Canlanmanın müzik kültürünün genel özellikleri. Yüksek Rönesans Müziği Rönesans müzik kültürünün özellikleri

Soyut İle akademik disiplin"Kültüroloji"

konuyla ilgili: "Rönesans Müziği."

Planı

1. Giriş.

2. Rönesans aletleri.

3. Rönesans'ın okulları ve bestecileri.

5. Sonuç.

6. Referansların listesi.

1. Giriş.

Rönesans'ın müzik sanatı her şeyden önce yenilikçi bir sanattır. Her şeyden önce bu yenilikçi karakter, seküler şarkı ve dans kültürünün atılımıyla belirleniyor. Her ülkede şarkı ve dans türleri temel alındı. halk kökenleri. İster İspanyol villancica'sı, ister İngiliz şarkısı, İtalyan frottola'sı, Fransız chanson'u veya Alman başrolü olsun - hepsi karmaşık iç dünyayı aktarmayı amaçlıyordu. insan kişiliği, insanlara hayatın zevklerini anlatın. Bu şarkılarda bir Rönesans insanının duygusunun tüm ayrıntılarını hissedebilirsiniz.

Laikliğin kutlaması müzik kültürüİtalyanca söylenen bir şarkı olan madrigal oldu. Bu türün kilise müziğinden ayrılışını vurgulayan dildi. Latince. Madrigalin evrimi, basit bir çoban şarkısının benzerliğinden tam teşekküllü bir müzik çalışmasına dönüşen, hem vokal hem de enstrümantal çizgileri içeren ilginç bir süreçtir. Yazarları madrigallerin metni seçkin şairler F. Petrarch dahil Rönesans. geliştirilmedi müzikal olarak Avrupa'da madrigallerin yazılmayacağı ülkeler.

Bu döneme özgü müzik kültürünün ikinci özelliği çoksesliliğin gelişmesi olarak adlandırılabilir. Çok sesli eserler yazan besteciler, en büyük Rönesans türünün - kitlenin - evrimine katkıda bulundular. Bu ilerlemenin sonucu, kesin olarak düşünülmüş bir döngüsel forma sahip bir kütleydi. Kütledeki parçaların değişimi kilise takviminden etkilendi: Kitlenin zorunlu bir zamanı vardı. manevi anlam belirli bir olayla ilişkilidir. Ancak kilise takvimi ne olursa olsun, Ayin zorunlu kısımlardan oluşuyordu.

Üçüncü özellik, baskın rolün vokal türlerine ait olmasına rağmen enstrümantal müziğin önemli ölçüde artan önemidir. Artık enstrümantal müzik profesyonel hale geldi ve belirli bir enstrümana (enstrüman grubuna) odaklandı. Besteciler lavta, klavyeli çalgılar, viyol ve çeşitleri için eserler yazmışlardır.

Dördüncü özellik ise milli kompozisyon okullarının ortaya çıkması ve onaylanmasıdır. Her birinin kendine has özellikleri vardı, çok sayıda seçkin temsilci aday gösterdi ve ülkenin halk müziği sanatıyla ilişkilendirilen benzersiz özelliklere sahipti.

Beşinci özellik müzik teorisinin hızlı evrimidir. Bilim adamları, en önemli müzikal unsurların (melodi, uyum, çok seslilik) kavramlarını ve yasalarını geliştirmeye çalıştılar. Dolayısıyla Rönesans, kalkınmada bir dönüm noktası olarak Avrupa kültürü, müzik için radikal bir değişim zamanı olduğu ortaya çıktı.

2. Rönesans Aletleri.

Rönesans döneminde türlerin gelişimi, enstrümanların genişlemesine de katkıda bulundu. Büyük Avrupa ülkelerinde - İtalya, Hollanda, İngiltere, İspanya, Fransa - müzik enstrümanlarının üretimi için atölyeler hızla açıldı ve işler onlar için çok iyi gidiyordu.

Müzik aletlerinin kralı, uzun zamandır hem konsere hem de manevi alanlara hakim olan org olmuştur. Ancak zamanla durum değişmeye başladı ve telli ve telli çalgılar ön plana çıktı. Bunlar keman (modern keman ve viyolanın atası) ve Müslüman kültüründen ödünç alınan bir çalgı olan uddur. Bu enstrümanlar için rekor sayıda eser yazıldı. Lavta, vokal performansına mükemmel bir eşlik eden enstrümandı.

Diğer enstrümanlar da popülerdi. Nefesli çalgılar arasında bombarda ve şalmay vardı. Bombarda, modern fagotun habercisi olan bir bas enstrümanıdır. Sanatsal ifadeye elverişli olmayan (fagotun aksine) kaba bir tını ile karakterize edilir.

Shalmay, bombardımanın övünemeyeceği son derece yüksek bir ses ve çok geniş bir menzil ile ayırt edildi. Tören etkinliklerini veya dansları şal olmadan hayal etmek imkansızdı. Daha sonraki Barok dönemde şal uzun süre unutuldu.

Yukarıda belirtilen viyola ek olarak yaylı çalgılar grubu şunları içeriyordu: viola da gamba, viola da braccio ve bu enstrümanın diğer çeşitleri.

Viola da gamba çalmak bacaklardan destek anlamına gelir, dolayısıyla adı da buradan gelir (İtalyanca gamba - bacak). Birçok Rönesans bestecisi eserlerini bunu solo bir enstrüman olarak düşünerek yazdı. Buna göre viola da braccio elde tutulan bir çalgıdır. Her iki viyol da hem solo çalgı olarak hem de topluluk ve orkestralara katılan çalgılar olarak yaygın şekilde kullanıldı.

Yaygındı klavye aletleri: klavsen (ayrıca yaylı çalgılar grubuna aittir), klavikord, spinet (aynı zamanda klavye dizeleri grubuna da aittir), virginel.

Klavsen çok hoş ve özel bir tınıya sahiptir, ancak önemli dezavantajı sesi dinamik olarak değiştirememektir. Bu enstrümanın Barok dönemde Rönesans dönemine göre daha fazla gerçekleştirildiği ortaya çıktı.

Spinet bir tür klavsendir. Anavatanı diğer pek çok müzik aleti gibi İtalya'dır. Bu enstrüman bir konser enstrümanından çok bir ev enstrümanıydı. Birçok zengin hanımın evinde bir spinet vardı ve ona eşlik ederek şarkı söylüyor ya da onunla müzik çalıyordu.

Çeşitli klavsen ve virginel anlamına gelir. Bu enstrümanın adı ses özelliklerinin anahtarını içerir. Lat'tan türetilmiştir. Virginia (Başak), adı onun saf ve meleksi sesini ima ediyordu.

Müzik tarihinin en eski müzik enstrümanlarından biri olan klavikord, Rönesans döneminde de kullanılmıştır. Ana özellik Klavikord, üzerine vibrato çıkarma yeteneği olarak adlandırılabilir. Klavikord hem profesyonel müzisyenler hem de amatörler tarafından büyük saygı görüyordu. Klavyeli çalgılarla çalınan müziğe klavye müziği adı verildi ve büyük katkıİngilizler gelişmesine katkıda bulundu.

Bu nedenle, enstrüman yelpazesi oldukça zengin ve çeşitliydi; bu, müziğin ve kompozisyon sanatının tam teşekküllü tür gelişimini gösteriyordu. Ayrıca her enstrümanın kendi virtüöz icracılarının olduğunu da belirtmek gerekir.

3. Rönesans'ın okulları ve bestecileri.

Rönesans döneminde en gelişmiş ülkelerde kurulmuş birkaç büyük kompozisyon okulu vardı. Altı ana okul vardır: İtalyanca, Felemenkçe, İngilizce, Fransızca, Almanca ve İspanyolca. Bunların başında Hollanda Okulu geliyordu. Profesyonel bir müzik eğitimi sistemi geliştirmiş olması dikkat çekicidir. Geleceğin bestecileri metriz okullarında eğitildi Katolik kiliseleri. Hollanda müziği metriz'e çok şey borçlu çünkü... bu kurumların mezunları seçkin besteciler haline geldi.

Bu okulun bestecileri bir dizi türe yöneldi. Her şeyden önce bu bir kitle (çok parçalı polifonik), şarkılar ve motetlerdir. Çok sesli şarkılar tercih edildi. Motets topluluklar için bestelendi. Ayrıca laik müziğin manevi müzik üzerindeki zaferinin bir tür sembolü olan chanson ve madrigal gibi türlere de yöneldiler.

Hollanda okulunun değeri, çok sesli koro şarkılarıyla ilgili müzik mirasının genelleştirilmesidir. Ayrıca burada geliştirildi ve kuruldu klasik türler Yukarıda bahsedilen, çokseslilik yasalarını oluşturdu.

Hollanda ekolü birçok besteciyle gurur duyabilir. Bunlar arasında J. Okeghem, G. Dufay, J. Depres, J. Obrecht, J.P. Şişme ve diğerleri. Her biri sadece muhteşem müzikler yazmakla kalmadı, aynı zamanda müzik sanatı teorisinin gelişmesine de katkıda bulundu. G. Dufay ulusal çoksesliliğin temelini attı; J. Obrecht müziği zenginleştirdi halk melodileri; Evet. Şişme bir org çalma okulu yarattı.

İtalyan ekolü de haklı olarak çok güçlü ve aynı zamanda çok yönlü görülüyordu, çünkü aralarında iki tanesinin öne çıktığı bir dizi ulusal okuldan oluşuyordu: Roma ve Venedik.

Roma okulunun başkanı, Sistine Şapeli'nde görev yapan J. P. Palestrina idi. Faaliyetleri yazdığı müziğin manevi yönelimini belirledi. Kitle'nin yöneldiği ana tür olduğu ortaya çıktı. Ancak o dönemin diğer yaygın türlerinde de eserler besteledi. J.P. Palestrina, terk etmek istedikleri kilise müziğindeki polifoniyi savunmayı başardı ve onun yerine hep birlikte şarkı söylemeyi (Gregoryen ilahisi) koymak istedi. Bu okulun diğer önde gelen bestecileri F. Anerio, G. Iannacconi ve diğerleriydi. Roma okulu enstrümantal kilise müziğine odaklanmıştı.

Venedik okulu Hollandalı besteci A. Willaert'in faaliyetleri sayesinde kuruldu. Aynı zamanda C. Monteverdi, C. Merulo, G. Bassano gibi bestecileri de içeriyordu. Bunlar ve diğer temsilciler isteyerek sadece enstrümantal değil, aynı zamanda vokal müziği de incelediler. Deneylere yatkın olarak yeni bir müzik tarzı yarattılar - konçerto. Venedik kompozisyon okulu bunun yolunu hazırladı en önemli aşama müzikte - barok.

İngiliz kompozisyon ekolü, ülkenin müzik gelenekleri tarafından tercih edilen vokal polifonisine dayanıyordu. İngiltere, Bachelor of Arts'ı uygulamaya koyan ilk ülke oldu. Rönesans sırasında bazı besteciler dünyevi müzik sanatını kilise vokal sanatıyla karşılaştırmaya başladı. Bestecinin en sevdiği türlerden biri madrigaldi. Rönesans döneminde İngiltere'de gelişen müzik sanatının diğer Avrupa ülkelerindeki kadar çeşitli ve canlı olmadığını belirtelim.

Fransız okulu en eşsiz okullardan biridir. Burada şarkı sanatı kendi kanunlarına göre gelişti ve “chanson” olarak adlandırıldı. Tabii ki bu şekilde yorumlanamaz. modern anlamda. O zamanlar kiliseyle bağlantısı olmayan çok sesli bir eserdi ve İncil temaları. Ancak o zaman bile chanson'da halk müziği ve dans ritimleriyle bağlantı fark ediliyordu.

Bu türde çok sayıda eser yazan besteci K. Janequin, özellikle bu türde kendini açıkça göstermiştir. Ayrıca diğer türlere de yöneldi - kitleler, motetler vb.

Rönesans döneminde Almanya'da profesyonel personel, genellikle katedrallerde ve mahkemelerde bulunan şapellerde dövülüyordu; ve ayrıca yaratıcı dernekler burghers arasında şekillendi. Alman bestecilerçokseslilikte yetenekli olduklarını kanıtlamışlar ve aralarında pek çok büyük usta da varmış ancak bu konuda ne Hollanda'yı ne de İtalya'yı yakalayamadılar. Alman okulunun zaferi henüz gelmemişti.

Alman müzik sanatının dikkate değer bir fenomeni, Minnesang'ın yerini alan Meistersang'dı. Burjuva ortamından yetişen profesyonel şair-şarkıcıların faaliyetlerine verilen isimdir. Ancak profesyonel olmalarına rağmen estetik referans noktaları selefleri Minnesinger'ların çalışmalarıydı.

İspanya'da müzik sanatı, Rönesans döneminde bile Katolik Kilisesi'nin diktatörlüğünden kurtulamadı. İspanya'nın önde gelen bestecilerinin tümü kilise hizmetlerindeydi ve çok sesli olanlar da dahil olmak üzere eserleri yerleşik gelenekler tarafından kısıtlanıyordu. Aynı zamanda Hollanda ve İtalya'nın getirdiği yenilikleri benimsemekten kendilerini alamadılar, bu nedenle büyük bestecilerin çalışmalarında sınırların ötesine geçme girişimleri hala hissediliyor.

Rönesans İspanya'sında manevi çokseslilik, şarkı türü (villancicos) ve motetler gibi türler geliştirildi. İspanyol müziği benzersiz melodik kalitesiyle öne çıkıyordu ve Villancicos bunun en önemli örneğidir. Genel olarak, gelişimdeki yaklaşık genel eğilimlere rağmen, okulların her birinin kendi ulusal rengi vardı.

4. Rönesans döneminde müzisyenler ve eserleri.

Motet, madrigal ve mass, Rönesans'ın en önemli üç türüydü. Bu nedenle en önemli müzisyenlerin isimleri onlarla ilişkilendirilmektedir. Giovanni Pierluigi da Palestrina'nın adı İtalyan müzik sanatında yüksek sesle yankılanıyor. Hayatı boyunca kilise müziği alanında çalışmış, yaratıcılığıyla günümüzde hala yaygın olan capella gibi bir tarzın oluşmasına katkıda bulunmuştur. G. Palestrino'nun en ünlü eserleri arasında "Papa Marcello'nun Ayini" yer almaktadır. Karmaşıklığına rağmen bu eser, aslında bestecinin üslubunun temel özellikleri olan açıklık, saflık ve uyumla doludur.

Bir başka İtalyan olan Gesualdo di Venosa da son derece üretken bir bestecidir. Yazdığı madrigallerin sayısı altı kitaptı. Yazar, bir kişinin karmaşık iç dünyasını keşfetmek ve duygularını yansıtmak için müziği kullanmaya çalıştı. G. di Venosa'nın birçok madrigal'i giyiliyor trajik karakter. Anlatım ve incelik bu bestecinin müziğinin temel özellikleridir.

Orlando di Lasso (Hollanda) Rönesans'ın bir başka büyük temsilcisidir. Pek çok eser yazmıştır ancak en çarpıcı başarılarından biri akustik efektlerin taklit edildiği madrigal “Echo”dur. O. di Lasso, müziğinde döneminin dansını, şarkısını ve hatta gündelik özelliklerini aktarmayı başardı.

İngiliz müziğinin en parlak temsilcisi, ulusal çoksesliliğin gelişimine büyük katkı sağlayan John Dunstable'dı. Popüler hale gelen çok sayıda kitlenin, motetin ve şarkının yazarıdır. Yazdığı eserlerin tamamı günümüze ulaşamamıştır, ancak olanlar onun yaratıcı ve üretken bir besteci olduğuna tanıklık etmektedir.

İngiliz vokal müziği Thomas Morley ve John Dowland'ın isimleriyle gurur duyabilir. İkincisinin çalışması William Shakespeare'in kendisini memnun etti. Büyük oyun yazarının oyun müziklerinin yazarının J. Dowland olduğu varsayılmaktadır. Besteci lavta ve ses için müzik besteledi; çalışmalarında trajik bir yönü tercih etti, ancak yine de mizahi şarkılarından biri olan “Bir Hanımın Güzel Numaraları” çok popüler oldu.

T. Morley (öğrencisi ünlü William Byrd'dü) tüm yaratıcılığıyla madrigallerin İtalyan besteciler tarafından tanıtılmasına ve popülerleşmesine katkıda bulundu. Kendisinin bu türde müzik bestelemesi oldukça doğaldı. En çok biri ünlü şarkılar- “Sevgili ve kız arkadaşı sadeliği ve samimiyetiyle izleyiciyi büyülüyor.

Cristobal de Morales İspanyol müziğine ün kazandırdı. Çalışmaları tamamen ulusal İspanyol geleneklerini ve başarılarını birleştiriyor en iyi bestecilerİtalya ve Hollanda. Bu senteze dayanarak birçok kitle ve motet yarattı.

Önde gelen İspanyol bestecilerden biri, yalnızca müzik bestelemekle kalmayıp aynı zamanda şarkı söyleme ve org çalma sanatında da ustalaşan Tomas Luis de Victoria'dır. Manevi yönelime sahip çok sesli eserler yazdı.

Pek çok Fransız usta arasında, chanson'u uygun seviyeye yükselten Clement Janequin'in adı öne çıkıyor. Şarkıları çok çeşitli temalar, melodiler, müzikal düşünceler ve ses taklitlerinden oluşuyor. Her şarkının adını müzik aracılığıyla aktarmaya çalıştı.

Alman müziğinden bahsedecek olursak burada öncelikle orgcu ve besteci Heinrich Schütz öne çıkıyor. Alman besteciler arasında opera yazan ilk kişiydi. Mitolojik bir konu üzerine bir denemeydi; Operanın adı Daphne'ydi. G. Schutz ayrıca eski bir Yunan hikayesi olan “Orpheus ve Eurydice” e dayanan bir opera-bale yazdı. Daha küçük türlerde birçok eserin yazarıdır.

Kalkınmada büyük rol Alman müziği Hıristiyan ilahiyatçı Martin Luther bu alanda reformu teşvik ediyor. Hizmete mümkün olduğu kadar çok cemaatçiyi çekme arzusu nedeniyle, kutsal vokal müziği için yeni gereksinimler oluşturdu. Böylece, Rönesans döneminde Almanya'nın müzik sanatında önde gelen tür haline gelen Protestan korali doğdu (burada elbette seküler türleri kastetmiyoruz).

Dolayısıyla Rönesans'ın müzik mirası hem olaylar, türler, enstrümanlar, eserler hem de isimler açısından son derece zengindir.

5. Sonuç.

Dolayısıyla, yukarıdakilerin tümü bir takım sonuçlar çıkarmamıza izin veriyor. Müzikal açıdan en güçlü ülkeler Hollanda (başlangıçta) ve İtalya (sonda) idi. Diğer ülkelerdeki müzik sürecini etkileyen gelenekler orada doğdu.

Müzikal sınırlar genişledi. Bu, hem Avrupa'yı dolaşan, farklı ülkelerde, farklı, bazen zıt türlerde yaşayıp çalışabilen müzisyenleri hem de müziğin kendisini ilgilendiriyordu. Halk sanatı her zaman canlı olduğundan, yalnızca kilise temelli olmaktan çıktı (profesyonel sanattan bahsediyoruz).

Manevi alanın ötesine geçen müzik, günlük yaşam toplumun geniş kesimlerinin erişimine açıldı. Dili insanlara erişilebilir hale geldi. Müzik aynı zamanda yaratıcılarının bireyselliğinin hissedildiği bir sanat haline geldi.

Olduğu gibi eski zamanlar müzik haline geldi ayrılmaz parça Orta Çağ'ın karanlık zamanlarından sonra Avrupalıların boş zamanlarında yeniden yerini kazanan tatiller ve özel etkinlikler.

Rönesans toplumu, hayatını eğlendikleri, şarkı söyleyip dans ettikleri ve tiyatro gösterileri yaptıkları bir dizi çeşitli tatille doldurdu. Ve müzik her yerde vazgeçilmez ve yeri doldurulamaz bir vasıftı.

Elbette müziğin tümüyle laikleştiği söylenemez. Bu tamamen yanlış olurdu. Daha önce olduğu gibi kilise müziğine en yakın ilgi gösterildi. Besteciler, insan seslerinin nefesli çalgıların parçalarıyla desteklendiği görkemli çok sesli vokal-enstrümantal eserler yazdılar. Ve bazı ülkelerde (örneğin Almanya'da) kilise müziğini basitleştirme eğilimi olmasına rağmen, kutsal müzik çoğunlukla görkemli ve karmaşık kaldı.

Rönesans döneminde müzik kültürü önemli bir yenilenme yaşadı. Bu, hem enstrümanları hem de teorik disiplinlerdeki yeni başarıları ve müzik basımının gelişimini ilgilendiriyordu.

Ancak Rönesans'ın tüm faaliyet alanlarındaki en önemli başarısı, insan kişiliğinin onaylanması, ona olan ilgi, zengin iç dünyasının mevcut tüm sanatsal araçlarla ifşa edilmesidir.

6. Referansların listesi.

1. Alekseev A.D. Piyano sanatının tarihi. İki bölüm halinde/M.S. Alekseev. - M.: Müzik, 1988. - 415 s.

2. Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. Rönesans Müziği. Cantus prius factus ve onunla çalışmak/Yu.K. Evdokimova, N.A. Simakova. - M.: Müzik, 1982. - 240 s.

3. Livanova T.N. 1789'a kadar Batı Avrupa müziğinin tarihi: 2 kitapta. Ed. 2., revize edildi Kitap 1: Antik Çağ'dan 18. yüzyıla/T.N. Livanova. - M.: Müzik, 1986. - 378 s.

4. Rosenshield K.K. Yabancı müziğin tarihi/K.K. Rosenschild. - M.: Müzik, 1978. - 445 s.

Rönesans'ın müzikal tarafı sorunu oldukça karmaşıktır. O zamanın müziğinde, Orta Çağ'a kıyasla yeni, temelde farklı unsurları ve eğilimleri tanımlamak, sanatın diğer alanlarına - resim, heykel, mimari, sanatsal el sanatları vb. - göre daha zordur. Gerçek şu ki, müzik hem Orta Çağ'da hem de Rönesans boyunca farklı karakterini korudu. Kilise manevi müziği ile dünyevi besteler, şarkılar ve danslar arasında açık bir ayrım vardı. Ancak Rönesans müziği Önceki başarılarla yakından ilişkili olmasına rağmen kendine özgü bir karaktere sahiptir.

Rönesans'ın müzik kültürü

15.-16. yüzyılların müzik çağını kapsayan Rönesans müziğinin bir özelliği, aynı zamanda çeşitli ulusal okulların birleşimidir. genel eğilim gelişim. Uzmanlar, İtalyan müziği yönünde ruh hali döneminin karakteristik ilk unsurlarını tespit ediyor. Üstelik Rönesans'ın anavatanında 14. yüzyılın sonlarında “yeni müzik” ortaya çıkmaya başladı. Rönesans tarzının özellikleri, 15. yüzyılın ortalarından itibaren Hollanda müzik okulunda en açık şekilde kendini gösterdi. Hollanda müziğinin bir özelliği, uygun enstrümantal eşliğinde vokal kompozisyonlara olan ilginin artmasıydı. Dahası, vokal polifonik kompozisyonlar hem Hollanda okulunun kilise müziğinin hem de onun laik yönünün karakteristiğiydi.

Hollanda okulunun Rönesans'ın geri kalan Avrupa müzik gelenekleri üzerinde ciddi bir etkiye sahip olması karakteristiktir.

Böylece 16. yüzyılda Fransa, Almanya ve İngiltere'ye yayıldı. Dahası, Hollanda tarzındaki laik vokal besteler farklı dillerde icra edildi: örneğin, müzik tarihçileri bu şarkılarda geleneksel Fransız şansonunun kökenlerini görüyorlar. Rönesans'ın tüm Avrupa müziği, görünüşte çok yönlü iki eğilimle karakterize edilir. Bunlardan biri, bestelerin net bir şekilde bireyselleştirilmesine yol açtı: laik eserlerde yazarın kökeni giderek daha görünür hale geliyor, belirli bir bestecinin daha kişisel sözleri, deneyimleri ve duyguları ortaya çıkıyor.

Başka bir eğilim, müzik teorisinin giderek sistemleştirilmesinde yansıdı. Hem kilise hem de laik eserler giderek daha karmaşık hale geldi, müzikal çokseslilik gelişti ve gelişti. Her şeyden önce, kilise müziğinde oluşum, armonik diziler, sesli yönlendirme ve benzerleri için net kurallar hazırlandı.

Rönesans'ın teorisyenleri mi yoksa bestecileri mi?

Rönesans sırasında müziğin gelişiminin bu karmaşık doğasıyla bağlantılı olarak, o zamanın önde gelen müzik figürlerinin besteci, teorisyen veya bilim adamı olarak kabul edilip edilmeyeceği konusunda şu anda tartışmaların olduğu bir gerçektir. O zamanlar net bir "işbölümü" yoktu, dolayısıyla müzisyenler çeşitli işlevleri birleştiriyordu. Dolayısıyla 16. yüzyılın ilk yarısında yaşayan ve çalışan İsviçreli Glarean daha çok bir teorisyendi. Önemli katkılarda bulundu müzik teorisi majör, minör gibi kavramların tanıtılmasına temel oluşturur. Aynı zamanda müziği bir zevk kaynağı olarak görmüş, yani onun laik doğasını savunmuş, aslında Orta Çağ'da müziğin dinsel yönde gelişmesini reddetmiştir. Ayrıca Glarean, müziği yalnızca şiirle ayrılmaz bir bağlantı içinde gördü, bu nedenle şarkı türlerine büyük önem verdi.

Yaratıcı faaliyeti 16. yüzyılın ikinci çeyreğinde - 16. yüzyılın sonunda - ortaya çıkan İtalyan Josephfo Zarlino, yukarıda sunulan teorik gelişmeleri büyük ölçüde geliştirdi ve tamamladı. Özellikle, ilk önce zaten formüle edilmiş olan majör ve minör kavramlarını kişinin duygusal ruh hali ile ilişkilendirmeyi, minörü melankoli ve üzüntüyle, majörü ise sevinç ve yüce duygularla ilişkilendirmeyi önerdi. Ayrıca Zarlino, eski müzik yorumlama geleneğini sürdürdü: Ona göre müzik, evrenin var olması gereken uyumun somut bir ifadesiydi. Sonuç olarak müzik, ona göre yaratıcı dehanın en yüksek tezahürü ve sanatların en önemlisiydi.

Rönesans müziği nereden geldi?

Teori teoridir, ancak pratikte müzik enstrümanlar olmadan düşünülemez - elbette onların yardımıyla Rönesans'ın müzik sanatı hayata geçirildi. Önceki ortaçağ müzik döneminden Rönesans'a "göç eden" ana enstrüman orgdu. Bu klavyeli üflemeli çalgı kilise müziğinde aktif olarak kullanılmış ve Rönesans müziğinde kutsal bestelerin en önemli yeri verildiğinde orgun önemi korunmuştur. Her ne kadar genel olarak bu çalgının "özgül ağırlığı" azalmış olsa da, yaylı ve telli çalgılar başı çekmiştir. Ancak org, daha yüksek ve daha laik bir sese sahip olan klavyeli enstrümanlar arasında ayrı bir yönün başlangıcını işaret ediyordu. Bunlardan en yaygın olanı klavsendi.

Dizelerde Eğik aletler Tamamen ayrı bir aile ortaya çıktı - viyolalar. Kemanlar biçim ve işlev bakımından modern keman çalgılarına (keman, viyola, çello) benzeyen çalgılardı. Keman ailesi ile keman ailesi arasında büyük ihtimalle aile bağları vardır ancak viyollerin kendine has özellikleri vardır. Kadifemsi bir renk tonuna sahip, çok daha belirgin bir bireysel “sesleri” var. Viyollerin eşit sayıda ana ve rezonans telleri vardır, bu yüzden çok titizdirler ve akort edilmeleri zordur. Bu nedenle viyoller hemen hemen her zaman solo bir çalgıdır; bir orkestrada bunların uyumlu kullanımını sağlamak nadiren mümkündür.

Telli çalgılara gelince, Rönesans döneminde bunların arasında en önemli yeri 15. yüzyılda Avrupa'da ortaya çıkan lavta almıştır. Lavta vardı doğu kökenli ve özel bir cihazı vardı. Hem parmaklarla hem de özel bir plaka yardımıyla (modern bir arabulucuya benzer) seslerin üretilebildiği enstrüman, Eski Dünya'da çok hızlı bir şekilde popülerlik kazandı.

Alexander Babitsky

Rönesans'ın müzik kültüründe birçok tanımlayıcı yenilikçi özellik tanımlanabilir.

Birincisi, birçok seküler şarkı ve dans türünün yaygınlaşmasıyla ifade edilen seküler sanatın hızlı gelişimi. Bunlar İtalyanFrottola (“halk şarkıları, kelimeler frottola - kalabalık), villaneller (“köy şarkıları”),kakcia , kan bölgesi (kelimenin tam anlamıyla - şarkılar) ve madrigaller, İspanyolcaVillancico (villadan - köyden), Fransızca şarkılar chanson, almancaYalan söyledi , İngilizce baladlar ve diğerleri. Varoluş sevincini yücelten tüm bu türler ilgi çekicidir. iç dünya hayatın gerçeği için çabalayan insanlar doğrudan tamamen Rönesans dünya görüşünü yansıtıyordu. İfade araçları, geniş bir tonlama ve ritim kullanımıyla karakterize edilir. halk müziği.

Rönesans sanatında laik çizginin doruk noktası -madrigal . Türün adı “ana dilde (yani İtalyanca) şarkı” anlamına gelir. Latince icra edilen madrigal müzik ile kutsal müzik arasındaki farkı vurgulamaktadır. Türün gelişimi, basit bir tek sesli çoban şarkısından, sofistike bir lirik metne sahip 5-6 sesli bir vokal-enstrümantal parçaya doğru ilerledi. Madrigal türüne yönelen şairler arasında Petrarch, Boccaccio, Tasso yer alıyor. Madrigalin dikkat çekici ustaları besteciler A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi idi. İtalya'da ortaya çıkan madrigal hızla diğer Batı ülkelerine yayıldı. Avrupa ülkeleri.

Fransızların çok sesli şarkı türüne ne ad verilir?şanson . Gerçek, günlük hayata, yani tür doğasına daha yakın olmasıyla madrigalden ayrılır. Chanson'un yaratıcıları arasında -Clément Jeannequin Rönesans'ın en ünlü Fransız bestecilerinden biri.

İkincisi, önde gelen koro polifonisinin en yüksek çiçeklenmesi müzik tarzıçağ. Görkemli ve gürültülü, kilise hizmetinin ciddiyetine mükemmel bir şekilde uyuyordu. Aynı zamanda çoksesli çokseslilik, yalnızca ruhani türlerde değil, seküler türlerde de baskın ifade biçimiydi.

Koro polifonisinin gelişimi, her şeyden önce Hollanda (Fransız-Flaman) okulunun bestecilerinin çalışmalarıyla ilişkilendirildi: Guillaume Dufay, Johannes Ockeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Kement (yaklaşık 1532-1594) birçok Avrupa ülkesinde çalıştı. Gerçekten olağanüstü olan yeteneği herkesi büyüledi ve memnun etti. Orlando Lasso'nun engin yaratıcılığında herkes temsil ediliyor müzik türleri Rönesans (laik müziğin kutsala üstünlüğüyle). En popüler eserleri arasında İtalyan gündelik şarkısı tarzında yazılmış “Echo” yer alıyor. Çalışma, iki koronun yankı etkisi yaratacak şekilde renkli bir şekilde yan yana gelmesine dayanıyor. Metni bestecinin kendisine aittir.

Orlando Lasso ile birlikte Yüksek Rönesans'ın müzikteki en büyük temsilcisi İtalyan müzisyendi.Filistin (tam adı Giovanni Pierluigi da Palestrina, yaklaşık 1525-1594). Palestrina'nın hayatının çoğu, sürekli olarak kilisedeki çalışmalarla ilişkilendirildiği Roma'da geçti, özellikle St.Petersburg Katedrali'nin şapeline başkanlık etti. Petra. Müziğinin büyük bir kısmı kutsal eserler, öncelikle kitleler (bunlardan yüzden fazlası var, aralarında ünlü "Papa Marcello Ayini" öne çıkıyor) ve motetler. Bununla birlikte, Palestrina aynı zamanda isteyerek laik müzik de besteledi - madrigaller, canzonettalar. Palestrina'nın sarre korosu için çalışmalarıllaRönesans çoksesliliğinin klasik bir örneği haline geldi.

Çok sesli bestecilerin çalışmaları, Rönesans'ın ana müzik türünün gelişiminde öncü bir rol oynadı -kitleler . Orta Çağ'da ortaya çıkan kitle türüXIV- XVIyüzyıllar boyunca, ayrı, farklı parçalar halinde sunulan örneklerden uyumlu bir döngüsel forma sahip çalışmalara geçerek hızla dönüşüyor.

Kilise takvimine bağlı olarak Ayin müziğinin bazı kısımları çıkarılmış ve diğer kısımları eklenmiştir. Kilise hizmetlerinde sürekli olarak mevcut olan beş zorunlu bölüm vardır. İÇİNDEBEN Ve V - « Kyrieeleison» (“Rab merhamet etsin”) ve« AgnusDei» (« Tanrı Kuzusu") - bağışlanma ve bağışlanma talebi dile getirildi. İçindeII Ve IV - « Gloria"("Zafer") ve " kutsal» (« Kutsal") - övgü ve şükran. Orta kısımda"İnanç» (« İnanıyorum"), Hıristiyan doktrininin temel ilkelerini ortaya koydu.

Üçüncüsü, enstrümantal müziğin artan rolü (vokal türlerinin açık bir hakimiyetiyle). Avrupa Orta Çağları neredeyse hiç profesyonel enstrümantalizm bilmiyorsa, Rönesans'ta ud (o zamanın en yaygın müzik enstrümanı), org, viyol, vihuela, virginal için birçok eser yaratıldı. boyuna flüt. Halen vokal kalıplarını takip ediyorlar ancak enstrümantal çalmaya olan ilgileri zaten belirlenmiş durumda.

Dördüncüsü, Rönesans sırasında, yaratıcılıkları ülkelerinin folkloruna dayanan aktif bir ulusal müzik okulları oluşumu (Hollandalı çoksesliler, İngiliz bakireciler, İspanyol vihuelistler ve diğerleri) vardı.

Son olarak müzik teorisi, çok sayıda dikkat çekici teorisyeni öne çıkararak büyük ilerlemeler kaydetti. Bu FransızcaPhilippe de Vitry , incelemenin yazarı " Arsnova» (« Yeni çok sesli üslup için teorik bir gerekçenin verildiği Yeni Sanat”); İtalyanJosephfo Zarlino armoni biliminin yaratıcılarından biri; İsviçreGlarean melodi doktrininin kurucusu.

Tarihçi Jules Michelet, “Rönesans” kavramını ilk kez 19. yüzyılda kullanmıştır. Makalede tartışılan müzisyenler ve besteciler, 14. yüzyılda başlayan, kilisenin ortaçağ hakimiyetinin yerini insana olan ilgisiyle laik kültürün aldığı döneme aitti.

Rönesans müziği

Avrupa ülkeleri farklı zamanlarda yeni dönem. İtalya'da biraz daha erken ortaya çıktılar, ancak müzik kültürüne, geleceğin bestecilerini yetiştirmek için ilk kez katedrallerde özel ölçülerin (barınaklar) oluşturulduğu Hollanda okulu hakim oldu. O zamanın ana türleri tabloda sunulmaktadır:

Hollanda'nın en önemli Rönesans sanatçıları Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres'tir.

Büyük Hollandalılar

Johannes Ockeghem Notre-Dame (Anvers) manastırında eğitim gördü ve 15. yüzyılın 40'lı yıllarında Dük Charles I'in (Fransa) sarayında şapel şarkıcısı oldu. Daha sonra kraliyet sarayının şapeline başkanlık etti. İleri yaşlara kadar yaşamış, tüm türlerde büyük bir miras bırakmış ve kendisini seçkin bir çoksesli sanatçı olarak kanıtlamıştır. Chigi kodeksi adı verilen 13 kitlesinin el yazmaları bize ulaştı, bunlardan biri 8 sesle yazılmış. Sadece başkalarının melodilerini değil, kendisinin melodilerini de kullandı.

Orlando Kement 1532'de modern Belçika (Mons) topraklarında doğdu. Onun müzik yetenekleri erken çocukluk döneminde ortaya çıktı. Çocuk büyük bir müzisyen olmak için evinden üç kez kaçırıldı. Yetişkin yaşamının tamamını Bavyera'da geçirdi, burada Dük Albrecht V'in sarayında tenor olarak sahne aldı ve ardından şapele başkanlık etti. Son derece profesyonel ekibi Münih'in dönüşümüne katkıda bulundu. müzik merkezi Rönesans'ın birçok ünlü bestecisinin ziyaret ettiği Avrupa.

Johann Eckard, Leonard Lechner, İtalyan D. Gabrieli gibi yetenekler onunla çalışmaya geldi . Son sığınağını 1594'te Münih kilisesinin topraklarında buldu ve geride muazzam bir miras bıraktı: 750'den fazla motet, 60 ayin ve aralarında en popüler olanı Susanne un jour olan yüzlerce şarkı. Onun motetleri (“Sibillerin Kehanetleri”) yenilikleriyle öne çıkıyordu, ama aynı zamanda dünyevi müzik, çok fazla mizah vardı (villanella O bella fusa).

İtalyan okulu

İtalya'nın önde gelen Rönesans bestecileri, geleneksel tarzlara ek olarak, enstrümantal müziği (org, yaylı çalgılar, klaviyer) aktif olarak geliştirdiler. En yaygın enstrüman lavtaydı ve 15. yüzyılın sonunda piyanonun atası olan klavsen ortaya çıktı. Halk müziği unsurlarına dayanarak iki etkili kompozisyon okulu gelişti: Roma (Giovanni Palestrina) ve Venedik (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi adını aldı Filistin doğduğu ve görev yaptığı Roma yakınlarındaki kasabanın adından sonra ana kilise koro şefi ve orgcu. Doğum tarihi yaklaşık olmakla birlikte 1594 yılında vefat etmiştir. Uzun yaşamı boyunca 100'e yakın kitle ve 200'e yakın motet yazdı. Onun "Papa Marcellus Ayini" Papa Pius IV'ün hayranlığını uyandırdı ve Katolik kutsal müziğinin bir örneği oldu. Giovanni, müzik eşliğinde vokal olmadan şarkı söylemenin en önde gelen temsilcisidir.

Andrea GabrieliÖğrencisi ve yeğeni Giovanni ile birlikte Aziz Mark Şapeli'nde (XVI. Yüzyıl) çalıştı ve koronun şarkılarını org ve diğer enstrümanların sesiyle "renklendirdi". Venedik okulu daha çok dünyevi müziğe yöneldi ve Sofokles'in Oedipus'unun Andrea Gabrieli tarafından tiyatro sahnesinde prodüksiyonu sırasında, koro çoksesliliğinin bir örneği ve gelecekteki opera sanatının habercisi olan koro müziği yazıldı.

Alman okulunun özellikleri

Alman devleti öne çıktı Ludwig Senfl 16. yüzyılın en iyi çoksesli sanatçısı, ancak Hollandalı ustaların seviyesine ulaşamadı. Zanaatkarlar (Meistersingers) arasından şair-şarkıcıların şarkıları da özel müzik Rönesans. Alman besteciler şarkı söyleyen şirketleri temsil ediyordu: kalaycılar, ayakkabıcılar, dokumacılar. Bölgelere göre birleştiler. Nürnberg şarkı söyleme okulunun seçkin bir temsilcisi Hans Sachs(yaşam yılı: 1494-1576).

Bir terzinin ailesinde doğmuş, hayatı boyunca ayakkabıcı olarak çalışmış, bilgililiği, müzik ve edebiyata olan ilgisiyle etkileyiciydi. İncil'i büyük reformcu Luther'in yorumladığı şekliyle okudu, eski şairleri tanıdı ve Boccaccio'yu takdir etti. Bir halk müzisyeni olan Sax, çok seslilik formlarında ustalaşmadı, ancak şarkı türünde melodiler yarattı. Dansa yakındı, hatırlanması kolaydı ve belli bir ritimleri vardı. En ünlü eseri "Gümüş İlahi" idi.

Rönesans: Fransa'nın müzisyenleri ve bestecileri

Fransa'nın müzik kültürü, ancak 16. yüzyılda ülkede sosyal zeminin hazırlandığı gerçek bir rönesans yaşadı.

En iyi temsilcilerden biri Clément Janequin. Chatellerault'da (15. yüzyılın sonlarında) doğduğu ve erkek şarkıcılıktan kralın kişisel bestecisine dönüştüğü biliniyor. Yaratıcı mirasından yalnızca Attenian'ın yayınladığı laik şarkılar hayatta kaldı. Bunlardan 260 tane var, ancak asıl şöhret, zamana direnebilenler tarafından kazanılıyor: "Kuş Şarkısı", "Av", "Lark", "Savaş", "Paris'in Çığlıkları". Sürekli olarak yeniden yayınlandılar ve diğer yazarlar tarafından revizyon için kullanıldılar.

Şarkıları çok sesliydi ve koro sahnelerini andırıyordu; burada onomatopoeia ve cantilena vokallerine ek olarak, eserin dinamiklerinden sorumlu ünlemler de vardı. Bu, yeni görselleştirme teknikleri bulmaya yönelik cesur bir girişimdi.

Arasında ünlü besteciler Fransa - Guillaume Cotlet, Jacques Mauduit, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , müziğe uyumlu bir yapı kazandırmak, müziğin toplum tarafından özümsenmesine katkı sağladı.

Rönesans Bestecileri: İngiltere

İngiltere'de 15. yüzyıl eserlerinden etkilenmiştir. John Dubstyle ve XVI - William Kuş. Her iki usta da kutsal müziğe yöneldi. Bird, Lincoln Katedrali'nde orgcu olarak başladı ve kariyerine Londra'daki Chapel Royal'de son verdi. İlk defa müzik ve girişimciliği birleştirmeyi başardı. Besteci, 1575 yılında Tallis ile işbirliği yaparak yayında tekelci oldu. müzik eserleri, bu ona kâr getirmedi. Ancak mülkiyet hakkımı mahkemelerde savunmak çok zaman aldı. Ölümünden sonra (1623) şapelin resmi belgelerinde “müziğin kurucusu” olarak anılıyordu.

Rönesans geride ne bıraktı? Bird, yayınlanmış koleksiyonlara (Cantiones Sacrae, Gradualia) ek olarak, yalnızca evde ibadete uygun olduğunu düşünerek birçok el yazmasını korumuştur. Daha sonra yayınlanan Madrigaller (Musica Transalpina), İtalyan yazarların büyük etkisini gösterdi, ancak kutsal müziğin altın fonuna birkaç kitle ve motet dahil edildi.

İspanya: Cristobal de Morales

İspanyol müzik okulunun en iyi temsilcileri, papalık şapelinde sahne alarak Vatikan'dan geçti. Hollandalı ve İtalyan yazarların etkisini hissettiler, bu yüzden sadece birkaçı ülkeleri dışında ünlü olmayı başardı. İspanya'nın Rönesans bestecileri, koro eserleri yaratan çoksesli sanatçılardı. En önemli temsilci ise Cristobal de Morales(XVI. Yüzyıl), Toledo'daki metrizaya başkanlık eden ve birden fazla öğrenci yetiştiren. Josquin Despres'in takipçisi olan Cristobal, bir dizi esere homofonik adı verilen özel bir teknik kattı.

Yazarın iki isteği (sonuncusu beş sesli) ve "Silahlı Adam" kitlesi en ünlüsü oldu. Ayrıca dünyevi eserler de yazdı (1538'de imzalanan barış anlaşmasının şerefine bir kantat), ancak bu onun daha önceki çalışmalarına atıfta bulunuyor. Hayatının sonunda Malaga'daki şapele başkanlık ederek kutsal müziğin yazarı olarak kaldı.

Bir sonuç yerine

Rönesans bestecileri ve eserleri, 17. yüzyılın enstrümantal müziğinin gelişmesini ve birçok sesin karmaşıklığının yerini ana melodiyi yönlendiren birinin önceliğinin aldığı yeni bir türün - operanın ortaya çıkışını hazırladı. Müzik kültürünün gelişmesinde gerçek bir atılım yaptılar ve modern sanatın temellerini attılar.

Rönesans, veya Rönesans(Fransız rönesansı) - Avrupa halklarının kültürel tarihinde bir dönüm noktası. İtalya'da, XIII-XIV yüzyılların başında, diğer Avrupa ülkelerinde - XV-XVI yüzyıllarda yeni eğilimler ortaya çıktı. Rönesans figürleri insanı - onun iyiliğini ve özgür kişisel gelişim hakkını - en yüksek değer olarak kabul etti. Bu dünya görüşüne “hümanizm” denir (Latince humanus'tan - “insan”, “insancıl”). Hümanistler antik çağda uyumlu bir insan idealini aradılar ve antik Yunan ve Roma sanatı onlara sanatsal yaratıcılık için bir model olarak hizmet etti. "Yeniden canlanma" arzusu antik kültür adını bütün bir döneme verdi - Rönesans, Orta Çağ ile Yeni Çağ arasındaki dönem (17. yüzyılın ortasından günümüze kadar).

Rönesans'ın dünya görüşü en çok müzik de dahil olmak üzere sanata yansır. Bu dönemde Orta Çağ'da olduğu gibi lider yer Vokal kilise müziğine aitti. Polifoninin gelişimi, polifoninin ortaya çıkmasına yol açtı (Yunanca "polis" - "sayısız" ve "telefon" - "ses", "ses" kelimesinden). Bu tür çokseslilik ile eserdeki tüm sesler eşittir. Çokseslilik yalnızca çalışmayı karmaşıklaştırmakla kalmadı, aynı zamanda yazarın metinle ilgili kişisel anlayışını ifade etmesine olanak tanıdı ve müziğe daha fazla duygusallık kazandırdı. Çok sesli besteler katı ve karmaşık kurallara göre yaratılıyordu ve bestecinin derin bilgi ve virtüöz becerisini gerektiriyordu. Çokseslilik çerçevesinde kilise ve laik türler gelişti.

Hollanda Polifonik Okulu. Hollanda, kuzeybatı Avrupa'da modern Belçika, Hollanda, Lüksemburg ve Kuzeydoğu Fransa topraklarını içeren tarihi bir bölgedir. 15. yüzyıla gelindiğinde Hollanda yüksek bir ekonomik ve kültürel seviyeye ulaşmış ve müreffeh bir Avrupa ülkesi haline gelmiştir.

Rönesans müziğinin en büyük fenomenlerinden biri olan Hollanda çoksesli okulu burada ortaya çıktı. 15. yüzyılda sanatın gelişimi için farklı ülkelerden müzisyenler arasındaki iletişim ve yaratıcı okulların karşılıklı etkisi önemliydi. Hollanda okulu İtalya, Fransa, İngiltere ve Hollanda'nın geleneklerini özümsedi.

Öne çıkan temsilcileri: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (yaklaşık 1400 - 27.11.1474, Cambrai), Fransız-Flaman besteci, Hollanda okulunun kurucularından biri. Hollanda müziğinde çoksesli geleneğin temelleri Guillaume Dufay (1400 – 1474 civarı) tarafından atılmıştır. Flanders'ın (Hollanda'nın güneyinde bir eyalet) Cambrai şehrinde doğdu ve küçük yaşlardan itibaren bir kilise korosunda şarkı söyledi. Aynı zamanda geleceğin müzisyeni özel kompozisyon dersleri aldı. İÇİNDE ergenlik Dufay, ilk bestelerini (baladlar ve motetler) yazdığı İtalya'ya gitti. 1428-1437'de Roma'daki papalık şapelinde şarkıcı olarak görev yaptı; Aynı yıllarda İtalya ve Fransa'ya gitti. 1437'de besteci rütbesi verildi. Savoy Dükü'nün (1437-1439) sarayında törenler ve tatiller için müzik besteledi. Dufay soylulardan büyük saygı görüyordu - hayranları arasında örneğin Medici çifti (İtalya'nın Floransa şehrinin hükümdarları) vardı. [İtalya ve Fransa'da çalıştı. 1428-37'de Roma ve diğer İtalyan şehirlerindeki papalık şapellerinde şarkıcılık yaptı ve 1437-44'te Savoy Dükü'nün yanında hizmet etti. 1445'ten itibaren kanon ve şef müzikal aktivite Cambrai'deki katedral. Halk çoksesliliği ve Rönesans'ın hümanist kültürüyle ilişkili manevi (3-, 4 sesli kitleler, motetler) ve laik (3-, 4 sesli Fransız şansonları, İtalyan şarkıları, baladlar, rondolar) türlerin ustası. Avrupa müzik sanatının başarılarını özümseyen Danimarka sanatının, Avrupa çok sesli müziğinin daha da gelişmesinde büyük etkisi oldu. Aynı zamanda müzik notalarında da reformcuydu (D., beyaz başlı notaları tanıtmasıyla tanınır). D.'nin tüm eserleri Roma'da yayınlandı (6 cilt, 1951-66).] Dufay, besteciler arasında kitleyi bütünsel bir müzik kompozisyonu olarak bestelemeye başlayan ilk kişiydi. Kilise müziği yaratmak olağanüstü bir yetenek gerektirir: özel, maddi araçlar Soyut, maddi olmayan kavramları ifade eder. Zorluk, böyle bir kompozisyonun bir yandan dinleyiciyi kayıtsız bırakmaması, diğer yandan da dikkati ibadetten uzaklaştırmaması ve duaya daha derinlemesine konsantre olmasına yardımcı olmasıdır. Dufay'ın kitlelerinin çoğu ilham verici, içsel yaşamla dolu; bir an için İlahi vahyin perdesini kaldırmaya yardımcı oluyor gibi görünüyorlar.

Çoğu zaman, bir kitle yaratırken Dufay, kendi melodisini eklediği tanınmış bir melodiyi alırdı. Bu tür borçlanmalar Rönesans'ın karakteristiğidir. Ayinin, ibadet edenlerin sıradan bir insanda bile kolayca tanıyabileceği tanıdık bir melodiye dayanmasının çok önemli olduğu düşünülüyordu. çok sesli çalışma. Gregoryen ilahisinin bir parçası sıklıkla kullanıldı; Laik eserler de dışlanmadı.

Dufay, kilise müziğinin yanı sıra laik metinlere dayanan motetler de besteledi. Bunlarda ayrıca karmaşık polifonik tekniği de kullandı.

Josquin Despres (1440-1521). 15. yüzyılın ikinci yarısının Hollanda çoksesli okulunun temsilcisi. Gelecek neslin bestecilerinin çalışmaları üzerinde büyük etkisi olan Josquin Despres (1440-1521 veya 1524 civarı) vardı. Gençliğinde Cambrai'de kilise korosu şefi olarak görev yaptı; alınmış müzik dersleri Okegem'de. Genç müzisyen yirmi yaşındayken İtalya'ya geldi, Milano'da Sforza Dükleri ile (daha sonra büyük İtalyan sanatçı Leonardo da Vinci burada görev yaptı) ve Roma'daki papalık şapelinde şarkı söyledi. İtalya'da Despres muhtemelen müzik bestelemeye başladı. 16. yüzyılın en başında. Paris'e taşındı. O zamana kadar Despres zaten ünlüydü ve Fransız kralı Louis XII tarafından saray müzisyeni pozisyonuna davet edildi. 1503'ten itibaren Despres, Dük d'Este'nin sarayında yeniden İtalya'ya, Ferrara şehrine yerleşti. Despres çok sayıda beste yaptı ve müziği hızla en geniş çevrelerde tanındı: hem soylular hem de halk tarafından sevildi. Sıradan insanlar Besteci sadece kilise eserleri değil, aynı zamanda laik eserler de yarattı, özellikle İtalyan halk şarkısı türüne - frottola (frotta'dan - “kalabalık”) yöneldi. dans ritmi ve hızlı tempo. Despres, kilise müziğine laik eserlerin özelliklerini kattı: taze, canlı tonlama, katı kopukluğu kırdı ve neşe ve yaşam dolgunluğu duygusu uyandırdı. Ancak bestecinin orantı duygusu hiçbir zaman başarısız olmadı. Depre'nin polifonik tekniği özellikle karmaşık değildir. Eserleri zarif bir şekilde basittir, ancak yazarın güçlü zekası bu eserlerde hissedilmektedir. Bu onun yaratımlarının popülaritesinin sırrıdır.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Guillaume Dufay'ın genç çağdaşları Johannes (Jean) Okeghem (yaklaşık 1425-1497) ve Jacob Obrecht'ti. Dufay gibi Okegem de Flanders'lıydı. Hayatı boyunca çok çalıştı; Müzik bestelemenin yanı sıra şapelin başkanlığını da yaptı. Besteci on beş kitle, on üç motet ve yirmiden fazla şanson yarattı. Okegöm'ün eserleri titizlik, konsantrasyon ve yumuşak melodik çizgilerin uzun süreli gelişimi ile karakterize edilir. Çoksesli tekniğe büyük önem verdi, kütlenin tüm parçalarının bir bütün olarak algılanması için çabaladı. Bestecinin yaratıcı tarzı şarkılarında da fark ediliyor - neredeyse dünyevi hafiflikten yoksunlar, karakter olarak daha çok motetleri ve bazen de kitlelerin parçalarını anımsatıyorlar. Johannes Okegem hem memleketinde hem de yurtdışında saygı görüyordu (Fransa kralının danışmanı olarak atandı). Jacob Obrecht, Hollanda'nın çeşitli şehirlerindeki katedrallerde koro şefiydi ve şapellere liderlik ediyordu; Birkaç yıl boyunca Ferrara'daki (İtalya) Duke d'Este'nin sarayında görev yaptı. Yirmi beş ayin, yirmi motet, otuz chanson'un yazarıdır. Obrecht, seleflerinin başarılarından yararlanarak birçok yeni şey katmıştır. çoksesli gelenek. Besteci geleneksel kilise türlerine yönelse bile müziği zıtlıklarla doludur ve cesurdur.

Orlando Lasso'nun yaratıcılığının çok yönlülüğü ve derinliği. Hollanda Rönesans müziğinin tarihi, çağdaşları tarafından "Belçikalı Orpheus" ve "Müzik Prensi" olarak adlandırılan Orlando Lasso'nun (gerçek adı Roland de Lasso, yaklaşık 1532-1594) çalışmalarıyla tamamlanır. Lasso Mons'ta (Flanders) doğdu. Çocukluğundan beri kilise korosunda harika cemaatçiler şarkı söyledi harika bir sesle. İtalya'nın Mantua şehrinin Dükü Gonzaga, yanlışlıkla genç şarkıcıyı duydu ve onu kendi şapeline davet etti. Mantua'dan sonra Lasso kısa bir süre Napoli'de çalıştı ve ardından Roma'ya taşındı - orada katedrallerden birinin şapelinin direktörlüğünü aldı. Yirmi beş yaşına geldiğinde Lasso zaten bir besteci olarak biliniyordu ve eserleri müzik yayıncıları arasında talep görüyordu. 1555 yılında motetler, madrigaller ve şansonlardan oluşan ilk eser koleksiyonu yayınlandı. Lasso, seleflerinin (Hollandalı, Fransız, Alman ve Alman) yarattığı en iyi şeyleri inceledi. İtalyan besteciler) ve deneyimlerini çalışmalarında kullandı. Olağanüstü bir insan olan Lasso, kilise müziğinin soyut doğasının üstesinden gelmeye ve ona bireysellik kazandırmaya çalıştı. Bu amaçla besteci bazen tür ve gündelik motiflerden (temalar) yararlanmıştır. halk şarkıları, danslar), böylece kiliseyi bir araya getirir ve laik gelenek. Lasso, polifonik tekniğin karmaşıklığını büyük bir duygusallıkla birleştirdi. Özellikle sözleri onun ruh halini ortaya koyan madrigallerde iyiydi. karakterlerörneğin, İtalyan şair Luigi Tranzillo'nun şiirlerine dayanan Aziz Petrus'un Gözyaşları" (1593). Besteci genellikle çok sayıda ses (beş ila yedi) için yazdı, bu nedenle eserlerinin icrası zordur.

Orlando Lasso, 1556'dan beri şapele başkanlık ettiği Münih'te (Almanya) yaşadı. Hayatının sonlarına doğru müzik ve sanat çevrelerindeki otoritesi çok yüksekti ve ünü tüm Avrupa'ya yayıldı. Hollanda çoksesli okulunun Avrupa müzik kültürünün gelişimi üzerinde büyük etkisi oldu. Hollandalı besteciler tarafından geliştirilen çokseslilik ilkeleri evrensel hale geldi ve 20. yüzyılda besteciler eserlerinde birçok sanatsal teknik kullandı.

Fransa. Fransa için 15.-16. yüzyıllar önemli değişikliklerin yaşandığı bir dönem haline geldi: İngiltere ile yapılan Yüz Yıl Savaşları (1337-1453) 15. yüzyılın sonunda sona erdi. devletin birleşmesi tamamlandı; 16. yüzyılda ülkede Katolikler ve Protestanlar arasında din savaşları yaşandı. İÇİNDE güçlü devlet Mutlak monarşiyle birlikte saray kutlamalarının ve halk kutlamalarının rolü arttı. Bu, sanatın, özellikle de bu tür etkinliklere eşlik eden müziğin gelişmesine katkıda bulundu. Önemli sayıda sanatçıdan oluşan vokal ve enstrümantal toplulukların (şapeller ve eşler) sayısı arttı. İtalya'daki askeri kampanyalar sırasında Fransızlar, İtalyan kültürünün başarılarıyla tanıştı. İtalyan Rönesansı'nın fikirlerini derinden hissettiler ve kabul ettiler - hümanizm, çevredeki dünyayla uyum arzusu, hayattan zevk alma arzusu.

İtalya'da müzikal Rönesans öncelikle kitleyle ilişkilendirilmişse, o zaman Fransız besteciler kilise müziğiyle birlikte seküler çok sesli şarkıya - chanson'a özel önem verdiler. Fransa'da buna ilgi, 16. yüzyılın ilk yarısında Clément Janequin'in (yaklaşık 1485-1558) müzikal oyunlarından oluşan bir koleksiyonun yayınlanmasıyla ortaya çıktı. Bu besteci türün yaratıcılarından biri olarak kabul edilir.

Clément Janequin'in (1475-1560) başlıca koro programı çalışmaları. Janequin, çocukluğunda memleketi Chatellerault'da (Orta Fransa) bir kilise korosunda şarkı söyledi. Daha sonra müzik tarihçilerinin önerdiği gibi Hollandalı usta Josquin Despres veya çevresinden bir besteciyle çalıştı. Janequin, rahipliği aldıktan sonra naip (koro yönetmeni) ve orgcu olarak çalıştı; daha sonra Guise Dükü tarafından hizmete davet edildi. 1555'te müzisyen Kraliyet Şapeli'nin şarkıcısı oldu ve 1556-1557'de. - kraliyet sarayı bestecisi. Clément Janequin iki yüz seksen şanson yarattı (1530 ile 1572 arasında yayınlandı); kilise müziği yazdı - ayinler, motetler, mezmurlar. Şarkıları çoğunlukla mecazi nitelikteydi. Dinleyicinin zihninden savaş resimleri ("Marignano Savaşı", "Renta Savaşı", "Metz Savaşı"), av sahneleri ("Av"), doğa görüntüleri ("Kuş Şarkısı", "Bülbül) geçer. ", "Lark" ), gündelik sahneler ("Kadın Sohbeti"). Besteci, Paris'teki günlük yaşamın atmosferini “Paris Çığlıkları” şarkısında inanılmaz bir netlikle aktarmayı başardı: satıcıların ünlemlerini (“Süt!” - “Turta!” - “Enginar!” - metne dahil etti. “Balık!” - “Kibritler!” - “Güvercinler”) !" - "Eski ayakkabılar!" - "Şarap!"). Janequin, bireysel sesler ve karmaşık polifonik teknikler için neredeyse uzun ve pürüzsüz temalar kullanmadı; yoklamaları, tekrarları ve onomatopoeia'yı tercih etti.

Başka bir yön Fransız müziği Pan-Avrupa Reform hareketi ile bağlantılıdır.

Fransız Protestanları (Huguenotlar) kilise ayinlerinde Latinceyi ve çoksesliliği terk ettiler. Kutsal müzik daha açık, demokratik bir karakter kazandı. Bu müzik geleneğinin en parlak temsilcilerinden biri, İncil metinlerine ve Protestan korallerine dayanan mezmurların yazarı Claude Gudimel'dir (1514 ile 1520-1572 arası).

Chanson. Fransız Rönesansının ana müzik türlerinden biri chanson'dur (Fransız chanson - “şarkı”). Kökenleri halk sanatına (destansı masalların kafiyeli dizeleri müziğe uyarlandı), ortaçağ ozanlarının ve ozanlarının sanatına dayanmaktadır. İçerik ve ruh hali açısından chanson çok çeşitli olabilirdi - aşk şarkıları, günlük şarkılar, mizahi şarkılar, hiciv şarkıları vb. Besteciler halk şiirlerini ve modern şiiri metin olarak aldılar.

İtalya. Rönesans'ın gelişiyle birlikte İtalya'da çeşitli enstrümanlarla çalınan gündelik müzik yayıldı; müzikseverlerin çevreleri ortaya çıktı. Profesyonel alanda en güçlü iki ekol ortaya çıktı: Roma ve Venedik.

Madrigal. Rönesans sırasında laik türlerin rolü arttı. XIV.Yüzyılda. madrigal İtalyan müziğinde ortaya çıktı (geç Latin matrisinden - “şarkı ana dil"). Halk (çoban) şarkıları temel alınarak oluşturulmuştur. Madrigaller, genellikle enstrümantal eşlik olmaksızın iki veya üç sesli şarkılardı. Modern İtalyan şairleri tarafından aşktan bahseden şiirlere yazılmışlardı; her gün şarkılar vardı ve mitolojik konular.

15. yüzyılda besteciler bu türe pek yönelmediler; ona olan ilgi ancak 16. yüzyılda yeniden canlandı. 16. yüzyıl madrigalinin karakteristik bir özelliği müzik ve şiir arasındaki yakın bağlantıdır. Müzik metni esnek bir şekilde takip etti ve şiirsel kaynakta anlatılan olayları yansıtıyordu. Zamanla, hafif iç çekişleri, gözyaşlarını vb. ifade eden benzersiz melodik semboller geliştirildi. Bazı bestecilerin eserlerinde sembolizm felsefiydi; örneğin Gesualdo di Venosa'nın madrigal "Ölüyorum, Talihsiz" (1611).

Tür 16. ve 17. yüzyılların başında gelişti. Bazen bir şarkının icrasıyla eş zamanlı olarak konusu da oynanıyordu. Madrigal, operanın görünümünü hazırlayan madrigal komedinin (bir komedi oyununun metnine dayanan koro kompozisyonu) temeli oldu.

Roma polifonik okulu. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Roma okulunun başkanı, Rönesans'ın en büyük bestecilerinden Giovanni Pierluigi da Palestrina'ydı. Soyadını aldığı İtalya'nın Palestrina şehrinde doğdu. Palestrina çocukluğundan beri kilise korosunda şarkı söyledi ve yetişkinliğe ulaştığında Roma'daki Aziz Petrus Bazilikası'nda şeflik (koro lideri) görevine davet edildi; daha sonra Sistine Şapeli'nde (Papa'nın saray şapeli) görev yaptı.

Katolikliğin merkezi olan Roma, birçok önde gelen müzisyenin ilgisini çekti. Farklı zamanlarda Hollandalı usta polifonistler Guillaume Dufay ve Josquin Despres burada çalıştı. Geliştirilmiş kompozisyon teknikleri bazen hizmet metninin algılanmasını zorlaştırıyordu: seslerin mükemmel iç içe geçmesinin arkasında kayboluyordu ve aslında kelimeler duyulmuyordu. Bu nedenle kilise yetkilileri bu tür çalışmalara karşı temkinli davrandılar ve Gregoryen ilahilerine dayalı tek sesliliğin geri dönüşünü savundular. Kilise müziğinde çoksesliliğin kabul edilebilirliği konusu Katolik Kilisesi'nin Trent Konsili'nde (1545-1563) bile tartışılmıştı. Papa'ya yakın olan Palestrina, Kilise liderlerini kompozisyon tekniğinin metnin anlaşılmasını engellemeyeceği eserler yaratma olasılığı konusunda ikna etti. Kanıt olarak, karmaşık çoksesliliği her kelimenin net ve etkileyici sesiyle birleştiren "Papa Marcello Ayini"ni (1555) besteledi. Böylece müzisyen, profesyonel çok sesli müziği kilise yetkililerinin zulmünden "kurtardı". 1577'de besteci, Katolik Kilisesi'nin kutsal ilahilerinden oluşan bir koleksiyon olan kademeli reformu tartışmak üzere davet edildi. 80'lerde Palestrina kutsal emirleri aldı ve 1584'te doğrudan Papa'ya bağlı olan müzisyenlerden oluşan bir dernek olan Müzik Ustaları Derneği'nin üyesi oldu.

Palestrina'nın çalışmaları parlak bir dünya görüşüyle ​​doludur. Yarattığı eserler hem en yüksek becerileri hem de miktarlarıyla (yüzden fazla kitle, üç yüzden fazla motet, yüz madrigal) çağdaşlarını hayrete düşürdü. Müziğin karmaşıklığı hiçbir zaman onun algılanmasına engel olmamıştır. Besteci, bestelerinin karmaşıklığı ile dinleyiciye erişilebilirliği arasında bir orta yol bulmayı biliyordu. Palestrina ana yaratıcı görevini eksiksiz bir tasarım geliştirmek olarak gördü. harika iş. Şarkılarındaki her ses bağımsız olarak gelişir ama aynı zamanda diğerleriyle tek bir bütün oluşturur ve çoğu zaman sesler çarpıcı akor kombinasyonları oluşturur. Çoğu zaman en üstteki sesin melodisi diğerlerinin üzerinde süzülüyormuş gibi görünür ve çoksesliliğin bir “kubbesinin” ana hatlarını çizer; Tüm sesler pürüzsüzlük ve gelişme ile ayırt edilir.

Yeni nesil müzisyenler Giovanni da Palestrina'nın sanatını örnek ve klasik olarak değerlendirdi. Pek çok kişi onun eserlerinden ders aldı seçkin besteciler XVIIX-VIII yüzyıllar

Rönesans müziğinin bir başka yönü, kurucusu Adrian Willart (yaklaşık 1485-1562) olan Venedik okulunun bestecilerinin çalışmalarıyla ilişkilidir. Öğrencileri orgcu ve besteci Andrea Gabrieli (1500 ile 1520 arası - 1586'dan sonra), besteci Cyprian de Pope (1515 veya 1516-1565) ve diğer müzisyenlerdi. Palestrina'nın eserleri netlik ve katı kısıtlama ile karakterize edilirken, Willaert ve takipçileri gösterişli bir koro tarzı geliştirdiler. Çevresel ses ve tını oyunu elde etmek için kompozisyonlarda tapınağın farklı yerlerinde bulunan birkaç koro kullanıldı. Korolar arasında yoklamaların kullanılması, kilise alanının benzeri görülmemiş etkilerle doldurulmasını mümkün kıldı. Bu yaklaşım, neşesi, özgürlüğü ve Venedik sanat geleneğinin kendisi ile parlak ve sıradışı olan her şeye olan arzusuyla, bir bütün olarak dönemin hümanist ideallerini yansıtıyordu. Yaratıcılıkta Venedikli ustalar Müzik dili de daha karmaşık hale geldi: Cesur akor kombinasyonları ve beklenmedik armonilerle doluydu.

Rönesans'ın önde gelen isimlerinden biri, seküler madrigalin en büyük ustalarından biri olan Venosa şehrinin prensi Carlo Gesualdo di Venosa'ydı (yaklaşık 1560-1613). Hayırsever, lavtacı ve besteci olarak ün kazandı. Prens Gesualdo, İtalyan şair Torquato Tasso ile arkadaştı; Her iki sanatçının da edebiyat, müzik gibi konuları tartıştığı bazı ilginç mektuplar kaldı. güzel sanatlar. Gesualdo di Venosa, Tasso'nun birçok şiirini müziğe uyarladı - son derece sanatsal madrigaller bu şekilde ortaya çıktı. Geç Rönesans'ın bir temsilcisi olarak besteci şunları geliştirdi: yeni tip Madrigal, duyguların önce geldiği yer - fırtınalı ve öngörülemez. Bu nedenle eserleri ses seviyesindeki değişiklikler, iç çekişlere ve hatta hıçkırıklara benzer tonlamalar, keskin sesli akorlar ve tempodaki zıt değişikliklerle karakterize edilir. Bu teknikler Gesualdo'nun müziğine etkileyici, biraz tuhaf bir karakter kazandırdı; çağdaşlarını hem şaşırttı hem de cezbetti. Gesualdo di Venosa'nın mirası yedi polifonik madrigal koleksiyonundan oluşur; Manevi eserler arasında - "Kutsal İlahiler". Müziği bugün bile dinleyiciyi kayıtsız bırakmıyor.

Enstrümantal müzik türlerinin ve biçimlerinin gelişimi. Enstrümantal müzik aynı zamanda yeni türlerin, özellikle de enstrümantal konçertoların ortaya çıkışıyla da dikkat çekiyor. Keman, klavsen ve org yavaş yavaş solo çalgılara dönüştü. Onlar için yazılan müzik, sadece bestecinin değil, icracının da yeteneğini gösterme fırsatı sağladı. Her şeyden önce değer verilen şey, birçok müzisyen için yavaş yavaş başlı başına bir amaç ve sanatsal bir değer haline gelen ustalıktı (teknik zorluklarla baş etme yeteneği). Besteciler XVII-XVIII yüzyıllar genellikle sadece müzik bestelemekle kalmaz, aynı zamanda ustaca çalınan enstrümanlar da uygulanır. pedagojik aktivite. Sanatçının refahı büyük ölçüde spesifik müşteriye bağlıydı. Kural olarak, her ciddi müzisyen ya bir hükümdarın ya da zengin bir aristokratın sarayında (soyluların pek çok üyesinin kendi orkestraları ya da opera binaları vardı) ya da bir tapınakta bir yer edinmeye çalıştı. Dahası, bestecilerin çoğu kilise müziğini laik bir patrona hizmetle kolayca birleştirdi.

İngiltere. İngiltere'nin Rönesans dönemindeki kültürel yaşamı Reformasyonla yakından bağlantılıydı. 16. yüzyılda Protestanlık ülkede yayıldı. Katolik Kilisesi Hakim konumunu kaybeden Anglikan Kilisesi, Katolikliğin bazı dogmalarını (temel hükümleri) tanımayı reddeden bir devlet haline geldi; Manastırların çoğunun varlığı sona erdi. Bu olaylar müzik de dahil olmak üzere İngiliz kültürünü etkiledi. Oxford ve Cambridge üniversitelerinde müzik bölümleri açıldı. Asil salonlarda klavyeli enstrümanlar çalınıyordu: virginel (bir tür klavsen), taşınabilir (küçük) org vb. Evde müzik çalmaya yönelik küçük besteler popülerdi. O zamanın müzik kültürünün en önde gelen temsilcisi, notalar yayıncısı, orgcu ve besteci olan William Bird'dü (1543 veya 1544-1623). Bird, İngiliz madrigalinin kurucusu oldu. Eserleri sadelik (karmaşık polifonik tekniklerden kaçındı), metni takip eden formun özgünlüğü ve armonik özgürlük ile öne çıkıyor. Tüm müzik araçları, ortaçağın katılığı ve kısıtlamasının aksine, yaşamın güzelliğini ve neşesini onaylamak için tasarlanmıştır. Bestecinin madrigal türünde pek çok takipçisi vardı.

Bird ayrıca manevi eserler (ayin, mezmurlar) ve enstrümantal müzik de yarattı. Virginal için yazdığı bestelerinde türkü ve dans motiflerini kullanmıştır.

Besteci, yazdığı müziğin, William Byrd'ün müzik koleksiyonlarından birinin önsözünde yazdığı gibi, "mutlu bir şekilde en azından biraz şefkat, rahatlama ve eğlence taşımasını" istiyordu.

Almanya. Alman müzik kültürü ile Reform hareketi arasındaki bağlantı. 16. yüzyılda Almanya'da ülkenin dini ve kültürel yaşamını önemli ölçüde değiştiren Reformasyon başladı. Reformun liderleri ibadetin müzikal içeriğinde değişiklik yapılması gerektiğine ikna olmuşlardı. Bunun iki nedeni vardı. 15. yüzyılın ortalarında. Kilise müziği türlerinde çalışan bestecilerin çoksesli becerileri olağanüstü bir karmaşıklığa ve karmaşıklığa ulaştı. Bazen seslerin melodik zenginliği ve uzun ilahiler nedeniyle cemaatçilerin çoğunluğu tarafından algılanamayan ve ruhsal olarak deneyimlenemeyen eserler yaratıldı. Ayrıca hizmet, İtalyanlar için anlaşılır, ancak Almanlar için yabancı olan Latince dilinde yürütülüyordu.

Reformasyon hareketinin kurucusu Martin Luther (1483-1546), kilise müziğinde bir reformun gerekli olduğuna inanıyordu. Müzik, öncelikle cemaatçilerin ibadete daha aktif katılımını teşvik etmeli (çok sesli besteler yaparken bu imkansızdı) ve ikinci olarak, İncil'deki olaylar için empati oluşturmalıdır (bu, ayinlerin Latince yapılması nedeniyle engellenmiştir). Böylece, kilise şarkılarına şu gereksinimler dayatıldı: melodinin basitliği ve netliği, hatta ritim, ilahinin net biçimi. Bu temelde, Alman Rönesansının kilise müziğinin ana türü olan Protestan korosu ortaya çıktı. 1522'de Luther tercüme etti Yeni Ahit Almanca'ya - artık kişinin ana dilinde hizmet vermesi mümkün hale geldi.

Korolar için melodi seçiminde aktif katılım Luther'in yanı sıra arkadaşı Alman müzik teorisyeni Johann Walter (1490-1570) da ev sahipliği yaptı. Bu tür melodilerin ana kaynakları, yaygın olarak bilinen ve anlaşılması kolay halk ruhani ve dünyevi şarkılardı. Luther bazı koroların melodilerini kendisi besteledi. Bunlardan biri olan "Rab bizim desteğimizdir" sözü, 16. yüzyıldaki din savaşları sırasında Reformasyon'un sembolü haline geldi.

Meistersingers ve onların sanatı. Alman Rönesans müziğinin bir başka parlak sayfası, zanaatkârlar arasından şair-şarkıcı olan Meistersinger'in (Alman Meistersinger - “usta şarkıcı”) çalışmalarıyla ilişkilidir. Onlar değildi profesyonel müzisyenler ve her şeyden önce zanaatkarlar - silah ustaları, terziler, camcılar, ayakkabıcılar, fırıncılar vb. Bu tür müzisyenlerin şehir birliği, çeşitli zanaatların temsilcilerini içeriyordu. 16. yüzyılda Almanya'nın birçok şehrinde Usta Şarkıcılar dernekleri mevcuttu.

Usta Şarkıcılar şarkılarını katı kurallara göre bestelediler; yaratıcı girişimler birçok kısıtlamayla kısıtlandı. Yeni başlayan kişinin önce bu kurallara hakim olması, ardından şarkı söylemeyi öğrenmesi, ardından diğer insanların melodilerine sözler yazması gerekiyordu ve ancak o zaman kendi şarkısını yaratabildi. Ünlü Meistersingers ve Minnesingers'ın melodileri örnek melodiler olarak kabul edildi.

16. yüzyılın seçkin usta şarkıcısı. Hans Sachs (1494-1576) terzi bir aileden geliyordu ancak gençliğinde terziyi terk etti. ebeveynlerin evi ve Almanya'yı dolaşmaya gittim. Seyahatleri sırasında genç adam bir kunduracının zanaatını öğrendi ama en önemlisi halk sanatıyla tanıştı. Sachs iyi eğitimliydi, antik ve ortaçağ edebiyatı hakkında mükemmel bilgiye sahipti, İncil'i Almanca çeviri. Reformasyon fikirleriyle derinden etkilenmişti, bu yüzden sadece dünyevi şarkılar değil, aynı zamanda manevi şarkılar da yazdı (toplamda yaklaşık altı bin şarkı). Hans Sachs aynı zamanda bir oyun yazarı olarak da ünlendi (bkz. makale " Tiyatro sanatları Rönesans").

Rönesans'ın müzik aletleri. Rönesans sırasında müzik enstrümanlarının kompozisyonu önemli ölçüde genişledi; mevcut yaylı çalgılara ve nefesli çalgılara yeni çeşitler eklendi. Bunların arasında, seslerinin güzelliği ve asaleti ile hayranlık uyandıran yaylı tellerden oluşan bir aile olan viyoller özel bir yer işgal ediyor. Şekil olarak modern keman ailesinin enstrümanlarına (keman, viyola, çello) benziyorlar ve hatta onların öncülleri olarak kabul ediliyorlar (18. yüzyılın ortalarına kadar müzik pratiğinde bir arada var oldular). Ancak yine de bir fark var ve önemli bir fark var. Viyollerin rezonans yapan tellerden oluşan bir sistemi vardır; kural olarak, ana olanlar kadar çok sayıda vardır (altı ila yedi). Rezonans yapan tellerin titreşimleri viyolanın sesini yumuşak ve kadifemsi hale getirir, ancak enstrümanın bir orkestrada kullanılması zordur çünkü çok sayıda tel nedeniyle akordu hızla bozulur.

Uzun bir süre viyola sesinin müzikte gelişmişliğin bir modeli olduğu düşünüldü. Viyola ailesinde üç ana tür vardır. Viola da gamba, icracının dikey olarak yerleştirdiği ve ayaklarıyla yanlardan bastırdığı büyük bir enstrümandır (İtalyanca gamba kelimesi "diz" anlamına gelir). Diğer iki çeşit - viola da braccio (İtalyan braccio'dan - "önkol") ve viol d'amour (Fransızca viole d'amour - "aşk viyola") yatay olarak yönlendirilmişti ve çalınırken omuza bastırılıyordu. Viola da gamba ses aralığı açısından çelloya yakındır, viola da braccio kemana yakındır ve viol d'amour viyolaya yakındır.

Arasında kopmuş aletler Rönesans'taki ana yer ud tarafından işgal edilmiştir (Polonya lutnia, Arapça "alud" - "ağaç" kelimesinden gelir). Avrupa'ya 14. yüzyılın sonlarında Orta Doğu'dan gelmiş, 16. yüzyılın başlarında ise bu enstrümanın geniş bir repertuvarı oluşmuştu; İlk olarak ud eşliğinde şarkılar söylendi. Lavtanın gövdesi kısadır; üst kısım düzdür ve alt kısım yarım küreyi andırır. Perdelerle bölünmüş geniş boyuna bir boyun tutturulmuştur ve enstrümanın başı neredeyse dik açıyla geriye doğru bükülmüştür. Dilerseniz lavtanın görünümünde kaseye benzerliğini de görebilirsiniz. On iki tel çiftler halinde gruplandırılmıştır ve ses hem parmaklarla hem de özel bir plaka olan bir aracıyla üretilir.

15.-16. yüzyıllarda çeşitli klavye türleri ortaya çıktı. Bu tür enstrümanların ana türleri - klavsen, klavikord, zil, virginel - Rönesans müziğinde aktif olarak kullanıldı, ancak asıl gelişmeleri daha sonra geldi.