Po pokazie obrazu Mikołaj I wręczył Bryulłowowi wieniec laurowy,
po czym zaczęto nazywać artystę „Karlem Wielkim”
Fragment obrazu Karla Bryullova (1799-1852) „Ostatni dzień Pompejów” (1830-1833)

Karl Bryullov był tak poruszony tragedią miasta zniszczonego przez Wezuwiusz, że osobiście brał udział w wykopaliskach w Pompejach, a później starannie pracował nad obrazem: zamiast tego trzy lata wskazany na zlecenie młodego filantropa Anatolija Demidowa artysta malował obraz przez całe sześć lat. O naśladowaniu Rafaela, fabule nawiązującej do Jeźdźca miedzianego, podróżach po Europie i modzie na tragedię Pompejów wśród artystów.

Zanim zaczniesz oglądać zdjęcia, które Twój syn zrobił w Pompejach, warto zrozumieć, jak do tego doszło.
Najsilniejsza była erupcja Wezuwiusza w dniach 24-25 sierpnia 79 r. n.e poważny kataklizm Świat starożytny. Tego ostatniego dnia w kilku nadmorskich miastach zginęło około 5 tysięcy osób. Nawet teraz nowoczesny mężczyzna słowo „zniszczenie” od razu będzie wymagało skojarzenia ze słowem „Pompeje”, a sformułowanie: „wczoraj właśnie umarłem Pompeje” jest zrozumiałe i metaforycznie oddaje skalę kłopotów, nawet gdyby pękła rura kanalizacyjna i zalała sąsiedzi.
Ta historia jest nam szczególnie dobrze znana z obrazu Karla Bryullowa, który można oglądać w Muzeum Rosyjskim w Petersburgu. Ten obraz zapada w pamięć, swego rodzaju hit, widać, że w czasach, gdy nie było kina, robił niezatarte wrażenie na widzach

W 1834 r. w Petersburgu odbyła się „prezentacja” obrazu. Poeta Jewgienij Boratyński napisał następujące słowa: „Ostatni dzień Pompejów stał się pierwszym dniem rosyjskiego pędzla!”Obraz zadziwił Puszkina i Gogola. Gogol uchwycony w swoim natchnionym artykule: poświęcony malarstwu, sekret jej popularności: „Jego prace są pierwszymi, które może (choć nie w ten sam sposób) zrozumieć artysta o najwyższym rozwoju gustu, a nie wiedzący, czym jest sztuka.”Rzeczywiście dzieło genialne jest zrozumiałe dla każdego, a jednocześnie osoba bardziej rozwinięta odkryje w nim inne płaszczyzny, innego poziomu.
Puszkin pisał wiersze, a nawet na marginesach naszkicował część kompozycji obrazu.

Wezuwiusz otworzył usta – dym wylał się w chmurze – płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumami uciekają z miasta starzy i młodzi (III, 332).

To krótka opowieść o obrazie, wielofigurowym i złożonym kompozycyjnie, wcale nie małym płótnie, w tamtych czasach było to nawet najbardziej Duży obraz, co zadziwiło już współczesnych: skala obrazu skorelowana ze skalą katastrofy.
Nasza pamięć nie jest w stanie wszystkiego zaabsorbować, jej możliwości nie są nieograniczone, taki obraz można oglądać wielokrotnie i za każdym razem widzimy coś innego. Co Puszkin wyróżnił i zapamiętał? Badacz jego twórczości Jurij Łotman wyróżnił trzy główne myśli: „powstanie żywiołów – posągi zaczynają się poruszać – lud (ludzie) jako ofiara katastrofy”. I doszedł do całkowicie rozsądnego wniosku: Puszkin właśnie skończył swoje „ Brązowy jeździec” i zobaczył, co było blisko niego w tej chwili. Rzeczywiście fabuła jest podobna: szaleją żywioły (powódź), pomnik ożywa, przestraszony Eugeniusz ucieka przed żywiołami i pomnikiem.
Łotman pisze także o kierunku poglądu Puszkina: „Porównanie tekstu z płótnem Bryullowa pokazuje, że wzrok Puszkina przesuwa się ukośnie od prawego górnego rogu do lewego dolnego rogu. Odpowiada to głównej osi kompozycyjnej obrazu. Badacz kompozycji diagonalnych, artysta i teoretyk sztuki N. Tarabukin napisał: „Treścią obrazu skonstruowanego kompozycyjnie wzdłuż tej przekątnej jest często taka czy inna procesja demonstracyjna”. I dalej: „Widz obrazu w w tym przypadku rozgrywa się jakby wśród ukazanego na płótnie tłumu.”
Rzeczywiście, jesteśmy niezwykle urzeczeni tym, co się dzieje; Bryullovowi udało się maksymalnie zaangażować widza w wydarzenia. Istnieje „efekt obecności”.
Karl Bryullov ukończył Akademię Sztuk Pięknych w 1823 roku ze złotym medalem. Tradycyjnie złoci medaliści wyjechali na staż do Włoch. Tam Bryullov odwiedza warsztat Włoski artysta i przez 4 lata kopie „ Szkoła ateńska„Rafael i w rozmiar życia wszystkie 50 figurek. W tym czasie pisarz Stendhal odwiedza Bryullova. Nie ma wątpliwości, że Bryullov wiele się nauczył od Rafaela, umiejętności organizowania dużego płótna. Bryulłow przybył do Pompejów w 1827 roku wraz z hrabiną Marią Grigoriewną Razumowską. Została pierwszą klientką obrazu. Prawa do obrazów kupuje jednak szesnastoletni Anatolij Nikołajewicz Demidow, właściciel zakładów górniczych Ural, bogaty człowiek i filantrop. Jego roczny dochód netto wynosił dwa miliony rubli. Niedawno zmarły ojciec Nikołaj Demidow był rosyjskim wysłannikiem i sponsorował wykopaliska we Florencji na Forum i Kapitolu. Demidow przekazał później obraz Mikołajowi I, który przekazał go Akademii Sztuk Pięknych, skąd trafił do Muzeum Rosyjskiego. Demidov podpisał kontrakt z Bryullowem na pewien okres i próbował dostosować artystę, ale zdecydował wielka wizja i w sumie praca nad obrazem trwała 6 lat.
Bryullov robi wiele szkiców i zbiera materiały.

Bryullov był tak pochłonięty, że sam brał udział w wykopaliskach. Należy stwierdzić, że prace wykopaliskowe rozpoczęły się formalnie 22 października 1738 roku na polecenie króla neapolitańskiego Karola III i prowadził je inżynier z Andaluzji Roque Joaquin de Alcubierre, przy pomocy 12 pracowników, i były to pierwsze systematyczne prace archeologiczne wykopaliska w historii, kiedy prowadzono szczegółowe zapisy wszystkiego, co zostało znalezione, wcześniej były to głównie metody pirackie, kiedy wyrywano cenne przedmioty, a resztę można było barbarzyńsko zniszczyć. Do czasu pojawienia się Bryulłowa Herkulanum i Pompeje stały się nie tylko miejscem wykopalisk, ale także miejscem pielgrzymek turystów. Ponadto Bryullov zainspirował się operą Pacciniego „Ostatni dzień Pompejów”, którą widział we Włoszech. Wiadomo, że na potrzeby przedstawienia ubrał aktorów w kostiumy. Nawiasem mówiąc, Gogol porównał obraz do opery, najwyraźniej wyczuwając „teatralność” mise-en-scène. Zdecydowanie tęskni akompaniament muzyczny w duchu Carmina Burana.

Tak więc po długim szkicu Bryullov namalował obraz i już we Włoszech wzbudził ogromne zainteresowanie. Demidov postanowił zabrać ją do Paryża na Salon, gdzie również przyjęła złoty medal. Ponadto był wystawiany w Mediolanie i Londynie. W Londynie obraz oglądał pisarz Edward Bulwer-Lytton, który pod wrażeniem obrazu napisał później swoją powieść „Ostatnie dni Pompejów”. Interesujące jest porównanie dwóch aspektów interpretacji fabuły. W Bryullovie wyraźnie widzimy całą akcję, gdzieś w pobliżu jest ogień i dym, ale na pierwszym planie wyraźny obraz bohaterów.Gdy zaczęła się już panika i masowy exodus, miasto było w sporej ilości dymu z popiół, artysta przedstawia opad skały z drobnym petersburskim deszczem i kamykami rozrzuconymi po chodniku. Ludzie częściej uciekają przed pożarem. Tak naprawdę miasto spowijał już smog, nie można było oddychać, w powieści Bulwera-Lyttona bohaterów – zakochaną parę – ratuje niewidomy od urodzenia niewolnik. Ponieważ jest niewidoma, z łatwością odnajduje drogę w ciemności. Bohaterowie zostają ocaleni i przyjmują chrześcijaństwo.
Czy w Pompejach byli chrześcijanie? W tym czasie byli prześladowani i nie wiadomo, czy nowa wiara dotarła do prowincjonalnego kurortu. Jednak Bryullov przeciwstawia także wiarę pogańską i śmierć pogan wiarą chrześcijańską. W lewym rogu obrazu widzimy grupę starca z krzyżem na szyi i kobiety znajdujące się pod jego opieką. Starzec zwrócił wzrok ku niebu, ku swemu Bogu, może on go uratuje.

Ten obraz jest mi znany z dzieciństwa, dawno temu Szkoła Artystyczna rozebraliśmy to cała lekcja na przykładzie „Ostatniego dnia Pompejów” nauczycielka opowiedziała o głównych technikach malarskich, którymi posługiwał się artysta. Rzeczywiście, może służyć jako podręcznik malarstwa, jeśli dokładnie go przeanalizujesz. Artysta wykorzystuje kontrasty barwne i świetlne, umiejętnie jednocząc grupy ludzi. Chociaż współcześni artyści nadali mu przydomek „jajka sadzone” ze względu na jasne kolory, głównie jasne centrum kompozycyjne, rozumiemy, że Włochy ze swoimi jasnymi, naturalnymi kolorami nie mogły nie wpłynąć. Bryullov uważany jest za twórcę „gatunku włoskiego” w malarstwie rosyjskim.

Nawiasem mówiąc, Bryullov skopiował niektóre postacie z figur z wykopalisk. Do tego czasu zaczęli wypełniać puste przestrzenie tynkiem i całkowicie prawdziwe postacie martwych mieszkańców.

Klasycystyczni nauczyciele karcili Karola za odejście od kanonów malarstwo klasyczne. Karl pędził pomiędzy wchłanianą w Akademii klasyką z jej idealnie wysublimowanymi zasadami a nową estetyką romantyzmu.

Jeśli spojrzysz na zdjęcie, możesz zidentyfikować kilka grup i pojedynczych postaci, każda z własną historią. Niektóre inspirowane były wykopaliskami, inne faktami historycznymi.

Na zdjęciu obecny jest sam artysta, jego autoportret jest rozpoznawalny, tutaj jest młody, ma około 30 lat, na głowie niesie najpotrzebniejszą i najdroższą rzecz - pudełko farb. Jest to hołd złożony tradycji artystów renesansu, polegającej na malowaniu na obrazie swojego autoportretu.
Dziewczyna obok niesie lampę.



Syn niosący na sobie ojca przypomina klasyczną opowieść o Eneaszu, który niósł ojca ze spalenia Troi.



Artysta za pomocą jednego kawałka materiału łączy w grupę uciekającą przed katastrofą rodzinę. Podczas wykopalisk szczególnie wzruszające są pary, które objęły się przed śmiercią oraz dzieci z rodzicami.




Z listów Pliniusza Młodszego zaczerpnięto dwie postacie, przedstawiające syna namawiającego matkę, aby wstała i biegła dalej.



Pliniusz Młodszy okazał się naocznym świadkiem, który pozostawił pisemne dowody zniszczenia miast. Zachowały się dwa listy, które napisał do historyka Tacyta, w których opowiada o śmierci swojego wuja Pliniusza Starszego, słynnego przyrodnika, oraz własnych nieszczęściach.
Gajusz Pliniusz miał zaledwie 17 lat, w chwili katastrofy studiował historię Tytusa Liwiusza do napisania eseju i dlatego odmówił wyjazdu z wujem na oglądanie erupcji wulkanu. Pliniusz Starszy był wówczas admirałem tutejszej floty, stanowisko jakie otrzymał za zasługi naukowe było łatwe. Ciekawość go zrujnowała, w dodatku niejaka Reczina wysłała mu list z prośbą o pomoc; z jej willi jedyną drogą ucieczki była droga morska. Pliniusz przepłynął obok Herkulanum; ludzi na brzegu można było jeszcze uratować, ale chciał szybko zobaczyć erupcję w całej okazałości. Następnie statki w dymie z trudem odnalazły drogę do Stabii, gdzie Pliniusz spędził noc, lecz następnego dnia zmarły po wdychaniu zatrutego siarką powietrza.
Guy Pliniusz, który pozostał w Misenum, 30 kilometrów od Pompejów, był zmuszony uciekać, ponieważ nieszczęście dotknęło jego i jego matkę.
Obraz szwajcarskiej artystki Angeliki Kaufmann pokazuje dokładnie ten moment. Hiszpański przyjaciel namawia Guya i jego matkę do ucieczki, ale wahają się, myśląc, że poczekają na powrót wujka. Matka na zdjęciu wcale nie jest słaba, ale jest jeszcze dość młoda.




Uciekają, matka prosi ją, żeby ją zostawiła i ratowała się w spokoju, ale Guy pomaga jej iść dalej. Na szczęście udaje się ich uratować.
Pliniusz opisał grozę katastrofy i opisał wygląd erupcji, po czym zaczęto ją nazywać „pliniańską”. Widział erupcję z daleka:
„Chmura (patrzący z daleka nie potrafił określić, nad którą górą się wznosiła; później poznano, że był to Wezuwiusz) swoim kształtem najbardziej przypominała sosnę: była jak wyrastający wysoki pień, z którego zdawały się wychodzić gałęzie rozchodzą się we wszystkich kierunkach. Myślę, że został wyrzucony przez prąd powietrza, ale potem prąd osłabł i chmura zaczęła się rozszerzać pod wpływem własnej grawitacji; W niektórych miejscach była jasnobiała, w innych były brudne plamy, jakby z ziemi i popiołu uniesionego w górę.
Mieszkańcy Pompejów przeżyli już erupcję wulkanu 15 lat wcześniej, ale nie wyciągnęli z niej żadnych wniosków. Powodem jest uwodzicielskie wybrzeże morskie i żyzne ziemie. Każdy ogrodnik wie, jak dobrze rosną rośliny na popiele. Ludzkość wciąż wierzy w „może to się przełamie”. Potem Wezuwiusz budził się więcej niż raz, prawie raz na 20 lat. Zachowało się wiele rysunków przedstawiających erupcje z różnych stuleci.

To właśnie wpłynęło szczególnie na śmierć miast: wiatr niósł zawiesinę wyrzuconych cząstek w kierunku południowo-wschodnim, właśnie w stronę miast Herkulanum, Pompejów, Stabii i kilku innych małych willi i wiosek. W ciągu 24 godzin znaleźli się pod wielometrową warstwą popiołu, ale wcześniej wiele osób zginęło w wyniku osunięcia się skał, spalono żywcem i zmarło z powodu uduszenia. Lekkie drżenie nie zwiastowało zbliżającej się katastrofy, nawet gdy z nieba spadały już kamienie, wielu zdecydowało się modlić do bogów i ukrywać się w domach, gdzie później zostali zamurowani żywcem w warstwie popiołu.

Guy Pliniusz, który doświadczył tego wszystkiego w lżejszej wersji w Mezim, opisuje, co się wydarzyło:„Jest już pierwsza godzina dnia, a światło jest niewłaściwe, jakby chore. Domy wokół się trzęsą; jest bardzo przerażający na otwartej, wąskiej przestrzeni; zaraz się zawalą. W końcu zdecydowano się opuścić miasto; za nami tłum ludzi, którzy stracili głowy i wolą cudzą decyzję od własnej; ze strachu wydaje się to rozsądne; jesteśmy naciskani i popychani w tym tłumie ludzi wychodzących. Wyjeżdżając z miasta zatrzymujemy się. Ileż niesamowitych i ileż strasznych rzeczy przeżyliśmy! Wozy, które miały nam towarzyszyć, rzucano w różne strony po całkowicie równym terenie; mimo ułożonych kamieni, nie mogli stać w tym samym miejscu. Widzieliśmy cofanie się morza; ziemia drżąca zdawała się go odpychać. Brzeg wyraźnie posuwał się do przodu; wiele zwierząt morskich utknęło w suchym piasku. Po drugiej stronie była czarna straszna chmura, którą w różnych miejscach przebijały biegnące ogniste zygzaki; otworzyła się, tworząc szerokie, płonące pasy, podobne do błyskawic, ale większe”.

Nie możemy sobie nawet wyobrazić cierpienia tych, którym mózgi eksplodowały od gorąca, płuca zamieniły się w cement, a zęby i kości uległy zniszczeniu.

Jak doszło do katastrofy w ciągu jednego dnia, można zobaczyć w filmie BBC lub pokrótce w tej instalacji:



Lub obejrzyj film „Pompeje”, w którym również z pomocą Grafika komputerowa odtworzono widok miasta i apokalipsy na dużą skalę.



Zobaczymy, co archeolodzy wykopali. długie lata wykopaliska..

Płótno, olej.
Rozmiar: 465,5 × 651 cm

„Ostatni dzień Pompejów”

Ostatni dzień Pompejów jest straszny i piękny. Pokazuje, jak bezsilny jest człowiek w obliczu wściekłej natury. Talent artysty jest niesamowity, udało mu się przekazać całą kruchość życie człowieka. Obraz cicho krzyczy, że na świecie nie ma nic ważniejszego ludzka tragedia. Trzydziestometrowe monumentalne płótno odsłania przed wszystkimi te strony historii, których nikt nie chce powtórzyć.

... Spośród 20 tysięcy mieszkańców Pompejów tego dnia na ulicach miasta zginęło 2 tysiące osób. Do dziś nie wiadomo, ilu z nich pozostało zakopanych pod gruzami domów.

Opis obrazu „Ostatni dzień Pompejów” K. Bryullova

Artysta: Karl Pavlovich Bryullov (Bryulov)
Tytuł obrazu: „Ostatni dzień Pompejów”
Obraz powstał w latach 1830-1833.
Płótno, olej.
Rozmiar: 465,5 × 651 cm

Rosyjski artysta Epoka Puszkina znany jako portrecista i ostatni romantyk malarstwa, ale nie rozmiłowany w życiu i pięknie, ale raczej jako doświadczający tragiczny konflikt. Warto zauważyć, że małe akwarele K. Bryullova podczas jego życia w Neapolu przywozili arystokraci z podróży jako pamiątki dekoracyjne i rozrywkowe.

Na twórczość mistrza duży wpływ miało jego życie we Włoszech, podróże po miastach Grecji, a także przyjaźń z A.S. Puszkinem. Ten ostatni radykalnie wpłynął na wizję świata absolwenta Akademii Sztuk Pięknych – w jego twórczości na pierwszym miejscu stawiany jest los całej ludzkości.

To zdjęcie odzwierciedla tę ideę tak wyraźnie, jak to możliwe. „Ostatni dzień Pompejów” oparte na prawdziwych faktach historycznych.

Miasto w pobliżu współczesnego Neapolu zostało zniszczone przez erupcję Wezuwiusza. Mówią o tym także rękopisy historyków starożytnych, zwłaszcza Pliniusza Młodszego. Mówi, że Pompeje słynęły w całych Włoszech ze swojego łagodnego klimatu, leczniczego powietrza i boskiej natury. Patrycjusze mieli tu wille, odpoczywali cesarze i generałowie, zamieniając miasto w starożytną wersję Rublowki. Wiadomo niezawodnie, że znajdował się tu teatr, wodociąg i łaźnie rzymskie.

24 sierpnia 79 r. n.e mi. ludzie usłyszeli ogłuszający ryk i zobaczyli słupy ognia, popiołu i kamienie zaczynają wydobywać się z wnętrzności Wezuwiusza. Katastrofę poprzedziło trzęsienie ziemi dzień wcześniej, więc większość ludzi zdołała opuścić miasto. Ci, którzy pozostali, nie zostali uratowani przed popiołami, które dotarły do ​​Egiptu i lawa wulkaniczna. W ciągu kilku sekund doszło do straszliwej tragedii – domy zawaliły się na głowy mieszkańców, a metrowe warstwy osadu wulkanicznego pokryły wszystkich bez wyjątku. W Pompejach wybuchła panika, ale nie było dokąd uciec.

To właśnie ten moment uwiecznił na płótnie K. Bryullov, który widział ulice na żywo starożytne miasto, nawet pod warstwą skamieniałego popiołu, pozostały takie same jak przed erupcją. Artysta przez długi czas zbierał materiały, kilkakrotnie odwiedzał Pompeje, oglądał domy, spacerował po ulicach, sporządzał szkice odcisków ciał ludzi, którzy zginęli pod warstwą gorącego popiołu. Na obrazie ukazano wiele postaci w tych samych pozach – matkę z dziećmi, kobietę, która spadła z rydwanu i młode małżeństwo.

Napisanie dzieła zajęło 3 lata - od 1830 do 1833. Mistrz był tak przesiąknięty tragedią ludzka cywilizacjaże kilkakrotnie wynoszono go z warsztatu w stanie półomdlenia.

Co ciekawe, w filmie pojawiają się motywy zagłady i ofiar z ludzi. W pierwszej chwili zobaczycie ogień ogarniający miasto, spadające posągi, oszalałego konia i zamordowaną kobietę, która spadła z rydwanu. Kontrast osiągają uciekający mieszkańcy miasta, którzy nie dbają o nią.

Warto zauważyć, że mistrz nie przedstawił tłumu w zwykłym tego słowa znaczeniu, ale ludzi, z których każdy opowiada swoją historię.

Matki trzymające na rękach swoje dzieci, które nie do końca rozumieją, co się dzieje, chcą je uchronić przed tą katastrofą. Synowie, niosąc ojca na rękach, patrząc szaleńczo w niebo i zasłaniając dłonią oczy przed popiołami, próbują go uratować za cenę własnego życia. Młody mężczyzna, trzymając w ramionach zmarłą narzeczoną, zdaje się nie wierzyć, że ona już nie żyje. Rozwścieczony koń, który próbuje zrzucić jeźdźca, zdaje się dawać do zrozumienia, że ​​natura nikogo nie oszczędziła. Chrześcijański pasterz w czerwonych szatach, nie puszczając kadzielnicy, odważnie i ze straszliwym spokojem patrzy na spadające posągi pogańskich bogów, jakby widział w tym karę Bożą. Uderzający jest obraz księdza, który po zabraniu ze świątyni złotego kielicha i artefaktów opuszcza miasto, tchórzliwie rozglądając się dookoła. Twarze większości ludzi są piękne i nie wyrażają przerażenia, ale spokój.

Jeden z nich w tle to autoportret samego Bryulłowa. Ściska najcenniejszą rzecz dla siebie – pudełko farb. Zwróć uwagę na jego spojrzenie, nie ma w nim strachu przed śmiercią, jest jedynie podziw dla spektaklu, który się rozegrał. To tak, jakby mistrz zatrzymał się i przypomniał sobie śmiertelnie piękny moment.

Co ciekawe, na płótnie nie ma głównego bohatera, jest jedynie świat podzielony żywiołami na dwie części. Postacie rozchodzą się na proscenium, otwierając drzwi do wulkanicznego piekła, a leżąca na ziemi młoda kobieta w złotej sukni jest symbolem śmierci wyrafinowanej kultury Pompejów.

Bryullov wiedział, jak pracować ze światłocieniem, modelując trójwymiarowe i żywe obrazy. Ubrania i draperie odgrywają tutaj ważną rolę. Przedstawione są szaty bogate kolory– czerwony, pomarańczowy, zielony, ochra, niebieski i niebieski. Kontrastuje z nimi śmiertelnie blada skóra, którą rozświetla blask błyskawic.

Światło kontynuuje ideę podziału obrazu. Nie jest już sposobem na przekazanie tego, co się dzieje, ale staje się żywym bohaterem „Ostatniego dnia Pompejów”. Błyskawica błyska w żółtym, wręcz cytrynowym, zimnym kolorze, zamieniając mieszkańców miasta w żywe marmurowe posągi, a krwistoczerwona lawa spływa po spokojnym raju. Blask wulkanu rozświetla panoramę umierającego miasta w tle zdjęcia. Czarne kłęby pyłu, z których leje się nie zbawienny deszcz, ale niszczycielski popiół, jakby mówili, że nikogo nie da się uratować. Dominującym kolorem na obrazie jest czerwień. Co więcej, nie jest to wesoły kolor, który ma dawać życie. Czerwień Bryullova jest krwawa, jakby odzwierciedlała biblijny Armageddon. Ubrania bohaterów i tło obrazu zdają się zlewać z blaskiem wulkanu. Błyskawice oświetlają tylko pierwszy plan.

Trudno wymienić obraz, który odniósłby wśród współczesnych taki sam sukces jak „Ostatni dzień Pompejów”. Gdy tylko płótno zostało ukończone, rzymski warsztat Karla Bryullowa przeszedł prawdziwe oblężenie. "WCały Rzym zgromadził się, żeby zobaczyć moje zdjęcie”., – napisał artysta. Wystawiony w 1833 roku w Mediolanie„Pompeje” dosłownie zszokował publiczność. Gazety i czasopisma pełne były pochwalnych recenzji,Bryullowa nazywano żywym Tycjanem, drugi Michał Anioł, nowy Rafael...

Na cześć rosyjskiego artysty odbywały się obiady i przyjęcia, a także dedykowano mu wiersze. Gdy tylko Bryullov pojawił się w teatrze, sala eksplodowała brawami. Malarza rozpoznawano na ulicach, obsypywano kwiatami, a czasem uroczystość kończyła się noszeniem go przez fanów na rękach ze piosenkami.

W 1834 r. obraz opcjonalnyklient, przemysłowiec A.N. Demidowa, był wystawiany na Salonie Paryskim. Reakcja publiczności nie była tu tak gorąca jak we Włoszech (zazdrość! – wyjaśniali Rosjanie), ale „Pompeje” zostały nagrodzone złotym medalem Francuskiej Akademii Sztuk Pięknych.

Trudno sobie wyobrazić entuzjazm i patriotyczny entuzjazm, z jakim obraz został przyjęty w Petersburgu: dzięki Bryullovowi malarstwo rosyjskie przestało być pilnym uczniem wielkich Włochów i stworzyło dzieło, które zachwyciło Europę!Obraz został podarowany Demidow Mikołaj I , który na krótko umieścił go w Cesarskim Ermitażu, a następnie podarował Akademia sztuka

Według wspomnień współczesnego człowieka „tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, aby popatrzeć na Pompeje”. O arcydziele rozmawiali na salonach, wymieniali się opiniami w prywatna korespondencja, robił notatki w pamiętnikach. Dla Bryulłowa nadano honorowy przydomek „Karol Wielki”.

Pod wrażeniem obrazu Puszkin napisał sześciowierszowy wiersz:
„Wezuwiusz się otworzył – dym wylał się w chmurze – płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
W tłumie, starzy i młodzi, uciekający z miasta.”

Gogol poświęcony” Ostatni dzień Pompeje” to artykuł niezwykle wnikliwy, a poeta Jewgienij Baratyński wyraził ogólną radość w znanym improwizacji:

« Przyniosłeś trofea pokojowe
Z tobą pod baldachimem twojego ojca,
I stał się „Ostatnim dniem Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla!”

Nieumiarkowany entuzjazm już dawno opadł, ale nawet dziś malarstwo Bryullowa produkuje najsilniejsze wrażenie, wychodząc poza doznania, jakie zwykle wywołuje w nas malarstwo, nawet bardzo dobre. O co chodzi?

„Ulica Grobowa” W głębi znajduje się Brama Herkulanowska.
Fotografia z drugiej połowy XIX wieku.

Od czasu rozpoczęcia wykopalisk w Pompejach w połowie XVIII wieku miastem, które zostało zniszczone przez erupcję Wezuwiusza w 79 r., cieszy się duże zainteresowanie. e., nie zniknęło. Europejczycy przybywali do Pompejów, aby wędrować po ruinach, uwolnionych od warstwy skamieniałego popiołu wulkanicznego, podziwiać freski, rzeźby, mozaiki i zachwycać się nieoczekiwanymi znaleziskami archeologów. Wykopaliska przyciągały artystów i architektów, wielką modą cieszyły się ryciny przedstawiające widoki Pompejów.

Bryulłow , który jako pierwszy odwiedził wykopaliska w 1827 roku, bardzo trafnie przekazałpoczucie empatii dla wydarzeń sprzed dwóch tysięcy lat, który obejmuje każdego, kto przyjedzie do Pompejów:„Widok tych ruin mimowolnie przeniósł mnie do czasów, gdy te mury były jeszcze zamieszkane /.../. Nie da się przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim poza strasznym wydarzeniem z tym miastem.

Wyraź to „nowe uczucie”, stwórz nowy wygląd antyk - nie abstrakcyjnie muzealny, ale holistyczny i pełnokrwisty, do czego artysta dążył w swoim malarstwie. Do epoki przyzwyczaił się ze skrupulatnością i troską archeologa: ponad pięć lat na stworzenie samego płótna o powierzchni 30 metry kwadratowe Zajęło to zaledwie 11 miesięcy, resztę czasu pochłonęły prace przygotowawcze.

„Wziąłem tę scenerię całkowicie z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód”, podzielił się Bryullov w jednym ze swoich listów.Pompeje miały osiem bram, aledalej artysta wspomniał o „schodach prowadzących do Sepolcri Sc au ro „ – monumentalny grobowiec wybitnego obywatela Skaurusa, co daje nam możliwość dokładnego ustalenia miejsca akcji wybranego przez Bryulłowa. To jest o o Bramie Herkulanowskiej w Pompejach ( Porto w Ercolano ), za którym już za miastem zaczynała się „Ulica Grobów” ( Via dei Sepolcri) - cmentarz ze wspaniałymi grobowcami i świątyniami. Ta część Pompejów powstała w latach dwudziestych XIX wieku. była już dobrze oczyszczona, co pozwoliło malarzowi z maksymalną dokładnością odtworzyć architekturę na płótnie.

Grób Skaurusa. Rekonstrukcja XIX wieku.

Odtwarzając obraz erupcji Bryulłow wzorował się na słynnych listach Pliniusza Młodszego do Tacyta. Młody Pliniusz przeżył erupcję w porcie Miseno na północ od Pompejów i szczegółowo opisał to, co zobaczył: domy, które zdawały się ruszać ze swoich miejsc, płomienie rozprzestrzeniające się szeroko po stożku wulkanu, gorące kawałki pumeksu spadające z nieba , ulewny deszcz popiołu, czarna nieprzenikniona ciemność, ogniste zygzaki, jak gigantyczne błyskawice... I Bryullov przeniósł to wszystko na płótno.

Sejsmolodzy są zdumieni, jak przekonująco przedstawił trzęsienie ziemi: patrząc na walące się domy, można określić kierunek i siłę trzęsienia ziemi (8 punktów). Wulkanolodzy zauważają, że erupcja Wezuwiusza została napisana z całą możliwą dokładnością na tamte czasy. Historycy twierdzą, że obraz Bryulłowa można wykorzystać do badania kultury starożytnego Rzymu.

Aby rzetelnie uchwycić świat starożytnych Pompejów zniszczonych przez katastrofę, Bryullov pobrał jako próbki przedmioty i pozostałości ciał znalezione podczas wykopalisk oraz wykonał niezliczone szkice w Muzeum Archeologicznym w Neapolu. Metodę przywracania zmarłym pozy umierającej poprzez wapno w puste przestrzenie powstałe po ciałach wynaleziono dopiero w 1870 r., ale już w trakcie tworzenia obrazu szkielety odkryte w skamieniałych popiołach świadczyły o ostatnich konwulsjach i gestach ofiar . Matka przytulająca swoje dwie córki; młoda kobieta, która upadła z rydwanu, który uderzył w bruk wyrwany z chodnika przez trzęsienie ziemi; ludzie na stopniach grobowca Skaurusa, chroniący głowy przed opadami skał stołkami i naczyniami – to wszystko nie jest wytworem wyobraźni malarza, ale artystycznie odtworzoną rzeczywistością.

Na płótnie widzimy postacie obdarzone rysami portretowymi samego autora i jego ukochanej, hrabiny Julii Samoilovej. Bryullov przedstawił się jako artysta niosący na głowie pudełko pędzli i farb. Piękne rysy Julii są na zdjęciu rozpoznawane aż czterokrotnie: dziewczynka z naczyniem na głowie, matka przytulająca córki, kobieta tuląca dziecko do piersi, szlachetna Pompejanka, która spadła z rozbitego rydwanu. Autoportret i portrety swojej dziewczyny są najlepszym dowodem na to, że wnikając w przeszłość Bryulłow rzeczywiście zbliżył się do wydarzenia, wywołując u widza „efekt obecności”, czyniąc go niejako uczestnikiem tego, co było wydarzenie.

Fragment obrazu:
autoportret Bryulłowaoraz portret Julii Samoilovej.
Fragment obrazu:
kompozycyjny „trójkąt” – matka przytulająca córki.

Malarstwo Bryulłowa podobało się wszystkim - zarówno surowym akademikom, zwolennikom estetyki klasycyzmu, jak i tym, którzy cenili nowość w sztuce i dla których „Pompeje” stały się, jak powiedział Gogol, „ jasne zmartwychwstanie obraz."Nowość tę do Europy przywiózł świeży powiew romantyzmu. Zasługi malarstwa Bryulłowa upatruje się zwykle w tym, że genialny absolwent petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych był otwarty na nowe trendy. Jednocześnie klasycystyczna warstwa obrazu jest często interpretowana jako relikt, nieunikniony hołd artysty złożony rutynowej przeszłości. Wydaje się jednak, że możliwy jest inny zwrot tematu: fuzja dwóch „izmów” okazała się dla filmu owocna.

Nierówna, śmiertelna walka człowieka z żywiołami – taki jest romantyczny patos obrazu. Zbudowany jest na ostrych kontrastach ciemności i katastrofalnego światła erupcji, nieludzkiej mocy bezdusznej natury i dużej intensywności ludzkich uczuć.

Ale jest na tym obrazie coś jeszcze, co przeciwstawia się chaosowi katastrofy: niewzruszony rdzeń świata trzęsącego się aż do fundamentów. Ten rdzeń to klasyczna równowaga najbardziej złożona kompozycja, co ratuje obraz przed tragicznym poczuciem beznadziei. Zbudowana według „przepisów” akademików kompozycja – wyśmiewane przez kolejne pokolenia malarzy „trójkąty”, w które mieszczą się grupy ludzi, równoważące masy po prawej i lewej stronie – odczytywana jest w żywym, pełnym napięcia kontekście obrazu w zupełnie inny sposób niż w suchych i śmiercionośnych akademickich płótnach.

Fragment obrazu: młoda rodzina.
NA pierwszoplanowy- chodnik uszkodzony przez trzęsienie ziemi.
Fragment obrazu: martwa Pompejanka.

„Świat jest nadal harmonijny w swoich podstawach” – to uczucie rodzi się w odbiorcy podświadomie, po części wbrew temu, co widzi na płótnie. Zachęcające przesłanie artysty odczytuje się nie na poziomie fabuły obrazu, ale na poziomie jego plastycznego rozwiązania.Dziki pierwiastek romantyczny został ujarzmiony klasycznie doskonałą formą, I w tej jedności przeciwieństw kryje się kolejny sekret atrakcyjności płótna Bryulłowa.

Film opowiada wiele ekscytujących i wzruszające historie. Oto zrozpaczony młody mężczyzna spoglądający w twarz dziewczyny w ślubnej koronie, która straciła przytomność lub zmarła. Oto młody mężczyzna przekonujący starszą kobietę siedzącą czymś wyczerpaną. Para ta nazywana jest „Pliniuszem z matką” (choć, jak pamiętamy, Pliniusz Młodszy nie był w Pompejach, ale w Miseno): w liście do Tacyta Pliniusz przekazuje swój spór z matką, która namawiała syna do opuszczenia ją i natychmiast uciekł, ale nie zgodził się opuścić słabej kobiety. Wojownik w hełmie i chłopiec niosą chorego starca; uściski dziecka, które cudem przeżyło upadek z rydwanu martwa matka; młody człowiek podniósł rękę, jakby odpierając cios żywiołów ze swojej rodziny, dziecko w ramionach żony z dziecięcą ciekawością wyciąga rękę do martwego ptaka. Ludzie starają się zabrać ze sobą to, co najcenniejsze: pogański kapłan – statyw, chrześcijanin – kadzielnica, artysta – pędzle. Zmarła kobieta niosła ze sobą biżuterię, która teraz leży na chodniku, niepotrzebna nikomu.

Fragment obrazu: Pliniusz z matką.
Fragment obrazu: trzęsienie ziemi - „upadek bożków”.

Tak potężne obciążenie fabularne obrazu może być niebezpieczne dla malarstwa, czyniąc płótno „opowieścią w obrazach”, ale literacka jakość Bryulłowa i bogactwo szczegółów nie niszczą integralność artystyczną obrazy. Dlaczego? Odpowiedź znajdziemy w tym samym artykule Gogola, który porównuje malarstwo Bryullowa „w jego ogromie i połączeniu wszystkiego, co w sobie piękne, z operą, gdyby tylko opera była rzeczywiście połączeniem potrójnego świata sztuk: malarstwa, poezji, muzyki” ( przez poezję Gogol oczywiście miał na myśli w ogóle literaturę).

Tę cechę Pompei można opisać jednym słowem - syntetycznością: obraz organicznie łączy w sobie dramatyczną fabułę, żywą rozrywkę i tematyczną polifonię, przypominającą muzykę. (Nawiasem mówiąc, teatralna podstawa obrazu była prawdziwy prototyp- Opera Giovanniego Pacciniego „Ostatni dzień Pompejów”, którą artysta przez lata pracował na płótnie, wystawiono w neapolitańskim teatrze San Carlo. Bryulłow dobrze znał kompozytora, kilkakrotnie słuchał opery i pożyczał kostiumy swoim opiekunom.)

Williama Turnera. Erupcja Wezuwiusza. 1817

Obraz przypomina więc końcową scenę monumentalnego przedstawienia operowego: najbardziej wyrazista sceneria jest zarezerwowana dla finału, wszystkie historie połączyć i motywy muzyczne splatają się w złożoną polifoniczną całość. Ten performans malarski jest podobny starożytne tragedie, w którym kontemplacja szlachetności i odwagi bohaterów w obliczu nieubłaganego losu prowadzi widza do katharsis – duchowego i moralnego oświecenia. Uczucie empatii, które nas ogarnia przed obrazem, przypomina to, czego doświadczamy w teatrze, kiedy to, co dzieje się na scenie, wzrusza nas do łez, a te łzy wnoszą radość do serca.

Gavina Hamiltona. Neapolitańczycy obserwują erupcję Wezuwiusza.
Drugie piętro. 18 wiek

Obraz Bryullova zapiera dech w piersiach: ogromny rozmiar - cztery i pół na sześć i pół metra, oszałamiające „efekty specjalne”, bosko zbudowani ludzie, jak ludzie ożywieni antyczne posągi. „Jego postacie są piękne pomimo grozy ich sytuacji. Zagłuszają je swoim pięknem” – pisał Gogol, z wyczuciem ujmując kolejną cechę obrazu – estetyzację katastrofy. Tragedia śmierci Pompejów i szerzej całości starożytna cywilizacja przedstawił nam się jako niezwykle piękny widok. Ile warte są te kontrasty: czarna chmura napierająca na miasto, lśniący płomień na zboczach wulkanu i bezlitośnie jasne błyskawice, te posągi uchwycone w samej chwili upadku i budynki walące się jak karton...

Postrzeganie erupcji Wezuwiusza jako majestatycznych przedstawień inscenizowanych przez samą naturę pojawiło się już w XVIII wieku – stworzono nawet specjalne maszyny imitujące erupcję. Tę „wulkaniczną modę” wprowadził brytyjski poseł do Królestwa Neapolu, lord William Hamilton (mąż legendarnej Emmy, przyjaciel admirała Nelsona). Zapalony wulkanolog, dosłownie zakochał się w Wezuwiuszu i nawet zbudował willę na zboczu wulkanu, aby wygodnie podziwiać erupcje. Obserwacje wulkanu w okresie jego aktywności (kilka erupcji miało miejsce w XVIII i XIX w.), opisy słowne i szkice jego zmieniającego się piękna, wspinaczka do krateru - takie były rozrywki elity neapolitańskiej i gości.

Z zapartym tchem podążaj za katastrofalnymi i pięknymi grami natury, nawet jeśli oznacza to balansowanie na krawędzi aktywny wulkan, charakterystyczne dla człowieka. To ta sama „ekstaza w walce i ciemna otchłań na krawędzi”, o której Puszkin pisał w „Małych tragediach”, a którą Bryullow oddał na swoim płótnie, budząc podziw i przerażenie od niemal dwóch stuleci.

Nowoczesne Pompeje

L. Osipowa

Aleksander Bryulłow. Autoportret. 1830.

„Karl, wyobraź sobie – osiemnaście wieków temu wszystko było dokładnie tak samo: słońce świeciło oślepiająco, sosny czerniały na brzegach drogi, a obciążone bagażami osły potykały się o kamienie. Jesteśmy na główna droga prowadzące do Pompejów. To są ruiny - Dom wakacyjny bogatego Diomedesa, nadal trwają tu wykopaliska, dalej znajduje się Willa Cycerona. Dalej jest hotel, tutaj znaleźli dużo naczyń ceramicznych, zapraw marmurowych, na kamiennej desce był ślad czegoś, co wyglądało jak przed chwilą rozlany płyn, a w piwnicach były ziarna pszenicy. Gdyby je rozdrobnić i upiec, można było skosztować najbardziej klasycznego chleba, jaki w naszym epoka romantyczna Myślę, że zadziwi wielu swoim smakiem. Ba, nie sądzisz, że wszystko stało się bardzo ożywione? Tłumy ludzi pędzą do miasta. Tutaj niosą na noszach jakiegoś ważnego pana. Ma na sobie tunikę oślepiająco białej, spiętą na ramieniu złotą klamrą, w sandałach do kolan ozdobionych diamentami, a za nim idzie cały orszak służby. Czy słyszysz krzyki tłumu? Pojawiły się rydwany, ale poruszanie się było dla nich tak trudne, że wszystkie wąskie uliczki były zatłoczone ludźmi. Wszystko jest jasne – wszyscy pędzą do amfiteatru. Na dziś zaplanowano walki gladiatorów z dzikimi zwierzętami. A może sędziowie skazali jednego z winnych na dokończenie życia na arenie w walce z lwami sprowadzonymi właśnie z Afryki? Och, oczywiście, jest to widok, którego nie może przegapić żaden Pompejusz.

Karol Bryulłow. Autoportret. OK. 1833.

- Uspokój się, wyobraźnia zaczyna cię gryźć! Spójrzcie tylko, a sami zostaniemy potępieni. - Śmieją się bracia Bryullov i siadając na przydrożnym kamieniu, pogrążają się w ciszy, przerywanej jedynie szelestem jaszczurek i szelestem kolczastej trawy...
Aleksander wstaje i po znalezieniu wygodnego miejsca na zniszczonych schodach otwiera duży album i zaczyna rysować. Nieco później dołącza do niego Karl. Ale rysują inaczej. Aleksandra jako architekta interesują relacje części, proporcje, które budowniczowie Pompejów przejęli od Greków. Co jakiś czas podbiega do Karola i prosi go, aby zwrócił uwagę na tę prostotę i elegancję linii połączoną z bogactwem, a nawet wyrafinowaniem dekoracji - kapitele kolumn mają albo formę splecionych delfinów, albo grupę faunów, z których jeden uczy drugiego gry na flecie, to splot fantastycznych owoców i liści... Wyrafinowanie, nadmiar wyobraźni - to już fenomen czasów nowożytnych, wpływ Rzymu. I tak jest z Pompejuszami we wszystkim: w najbogatszych domach wszystkie pomieszczenia, nawet sale bankietowe, są na wzór grecki bardzo małe – wszak liczba gości musi odpowiadać liczbie łask (trzy ) lub liczba muz (dziewięć). Tymczasem wiadomo, że Pompeje nie słynęły z umiaru w jedzeniu i przyjemnościach. Nawzajem. Na tutejsze biesiady podawano polędwicę z lwa afrykańskiego, wędzone udka wielbłąda, lisy karmione winogronami, aromatyczne króliki, sos z mózgów strusia, ziemne pająki, nie wspominając o winach mrożonych pachnących aromatycznymi ziołami... Nie, nasza wyobraźnia jest bezsilna wyobraźcie sobie to wszystko... Tak, Grecja i Rzym spotkały się w Pompejach, aby zostać pogrzebane w popiele i kamieniach na wiele stuleci po erupcji Wezuwiusza w sierpniu 79 r., po narodzinach Chrystusa...
Karl słucha brata pół ucha. W albumie szkicuje ołówkiem, żałując, że nie zabrał ze sobą farb. Jest już w mocy żywego piękna, cieszy się.
Jak niesamowity jest tutaj efekt światła, przenikliwy i miękki! A przejrzystość marmuru pozostawia wrażenie delikatności. Tors Wenus, posąg sportowca, niedawno odkopany, oczyszczony z ziemi, wydaje się bardziej autentyczny, naturalny niż żywi ludzie - to jest najlepsi ludzie. Oto jest - ten świat, który zaczął pojmować od dzieciństwa.
Ojciec - Paweł Iwanowicz Bryulłow, akademik rzeźby ozdobnej, zmusił dzieci do rysowania z antyków, gdy tylko nauczyły się trzymać ołówek w rękach. W wieku dziesięciu lat Karl został przyjęty na studenta petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych, a w wieku czternastu lat otrzymał srebrny medal za rysunek, w którym zdaniem wszystkich ożywił czasy Fidiasza i Polikleita. W martwy świat marmuru, czuł się, jakby przynależał, bo całą swą istotą czuł prawa, według których ten świat został stworzony. Och, jak on teraz uwierzył we własną siłę! Objąć wszystkie przedmioty, ubrać je w harmonię, zamienić wszystkie uczucia widza w spokojną i niekończącą się radość piękna. Stworzyć sztukę, która przenikałaby wszędzie: do chaty biedaka, pod marmurowe kolumny, na plac pełen ludzi – jak to było w tym mieście, jak było w odległej, jasnej Grecji…
...Minęło kilka lat. Aleksander wyjechał do Paryża, aby doskonalić swoją wiedzę i talent. Miał też jeszcze jeden zamiar, który wkrótce szczęśliwie zrealizował. Wydał książkę o wykopaliskach w Pompejach – na luksusowym papierze, z własnymi rysunkami i rysunkami. Walory książki doceniono tak bardzo, że już po krótkim czasie jej autor został wybrany na członka Królewskiego Instytutu Architektury w Londynie i mediolańskiej Akademii Sztuk. Aleksander nie tyle rozkoszował się sławą, co radował - w końcu miał coś do doniesienia Towarzystwu Zachęty Artystów, które siedem lat temu, w 1822 roku, po ukończeniu petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych wysłało go i jego brata za granicę za granicę Sztuka. Ale Karl... Mój Boże, jakie plotki o nim dotarły z Rzymu! Udało mu się zasłynąć jako wspaniały portrecista, a każdy wybitny rosyjski dżentelmen, który przyjeżdżał do Włoch, spieszył się, aby zamówić u niego jego portret. Ale katastrofą byłoby, gdyby ten człowiek zaczął budzić w Karlu niechęć. Mógł go przyjąć (jak to było w przypadku hrabiego Orłowa-Davydowa) w najbardziej swobodnym garniturze i najbardziej beztroskiej pozie i spokojnie oznajmić, że nie ma dziś nastroju do pracy. Skandal!..


Jeden ze szkiców do obrazu „Ostatni dzień Pompei”.

Do Aleksandra dotarła jednak wiadomość, że w Ostatnio Karl tworzy szkice dla duże płótno, który ma nosić tytuł „Ostatni dzień Pompejów”. Uszczęśliwiło go to do tego stopnia, że ​​natychmiast zasiadł do napisania listu, w którym z zapałem pytał, czy jego brat zamierza używać źródła historyczne albo będzie to owoc jego wolnej wyobraźni; Czy nie sądzi, że śmierć Pompejów była z góry przewidziana: Pompejańczycy pławili się w luksusie i zabawach, lekkomyślnie lekceważąc wszelkie znaki i przepowiednie, marnując w więzieniu pierwszych chrześcijan; gdzie sugeruje scenę obrazu; i co najważniejsze, niech, na litość boską, nie odwraca uwagi świetna robota, który być może ma mu za zadanie ujawnić swój geniusz całemu światu.
List jego brata wpadł w gniew Karla. Przeszedł już od szkiców do płótna. Był ogromny – miał 29 metrów kwadratowych. Pracował żarliwie, niemal bez przerwy, aż do całkowitego wyczerpania, przez co często wynoszono go z warsztatu. A potem przyszedł właściciel i poprosił o zapłacenie rachunków. . .
Oczywiście wszyscy już wątpią, że jest w stanie stworzyć coś wartościowego. Towarzystwo Zachęty Artystów już drugi rok nie wypłaca mu emerytury. Plotkują tylko o jego niepoważnym i nieostrożnym usposobieniu. Ale brat powinien wiedzieć, że jeśli pracuje z pasji, to nawet jeśli go owiniesz całunem, nie przestanie pracować.

K. P. Bryullov „Ostatni dzień Pompejów”, 1830–1833. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu.

Karl sięgał po pióro i atrament tylko w skrajnych przypadkach. A potem zdecydował: napisze teraz - zarówno do swoich braci (brat Fedor, także artysta, mieszkał w Petersburgu), jak i do Towarzystwa Zachęty. „Krajobraz... Wziąłem to wszystko z życia, bez wycofywania się i dodawania, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód - bez czego by to wyglądało jak pożar? prawa strona Kładę na kolanach grupy matek z dwiema córkami (w tej pozycji znaleziono te szkielety); za tą grupą widać grupę ludzi tłoczących się na schodach... zakrywających głowy stołkami i wazonami (wszystko, co uratowali, zabrałem z muzeum). W pobliżu tej grupy znajduje się uciekająca rodzina, myśląca o znalezieniu schronienia w mieście: mąż okrywający się płaszczem i jego żona trzymająca Dziecko, zakrywając drugą ręką najstarszego syna leżącego u stóp ojca; pośrodku obrazu znajduje się upadła kobieta, pozbawiona uczuć; dziecko na piersi, nie podtrzymywane już przez rękę matki, chwytając jej ubranie, spokojnie patrzy na żywą scenę śmierci…”
Dziesiątki szkiców i szkiców, kilka lat wyczerpującej pracy. Nie, nie pisał o grozy zagłady, ani o bliskości śmierci. „Namiętność, prawdziwe, ogniste uczucia wyrażają się w tak pięknym wyglądzie, w takim Wspaniała osoba, którym cieszysz się aż do zachwytu” – powiedział Gogol, gdy zobaczył obraz. Śmierć zmysłowo pięknego, nieodwołalnego świata. Tak, sława przyszła do artysty. Triumf towarzyszył jego występom na ulicach, w teatrze. W Petersburgu złożono mu na głowę wieniec laurowy, czasopisma pisały, że jego dzieła są pierwszymi, które może zrozumieć artysta o najwyższym rozwiniętym guście, a nie mający pojęcia, czym jest sztuka.
Cóż, Bryullov traktował sławę jako coś oczywistego, jako ciężar, wcale nie uciążliwy. Śmiał się beztrosko, gdy Aleksander, obejmując go łzami, upierał się, że zrobił dla Pompejów więcej niż jakikolwiek archeolog czy naukowiec…

15 sierpnia 2011, 16:39

1833 Olej na płótnie. 456,5 x 651 cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Malarstwo Bryullova można nazwać kompletnym, uniwersalnym
stworzenie.Wszystko się w nim zawierało.
Mikołaj Gogol.

W nocy z 24 na 25 sierpnia 79 r. n.e. mi. erupcja Wezuwiusza Miasta Pompeje, Herkulanum i Stabia zostały zniszczone. W 1833 roku napisał Karl Bryullov jego słynny obraz „Ostatni dzień Pompejów”.

Trudno wymienić obraz, który odniósłby wśród współczesnych taki sam sukces jak „Ostatni dzień Pompejów”. Gdy tylko płótno zostało ukończone, rzymski warsztat Karla Bryullowa przeszedł prawdziwe oblężenie. "WCały Rzym zgromadził się, żeby zobaczyć moje zdjęcie”., – napisał artysta. Wystawiony w 1833 roku w Mediolanie„Pompeje” dosłownie zszokował publiczność. Gazety i czasopisma pełne były pochwalnych recenzji,Bryullowa nazywano żywym Tycjanem, drugi Michał Anioł, nowy Rafael...

Na cześć rosyjskiego artysty odbywały się obiady i przyjęcia, a także dedykowano mu wiersze. Gdy tylko Bryullov pojawił się w teatrze, sala eksplodowała brawami. Malarza rozpoznawano na ulicach, obsypywano kwiatami, a czasem uroczystość kończyła się noszeniem go przez fanów na rękach ze piosenkami.

W 1834 r. obraz opcjonalnyklient, przemysłowiec A.N. Demidowa, był wystawiany na Salonie Paryskim. Reakcja publiczności nie była tu tak gorąca jak we Włoszech (zazdrość! – wyjaśniali Rosjanie), ale „Pompeje” zostały nagrodzone złotym medalem Francuskiej Akademii Sztuk Pięknych.

Trudno sobie wyobrazić entuzjazm i patriotyczny entuzjazm, z jakim obraz został przyjęty w Petersburgu: dzięki Bryullovowi malarstwo rosyjskie przestało być pilnym uczniem wielkich Włochów i stworzyło dzieło, które zachwyciło Europę!Obraz został podarowany Demidow Mikołaj I , który na krótko umieścił go w Cesarskim Ermitażu, a następnie podarował Akademia sztuka

Według wspomnień współczesnego człowieka „tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, aby popatrzeć na Pompeje”. O arcydziele rozmawiali na salonach, dzielili się opiniami w prywatnej korespondencji, robili notatki w pamiętnikach. Dla Bryulłowa nadano honorowy przydomek „Karol Wielki”.

Pod wrażeniem obrazu Puszkin napisał sześciowierszowy wiersz:
„Wezuwiusz się otworzył – dym wylał się w chmurze – płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
W tłumie, starzy i młodzi, uciekający z miasta.”

Gogol poświęcił niezwykle głęboki artykuł „Ostatniemu dniu Pompei”, a poeta Jewgienij Baratyński wyraził powszechną radość w dobrze znanym improwizacji:

« Przyniosłeś trofea pokojowe
Z tobą pod baldachimem twojego ojca,
I stał się „Ostatnim dniem Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla!”

Nieumiarkowany entuzjazm już dawno opadł, ale i dziś malarstwo Bryullova robi silne wrażenie, wykraczające poza uczucia, jakie zwykle budzi w nas malarstwo, nawet bardzo dobre. O co chodzi?

„Ulica Grobowa” W głębi znajduje się Brama Herkulanowska.
Fotografia z drugiej połowy XIX wieku.

Od czasu rozpoczęcia wykopalisk w Pompejach w połowie XVIII wieku miastem, które zostało zniszczone przez erupcję Wezuwiusza w 79 r., cieszy się duże zainteresowanie. e., nie zniknęło. Europejczycy przybywali do Pompejów, aby wędrować po ruinach, uwolnionych od warstwy skamieniałego popiołu wulkanicznego, podziwiać freski, rzeźby, mozaiki i zachwycać się nieoczekiwanymi znaleziskami archeologów. Wykopaliska przyciągały artystów i architektów, wielką modą cieszyły się ryciny przedstawiające widoki Pompejów.

Bryulłow , który jako pierwszy odwiedził wykopaliska w 1827 roku, bardzo trafnie przekazałpoczucie empatii dla wydarzeń sprzed dwóch tysięcy lat, który obejmuje każdego, kto przyjedzie do Pompejów:„Widok tych ruin mimowolnie przeniósł mnie do czasów, gdy te mury były jeszcze zamieszkane /.../. Nie da się przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim poza strasznym wydarzeniem z tym miastem.

Artysta starał się w swoim malarstwie wyrazić to „nowe uczucie”, stworzyć nowy obraz starożytności – nie abstrakcyjny obraz muzealny, ale holistyczny i pełnokrwisty. Do epoki przyzwyczaił się ze skrupulatnością i troską archeologa: na ponad pięć lat samo stworzenie 30-metrowego płótna zajęło zaledwie 11 miesięcy, resztę czasu pochłonęły prace przygotowawcze.

„Wziąłem tę scenerię całkowicie z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby za główny powód uznać część Wezuwiusza” – napisał Bryullov w jednym ze swoich listów.Pompeje miały osiem bram, aledalej artysta wspomniał o „schodach prowadzących do Sepolcri Sc au ro „ – monumentalny grobowiec wybitnego obywatela Skaurusa, co daje nam możliwość dokładnego ustalenia miejsca akcji wybranego przez Bryulłowa. Mówimy o Bramie Herkulanowskiej w Pompejach ( Porto w Ercolano ), za którym już za miastem zaczynała się „Ulica Grobów” ( Via dei Sepolcri) - cmentarz ze wspaniałymi grobowcami i świątyniami. Ta część Pompejów powstała w latach dwudziestych XIX wieku. była już dobrze oczyszczona, co pozwoliło malarzowi z maksymalną dokładnością odtworzyć architekturę na płótnie.

Grób Skaurusa. Rekonstrukcja XIX wieku.

Odtwarzając obraz erupcji Bryulłow wzorował się na słynnych listach Pliniusza Młodszego do Tacyta. Młody Pliniusz przeżył erupcję w porcie Miseno na północ od Pompejów i szczegółowo opisał to, co zobaczył: domy, które zdawały się ruszać ze swoich miejsc, płomienie rozprzestrzeniające się szeroko po stożku wulkanu, gorące kawałki pumeksu spadające z nieba , ulewny deszcz popiołu, czarna nieprzenikniona ciemność, ogniste zygzaki, jak gigantyczne błyskawice... I Bryullov przeniósł to wszystko na płótno.

Sejsmolodzy są zdumieni, jak przekonująco przedstawił trzęsienie ziemi: patrząc na walące się domy, można określić kierunek i siłę trzęsienia ziemi (8 punktów). Wulkanolodzy zauważają, że erupcja Wezuwiusza została napisana z całą możliwą dokładnością na tamte czasy. Historycy twierdzą, że obraz Bryulłowa można wykorzystać do badania kultury starożytnego Rzymu.

Aby rzetelnie uchwycić świat starożytnych Pompejów zniszczonych przez katastrofę, Bryullov pobrał jako próbki przedmioty i pozostałości ciał znalezione podczas wykopalisk oraz wykonał niezliczone szkice w Muzeum Archeologicznym w Neapolu. Metodę przywracania zmarłym pozy umierającej poprzez wapno w puste przestrzenie powstałe po ciałach wynaleziono dopiero w 1870 r., ale już w trakcie tworzenia obrazu szkielety odkryte w skamieniałych popiołach świadczyły o ostatnich konwulsjach i gestach ofiar . Matka przytulająca swoje dwie córki; młoda kobieta, która upadła z rydwanu, który uderzył w bruk wyrwany z chodnika przez trzęsienie ziemi; ludzie na stopniach grobowca Skaurusa, chroniący głowy przed opadami skał stołkami i naczyniami – to wszystko nie jest wytworem wyobraźni malarza, ale artystycznie odtworzoną rzeczywistością.

Na płótnie widzimy postacie obdarzone rysami portretowymi samego autora i jego ukochanej, hrabiny Julii Samoilovej. Bryullov przedstawił się jako artysta niosący na głowie pudełko pędzli i farb. Piękne rysy Julii są na zdjęciu rozpoznawane aż czterokrotnie: dziewczynka z naczyniem na głowie, matka przytulająca córki, kobieta tuląca dziecko do piersi, szlachetna Pompejanka, która spadła z rozbitego rydwanu. Autoportret i portrety swojej dziewczyny są najlepszym dowodem na to, że wnikając w przeszłość Bryulłow rzeczywiście zbliżył się do wydarzenia, wywołując u widza „efekt obecności”, czyniąc go niejako uczestnikiem tego, co było wydarzenie.

Fragment obrazu:
autoportret Bryulłowaoraz portret Julii Samoilovej.
Fragment obrazu:
kompozycyjny „trójkąt” – matka przytulająca córki.

Malarstwo Bryulłowa podobało się wszystkim – zarówno surowym akademikom, zwolennikom estetyki klasycyzmu, jak i tym, którzy cenili nowość w sztuce i dla których „Pompeje” stały się, jak powiedział Gogol, „jasnym odrodzeniem malarstwa”.Nowość tę do Europy przywiózł świeży powiew romantyzmu. Zasługi malarstwa Bryulłowa upatruje się zwykle w tym, że genialny absolwent petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych był otwarty na nowe trendy. Jednocześnie klasycystyczna warstwa obrazu jest często interpretowana jako relikt, nieunikniony hołd artysty złożony rutynowej przeszłości. Wydaje się jednak, że możliwy jest inny zwrot tematu: fuzja dwóch „izmów” okazała się dla filmu owocna.

Nierówna, śmiertelna walka człowieka z żywiołami – taki jest romantyczny patos obrazu. Zbudowany jest na ostrych kontrastach ciemności i katastrofalnego światła erupcji, nieludzkiej mocy bezdusznej natury i dużej intensywności ludzkich uczuć.

Ale jest na tym obrazie coś jeszcze, co przeciwstawia się chaosowi katastrofy: niewzruszony rdzeń świata trzęsącego się aż do fundamentów. Trzon ten stanowi klasyczna równowaga najbardziej złożonej kompozycji, która ratuje obraz przed tragicznym poczuciem beznadziejności. Zbudowana według „przepisów” akademików kompozycja – wyśmiewane przez kolejne pokolenia malarzy „trójkąty”, w które mieszczą się grupy ludzi, równoważące masy po prawej i lewej stronie – odczytywana jest w żywym, pełnym napięcia kontekście obrazu w zupełnie inny sposób niż w suchych i śmiercionośnych akademickich płótnach.

Fragment obrazu: młoda rodzina.
Na pierwszym planie chodnik zniszczony przez trzęsienie ziemi.
Fragment obrazu: martwa Pompejanka.

„Świat jest nadal harmonijny w swoich podstawach” – to uczucie rodzi się w odbiorcy podświadomie, po części wbrew temu, co widzi na płótnie. Zachęcające przesłanie artysty odczytuje się nie na poziomie fabuły obrazu, ale na poziomie jego plastycznego rozwiązania.Dziki pierwiastek romantyczny został ujarzmiony klasycznie doskonałą formą, I w tej jedności przeciwieństw kryje się kolejny sekret atrakcyjności płótna Bryulłowa.

Film opowiada wiele ciekawych i wzruszających historii. Oto zrozpaczony młody mężczyzna spoglądający w twarz dziewczyny w ślubnej koronie, która straciła przytomność lub zmarła. Oto młody mężczyzna przekonujący starszą kobietę siedzącą czymś wyczerpaną. Para ta nazywana jest „Pliniuszem z matką” (choć, jak pamiętamy, Pliniusz Młodszy nie był w Pompejach, ale w Miseno): w liście do Tacyta Pliniusz przekazuje swój spór z matką, która namawiała syna do opuszczenia ją i natychmiast uciekł, ale nie zgodził się opuścić słabej kobiety. Wojownik w hełmie i chłopiec niosą chorego starca; niemowlę, które cudem przeżyło upadek z rydwanu, przytula zmarłą matkę; młody człowiek podniósł rękę, jakby odpierając cios żywiołów ze swojej rodziny, dziecko w ramionach żony z dziecięcą ciekawością wyciąga rękę do martwego ptaka. Ludzie starają się zabrać ze sobą to, co najcenniejsze: pogański kapłan – statyw, chrześcijanin – kadzielnica, artysta – pędzle. Zmarła kobieta niosła ze sobą biżuterię, która teraz leży na chodniku, niepotrzebna nikomu.

Fragment obrazu: Pliniusz z matką.
Fragment obrazu: trzęsienie ziemi - „upadek bożków”.

Tak potężne obciążenie fabularne obrazu może być niebezpieczne dla malarstwa, czyniąc płótno „opowieścią w obrazach”, ale w literackim stylu Bryulłowa i bogactwo szczegółów nie niszczą artystycznej integralności obrazu. Dlaczego? Odpowiedź znajdziemy w tym samym artykule Gogola, który porównuje malarstwo Bryullowa „w jego ogromie i połączeniu wszystkiego, co w sobie piękne, z operą, gdyby tylko opera była rzeczywiście połączeniem potrójnego świata sztuk: malarstwa, poezji, muzyki” ( przez poezję Gogol oczywiście miał na myśli w ogóle literaturę).

Tę cechę Pompei można opisać jednym słowem - syntetycznością: obraz organicznie łączy w sobie dramatyczną fabułę, żywą rozrywkę i tematyczną polifonię, przypominającą muzykę. (Nawiasem mówiąc, teatralna podstawa obrazu miała prawdziwy prototyp - operę Giovanniego Pacciniego „Ostatni dzień Pompei”, która przez lata pracy artysty na płótnie była wystawiana w neapolitańskim teatrze San Carlo. Bryullov miał się dobrze zapoznawał się z kompozytorem, kilkakrotnie słuchał opery i pożyczał kostiumy swoim opiekunom.)

Williama Turnera. Erupcja Wezuwiusza. 1817

Obraz przypomina więc końcową scenę monumentalnego przedstawienia operowego: najbardziej wyrazista sceneria zarezerwowana jest dla finału, wszystkie wątki fabularne są ze sobą powiązane, a tematy muzyczne wplecione są w złożoną polifoniczną całość. Ten obraz-spektakl nawiązuje do starożytnych tragedii, w których kontemplacja szlachetności i odwagi bohaterów w obliczu nieubłaganego losu prowadzi widza do katharsis – duchowego i moralnego oświecenia. Uczucie empatii, które nas ogarnia przed obrazem, przypomina to, czego doświadczamy w teatrze, kiedy to, co dzieje się na scenie, wzrusza nas do łez, a te łzy wnoszą radość do serca.

Gavina Hamiltona. Neapolitańczycy obserwują erupcję Wezuwiusza.
Drugie piętro. 18 wiek

Obraz Bryullova jest zapierający dech w piersiach: ogromny rozmiar - cztery i pół na sześć i pół metra, oszałamiające „efekty specjalne”, bosko zbudowani ludzie, jak ożywają starożytne posągi. „Jego postacie są piękne pomimo grozy ich sytuacji. Zagłuszają je swoim pięknem” – pisał Gogol, z wyczuciem ujmując kolejną cechę obrazu – estetyzację katastrofy. Tragedia śmierci Pompejów i szerzej całej starożytnej cywilizacji jawi się nam jako widok niezwykle piękny. Ile warte są te kontrasty: czarna chmura napierająca na miasto, lśniący płomień na zboczach wulkanu i bezlitośnie jasne błyskawice, te posągi uchwycone w samej chwili upadku i budynki walące się jak karton...

Postrzeganie erupcji Wezuwiusza jako majestatycznych przedstawień inscenizowanych przez samą naturę pojawiło się już w XVIII wieku – stworzono nawet specjalne maszyny imitujące erupcję. Tę „wulkaniczną modę” wprowadził brytyjski poseł do Królestwa Neapolu, lord William Hamilton (mąż legendarnej Emmy, przyjaciel admirała Nelsona). Zapalony wulkanolog, dosłownie zakochał się w Wezuwiuszu i nawet zbudował willę na zboczu wulkanu, aby wygodnie podziwiać erupcje. Obserwacje wulkanu w okresie jego aktywności (w XVIII i XIX wieku miało miejsce kilka erupcji), słowne opisy i szkice zmieniającego się piękna, wejścia na krater – oto rozrywka neapolitańskiej elity i gości.

Naturą ludzką jest obserwowanie z zapartym tchem katastrofalnych i pięknych gier natury, nawet jeśli oznacza to balansowanie u ujścia czynnego wulkanu. To ta sama „ekstaza w walce i ciemna otchłań na krawędzi”, o której Puszkin pisał w „Małych tragediach”, a którą Bryullow oddał na swoim płótnie, budząc podziw i przerażenie od niemal dwóch stuleci.

Nowoczesne Pompeje

Marina Agranowska