Senfoni(Yunanca "ünsüz" den) - birkaç bölümden oluşan orkestra için bir parça. Senfoni, konser orkestra müziği arasında en müzikal formdur.

Klasik yapı

Yapının sonatla göreceli benzerliği nedeniyle, senfoniye orkestra için büyük bir sonat denilebilir. Bir sonat ve bir senfoninin yanı sıra bir üçlü, bir dörtlü vb., "sonata-senfonik döngü" ye aittir - parçalardan en az birini (genellikle birincisi) sonat biçiminde. Sonat-senfonik döngü, tamamen enstrümantal formlar arasında en büyük döngüsel formdur.

Sonatta olduğu gibi, klasik senfoninin dört bölümü vardır:
- hızlı bir tempoda ilk bölüm sonat biçiminde yazılmıştır;
- ağır çekimde ikinci bölüm, daha az sıklıkla bir sonat veya bir varyasyon şeklinde bir rondo şeklinde yazılır;
- üç parçalı biçimde üçüncü hareket, scherzo veya minuet;
- dördüncü bölüm, hızlı bir şekilde, sonat biçiminde veya rondo, rondo sonat biçiminde.
İlk bölüm ılımlı bir tempoda yazılırsa, tam tersine, hızlı bir ikinci ve yavaş bir üçüncü bölüm izleyebilir (örneğin, Beethoven'ın 9. senfonisi).

Senfoninin orkestranın büyük güçleri için tasarlandığını göz önünde bulundurarak, bir senfoni orkestrasının ifade araçlarının zenginliği sağladığı için, içindeki her bölüm, örneğin sıradan bir piyano sonatından daha geniş ve daha ayrıntılı bir şekilde yazılmıştır. müzikal düşüncenin ayrıntılı bir sunumu.

senfoni tarihi

Senfoni terimi, antik Yunanistan'da, Orta Çağ'da ve esas olarak çeşitli enstrümanları, özellikle aynı anda birden fazla ses üretebilenleri tanımlamak için kullanıldı. Bu nedenle, Almanya'da, 18. yüzyılın ortalarına kadar senfoni, klavsen çeşitleri için genel bir terimdi - spinetler ve bakireler, Fransa'da organ organları, klavsenler, çift başlı davullar vb.

"Birlikte çalınan" müzik parçalarını ifade eden senfoni kelimesi, Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 ve Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche) gibi besteciler arasında 16. ve 17. yüzyıla ait bazı eserlerin başlıklarında görünmeye başladı. Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie müzikali, 1610) ve Heinrich Schutz (Symphoniae sacrae, 1629).

17. yüzyılın sonunda Domenico Scarlatti yönetiminde şekillenen senfoni, senfoninin prototipi olarak kabul edilebilir. Bu forma o zamanlar zaten bir senfoni deniyordu ve üç zıt bölümden oluşuyordu: allegro, andante ve allegro, tek bir bütün halinde birleşti. Genellikle orkestra senfonisinin doğrudan öncüsü olarak görülen bu formdur. "Uvertür" ve "senfoni" terimleri 18. yüzyılın büyük bölümünde birbirinin yerine kullanılmıştır.

Senfoninin diğer önemli ataları, en basit formlarda ve esas olarak aynı anahtarda birkaç bölümden oluşan orkestra süiti ve solo enstrümanlar olmadan yaylı ve sürekli bir konçertoyu andıran bir form olan ripieno konçertosuydu. Bu formda, Giuseppe Torelli'nin eserleri yaratıldı ve belki de en ünlü ripeno konseri Johann Sebastian Bach'ın "Brandenburg Konçertosu No. 3" dür.

Senfoninin klasik modelinin kurucusu kabul edilir. Klasik bir senfonide, sadece ilk ve son hareketler aynı anahtara sahipken, ortadakiler, tüm senfoninin anahtarını belirleyen ana bölüme benzer anahtarlarla yazılmıştır. Klasik senfoninin önde gelen temsilcileri Wolfgang Amadeus Mozart ve Ludwig van Beethoven'dır. Beethoven, senfoniyi önemli ölçüde genişletti. 3 No'lu Senfonisi ("Kahramanlık"), daha önceki tüm eserlerini aşan bir ölçek ve duygusal aralığa sahip olan 5 No'lu Senfonisi, belki de şimdiye kadar yazılmış en ünlü senfonidir. 9 Nolu Senfonisi, son bölümde solist ve koro için parçalar içeren ilk "koro senfonilerinden" biri oldu.

Romantik senfoni, klasik formun romantik ifadeyle birleşimi haline geldi. Programatiklik eğilimi de gelişiyor. Belli olmak. Romantizmin ana ayırt edici özelliği, formun büyümesi, orkestranın kompozisyonu ve ses yoğunluğuydu. Bu dönemin en önemli senfoni bestecileri Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, PI Tchaikovsky, A. Bruckner ve Gustav Mahler'dir.

19. yüzyılın ikinci yarısından itibaren ve özellikle 20. yüzyılda senfonide bir dönüşüm daha yaşanmıştır. Dört parçalı yapı isteğe bağlı hale geldi: senfoniler bir (7. Senfoni) ila on bir (D. Shostakovich'in 14. Senfonisi) veya daha fazlasını içerebilir. Pek çok besteci senfonilerin boyutlarıyla ilgili deneyler yaptı, bu nedenle Gustav Mahler (orkestranın ve koroların bunu icra etmek için gereken gücünden dolayı) Bin Katılımcının Senfonisi adlı 8. senfonisini yarattı. Sonat formunun kullanımı isteğe bağlıdır.
Beethoven'ın 9. senfonisinden sonra besteciler vokal parçaları senfonilere daha sık dahil etmeye başladılar. Ancak müzik malzemesinin ölçeği ve içeriği sabit kalır.

önde gelen senfoni bestecilerinin listesi
Joseph Haydn - 108 Senfoni
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) senfoni
Ludwig van Beethoven - 9 senfoni
Franz Schubert - 9 senfoni
Robert Schumann - 4 senfoni
Felix Mendelssohn - 5 senfoni
Hector Berlioz - birkaç program senfonisi
Antonín Dvořák - 9 senfoni
Johannes Brahms - 4 senfoni
Pyotr Çaykovski - 6 senfoni ("Manfred" senfonisinin yanı sıra)
Anton Bruckner - 10 senfoni
Gustav Mahler - 10 senfoni
- 7 senfoni
Sergei Rachmaninoff - 3 senfoni
Igor Stravinsky - 5 senfoni
Sergei Prokofiev - 7 senfoni
Dmitry Shostakovich - 15 senfoni (ayrıca birkaç oda senfonisi)
Alfred Schnittke - 9 senfoni

Yunancadan. semponia - ünsüz

Orkestra için, çoğunlukla senfonik, genellikle sonat-döngüsel biçimde bir müzik parçası. Genellikle 4 bölümden oluşur; tek parçaya kadar giderek daha az parçaya sahip S. vardır. Bazen S.'de orkestraya ek olarak bir koro ve solo wok tanıtılır. sesler (dolayısıyla S.-kantata giden yol). Yaylı, odacıklı, üflemeli ve diğer orkestra kompozisyonları için, solo enstrümanlı bir orkestra (S.-konser), organ, koro (koro S.) n vok için puanlar vardır. topluluk (istasyon C). Konser Senfonisi - S. konser (solo) enstrümanlarıyla (2'den 9'a kadar), yapısal olarak konserle ilgili. S. genellikle diğer türlere yaklaşır: S.-suite, S.-rhapsody, S.-fantasy, S.-ballad, S.-legend, S.-poem, S.-cantata, S.-requiem, S.- bale, S.-drama (bir tür kantat), tiyatro. S. (cins honer). S.'nin doğası gereği trajedi, drama, lirik şiire de benzetilebilir. şiir, kahramanlık. epik, tür muses döngüsüne yaklaşın. oynar, bir dizi tasvir eder. ilham perileri. resimler. Tipik parçaların kontrastını tasarımın bütünlüğü ile, farklı görüntülerin çokluğunu ilham perilerinin bütünlüğü ile birleştiriyor. drama. S., edebiyatta bir drama veya bir roman olarak müzikte aynı yeri işgal eder. En yüksek araç türü olarak. müzik, diğer tüm türlerini en geniş somutlaştırma olanakları açısından geride bırakıyor. fikirler ve çok sayıda duygusal durum.

Aslen Dr. Yunanistan, "S" kelimesi. tonların (dördüncü, beşinci, oktav) uyumlu bir kombinasyonunun yanı sıra birlikte şarkı söyleme (topluluk, koro) anlamına geliyordu. Daha sonra Dr. Roma, ınstr. adını aldı. topluluk, orkestra. Çarşamba günü. yüzyıl S. laik bir öğretim görevlisi olarak anlaşıldı. müzik (bu anlamda, terim Fransa'da 18. yüzyılın başlarında kullanılmıştır), bazen genel olarak müzik; ayrıca, bazı muslara da denirdi. aletler (örneğin tekerlekli bir lir). 16. yüzyılda. bu kelime başlıkta kullanılmıştır. motifler (1538), madrigaller (1585), vokal-eğitmen koleksiyonu. kompozisyonlar ("Sacrae symphoniae" - "Kutsal senfoniler" G. Gabrieli, 1597, 1615) ve ardından instr. polifonik oyunlar (17. yüzyılın başlarında). Poligonalizme atanır. (genellikle kordal) bir wok girişi veya ara gibi bölümler. ve instr. özellikle süitlere, kantatlara ve operalara girişler (uvertürler) için çalışır. Opera S. (uvertürler) arasında iki tür ana hatlarıyla belirtilmiştir: Venedik - iki bölümden (yavaş, ciddi ve hızlı, füg), daha sonra Fransızca olarak geliştirildi. uvertür ve Napoliten - üç bölümden (hızlı - yavaş - hızlı), 1681'de A. Scarlatti tarafından tanıtıldı, ancak diğer parça kombinasyonlarını kullandı. Sonat döngüsü. form yavaş yavaş S.'de baskın hale gelir ve onda özellikle çok yönlü bir gelişme alır.

Yaklaşık ayrı duran Ork'un bulunduğu operadan 1730. giriş bir uvertür şeklinde korundu, sayfa bağımsız hale geldi. bir tür ork. müzik. 18. yüzyılda. temel olarak yerine getirecektir. kompozisyon dizelerdi. enstrümanlar, obualar ve Fransız kornosu. S.'nin gelişimi bozulmadan etkilendi. ork türleri. ve oda müziği - bir konser, süit, üçlü sonat, sonat, vb. ile melodi, armoni, yapı ve görüntü üzerindeki etkisi oldukça belirgin olan toplulukları, koroları ve aryaları ile opera. Ne kadar spesifik. S. türü müzik başta olmak üzere diğer müzik türlerinden ayrışarak içerik, biçim, temaların gelişmesi ve daha sonra senfonizm adını alan bu besteleme yönteminin yaratılmasıyla bağımsızlaştıkça olgunlaştı ve daha sonra senfoni adını aldı. , birçok alanda muses üzerinde büyük etkisi oldu. yaratıcılık.

S.'nin yapısı evrim geçirdi. S., Napoliten tipinin 3 parçalı döngüsüne dayanıyordu. Genellikle Venedik ve Fransız örneğini takip eder. S.'deki uvertürler, ilk harekete yavaş bir giriş içeriyordu. Daha sonra, S'ye bir minuet girdi. - önce 3 parçalı bir döngünün sonu olarak, daha sonra 4 parçalı bir döngünün parçalarından biri (genellikle üçüncü) olarak, finalde, kural olarak, rondo veya rondo sonat formu kullanılmıştır. L. Beethoven zamanından beri, minuet, G. Berlioz zamanından beri scherzo (3., bazen 2. hareket) ile değiştirildi - ve vals. S. için en önemli olan sonat formu, öncelikle ilk bölümde, bazen de yavaş ve son bölümlerde kullanılır. 18. yüzyılda. S. birçok yetiştirdi. usta. Bunların arasında İtalyan J. B. Sammartini (85 S., c. 1730-70, 7'si kayıp), Çeklerin lider konumda olduğu Mannheim okulunun bestecileri (F.K. Richter, J. Stamitz, vb. . ), sözde temsilcileri. klasik öncesi (veya erken) Viyana okulu (M. Monne, G. K. Wagenzeil ve diğerleri), Paris'te çalışan Belçikalı F. J. Gossek, Fransızların kurucusu. S. (29 sayfa, 1754-1809, "Avcılık" dahil, 1766; ayrıca bir ruh için 3 sayfa. Orkestra). Klasik type C., Austr tarafından oluşturuldu. komp. J. Haydn ve W.A. Mozart. "Senfoninin babası" Haydn'ın eserinde (104 s., 1759-95) C'nin oluşumu tamamlanmış, eğlenceli gündelik müzik türünden ciddi enstrümantal müziğin baskın türüne dönüşmüştür. müzik. Kuruldu ve kuruldu. yapısının özellikleri. S., ortak bir parça fikri ile içsel olarak zıt, amaçlı olarak gelişen ve birleştirilen bir dizi olarak gelişmiştir. Mozart dramayı S. gerilim ve tutkulu lirizm, ihtişam ve zarafet ona daha da büyük bir üslup birliği verdi (c. 50 C, 1764 / 65-1788). Son S.- Es-majör, g-minör ve C-majör ("Jüpiter") - senfoninin en yüksek başarısı. dava 18. yüzyıl Mozart'ın yaratıcı deneyimi sonraki eserlerine de yansıdı. Haydn. Viyana klasik okulunu (9 s., 1800-24) tamamlayan L. Beethoven'ın rolü özellikle S.. Onun 3. ("Heroic", 1804), 5. (1808) ve 9. (finalde vokal dörtlü ve koro ile, 1824) S. kahramanlık örnekleridir. kitlelere hitap eden, devrimi somutlaştıran senfoni. acınası ranza kavga etmek. Onun 6. S.'si ("Pastoral", 1808) programlanmış senfonizmin bir örneğidir (bkz. Programlanmış müzik) ve 7. S. (1812), R. Wagner'in sözleriyle, "dansın apotheosis"idir. Beethoven, S.'nin kapsamını genişletti, dramasını dinamik hale getirdi ve tematik diyalektiğini derinleştirdi. geliştirme, zenginleştirilmiş int. sistem ve ideolojik anlamı S.

Avusturya için ve o. romantik besteciler 1. kat. 19. yüzyıl tipik lirik türleri (Schubert'in "Bitmemiş" senfonisi, 1822) ve epik (sonuncusu Schubert'in 8. senfonisidir) S'nin yanı sıra renkli nat ile manzara ve günlük müzik. boyama ("İtalyan", 1833 ve "İskoç", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdi). Psikoloji de gelişti. S.'nin zenginliği (4 senfoni, R. Schumann, 1841-51, içinde yavaş hareketlerin ve scherzo'nun en etkileyici olduğu). Klasikler arasında zaten ortaya çıkmış olan kendiliğindenlik eğilimi. bir bölümden diğerine geçiş ve tematik oluşturma. hareketler arasındaki bağlantı (örneğin, Beethoven'ın 5. senfonisinde) romantikler arasında güçlendi ve hareketlerin birbiri ardına duraklamadan takip ettiği C ortaya çıktı ("Schumann'ın 4. senfonisi Mendelssohn-Bartholdi'nin İskoç Senfonisi).

Fransızların en parlak zamanı. S., yenilikçi çalışmaların olduğu 1830-40'a atıfta bulunur. G. Berlioz, romantizmin yaratıcısı. lit tabanlı yazılım C. arsa (5 bölümlü "Fantastik" C, 1830), S.-konser ("İtalya'da Harold", viyola ve orkestra için, J. Byron, 1834), S.-oratorio ("Romeo ve Juliet", dram. S. 6 bölümde, solist ve koro ile, W. Shakespeare'den sonra, 1839), "Cenaze ve zafer senfonisi" (cenaze marşı, "oratorik" trombon solo ve apotheosis - bir ruh orkestrası veya senfoni için. Orkestra, irade - ve koro, 1840). Berlioz, görkemli bir üretim ölçeği, orkestranın muazzam bir kompozisyonu, ince nüanslarla renkli enstrümantasyon ile karakterizedir. Felsefi ve etik. sorun F. Liszt'in senfonilerine yansıdı ("Faust Senfoni", ancak JV Goethe, 1854, sonuç korosuyla, 1857; "S. to the Divine Comedy" Dante ", 1856). Berlioz ve Liszt'in programatik yönüne bir antipod olarak hareket etti. komi. Viyana'da çalışan I. Brahms. 4 S.'de (1876-85), Beethoven ve romantik geleneklerini geliştiriyor. senfoni, kombine klasik. duygusal durumların uyumu ve çeşitliliği. Tarzı benzer. özlemler ve aynı zamanda bireysel Fransızca. Aynı dönemin S. - C. Saint-Saens (1887) tarafından 3. S. (organlı) ve S. Frank (1888) tarafından S. d-moll. A. Dvořák'ın S. "Yeni Dünyadan" adlı eserinde (son, kronolojik olarak 9, 1893), sadece Çek değil, aynı zamanda Zenci ve Hint esintileri de kırıldı. elementler. Avusturya'nın önemli ideolojik kavramları. senfonistler A. Bruckner ve G. Mahler. Anıtsal eserler Bruckner (8 S., 1865-1894, 9. bitmemiş, 1896) polifonik zenginliği ile karakterizedir. kumaşlar (organizasyon sanatının etkisi ve muhtemelen R. Wagner'in müzikal dramaları), duygusal birikimlerin süresi ve gücü. Mahler'in senfonisi (9 C., 1838-1909, 4'ü 8. dahil olmak üzere şarkı söylemek - "bin katılımcının senfonisi", 1907; 10. bitmedi, eskizlere göre tamamlama girişimi D tarafından üstlenildi. 1960'da Cook; 2 solo şarkıcı ile S.-cantata "Dünyanın Şarkısı", 1908) çatışmaların ciddiyeti, yüce pathos ve trajedi ile karakterize, yeniliği ifade ediyor. para kaynağı. Zengin performanslarını kullanarak büyük kompozisyonlarına karşı bir denge gibi. cihaz, bir oda senfonisi ve bir senfoniet ortaya çıkıyor.

20. yüzyılın önde gelen yazarları Fransa'da - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (İsviçre uyruğuna göre, 5 S., 1930-50, 3. dahil - "Ayinsel", 1946, 5. - S. "üç yeniden" , 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", 10 kısım, 1948); Almanya'da - R. Strauss ("Ev", 1903, "Alp", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, 1. dahil - "Sanatçı Matis", 1934, 3- I - "Uyum the World", 1951), KA Hartman (8 S., 1940-62) ve diğerleri. S.'nin gelişimine katkı İsviçreli H. Huber (8 S., 1881-1920, .7th dahil) tarafından yapılmıştır. - "İsviçre", 1917), Norveçliler K. Sinding (4 S., 1890-1936), H. Severud (9 S., 1920-1961, tasarım 5-7- i, 1941-1945 tarafından anti-faşist dahil) , K. Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S., 1899-1924), Rumen J. Enescu (3 S. , 1905-19), Dutch B. Peiper (3 S., 1917-27) ve H. Badings (10 S., 1930-1961), Swede H. Rosenberg (7 S., 1919-69 ve S. için ruh ve vurmalı çalgılar, 1968), İtalyan JF Malipiero (11 S., 1933-69), İngiliz R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S. Requiem, 1940, "Spring Solo şarkıcılar, karma koro, erkek korosu ve senfonik orkestra için S., 1949), Amerikalılar C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston (8 S., 1937-65) ve R. Harris (12 C, 1933-69), braz ilets E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) ve diğerleri Çok çeşitli tipler C. 20. yüzyıl. yaratıcılığın çokluğu nedeniyle. yol tarifi, nat. okullar, folklor bağlantıları. Modern S. ayrıca yapı, biçim, karakter bakımından farklıdır: samimiyete ve tam tersine anıtsallığa eğilimlidir; Parçalara ayrılmamış ve çoğuldan ibaret değildir. parçalar; ticaret. depo ve serbest kompozisyon; her zamanki senfoni için. orkestra ve sıra dışı kompozisyonlar için vb. 20. yüzyılın müziğindeki trendlerden biri. eski - klasik öncesi ve erken klasik - ilham perilerinin modifikasyonu ile ilişkili. türler ve formlar. "Klasik Senfoni" (1907) adlı eserinde SS Prokofiev'e ve C ve "Üç Hareketli Senfoni" (1940-45) senfonisinde I. F. Stravinsky'ye haraç verildi. S. 20. yüzyılda bir dizi. atonalizm, atematizm ve diğer yeni kompozisyon ilkelerinin etkisi altında önceki normlardan bir ayrılma ortaya çıkar. A. Webern, S.'yi (1928) 12 tonlu bir seri üzerine inşa etti. "Avangart" S.'nin temsilcileri arasında çeşitli yer alıyor. yeni deneysel türler ve formlar.

Ruslar arasında ilk. besteciler S. türüne döndüler (bir oda topluluğu için yazılan 1790 "Konser Senfonisi" olan D. S. Bortnyansky hariç) Micah. Y. Vielgorsky (1825'te 2. S.'si) ve A. A. Alyabyev (tek parçalı C. e-moll, 1830 ve tarihsiz 3 parçalı C. Es-dur süit tipi, 4 konser boynuzu korunmuştur) , daha sonra AG Rubinshtein (6 S., 1850-86, 2. - "Okyanus", 1854, 4. - "Dramatik", 1874 dahil). MI Glinka, Rusça'nın altındaki bitmemiş S.-uvertürünün yazarı. temalar (1834, 1937'de V. Ya. Shebalin tarafından tamamlandı), üslubun oluşumu üzerinde belirleyici bir etkiye sahipti. lanet rus. S. tüm senfonisi ile. diğer türlerin kompozisyonlarının hakim olduğu yaratıcılık. S. rusya'da. yazarlar nat olarak telaffuz edildi. karakter, ranza resimleri çekilir. hayat, tarihçi. olaylar, şiirin motifleri yansıtılır. Mighty Handful'ın bestecilerinden N. A. Rimsky-Korsakov, S.'nin yazarı olarak ilk kişiydi (3 S., 1865-74). Rusların yaratıcısı. epik. S., A.P. Borodin'di (2 S., 1867-76; bitmemiş 3., 1887, kısmen A.K. Glazunov tarafından hafızadan kaydedildi). Çalışmalarında, özellikle "Heroic" (2.) S.'de Borodin, devasa bir tahta yatağın görüntülerini somutlaştırdı. kuvvet. Dünya senfonisinin en yüksek fetihleri ​​arasında - üretim. PI Çaykovski (6 S., 1800-93 ve S. "Manfred" programı, J. Byron, 1885). 4., 5. ve özellikle 6. ("Acıklı", yavaş biten) S., doğada lirik-dramatik, yaşam çarpışmalarının ifadesinde trajik bir güç elde eder; derin bir psikolojik yapıya sahipler. penetrasyon ile zengin bir insan deneyimi gamı ​​​​iletir. Epik çizgi. S., A. K. Glazunov tarafından devam ettirildi (8 S., 1881-1906, 1. - "Slavyanskaya" dahil; bitmemiş 9, 1910, - bir kısım, 1948'de G. Ya. Yudin tarafından enstrümante edildi), 2 S. MA tarafından yazılmış Balakirev (1898, 1908), 3 S. - RM Glier (1900-11, 3. - "Ilya Muromets"). Senfoniler, içten şarkı sözleriyle sizi cezbeder. S. Kalinnikov (2 S., 1895, 1897), derin düşünce konsantrasyonu - S. c-moll S. I. Taneyev (1., aslında 4., 1898), dram. acıklı - S. V. Rachmaninoff (3 S., 1895, 1907, 1936) ve 6 bölümlü 1. (1900), 5 bölümlü 2. (1902) ve 3 bölümlü 3. ("İlahi Şiir") A.N. Skryabin'in senfonileri ", 1904), özel bir oyun yazarı tarafından ayırt edildi. bütünlük ve ifade gücü.

S. baykuşlarda önemli bir yer tutar. müzik. Baykuşların işinde. besteciler, klasik müziğin yüksek geleneklerinin özellikle zengin ve canlı bir gelişimini aldı. senfoni. Baykuşlar S'ye döner. kıdemli ustalarla başlayan - N. Ya. 1952) ve yetenekli besteci gençliği ile biten tüm nesillerin bestecileri. Baykuşlar alanında önde gelen isim. S. - D. D. Shostakovich. Onun 15 sayfasında (1925-71) insan bilincinin derinlikleri ve ahlakın kararlılığı gözler önüne serilir. kuvvetler (5 - 1937, 8 - 1943, 15 - 1971), zamanımızın heyecan verici temaları (7 - Leningrad, 1941) ve tarih (11 - "1905", 1957; 12 - "1917", 1961 ), yüksek hümanist. idealler, şiddet ve kötülüğün kasvetli görüntülerine karşıdır (5 bölüm 13., E. A. Yevtushenko'nun bas, koro ve orkestra için sözleri, 1962). Gelenek geliştirmek. ve modern S. yapı türleri, besteci, serbestçe yorumlanan bir sonat döngüsü ile birlikte (bir dizi S., bir dizi ile karakterize edilir: yavaş - hızlı - yavaş - hızlı), diğer yapıları kullanır (örneğin, 11. - " 1905"), insan sesini cezbeder (solistler, koro). Hayat ve ölüm temasının geniş bir sosyal arka plana karşı işlendiği 11 bölümlük 14. S. (1969)'da, yaylı tellerle desteklenen iki şarkı söyleyen ses tek başınadır. ve darbe. aletler.

S. bölgesinde çok sayıda işçinin temsilcisi verimli bir şekilde çalışıyor. nat. baykuşların dalları. müzik. Bunlar arasında önde gelen baykuş ustaları vardır. A. I. Khachaturyan gibi müzik - en büyük kol. senfonist, renkli ve mizaçlı S.'nin yazarı (1. - 1935, 2. - "Çanlı S.", 1943, 3. - S.-şiir, org ve 15 ek trompet, 1947); Azerbaycan'da - K. Karaev (3. S., 1965), Letonya'da - J. Ivanov (15 C, 1933-72), vb. Bkz. Sovyet müziği.

Edebiyat: Glebov Igor (Asafiev B.V.), Modern bir senfoni yapımı, "Çağdaş Müzik", 1925, No 8; Asafiev B.V., Senfoni, kitapta: Sovyet müzikal yaratıcılığı üzerine denemeler, cilt 1, M.-L., 1947; 55 Sovyet senfonisi, L., 1961; Popova T., Senfoni, M.-L., 1951; Yarustovsky B., Savaş ve barışla ilgili senfoniler, M., 1966; 50 yıllık Sovyet senfonisi, (comp.), Otv. ed. G.G. Tigranov, L., 1967; Konen V., Tiyatro ve Senfoni ..., M., 1968, 1975; Tigranov G., Sovyet senfonisinde ulusal ve uluslararası üzerine, kitapta: Sosyalist bir toplumda müzik, cilt. 1, L., 1969; Rytsarev S., Berlioz'dan önce Fransa'da Senfoni, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchester depuis ses Origines jusqu "a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, B. 1898 Lpz., 1926; ego, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (Rusça çeviri - Weingartner P., Klasik senfonilerin performansı. İletkenler için ipuçları, cilt. 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg. 33, No. 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le Origini della sinfonia, "RMI", 1913, v. 20, s. 291-346, 1914, v. 21, s. 97-121, 278-312, 1915, sayfa 22, s. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (Rusça çeviri - Becker P., Symphony from Beethoven to Mahler, ed. Ve giriş yazısı I. Glebov, L., 1926); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 4, H. 1, ego, Die Theorie der Sinfonie ve Die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen zur 1927, Jahr klasg. 8, no.4; ego, Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., XVIII yüzyıl senfonileri, L., 1951; Vorrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B.S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII siècle, v. 1-3, S., 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B.S.Steinpress

Müzik bölümündeki yayınlar

Senfoniyi dinliyor ve anlıyoruz

Klasik, akademik, senfonik ve filarmoni müzik arasındaki fark nedir? Yaylı çalgılar dörtlüsü orkestra olarak kabul edilebilir mi ve böyle bir "orkestra" keman olarak adlandırılabilir mi? Bu ve senfoniler hakkındaki diğer popüler soruların cevapları Kultura.RF portalının materyalinde bulunabilir.

konsere gidiyoruz

İlya Repin. Slav besteciler. 1872. Moskova Devlet Konservatuarı, P.I. Çaykovski

Standart bir senfoni konçertosu, birinci bölümde orkestra ve ikinci bölümde senfoninin kendisinden oluşan bir enstrüman (çoğunlukla piyano veya keman için) için bir uvertür ve bir konçertodan oluşur. Çoğu zaman, ya iyi bilinen tiyatro eserlerinden ya da tamamen hazırlıksız dinleyicilerin bile müziği ekstra müzikal bir anlamsal düzeyde algılamasına izin veren kendi arsalarıyla oynarlar. Besteciler ayrıca kitlesel dinleyicilerin algısına yönelik enstrümantal konserler de yazarlar. Bir senfoni ile her şey çok daha karmaşık görünüyor, ancak bu sadece ilk bakışta.

Alıştığımız formdaki ilk senfoniler, Joseph Haydn zamanında ve büyük ölçüde onun sayesinde ortaya çıktı. Elbette "senfoni" kelimesinin kendisi besteciden çok önce vardı: Yunancadan çevrildiğinde "ortak [uyumlu] ses" anlamına geliyordu ve çeşitli müzik formlarını ve türlerini ifade etmeye hizmet ediyordu. Ama tam da Haydn'ın çalışmasındaydı. Viyana klasikleri- senfoni şimdiki haline geldi.

Hemen hemen tüm senfoniler aynı şemaya göre inşa edilir ve aslında aynı arsa tipini anlatır. Bu şemaya genellikle sonat-senfonik döngü denir, dört bağımsız müzikal bölümden oluşur. Bu bireysel müzik parçaları kelimenin tam anlamıyla sıralanmak mimari yapılar gibi, çok özel ve kesin matematiksel yasalara göre. Puşkin'in eserinin kahramanı Salieri'nin "cebirle uyuma inandığını" söylediğinde aklında bu yasalar vardı.

Bir senfoni nelerden oluşur?

Henryk Semiradsky'nin fotoğrafı. Chopin, 1829'da Berlin'deki Prens Anton Radziwill'in salonunda (detay). 2. kat XIX yüzyıl. Devlet Rus Müzesi

İlk kısım senfonilere bazen "sonata allegro" da denir. sonat formu ve bir kural olarak, hızlı bir şekilde gider. Sonat formunun arsası üç büyük bölümden oluşur - sergi, geliştirme ve tekrarlama.

V sergiİki zıt tema kulağa tutarlı geliyor: ana kısım genellikle daha aktif ve yan kısım genellikle daha liriktir. V gelişmekte bu temalar iç içedir ve bestecinin takdirine bağlı olarak bir şekilde birbirleriyle etkileşime girer. A tekrar bu etkileşimi özetler: içinde ana kısım orijinal haliyle ses çıkarır ve yan kısım ana parçanın etkisi altında değişir. Örneğin, eğer sergide lirikse, o zaman tekrarda trajik hale gelir (senfoni küçük bir anahtarla yazılmışsa) veya tersine kahramanca (büyük bir senfoni için) olur.

Senfoninin ana entrikası, bestecinin tipik arsayı nasıl geliştirdiğidir. Ve zaten tanıdık bir çalışmada, müziğin bir veya başka bir şef tarafından yorumlanmasına özellikle dikkat edebilirsiniz - bu, ünlü bir romanın yeni bir film uyarlamasını izlemeye benzer.

İkinci kısım senfoniler doğaları gereği yavaş, meditatiftir. Bu, ilk bölümün dramatik kıvrımlarının ve dönüşlerinin bir kavrayışıdır - bir fırtınadan sonra dinlenme veya şiddetli bir ateşten gerekli ancak yavaş bir iyileşme olarak.

üçüncü kısım senfoninin iç çatışmasını dış hareket yoluyla çözüme kavuşturur. Bu nedenle 18. yüzyıl bestecileri onu geleneksel olarak o zamanlar popüler olan minuet dansının üç vuruşlu ritminde yazdılar. Minuet formu geleneksel olarak üç bölümden oluşuyordu, üçüncü bölüm "A - B - A" şemasına göre ilkini tam anlamıyla tekrarlıyordu. Bu tekrar bazen notalara bile yazılmıyordu ve ikinci bölümden sonra basitçe "da capo" yazdılar: bu, ilk bölümün tamamını baştan oynamanız gerektiği anlamına geliyordu.

Ludwig van Beethoven zamanından beri, minuet bazen hızlı ve canlı bir scherzo (İtalyanca'dan çevrilmiş - "şaka") ile değiştirildi, ancak bu durumlarda bile, standart senfoninin üçüncü hareketi genellikle üç vuruşlu ritmi korudu. ve zorunlu üç parçalı "da capo" formu.

Son olarak, aceleci dördüncü kısım veya son senfoniler, dinleyiciyi duygusal ve anlamlı bir şekilde “yaşam döngüsüne” döndürür. Bu, müzikal form tarafından kolaylaştırılmıştır. rondo(Fransız rondeau'dan - "daire"), klasik senfonilerin finallerinin en sık yazıldığı yer. Rondo ilkesi, ana temanın bir daire içinde olduğu gibi periyodik geri dönüşlerine dayanır ( alıkoy), diğer müzik parçalarıyla serpiştirilmiş ( bölümler). Rondo formu, en ince ve en olumlu formlardan biridir ve bir bütün olarak senfoninin yaşamı onaylayan karakterine katkıda bulunan da budur. ...

İstisnasız hiçbir kural yoktur

Peter Williams. Dmitry Shostakovich'in portresi. 1947. M.I.'nin adını taşıyan Merkez Müzik Kültürü Müzesi. Glinka

Tanımlanan tipik biçim, 17. yüzyılın sonundan günümüze kadar yaratılan senfonilerin ezici çoğunluğunun karakteristiğidir. Ancak, istisnasız hiçbir kural yoktur.

Bir senfonide bir şey “plana göre değil” giderse, bu her zaman bestecinin profesyonellik eksikliğini veya cehaletini değil, özel bir niyetini yansıtır. Örneğin, bir senfoninin yavaş ("anlayan") kısmı, 19. yüzyılın romantik bestecilerinde sıklıkla olduğu gibi, bir minuet veya scherzo ile yer değiştirirse, bu, yazarın tüm metnin anlamsal vurgusunu değiştirdiği anlamına gelebilir. senfoni "içe doğru", müzikalin üçüncü çeyreğinde olduğu için eser "altın bölümün" noktası ve tüm formun anlamsal doruk noktasıdır.

Tipik formdan sapmanın bir başka örneği, Joseph Haydn'ın Farewell (45.) senfonisinde olduğu gibi, “planın üstüne” eklenen başka bir harekettir; burada geleneksel hızlı bitişten sonra, performans sırasında müzisyenlerin çalmayı bıraktığı yavaş bir beşinci bölüm vardır. ve müzik standlarına bağlı mumları söndürerek sahneyi terk edin. Kanonik formun bu ihlali ile Prens Esterhazy'nin saray orkestrasının lideri olan Haydn, işvereninin dikkatini müzisyenlere uzun süredir maaş ödenmediği ve kelimenin tam anlamıyla ayrılmaya hazır oldukları gerçeğine çekti. orkestra. Klasik bir senfoninin biçimini çok iyi bilen prens, ince bir ipucunu anladı ve durum müzisyenlerin lehine çözüldü.

Senfoni Orkestrası

Ders

senfonik türler

Bir tür olarak senfoninin doğuşunun tarihi

Bir tür olarak senfoninin tarihi, yaklaşık iki buçuk yüzyıla kadar uzanır.

Orta Çağ'ın sonunda, İtalya'da antik dramayı canlandırmak için bir girişimde bulunuldu. Bu, tamamen farklı bir müzikal ve tiyatro sanatının başlangıcı oldu - opera.
Erken Avrupa operasında koro, kendilerine eşlik eden enstrümantalist grupla birlikte solist şarkıcılar kadar öncü bir rol oynamadı. parter ve sahne. İlk başta, bu yer "orkestra" olarak adlandırılmaya başladı ve sonra - ve sanatçıların kendileri.

SENFONİ(Yunanca) - ahenk. XVI-XVIII yüzyıllardan itibaren. bu kavram şu anlama geliyordu “Ahenkli ses kombinasyonu”, “ahenkli koro şarkı söyleme” ve “çok sesli müzik parçası”.

« senfoniler " aranan opera eylemleri arasındaki orkestra araları. « orkestralar"(Eski Yunanca) denirdi koronun aslen bulunduğu tiyatro sahnesinin önündeki platformlar.

Sadece 30'lu ve 40'lı yıllarda. 18. yüzyılda, senfoni olarak anılmaya başlayan bağımsız bir orkestra türü kuruldu.

Temsil edilen yeni tür birkaç bölümden (döngü) oluşan bir eser ve eserin ana anlamını içeren ilk kısım kesinlikle "sonat formu"na karşılık gelmelidir.

Senfoni orkestrasının doğum yeri Mannheim şehridir. Burada, yerel seçmenin şapelinde, sanatının orkestra yaratıcılığı üzerinde ve daha sonraki senfonik müziğin tüm gelişimi üzerinde büyük etkisi olan bir orkestra kuruldu.
« Bu olağanüstü orkestranın yeterli alanı ve yönleri var- ünlü müzik tarihçisi Charles Burney'i yazdı. Burada böyle bir ses kütlesinin üretebileceği etkiler kullanıldı: "kreşendo" "diminuendo" ve daha önce esas olarak bir yankı olarak kullanılan ve genellikle eşanlamlı olan "piyano" burada doğdu ve " forte" müzikal renkler olarak kabul edildi, tonları mevcut, resimde kırmızı veya mavi gibi ... ".

Senfoni türünü yaratan ilk bestecilerden bazıları şunlardı:

İtalyanca - Giovanni Sammartini, Fransızca - Francois Gossek ve Çek besteci - Jan Stamitz.

Yine de, Joseph Haydn, klasik senfoni türünün yaratıcısı olarak kabul edilir. Clavier sonatının, yaylı üçlüsünün ve dörtlüsünün ilk parlak örneklerine sahiptir. Senfoni türünün doğduğu ve şekillendiği Haydn'ın eseriydi, şimdi dediğimiz gibi, klasik ana hatlarıyla nihai halini aldı.

I. Haydn ve W. Mozart, orkestra müziğinin onlardan önce zengin olduğunu senfonik yaratıcılıkta özetledi ve yarattı. Aynı zamanda, Haydn ve Mozart'ın senfonileri, yeni türün gerçekten tükenmez olanaklarını açtı. Bu bestecilerin ilk senfonileri küçük bir orkestra için tasarlanmıştı. Ancak daha sonra I. Haydn orkestrayı yalnızca nicel olarak değil, aynı zamanda fikirlerinden yalnızca birine karşılık gelen enstrümanların ses kombinasyonlarının ifadesini kullanarak da genişletir.

Bu, enstrümantasyon veya orkestrasyon sanatıdır.

Orkestrasyon yaşayan bir yaratıcı eylemdir, bestecinin müzikal fikirlerinin tasarımıdır. Enstrümantasyon yaratıcılıktır - kompozisyonun ruhunun taraflarından biri.

Beethoven'ın çalışması döneminde, orkestranın klasik kompozisyonu nihayet oluşturuldu ve şunları içeriyordu:

Teller,

Ahşap aletlerin eşleştirilmiş bileşimi,

2 (bazen 3-4) Fransız boynuzu,

2 timpani. Böyle bir kompozisyon denir küçük.

G. Berlioz ve R. Wagner, kompozisyonu 3-4 kat artırarak orkestranın ses ölçeğini artırmaya çalıştılar.

Sovyet senfonik müziğinin zirvesi, S. Prokofiev ve D. Shostakovich'in eseriydi.

Senfoni... Bir roman ve bir hikaye, bir film destanı ve bir drama, pitoresk bir freskle karşılaştırılır. Anlam tüm bu benzetmeler anlaşılabilir. Bu türde, insanın dünyada uğruna yaşadığı, sanat uğruna var olduğu önemli, bazen en önemli şeyi ifade etmek mümkündür. - mutluluk, ışık, adalet ve dostluk için çabalamak.

Senfoni, bir senfoni orkestrası için sonat-döngüsel biçimde yazılmış bir müzik parçasıdır. Genellikle 4 bölümden oluşur, insan hayatı, insanın acıları ve sevinçleri, özlemleri ve dürtüleri hakkında karmaşık sanatsal düşünceleri ifade eder. Gittikçe daha az parçalı, tek parçaya kadar olan senfoniler vardır.

Ses efektlerini geliştirmek için, bazen senfonilerde, koro ve solo vokal sesleri. Solo enstrüman, organ, koro ve vokal topluluğu ile orkestra için yaylı, oda, manevi ve diğer orkestra besteleri için senfoniler var .... dört parça senfoniler yaşam durumlarının tipik karşıtlıklarını ifade eder: dramatik bir mücadelenin resimleri (ilk hareket), mizahi veya dans bölümleri (minuet veya scherzo), yüce tefekkür (yavaş hareket) ve ciddi veya halk dansları finali.

Senfonik müzik - senfonik tarafından icra edilmesi amaçlanan müzik
orkestra; enstrümantal müziğin en önemli ve en zengin alanı,
karmaşık ideolojik ile doymuş büyük çok parçalı çalışmaları kapsayan
duygusal içerik ve küçük müzik parçaları Senfonik müziğin ana teması aşk ve düşmanlık temasıdır.

Senfoni Orkestrası,
çeşitli araçları birleştirerek en zengin paleti sağlar
ses renkleri, ifade araçları.

Senfonik eserler hala çok popüler: L. Beethoven Senfoni No. 3 ("Kahraman"), No. 5, "Egmont" uvertürü;

P Çaykovski Senfoni No. 4, No. 6, "Romeo ve Juliet" uvertürü, konserler (piyano,

S. Prokofiev Senfoni No. 7

I. Stravinsky "Petrushka" balesinden alıntılar

J. Gershwin Senfonik Caz "Blues Tarzında Rapsodi"

Orkestra için müzik, diğer müzik sanatı türleri ile sürekli etkileşim içinde gelişti: oda müziği, org, koro ve opera müziği.

17.-18. yüzyılların tipik türleri: süit, konser- topluluk-orkestra, uvertür opera örneği. 18. yüzyılın süitinin çeşitleri: oyalama, serenat, gece.

Senfonik müziğin güçlü yükselişi, senfoninin ilerlemesi, döngüsel bir sonat formu olarak gelişmesi ve klasik tip senfoni orkestrasının gelişmesiyle ilişkilidir. Senfoni ve diğer senfonik müzik türleri genellikle koro ve solo vokal sesleri... Senfonik başlangıç, vokal ve orkestral bestelerde, opera ve balede yoğunlaştı. Senfonik müzik türleri ayrıca şunları içerir: senfoniet, senfonik çeşitlemeler, fantezi, rapsodi, efsane, capriccio, scherzo, potpuri, marş, çeşitli danslar, çeşitli minyatürler, vb. Konser senfoni repertuarı ayrıca şunları içerir: operalardan, balelerden, dramalardan, oyunlardan, filmlerden bireysel orkestra parçaları.

19. yüzyılın senfonik müziği büyük bir fikir ve duygu dünyasını somutlaştırdı. Geniş bir kamusal sesin temalarını, en derin deneyimleri, doğa resimlerini, yaşam ve fanteziyi, ulusal karakterleri, mekansal sanatların görüntülerini, şiiri, folkloru yansıtır.

Farklı orkestra türleri vardır:

Askeri bando (pirinç ve nefesli çalgılardan oluşan)

Yaylı Orkestrası:.

Senfoni orkestrası, kompozisyon bakımından en büyük ve yetenekleri bakımından en zengin olanıdır; orkestra müziğinin konser performansı için tasarlanmıştır. Senfoni orkestrası modern haliyle hemen değil, uzun bir tarihsel sürecin sonucu olarak şekillendi.

Bir operadan farklı olarak bir konser senfoni orkestrası sahnede bulunur ve sürekli olarak seyircinin görüş alanındadır.

Tarihsel gelenekler nedeniyle, konser ve opera senfoni orkestraları uzun zamandır kompozisyonlarıyla ayırt edildi, ancak bugün bu ayrım neredeyse ortadan kalktı.

Bir senfoni orkestrasındaki toplam müzisyen sayısı sabit değildir: 60-120 (hatta daha fazla) kişi arasında değişebilir. Böylesine büyük bir katılımcı grubu, tutarlı bir şekilde oynamak için yetenekli bir liderliğe ihtiyaç duyar. Bu rol şefe aittir.

19. yüzyılın başına kadar, şef performans sırasında bir enstrüman çaldı - örneğin keman. Bununla birlikte, zamanla, senfonik müziğin içeriği daha karmaşık hale geldi ve bu gerçek, yavaş yavaş şefleri böyle bir kombinasyondan vazgeçmeye zorladı.

Çok sayıda müzik türü ve formu arasında en şerefli yerlerden biri senfoniye aittir. 19. yüzyılın başlarından günümüze kadar bir eğlence türü olarak ortaya çıkan müzik, diğer müzik sanatlarından farklı olarak dönemini en hassas ve eksiksiz şekilde yansıtır. Beethoven ve Berlioz, Schubert ve Brahms, Mahler ve Çaykovski, Prokofiev ve Shostakovich'in senfonileri, çağ ve kişilik, insanlık tarihi ve dünyanın yolları üzerine geniş ölçekli yansımalardır.

Senfonik döngü, klasik ve modern birçok örnekten bildiğimiz gibi, yaklaşık iki yüz elli yıl önce şekillendi. Bununla birlikte, tarihsel olarak kısa olan bu zaman diliminde, senfoni türü devasa bir yol kat etti. Bu yolun uzunluğu ve önemi, tam da senfoninin zamanının tüm sorunlarını özümsemesi, dönemin karmaşık, çelişkili, devasa çalkantılarıyla dolu, duyguları, acıları ve mücadeleleri somutlaştırabilmesi gerçeğiyle belirlendi. insanların. 18. yüzyılın ortalarındaki toplum yaşamını hayal etmek ve Haydn'ın senfonilerini hatırlamak yeterlidir; 18. yüzyılın sonları - 19. yüzyılın başlarındaki büyük ayaklanmalar ve bunları yansıtan Beethoven'ın senfonileri; toplumda tepki, hayal kırıklığı ve romantik senfoniler; son olarak, insanlığın 20. yüzyılda katlanmak zorunda kaldığı tüm dehşetler - ve bu devasa, bazen trajik yolu açıkça görmek için Beethoven'ın senfonilerini Shostakovich'in senfonileriyle karşılaştırın. Günümüzde, çok az insan, başlangıcın ne olduğunu, diğer sanatlarla ilgisi olmayan, tamamen müzik türlerinin bu en karmaşık kökenlerinin ne olduğunu hatırlıyor.

18. yüzyılın ortalarındaki müzikal Avrupa'ya hızlıca bir göz atalım.

Klasik sanat ülkesi İtalya'da, tüm Avrupa ülkelerinin trend belirleyicisi, opera hakimdir. Sözde opera-seria ("ciddi") hakimdir. İçinde canlı bireysel görüntüler yok, gerçek bir dramatik eylem yok. Opera-dizi, geleneksel karakterlerde vücut bulan çeşitli zihinsel durumların bir değişimidir. En önemli kısmı, bu durumların iletildiği aryadır. Öfke ve intikam aryaları, şikayet aryaları (lamento), kederli yavaş aryalar ve neşeli bravura vardır. Bu aryalar o kadar genelleştirildi ki, performansa herhangi bir zarar vermeden bir operadan diğerine aktarılabilirler. Aslında besteciler bunu çok sık yaptılar, özellikle de sezon başına birkaç opera yazmak zorunda kaldıklarında.

Melodi opera-dizinin unsuru oldu. Ünlü İtalyan bel canto sanatı en yüksek ifadesini burada buldu. Aryalarda, besteciler şu ya da bu durumun somutlaştırılmasının gerçek doruklarına ulaştılar. Aşk ve nefret, sevinç ve umutsuzluk, öfke ve keder müzik tarafından o kadar canlı ve inandırıcı bir şekilde aktarıldı ki, şarkıcının ne hakkında şarkı söylediğini anlamak için şarkı sözlerini duymaya gerek yoktu. Bu, esasen insan duygularını ve tutkularını somutlaştırmak için tasarlanmış metinsiz müziğin yolunu açtı.

Aralardan - opera-seria eylemleri arasında gerçekleştirilen ve onunla ilgili olmayan eklenmiş sahneler - neşeli kız kardeşi, komik opera tutkunu ortaya çıktı. İçerikte demokratik (karakterleri mitolojik kahramanlar, krallar ve şövalyeler değil, halktan sıradan insanlardı), kasıtlı olarak mahkeme sanatına karşı çıktı. Opera tutkunu, doğallığı, hareketliliği ve genellikle folklorla doğrudan ilgili olan müzik dilinin kendiliğindenliği ile ayırt edildi. Vokal tekerlemeler, komik parodi koloratur, canlı ve hafif dans melodileri içeriyordu. Eylemlerin finalleri, karakterlerin bazen aynı anda şarkı söylediği topluluklar halinde ortaya çıktı. Bazen bu tür finallere "top" veya "karışıklık" deniyordu, aksiyon onlara çok hızlı bir şekilde yuvarlandı ve entrika kafa karıştırıcı oldu.

Enstrümantal müzik de İtalya'da gelişti ve her şeyden önce opera ile en yakından ilişkili tür olan uvertür. Bir opera performansına orkestral bir giriş olarak, operadan aryaların melodilerine benzer parlak, etkileyici müzik temaları ödünç aldı.

O zamanın İtalyan uvertürü üç bölümden oluşuyordu - hızlı (Allegro), yavaş (Adagio veya Andante) ve yine hızlı, çoğu zaman bir minuet. Buna sinfonia - Yunancadan çevrilmiş olarak - ünsüz dediler. Zamanla, sadece perde açılmadan önce tiyatroda değil, bağımsız orkestra eserleri olarak da ayrı ayrı uvertürler yapılmaya başlandı.

17. yüzyılın sonlarında ve 18. yüzyılın başlarında, aynı zamanda yetenekli besteciler olan keman virtüözlerinin parlak bir galaksisi İtalya'da ortaya çıktı. Kemanda mükemmel bir şekilde ustalaşan Vivaldi, Iomelli, Locatelli, Tartini, Corelli ve diğerleri - etkileyiciliği insan sesiyle karşılaştırılabilecek bir müzik aleti - esas olarak sonat denilen parçalardan (İtalyan sonarından - ses). Onlarda, Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello ve diğer bestecilerin clavier sonatlarında olduğu gibi, daha sonra senfoniye geçen bazı ortak yapısal özellikler oluşturuldu.

Fransa'nın müzik hayatı farklı şekillendi. Sözler ve eylemlerle ilişkilendirilen müziği uzun zamandır seviyorlar. Bale sanatı oldukça gelişmişti; özel bir opera türü yetiştirildi - kraliyet mahkemesinin özel yaşamının, görgü kurallarının, şenliklerinin damgasını taşıyan Corneille ve Racine trajedilerine benzeyen lirik bir trajedi.

Fransa'nın bestecileri de enstrümantal parçalar yaratırken arsaya, programa, müziğin sözlü tanımına yöneldiler. "Şapka Sallayarak", "Orakçılar", "Tef" - bu, tür eskizleri veya müzikal portreler olan klavsen parçalarının adıydı - "Zarif", "Nazik", "Çalışkan", "Cilveli".

Birkaç bölümden oluşan daha büyük eserler danstan kaynaklanmaktadır. Kayan bir Fransız çanı gibi hareketli, katı Alman alemand, görkemli İspanyol sarabanda ve hızlı gigue - İngiliz denizcilerin ateşli dansı - Avrupa'da uzun zamandır bilinmektedir. Enstrümantal süit türünün temelini oluşturdular (Fransız süitinden - diziden). Diğer danslar genellikle süite dahil edildi: minuet, gavotte, polonaise. Allemand'ın önünde bir giriş prelüdü duyulabilirdi; süitin ortasında, ölçülü bir dans hareketi bazen serbest bir arya ile kesintiye uğradı. Ancak süitin omurgası - farklı ulusların farklı karakterlerinin dört dansı - kesinlikle değişmez bir sırayla mevcuttu, dört farklı ruh halini özetliyor ve dinleyiciyi başlangıçtaki sakin bir hareketten büyüleyici bir hızlı sona götürüyordu.

Süitler, yalnızca Fransa'da değil, birçok besteci tarafından yazılmıştır. Büyük Johann Sebastian Bach, aynı zamanda, o zamanın Alman müzik kültürünün yanı sıra, birçok müzik türünün ilişkilendirildiği adıyla da onlara önemli bir haraç verdi.

Alman dili ülkelerinde, yani çok sayıda Alman krallığında, prensliklerde ve piskoposluklarda (Prusya, Bavyera, Sakson, vb.) " - Habsburglar tarafından köleleştirilmiş Çek Cumhuriyeti - enstrümantal müzik uzun zamandır yetiştirilmektedir. Herhangi bir küçük kasaba, kasaba ve hatta köyde kemancılar ve çellistler vardı, akşamları amatörler tarafından coşkuyla çalınan solo ve topluluk parçaları çalındı. Müzik yapma merkezleri genellikle kiliseler ve onlara bağlı okullardı. Öğretmen, kural olarak, tatillerde elinden geldiğince müzikal fanteziler gerçekleştiren bir kilise orgcusuydu. Hamburg veya Leipzig gibi büyük Alman Protestan merkezlerinde, yeni müzik yapım biçimleri de şekillendi: katedrallerde org konserleri. Bu konserlerde prelüdler, fanteziler, varyasyonlar, koro aranjmanları ve en önemlisi fügler yer aldı.

Füg, I.S.'nin eserlerinde zirveye ulaşan en karmaşık polifonik müzik türüdür. Bach ve Handel. Adı Latince fuga - koşudan geliyor. Sesten sese geçiş yapan (çalışan!) tek bir tema üzerine kurulu polifonik bir eserdir. Bu durumda, her melodik satıra ses denir. Bu tür dizelerin sayısına bağlı olarak, füg üç, dört, beş bölümlü vb. olabilir. Fügun orta bölümünde, tema tüm seslerde tam olarak duyulduktan sonra geliştirilmeye başlar: sonra onun başlangıç ​​belirir ve tekrar kaybolur, sonra genişler (onu oluşturan notların her biri iki kat daha uzun olacaktır), sonra küçülür - buna artan bir konu ve bir azalan konu denir. Bir tema içinde, azalan melodik hareketler yükselen hale gelebilir ve bunun tersi de olabilir (tema dolaşımdadır). Melodik hareket bir tuştan diğerine geçer. Ve füg'ün son bölümünde - Reprise - tema, başlangıçta olduğu gibi, oyunun ana anahtarına geri dönerek değişmeden tekrar ses çıkarır.

Tekrar hatırlatalım: 18. yüzyılın ortalarından bahsediyoruz. Aristokrat Fransa'nın bağırsaklarında, çok yakında mutlak monarşiyi süpürecek bir patlama meydana geliyor. Yeni bir zaman gelecek. Bu arada devrimci duygular daha geç hazırlanıyor, Fransız düşünürler mevcut düzene karşı çıkıyor. Tüm insanların kanun önünde eşitliğini talep ederler, özgürlük ve kardeşlik fikirlerini ilan ederler.

Kamusal yaşamdaki değişimleri yansıtan sanat, Avrupa'nın politik atmosferindeki değişimlere duyarlıdır. Bunun bir örneği Beaumarchais'in ölümsüz komedileridir. Bu aynı zamanda müzik için de geçerlidir. Şimdi, eski, köklü müzik türlerinin ve biçimlerinin derinliklerinde, muazzam tarihsel öneme sahip olaylarla dolu zor bir dönemde, yeni, gerçekten devrimci bir tür doğuyor - senfoni. Niteliksel olarak, temelde farklı hale gelir, çünkü aynı zamanda yeni bir düşünce türünü de bünyesinde barındırır.

Muhtemelen, Avrupa'nın farklı bölgelerinde önkoşulları olan senfoni türünün sonunda Alman dili ülkelerinde oluşması tesadüf değildir. İtalya'da opera ulusal sanattı. İngiltere'de, orada meydana gelen tarihsel süreçlerin ruhu ve anlamı, doğuştan bir Alman olan ve ulusal İngiliz bestecisi olan Georg Handel'in oratoryolarında en iyi şekilde yansıtıldı. Fransa'da diğer sanatlar, özellikle edebiyat ve tiyatro öne çıktı - daha somut, dünyayı heyecanlandıran yeni fikirleri doğrudan ve anlaşılır bir şekilde ifade etti. Voltaire'in eserleri, Rousseau'nun "Yeni Eloise"i, Montesquieu'nün "Fars Mektupları" örtülü ama oldukça anlaşılır bir biçimde okuyuculara mevcut düzene yönelik yakıcı eleştiriler sunarak, toplum yapısının kendi versiyonlarını sundu.

Birkaç on yıl sonra, müziğe geldiğinde, devrimci birliklerin saflarında bir şarkı ortaya çıktı. Bunun en çarpıcı örneği, subay Rouge de Lisle'nin bir gecede yarattığı ve Marseillaise adı altında dünyaca ünlü hale gelen Rheinland Ordusu Şarkısı'dır. Şarkının ardından toplu kutlamaların ve yas törenlerinin müziği duyuldu. Ve son olarak, içeriği olarak tiran tarafından kahramanın veya kadın kahramanın takibi ve operanın finalinde kurtuluşu olan sözde "kurtuluş operası".

Senfoni, hem oluşumu hem de tam teşekküllü algı için tamamen farklı koşullar gerektiriyordu. O dönemin toplumsal değişimlerinin derin özünü en eksiksiz şekilde yansıtan felsefi düşüncenin "ağırlık merkezi", kendisini toplumsal fırtınalardan uzak, Almanya'da buldu.

Orada önce Kant, sonra Hegel yeni felsefi sistemlerini yarattı. Felsefi sistemler gibi, müzikal yaratıcılığın en felsefi, diyalektik-prosedürel türü olan senfoni, sonunda yalnızca yaklaşan fırtınaların uzak yankılarının ulaştığı yerde oluştu. Ayrıca, istikrarlı bir enstrümantal müzik geleneğinin geliştiği yer.

Yeni bir türün ortaya çıkması için ana merkezlerden biri, Bavyera Seçmen Pfalzının başkenti Mannheim'dı. Burada, seçmen Karl Theodor'un parlak mahkemesinde, 18. yüzyılın 40-50'lerinde, o zamanlar Avrupa'nın belki de en iyisi olan mükemmel bir orkestra tutuldu.

O zamana kadar senfoni orkestrası henüz emekleme aşamasındaydı. Ve mahkeme şapellerinde ve katedrallerde, istikrarlı bir kompozisyona sahip orkestra grupları yoktu. Her şey hükümdarın veya yargıcın elindeki araçlara, emir verebilecek kişilerin zevklerine bağlıydı. İlk başta, orkestra sadece uygulamalı bir rol oynadı, ya mahkeme performanslarına ya da şenliklere ve ciddi törenlere eşlik etti. Ve her şeyden önce bir opera veya kilise topluluğu olarak kabul edildi. Başlangıçta orkestra viyol, lavta, arp, flüt, obua, Fransız kornosu, davuldan oluşuyordu. Yavaş yavaş diziliş genişledi, telli çalgıların sayısı arttı. Zamanla, kemanlar eski viyola yerini aldı ve kısa süre sonra orkestrada lider bir pozisyon aldı. Nefesli çalgılar - flütler, obualar, fagotlar - ayrı bir grupta birleşti ve pirinç aletler ortaya çıktı - trompet, trombon. Orkestrada zorunlu bir çalgı, ses için armonik bir temel oluşturan klavsendi. Arkasında genellikle orkestranın lideri yer aldı ve çalan, aynı zamanda tanıtım için talimatlar verdi.

17. yüzyılın sonunda, Soyluların Mahkemelerinde var olan enstrümantal topluluklar yaygınlaştı. Parçalanmış Almanya'nın birçok küçük prensinin her biri kendi şapelinin olmasını istedi. Orkestraların hızlı gelişimi başladı, yeni orkestral çalma yöntemleri ortaya çıktı.

Mannheim Orkestrası 30 telli çalgı, 2 flüt, 2 obua, klarnet, 2 fagot, 2 trompet, 4 korno, timpaniden oluşuyordu. Bu, bir sonraki dönemin birçok bestecisinin eserlerini yarattığı modern orkestranın bel kemiğidir. Orkestra seçkin bir müzisyen, besteci ve keman virtüözü Çek Jan Vaclav Stamitz tarafından yönetildi. Orkestra sanatçıları arasında, sadece virtüöz enstrümantalistler değil, aynı zamanda yetenekli besteciler Franz Xaver Richter, Anton Filz ve diğerleri gibi zamanlarının en büyük müzisyenleri de vardı. Orkestranın, şaşırtıcı nitelikleri ile ünlenen mükemmel bir performans seviyesi belirlediler - daha önce erişilemeyen keman vuruşları, daha önce hiç kullanılmayan dinamik tonların en ince dereceleri.

Çağdaş bir eleştirmen Bossler'e göre, "piyano, forte, rinforzando'ya tam olarak uyulması, sesin kademeli olarak büyümesi ve güçlendirilmesi ve ardından gücünün zar zor duyulabilir bir sese kadar azalması - tüm bunlar sadece Mannheim'da duyulabilirdi. " 18. yüzyılın ortalarında Avrupa'ya seyahat eden İngiliz bir müzik aşığı olan Bernie, onu tekrarlıyor: “Bu olağanüstü orkestra, tüm yeteneklerini gösterecek ve büyük bir etki yaratacak yeterli alana ve yönlere sahip. Yomelli'nin eserlerinden ilham alan Stamitz, ilk kez burada olağan opera uvertürlerinin ötesine geçti... Böyle bir ses kütlesinin üretebileceği tüm efektler denendi. Burada kreşendo ve diminuendo doğdu ve daha önce esas olarak bir yankı olarak kullanılan ve genellikle onunla eşanlamlı olan piyano ve forte kendi tonlarına sahip müzikal renkler olarak kabul edildi ... "

Dört parçalı senfoniler ilk kez bu orkestrada duyuldu - aynı türe göre inşa edilmiş ve daha önce var olan müzik türlerinin ve biçimlerinin birçok özelliğini emen ve onları niteliksel olarak farklı bir şekilde eriten genel yasalara sahip kompozisyonlar; yeni birlik.

İlk akorlar belirleyici, tam gövdeli, sanki dikkat çekiyormuş gibi. Sonra geniş, geniş geçitler. Yine, arpejli bir hareketle değiştirilen akorlar ve sonra - canlı, elastik, sanki yayılıyormuş gibi, melodi. Sonsuz bir şekilde ortaya çıkabilir gibi görünüyor, ancak söylentinin istediğinden daha hızlı gidiyor: büyük bir resepsiyon sırasında ev sahiplerine sunulan bir misafir gibi, onlardan uzaklaşıyor, diğerlerine yol veriyor. Genel bir hareket anından sonra yeni bir tema belirir - daha yumuşak, kadınsı, lirik. Ancak pasajlarda çözülerek uzun gelmiyor. Bir süre sonra, yeni bir anahtarda biraz değiştirilmiş ilk temaya sahibiz. Bir müzik akışı hızla akar ve senfoninin orijinal, temel anahtarına döner; ikinci tema organik olarak bu akışa akıyor, şimdi karakter ve ruh hali açısından birinciye yaklaşıyor. Senfoninin ilk bölümü, tam sesli neşeli akorlarla sona erer.

İkinci bölüm, andante, yaylı çalgıların dışavurumunu ortaya çıkaran, yavaş ve melodik bir şekilde açılır. Bu, şarkı sözlerinin, ağıt meditasyonunun hakim olduğu orkestra için bir tür aryadır.

Üçüncü hareket zarif, cesur bir minuet. Rahatlama, rahatlama hissi yaratır. Ve sonra, ateşli bir kasırga gibi, kışkırtıcı bir final patlıyor. Bu, genel anlamda, o zamanın senfonisidir. Kökenleri çok net bir şekilde izlenebilir. İlk bölüm en çok bir opera uvertürünü andırıyor. Ama eğer uvertür sadece performansın arifesiyse, o zaman burada eylemin kendisi seslerde ortaya çıkar. Uvertürün tipik olarak opera müzikal görüntüleri - kahramanca tantana, dokunaklı lamentolar, fırtınalı soytarılar - belirli sahne durumları ile ilişkili değildir ve karakteristik bireysel özellikler taşımazlar (Rossini'nin Sevilla Berberi'ne yapılan ünlü uvertürün bile içerikle hiçbir ilgisi olmadığını hatırlayın). operanın ve genel olarak, aslında başka bir opera için yazılmıştır!), opera performansından ayrıldı ve bağımsız bir hayata başladı. Erken senfonide kolayca tanınırlar - ana temalar olarak adlandırılan ilk temalardaki kahramanca aryaların kararlı cesur tonlamaları, ikincisinde lirik aryaların ihale iç çekişleri - sözde ikincil - temalar.

Operatik ilkeler, senfoninin dokusuna da yansır. Enstrümantal müzikte daha önce polifoni hakimse, yani birkaç bağımsız melodinin iç içe geçtiği, aynı anda ses çıkardığı polifoni, o zaman burada farklı bir türde polifoni gelişmeye başladı: bir ana melodi (çoğunlukla keman), etkileyici, anlamlı, eşlik eden onu harekete geçiren bir eşlik, onun bireyselliğini vurgular. Homofonik olarak adlandırılan bu tür polifoni, erken senfoniye hakimdir. Daha sonra fügden ödünç alınan cihazlar senfonide belirir. Ancak, 18. yüzyılın ortalarında, daha çok bir füge karşı olabilirdi. Kural olarak, bir tema vardı (ikili, üçlü ve daha fazla füg var, ancak içlerinde temalar karşıt değil, yan yana). Birçok kez tekrarlandı, ancak hiçbir şey onunla çelişmedi. Özünde, bir aksiyomdu, kanıt gerektirmeden defalarca ileri sürülen bir tezdi. Senfonide tam tersi: çeşitli müzikal temaların ve görüntülerin görünümünde ve daha sonraki değişikliklerinde, anlaşmazlıklar ve çelişkiler duyulabilir. Belki de bu, zamanın işaretinin en canlı şekilde yansıtılmasıdır. Gerçek artık verili değil. Aranması, kanıtlanması, doğrulanması, farklı görüşlerin karşılaştırılması, farklı bakış açılarının açıklığa kavuşturulması gerekir. Fransa'da ansiklopedistler böyle yapar. Alman felsefesinin, özellikle Hegel'in diyalektik yönteminin temeli budur. Ve arayış çağının ruhu müziğe de yansıyor.

Böylece, senfoni opera uvertüründen çok şey aldı. Özellikle, uvertür, senfonide bağımsız bölümlere dönüşen alternatif zıt bölümlerin ilkesini de özetledi. İlk bölümünde - farklı taraflar, bir kişinin farklı duyguları, hareketindeki yaşam, gelişim, değişiklikler, zıtlıklar ve çatışmalar. İkinci bölümde - yansıma, konsantrasyon, bazen - şarkı sözleri. Üçüncüsü - rahatlama, eğlence. Ve son olarak, final - eğlence, sevinç ve aynı zamanda - müzikal gelişimin sonucu, senfonik döngünün tamamlanması.

Böyle bir senfoni 19. yüzyılın başlarında şekillenecek, en genel anlamda örneğin Brahms veya Bruckner'de olacak. Ve doğduğunda, görünüşe göre süitin birçok parçasını ödünç almış.

Allemand, Couranta, Sarabande ve Gigue - erken senfonilerde kolayca izlenebilen dört zorunlu dans, dört farklı ruh hali. İçlerinde dans çok net bir şekilde ifade edilir, özellikle finallerde, melodinin doğası, tempo, hatta ölçü ölçüsü bile çoğu zaman bir gigue andırır. Doğru, bazen bir senfoninin finali bir opera buffa'nın ışıltılı finaline daha yakındır, ancak o zaman bile dansla, örneğin tarantella ile ilişkisi şüphesizdir. Üçüncü kısma gelince, buna minuet denir. Sadece Beethoven'ın eserinde scherzo dansın -yiğit saray mensubunun ya da kaba sıradan insanların- yerini alacaktır.

Böylece, yeni doğan senfonisi, birçok müzik türünün özelliklerini, ayrıca farklı ülkelerde doğan türleri emdi. Ve senfoninin oluşumu sadece Mannheim'da gerçekleşmedi. Özellikle Wagenzeil tarafından temsil edilen Viyana Okulu vardı. İtalya'da Giovanni Battista Sammartini, senfoniler olarak adlandırdığı ve bir opera performansıyla ilişkili olmayan konser performansı için tasarladığı orkestra eserleri yazdı. Fransa'da Belçika kökenli genç bir besteci olan François-Joseph Gossek yeni türe yöneldi. Fransız müziğinde programatiklik hakim olduğu için senfonileri tepki ve kabul görmedi, ancak çalışmaları Fransız senfonisinin oluşumunda, senfoni orkestrasının yenilenmesi ve genişlemesinde rol oynadı. Bir zamanlar Viyana'da görev yapan Çek besteci František Micha, senfonik form arayışında kapsamlı ve başarılı deneyler yaptı. Ünlü vatandaşı Josef Myslevichka'nın ilginç deneyleri vardı. Bununla birlikte, tüm bu besteciler yalnızdı ve Mannheim'da, emrinde birinci sınıf bir "enstrüman" olan ünlü orkestra olan bütün bir okul kuruldu. Pfalz Seçmeni'nin büyük bir müzik aşığı olduğu ve büyük harcamaları karşılayacak yeterli paraya sahip olduğu için şanslı bir vesileyle, Pfalz'ın başkentinde farklı ülkelerden büyük müzisyenler bir araya geldi - Avusturyalılar ve Çekler, İtalyanlar ve Prusyalılar - her biri yeni bir türün yaratılmasına kendi katkılarıyla katkıda bulundu. Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeschi, Anton Filz ve diğer ustaların eserlerinde, senfoni, daha sonra Viyana klasikleri Haydn, Mozart, Beethoven'ın çalışmalarına geçen bu temel özelliklerde ortaya çıktı.

Böylece, yeni türün varlığının ilk yarım yüzyılı boyunca, çeşitli ve çok önemli bir içeriği barındırabilen açık bir yapısal ve dramatik model gelişmiştir. Bu modelin temeli, sonat veya sonat allegro adı verilen biçimdi, çünkü çoğunlukla bu tempoda yazıldı ve daha sonra hem senfoni hem de enstrümantal sonat ve konser için tipik oldu. Özelliği, çeşitli, genellikle zıt müzikal temaların yan yana gelmesidir. Sonat formunun üç ana bölümü - açıklama, geliştirme ve özetleme - klasik bir dramanın açılışı, aksiyonun gelişimi ve sonunu andırır. Kısa bir girişten sonra veya serginin hemen başında oyunun "karakterleri" seyircinin önünden geçer.

Eserin ana anahtarında ses çıkaran ilk müzikal temaya ana tema denir. Daha sık - ana tema, ancak daha doğru - ana bölüm, çünkü ana bölüm içinde, yani, bir tonalite ve mecazi topluluk tarafından birleştirilen müzikal formun belirli bir bölümü, zamanla bir değil, birkaç farklı melodi görünmeye başladı. Ana partiden sonra, ilk numunelerde doğrudan karşılaştırma ile ve sonraki numunelerde - küçük bir bağlantı partisi aracılığıyla, bir yan parti başlar. Onun teması veya iki veya üç farklı tema ana temanın aksine. Çoğu zaman, yan kısım daha lirik, yumuşak, kadınsıdır. Ana, ikincil (dolayısıyla parçanın adı) tuştan farklı bir tuşta ses çıkarır. Bir istikrarsızlık hissi ve bazen çatışma doğar. Sergi, erken senfonilerde ya bulunmayan ya da bir tür nokta, oyunun ilk perdesinden sonra bir perde olarak tamamen hizmet rolü oynayan ve daha sonra Mozart ile başlayarak, son bölümle sona erer. ana ve ikincil ile birlikte bağımsız bir üçüncü görüntü.

Sonat formunun orta bölümü gelişmedir. Adından da anlaşılacağı gibi, içinde dinleyicilerin sergide tanıştığı (yani daha önce sergilenenler) müzikal temalar gelişir, değişir ve gelişir. Aynı zamanda, yeni, bazen beklenmedik yönlerden gösterilirler, değiştirilirler, onlardan ayrı motifler izole edilir - daha sonra çarpışan en aktif olanlar. Geliştirme, çarpıcı biçimde etkili bir bölümdür. Sonunda, bir tekrara yol açan doruk noktası gelir - formun üçüncü bölümü, dramanın bir tür sonu.

Bu bölümün adı Fransızca reprendre - devam etmek kelimesinden gelmektedir. Bu bir yenilenmedir, anlatımın tekrarıdır, fakat değişmiştir: her iki kısım da artık senfoninin ana anahtarında, sanki gelişme olayları tarafından bir anlaşmaya varılmış gibi ses çıkarmaktadır. Bazen tekrarda başka değişiklikler de olur. Örneğin, kesilebilir (sergide kulağa gelen temaların hiçbiri olmadan), yansıtılabilir (önce yan kısım ses çıkarır ve ancak daha sonra ana kısım). Senfoninin ilk bölümü genellikle bir koda ile sona erer - sonat alegrosunun temel tonalitesini ve temel görüntüsünü öne süren bir sonuç. Erken senfonilerde, koda büyük değildir ve özünde biraz gelişmiş bir son kısımdır. Daha sonra, örneğin Beethoven'da, önemli oranlar kazanır ve mücadelede bir kez daha bir iddianın elde edildiği bir tür ikinci gelişme haline gelir.

Bu formun gerçekten evrensel olduğu ortaya çıktı. Senfoninin başlangıcından günümüze kadar, en derin içeriği başarıyla somutlaştırır, tükenmez görüntü, fikir, sorun zenginliğini iletir.

Senfoninin ikinci hareketi yavaştır. Bu genellikle döngünün lirik merkezidir. Onun şekli farklıdır. Çoğu zaman üç bölümlüdür, yani benzer uç bölümlere ve onlarla zıt bir orta kısma sahiptir, ancak yalnızca ilk allegrodan yapısal olarak farklı olan bir sonata kadar varyasyonlar veya başka herhangi bir biçimde yazılabilir. daha yavaş bir tempoda ve daha az etkili bir gelişmede.

Üçüncü bölüm - minuet'in ilk senfonilerinde ve Beethoven'dan günümüze - scherzo - genellikle karmaşık üç parçalı bir formdur. Bu bölümün içeriği, gündelik veya saray dansından 19. yüzyıl ve ötesinin anıtsal güçlü scherzos'larına, Shostakovich, Honegger ve diğer senfonik senfonistlerin senfonik döngülerindeki ürkütücü kötülük ve şiddet görüntülerine kadar on yıllar boyunca değiştirilmiş ve karmaşık hale gelmiştir. 20. yüzyıl. 19. yüzyılın ikinci yarısından bu yana, scherzo, yeni senfoni konseptine uygun olarak, sadece ilk hareketin olaylarına değil, aynı zamanda bir tür duygusal tepki haline gelen yavaş hareketle giderek daha fazla yer değiştiriyor. scherzo'nun figüratif dünyasına (özellikle Mahler'in senfonilerinde).

Döngünün sonucu olan final, erken senfonilerde genellikle bir rondo sonat şeklinde yazılır. Değişmez bir dans nakaratı ile neşeli, ışıltılı bölümlerin değişimi - bu yapı, doğal olarak finalin görüntülerinin doğasından, semantiğinden kaynaklanmaktadır. Zamanla, senfoninin sorunlarının derinleşmesiyle, finalinin yapısının kalıpları değişmeye başladı. Finaller sonat biçiminde, varyasyonlar biçiminde, serbest biçimde ve son olarak - oratoryo özellikleriyle (koro dahil) görünmeye başladı. Görüntüleri de değişti: sadece yaşamın olumlanması değil, bazen trajik bir sonuç (Çaykovski'nin Altıncı Senfonisi), acımasız gerçeklikle uzlaşma veya ondan rüyalar dünyasına çekilme, yanılsamalar, senfonik döngünün sonunun içeriği haline geldi. son yüz yıl.

Ama bu türün şanlı yolunun başlangıcına geri dönelim. 18. yüzyılın ortalarında ortaya çıkmış, klasik bütünlüğüne büyük Haydn'ın eserinde ulaşmıştır.