „ducha rzeczy pięknych i zwiewnych”, jest z pewnością na tej samej fali semantycznej co ulubieniec Ludwika XV, markiz Pompadour, który oświadczył: „Po nas może nadejść powódź”.

Jak wiecie, ta „powódź” nie trwała długo ani w przedrewolucyjnej Francji, ani przedrewolucyjnej Rosji. I fakt, że ostatecznie w ZSRR, po eksperymentach z konstruktywizmem w duchu Corbusiera, zatriumfował styl zasadniczo eklektyczny, zwany „stylem imperium stalinowskiego”, też wiele mówi (choć oczywiście tzw. „stalinowski styl empire”, z architektonicznego punktu widzenia niezupełnie styl empirowy).

Jednak to wprowadziło mnie w pewien sposób w paralelę kulturową i historyczną. Wróćmy do malarstwa rokokowego, czyli do XVIII wieku.

Dla większości malarzy rokokowych Wenus, Diana, nimfy i amorki przyćmiewają wszystkie inne bóstwa starożytnej mitologii, nie wspominając o podmiotach chrześcijańskich, które są całkowicie ignorowane. Wszelkiego rodzaju „kąpiel”, „poranne toalety” i chwilowe przyjemności są teraz chyba głównym tematem obrazu.
Modne są egzotyczne nazwy kolorów: „kolor uda przestraszonej nimfy” (miąższ), „kolor róży pływającej w mleku” (blady róż), „kolor straconego czasu” (niebieski) itp. Przejrzyście przemyślane, dostojne kompozycje w stylu klasycyzmu ustępują miejsca eleganckiemu i wyrafinowanemu designowi.

Antoine WATTO (1684 - 1721) współcześni nazywali go „poetą beztroskiego wypoczynku”, „pieśniarzem wdzięku i piękna”. W swoich pracach ukazywał pikniki w wiecznie zielonych parkach, koncerty muzyczne i teatralne na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, idylliczne randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach kryje się bolesny smutek, poczucie przemijania piękna i ulotności tego, co się dzieje.

Ale ten obraz Antoine’a Watteau, stworzony w 1720 roku jako znak dla występów podróżujących komików, jest jego prawdziwym arcydziełem. Nazywa się to „Gillesa”.

Gilles to jeden z głównych bohaterów francuskiej komedii masek, na wzór Pierrota, bohatera włoskiej komedii dell'arte. Niezdarna, naiwna istota, jakby specjalnie stworzona do ciągłych kpin i sztuczek sprytnego i przebiegłego Arlekina. W niezręcznej pozie komika, stojącego zagubionego i nieruchomego przed publicznością, można wyczuć jego daremne poszukiwania rozmówcy, który go wysłucha i zrozumie. Ale na próżno. W zmęczonym i smutnym wyglądzie klauna ukryta jest myśl o samotności człowieka zmuszonego do zabawiania i zabawiania znudzonej publiczności. Wydawało się, że na tym zdjęciu Antoine Watteau podjął próbę przekroczenia hedonistycznych obyczajów panujących we współczesnym społeczeństwie i w tym właśnie tkwi wielkość jego talentu.

„Gilles” – główne arcydzieło zmarłego w wieku 36 lat Antoine’a Watteau, zostało napisane przez niego na krótko przed śmiercią. Myślę, że nie trzeba tego komentować.

Francois BOUCHER (1703 - 1770) uważał się za wiernego ucznia Antoine’a Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Ten ostatni widział w nim „artystę-obłudnika”, „który ma wszystko oprócz prawdy”. Jeszcze inni sceptycznie zauważyli: „Jego ręka zbiera róże, gdzie inni znajdują tylko ciernie”.

François Boucher namalował kilka uroczystych portretów słynnego faworyta Ludwika XV markiza Pompadour, który patronował artyście.

Najbardziej znanym wizerunkiem markizy autorstwa F. Bouchera jest obraz „Pani Pompadour” 1756, w którym bohaterka ukazana jest w otoczeniu przedmiotów przypominających jej gusta artystyczne i hobby. Jednocześnie książka w jej rękach jest wyraźną oznaką oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne („Po nas nawet powódź!” Pamiętacie? Ona też jest intelektualistką i zwolenniczką oświecenia!!!)

Markiza Pompadour hojnie podziękowała artyście, mianując go najpierw dyrektorem manufaktury gobelinów (no tak, bo inaczej skąd wziąłby się słynny gobelin „Pasterka”?), a następnie rektorem Akademii Sztuk, nadając mu tytuł „pierwszy malarz króla”.

Oprócz wykonywania poleceń francuskiego dworu królewskiego, Francois Boucher nieustannie uciekał się do przedstawiania różnego rodzaju frywolnych scen, których głównymi bohaterkami były urocze, nieśmiałe pasterki lub pulchne nagie piękności w postaci mitologicznych Wenus i Dian.
Jego obrazy pełne są niejednoznacznych podpowiedzi, pikantnych detali (podniesiony rąbek spódnicy pasterki, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do jej ust, wymowne, zachęcające spojrzenie, owce skulone u stóp kochanków, całujące się) gołębie itp.).

Cóż, Francois Boucher doskonale znał modę i gusta swojej epoki!

W historii malarstwa światowego Francois Boucher do dziś pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i wyrafinowanego rysunku, którego obrazy przywołują świat szczęścia, miłości i pięknych snów.

Ale dla każdego, kto uważnie przeczyta ten post, powinno być jasne, dokąd dokładnie prowadzą te sny.

Dziękuję za uwagę.
Siergiej Worobiew.

Prawdopodobnie w każdym stylu i gatunku sztuki plastycznej można wymienić przedstawicieli, którzy są ich uosobieniem. I tak na przykład w malarstwie renesansowym triumfują Michał Anioł i Rafael, w baroku – Peter Paul Rubens, w secesji – Gustav Klimt i Alphonse Mucha. A jeśli mówimy o sztuce rokoko, przychodzą na myśl przede wszystkim nazwiska takich mistrzów jak Antoine WATTO i Francois BOUCHER.

Antoine WATTO

Francois BOUCHER

Post ten poświęcony jest malarstwu rokokowemu i najsłynniejszym mistrzom tego stylu, które polecam wszystkim miłośnikom sztuki. Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie arystokracji dworskiej, „wielkie uroczystości”, idylliczne obrazy życia „pasterskiego” na tle dziewiczej przyrody (tzw. malarstwo pasterskie. Przypomnij sobie gobelin „Pasterka”, rzekomo wiszący w domu wodza szlachty Hipolita Matwiejewicza Worobjaninowa, o którym niezapomniany Ostap Bender udawał, że pamięta podczas spotkania z archiwistą Korobeinikowem?), świat skomplikowanych intryg miłosnych i przebiegłych alegorii.

Życie ludzkie jest krótkie i ulotne, dlatego trzeba chwytać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się i czuć – w to wierzyło wielu francuskich arystokratów XVIII wieku, dalekich od idei filozofów Oświecenia, którzy przybliżyli to, co wydarzyło się w 1789. Pogrążeni w hedonizmie i epikureizmie nie byli w stanie stawić praktycznie żadnego oporu fali rewolucyjnej, która porwała zarówno ich, jak i świat „wyrafinowanych przyjemności”, do których byli przyzwyczajeni. I to nie przypadek, że po rewolucji francuskiej 1789 r. i terrorze jakobińskim sztuka ponownie dokonała ostrego zwrotu, w wyniku czego powstał taki styl, jak styl Empire.

Swoją drogą, czy pewne podobieństwa historyczne nie są oczywiste?

W poprzednim poście o stylu rokoko pisałem już, że jego następcę, ponad sto lat później, można śmiało uznać za secesyjny. Niezwykłą popularność secesji w Rosji na początku XX wieku we wszystkim, od architektury i sztuk pięknych po literaturę i modę, można w dużej mierze wytłumaczyć tym samym hedonizmem, tym razem rosyjskiej arystokracji i inteligencji (w końcu XX wiek, nie 18). Do tego dochodzi jeszcze dekadencja, niezwykle modna wśród młodzieży Rosji na początku XX wieku. Poeta M. Kuzmin, który na początku ubiegłego wieku wychwalał w Rosji „ducha rzeczy pięknych i zwiewnych”, jest z pewnością na tej samej fali semantycznej co ulubieniec Ludwika XV, markiz Pompadour, który oświadczył: „Po nas może nadejść powódź”.

Jak wiecie, ta „powódź” nie trwała długo ani w przedrewolucyjnej Francji, ani przedrewolucyjnej Rosji. I fakt, że ostatecznie w ZSRR, po eksperymentach z konstruktywizmem w duchu Corbusiera, zatriumfował styl zasadniczo eklektyczny, zwany „stylem imperium stalinowskiego”, też wiele mówi (choć oczywiście tzw. „stalinowski styl empire”, z architektonicznego punktu widzenia niezupełnie styl empirowy).

Jednak to wprowadziło mnie w pewien sposób w paralelę kulturową i historyczną. Wróćmy do malarstwa rokokowego, czyli do XVIII wieku.

Dla większości malarzy rokokowych Wenus, Diana, nimfy i amorki przyćmiewają wszystkie inne bóstwa starożytnej mitologii, nie wspominając o podmiotach chrześcijańskich, które są całkowicie ignorowane. Wszelkiego rodzaju „kąpiel”, „poranne toalety” i chwilowe przyjemności są teraz chyba głównym tematem obrazu.

Modne są egzotyczne nazwy kolorów: „kolor uda przestraszonej nimfy” (miąższ), „kolor róży pływającej w mleku” (blady róż), „kolor straconego czasu” (niebieski) itp. Przejrzyście przemyślane, dostojne kompozycje w stylu klasycyzmu ustępują miejsca eleganckiemu i wyrafinowanemu designowi.

Antoine WATTO (1684 - 1721) współcześni nazywali go „poetą beztroskiego wypoczynku”, „pieśniarzem wdzięku i piękna”. W swoich pracach ukazywał pikniki w wiecznie zielonych parkach, koncerty muzyczne i teatralne na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, idylliczne randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach kryje się bolesny smutek, poczucie przemijania piękna i ulotności tego, co się dzieje.

Ale ten obraz Antoine’a Watteau, stworzony w 1720 roku jako znak dla występów podróżujących komików, jest jego prawdziwym arcydziełem. Nazywa się to „Gillesa”.

Gilles to jeden z głównych bohaterów francuskiej komedii masek, na wzór Pierrota, bohatera włoskiej komedii dell'arte. Niezdarna, naiwna istota, jakby specjalnie stworzona do ciągłych kpin i sztuczek sprytnego i przebiegłego Arlekina. W niezręcznej pozie komika, stojącego zagubionego i nieruchomego przed publicznością, można wyczuć jego daremne poszukiwania rozmówcy, który go wysłucha i zrozumie. Ale na próżno. W zmęczonym i smutnym wyglądzie klauna ukryta jest myśl o samotności człowieka zmuszonego do zabawiania i zabawiania znudzonej publiczności. Wydawało się, że na tym zdjęciu Antoine Watteau podjął próbę przekroczenia hedonistycznych obyczajów panujących we współczesnym społeczeństwie i w tym właśnie tkwi wielkość jego talentu.

„Gilles” – główne arcydzieło zmarłego w wieku 36 lat Antoine’a Watteau, zostało napisane przez niego na krótko przed śmiercią. Myślę, że nie trzeba tego komentować.

Francois BOUCHER (1703 - 1770) uważał się za wiernego ucznia Antoine’a Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Ten ostatni widział w nim „artystę-obłudnika”, „który ma wszystko oprócz prawdy”. Jeszcze inni sceptycznie zauważyli: „Jego ręka zbiera róże, gdzie inni znajdują tylko ciernie”.

François Boucher namalował kilka uroczystych portretów słynnego faworyta Ludwika XV markiza Pompadour, który patronował artyście.

Najbardziej znanym wizerunkiem markizy autorstwa F. Bouchera jest obraz „Pani Pompadour” 1756, w którym bohaterka ukazana jest w otoczeniu przedmiotów przypominających jej gusta artystyczne i hobby. Jednocześnie książka w jej rękach jest wyraźną oznaką oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne („Po nas nawet powódź!” Pamiętacie? Ona też jest intelektualistką i zwolenniczką oświecenia!!!)

Markiza Pompadour hojnie podziękowała artyście, mianując go najpierw dyrektorem manufaktury gobelinów (no tak, bo inaczej skąd wziąłby się słynny gobelin „Pasterka”?), a następnie rektorem Akademii Sztuk, nadając mu tytuł „pierwszy malarz króla”.

Oprócz wykonywania poleceń francuskiego dworu królewskiego, Francois Boucher nieustannie uciekał się do przedstawiania różnego rodzaju frywolnych scen, których głównymi bohaterkami były urocze, nieśmiałe pasterki lub pulchne nagie piękności w postaci mitologicznych Wenus i Dian.

Jego obrazy pełne są niejednoznacznych podpowiedzi, pikantnych detali (podniesiony rąbek spódnicy pasterki, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do jej ust, wymowne, zachęcające spojrzenie, owce skulone u stóp kochanków, całujące się) gołębie itp.).

Cóż, Francois Boucher doskonale znał modę i gusta swojej epoki!

W historii malarstwa światowego Francois Boucher do dziś pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i wyrafinowanego rysunku, którego obrazy przywołują świat szczęścia, miłości i pięknych snów.

Początek XX wieku upłynął pod znakiem nostalgicznego „powrotu” do estetyki rokoka, do obrazów czasów Ludwika XIV, do dawno minionej epoki walecznej. Wynikało to z naturalnej chęci człowieka (a przede wszystkim artysty) do odnalezienia ukojenia przed coraz szybszym tempem życia w atrakcyjnych obrazach przeszłości.

W Rosji w epoce rokoka malarstwo typu europejskiego pojawiło się dopiero po raz pierwszy, zastępując własną rosyjską tradycję, malowanie ikon. Trendy rokokowe rozpowszechniły się szczególnie silnie w połowie XVIII wieku. W Rosji kierunek ten nabrał głównie wąsko ukierunkowanego charakteru i dotyczył wyłącznie Sankt Petersburga. Rokoko najpełniej wyraziło się nieco później: we wczesnej twórczości Rokotowa, w „Smolniance” Lewickiego. Reprezentatywność (zgodność cech próbki z cechami populacji lub populacji ogólnej) zastępuje intymność, wykwintna dekoracyjność i fantazyjna gra form.

Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie arystokracji dworskiej, „wielkie uroczystości” i świat skomplikowanych romansów. Tematami malarstwa są wyłącznie miłość, erotyka, kult zmysłowości, lekka miłość (Bez poważnych namiętności).

Sztuka rokokowa to świat fikcji i intymnych przeżyć, dekoracyjnej teatralności, wyrafinowania, wyrafinowania, nie ma w niej miejsca na heroizm i patos - zastępuje je gra miłości, fantazji i uroczych bibelotów. Ciężką i patetyczną powagę baroku zastępuje intymna, krucha dekoracyjność. Hasłem krótkiego, krótkotrwałego „stulecia” rokoka stało się „sztuka jako przyjemność”, której celem było wzbudzenie światła, przyjemnych emocji, zabawianie, pieszczenie oka dziwacznym wzorem linii, wykwintnymi kombinacjami światła, elegancka kolorystyka, co szczególnie znalazło wyraz w dekoracji architektonicznej wnętrz, do nowych wymagań, do których dostosowano także malarstwo rokokowe. Rokoko charakteryzuje się nastrojami hedonistycznymi, wycofaniem się w świat iluzorycznej i idyllicznej zabawy teatralnej oraz upodobaniem do idyllicznych wątków sielankowych i zmysłowo erotycznych. Artystów rokokowych charakteryzowała subtelna kultura koloru, umiejętność budowania kompozycji z ciągłych plam dekoracyjnych, osiąganie ogólnej lekkości, podkreślanej jasną paletą oraz upodobanie do wyblakłych, srebrzystoniebieskich, złotych i różowych odcieni. Wraz z rozwojem malarstwa rokokowego wzrosła rola ruchu realistycznego; Portret, martwa natura, gatunek codzienny i pejzaż osiągnęły swój szczyt.

Estetyka rokokowa to estetyka niuansów i podpowiedzi. W przedstawieniu osoby znacznie trudniej niż dotychczas uchwycić przejście od psychologicznej trzeźwości patrzenia na modelkę do korzystnego ukrywania pewnych rysów, od prawdziwej twarzy do świeckiej maski, od życia do roli i nawzajem. Podstawową cechą wielu portretów epoki jest pewna intrygująca dwoistość obrazu. I jeszcze jeden ważny punkt, ponownie związany z początkiem gry. Bohaterowie XVIII-wiecznej galerii portretów są skłonni do komunikowania się z widzem i zachęcania go do reakcji. Wrodzona w portrecie z samej natury gatunku, jakość ta zyskuje teraz nową, subtelną specyfikę. Półobrót, lekki gest, ledwo zauważalny ruch twarzy, półuśmiech, rozmazane spojrzenie czy wilgotny błysk w oczach - z takich gradacji tkane są obrazy przedstawicieli „dzielnego” stulecia.

Wiek Szarmancki to nazwa nadana epoce rokoka. Generalnie słowo „galant” zgodnie ze starą tradycją dworską odnosiło się do osoby uprzejmej, grzecznej, sympatycznej, kojarzonej ze szlachetnością i przyzwoitością; jednocześnie uciekali się do tego, jeśli chodzi o bohaterów i bohaterki przygód miłosnych (w praktyce potocznej – chłopak, biurokracja). Pod koniec XVIII wieku wykształciło się unikalne pojęcie waleczności, oznaczające nie tylko wąską sferę wyrafinowanych zachowań, ale szerzej styl i sposób życia oparty na sztuce bycia przyjemnym.

Panowanie epoki „dzielnej” przypada na lata około 1715–1750, w niektórych źródłach okres ten przedłuża się aż do początku Rewolucji Francuskiej. Główną cechą epoki szarmanckiej jest kultywowanie przyjemności jako głównej zasady życia. Galanteria była podstawą relacji mężczyzny i kobiety ze środowiska arystokratycznego. Również w tym okresie kobietę ogłoszono „boginią”, „władczynią myśli”, spełniano jej zachcianki, wyprawiano na jej cześć święta, a jednocześnie wykorzystywano ją jako przedmiot przyjemności. To właśnie nazywamy kultem Pięknej Pani bez dokonywania jakichkolwiek wyczynów na jej cześć. Za dobrą formę uważano wspieranie faworytki, wydawanie balów, koncertów i maskarad na jej cześć. Podstawą walecznych związków jest wyrafinowany flirt, który często nie wykracza poza granice przyzwoitości. W tym celu istniał specjalny system komunikacji: „język fanów”, „język much”, „język kwiatów”.

W epoce szarmanckiej istniała także pierwotna kultura maskarady, która nie miała już nic wspólnego z rytualnym karnawałem starożytności i średniowiecza. Wiek Gallant charakteryzuje się zamiłowaniem do przebierania się. Liczne sztuki i opery komiczne z tego okresu przedstawiają następującą sytuację: dziewczyna zmienia się w stanik, młody mężczyzna „zamienia się” w dziewczynę.

W oparciu o ten czas w sztukach pięknych i dekoracyjnych powstał taki gatunek jak scena waleczna.

Miejscem narodzin gatunku szarmanckiego jest Francja, gdzie narodził się on w pierwszej ćwierci XVIII wieku (1710 - 1720). Powodem jego powstania była zmiana życia świeckiego po śmierci Ludwika XIV i wstąpieniu na tron ​​Filipa II Orleańskiego, regenta Ludwika XV. Ostatnie lata panowania Ludwika XIV naznaczone były odmową wszelkiego rodzaju przyjemności, obłudą, surowością i przyzwoitością oraz powściągliwością w modzie. Wraz z przybyciem księcia Orleanu życie dworskie zmieniło się dramatycznie, z czasów byłego króla nie pozostało nic: francuska arystokracja pogrążyła się w fali frywolności, szaleństwa i luksusu.

Zasadnicza zmiana w świadomości dworu królewskiego przyczyniła się do powstania nowego gatunku - sceny szarmanckiej, która przedstawia frywolność i bezcelową rozrywkę ludzi z wyższych sfer.

Cechy szarmanckiego stylu

Dzielna scena zawsze przedstawia swobodną komunikację między dwiema lub więcej osobami na tle malowniczego i fantastycznie pięknego krajobrazu. Może to być rozmowa, flirt, zabawa, spacer, taniec. Bohaterowie obrazów, podobnie jak natura, na tle której toczy się spokojna akcja, są zawsze piękni i harmonijni (z punktu widzenia arystokratów, którzy zamawiali „sceny waleczne”).

Do tych celów doskonale nadawał się styl rokoko, który pojawił się właśnie w epoce regencji - maniery, kapryśny i przewiewny.

Bohaterowie obrazów z reguły nie mają prawdziwych prototypów: nie są to portrety konkretnych osób, ale po prostu atrakcyjne dodatki „walerskiego festiwalu”. Dzielna scena nie ma określonej fabuły, czyli akcji w jej rozwoju. Główną zasadą mistrzów walecznej sceny jest przedstawianie idealnie pięknych ludzi w atmosferze pogodnego i absolutnego szczęścia. Nawet niepokój lub lekkie niezadowolenie w szarmanckich scenach wydaje się udawane i nierealne. Czasem do scen szarmanckich zalicza się także tzw. pastorałki – motyw „miłości pasterskiej”: eleganckie pastereczki otrzymują zaloty od równie wyrafinowanych pasterzy.

Ten brak fabuły, a także upiększanie natury, spotkały się z ostrą krytyką filozofów oświecenia.

Denis Diderot napisał, że „dzielne” obrazy Francois Bouchera są eleganckie, jednak kłamliwe i pozbawione smaku, a Marmontel uważał, że „Boucher nie widział prawdziwego wdzięku”.

Kolejną cechą walecznej sceny jest frywolność i erotyzm, które były nieodłącznie związane nie tylko ze sztuką, ale także z arystokratycznym światopoglądem epoki szarmanckiej.

Artyści pracujący w tym gatunku to Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard, Maurice Quentin de Latour.

Jeśli chodzi o artystów rosyjskich, są to artyści „Świata sztuki” - Konstantin Somov, Evgeny Lanceray i Alexander Benois, którzy tworzą bajeczny, a jednocześnie smutny obraz epoki szarmanckiej. W ich obrazach można wyczuć smutek ludzi, którzy znają losy Marii Antoniny i jej wyrafinowanych dworzan. Cykle „Wersal” Benoita, „Księga markiza” Somowa, retrospektywne i stylizowane prace Lanceraya nie miały na celu rekonstrukcji przeszłości – taki był pogląd człowieka XX wieku na jasny i beztroski świat balów i miłości obrazy „Mirs of Arts” dają niezwykle wyidealizowane wyobrażenie o epoce, ale to nie czyni ich mniej znaczącymi dla sztuki.

„Gatunek szarmancki” - malarstwo rokokowe

Mistrzowie „gatunku walecznego” ROKOKO („kapryśny”, „kapryśny”; francuski rokoko z rocaille - fragmenty kamieni, muszli), ruchu stylowego, który zdominował sztukę europejską w pierwszych trzech ćwierci XVIII wieku. Reprezentował nie tyle niezależne zjawisko artystyczne, ile fazę, pewien etap paneuropejskiego stylu barokowego. Termin „rokoko” powstał we Francji pod koniec XVIII wieku, w okresie rozkwitu klasycyzmu, jako pogardliwy przydomek dla wszelkiej maniery i pretensjonalności sztuki XVIII wieku: zakrzywiona, kapryśna linia, przypominająca zarys powłoka jest jego główną cechą. Sztuka rokokowa to świat fikcji i intymnych przeżyć, dekoracyjnej teatralności, wyrafinowania, wyrafinowania, nie ma w niej miejsca na heroizm i patos - zastępuje je gra miłości, fantazji i uroczych bibelotów. Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie arystokracji dworskiej, idylliczne obrazy życia „pasterskiego” na tle dziewiczej przyrody, świat skomplikowanych romansów i pomysłowe alegorie. Życie ludzkie jest chwilowe i ulotne, dlatego musimy chwytać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się, aby żyć i czuć. „Duch uroczych i zwiewnych drobiazgów” staje się motywem przewodnim twórczości wielu artystów „stylu królewskiego”.

Antoine Watteau Antoine Watteau nazywany był przez współczesnych „poetą beztroskiego wypoczynku” i „wielkich uroczystości”, „pieśniarzem wdzięku i piękna”. W swoich pracach ukazywał pikniki w wiecznie zielonych parkach, koncerty muzyczne i teatralne na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, idylliczne randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach kryje się bolesny smutek. Poczucie przemijania piękna i efemeryczności tego, co się dzieje.

Antoine’a Watteau. Pielgrzymka na wyspę Kythera. 1717-1718 Żaluzja. Paryż. Jednym ze słynnych obrazów artysty jest „Pielgrzymka na wyspę Cythera”. Na usłanym kwiatami brzegu zatoki morskiej zebrały się urocze panie i dzielni panowie. Popłynęli na wyspę Cythera – wyspę bogini miłości i piękna Wenus, gdzie według legendy wyłoniła się z morskiej piany. Ciepłe, miękkie farby, stonowane kolory, lekkie pociągnięcia pędzlem – wszystko to tworzy wyjątkową atmosferę uroku i miłości.

Jednym z prawdziwych arcydzieł jest obraz Watteau „Gilles” („Pierrot”), stworzony jako znak dla występów podróżujących komików. Gilles to główny i ulubiony bohater francuskiej komedii masek. Zgodny z Piero - bohaterem włoskiej komedii dell'arte. Niezdarna, naiwna istota wydaje się być specjalnie stworzona do ciągłych kpin i sztuczek sprytnego i przebiegłego Arlekina. Artystycznie obraz jest znakomicie namalowany. Niezwykła prostota motywu i kompozycji łączy się tu z precyzyjnym designem i starannie przemyślaną kolorystyką. Antoine’a Watteau. Gillesa. 1721. Luwr. Paryż. (Bohater teatru jarmarkowego Gilles w stroju Pierrota).

Antoine’a Watteau. Włoscy komicy.

Antoine’a Watteau. Aktorzy teatru francuskiego.

Antoine’a Watteau. Gamma miłości.

Antoine’a Watteau. Kapryśny. Około 1718 r. Ermitaż. Petersburgu.

Antoine’a Watteau. Mezzeten. 1717-1719 Muzeum Sztuki Metropolitan. Nowy Jork.

Antoine’a Watteau. Savoyard ze świstakiem.

Francois Boucher Francois Boucher (1703-1770) uważał się za wiernego ucznia Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Inni postrzegali go jako artystę „obłudnika”, „który ma wszystko oprócz prawdy”. Jeszcze inni sceptycznie zauważyli: „Jego ręka zbiera róże tam, gdzie inni znajdują tylko ciernie”.

Artysta namalował szereg portretów ulubienicy króla Ludwika XV, markizy de Pompadour. Wiadomo, że patronowała Boucherowi i niejednokrotnie zamawiała mu obrazy o tematyce religijnej do rezydencji wiejskich i paryskich rezydencji. Na obrazie „Madame de Pompadour” bohaterka ukazana jest w otoczeniu porozrzucanych kwiatów i luksusowych przedmiotów, co przypomina jej artystyczne upodobania i hobby. Leży po królewsku na tle bujnych, uroczystych draperiów. Książka, którą trzyma w ręku, jest wyraźną oznaką oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne. Markiz hojnie podziękował artyście. Mianowała go dyrektorem Manufaktury Gobelinów, po czym nadała mu tytuł „pierwszego malarza króla”. Francois Bouchera. Pani Pompadour. 1756 Alte Pinotek, Monachium.

Francois Boucher niejednokrotnie zwracał się do przedstawiania niepoważnych scen, których głównymi bohaterami były urocze, nieśmiałe pasterki lub pulchne nagie piękności w postaci mitologicznych Wenus i Dian. Jego obrazy są pełne niejednoznacznych podpowiedzi, pikantnych detali (podniesiony rąbek satynowej spódnicy pasterki, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do jej ust, wymowne, zachęcające spojrzenie, symbolicznie całujące gołębie itp.). ) Artysta doskonale znał modę i gusta swojej epoki! Francois Bouchera. Kąpiel Diany. . 1742 Żaluzja. Paryż.

W historii malarstwa Francois Boucher pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i wykwintnego designu. Dowcipne kompozycje, niezwykłe kąty postaci, dziwaczne sylwetki niemal teatralnej scenerii, bogate akcenty kolorystyczne, jasne odbicia przezroczystych farb nakładanych małymi, lekkimi pociągnięciami, płynne rytmy - wszystko to czyni F. Bouchera niezrównanym mistrzem malarstwa. Jego obrazy zamieniają się w dekoracyjne panele, zdobią bujne wnętrza korytarzy i salonów, przywołują do świata szczęścia, miłości i pięknych snów. Francois Bouchera. Przerwany sen.

Francois Bouchera. Pan i Syringa.

FRAGONARD Jean Honore Francuski malarz i rytownik, największy mistrz epoki Ludwika XVI. zasłynął dzięki mistrzowsko zrealizowanym scenom galowym i codziennym, w których rokokowa elegancja łączy się z wiernością naturze, subtelnością efektów świetlnych i majestatycznymi starożytnymi ruinami. Oprócz prac tworzonych na podstawie prawdziwych obserwacji tworzy także pastorałki – improwizując, odtwarza scenę z taką wyrazistością, że sprawia wrażenie namalowanej z życia. FRAGONARD Jean Honore

Fragonarda. Koronowany kochanek.

Fragonarda. Ukradkowy pocałunek

Fragonarda. Psyche pokazuje siostrom dary Kupidyna.

Honore Fragonard. „Huśtawka” 1766.

Fragonarda. Lekcja muzyki

ENGR Jean Auguste Dominique (1780-1867), francuski malarz i rysownik. Genialny mistrz kompozycji, surowego i subtelnego rysunku, prawdziwych, przejmujących portretów („L. F. Bertin”, 1832). W swoich obrazach występował jako główny przedstawiciel akademickiego klasycyzmu („Apoteoza Homera”, 1827). W 1806 Ingres ostatecznie wyjechał do Włoch, gdzie przebywał przez wiele lat (1806-20 - Rzym, 1820-24 - Florencja), z zapałem studiując włoską sztukę renesansu, zwłaszcza Rafaela. Tworzy wiele arcydzieł: portrety „Granet” (1807, Aix-en-Provence); „Madame Devose” (1807, Muzeum Condé, Chantilly); „Marcotte d'Argenteuil” (1810, Galeria Narodowa, Waszyngton); „Cardier” (1811, Luwr, Paryż); „Madame Zeno” (1816, Muzeum w Nantes); „Gurieva” (1821, Ermitaż, St. Petersburg) Louis David, Portret artysty Ingresa, ok. 1800 r., Muzeum Puszkina, Moskwa

inż. Świetna odaliska. 1814 Olej, płótno. Luwr, Paryż.

inż. Źródło

inż. Portret hrabiego Guryeva. 1821 Olej, płótno. Ermitaż w Petersburgu

Rokokowa sztuka dekoracyjna Figurki z Miśni.

Meble w stylu rokoko

Meble w stylu rokoko. Zimowy pałac. Sankt Petersburg.

Pytania i zadania: A. Watteau jest malarzem radości i smutku. „Malarz łask” – F. Boucher. Sztuka dekoracyjna i użytkowa rokoka. Napisz esej na temat „O czym mogliby marzyć i rozmawiać bohaterowie obrazów Antoine’a Watteau.

Powrót do przodu

Uwaga! Podglądy slajdów służą wyłącznie celom informacyjnym i mogą nie odzwierciedlać wszystkich funkcji prezentacji. Jeśli jesteś zainteresowany tą pracą, pobierz pełną wersję.

Sztuki piękne XVIII wieku w najlepszych dziełach charakteryzują się analizą najsubtelniejszych ludzkich doświadczeń, reprodukcją niuansów uczuć i nastrojów. Intymność, liryzm obrazów, ale także analityczna obserwacja to cechy charakterystyczne sztuki XVIII wieku, zarówno w gatunku portretu, jak i w malarstwie codziennym. Te właściwości artystycznego postrzegania życia stanowią wkład XVIII wieku w rozwój światowej kultury artystycznej, choć należy przyznać, że osiągnięto to kosztem utraty powszechnej kompletności w obrazowaniu życia duchowego, integralności w obrazie życia duchowego. ucieleśnienie estetycznych poglądów społeczeństwa, charakterystycznych dla malarstwa Rubensa, Velazqueza, Rembrandta, Poussina.

ROKOKO („dziwaczny”, „kapryśny”; francuski rokoko z fragmentów kamieni, muszli w stylu rocaille), ruch stylowy, który zdominował sztukę europejską w pierwszych trzech ćwierci XVIII wieku. Reprezentował nie tyle niezależne zjawisko artystyczne, ile fazę, pewien etap paneuropejskiego stylu barokowego. Termin „rokoko” powstał we Francji pod koniec XVIII wieku, w okresie rozkwitu klasycyzmu, jako pogardliwy przydomek dla wszelkiej maniery i pretensjonalności sztuki XVIII wieku: zakrzywiona, kapryśna linia, przypominająca zarys powłoka, jej główna cecha. Sztuka rokokowa to świat fikcji i intymnych przeżyć, dekoracyjnej teatralności, wyrafinowania, wyrafinowanego wyrafinowania, nie ma w niej miejsca na heroizm i patos, zastępuje je gra miłości, fantazji i urokliwych błyskotek. Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie arystokracji dworskiej, idylliczne obrazy życia „pasterskiego” na tle dziewiczej przyrody, świat skomplikowanych romansów i pomysłowe alegorie. Życie ludzkie jest chwilowe i ulotne, dlatego musimy chwytać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się, aby żyć i czuć. „Duch uroczych i zwiewnych drobiazgów” staje się motywem przewodnim twórczości wielu artystów „stylu królewskiego”.

Francois Boucher Francois Boucher (1703-1770) uważał się za wiernego ucznia Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Inni postrzegali go jako artystę – „obłudnika”, który „ma wszystko oprócz prawdy”. Jeszcze inni sceptycznie zauważyli: „Jego ręka zbiera róże, gdzie inni znajdują tylko ciernie”. Francois Boucher (1703-1770) uważał się za wiernego ucznia Watteau. Artysta namalował szereg portretów ulubienicy króla Ludwika XV, markizy de Pompadour. Wiadomo, że patronowała Boucherowi i niejednokrotnie zamawiała mu obrazy o tematyce religijnej do rezydencji wiejskich i paryskich rezydencji. Na obrazie „Madame de Pompadour” bohaterka ukazana jest w otoczeniu porozrzucanych kwiatów i luksusowych przedmiotów, co przypomina jej artystyczne upodobania i hobby. Leży po królewsku na tle bujnych, uroczystych draperiów. Książka, którą trzyma w ręku, jest wyraźną oznaką oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne. Markiz hojnie podziękował artyście. Mianując go dyrektorem Manufaktury Gobelinów, a następnie przyznając mu tytuł „pierwszego malarza królewskiego”.

Francois Boucher niejednokrotnie zwracał się do przedstawiania niepoważnych scen, których głównymi bohaterami były urocze, nieśmiałe pasterki lub pulchne nagie piękności w postaci mitologicznych Wenus i Dian. Jego obrazy są pełne niejednoznacznych podpowiedzi, pikantnych detali (podniesiony rąbek satynowej spódnicy pasterki, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do jej ust, wymowne, zachęcające spojrzenie, symbolicznie całujące gołębie itp.). ) Artysta doskonale znał modę i gusta swojej epoki!

W historii malarstwa Francois Boucher pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i wykwintnego designu. Dowcipne kompozycje, niezwykłe kąty postaci, dziwaczne sylwetki niemal teatralnej scenerii, bogate akcenty kolorystyczne, jasne odbicia przezroczystych farb nakładanych małymi, lekkimi pociągnięciami, płynne rytmy - wszystko to czyni F. Bouchera niezrównanym mistrzem malarstwa. Jego obrazy zamieniają się w dekoracyjne panele, zdobią bujne wnętrza korytarzy i salonów, przywołują do świata szczęścia, miłości i pięknych snów.

FRAGONARD Jean Honore Francuski malarz i rytownik, największy mistrz epoki Ludwika XVI. zasłynął dzięki mistrzowsko zrealizowanym scenom galowym i codziennym, w których rokokowa elegancja łączy się z wiernością naturze, subtelnością efektów świetlnych i majestatycznymi starożytnymi ruinami. Oprócz prac tworzonych na podstawie prawdziwych obserwacji tworzy także improwizowane pastorałki, odtwarza scenę z taką plastyką, że sprawia wrażenie namalowanej na żywo.

Antoine’a Watteau– współcześni nazywali go „poetą beztroskiego wypoczynku” i „wielkich uroczystości”, „pieśniarzem wdzięku i piękna”. W swoich pracach ukazywał pikniki w wiecznie zielonych parkach, koncerty muzyczne i teatralne na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, idylliczne randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach kryje się bolesny smutek. Poczucie przemijania piękna i efemeryczności tego, co się dzieje.

Watteau znalazł siebie, swój temat, kiedy przybył do Paryża: są to tak zwane galanteryjne uroczystości - arystokratyczne towarzystwo w parku, grające muzykę, tańczące, bezczynne; malarstwo, w którym pozornie nie ma akcji i fabuły – sceny z beztroskiego życia, przekazane z wyrafinowanym wdziękiem. Wszystko to widziane jakby z zewnątrz przez subtelnego, nieco ironicznego obserwatora z nutą melancholii i smutku. Kolorystyka Watteau – jedna z najmocniejszych cech jego talentu – opiera się na subtelnych niuansach odcieni szarości, brązu, bladego bzu i żółto-różowego. W obrazach Watteau nigdy nie ma czystego tonu. Jak wszystkie najsubtelniejsze odcienie miłości oddane są w kolorze. W 1717 roku artysta stworzył jedno ze swoich największych dzieł „Pielgrzymka na wyspę Cythera”. Ten obraz odzwierciedla najsubtelniejszą paletę uczuć, którą tworzy przede wszystkim sam kolor. Ale to wszystko nie jest miłością, ale grą miłosną, teatrem.

Fiodor Stepanowicz Rokotow- słynny rosyjski portrecista, akademik malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu (1765). Życie Fiodora Stepanowicza Rokotowa, najbardziej poetyckiego portrecisty XVIII wieku, przez długi czas pozostawało tajemnicą. Artysta, który za życia cieszył się ogromną sławą, po śmierci został zapomniany na całe stulecie.
Jego obrazy znajdują się w wielu muzeach w dużych i małych miastach Rosji i niestety jego piękne portrety nazywane są „Portretem nieznanej kobiety”. Na kształtowanie się osobowości F.S. Rokotowa wpłynęła jego znajomość z M.V. Łomonosowem. Wydaje się, że temat godności ludzkiej, który tak wyraźnie brzmi w portretach Rokotowa, został zdeterminowany nie bez wpływu genialnego naukowca i pisarza, jakim był Łomonosow. Dopiero XX wiek przywrócił sztuce rosyjskiej imię F.S. Rokotowa. Ale nawet teraz wiele osób wie o nim jako o autorze jednego lub dwóch obrazów.

Williama Hogartha- angielski grafik i malarz gatunkowy, założyciel i główny przedstawiciel narodowej szkoły malarstwa, Hogarth - wybitny ilustrator, autor rycin satyrycznych, odkrywca nowych gatunków w malarstwie i grafice. Zasłynął dzięki rysunkom satyrycznym i realistycznym portretom. Artysta pozostający pod wpływem idei filozofów oświecenia wiele swoich dzieł podporządkował zadaniu wychowania, poprzez twórczość artystyczną, zasad moralnych w człowieku i wykorzenienia wad.

Najsłynniejsze dzieła Williama Hogartha: cykl rycin „Modne małżeństwo”, „Kariera prostytutki”, „Kariera rozrzutnika”, „Wybory parlamentarne”, ryciny „Ulica Piwna”, „Gin Lane”, „Postacie i karykatury”, obrazy „Autoportret” , „Portret Kapitana Corema”, „Dziewczyna z Krewetką”.