Флейта окончательно завоёвывает сердца крупных композиторов разных стран и стилей, один за другим появляются шедевры флейтового репертуара: сонаты для флейты и фортепиано Сергея Прокофьевa и Пауля Хиндемита, концерты для флейты с оркестром Карла Нильсена и Жака Ибера, а также другие произведения композиторов Богуслава Мартину, Франка Мартэна, Оливье Мессиана. Несколько произведений для флейты написали отечественные композиторы Эдисон Денисов и Софья Губайдулина.

Флейты востока

Ди (от старокитайского хэнчуй, хэнди - поперечная флейта) - старинный китайский духовой инструмент, поперечная флейта с 6 игровыми отверстиями.

В большинстве случаев ствол ди изготавливается из бамбука или тростника, но встречаются ди, выполненные из других пород дерева и даже из камня, чаще всего нефрита. Вблизи закрытого конца ствола находится отверстие для вдувания воздуха, рядом с ним - отверстие, прикрытое тончайшей тростниковой или камышовой плёнкой; 4 дополнительных отверстия, расположенных около открытого конца ствола, служат для подстройки. Ствол флейты обычно перевязывается нитяными кольцами, покрытыми чёрным лаком. Способ игры такой же, как и на поперечной флейте.

Сначала считалось, что флейта была завезена в Китай из Средней Азии в период между 140 и 87 г. до н. э. Однако, в ходе недавних археологических раскопок были обнаружены костяные поперечные флейты возрастом около 8000 лет, весьма схожие по конструкции с современными ди (хотя и без характерного заклеиваемого отверстия), что свидетельствует в пользу гипотезы о китайском происхождении ди. Легенда гласит, что Жёлтый император приказал своим сановникам сделать первую флейту из бамбука.

Существуют ди двух родов: цюйди (в оркестре музыкальной драмы жанра «кунцюй») и банди (в оркестре музыкальной драмы жанра «банцзы» в северных провинциях). Разновидность флейты без заклеиваемого отверстия называется мэньди.

Сякухати (кит. чи-ба) - продольная бамбуковая флейта, пришедшая в Японию из Китая в период Нара (710-784). Существует около 20 разновидностей сякухати. Стандартная длина - 1,8 японского фута (54,5 см) - определила само название инструмента, так как «сяку» - значит «фут», а «хати» - «восемь». По мнению некоторых исследователей, сякухати ведет свое происхождение от египетского инструмента саби, проделавшего долгий путь в Китай через Ближний Восток и Индию. Первоначально инструмент имел 6 отверстий (5 впереди и 1 позади). Позднее, видимо, по образцу пришедшей также из Китая в период Муромати продольной флейты сяо, модифицированной в Японии и ставшей известной как хитоёгири (дословно - «одно колено бамбука»), она приняла современный вид с 5-ю пальцевыми отверстиями. Для изготовления сякухати используется комлевая часть бамбука сорта мадакэ (Phyllostachys bambusoides). Средний диаметр трубки - 4–5 см, и внутри трубка почти цилиндрическая. Длина варьируется в зависимости от строя ансамбля кото и сямисэна. Разница в 3 см дает разницу в высоте звучания на полтона. Стандартная длина в 54,5 см используется для сякухати, играющей сольные композиции. Для улучшения качества звучания мастера осторожно покрывают изнутри бамбуковую трубку лаком, как и флейту, используемую в гагаку, в театре Но. Пьесы стиля хонкёку секты Фукэ (сохранилось 30-40 пьес) несут в себе идеи дзэн-буддизма. Хонкёку школы Кинко использует репертуар фукэ сякухати, но придает манере их исполнения больший артистизм.

Почти одновременно с появлением сякухати в Японии зарождается представление о сакральности музыки, исполняемой на флейте. Предание связывает ее чудотворную силу с именем принца Сётоку Тайси (548-622). Выдающийся государственный деятель, престолонаследник, активный проповедник буддизма, автор исторических сочинений и первых комментариев к буддийским сутрам, он стал одной из самых авторитетных фигур в японской истории. Так, в письменных источниках раннего средневековья говорилось, что, когда принц Сётоку по дороге в храм на склоне горы играл на сякухати, на звуки флейты спустились небесные феи и танцевали. Сякухати из храма Хорюдзи, находящаяся ныне в постоянной экспозиции Токийского национального музея, считается тем уникальным инструментом принца Сётоку, с которого начался путь сакральной флейты в Японии. Сякухати упоминается также в связи с именем буддийского священника Эннина (794-864), который изучал буддизм в танском Китае. Он ввел аккомпанемент сякухати во время чтений сутры, посвященной Будде Амида. По его мнению, голос флейты не только украшал молитву, но с большей проникновенностью и чистотой выражал ее суть. Жукоай. Фея флейты в красном

Новый этап в формировании традиции сакральной флейты связан с одной из самых выдающихся личностей периода Муромати Иккю Содзюном (1394-1481). Поэт, живописец, каллиграф, религиозный реформатор, эксцентричный философ и проповедник, в конце жизни настоятель крупнейшего столичного храма Дайтокудзи, он оказал воздействие практически на все области культурной жизни своего времени: от чайной церемонии и дзэнского сада до театра Но и музыки сякухати. Звук, по его мнению, играл большую роль в чайной церемонии: шум закипающей воды в котелке, постукивание венчика при взбивании чая, бульканье воды, - все было призвано создавать ощущение гармонии, чистоты, почтения, тишины. Та же атмосфера сопутствовала и игре на сякухати, когда человеческое дыхание из глубины души, проходя через простую бамбуковую трубку, становилось дыханием самой жизни. В собрании стихов, написанных в классическом китайском стиле "Кёунсю" ("Собрание безумных облаков"), пронизанном образами звука и музыки сякухати, философией звука как средства пробуждения сознания, Иккю пишет о сякухати как о чистом голосе вселенной: "Играя на сякухати, видишь невидимые сферы, во всей вселенной только одна песня".

Примерно с начала XVII в. получили хождение различные истории о преподобном Иккю и флейте сякухати. Одна из них рассказывала, как Иккю вместе с другим монахом Итиросо удалился из Киото и поселился в хижине в Удзи. Там они срезали бамбук, сделали сякухати и играли. Согласно иной версии, некий монах по имени Роан жил в уединении, но дружил и общался с Иккю. Поклоняясь сякухати, одним дуновением извлекая звук, он достиг просветления и присвоил себе имя Фукэдося или Фукэцудося (следующий по пути ветра и отверстий) и был первым комусо (букв. "монах небытия и пустоты"). Флейта, на которой, по преданию, играл наставник, стала национальной реликвией и находится в храме Хосюнъин в Киото. Первые сведения о странствующих монахах, играющих на флейтах, относятся к первой половине XVI в. Они именовались монахами комо (комосо), то есть "монахи соломенной циновки". В поэтическом творчестве XVI в. мелодии неразлучного с флейтой странника уподоблялись ветру среди весенних цветов, напоминая о бренности жизни, а прозвище комосо стало записываться иероглифами "ко" - пустота, небытие, "мо" - иллюзия, "cо" - монах. XVII в. в истории японской культуры стал новым этапом в истории сакральной флейты. Повседневная деятельность монахов комусо была сконцентрирована вокруг игры на сякухати. Утром настоятель обычно играл мелодию "Какурэйсэй". Это была пьеса пробуждения, с которой начинался день. Монахи собирались вокруг алтаря и исполняли мелодию "Тёка" ("Утренняя песнь"), после чего начинались их дневные службы. В течение дня они чередовали игру на сякухати, сидячую медитацию дзадзэн, занятия воинскими искусствами и схиму нищенствования. Вечером, перед тем как снова приступить к дзадзэн, звучала пьеса "Банка" ("Вечерняя песнь"). От каждого монаха требовали, чтобы он не менее трех дней в месяц ходил просить подаяние. Во время последнего из перечисленных послушаний - странствия ради милостыни - играли такие мелодии, как "Тори" ("Проход"), "Кадодзукэ" ("Перекресток") и "Хатигаэси" ("Возвращение чаши" - здесь имелась в виду чаша для подаяния). Когда в пути встречались два комусо, они должны были воспроизвести "Ёбитакэ". Это был своеобразный призыв, исполняемый на сякухати, который означал "Зов бамбука". В ответ на приветствие нужно было сыграть "Укэтакэ", смысл которого - "принять и подхватить бамбук". По дороге, желая остановиться в одном из храмов своего ордена, рассеянных по всей стране, они играли пьесу "Хиракимон" ("Отворение врат") для того, чтобы их впустили на ночь. Все ритуальные пьесы, моления о подаянии, исполняемые на сякухати, даже те произведения, которые, кажется, более походили на развлечения монахов, были частью дзэнской практики, называемой суйдзэн (суй - "дуть, играть на духовом инструменте").

Среди наиболее крупных явлений японской музыки, повлиявших на формирование тоновой системы хонкёку, следует назвать теорию и музыкальную практику буддийских песнопений сёмё, теорию и практику гагаку, позднее традиции дзи-ута, сокёку. XVII-XVIII вв. - время увеличения популярности сякухати в городской среде. Разработанность игровой техники обеспечила возможность воспроизведения на сякухати музыки практически любых жанров. Она стала использоваться для исполнения народных песен (минъё), в светском ансамблевом музицировании, к XIX в., окончательно вытеснив смычковый инструмент кокю из наиболее распространенного ансамбля того времени санкёку (кото, сямисэн, сякухати). Сякухати имеет разновидности:

Гагаку сякухати - наиболее ранняя разновидность инструмента. Тэмпуку - от классической сякухати ее отличает несколько иная форма ротового отверстия. Хитоёгири сякухати (либо просто хитоёгири) - как указывает ее название, изготовляется из одного колена бамбука (hito - один, yo - колено, giri - озвонченное kiri, срезать). Фукэ сякухати - непосредственный предшественник современной сякухати. Бансури, бансри (Bansuri) - индийский духовой инструмент, существует 2 вида: классическая поперечная и продольная флейта, используется в Северной Индии. Изготавливается из бамбука или тростника. Обычно имеет шесть отверстий, однако была тенденция к использованию семи отверстий - для увеличения гибкости и правильности интонирования в высоких регистрах. Раньше бансури встречался только в народной музыке, но сегодня получил распространение в классической музыке Индии. Подобный инструмент, распространённый в Южной Индии - Venu. З
меиная флейта (Serpent Flut) - индийский духовой язычковый инструмент из двух трубок (одна - бурдонная, другая - с 5-6-ю игровыми отверстиями) с резонатором из дерева или из сушеной тыквы.

На змеиной флейте в Индии играют странствующие факиры и заклинатели змей. При игре применяется непрерывное, так называемое перманентное (цепное) дыхание.

Блеур или Гамбу - индонезийская продольная флейта со свистковым устройством. Изготавливается обычно из черного дерева, украшена резьбой (в данном случае в виде дракона), имеет 6 игровых отверстий. Используется как сольный и ансамблевый инструмент.

Малазийская флейта - продольная флейта в виде дракона, со свистковым устройством. Изготовляется из красного дерева. Применяется при культовых церемониях, для усмирения духа дракона - священного, почитаемого в Малайзии существа.

Музыкальный инструмент: Флейта

Этот удивительно виртуозный инструмент с легким, воздушным, как бы «порхающим» звуком, напоминающим пение птиц, относится к группе деревянных духовых. Согласно древнегреческим мифам его изобретение - заслуга сына Гефеста – Ардала. Пожалуй, ни один другой инструмент не подвергался таким преобразованиям и совершенствованиям. Изначально были две разновидности – поперечная и продольная, но позднее первый вариант вытеснил собой продольную и занял достойное место в оркестре. Эти два вида сильно отличаются друг от друга не только внешне, но и по способу звукоизвлечения.

Историю флейты и множество интересных фактов об этом музыкальном инструменте читайте на нашей странице.

Звук флейты

Звучание флейты напоминает о волшебстве. Изумительно красивые звуки рождаются в среднем регистре – необычайно ясные, чистые и прозрачные. Недаром в фольклоре и сказках многих народов флейта занимает особое место, ее часто наделяют мистическими свойствами. Мелодичное звучание флейты в руках опытного музыканта способно не только подарить эстетическое удовольствие, но и просто заворожить своей выразительной и пронизывающей музыкой, которая, кажется, попадает нам прямо в сердце. Мягкое и мелодичное звучание флейты может усладить наш слух, смягчить сердце, вызвать самые добрые и светлые чувства.

Флейта или простая дудочка, как правило, становится одним из самых первых музыкальных инструментов, с которыми могут столкнуться дети, и даже способны изготовить ее самостоятельно из подручных предметов подходящей формы.

Стоит несколько слов сказать об особенностях звучания флейты. Нижний регистр отличается небольшой глуховатостью, но нельзя не заметить его мягкость, сердечность и душевную проникновенность, а верхний ряд нот звучит пронзительно, с резким присвистом. Особенность акустики флейты заключается в том, что при игре на «пиано» высота звучания незначительно понижается, а игра на «форте» повышает звук.

Характер высоты звуков можно изменить, регулируя силу воздушной струи на выдохе, ну и конечно с помощью механизма клапанов, которые закрывают отверстия на инструменте.

Диапазон флейты занимает промежуток от ноты «До» первой до ноты «До» четвертой октавы.

Фото

Интересные факты

• Образцом самой большой поперечной флейты является инструмент, созданный индийским мастером Бхаратом Сином в Джамнагаре в 2014 году. Длина этой флейты составила 3,62 метра. С ее участием исполняли государственный гимн.
• Флейты изготавливают более, чем из сотни разнообразных материалов, включая кость, древесину, металл, стекло, есть флейты из хрусталя, пластика, и другие. Даже есть флейта из шоколада, на которой можно исполнять музыку.
• Титул самой дорогой флейты согласно рейтингу «Форбса» принадлежит инструменту, созданному компанией Powell в 1939 году. Эту платиновую флейту оценивают сейчас в 600 тыс долларов.

• Самое большое количество флейтистов в ансамбле из 3742 участников собралось в Японии 31 июля 2011 года на торжественном праздновании 400 лет замку Хиросаки.
• Самое длинное беспрерывное выступление флейтиста продолжалось 25 часов 48 минут и было достигнуто Кэтрин Брукес в Бедворте, Великобритания, 17-18 февраля 2012. Кэтрин несколько раз повторила 6-часовую программу, содержащую 92 различных произведения, от классики до современных направлений в музыке.
• Флейта - единственный оркестровый инструмент, на котором воздух вдувают поперек отверстий. И следует знать, что затрата воздуха у флейтиста гораздо больше, чем на любых других духовых, в том числе таком крупногабаритном, как туба .
• Древнейшую флейту обнаружили в Любляне, Словения, в 1998 году. Музыкальный инструмент, изготовленный из костей пещерного медведя, содержит четыре отверстия. Палеонтологи полагают, что этой флейте 43,000 - 82,000 лет.
• Главное божество индуизма Кришна изображается с флейтой из бамбука. Было сказано, что Кришна создал мир через красивое звучание флейты, которая также проповедует любовь и свободу.

• Существует 30 разновидностей флейты, которые выпускают почти в полусотне стран мира.
• На флейте играли выдающиеся личности. Леонардо Да Винчи, Иоанн II, Мартин Лютер, император Николай I, Энрико Карузо, Вуди Ален, М. Глинка , и многие другие.
• Известно, что при дворе английского короля Генриха Восьмого V была собрана целая коллекция флейт - 72 шт.
• Президент США Г. Кливленд очень ценил свою хрустальную флейту с золотыми элементами.
• Во Вьетнаме, в горном уезде Иентхе, во время повстанческого крестьянского движения флейта использовалась не только как музыкальный инструмент, но и холодное оружие. Им подавали сигналы тревоги и одновременно убивали врагов.
• По утверждению исследователей занятия флейтой позитивно воздействуют на интеллектуальное развитие детей, иммунитет, оказывает профилактический эффект к респираторным заболеваниям.

Популярные произведения для флейты

И. Бах - Скерцо (Шутка) из сюиты для флейты и струнного оркестра № 2 (слушать)

В.А. Моцарт - Концерт для флейты с оркестром соль-мажор (слушать)

Ж. Ибер - Концерт для флейты с оркестром Allegro scherzando (слушать)

Конструкция флейты

Поперечная флейта - продолговатая трубка цилиндрического типа, имеющая систему клапанов, которые закрывают 16 отверстий. Один конец ее закрыт, на нем есть отверстие, куда прикладывают губы для вдувания воздух. Современные типы флейт включают в себя трехчастную структуру: головка, тело и колено. В отличие от других инструментов духового типа, звук флейты формируется за счет направленного воздушного потока к краю губной пластинки. Огромная роль в правильной технике игры принадлежит форме губ или «амбушюру». Тонко изменять звучание инструмента можно за счет смены степени напряжения и формы губ.

Общий показатель высоты звука изменяют, выдвигая головку из тела инструмента, чем больше выдвинута головка, тем ниже будет звук.

Средний вес флейты – 600 грамм .

Современная концертная большая флейта составляет 67 см в длину , а длина пикколо всего около 32 см.

Разновидности флейты

Поперечная флейта помимо основной большой концертной, имеет три основные разновидности: , альтовая и басовая.

Флейта-пикколо - среди духовых самый звучащий инструмент. Строение такое же как и у большой флейты, различие кроется в размерах - она в два раза короче обыкновенной и звучит на октаву выше. Резкость тона флейты–пикколо с легкостью перекрывает звук целого оркестра. В спектакле Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» ей отводится тема белки, разгрызающей орешки. В 1-м акте оперы Бизе «Кармен» пара пикколо составила компанию хору мальчиков, смело вышагивающему за строем солдат.

Альтовая флейта . Напоминают обычную концертную флейту, но несколько больше по размерам и с иным строением системы клапанов. Диапазон ― от «соль» малой октавы до «ре» третьей октавы.

Басовая флейта - в диапазоне от «си» большой октавы до «фа» второй октавы

Следует упомянуть и гораздо более редко используемых образцах - d"Amour, контрабасовая, октобасовая и гипербасовая.

Применение и репертуар

Выразительность звучание флейты привлекала внимание величайших композиторов.

А. Вивальди написал 13 концертов для флейты с оркестром. И.С. Бах, хорошо знающий технические возможности, сочинил огромное число произведений с участием флейты, особенно прекрасны его сонаты, а искрометная «Шутка» и необыкновенно трогательная «Сицилиана» не оставляют равнодушными меломанов всего мира и поныне. К шедеврам флейтовых репертуаров относят произведения Г.Ф. Генделя , К.В. Глюка, И. Гайдна , В.А.Моцарта, Л.В. Бетховена . Очаровательная «Мелодия» - популярнейшее соло в опере «Орфей и Эвридика » продемонстрировала чувственно-выразительный аспект флейт. Значимое место солирующего инструмента флейта получила в произведениях В.А. Моцарта . Действительное понимание тембра и виртуозных возможностей выявил Л. Бетховен по-своему внедрив ее в симфонический оркестр, примером может послужить увертюра к опере «Леонора».

Век романтизма также обозначился развитием исполнительского мастерства игры на флейте. В этот период репертуар флейтистов обогащался шедеврами таких мастеров как К.М. Вебера, Ф. Шуберта , Д. Россини, Г. Берлиоза, К. Сен-Санса .

В джазе одним из первых стал использовать флейты барабанщик и руководитель джазового оркестра Чик Уэбб в конце 1930-х. Франк Весс был среди первых примечательных джазовых флейтистов в 1940-х.

Jethro Tull - вероятно, самая известная рок-группа регулярно использующую флейту, на которой играет лидер группы Иэном Андерсоном. Альтовую флейту можно услышать в песне Битлз, «You"ve Got to Hide Your Love Away» (Ты должен скрыть свою любовь), на которой играет Джон Скотт. Также в композиции «Пенни-Лейн».

Приемы игры

При игре на флейте используются разнообразные приемы. Зачастую музыканты пользуются двойным и тройным стаккато и очень эффектным приемом фрулато, который впервые применили в симфонии-поэме «Дон Кихот» Р. Штрауса. В дальнейшем изобретательность флейтистов-исполнителей не имела границ:

Мультифоники - одновременно извлекается два и большее количество звуков.
Whistle tones - негромкий свист.
Танграм- звуки, аналогичные хлопанью ладонями.
Jet whistle - реактивный свист.

Стук клапанов, игра шипом без звучания, звуки извлекаются в одно время с пением и разнообразие других приемов.

История флейты

История флейты уносит нас в первобытное время. Все началось с трубочек, на которых поначалу свистели. Сейчас их называют просто дудочками, которые можно сделать из любого подходящего предмета, например, ручки или коктейльной трубки. Затем люди догадались, что если в трубках вырезать отверстия, которые можно перекрывать пальцами, то можно будет исполнить более сложные по структуре музыкальные произведения - многочисленные напевы и мелодии.

Флейта по своим функциям весьма разнообразна. Первоначально она была инструментом из арсенала пастухов, которые с ее помощью управляли животными, а затем ее статус повысился до такой степени, что она принимала участие в духовных обрядах.

Образцы флейты поперечного типа появились очень давно, еще в древнем Китае, в 9 веке до нашей эры, затем в Индии, Японии, Византии. В Европе она распространилась лишь в Средневековье и прибыла с Востока. В 17-м столетии, получившую большую популярность, флейту доработал французский мастер Ж. Оттетер, после чего она стала занимать достойные позиции в инструментальных ансамблях, оперных оркестрах.

Современному виду флейты мы обязаны немецкому мастеру и композитору Т. Бёму, жившему в 19 веке. Он дополняет флейту системой клапанов и колец, разместил большие отверстия под пальцы по акустическим принципам, а также стал использовать в производстве металл, что позволило усилить блеск звучания флейты. С тех времен этот инструмент почти не меняется, да и сложно прибавить к лаконичному по конструкции музыкальному инструменту что-то действительно оригинальное, способное внести новые черты в знакомую форму.

Флейта при всей свое кажущейся простоте имеет не только богатую и славную историю, но и отличается уникально широким диапазоном использования. Это обусловлено тем, что она относится к одним из самых древнейших, если не самым древнейшим инструментам, с помощью которого пытались создавать музыку наши первобытные предки десятки тысяч лет назад. Со времен каменного века флейта начинает завоевывать сердца людей, очаровывая нас своим душевным и волнительным звучанием, который отдается не только в сердце, но и в самых глубоко запрятанных генах, доставшихся нам от наших далеких пращуров. Скромная деревянная или костяная флейта, любовно вырезанная мастером, способна создать целую уникальную вселенную, наполненную непрерывным удивительным звучанием, которое хочется слушать бесконечно.

Видео: слушать флейту

Сопранового регистра. Высота звука на флейте меняется путём передувания (извлечения губами гармонических созвуков), а также путём открывания и закрывания клапанами отверстий. Современные флейты обычно изготовляются из металла (никеля, серебра, золота, платины), реже - из дерева, иногда - из стекла, пластика и других композитных материалов.

Диапазон флейты - более трёх октав: от h или c 1 (си малой октавы или до первой) до c 4 (до четвёртой) и выше. Ноты пишутся в скрипичном ключе соответственно действительному звучанию. Тембр ясный и прозрачный в среднем регистре, шипящий в нижнем и несколько резкий - в верхнем. Флейте доступна самая разнообразная техника, ей часто поручается оркестровое соло. Применяется в симфоническом и духовом оркестрах, а также, наряду с кларнетом, чаще других деревянных духовых, - в камерных ансамблях. В симфоническом оркестре применяются от одной до пяти флейт, чаще всего две-три, причём одна из них (обычно последняя по номеру) может меняться во время исполнения на малую или альтовую флейту.

История инструмента

Средневековое изображение флейтистов, держащих инструменты в левую сторону

Самое раннее изображение поперечной флейты было найдено на этруском рельефе , который датируется ста или двухстами годами до нашей эры. В то время поперечную флейту держали в левую сторону, лишь иллюстрация к стихотворению XI века нашей эры впервые изображает манеру держать инструмент в правую сторону.

Средние века

Первые археологические находки поперечных флейт Окцидента относятся к XII-XIV векам нашей эры. Одно из самых ранних изображений того времени содержится в энциклопедии Hortus Deliciarum. Кроме одной вышеупомянутой иллюстрации XI века, все средневековые европейские и азиатские изображения показывают исполнителей, держащих поперечную флейту в левую сторону, в то время как античные европейские изображения показывают флейтистов, держащих инструмент в правую сторону. Поэтому предполагают, что поперечная флейта в Европе временно вышла из употребления, а затем вернулась туда из Азии через Византийскую империю

В средние века поперечная флейта состояла из одной части, иногда из двух у «басовых» флейт в соль (сейчас диапазон альтовой флейты). Инструмент имел цилиндрическую форму и 6 отверстий одинакового диаметра.

Ренессанс

«Пять Ландскнехтов», Daniel Hopfer, XVI век, второй слева с поперечной флейтой

В эпоху ренессанса конструкция поперечной флейты мало изменилась. Инструмент имел диапазон в две с половиной октавы и более, что превосходило диапазон большинства блок-флейт того времени на октаву. Инструмент позволял брать все ноты хроматического звукоряда при условии хорошего владения аппликатурой, которая была довольно сложной. Средний регистр звучал лучше всего. Известные оригинальные поперечные флейты эпохи Ренессанса хранятся в музее Castel Vecchio в Вероне .

Эпоха барокко

Первые серьёзные изменения в конструкцию поперечной флейты внесла семья Оттетеров. Жак Мартин Оттетер разделил инструмент на три части: головку, тело (с дырочками, которые закрывались непосредственно пальцами) и колено (на котором как правило располагался один клапан, иногда больше). Впоследствии большинство поперечных флейт XVIII века состояли из четырёх частей - тело инструмента было поделено пополам. Оттетер также изменил сверление инструмента на коническое, чтобы улучшить интонацию между октавами.

В последних декадах XVIII века к поперечной флейте прибавляют всё больше клапанов - как правило от 4 до 6, и более. На некоторых инструментах становится возможным брать c 1 (до первой октавы) с помощью удлиннённого колена и двух дополнительных клапанов. Важные нововведения в конструкцию поперечной флейты того времени внесли Иоганн Иоахим Кванц и Иоганн Георг Тромлиц .

Классический и романтический период

Во времена Моцарта поперечная флейта с одним клапаном всё ещё являлась наиболее распространённой конструкцией этого инструмента. В начале XIX века к конструкции поперечной флейты прибавляли всё больше клапанов, так как музыка для инструмента становилась всё виртуознее и дополнительные клапаны облегчали исполнение трудных пассажей. Существовало большое количество вариантов клапанов. Во Франции наиболее популярна была поперечная флейта с 5 клапанами, в Англии - с 7 или 8 клапанами, в Германии, Австрии и Италии существовало наибольшее количество различных систем одновременно, где число клапанов могло доходить до 14 штук и более, а системы назывались именами их изобретателей: «Мейер», «флейта Шведлера », «система Циглера» и другие. Существовали даже системы клапанов, специально сделанные для того, чтобы облегчить определённый пассаж. В первой половине XIX века существовали флейты т.н. венского типа, до звука соль малой октавы. В опере "Травиата" , написанной Джузеппе Верди в 1853 г., в заключительной сцене 2-ой флейте поручена фраза, состоящая из звуков нижнего регистра от до вниз - си, си-бемоль, ля, ля-бемоль и соль малой октавы. Такая флейта теперь заменяется альтовой флейтой

Важным центром развития флейтовой школы того времени стал Берлин , где при дворе Фридриха II , который сам был флейтистом и незаурядным композитором, поперечная флейта приобрела особенное значение. Благодаря неугасающему интересу монарха к его любимому инструменту, появились на свет многие произведения для поперечной флейты Иоахима Кванца (придворного композитора и педагога Фридриха), К. Ф. Э. Баха (придворного клавесиниста), Франца и его сына Фридриха Бенды, Карла Фридриха Фаша и другие.

Среди шедевров репертуара эпохи барокко - Партита ля минор для флейты соло и 7 сонат для флейты и баса И. С. Баха (3 из которых, возможно, принадлежат перу его сына К. Ф. Э. Баха), 12 фантазий для флейты соло Г. Ф. Телемана , Соната для флейты соло ля минор К. Ф. Э. Баха .

Во флейтовом репертуаре XIX века доминируют виртуозные салонные произведения композиторов-флейтистов - Жан-Луи Тюлу , Джулио Бриччальди , Вильгельма Поппа , Жюля Демерссмана , Франца Допплера , Чезаре Чиарди , Антона Фюрстенау , Теобальда Бёма , Иоахима Андерсена , Эрнесто Кёлера и других - написанные авторами в основном для собственных выступлений. Появляется всё больше виртуозных концертов для флейты с оркестром - Вилема Блодека , Саверио Меркаданте , Бернарда Ромберга , Франца Данци , Бернарда Молика и других.

Во второй половине XX века многие композиторы пишут произведения для флейты соло без аккомпанемента, часто с применением современных техник игры на инструменте. Особенно часто исполняется Секвенция Лучано Берио , также популярны Этюды Исан Юна , «Голос» Тору Такэмицу , «Дебла» K.Халфтер, и другие произведения для флейты соло композиторов Хайнца Холлигера , Роберта Эйткена , Эллиота Картера , Жильбера Ами, Казуо Фукисима, Брайана Фернейхоу , Франко Донатони и других.

Джаз и другие стили

По причине негромкого звука, флейта далеко не сразу прижилась в джазовой музыке. Проникновение флейты, как солирующего инструмента в джазов связано с именами таких музыкантов как Херби Манн, Джереми Стиг, Хьюберт Лоуз. Одним из новаторов в джазовом флейтовом исполнительстве стал саксофонист и флейтист Роланд Кёрк, активно использующий приёмы передувания и игры с голосом. Также играли на флейте саксофонисты Эрик Долфи и Юзеф Латиф.

К числу точек соприкосновения джазовой и классической музыки относятся джазовые сюиты для флейты французского джазового пианиста Клода Боллинга, которые исполняются как академическими (Жан-Пьер Рампаль , Джеймс Голуэй), так и джазовыми музыкантами.

В популярной музыке

Одним из известных флейтистов в жанре рок и поп музыки является Ян Андерсон из группы Джетро Талл .

Развитие флейтовой школы в России

Ранний период

Первыми профессиональными флейтистами в России были в основном приглашенные музыканты иностранного происхождения, многие из которых оставались в России до конца жизни. Так при дворе Екатерины II с 1792 по 1798 год служил известный слепой флейтист и композитор Фридрих Дюлон . Впоследствии солистами Императорского театра в Санкт-Петербурге были знаменитые немецкие и итальянские флейтисты - Генрих Зусман (с 1822 по 1838 гг.), Эрнст Вильгельм Хайнемайер (с 1847 по 1859 гг.), Чезаре Чиарди (с 1855 г.). С 1831 года в Санкт-Петербурге обосновался профессор Парижской консерватории Жозеф Гийу . Есть и ранние упоминания о русских флейтистах - так с 1827 г. по 1850 г. солистом Большого театра в Москве был Дмитрий Папков - крепостной, получивший вольную.

Вторая половина XIX века

С гастролями в Россию приезжали крупнейшие европейские флейтисты - в 1880-x годах объездил всю Россию с концертами чешский флейтист-виртуоз Адольф Тершак , в 1887 и 1889 гг. посетил Москву и Санкт-Петербург известнейший французский флейтист Поль Таффанель .

XX век

Первым русским профессором Санкт-Петербургской консерватории стал в 1905 году солист Императорских театров Федор Степанов . В первой половине XX века солистами Императорских театров Санкт-Петербурга одновременно с отечественными исполнителями работали немцы Макс Берг и Карл Шваб , а также чех Юлиус Федерганс . После смерти Степанова в 1914 году его класс перешёл к флейтисту и композитору Владимиру Цыбину , внёсшему огромный вклад в развитие отечественного флейтового исполнительства в России. Владимира Цыбина по праву можно считать основателем русской флейтовой школы.

Педагогическое дело Цыбина продолжили его ученики, профессора Московской консерватории - Николай Платонов и Юлий Ягудин . В Санкт-Петербургской консерватории в начале XX века преподавал П. Я. Федотов и Роберт Ламберт , а позже ученики последнего - Борис Тризно и Иосиф Янус .

В 1950х годах известные советские флейтисты Александр Корнеев , Валентин Зверев завоевали крупные международные премии.

В 1960х годах значительный вклад в развитие отечественной школы игры на флейте внесли профессор Ленинградской консерватории, ученик Бориса Тризно , Глеб Никитин и профессор Московской консерватории, ученик Николая Платонова , Юрий Должиков .

Среди солистов крупных оркестров в Москве и Ленинграде в 1960-1970-x годах - Альберт Гофман , Александр Голышев , Альберт Рацбаум , Эдуард Щербачёв , Александра Вавилина и другие, а позже и более молодое поколение - Сергей Бубнов , Марина Ворожцова и другие.

В настоящее время профессорами и доцентами Московской консерватории являются Александр Голышев , Олег Худяков, Ольга Ивушейкова, Леонид Лебедев; Санкт-Петербургской консерватории - Валентин Черенков, Александра Вавилина , Ольга Чернядьева. Более 50 российских молодых флейтистов, среди которых Денис Лупачёв, Николай Попов, Николай Мохов, Денис Буряков , Александра Грот , Григорий Мордашов и другие, также получили или в данный момент продолжают образование за рубежом.

Строение флейты

Поперечная флейта представляет собой продолговатую цилиндрическую трубку с системой клапанов, закрытую с одного конца, около которого находится специальное боковое отверстие для прикладывания губ и вдувания воздуха. Современная флейта делится на три части: головку, тело и колено.

Головка

Файл:Flute Head.JPG

Губки на головке флейты

У большой флейты головка прямая, но существуют и загнутые головки - на детских инструментах, а также на альтовых и басовых флейтах, чтобы инструмент было удобнее держать. Головка может быть сделана из различных материалов и их комбинаций - никеля, дерева, серебра, золота, платины. Головка современной флейты, в отличие от тела инструмента, имеет не цилиндрическую, а коническо-параболическую форму. В левом конце внутри головки находится пробка, положение которой влияет на общий строй инструмента и должно регулярно проверяться (обычно с помощью обратного конца палочки для протирки инструмента - шомпола). Форма отверстия головки, форма и загиб губок имеют большое влияние на звук всего инструмента. Часто исполнители используют головки другого производителя, нежели основной производитель инструмента. Некоторые флейтовые производители - как Lafin или Faulisi - специализируются исключительно на изготовлении головок.

Тело флейты

Строение тела флейты может быть двух типов: «inline» («в линию») - когда все клапаны образуют одну линию, и «offset» - когда клапан соль выступает. Также существует два типа клапанов - закрытые (без резонаторов) и открытые (с резонаторами). Открытые клапаны получили наибольшее распространение, так как имеют несколько преимуществ по сравнению с закрытыми: флейтист может почувствовать скорость струи воздуха и резонанс звука под пальцами, с помощью открытых клапанов можно корректировать интонацию, а при исполнении современной музыки без них практически не обойтись. Для детских или маленьких рук существуют пластиковые пробки, которыми в случае необходимости можно временно закрыть все или некоторые клапаны на инструменте.

Колено

Колено флейты (до)

На большой флейте может применяться колено двух типов: колено до или колено си. На флейте с коленом до нижним звуком является до первой октавы, на флейтах с коленом си - си малой октавы соответственно. Колено си влияет на звучание третьей октавы инструмента, а также делает инструмент несколько тяжелее на вес. На колене си существует рычажок «гизмо», который должен дополнительно употребляться в аппликатуре до четвёртой октавы.

Ми-механика

Многие флейты обладают так называемой ми-механикой. Ми-механика была изобретена в начале XX века одновременно, независимо друг от друга, немецким мастером Эмилем фон Риттерсхаузен и французским мастером Джалма Жюлио для того чтобы облегчить взятие и улучшить интонацию ноты ми третьей октавы. Многие профессиональные флейтисты не используют ми-механику, так как хорошее владение инструментом позволяет лёгкое взятие этого звука и без её помощи. Существуют также альтернативы ми-механики - пластинка, закрывающая половину внутреннего отверстия (второго парного) клапана соль, разработанная фирмой Powell, а также парный клапан соль уменьшенного размера, разработанный фирмой Sankyo (не получивший большого распространения в основном из-за эстетических соображений).

Современная флейта системы Бёма с закрытыми клапанами не в линию, с ми-механикой и до-коленом

Акустика флейты

По способу звукоизвлечения флейта относится к лабиальным инструментам. Флейтист выдувает струю воздуха на переднюю кромку амбушюрного отверстия. Поток воздуха из губ музыканта пересекает открытое амбушюрное отверстие и ударяется о внешнюю его кромку. Таким образом струя воздуха разделяется примерно пополам: внутрь инструмента и наружу. Часть воздуха, попавшая внутрь инструмента, создаёт звуковую волну (волну сжатия) внутри флейты, распространяется до открытого клапана и частично возвращается назад, вызывая резонанс трубки. Часть воздуха, попавшая наружу инструмента, вызывает лёгкие призвуки типа шума ветра, которые при правильной постановке слышны лишь самому исполнителю, но становятся неразличимы на расстоянии нескольких метров. Высота звука меняется с помощью изменения скорости и направления подачи воздуха опорой (мышцами брюшного пресса) и губами, а также аппликатурой.

Флейта — общее название для ряда музыкальных духовых инструментов из группы деревянных духовых. Является одним из самых древних по происхождению музыкальных инструментов. В отличие от других духовых инструментов, у флейты звуки образуются в результате рассекания потока воздуха о грань, вместо использования язычка. Музыкант, играющий на флейте, обычно именуется флейтистом.

Типы

Глава семейства флейт — Большая флейта. Каждый из членов этой инструментальной семьи — не что иное, как уменьшенная или увеличенная в размерах её копия. Выделяют следующие типы:

• Блокфлейта (нем. Blockflöte — флейта с блоком) — разновидность продольной флейты. Это духовой деревянный музыкальный инструмент из семейства свистковых. В конструкции головной части используется вставка (блок). Родственные инструменты: свирель, сопилка, вистл. Блокфлейта отличается от других подобных инструментов наличием 7 пальцевых отверстий на лицевой стороне и одного на тыльной — так называемого октавного клапана. Два нижних отверстия часто делают двойными. Для закрывания отверстий при игре используется 8 пальцев. Для взятия нот часто применяются т. н. вилочные аппликатуры (когда отверстия закрываются не по очереди, а в сложной комбинации). Среди разновидностей продольной флейты блокфлейта определяется как важнейшая. В странах Европы она получает распространение, начиная с XI века; впоследствии популярность данного инструмента возрастала, в результате чего в период с XVI по XVIII век блокфлейта являлась наиболее активно используемой и часто встречающейся разновидностью флейты. Для инструмента характерен мягкий, теплый, кантиленный (то есть певучий) тембр, однако в то же время он отличается ограниченными возможностями с точки зрения динамики. Блокфлейта часто применяется в музыкальных произведениях таких композиторов, как И. С. Бах, А. Вивальди, Г. Ф. Гендель и др. В силу того, что звук блокфлейты довольно слаб, её популярность постепенно сокращалась в связи с распространением поперечной флейты. Тем не менее, в настоящее время данная разновидность пользуется определенным интересом в силу некоторых причин; в их числе — тенденция к возрождению старинной музыки и возможность использования блокфлейты в качестве учебного инструмента (так как техника игры на ней сравнительно проста)
• Поперечная флейта (часто просто флейта; итал. flauto из лат. flatus — «ветер, дуновение»; фр. flûte, англ. flute, нем. Flöte) — деревянный духовой музыкальный инструмент сопранового регистра. Высота звука на флейте меняется путём передувания (извлечения губами гармонических созвуков), а также путём открывания и закрывания клапанами отверстий. Современные флейты обычно изготовляются из металла (никеля, серебра, золота, платины), реже — из дерева, иногда — из стекла, пластика и других композитных материалов. Наименование связано с тем, что в процессе игры музыкант удерживает инструмент не в вертикальном, а в горизонтальном положении; мундштук, соответственно, расположен при этом сбоку. Флейты такой конструкции появились довольно давно, в эпоху поздней античности и в древнем Китае (IX век до н. э.). Современный этап развития поперечной флейты начинается от 1832 года, когда немецкий мастер Т. Бем её усовершенствовал; со временем эта разновидность вытеснила популярную прежде продольную флейту. Для поперечной флейты характерен диапазон от первой до четвертой октавы; нижний регистр мягок и глуховат, наиболее высокие звуки, напротив, пронзительны и свистящи, а средний и отчасти верхний регистры имеют тембр, который описывается как нежный и певучий.
• Флейта-пикколо (часто называется просто пикколо или малая флейта; итал. flauto piccolo или ottavino, фр. petite flûte, нем. kleine Flöte) — деревянный духовой музыкальный инструмент, разновидность поперечной флейты, самый высокий по звучанию инструмент среди духовых. Обладает блестящим, в форте — пронзительным и свистящим тембром. Малая флейта вдвое короче обыкновенной и звучит на октаву выше, причём ряд низких звуков на ней извлечь невозможно. Диапазон пикколо — от d² до c5 (ре второй октавы — до пятой октавы), встречаются также инструменты, обладающие возможностью брать c² и cis². Ноты для удобства чтения пишутся на октаву ниже. Механически малая флейта устроена равнозначно обычной (не считая отсутствия «ре-бемоль» и «до» первой октавы) и в силу этого характеризуется в целом теми же исполнительскими особенностями. Изначально в рамках оркестра (начиная со второй половины XVIII века) малая флейта предназначалась для того, чтобы усиливать и продлевать вверх крайние октавы большой флейты, и применять её рекомендовалось скорее в опере или балете, нежели в симфонических произведениях. Это было связано с тем, что на ранних этапах своего существования в силу недостаточной усовершенствованности малая флейта характеризовалась довольно резким и несколько грубым звучанием, а также малой степенью гибкости. Следует также отметить, что эта разновидность флейты довольно удачно сочетается со звенящими ударными инструментами и барабанами; кроме того, малая флейта может сочетаться в октаву с гобоем, что также порождает выразительное звучание.
• Сиринга (греч. σῦριγξ) — древнегреческий музыкальный инструмент, род продольной флейты. Термин впервые встречается в «Илиаде» Гомера (X,13). Различались одноствольная сиринга (σῦριγξ μονοκάλαμος) и многоствольная сиринга (σῦριγξ πολυκάλαμος); за последней позднее закрепилось название флейты Пана. Русские переводчики традиционно передают σῦριγξ несколько невнятным словом «свирель». Греческое слово послужило анатомическим наименованием голосового органа птиц (см. сиринкс).Сиринга известна как традиционный духовой инструмент пастухов и крестьян в эпоху античности. Данная разновидность часто фигурирует в древнегреческой поэзии; использовалась также в целях музыкального сопровождения сценических представлений, в том числе — в Древнем Риме. Впоследствии инструмент проник также и в позднейшую европейскую народную музыку.
• Флейта Пана (панфле́йта) — класс деревянных духовых инструментов, многоствольная флейта, состоящая из нескольких (2 и больше) пустотелых трубок различной длины. Нижние торцы трубок закрыты, верхние — открыты.Наименование связано с тем, что в эпоху античности изобретение данной разновидности флейты мифологически приписывалось божеству лесов и полей Пану. При игре музыкант направляет поток воздуха от одного конца трубок к другому, в результате чего заключенные внутри воздушные столбы начинают колебаться, и инструмент производит свист определенной высоты; каждая из трубок издает один базовый звук, акустические характеристики которого зависят от её длины и диаметра. Соответственно, количество и величина трубок определяют диапазон панфлейты. У инструмента может быть подвижная или неподвижная пробка; в зависимости от этого используются различные способы его тонкой настройки.
• Ди (笛, 笛子,от старокитайского хэнчуй, хэнди — поперечная флейта) — старинный китайский духовой инструмент, поперечная флейта с 6 игровыми отверстиями. В большинстве случаев ствол ди изготавливается из бамбука или тростника, но встречаются ди, выполненные из других пород дерева и даже из камня, чаще всего нефрита. Ди является одним из наиболее распространенных духовых инструментов на территории Китая. Предполагается, что данная разновидность флейты проникла в страну из Средней Азии во II—I веках до н. э. Отверстие для вдувания воздуха у неё располагается вблизи закрытого конца ствола; в непосредственной близости от последнего имеется еще одно отверстие, которое прикрывается тонкой пленкой из камыша или тростника (есть, впрочем, вариант без пленки, который именуется «мэньди»). Для подстройки используются остальные четыре отверстия, которые находятся у открытого конца ствола. Игра на данном инструменте выполняется так же, как на поперечной флейте. В зависимости от его применения в произведениях определенных жанров различают два типа ди: цюйди и байди.
• Ирландская флейта (англ. Irish flute) — поперечная флейта, использующаяся для исполнения ирландской (а также шотландской, бретонской и др.) народной музыки. Представляет собой поперечную флейту т. н. простой системы — основные 6 отверстий её не закрыты клапанами, при игре их закрывают непосредственно пальцы исполнителя. Ирландская флейта встречается в вариантах с клапанами (от одного до десяти), и без. Несмотря на соответствующее наименование, ирландская флейта по своему происхождению не имеет непосредственной связи с Ирландией. В сущности она представляет собой английскую версию поперечной деревянной флейты, которая в течение довольно продолжительного периода времени была известна как «немецкая флейта»; англичане подвергли её определенным модификациям, и наиболее существенные из них были внесены английским изобретателем и исполнителем Ч. Николсоном-младшим. Многие классические и некоторые современные вариации на тему этой флейты включают использование металлических клапанов и дополнительных тоновых отверстий, что позволяет достичь частичного или полного хроматического звукоряда.
• Кена (кечуа qina, исп. quena) — продольная флейта, используемая в музыке Андского региона Латинской Америки. Обычно изготавливается из тростника. Имеет шесть верхних и одно нижнее отверстие для пальцев. Обычно изготавливается в строе G. Флейта кеначо (кечуа qinachu, исп. quenacho) представляет собой вариант кены с более низким звуком, в строе D. В 1960-х — 1970-х годах кена активно использовалась некоторыми музыкантами, работавшими в рамках направления nueva canción. В большинстве случаев инструмент применялся в конкретных песенных композициях, однако отдельные группы, такие, к примеру, как Illapu, прибегали к его возможностям регулярно. Впоследствии, в 1980-х и 1990-х годах, кена задействовалась и рок-группами — например, Soda Stereo или Enanitos Verdes. Встречается инструмент и в этнической музыке.
• Свирель — русский духовой инструмент, род продольной флейты. Иногда он может быть двухствольным, при этом один из стволов имеет обычно длину 300—350 мм, второй — 450—470 мм. В верхнем конце ствола — свистковое устройство, в нижней части — по 3 боковых отверстия для изменения высоты звуков. Стволы настроены между собой в кварту и дают в целом диатонический звукоряд в объёме септимы. Кроме того, под свирелью может также пониматься и устаревший духовой инструмент, для которого были характерен двойной язычок, вставляемый в специальную чашку; впоследствии на его базе путём некоторого упрощения конструкции (в частности, отказа от использования чашки) был разработан гобой. В этом значении свирель соотносится с бомбардой — деревянным духовым инструментом, который выступил предшественником фагота. Свирель была исторически первым и наименьшим его видом.
• Пыжатка — русский народный музыкальный инструмент, деревянная флейта, традиционная для Курской области России. Представляет собой деревянную трубочку диаметром 15-25 мм и длиной 40-70 см, в один конец которой вставлена деревянная пробка («пыж») с косым срезом, направляющим вдуваемый воздух на заострённый край небольшого квадратного отверстия («свистушки»). Термин «пыжатка» может также рассматриваться как синоним понятия сопели — разновидности продольной свистковой флейты, которая также является традиционным русским народным духовым инструментом, наиболее древним из числа имевших хождение среди восточных славян. Данная разновидность характеризовалась диатоническим звукорядом и диапазоном вплоть до двух октав; при изменении силы воздушного потока и использовании специальной аппликатуры был достижим и хроматический звукоряд. Активно используется самодеятельными коллективами как в качестве сольного, так и в качестве ансамблевого инструмента.
• Вистл (от англ. tin whistle, в дословном переводе «жестяной свисток, дудочка», варианты произношения (русск.): вистл, висл, первое более распространено) — народная продольная флейта с шестью отверстиями на лицевой стороне, широко используемая в народной музыке Ирландии, Шотландии, Англии и некоторых других стран. Наиболее популярными являются малые вистлы в тональности D. Они настроены на октаву выше других духовых (обычной флейты, к примеру, или волынки), и ноты для них, соответственно, записываются на октаву ниже. Впрочем, возрастает также и популярность т. н. лоу-вистла — более длинной модификации инструмента, который звучит примерно в том же диапазоне, что и обычная флейта. Существуют вистлы и в других тональностях; они определяются как транспонируемые (то есть все вистлы считаются инструментами в тональности D, даже если в действительности звучат выше или ниже).
• Окарина — древний духовой музыкальный инструмент, глиняная свистковая флейта. Представляет собой небольшую камеру в форме яйца с отверстиями для пальцев в количестве от четырёх до тринадцати. Многокамерные окарины могут иметь больше отверстий (в зависимости от количества камер). Обычно выполнена в керамике, но иногда изготовляется также из пластика, древесины, стекла или металла.

История

Флейта — один из древнейших музыкальных инструментов, официальные источники датируют ее появление 35 — 40 тысяч лет до нашей эры. Но возможно этот удивительный музыкальный инструмент намного раньше.
Праобраз флейты - обыкновенный свисток, звук в котором появляется при колебании воздушной струи воздуха, который рассекается об острый край дерева или другого материала.
Свистки были разных видов, они изготавливались из глины, камня, дерева. Они существовали у большинства народов в качестве различных сигнальных приспособлений, детских игрушек и как музыкальные инструменты.
В дальнейшем в свистковой трубочке прорезались отверстия, зажимая которые можно было регулировать высоту звука. Хроматические лады образовывались с помощью пальцевых комбинаций и при закрытии отверстий на половину или на четверть. Повышение звука на октаву происходило с помощь увеличения силы и/или направления дыхания. Постепенно свистковая трубочка становилась длиннее, а отверстий становилось больше. Расширялся звуковой диапазон, усложнялись мелодии и приемы игры.
Период средневековья характеризуется возникновением инструментальных ансамблей при дворах. В моде была продольная и поперечная флейта. В эпоху Возрождения в Венеции и Болонье делались лучшие духовые инструменты. До конца XVI века исполнители пользовались продольными флейтами разных размеров — дискантовыми, альтовыми, теноровыми, басовыми. Диапазон их колебался в пределах от 2-х до 2,5 октав. Звук их был приятным, мягким, но очень слабым, маловыразительным, неровным по силе и не всегда точным по высоте. Причина была в том, что игровые отверстия были расположены там, где удобно закрывать их пальцами, а не исходя из требований акустики. Из флейт составлялись ансамбли из 20 человек.
В XVII веке возникли первые оркестры. Монтеверди в опере «Орфей» в группу духовых инструментов оркестра ввёл лишь одну маленькую флейту, которая исполняла безмятежные пастушьи наигрыши, создавая пасторальный колорит ряду сцен. По мере развития оркестра роль флейт возрастала, и в операх немецкого композитора Г.Шюца они уже не только сопровождали пение, как в других, но обогащали eго, дополняли и соревновались с ним. Есть предположение, что поперечная флейта возникла в Германии. Изготавливалась она из одного куска дерева, имела 6 отверстий, прикрываемых пальцами и одного для вдувания воздуха. Старо-немецкая флейта охватывала 2,5 октавы — от ре первой до ля третьей. Канал ствола был коническим, суживающимся к концу, благодаря чему звук получался мягким, нежным, но не сильным (хотя более громким, чем у продольной), а главное более выразительным. Самый низкий звук получался от сотрясения воздушного столба в трубке флейты, другие укорачивания его, т.е. все звуки соответствовали основным дырочкам, а промежуточные «хроматические» ступени получались при помощи «раздвоенной аппликатуры» или «вилочной хватки». Сверление трубки старо-немецкой флейты имело обратно-коническое сверление, при котором наибольший размах поперечника приходился на «головку» флейты, а наименьший — на её «лапку», т.е. сверление суживалось к нижней части инструмента, что позволяло удобно разместить пальцы на поверхности флейты. В Англии в эпоху Возрождения в театральном оркестре флейта использовалась в сценах свадеб. Тогда же впервые знаменитым английским композитором Пёрселлом была написана Соната для флейты.
Наиболее значительные произведения для флейты в начале XY1II века создал И.С.Бах. Он написаз большое количество произведений для флейты и с её участием. Композитор великолепно знал технику игры на флейте, её тембровые и колористические возможности, любил её лёгкий, серебристый, поющий тон. Выделяются флейтовые сонаты И.С.Баха, написанные под впечатлением игры известного виртуоза-флейтиста Иоганна Иоахима Кванца, познакомившего Баха со всеми приёмами игры на флейте.
Работая над усовершенствованием флейты. Кванц изготовил регулирующий винт для пробки головной части ннструмента. В 1770 году П.Флорио сделал дополнительный клапан, причём так боялся, что об этом кто-нибудь узнает, что прикрыл эту часть флейты футлярчиком. Дополнительные клапаны для флейты изобретали в разные времена и другие мастера (Д.Тессит в Англии. И.Тромлиц в Германии П.Пегерсен в Дании и др.). Это позволяло получать полутона, облегчая игру, но не избавляло флейту от недостатков, существующих до сих пор: неточная интонация, неравномерность звучания в разных регистрах.
XIX век стал огромной лабораторией конструктивного усовершенствования флейты, что сказалось на развитии исполнительства, педагогики и репертуара. Этому же способствовало возникновение профессиональных оркестров в США и Западной Европе.
Самой значительной фигурой в области игры на флейте в XIX веке был Теобальд Бём (1794-1881). Знаменитый немецкий музыкант, он много гастролировал по Европе и его выступления имели большой успех. Бём — автор многих сочинений (например, 24 этюда-каприччио) и учебных пособий для флейты. Его музыкальное дарование сочеталось со страстью и изобретательностью. Однажды в Лондоне Бём встретился с английским флейтистом У.Горденом, который поразил его своей игрой. Оказалось, Горден разработал новую конструкцию флейты, но не сумел довести её до конца. Это и сделал Бём, предложив в 1832 году новую модель, снабжённую кольцевыми клапанами. Но самому конструктору она не нравилась, т.к. была несовершенна. Вторая модель (1846-1847). воплотила всё. что требовалось от флейты в отношении её акустических, выразительных и виртуозных данных. Бём совершил переворот в конструкции: заменил конический канал ствола (обратно-коническое сверление) цилиндрическим, улучшив качество и верность звучания, сильно раздвинув границы инструмента до трёх полных октав и более, игровые отверстия расположил в точном соответствии с акустическим расчётом, диаметр их сделал большим (на старинной флейте отверстия были очень малы), и все отверстия снабдил удобно расположенными тарелкообразными и кольцевыми клапанами, что позволило добиться ровности звучания и возможности с большей лёгкостью исполнять различные сложнейшие гамма-образные и арпеджиообразные пассажи, трели, тремоло. Теперь, закрывая один клапан, можно в то же время открыть вспомогательное отверстие. Сложная система клапанов обеспечила возможность нажатием на рычажок одного клапана закрыть сразу несколько отверстий. В основу расчётов Бём положил не удобство расположения дырочек и клапанов, а «акустические принципы лучшего резонанса», в точности установив мензуру (отношение длины к диаметру трубки). Палец исполнителя теперь не закрывал отверстия полностью, что привело к остроумной системе клапанов, расположенных настолько удобно, что появилась возможность справляться с труднейшими техническими построениями.
Хотя до сих пор флейта не освободилась от некоторых досадных изъянов своего устройства, по причине только частичного использования предложений выдающихся мастеров-флейтистов. Но эти недостатки не столь существенны — несколько неисполнимых трелей и особенно трудных ходов. Сторонники старо-немецкой флейты сетовали, что флейта Бёма уничтожила свойственную старой флейте красоту звучания (и это отчасти справедливо). Но звук флейты Бёма полнее, сочнее, круглее, ей доступны самые сложные технические узоры, которые она преодолевает с удивительной непринуждённостью и внешней лёг костью. Звук её кристально чист, певуч, но холодноват. В результате всех усовершенствований флейта получила ещё большее признание у крупнейших композиторов, обогатив их творчество, украсив оркестровые партитуры новыми тембровыми красками.
Основные пути развития истории исполнительства определили знаменитые произведения для флейты Г.Форе («Фантазия»). С.Шаминад («Концертино»), А.Дворжака («Серенада») и др.

ФЛЕЙТА

Флейта - духовой музыкальный инструмент из группы деревяных (поскольку первоначально эти инструменты изготавливались из дерева). В отличие от других духовых инструментов, у флейты звуки образуются в результате рассекания потока воздуха об грань, вместо использования язычка. Музыкант, играющий на флейте, обычно именуется флейтистом.

Д
ревнейшей формой флейты, по-видимому, является свисток . Постепенно в свистковых трубочках стали прорезать пальцевые отверстия, превращая простой свисток в свистковую флейту, на которой уже можно было исполнять музыкальные произведения.

Продольная флейта была известна в Египте ещё пять тысяч лет тому назад, и она остаётся основным духовым инструментом на всём Ближнем Востоке. Продольная флейта, имеющая 5-6 пальцевых отверстий и способная к октавному передуванию, обеспечивает полный музыкальный звукоряд, отдельные интервалы внутри которого могут меняться, образуя различные лады посредством перекрещивания пальцев, закрытия отверстий наполовину, а также изменения направления и силы дыхания.

Поперечная флейта (часто просто флейта; итал. flauto из лат. flatus - «ветер, дуновение»; фр. flûte, англ. flute, нем. Flöte) - деревянный духовой музыкальный инструмент сопранового регистра с 5-6 пальцевыми отверстиями была известна в Китае по меньшей мере 3 тысячи лет назад, а в Индии и Японии - более двух тысяч лет назад. В Европе в период Средневековья были распространены, в основном, простые инструменты свисткового типа (предшественницы блок-флейты и флажолета), а также поперечная флейта, которая проникла в Центральную Европу с Востока через Балканы, где до сих пор остается самым распространенным народным инструментом. Высота звука на флейте меняется путём передувания (извлечения губами гармонических созвуков), а также путём открывания и закрывания клапанами отверстий. В греческой мифологии изобретателем флейты считается сын Гефеста Ардал. Древнейшей формой флейты, по-видимому, является свисток. Постепенно в свистковых трубочках стали прорезать пальцевые отверстия, превращая простой свисток в свистковую флейту, на которой уже можно было исполнять музыкальные произведения. Самое раннее изображение поперечной флейты было найдено на этруском рельефе, который датируется ста или двухстами годами до нашей эры. В то время поперечную флейту держали в левую сторону, лишь иллюстрация к стихотворению XI века нашей эры, впервые изображает манеру держать инструмент в правую сторону. Первые археологические находки поперечных флейт Окцидента относятся к XII-XIV векам нашей эры. Одно из самых ранних изображений того времени содержится в энциклопедии Hortus Deliciarum. Кроме одной вышеупомянутой иллюстрации XI века, все средневековые европейские и азиатские изображения показывают исполнителей, держащих поперечную флейту в левую сторону, в то время, как античные европейские изображения показывают флейтистов, держащих инструмент в правую сторону. Поэтому предполагают, что поперечная флейта в Европе временно вышла из употребления, а затем вернулась туда из Азии через Византийскую империю. В средние века поперечная флейта состояла из одной части, иногда из двух у «басовых» флейт. Инструмент имел цилиндрическую форму и имел 6 отверстий одинакового диаметра.

Что же касается продольной или просто флейты, то еще среди духовых инструментов Древней Греции были распространены сиринга и авлос.

Авлос – древнегреческий язычковый духовой инструмент. Представлял собой пару отдельных цилиндрических или конических трубок из тростника, дерева, кости позднее из металла с 3-5 (позднее более) пальцевыми отверстиями.

Длина авлоса различна, обычно около 50 см. Применялся профессиональными исполнителями для сопровождения сольного и хорового пения, танцев, во время похоронных и свадебных обрядов, культовых, военных и других ритуалов, а также в театре. Правый авлос издавал высокие звуки, а левый – низкие. Этот инструмент был снабжен мундштуком и отдаленно напоминал гобой. Играть на нем было нелегко, ведь в оба авлоса нужно было дуть одновременно. Авлос считался инструментом, чей звук и тягучий мелос больше других волнует человека, побуждает в нём страстные чувства. Известны различные виды авлоса (бомбикс, борим, калам, гингр, ниглар, элим), сиринги (одно-, двух и многотрубчатые) и труб (сальпинга, керас и другие).

Сиринга или сиринкс (греч. συριγξ) имеет два значения - общее название древнегреческих духовых инструментов (тросниковаых, деревянных, типа флейты (продольная), а также древнегреческая пастушечья многоствольная флейта или флейта Пана.

Флейта Пана - это многоствольчатая флейта. Инструмент состоит из набора открытых с верхнего конца тростниковых, бамбуковых и других трубочек разной длины, скрепленных тростниковыми планками и жгутом. Каждая трубка издает 1 основной звук, высота которого зависит от ее длины и диаметра. состоящая из нескольких (3 и больше) бамбуковых, тростниковых, костяных или металлических Трубки бывают длиной от 10 до 120 см. На больших панфлейтах, а также двухрядных, играют вдвоём. Название флейты Пана происходит от имени древнегреческого бога Пана, – покровителя пастухов, который обычно изображается играющим на многоствольной флейте. Пан известен своим пристрастием к вину и веселью. Он полон страстной влюбленности и преследует нимф. Однажды козлоногий Пан влюбился в нимфу по имени Сиринга (буквально "свирель").

Погнался Пан за ней с целью овладеть,

Артур Вардл Флейта Пана а может просто признаться в любви. Нимфа Сиринга бежала в страхе перед Паном и бросилась к реке Ладон. Обратилась Сиринга к своему отцу - речному богу с просьбой спасти ее от посягательств, и превратил отец ее в тростник, который от дуновения ветра издавал жалобный звук. Срезал Пан тот тростник и сделал себе из него свирель, носящую имя нимфы, а инструмент потом назвали флейтой. Пан ценитель и судья пастушечьих состязаний в игре на свирели. Пан даже вызвал на состязание Аполлона, но был им побежден, а у царя Мидаса – судьи этого состязания, не оценившего Аполлона, выросли в наказание ослиные уши. Правда, у соперника Аполлона по другой легенде было и другое имя. Существует также легенда о Марсии - сатире, подобравшем флейту, изобретенную и брошенную Афиной. В игре на флейте Марсий достиг необычайного мастерства и, возгордясь, вызвал на состязание самого Аполлона. Дерзкое соперничество кончилось тем, что Аполлон, играя на кифаре, не только победил Марсия, но и ободрал с несчастного кожу.

Разновидностей панфлейты много: сампоньа (сампоньо, она же сампони, индейская флейта- однорядная или двухрядная); молдавский нэй (най, мускал); русские кугиклы (от «куга» - камыш), они же кувиклы, кувички; грузинская ларчеми (соинари); литовский скучудай; чипсан и пoлянъяс народа коми, в Великобритании - panpipes или pan-flute и т. д. Некоторые называют флейту Пана свирелью. Популяризации флейты Пана в современной европейской музыкальной культуре способствовали, главным образом, румынские музыканты - прежде всего, широко гастролирующий начиная с середины 1970-х гг. Георге Замфир.

Кувиклы (кугиклы) - русская разновидность «флейты Пана». У русских первым обратил внимание на флейту Пана Гасри, давший весьма неточное её описание под названием свирель или свирелка. О кувиклах писал Дмитрюков в журнале «Московский телеграф» в 1831 году. На протяжении XIX в. в литературе время от времени встречается свидетельства об игре на кувиклах, особенно на территории Курской губернии. Область распространения кувикл на Руси расположена в пределах современных Брянской, Курской и Калужской областей. Кувиклы представляют собой набор пустотелых 3-5 трубок различной длины (от 100 до 160 мм) и диаметра с открытым верхним концом и закрытым нижним. Инструмент этот изготавливался обычно из стеблей куги (камыша), тростника, бамбука и т. д., дном служил узел ствола. В русских кувиклах каждая дудочка имеет своё название. В Курской области дудочки, начиная от большой, называются «гудень», «подгудень», «средняя», «пятушка» и самая маленькая «пятушка», в других областях названия могут отличаться. Такие названия позволяют исполнителям в процессе сыгрывания обмениваться репликами, подсказывающими как нужно играть.

Репертуар ограничивается обычно плясовыми наигрышами. При игре кто-то время от времени поёт, или чаще приговаривает текст. Хороши кугиклы в соединении с другими народными инструментами: жалейкой, свирелью, народной скрипкой. Флейты Пана у разных народов и устроены по-разному. Чаще всего отдельные трубочки флейты скрепляют между собой прочно. А у сампоньо они просто связаны в два ряда, и любую трубку, вышедшую из строя, легко заменить.

Самое раннее изображение поперечной флейты было найдено на этруском рельефе, который датируется ста или двухстами годами до нашей эры. В то время поперечную флейту держали в левую сторону, лишь иллюстрация к стихотворению XI века нашей эры, впервые изображает манеру держать инструмент в правую сторону. Первые археологические находки поперечных флейт Окцидента относятся к XII-XIV векам нашей эры. Одно из самых ранних изображений того времени содержится в энциклопедии Hortus Deliciarum. Кроме одной вышеупомянутой иллюстрации XI века, все средневековые европейские и азиатские изображения показывают исполнителей, держащих поперечную флейту в левую сторону, в то время, как античные европейские изображения показывают флейтистов, держащих инструмент в правую сторону. Поэтому предполагают, что поперечная флейта в Европе временно вышла из употребления, а затем вернулась туда из Азии через Византийскую империю В средние века поперечная флейта состояла из одной части, иногда из двух у «басовых» флейт. Инструмент имел цилиндрическую форму и имел 6 отверстий одинакового диаметра.

Франсуа Буше Вакханка, играющая на свирели 1760 г.

В эпоху Ренессанса конструкция флейты мало изменилась. Инструмент имел диапазон в две с половиной октавы и более, что превосходило диапазон большинства блок-флейт того времени на октаву. Известные оригинальные флейты эпохи Ренессанса хранятся в музее Castel Vecchio в Вероне.

Жозеф Мари Вьен. Аллегория Музыки.

Поперечная флейта использовалась в основном в ансамблевой игре - квартетах флейт, трио для голоса, флейты и лютни, в консортах, ричеркарах и другой музыке композиторов Аурелио Вирджилиано, Клаудио Монтеверди, Иеронима Преториуса и других. В конце XVII века поперечную флейту начали использовать при французском дворе, в основном в составе оперного оркестра (первое употребление в опере Люлли «Исида» 1667), и прошло определённое время, пока поперечная флейта приобрела бóльшую популярность. В начале XVIII века в Германии, Англии, Италии появлялось всё больше исполнителей на духовых инструментах, вначале в основном гобоистов, затем и флейтистов. В 1718 ― 1719 гг. знаменитый флейтист и композитор Иоахим Кванц жаловался на скудность репертуара для поперечной флейты. С 1700 года во Франции печатались сборники сюит и пьес для флейты соло и с аккомпанементом басо континуо, композиторов Жака Отеттера, Мишеля де ля Барра, Мишель де Монтеклера и других. Начиная с 1725 года, появились сонаты и трио-сонаты, и другие произведения для флейты французских композиторов Жозефа Буамортье, Мишеля Блаве, Жан-Мари Леклера и других. Представители итальянского барочного стиля этого периода, такие как Арканжелло Корелли, Франческо Верачини, Пьетро Локателли, Джованни Платти, писали сонаты, где поперечная флейта могла быть заменена скрипкой или блок-флейтой. В 1728 году Антонио Вивальди стал первым композитором, опубликовавшим концерты для поперечной флейты, за ним последовали- Г. Ф. Телеман, Д. Тартини, а позже Пьер-Габриэль Бюффардэн, Мишель Блаве, Андре Гретри, К. Ф. Э. Бах. Первые серьёзные изменения в конструкцию флейты внесла семья Оттетеров в конце XVII века. Жак Мартин Оттетер разделил инструмент на три части: головку, тело (с дырочками, которые закрывались непосредственно пальцами) и колено, на котором, как правило, располагался один или более клапанов.

Впоследствии большинство поперечных флейт XVIII века состояли из четырёх частей - тело инструмента было поделено пополам. Оттетер также изменил сверление инструмента на коническое, чтобы улучшить интонацию между октавами. Обладая более экспрессивным звучанием и высокими техническими возможностями, поперечная флейта вскоре вытеснила продольную (блок-флейту) и к концу XVIII века заняла прочное место в симфоническом оркестре и инструментальных ансамблях. В конце XVIII века к поперечной флейте прибавляют всё больше клапанов - как правило от 4 до 6, и более. Важные нововведения в конструкцию поперечной флейты того времени внесли Иоганн Иоахим Кванц и Иоганн Георг Тромлиц. Во времена Моцарта поперечная флейта с одним клапаном всё ещё являлась наиболее распространённой конструкцией инструмента.

Адольф фон Мензель Концерт для флейты в исполнении Фридриха Великого в Сансусси 1852 г.

Важным центром развития флейтовой школы того времени стал Берлин, где при дворе Фридриха II, который сам был флейтистом и незаурядным композитором, поперечная флейта приобрела особенное значение. Благодаря неугасающему интересу монарха к его любимому инструменту, появились на свет многие произведения для поперечной флейты Иоахима Кванца (придворного композитора и педагога Фридриха), К. Ф. Э. Баха (придворного клавесиниста), Франца и его сына Фридриха Бенды, Карла Фридриха Фаша и другие.

Во второй половине XVIII века в стиле пост-барокко и раннего классицизма для флейты писали Иоганн Христиан Бах, Игнац Плейель, Франсуа Девьен, Иоганн Стамиц, Леопольд Хофман, Франц Хофмайстер. К шедеврам этого периода относятся произведения В. А.Моцарта, который написал для флейты Концерты соль и ре мажор, концерт для флейты и арфы до мажор, 4 квартета и несколько ранних сонат, а также Серенада для флейты, скрипки и альта Людвига Бетховена.

В начале XIX века к конструкции поперечной флейты прибавляли всё больше клапанов, так как музыка для инструмента становилась всё виртуознее и дополнительные клапаны облегчали исполнение трудных пассажей. Во Франции наиболее популярна была поперечная флейта с 5 клапанами, в Англии с 7 или 8 клапанами, в Германии, Австрии и Италии существовало наибольшее количество различных систем одновременно, где количество клапанов могло доходить до 14 штук и более, а системы назывались именами их изобретателей: «Мейер», «флейта Шведлера», «система Циглера» и другие.

Флейтист Теобальд Бём придал поперечной флейте современный вид. Его нововведения отличались от многочисленных других тем, что он поставил во главу угла акустические исследования и объективные параметры звука, а не удобство исполнителя. Флейта системы Бёма не сразу нашла отклик среди исполнителей - для того, чтобы перейти на новую систему нужно было полностью переучивать аппликатуру и не все были готовы на такую жертву. Многие критиковали и звук инструмента. Между 1832 и 1847 Бём усовершенствовал инструмент, который с тех пор уже относительно мало изменился. Он ввёл следующие наиболее важные новшества: 1) расположил большие пальцевые отверстия в соответствии с акустическими принципами, а не удобствами исполнения; 2) снабдил инструмент системой клапанов и колец, помогающей закрывать все отверстия; 3) использовал цилиндрический канал старых времен, но с параболической головкой, что улучшило интонацию и выровняло звучание в разных регистрах; 4) перешёл на использование металла для изготовления инструмента, что по сравнению с деревянным инструментом усилило блеск звучания. Во Франции инструмент приобрёл популярность быстрее других стран, в основном из-за того, что профессор Парижской Консерватории Луи Дорюс стал преданным её популяризатором и преподавал на ней в консерватории. В Германии и Австрии система Бёма не приживалась очень долго. Флейтисты горячо отстаивали свои пристрастия к той или иной системе, возникали многочисленные дискуссии и споры о недостатках и преимуществах.

В начале XIX века репертуар поперечной флейты пополнился произведениями Карла Черни, Иоганна Гуммеля, Игнаца Мошелеса. Особое место в репертуаре этого времени принадлежит многочисленным произведениям Фридриха Кулау, которого называли флейтовым Бетховеном.

К шедеврам романтического стиля во флейтовом репертуаре относятся Вариации на тему «Засохшие цветы» Франца Шуберта, Соната «Ундина» Карла Райнеке, а также его концерт для флейты с оркестром (написанный композитором в начале XX столетия в преклонном возрасте). Известны также ранние произведения для флейты Фредерика Шопена и Рихарда Штрауса.

Флейтовый репертуар XIX века доминируют виртуозные салонные произведения композиторов-флейтистов - Жан-Луи Тюлу, Джулио Бриччальди, Вильгельма Поппа, Жюля Демерссмана, Франца Допплера, Чезаре Чиарди, Антона Фюрстенау, Теобальда Бёма, Иоахима Андерсена, Эрнесто Кёлера и других - написанные авторами в основном для собственных выступлений. Появляется всё больше виртуозных концертов для флейты с оркестром - Вилема Блодека, Саверио Меркаданте, Бернарда Ромберга, Франца Данци, Бернарда Молика и других.

Роберт Штерл Флейтист в Петергофе 1908 г.

В XX веке флейта становится одним из самых востребованных инструментов в музыке. Большинство флейтистов перешли на систему Бёма, хотя другие системы иногда встречались вплоть до 1930-х годов. Большинство флейт всё ещё производились из дерева, но металлические инструменты начали приобретать всё большую популярность.

Willie Was Different

Высокий уровень исполнителей французской флейтовой школы, таких как Поль Таффанель, Филипп Гобер, Марсель Моиз, а позже Жан-Пьер Рампаль, делает Францию флейтовым центром и кузницей шедевров флейтового репертуара. В первой половине XX столетия произведения для флейты пишут композиторы, представители французского импрессионизма в музыке и их последователи - Эдгар Варез, Клод Дебюсси, Габриэль Форе, Анри Дютийё, Альбер Руссель, Франсис Пуленк, Дариус Мийо, Жак Ибер, Артур Онеггер, Сесиль Шаминад, Лили Буланже, Жорж Ю, Эжен Бозза, Жюль Муке, Джордже Энеску и другие.

Во второй половине XX века снова возник интерес к поперечным флейтам барочной конструкции, многие исполнители начали специализироваться на аутентичном исполнении барочной музыки на оригинальных инструментах.