Dmitry Vdovin: “Müzik asla ihanet etmeyecek.” Dmitry Vdovin - Bolşoy Opera Şirketi Vdovin Bolşoy Tiyatrosu Başkan Yardımcısı

1962'de Sverdlovsk'ta (şimdi Yekaterinburg) doğdu.
Moskova'daki Devlet Tiyatro Sanatları Enstitüsü'nden (GITIS-RATI) mezun oldu, ardından tiyatro eleştirisi konusunda uzmanlaşan Profesör Inna Solovyova ile yüksek lisans eğitimi aldı. Önemli ulusal gazete ve dergilerde yayımlandı.
Daha sonra yeniden eğitim gördü ve adını taşıyan Koro Sanatı Akademisi'nden mezun oldu. V.S.Popova.

1987'den 1992'ye - SSCB Tiyatro Çalışanları Birliği'nin müzikal tiyatro alanında çalışmaktan sorumlu çalışan.

1992-93'te Philadelphia'daki Curtis Müzik Enstitüsü'nün vokal bölümü başkanı Michael Elisen'in rehberliğinde Belçika'daki Avrupa Opera ve Vokal Sanatları Merkezi'nde (ECOV) şan öğretmeni olarak eğitim aldı.

1992 yılında Dmitry Vdovin, büyük tiyatrolar, festivaller ve müzik organizasyonlarıyla işbirliği yapan bir sanat ajansı olan Moskova Müzik ve Tiyatro Merkezi'nin sanat yönetmeni oldu.

1996'dan beri Dmitry Vdovin, büyük Rus şarkıcı Irina Arkhipova ile televizyon ve konser projelerinin ortak sunucusu olan Yaz Okulunun öğretmeni ve yöneticisi olarak işbirliği yapıyor.

1995'ten beri - öğretmen, 2000-05'te. - Adını taşıyan Devlet Müzik Koleji'nin vokal bölümü başkanı. Gnesins, 1999-2001'de. - Rusya Müzik Akademisi'nde öğretmen. Gnesinler.
2001-03'te - Adını taşıyan Koro Sanatı Akademisi Solo Şarkı Bölümü Başkanı. V.S. Popova (2001'den beri - doçent, 2008'den beri - AHI'de profesör).

Dmitry Vdovin, Rusya'nın birçok şehrinin yanı sıra ABD, Meksika, İtalya, Kanada, Letonya, Fransa ve Polonya'da ustalık dersleri verdi. Houston Grand Opera Gençlik Programında (HGO Studio) daimi misafir öğretmen olarak görev yaptı.

1999-2009'da - Rusya, ABD, İtalya, Almanya ve Büyük Britanya'dan en büyük opera öğretmenlerinin ve uzmanların genç şarkıcılarla çalışmak üzere Moskova'ya gelmesini mümkün kılan Moskova Uluslararası Vokal Ustalığı Okulu'nun sanat yönetmeni ve öğretmeni. Yeni yüzyılın ilk on yılının en parlak genç Rus opera yıldızları bu Okuldan geçti.

Birçok prestijli vokal yarışmasının jüri üyesi - adını taşıyan Uluslararası Yarışma. M. Glinka, I Tüm Rusya Müzik Yarışması, Uluslararası Vokal Yarışması adını almıştır. G.B. Viotti (İtalya), Paris ve Bordeaux'daki (Fransa) Uluslararası Yarışmalar, Uluslararası Competitione dell'opera Yarışması, Montreal'deki Uluslararası Yarışma (Kanada), "Kültür" TV kanalı "Büyük Opera" yarışması ve diğerleri.

2009'dan beri - Rusya Bolşoy Tiyatrosu Gençlik Opera Programının sanat yönetmeni.

Öğrencileri arasında en prestijli yarışmaların kazananları, Bolşoy Tiyatrosu, La Scala, Metropolitan Operası, Royal Opera Covent Garden, Viyana Devlet Operası, Berlin Devlet Operası, Paris Ulusal Operası gibi dünyanın en büyük tiyatrolarının önde gelen solistleri, Madrid'deki Teatro Real ve daha birçokları.

- Sevgili Dmitry Yuryevich, hakkınızda kısa biyografik bilgiler internette bulunabilir, ancak en baştan başlayalım: ailenizle, çocukluktan itibaren. Müzik, vokal ve opera dünyasıyla tanışmanız nasıl ve nerede başladı?

Sverdlovsk'ta doğdum ve büyüdüm. Ailem ve genel olarak tüm akrabalarım tamamen fizikçi ve matematikçidir. Annem Ural Devlet Üniversitesi'nde yüksek matematik öğretmeni, babam fizikçi, büyük bir araştırma enstitüsünün müdürüydü, amcası da fizikçi, teyzesi cebirci, erkek kardeşi de başkanı. Akademi Matematik Bölümü şimdi Yekaterinburg'da. Dünyanın dört bir yanına dağılmış kuzenlerin hepsi matematikçi.

Yani ailede müzisyen olmayan tek istisna benim!

Ama aynı zamanda herkes çocuklukta müzik okudu: hem baba hem de erkek kardeş. Ama ben bir şekilde bunda "oyalandım". Müzik okulundan piyano diplomasıyla mezun oldu ve Tiyatro Çalışmaları Fakültesi'nde okumak üzere GITIS'e girdi. Sonra piyanizmim çok işe yaradı, vokalistlere eşlik ederek onunla yaşadım. Yani, bu bir tür "takas"tı - vokalleri arkadaşlarımdan ve tanıdıklarımdan öğrendim ve piyanoda aryalar, romantizmler çalarak ve onlardan yeni eserler öğrenerek bunların "geri ödemesini yaptım". Gençliğimde gerçekten kendim şarkı söylemek istedim, ancak ciddi insanlar olan ailem bana önce daha güvenilir bir uzmanlık almamı tavsiye etti, bu yüzden üniversiteden tiyatro uzmanı olarak mezun oldum, opera konusunda uzmanlaştım ve ardından yüksek lisanstan mezun oldum.

Ne yazık ki bana inanacak ve bana başlangıç ​​sağlayacak gerçek bir vokal öğretmeniyle tanışmadım. Belki şarkıcı-solist olarak kariyer yapmak için yeterli kişisel nitelikler yoktu ve Tanrıya şükür ki bunu zamanında fark ettim. Yapılmayan her şey daha iyiye yöneliktir. Genel olarak, 30 yaşıma geldiğimde oldukça geç şarkı söylemeye başladım. O zamana kadar opera dünyasındaki pek çok kişi beni zaten farklı bir sıfatla tanıyordu. Durum hassastı - Tiyatro Çalışanları Sendikası'nda müzikal tiyatroya "emrettim". Sovyetler Birliği'nin sonlarında, milyon dolarlık bütçelerle, iyi niyetle dev festivaller, yarışmalar düzenleyen, kısa ömürlü bir dernekti...

90'lı yılların başında vokal öğretmeni olarak kendimi geliştirmek için Belçika'ya gittim ve bana oldukça büyük bir şirketle şarkıcı olarak sözleşme teklif ettiklerinde birdenbire çok geç olduğunu fark ettim, dedikleri gibi, "tüm bu çabalar gitti” ya da daha doğrusu diğer yöne, öğretmenliğe yöneldim.

- Ancak geç vokal kariyerlerinin tarihsel örnekleri var - 36 yaşında başlayan tenor Nikandr Khanaev, bas Boris Gmyrya - 33 yaşında, Antonina Nezhdanova profesyonel sahneye yalnızca 29 yaşında çıktı.

Birincisi, 20. yüzyılın başlarından ortalarına kadar yaşadılar; çağdaşlarına ne kadar yakınsa, 30 yaşında başlayan şarkıcıları bulmak o kadar zorlaşıyor ve her birinin azim konusunda kendine göre bir “güvenlik payı” var. hedeflerine ulaşmada.

Sovyetler Birliği çöktüğünde STD'nin “harabelerinden” bir konser ve oyunculuk ajansı düzenledik ve oldukça başarılı oldu. O günleri şükranla anıyorum, çünkü ilk kez 28 yaşımda yurtdışına çıkmaya başladım; daha önce yurtdışına çıkmama nedense izin vermemişlerdi. Bu, büyük bir dinleme deneyimi, dünya sahnesindeki en iyi opera prodüksiyonlarını tanıma ve ünlü sanatçıların seslerini canlı olarak değerlendirme fırsatı sağladı. Nadir istisnalar dışında bizimkinden tamamen farklı şarkı söyledikleri kendim için yeni bir dünya keşfettim.

Kendimdeki bazı fikirleri kırmak zorunda kaldım çünkü işitme yeteneğim Sovyet opera geleneği tarafından hem iyi hem de kötü anlamda "bulanıklaştırıldı". Teknik ve üslup olarak yeniden inşa edildim, zevkim değişti. Kolay olmadı, bazen aptalca şeyler yaptım. Bir süre erkeklerle ilgisizce çalıştım; ders için para aldığımı bile hatırlamıyorum.

Daha sonra Gnesin Okulu'nun müzikal tiyatro oyuncuları bölümünde vokal öğretmeye davet edildim. Benim için ek alım için özel olarak tek öğrenciyi aldılar - Rodion Pogosov. O zamanlar 16 yaşındaydı, hiç şarkı söylememişti ve genel olarak dramatik bir aktör olmayı hayal ediyordu. Ancak tiyatro üniversitelerine kabul edilmedi ve “kederden” okula girdi ve sonunda benimle birlikte oldu. Zaten 19 yaşındayken, 3. yılında Novaya Operası'nda Papageno olarak ilk kez sahneye çıktı ve 21 yaşında Metropolitan'daki gençlik programının en genç katılımcısı oldu vb. Artık Rodion aranan uluslararası bir sanatçı.

- "İlk gözleme" bile sana topak topak olmadı!

Evet, ilk öğrencimle çalışmak benden çok fazla güç ve enerji gerektirdi. Onu her zaman annesiyle birlikte vokal çalışması yapmaya zorladım. Bunlar haftada iki kez 45 dakikalık sıradan dersler değil, neredeyse her gün yapılan derslerdi. Basitçe söylemek gerekirse, direncin ve öğrenme konusundaki isteksizliğin üstesinden gelerek onu kovaladım. Anlayabilirsiniz - ses yeteneklerine de inanmayan çok genç bir çocuk. Şarkıcılara bile gülüyordu; akademik şarkı söyleme süreci ona gülünç geliyordu.

- Sıfırdan çalışmanız gerektiği ortaya çıktı! Ve Vdovin'in öğrencilerinin - Koro Akademisi mezunları hakkında daha fazla şey biliyoruz - çocukluktan beri hazırlıklı adamlar olduğu, 6-7 yaşlarından itibaren şarkı söyleyen, çok yetenekli müzisyenler olduğu izlenimi ediniliyor.

Şimdi benim hakkımda en iyi sesleri, en iyi sesleri sınıfıma aldığımı söylüyorlar. Kötü olanları mı alalım? Yoksa birine bir şeyi kanıtlamam mı gerekiyor? Herhangi bir normal sanatçı (sanatçı, usta) her zaman en iyiyi seçer. Evet, artık gençler işimin sonuçlarını görerek bana geliyorlar ve ben de seçme şansına sahibim. Ve ilk başta bana farklı öğrenciler verdiler. Bu yüzden zor öğrencileri ortaya çıkarmak için tam bir eğitim aldım ve bunun genç bir öğretmen için gerekli olduğunu düşünüyorum.

- Tamamen umutsuz seçenekler var mıydı? Bir insanın sesini tamamen kaybetmesi mi, yoksa sizin hatanız olmasa bile vokal kariyerini bırakması mı?

Yeni gelenlerin yaşlarının çok genç olması da sorunlardan biri. Daha önce insanlar 23-25 ​​yaşlarında profesyonel olarak vokal eğitimi almaya başlamışlardı, özellikle erkekler, yani fiziksel olarak gelişmiş, sadece bedenen değil ruhen de güçlü, mesleğini anlamlı bir şekilde seçmiş insanlardı. Şimdi 15-16 yaş arası çocuklar okullara ve benim sınıfımdaki Koro Akademisine 17 yaşında geliyorlar.

22 yaşında zaten mezun oldukları ortaya çıktı. Çok iyi bir bas gitaristim vardı, yarışmaları kazandı. Hemen Avrupa ülkelerinden birinde bir gençlik programına, ardından da tiyatroya kabul edildi. İşte bu kadar, uzun zamandır onun hakkında hiçbir şey duymadım, ortadan kayboldu. Repertuar tiyatrolarındaki sözde festival sözleşmeleri çok genç vokalistler için özellikle risklidir. Bu, sesinize uygun olsun ya da olmasın her şeyi söylemek anlamına gelir. Bugün - Rossini, yarın - Mussorgsky, yarından sonraki gün - Mozart ve benzeri, Bernstein ve operetlere kadar. Bakıyorsunuz, üzerinden birkaç yıl bile geçmedi ve bir ses yerine eski güzelliklerin kalıntıları var.

- Ancak Rus-Sovyet geleneğinde, oyun ilanındaki çeşitli tarzlar ve isimler her zaman değişiyordu ve önde gelen solistler de şu anda Batı'da olduğu gibi 6-7 "La Traviata" veya "Pikovykh" değil, 4-5 şarkı söylüyorlardı. Aylık en çeşitli rollerden biri.

Tam zamanlı toplulukların ve repertuar tiyatrosunun modası geçmiş olduğuna ve herkes için kötü olduğuna inanıyorum: sanatçılar, orkestra şefleri, izleyiciler. İlk olarak, mevcut yapımları iyi durumda tutmak için her zaman prova sıkıntısı yaşanıyor. New York'taki Metropolitan Operası veya Viyana Staatsoper gibi güçlü topluluklarda bile yeterli prova yok. O yüzden bizde her şeyin kötü olduğunu, onların orada tamamen müreffeh olduğunu düşünmeyin. Öğrencimin Met'te en zor başrolde tek bir sahne provası olmadan nasıl ilk kez sahneye çıktığını hatırlıyorum! Dışarı çıkıp şarkı söyledi, pikap sıkıştı ve sahne arkasından aryayı başlattı.

Bu yüzden repertuar sisteminin destekçisi değilim; ülkemizde bunu sanatla ilgili olmayan, yalnızca çalışma mevzuatı, ideoloji vb. ile bağlantılı olan Sovyet zamanlarının bir kalıntısı olarak görüyorum. Yani artık çıkmazdayız ve ne yapacağımızı bilmiyoruz. Şarkıcılar geleceklerine güvenmiyorlar, ancak bu arada, bir opera sanatçısının mesleği genellikle oldukça risklidir, ses çok kırılgan bir enstrümandır, şüpheniz varsa, başlangıçta başka bir alan seçebilir ve seçmelisiniz. Orkestra şefleri mutlu değil çünkü şarkıcı bugün Mozart'ı yarın Prokofiev'i eşit derecede ikna edici bir şekilde seslendiremiyor. Bugün halk da şımarık ve yıldızlara ya da yeni isimlere ihtiyaç duyuyor. Ve uzlaşmalar sanata zarar veren sonuçlar doğurur.

Serbest bir lanser durumunda, önde gelen şarkıcıların kendilerine uygun repertuarda ustalaşma, ilginç orkestra şefleriyle, eşit seviyedeki ortaklarla vb. tanışma şansı her zaman daha fazladır. Ve belirli bir proje için bir yapım ekibi söz konusu olduğunda her şeyin ne kadar dikkatli prova edilebileceği!

- Peki ama art arda 5-6 değil, bazen aynı ismin 12 icrasının olduğu bir durumda, sanatçılar da müzikallerdeki solistlerin yaptığı gibi otomatizmin etkisini yaşamıyorlar mı? Broadway'de bir gün ara vererek, çoğu zaman değiştirmeden, duyguları, kahkahaları ve gözyaşlarını sahnede tasvir ederek nasıl arka arkaya yüzlerce performans sergileyebildiğinizi anlamakta zorlanıyorum...

Broadway'den farklı olarak opera binasında oyuncular her akşam ortaya çıkmazlar (acil durumlar dışında her zaman bir veya iki gün dinlenme vardır); Ve performanslar bir üretim bloğunda nadiren beş defadan fazla gerçekleştirilir. Metropolitan gibi en iyi tiyatrolar, bugün dünya çapında bu operanın en iyi icracılarını bir araya getirmeye çalışıyor. Ve inanın bana, yüksek profesyonellik ve her ayrıntının mükemmel olduğu bir ortamda, sanatçının görüntüye konsantre olması çok daha kolaydır.

Met örneği halk için de ilginç çünkü bir hafta içinde çok çeşitli tarzlardaki eserleri en iyi performansla dinleyebilirsiniz. Ziyaretçilerin ve turistlerin opera binasına “yerlilerden” daha sık gitme eğiliminde oldukları bir sır değil. Böylece, bu yılın Ocak ayında New York'tayken, birkaç gün içinde yetenekli barok derleme "Büyülü Ada"yı ziyaret ettim, sansasyonel "Faust"u, ardından "Tosca"yı ve "Alayın Kızı"nı gördüm. Ve yavaş hareket eden "yerel halk" için, mevcut opera sezonunun açılışını yapan "Anne Boleyn" gibi en başarılı oyunlar yaklaşık altı ay sonra tekrarlanıyor.

Genel olarak, opera binasının varlığına ilişkin çeşitli geleneklerin konusu inanılmaz derecede ilginç ve zordur; her ülkenin iyiye birleştirilebilecek kendi rasyonel yönleri vardır, sadece bunları bilmeniz ve nasıl yapacağınızı bilmeniz gerekir.

- Kişisel olarak, özellikle öğretmenlik kariyerinizin başlangıcında, sahne deneyiminizin olmayışı sizi engellemedi mi?

İlk başta elbette evet, bu bir engeldi! Doğal olarak, sevgili Elena Vasilyevna Obraztsova ile ustalık sınıfında oturduğumda, onun karşılaştırmalarından ve mecazi konuşmasından keyif alıyorum. Engin deneyimi, olağanüstü ustalarla çalışması ve kişisel, zengin sanatsal hayal gücü - hepsi bir arada büyüleyici! İyi bildiği bir opera ya da aşk romanından bir parça üzerinde çalıştığında, bilgi ve yeteneğin bir arada yaratıldığı, içinde sadece oyunculuk değil, yönetmen ve hatta orkestra şefi unsurunun da bulunduğu koca bir dünya inşa ediyor.

Her zaman öğreniyorum! Şimdi Obraztsova'nın yanında bulunan unutulmaz Irina Konstantinovna Arkhipova ile, Evgeniy Evgenievich Nesterenko ile, Gençlik Programımızın öğretmenleriyle çalışırken çalıştım. Öğrencilerimle birlikte yabancı olanlar da dahil olmak üzere yeni parçaların ve yapımların riff'lerini inceliyorum. Bütün bunlar arama, okul, kişisel pratiğin zenginleştirilmesidir. Zaman açısından şanslıydım; opera sanatçılarının genellikle sadece kendileri ve kariyerleriyle meşgul olduğu bir yaşta aktif olarak öğretmenlik yapmaya başladım. Kendimi pedagojik problemlere çok derin ve geniş bir şekilde kaptırma, pedagojik deneyim kazanma, her türlü sesle çalışma, farklı repertuarlar inceleme fırsatı buldum.

- Burada biraz beklenmedik bir karşılaştırma yapayım. Doğum sancılarını anlayamadıkları, hayal edemedikleri ve daha kararlı ve sakin davranamadıkları için en iyi kadın doğum uzmanlarının erkek olduğu yönünde bir görüş var.

Evet, belki de performanstan koptuğum an faydalı olabilir. Bunu çok düşündüm ve opera sanatçılığı ile vokal pedagojisinin iki farklı meslek olduğu sonucuna vardım, elbette bazı açılardan benzer ama her şeyde değil.

Tıpkı tıbba dönersek bir cerrah ve bir teşhis uzmanının olduğu gibi. "Altın ellere" sahip mükemmel bir cerrah, teşhis koymada yetersiz olabilir veya bunun tersi de geçerlidir. Bu meslekler farklı bilgi gerektirir.

Pedagojik anlayışımız, yalnızca vokal tekniği söz konusu olduğunda oldukça dardır ve repertuarla ilgili sorular ortaya çıktığında çok geniş bir görüş yelpazesi, şarkıcının mesleği hakkında her yönden bilgi gerektirir. Evet, sahnede şarkı söylemiyorum ama bunu sınıfta her zaman sesimle göstererek yapıyorum. Toplum içinde piyano çalmıyorum ama öğrencilere iyi eşlik edebilirim. Ben bir yöneticiydim, böylece öğrencilere sözleşmelerin tuzaklarını, kötü ve iyi performans koşullarını anlatabiliyordum. Operayı kendim yönetmedim veya sahnelemedim ama yine de bu işlevleri provalarda yerine getiriyorum.

- Ve tüm bunlarla birlikte, sen, Dmitry, kuralın bir istisnasısın - sahnede performans sergilememiş başarılı bir vokal öğretmenisin. Benzer kaderi paylaşan başka meslektaşlarınız var mı?

Svetlana Grigorievna Nesterenko'yu (büyük basımızın adaşı) isimlendirebilirim, Bolşoy Tiyatrosu Gençlik Programında birlikte çalışıyoruz, Koro Akademisi'nin vokal bölümüne başkanlık ediyor. V. S. Popova. Öğrencileri arasında Alexander Vinogradov, Ekaterina Lyokhina, Dinara Aliyeva ve diğer birçok değerli şarkıcı var. Ve genel halk pek çok seçkin Batılı öğretmenin şarkıcı olduğunu bilmiyor. Ve genel olarak biz vokal öğretmenleri görünmez cephede savaşçılarız.

Ve tüm şikayetlere rağmen, dünyadaki şarkıcıların genel seviyesi artık oldukça yüksek, hatta belli bir arz fazlası var, ancak parça parça bir meslek olduğu için değerli, ciddi vokal öğretmenlerinin eksikliği sürekli ve öyle de kalıyor. Paradoks bu.

İşin başında deneyimli vokalistlerin benim şarkıcı olmadığımı, makyaj kokusunu almadığımı, bunu denemediğimi, canımı acıttıklarını, çok fazla değil ama çizdiklerini söylüyorlar. Ve şimdi kesinlikle umurumda değil. Bu anlamda sakinleştim, dünyanın dört bir yanına dağılmış onlarca başarılı öğrencime karşı bir sürü görevim, bir o kadar da sorumluluğum var. Hata yapmalarını, repertuarlarına müdahale etmelerini engellememiz gerekiyor; onlara yazmamız, onları aramamız, ikna etmemiz gerekiyor. Çatışma noktasına kadar - bu nadirdir, ancak bir kavga ve ayrılıkla sonuçlandığı da oldu (benim açımdan değil). Herkes yetişkin olmak ister ve aynı zamanda herkes çocuklar gibi savunmasızdır! Bazen onların güzel şarkı söylemelerinin benim derin ilgimi çektiğini anlamıyorlar ve ben o kadar da kırbaçlı bir zorba değilim, onları sert bir şekilde eleştirmek için bir oyuna veya konsere geldim.

- Bir müzik okulundaki çok yaşlı ve bilge bir öğretmen, konserden hemen sonra öğrencileri sadece övüyordu ve “bilgilendirmeyi” ertesi güne erteliyordu. Sahne adrenalinli olduğu için alkış coşkusunda yine eleştiriyi ciddiye almayacaklar ama keskin bir sözle çocuğun kanatları ve müzik çalma isteği kırılabiliyor.

Bu anlamda zor bir karaktere sahibim. Duygusal ve sert bir insan olduğum için yanlış yaptığımı biliyorum ama ne kadar çabalasam da kendimi her zaman dizginleyemiyorum.

Son zamanlarda son derece başarısız olan bir konser vardı. Durum böyle ortaya çıktı; zor bir durum, az sayıda prova, orkestrayla zayıf iletişim. Sonunda adamların yanına gittim ve E.V. Obraztsova'dan tekrar alıntı yaptım: "Yoldaşlar, bugün bir tiyatromuz yoktu, Tsuryupa'nın adını taşıyan bir kulübümüz vardı." Elbette herkes çok üzgündü ama bu, ertesi günkü ikinci konserin çok daha iyi geçmesini engellemedi!

Bazen elbette öğrencilerinize zarar verirsiniz. Ama aynı zamanda şunu söylüyorum: beyler, ama aynı zamanda kendimi incitiyorum ve yorumlarla kendimi kırıyorum, her şey için sizi suçlamıyorum, bunlar bizim yaygın hatalarımız, geceleri ben uyumuyorum, acı çekiyorum, analiz ediyorum .

- Azarlamayan öğretmen, tedavi etmeyen doktordur!

Zihinsel farklılıklarla ilgili sorunlar da var. Amerika'da çok ünlü bir piyanist ve harika bir öğretmen olan meslektaşlarımdan biri, bir keresinde öfkeyle sesini yükseltip notaları bir öğrenciye fırlatmıştı. Soruşturma var, polis var, skandal var... Dolayısıyla ABD'de bu konuda çalışmaya alışmak benim için kolay olmadı: yani bazen duygu katmak, öğrenciye sesimi yükseltmek istiyorum ama bu orada imkansız.

Ama oradaki öğrenciler farklı! Houston'daki ustalık sınıfına ilk ziyaretimde şok oldum. İyi bir genç bariton yanıma geldi ve bana Eletsky'nin aryasını gösterdi. Akşam herkesten sonra ona fazladan bir ders teklif ettim. Sevilla'dan Figaro'nun Cavatina'sından geçmek istiyordu. Ancak saat 18'de piyanist dakika dakika kalkıp gitti - çalışma günü bitmişti, her şey katıydı. Rossini'nin cesur eşliğinde fazlasıyla kaybolacağımı kendim fark ettim ve şöyle dedim: "Yine Yeletsky'yi söylemek ister misin?" Hemen kabul etti ve beni şaşırttı - sabah dersinden bu yana geçen birkaç saat içinde her şeyi düzeltti! İfade, telaffuz, tonlama, oyunculukla ilgili tüm yorumlarım - her şey dikkate alındı!

"Bunu nasıl yapıyorsun?" - Ona soruyorum. "Maestro, oturdum, 15 dakika boyunca notlara baktım, dersimizin kaydını dinledim, söylediklerinizi anladım - ve arya artık hazır."

Benim için neşeli bir şoktu! Moskova'ya dönmek - yerli öğrencilerini bu olayla nasıl suçladı, siz onlara yirmi kez söyleyene kadar bunu yapmayacaklar! Derslere kayıt cihazı olmadan, hatta bazen kalemsiz ve not almak için notaların fazladan bir kopyası olmadan geliyorlar. Ne söyleyebilirim? Sert olmalısın.

- Sınıfınızda kızlar da var. Yaklaşımlarda farklılık var mı?

Bir dereceye kadar erkeklerle benim için daha kolay ama sınıfta kızlar olmadan sıkıcı olurdu! Elbette bir kadının sesi, vokal gerçekliğe farklı bir yaklaşıma ve daha fazla konsantrasyona sahip olmamı gerektiriyor. Farklı malzemeler ve buna bağlı olarak farklı araçlar. Daha fazla düşünmeyi, daha fazla çabayı, hatta teknik bilgi ve tecrübeyi gerektirir. Ama hayatın gösterdiği gibi genel olarak bunu kadın sesleriyle yapabiliyorum. Sınıfta ise farklı cinsiyetlerin varlığı, repertuvar ve düetlerin icra edilebilmesi açısından büyük bir avantaj sağlıyor;

- 20. yüzyılın sonu ve 21. yüzyılın başında dünya vokallerinde genel bir kriz mi var? örneğin 20. yüzyılın 60-70'iyle karşılaştırıldığında, eğer öyleyse neden?

Bu şekilde düşünürseniz kriz her zaman vardı. Callas ve Del Monaco'nun altın çağında, Ponselles, Gigli, Caruso ve benzeri dönemlerin, zamanın derinliklerine, 19. yüzyılın başlarına, tam anlamıyla özlemle konuşan insanlar vardı. efsane isimler. Bu diziden: “Gökyüzü daha maviydi ve çimenler daha yeşildi.”

Prensip olarak, okul farklı ülkelerde daha iyi ve daha eşit hale geldi, çünkü tek bir bilgi alanında yaşamaya başladık ve dünya opera sahnelerinin en iyilerini sıklıkla canlı olarak veya çok yeni kayıtlarda dinleme fırsatına sahip olduk. Birçok müziksever için uçağa binmek ve birkaç saat içinde kendilerini herhangi bir müzik başkentinde bulmak ulaşılabilir bir gerçeklik haline geldi.

Bana göre kriz başka yerde. Artık çok sayıda güçlü profesyonel var, orta düzey yöneticiler arasında işsizler artıyor, ancak çok az sayıda seçkin, sıra dışı ses var. Ve güzellik açısından değil, güç ve ses düzeyi açısından.

- Tamamen size katılıyorum - günümüzün en iyi opera sanatçılarından birkaçını bile radyoda anons yapmadan tanıyabiliyorum, ancak "yaşlı adamlar" - anında, iki notayla!

Bunlar aynı zamanda teknolojinin maliyetleridir! Herkes eşit derecede iyi şarkı söylemeye başladı. Eski büyüklerin çoğu, yalnızca erdemleri nedeniyle değil, aynı zamanda eşsiz Callas gibi "ilahi düzensizlikleri" nedeniyle de tanınabilir, olağanüstü ve güzeldi. Nadir istisnalar dışında, yalnızca parlak tınılar değil, her şeyden önce bireysellik de eksiktir. Bunun nedeni kısmen şarkıcıların artık yönetmenin emirlerine son derece bağımlı hale gelmiş olmaları ve mesleklerinin opera tiyatrosu açısından önem açısından ilk sıralarda yer almamasıdır.

- Ah, “yönetmen” hakkında en sevdiğimiz konu! Onun hakkında ne hissediyorsun?

Artık müzikal tiyatroda hepimizin hastalık ya da kötü hava koşulları gibi deneyimlediği bir dönem. Müzik tarihini incelediğimizi ve Barok dönemde “operanın düşüşü”nden, “kostümlü konser”den bahsettiğimizi hatırlıyor musunuz? 20. yüzyılın ortalarında Callas'la birlikte Luchino Visconti dünya sahnelerinde hüküm sürdü; opera, drama ve sinema dünyasıyla birleşmeye, resimden imgeler almaya ve bir bakıma sanatsal düzeye yükselmeye başladı. Ancak sonuç olarak opera binası diğer uç noktaya, tavırcılığa gitti. Bu özellikle Almanya'da radikal, öyle ki Peter Stein Alman opera yönetmenliğine gelince zaten bir yerde şunu söylemişti: "Kusura bakmayın ama bu bağlamda kendime Alman yönetmen demekten rahatsız oluyorum, kendimi öyle görmüyorum."

Ancak yüzyıllardır operanın ölümüyle ilgili konuşmaların olması ilginçtir. Her zaman bazı aşırılıklara düşkündür. Ama öyle görünüyor ki, her şey bittiğinde, aniden yeni yollar bulmayı başarır ve yeniden tüm güzelliğiyle ortaya çıkar.

- Evet evet! Bu nedenle, 2010 yılında Paris'teki Opéra Bastille'de düzenlenen “Werther”, geçen sezon Covent Garden'da düzenlenen “Adrienne Lecouvreur” veya Met'teki en son “Büyülü Ada” gibi geleneksel kostüm prodüksiyonları, serginin ilk açılışından itibaren alkış topluyor. perde. .

Ancak bu durumda tam bir ortodoks, gerici ve muhafazakar gibi görünmek istemem. Şaşırtıcı derecede incelikli ve derin modern opera prodüksiyonları var.

Yönetmenin ikna kabiliyetini ve yeteneğini herkes kendisi belirler, ben de bu konuda kişisel bir görüş geliştirdim. Yapımın kendine has derin bir mantığı varsa, her “silah ateşleniyorsa” yapım başarılıdır diye düşünüyorum. Ve eğer yönetmen önceki yıllardaki hareketsizlikten biriktirdiği ve geçimini sağlayamadığı tüm görüntüleri ve metaforları bir oyunda topladıysa ve biz oturup anlamıyorsak - o zaman bu neden? Teorik olarak, Nathalie Dessay'ın Ariadne auf Naxos'ta gösterdiği gibi, kelimenin tam anlamıyla "kafanın üzerinde yürümek" ikna edici olabilir.

- Peki vokal ustası Vdovin, şarkı söylerken baş aşağı yürümenin zor olduğunu ve öğrencileri için ayağa kalkmanın fizyolojik olmadığını söyleyemez mi?

Hayır maalesef bir şey diyemiyorum ama bazen birçok şeye kızıyorum. Tiyatroda herkes bağımlıdır ve yönetmenin planına sadık kalmalıdır. Bazen bazı yönetmenlerin düzenlemelerinde sahnede insanların utanacak kadar utandıklarını görüyorum. Burada nasıl bir sanatsal inandırıcılıktan bahsediyoruz! Ve en üzücü olan şey, bencillik ve kapris dışında bazen bunun hiçbir anlam ifade etmemesidir. Ama öte yandan, eğer bunda gerçekten derin bir sanatsal amaç varsa, bir sanatçıyı çirkin bir biçimde bile göstermenin mümkün olduğuna katılıyorum.

İlk eğitimi Pavel Aleksandrovich Markov ve ana ustası Inna Natanovna Solovyova, harika insanlar olan bir tiyatro uzmanıyım. Tiyatro için güzel zamanlar buldum - A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov'un performanslarına gittim ve Moskova'da o kadar çok tur vardı ki...

- Yönetmenlerin zulmüne "boyun eğmek" istemeyen ve kendilerini yalnızca oda konseri tarzında hayal eden öğrenciler var mı?

Öğrencim olmamasına rağmen böyle biriyle tanıştım. Zamanımızın olağanüstü bir fenomeni olacak her şeye sahip - bu bas Dmitry Beloselsky. Korodan ayrıldı ve uzun süre sadece kantata-oratorio müziği ve konserler söyledi. Operaya gitmek istemedim. Ancak yakın zamanda, 34 yaşındayken fikrini değiştirdi, Bolşoy Tiyatrosu'na geldi ve şükürler olsun ki durum böyle. Bu yaşta yarışı erken bırakmama ve zeka ve anlayışla uzun, başarılı bir kariyer kurma şansı daha yüksektir. Dmitry artık performans sergilediği her yerde inanılmaz bir başarıya sahip. Metropolitan'dan Bolşoy'a. Ancak ne yazık ki "saf" bir konser şarkıcısının mali açıdan hayatta kalması zordur; oda sanatçısı mesleği neredeyse ölüyor. Ne yazık ki!

- “Rus vokal okulu” kavramı bugünlerde anlamlı mı? Bu bağlamda, geçen baharda sizin başkanlığını yaptığınız Bolşoy Tiyatrosu Gençlik Programının mezuniyet konserinde, genç şarkıcıların Batı müziğiyle ne kadar daha iyi ve daha ikna edici başa çıktıkları ve onlar için performans göstermenin ne kadar sorunlu olduğu tatsız bir şekilde şaşırtıcıydı. Rusça.

Rus ekolü şüphesiz var, çünkü çok büyük bir opera mirası ve Rus dili var. Ve bir bileşen olarak - tiyatro geleneği. Rus repertuarının kendisi İtalyan, Fransız ve Alman müziği eserlerinden farklı bir teknik yaklaşımı zorunlu kılıyor. Bana göre sorun, müziğimizin çoğunlukla çok güçlü sesler, olgun şarkıcılar için tasarlanmış olmasıdır. Çünkü operaların çoğu her zaman güçlü ve derin sesleriyle ünlü olan iki İmparatorluk Tiyatrosu için yazılmıştır. Bugün “Khovanshchina” için gerçek Herman'ın veya Marfa'nın nerede bulunacağı sorusunun çözümü giderek zorlaşıyor...

Bu arada, Amerika'da Tatiana, Spade'deki Lisa'dan bile daha güçlü bir yaş grubu olarak görülüyor. Ve Yeletsky, Figaro'nun Düğünü'ndeki Kont'tan daha güçlü. Lensky ve Onegin de burada alışılmış olduğu gibi gençlik rolleri olarak görülmüyor, çünkü Pyotr Ilyich lirik sahnelerini Moskova Konservatuarı öğrencileri için yazdı. Ancak çok yoğun bir orkestrasyon ve karmaşık bir vokal tessitura var, aralığın üst ve alt kısımlarına doğru büyük sıçramalar var ki inanın bana bir öğretmen olarak bunu tüm genç şarkıcılar yapamaz. Ve birçok salonda akustiğin ne kadar sorunlu olduğunu ve orkestraların ne kadar gürültülü olmayı sevdiğini göz önüne alırsak, tüm bunlara dayanabilmek için çok güçlü, güçlü seslere sahip olmanız gerekiyor. Üzgünüm ama örneğin Glinka'nın Antonida cavatina'sını yazmak o kadar zor ki, iyi performansı nedeniyle sopranoya derhal kanatlarda madalya verilmeli! Bir diğer hassas nokta da Rus bestecilerin, tüm dehalarına rağmen, vokal yazımının inceliklerinde her zaman ustalaşmamış olmalarıdır. Ve bu anlaşılabilir bir durum - Rusya'daki opera geleneği o kadar da eski değil ve temsilcilerinin çoğu bunu kendileri öğrendi.

Glinka hakkında daha fazla bilgi, “Ruslan”ın sansasyonel son prömiyeri ile bağlantılı olarak, şimdi sadece vokal yönünden bahsediyorum, çünkü basında, şarkı söyleyecek kimsenin bulunmadığına dair ifadeler vardı. Bolşoy Tiyatrosu'nun 70'lerde B.A. Canlı bir tanık ve dinleyici olarak şunu söyleyeceğim - evet, o performansta parlak Ruslan - Evgeniy Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir vardı. Ancak karakterlerin bolluğu arasında (ve performans 2-3 oyuncu kadrosunda gerçekleştirildi), bilinmeyen nedenlerle Bolşoy Tiyatrosu sahnesine çıkan şarkıcılar vardı ve gittikten sonra performansların olduğu bir sır değil. operaya olan ilgimizi sonsuza kadar kaybedebiliriz.

Tekrar türlerin ayrımına döneyim; Mozart'ın operalarında benzersiz harika şarkıcılar var, hepsi bu. Ve diğerleri yalnızca Rus müziği söylemeli - bu onların güçlü noktasıdır. Ama hem bunu hem bunu söylemeye başladıklarında durum Mozart, Glinka ve dinleyiciler için daha da kötü oluyor.

- Ne yazık ki, Herman'ı söylemesi teklif edilen Dmitry Korczak'ınız gibi, tüm şarkıcıların kendi ayık analitik zihinleri ve maceracı projeleri reddetme iradeleri yok!

Evet, Dima bu anlamda harika ama sesi çok hafif olduğu için repertuarında Rus müziğinin bu kadar az olması üzücü, bunu çok iyi yapıyor. Ve bu arada Vasily Ladyuk da. Rus aşklarını sergilediği akşamı hatırlıyorum - orkestrasyonlu oda çalışmalarını sevmesem de, Mikhail Pletnev bunu inanılmaz derecede iyi yaptı; müziğin anlamını kavramak için en iyi konserlerden biriydi!

Genel olarak Rus müziğini iyi söyleyebilmek için çok sayıda kendi klişemizden, tazelik hissini kaybetmekten kurtulmak için çok çalışmanız gerekiyor. Bazen yabancılar şaşırtıcı yeni tonlar bulurlar ve biz bazen farkında olmadan geleneği bir urtext olarak algılarız, uzun zaman önce Rus sahnesinin tanınmış bir klasiğinin kaydını klişeleştiririz.

- Eski kayıtları “dinleme” hakkında. Svyatoslav Teofilovich Richter'in, kayıt ekipmanlarının mevcudiyeti nedeniyle şımartılan modern gençliğin, performanstan sonra kendilerini sürekli dışarıdan kontrol etmeye alıştığına dair ifadesi uzun zamandır ruhuma gömüldü. Ve medeniyetin bu faydasından mahrum kalan önceki nesil müzisyenler, “ön işitme” denilen yeteneği, yani bir sonraki müzik cümlesini iç kulakla önceden hissetme yeteneğini geliştirdiler.

Diyeceğim şey şu ki. Geçenlerde Met'ten “Figaro'nun Düğünü” adlı bir ses kaydı duydum. Ve topluluklar sırasında bazen notasız oturduğumda şu anda kimin ses çıkardığını anlayamıyordum - Kontes, Suzanne veya Cherubino. Çünkü üçü de, kusura bakmayın, küçük Renee Flemings! Tabii ki, her şeyin ve herkesin, You Tube'un vb. ses kayıtlarının bulunması. modern sanatçılara damgasını vuruyor ve klişe yorum buradan geliyor.

- Peki öğrencilerin derslerde ve performanslarda teknolojiyi kullanmalarına kişisel olarak izin veriyor musunuz?

İzin veriyorum evet. Bir tiyatro insanı olarak, erkeklerle şu veya bu müzikal görüntünün kökenlerini, nedenlerini ve sonuçlarını arayarak görevler belirlemeye başladığınızda, klişelerin ortadan kalktığını, diğer insanların ses ve video kayıtlarının baskısının ortadan kalktığını anlıyorum. .

- Şarkıcıların tarihsel bir bağlama, kahramanlarının eyleminin zamanı ve yeri, yazarın biyografisi hakkında bilgiye ihtiyacı var mı?

Tabii ki! Bir opera sanatçısı veya şarkıcının eğitimli olması gerekir! Bir eseri, bir metni anlamla doldurmak için - ana dilinizde bile - yalnızca kelimeleri değil, aynı zamanda karakterin, olay örgüsünün, tarihsel bağlantıların (eğer malzeme böyleyse) etrafındaki tüm durumu da anlamanız gerekir. Gençlerin aşk romanlarının sözlerini yazan şairlerin isimlerini bilmemesi ya da Don Carlos'un aryasında söylenen Flanders'ın nerede olduğunu bilmemesi korkunç bir şey. Veya aryanın bir ortağa hitap ettiğinin ve aslında bunun bir düet olduğunun farkında değildir.

En önemlisi şarkıcının sanatsal hayal gücünü geliştirmek, onun derinliklerde ve satır aralarında olanı görmesini ve anlamasını sağlamaktır.

- Kısmen kışkırtıcı bir soru: Hangisini tercih edersiniz - şarkıcının sınırlı sanatsallık ve sıradan görünümle birleşen muhteşem vokallerini mi, yoksa tam tersine, çok ılımlı vokallerle birlikte parlak sanatı mı tercih edersiniz?

Şahsen ben böyle bir durumda artık evde kalmayı tercih ederim! Ama cidden, operada parlak sanatın vasat vokallerle birleşimi uygunsuzdur; bir vokalist güç veya tını açısından olağanüstü olmayabilir, ancak enstrümanına tam anlamıyla hakim olmalıdır. Aksi takdirde, notaları tamamen kaçırırsanız, ince bir figür, doğru yüz özellikleri ve oyunculuk becerileri hiçbir şekilde sizi kurtarmayacaktır - ne yapmalı, sentetik bir tür.

Bu nedenle her şeyin uyumunun en nadide örneklerine bu kadar değer veriyoruz: olağanüstü bir ses, müzikalite, parlak, çok cesur güzellikle birleştirilmiş muazzam oyunculuk mizaç - Bolşoy Tiyatrosu sahnesinde hüküm süren Vladimir Andreevich Atlantov böyleydi. Öğrencilik yıllarımda kendisiyle iletişim kurma şansına sahip oldum. Atlantov muhtemelen ideal, rafine bir vokal okulunun bir örneği değildi, ancak gerçek bir Sanatçının nasıl olması gerektiği konusunda opera şarkı söyleme sürecini anlama konusunda bana çok şey verdi.

Tatyana Elagina'nın röportajı

Bu yıl ROF festivalinde sahnelenen üç operanın ana tenor bölümlerinin Rusya'dan gelen şarkıcılar tarafından seslendirileceği ve hepsinin Profesör Dmitry Yuryevich Vdovin'in öğrencileri olması dikkat çekiyor.

Görünüşe göre yaz ayları tiyatro tutkularının yoğunluğunda bir düşüşe yol açmalı ama bu olmuyor. Sadece yaz aylarında çok sayıda zorlu ve prestijli yarışma ve festival düzenleniyor. Çok sayıda festival arasında özel bir yer, Gioachino Rossini'nin anavatanı olan İtalya'nın Pesaro şehrinde her yıl düzenlenen ROF - Rossini Opera Festivali'ne aittir. Bu festivalin açılışı 10 Ağustos'ta gerçekleşecek.

ROF-2017 programı, baş rolde tenor Sergei Romanovsky olan G. Rossini'nin “Korint Kuşatması” operasının performansıyla açılacak. Ertesi gün, 11 Ağustos, tenor Maxim Mironov'un katılımıyla G. Rossini'nin Touchstone operası sahnelenecek. G. Rossini'nin “Torvaldo ve Dorliska” operası 12 Ağustos'ta sunulacak, tenor Dmitry Korczak şarkı söyleyecek. Hepsi Dmitry Vdovin'in öğrencileri.

- “Vdovin okulu fenomeninin” sırrı nedir?

Doğası gereği biraz "tantak" olduğu için cevaplanması kolay olmayan bir soru. Ve bildiğiniz gibi, "tantanayla" gök gürültüsü yapabilirsiniz. (güler) Ama öte yandan yalan söylemeyeceğim, sonuçlar var ve birlikte çalıştığım sanatçıların dünya opera tiyatrosunda kesin ve ciddi bir yeri var. İlginçtir ki ergenlik yıllarımda Rossini'ye çok ilgi duymaya başladım. Bunun nedeni “Sevilla Berberi” ve “Cezayir'deki İtalyan Kadın” kayıtlarıydı. Rusça yapılmışlardı ve bu da önemli bir rol oynadı; çok gençtim ve belki de İtalyanca performans sergilemek beni bu kadar etkilemezdi. Rossini'nin teatralliği, mizah anlayışı, inanılmaz melodik cömertliği ve hayati hazcılığı beni büyüledi. Ve Uralların sert ikliminde ve SSCB'nin daha az sert olmayan koşullarında yaşayan bana, sadece müziği değil, aynı zamanda tüm tarihi de (Stendhal'in "Rossini'nin Hayatı" kitabını okuyordum) bir tür şey gibi geldi. olağanüstü ve şenlikli bir dünya. Buna ancak mütevazi bir vinil plak sahibi olarak girebildim.

Ama öyle oldu ki, öğretmenlik işimin başlangıcında, Rossini repertuarında uzman olan üç tenor, küçük bir zaman farkıyla bana geldi. Doğru, her şey o kadar basit bir şekilde yürümedi. 18 yaşındaki Maxim Mironov, alışılmadık derecede yüksek ve çok hareketli sesinin özellikleri nedeniyle, şüphesiz, benim tarafımdan Rossini'nin tenoru olarak değerlendirildi. Ona verdiğim ilk arya, An Italian Woman in Algiers'den Languir per una bella ve ardından Othello'dan O Come mai non senti idi. Ve o artık en iyi Lindor ve Rodrigolardan biri.

Sergei Romanovsky... İlk aylarda ve hatta bir yılda muhtemelen onunla Don Ottavio, Nemorino, Lensky üzerinde daha çok çalıştım. Hayır olmasına rağmen, çok geçmeden "Külkedisi" şarkısını söylemeye başladık ve Mironov'un bunu ilk kez nasıl duyduğunu, Rossini'yi söyleyen başka biri gibi beni telefonla aradığını hatırlıyorum. Bu Romanovski'ydi! Ancak Serezha'nın Rossini'ye ciddi yaklaşımı, Moskova'da “Journey to Reims”in yarı sahne performansını yapmaya karar vermemle oluştu. 10 yıl önceki bu hikayenin pek çok insanı hem meslekle hem de Rossini dünyasıyla tanıştırdığını söylemeliyim. Ama özellikle tek Kont Libenskoff olan Romanovsky'ye çok şey verdi. Bu en zor, en virtüöz kısımdır ve bu sayede uzmanların dikkatini çekti ve bunların çoğu o dönemde pratik olarak öğrenci performansımız için özel olarak Moskova'ya geldi. Bundan kısa bir süre sonra, İtalya'da Treviso ve Jesi'de bu rolde ilk kez sahneye çıktı ve kısa süre sonra Libenskoff'un La Scala'daki bir dizi performansta sırasıyla Korczak ve Romanovsky'yi söylediği ortaya çıktı. Çok riskli bir andı, bu kadar önemli bir tiyatroda bu kadar genç yaşta sahneye çıkmak için henüz çok erkendi. Ancak yine de her şey devam etti. Mironov ilk Rossini'sini Venedik'teki La Fenice'de (Mahomet II) söyledi; bu, Lindor'un aryasının finalinde üst stratosferik E dairesini aldığı Neue Stimmen yarışmasından sonra Batı'daki ilk sözleşmesiydi. Bu arada şunu söylemeliyim ki 2000'li yılların başında şu anki kadar yüksek Rossini tenorları yoktu. Rekabet gözle görülür şekilde arttı.

Daha çok Mozart'ın, Fransız lirik operasının ve Rus repertuarının tenoru olarak gördüğüm Dmitry Korczak (ve hala bunların onun en güçlü yönleri olduğuna inanıyorum), yine de Rossini'yi çokça söylemeye başladı. Olağanüstü müzik yetenekleri, büyük şeflerin (Muti, Chailly, Maazel, Zedda) yanı sıra, eskiden çok önemli bir Rossini tenoru, daha sonra Juan Diego Flores'in akıl hocası ve şimdi Rossini dünyasındaki ilk kişi olan Ernesto Palacio'nun dikkatini çekti. , festivalin direktörü ve şimdi de Rossini'nin anavatanı Pesaro'daki Akademi. Bu yıl üç tenorumuzu bir araya getiren kişi Maestro Palacio'ydu ve bununla gurur duymadan edemiyorum.

ROF-2017'de üç tenor var ve hepsi sizin öğrencileriniz. Bunlar Korczak, Mironov, Romanovsky. Elbette farklılar ama öğrencileriniz olarak onları birleştiren şey nedir?

Yetenekliler, çok akıllılar, her biri kendi yolunda ve çok çalışkanlar. Tembel insanlara dayanamıyorum. Güzel seslerin tembel sahipleri - benim için bunlar sanattan gelen cahiller, ses yeteneklerinin bir tür zihinsel olarak göbekli rantçıları. Bu üçü hiç de öyle değil. Çok sorumlu, ciddi, düşünceli sanatçılar. Onları birleştiren şey bu

Dmitry Vdovin, 17 Nisan 1962'de Yekaterinburg şehrinde doğdu. Moskova'daki Devlet Tiyatro Sanatları Enstitüsü'nden mezun oldu ve daha sonra bu üniversitenin yüksek okulunda Profesör Inna Solovyova'nın rehberliğinde tiyatro eleştirmeni olarak okudu ve büyük merkezi gazete ve dergilerde yayınlandı. Daha sonra yeniden eğitim aldı ve V.S. Popov Koro Sanatları Akademisi'nden vokalist ve vokal öğretmeni olarak mezun oldu. 1987'den 1992'ye kadar - SSCB Tiyatro Çalışanları Birliği'nin müzikal tiyatro alanındaki çalışmalarından sorumlu çalışan.

Philadelphia'daki Curtis Müzik Enstitüsü'nün vokal bölümü başkanı Michael Elisen'in rehberliğinde Belçika'daki Avrupa Opera ve Vokal Sanatları Merkezi ECOV'da vokal öğretmeni olarak eğitim aldı. 1992 yılında Dmitry Vdovin, büyük uluslararası tiyatrolar, festivaller ve müzik organizasyonlarıyla ortak yaratıcı projelere katılan bir sanat ajansı olan Moskova Müzik ve Tiyatro Merkezi'nin sanat yönetmeni oldu.

D. Vdovin, 1996'dan beri büyük Rus şarkıcı I.K. Arkhipova ile televizyon ve konser programlarının ortak sunucusu olan Yaz Okulunun öğretmeni ve yöneticisi olarak işbirliği yapıyor. 1995'ten itibaren - öğretmen, 2000'den 2005'e kadar - Gnessin Devlet Tıp Üniversitesi vokal bölümü başkanı, 1999-2001'de - Gnessin Müzik Akademisi öğretmeni, 2001'den itibaren - doçent, solo şarkı söyleme bölümü başkanı V.S. Popov Koro Sanatı Akademisi, 2008'den beri - AHI'de profesör.

D. Vdovin, Rusya'nın birçok şehrinin yanı sıra ABD, Meksika, İtalya, Letonya, Fransa, Polonya ve İsviçre'de ustalık dersleri verdi. Houston Büyük Operası Gençlik Programının düzenli misafir öğretmeniydi. 1999'dan 2009'a kadar - Rusya, ABD, İtalya, Almanya ve Birleşik Krallık'tan en büyük opera öğretmenlerinin ve uzmanların gençlerle çalışmak üzere Moskova'ya gelmesini mümkün kılan Moskova Uluslararası Vokal Ustalığı Okulu'nun sanat yönetmeni ve öğretmeni şarkıcılar

Birçok prestijli vokal yarışmasının jüri üyesi - Uluslararası Glinka Yarışması, 1. ve 2. Tüm Rusya Müzik Yarışmaları, Busseto'daki Uluslararası Le voci verdiane Yarışması, Vercelli'deki Uluslararası Viotti ve Pavarotti Vokal Yarışması, Como'daki AsLiCo, Paris ve Bordeaux'daki Uluslararası Yarışmalar , Bolşoy Tiyatrosu'nda Competizione dell 'opera Italiana, Montreal'de Uluslararası Yarışma, "Culture" TV kanalı "Big Opera" yarışması, İzmir'de vokal yarışması, Varşova'da Uluslararası Moniuszko Yarışmaları, Nürnberg'de "Die Meistersinger von Nürnberg", Opera İspanya'da de Tenerife.

2009'dan beri - Rusya Bolşoy Tiyatrosu Gençlik Opera Programının kurucularından ve sanat yönetmenlerinden biri. 2015'ten beri - Zürih Operası Uluslararası Opera Stüdyosu'nda misafir öğretmen. New York Metropolitan Operası'nda ustalık sınıfları.

Pavel Lungin'in "The Queen of Spades" filminin müzik danışmanı. Ayrıca D.Yu Vdovin, Bolşoy Tiyatrosu opera grubunun yaratıcı ekiplerinin yönetici yardımcısıydı.