Romantizm döneminde müzik, sanat sisteminde çok önemli bir yer tutuyordu. Bu, tüm ifade araçları cephaneliğini kullanarak duygusal deneyimleri en iyi şekilde yansıtmanıza olanak tanıyan özgüllüğü ile açıklanmaktadır.

Müzikte romantizm on dokuzuncu yüzyılda F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M.'nin eserlerinde ortaya çıkar. Weber, G. Rossini. Biraz sonra bu tarz F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi ve diğer bestecilerin eserlerine yansıdı.

Romantizm on dokuzuncu yüzyılın başlarında Avrupa'da ortaya çıktı. Klasisizm'e bir tür muhalefet haline geldi. Romantizm, dinleyicinin efsanelerin, şarkıların ve masalların büyülü dünyasına nüfuz etmesini sağladı. Bu yönün önde gelen ilkesi, bestecinin yaratıcı hayal gücünün yarattığı karşıtlıklardır (rüyalar ve günlük yaşam, ideal dünya ve günlük yaşam). Bu tarz, 19. yüzyılın kırklı yıllarına kadar yaratıcı insanlar arasında popülerdi.

Müzikte romantizm, modern insanın sorunlarını, dış dünyayla çatışmasını ve yalnızlığını yansıtır. Bu temalar bestecilerin çalışmalarının merkezinde yer alıyor. Üstün yetenekli ve diğerlerinden farklı olan kişi, sürekli olarak başkalarından yanlış anlaşıldığını hisseder. Yeteneği yalnızlığının sebebi olur. Bu nedenle romantik bestecilerin en sevdiği kahramanlar şairler, müzisyenler ve sanatçılardır (R. Schumann “Bir Şairin Aşkı”; Berlioz - “Fantastik Senfoni” için “Bir Sanatçının Hayatından Bir Bölüm” alt başlığı vb. ).

Bir kişinin içsel deneyimlerinin dünyasını aktaran müzikteki romantizm, çoğu zaman otobiyografi, samimiyet ve lirizmin bir tonunu taşır. Aşk ve tutku temaları yaygın olarak kullanılmaktadır. Örneğin ünlü besteci R. Schumann pek çok piyano eserini çok sevdiği Clara Wieck'e ithaf etmiştir.

Romantiklerin eserlerinde de doğa teması oldukça yaygındır. Besteciler çoğu zaman onu bir kişinin ruh hali ile karşılaştırır ve onu uyumsuzluk tonlarıyla renklendirir.

Fantezi teması romantikler için gerçek bir keşif haline geldi. Masal ve fantazi karakterleri yaratma ve onların görüntülerini müzik dilinin çeşitli unsurları (Mozart'ın “Sihirli Flüt” - Gecenin Kraliçesi) aracılığıyla aktarma konusunda aktif olarak çalışıyorlar.

Çoğu zaman müzikteki romantizm de halk sanatına yönelir. Besteciler eserlerinde şarkılardan ve türkülerden alınan çeşitli halk unsurlarını (ritimler, tonlamalar, eski makamlar) kullanırlar. Bu, müzik parçalarının içeriğini önemli ölçüde zenginleştirmenize olanak tanır.

Yeni görsellerin ve temaların kullanılması, uygun formların aranmasını gerektirdi. Böylece romantik eserlerde konuşma tonlamaları, doğal modlar, farklı tonalitelerdeki kontrastlar ve solo bölümler (sesler) ortaya çıktı.

Müzikte romantizm, sanatların sentezi fikrini somutlaştırdı. Bunun bir örneği Schumann, Berlioz, Liszt ve diğer bestecilerin programatik çalışmalarıdır ("İtalya'da Harold" senfonisi, "Prelüdler" şiiri, "Gezgin Yıllar" döngüsü vb.).

Rus romantizmi, M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, Ts. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky ve diğerlerinin eserlerine canlı bir şekilde yansıdı.

A. Dargomyzhsky, eserlerinde çok yönlü psikolojik imgeleri (“Denizkızı”, romantizm) aktarıyor. “Ivan Susanin” operasında M. Glinka sıradan Rus halkının yaşamının resimlerini çiziyor. Ünlü "Mighty Handful" bestecilerinin eserleri haklı olarak zirve olarak kabul ediliyor. Rus halk şarkılarının, günlük müziğin ve konuşma dilinin doğasında bulunan ifade araçlarını ve karakteristik tonlamaları kullanırlar.

Daha sonra A. Scriabin (“Düşler” başlangıcı, “Ateşe Doğru” şiiri) ve S. Rachmaninov (çalışma-resimler, “Aleko” operası, “Bahar” kantatı) da bu tarza yöneldi.

Soyut "Kültüroloji" akademik disiplininde

konuyla ilgili: "Müzikte romantizm."

Planı

1. Giriş.

2. Müzikte romantizm çağının karakteristik özellikleri.

3. Romantik müziğin coğrafyası.

5. Sonuç.

6. Referansların listesi.

1. Giriş.

Romantizm, 19. yüzyılın yeni bir sanat akımıdır. Klasisizmin yerini aldı ve işaretleri 18. yüzyılın sonlarında ortaya çıkmaya başladı. Romantizmin doğum yeri Almanya'dır, ancak hızla diğer Avrupa ülkelerinin yanı sıra Rusya ve Amerika'ya da yayıldı ve nüfuz etti. "Romantizm" terimi edebiyatta ilk kez Alman yazar Novalis'in (1772 - 1801) çalışmaları sayesinde ortaya çıktı. E.T. tarafından müziğe tanıtıldı. A. Hoffman (1776 - 1882). Romantizm mücadele içinde ve aynı zamanda öncülleri olan klasisizm ve duygusalcılıkla yakın etkileşim içinde gelişti. Bu edebi hareketlerin derinliklerinden kaynaklandı. Klasik yazarlar, yalnızca bunu açıkça anlayanların, tutkularını - kişisel çıkarlarını ve isteklerini - dizginleyebilenlerin yurttaşlık görevlerini yerine getirebileceğine inanıyorlardı. Ancak bunun yalnızca birkaç "asil" insanın, çoğunlukla da soyluların kaderi olduğuna inanıyorlardı. Anavatanlarına özverili ve fedakar bir şekilde hizmet etmeye hazır olmaları gerekiyordu. Onlara göre yurttaşlık görevi her şeyden önce asil onur ve erdemden oluşur.

Romantikler etraflarındaki her şeyi, tüm yaşam olaylarını romantikleştirmeye çalıştılar. Önceki klasisizm döneminden bazı ilkeleri benimsediler, ancak romantizmin özü Aydınlanma ilkelerine karşı bir protesto, onlarda hayal kırıklığıdır. Romantizmin temsilcileri akıl, rasyonalizm, mantık ve pratiklik kültünü kabul edemediler. Onlar için insanın ruhu, bireyselliği, duyguları önemliydi.

Romantizmin özgünlüğü aynı zamanda sanatın türlere ve türlere net bir şekilde bölünmesi için çabalamamalarında da yatmaktadır. Sanatların sentezi fikrinden etkilendiler ve bunu başarıyla uyguladılar. Romantizm en ilginç ve verimli kültürel çağlardan birine aittir.

2. Müzikte romantizm çağının karakteristik özellikleri.

Romantizm, müzik kültüründe yüz yıldan fazla bir süre (1800 - 1910) hüküm sürdü. Bu sanatta uzun bir karaciğer olduğu ortaya çıktı, edebiyat ve resim sanatında ise ancak elli yıl dayanabildi. Buna kaza denemez. Romantiklerin anlayışında müzik en manevi sanattır ve en büyük özgürlüğe sahiptir. Romantik dönem müziğinin en önemli özelliklerinden biri de diğer sanat dallarıyla sentezlenmesidir. Üstelik Romantikler katı ve net tür ayrımlarının destekçisi değillerdi.

Estetik kategoriler de karışıktı. Trajedi kolaylıkla komediyle bir arada var olabilirdi; güzel ile çirkin; sıradan olanla yüce olan. Bu tür zıtlıklar inandırıcılıktan uzak ya da doğal görünmüyordu. En önemli sanatsal araç - romantik ironi - uyumsuz olanı birleştirmeyi mümkün kıldı. Onun sayesinde romantizmin doğasında olan özel bir dünya resmi ortaya çıktı.

Türleri karıştırma eğilimine rağmen, elbette birçoğu bağımsız varoluş hakkına sahipti ve bu dönemde önemli ölçüde gelişmeyi başardı; Belirli türler de ortaya çıktı. Her şeyden önce, bu romantik müzikal şiir ve balad türüdür (en parlak temsilci F. Schubert'tir); şarkılar; piyano minyatürleri.

Piyano minyatüründen özellikle bahsetmek gerekir. Yazarı veya onun ruh halini etkileyen bir görüntüyü aktarmayı amaçlıyordu. Bir piyano minyatürünün bir tür özelliği olabilir: vals, şarkı, sözsüz şarkı, mazurka, gece gecesi. Besteciler sıklıkla müzik programlamaya yöneldiler ve çalışmalarını döngüler halinde birleştirdiler.

Romantizm çağının karakteristik özelliği, R. Schumann'ın romantizm estetiğinin özgür doğasını yansıtan ünlü “Karnaval” piyano döngüsüdür. "Karnaval" yirmi bir sayı içerir. Bunlar birbirinin yerini alan, ruh hali, resimler, portreler bakımından birbirinden farklı eskizlerdir, ancak çoğu tek bir olay örgüsünde birleştirilmiştir. Besteci, maskeli misafirlerin davet edildiği hayali bir tatilin resmini yapıyor. Bunların arasında her zamanki karnaval karakterleri var - çekingen Pierrot, yaramaz Harlequin, Columbine ve Pantalone birbirlerine homurdanıyor (tüm bunlar müzikle mükemmel bir şekilde aktarılıyor).

“Karnaval” çok özgün bir konseptle dolu. Bestecinin kendisi, melodinin tamamı bunların üzerine inşa edildiği için döngüsüne "4 notada minyatür sahneler" adını verdi. Besteci çeşitli dizi ve kombinasyonlarda dört nota aldı ve sonuç olarak her parçanın altında yatan bir temanın benzerini oluşturdular.

Kompozisyon açısından bakıldığında, Karnaval en yüksek kompozisyon becerisini sergiliyor. Döngüdeki tüm şarkılar mükemmel bitiş, parlaklık ve ustalık ile ayırt edilir. Genel olarak döngünün tamamı uyumlu bir kombinasyon ve bütünlüğün bir örneğidir.

Program müziğinden daha detaylı bahsedersek, burada diğer türlerle bağlantısı gibi bir özelliği vurgulayabiliriz: edebiyat, resim. Makalenin biçimi olay örgüsüne bağlı hale gelir. Bu bağlamda senfonik şiirler, tek bölümlü konçertolar ve sonatlar ortaya çıkıyor; çok bölümlü senfoniler. Böylece romantizm çağında hem vokal oda müziği hem de enstrümantal oda müziği gelişti.

Opera da bu dönemde özelleşti. Senfonizme yönelmeye başlar; metin ile müzik arasında yakın ve haklı bir bağlantı vardır; Sahne eylemi onlarla eşit öneme sahipti.

Romantiklerin favori temaları vardı. Konular çoğunlukla yalnızlık ve aşk temasına dayanıyordu, çünkü romantizm estetiğinin merkezinde, ruhunda güçlü tutkuların şiddetlendiği gururlu ve yalnız bir insan vardı. Romantik kahraman her zaman topluma, tüm dünyaya karşı olmuştur. Bu nedenle romantizm döneminde yazarların böyle bir kahraman imajına yakın temalara yönelmeleri oldukça mantıklıdır: ölüm teması, yol ve gezinti teması, doğa teması. Romantik eserlerde, sıkıcı maddi dünyayı istila eden fantezi unsurlarına çok yer ayrılmıştı.

Romantizm döneminde çalışan bestecilerin kendilerine ait bir müzik dili vardı. Melodiye, kelimenin anlamını vurgulamaya ve sanatsal ifadeye büyük önem verdiler (son söz aynı zamanda eşlik için de geçerlidir).

Uyum gözle görülür şekilde dönüştürüldü ve zenginleştirildi. Uyum, tutkular, halsizlik, ruh hallerinin zıtlığı, gerilim ve eserlerin fantastik başlangıcı aktarıldı. Böylece melodi, doku ve uyum aynı önemdedir.

Dolayısıyla Romantik dönem müziğinin temel özelliklerine sanat ve türlerin sentezi denilebilir; melodi, eşlik ve uyum arasındaki özel ifade ve yakın ilişki; zıtlık; fantastik; artan duygusallık ve ifade.

3. Romantik müziğin coğrafyası.

Romantizm oldukça geniş bir alanı kapsıyordu: Avrupa ve Rusya'dan Amerika'ya ve her yerde gelişimi özel olarak gerçekleştirildi. Avrupa'da bu dönemde bazı ülkelerdeki müzik sanatı hem kültürel ortaklığa hem de farklılıklara sahipti. Örneğin Avusturya ve Almanya'nın müziği yaklaşık olarak aynı yönde gelişti. Bu ülkelerin müzikal romantizmi, edebiyatını güçlü bir şekilde ortaya koyan Viyana Müzik Okulu'ndan etkilenmiştir. Ortak dil de onları bir araya getirdi. Alman-Avusturya romantizmi yalnızca çeşitli türlerdeki ileri çalışmalarla değil, aynı zamanda aktif aydınlanmayla da ayırt edildi. Alman ve Avusturya romantizminin belirleyici özelliği şarkı söylemedir.

Polonya'da romantizm, Polonya halk müziğinin karakteristik bir özelliği olan vokal ve enstrümantallığın bir birleşimidir. Böylece, F. Chopin'in tonlamalarında, Polonya halk müziğinin destansı türünün - Polonya Dumasının yankıları oldukça net bir şekilde duyulabilir. Gelişiminin olgun dönemindeki bu tür, genellikle kederli bir tonda, yavaş bir destansı koro ile karakterize edilir. Ve ardından gelen çarpıcı derecede yoğun bölümler, ilk koronun melodisinin geri dönüşüyle ​​​​değişiyor. Chopin'in baladları ve benzeri eserleri için prototip görevi görenlerin Batı Slav dumaları olduğuna şüphe yok. Dolayısıyla Polonya romantizminin temeli halk sanatıdır.

İtalyan romantizmi, opera sanatının benzeri görülmemiş bir gelişmesidir; Bel Canto'nun kalkışı. Böylece İtalyan operası dünya çapında bu yönde lider konuma gelmiştir. Fransa'da da opera önde gelen anlamlardan birini kazanıyor. Bunun büyük bir kısmı, bu ülkenin ulusal özelliklerini doğrudan yansıtan komik opera gibi ilginç bir fenomenin yaratıcısı olan G. Berlioz'a (1803 - 1869) aittir.

Rusya'da romantizm, Decembristlerin, Büyük Fransız Devrimi'nin ve 1812 Napolyon Savaşı'nın fikirlerinin etkisi altında gelişti, yani küresel sosyal olaylarla ilişkilendirildi. Vatandaşlık ve vatana hizmet ilkeleri, milli bilinç fikrinin açıkça duyulduğu müzik sanatına aktarıldı. Böylece, tüm ülkelerin müzikal romantizmi ortak özelliklerle birleşti: yüksek maneviyat arzusu, güzellik hayalleri ve insanın şehvetli alanının bir yansıması.

4. Romantik dönemin büyük bestecileri ve müzisyenleri.

Romantizm müzik kültürüne birçok muhteşem besteci kazandırdı: F. Liszt (1811 - 1886, Macaristan), R. Schumann (1810 - 1856, Almanya), F. Schubert (1797 - 1828, Avusturya), K. Weber (1786 - 1826, Almanya) ), R. Wagner (1813 - 1883, Almanya), J. Bizet (1838 - 1875, Fransa), N. Paganini (1782 - 1840, İtalya), E. Grieg (1843 - 1907, Norveç), G. Verdi ( 1813 - 1901, İtalya), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven (yaratıcılığın son aşaması, Almanya), vb. Bazılarının çalışmalarını kısaca tanımlayalım.

Franz Liszt, W.A. Mozart genç bir virtüözdü ve çok erken yaşta bir piyanist olarak halkın önünde performans sergileyerek Avrupa'nın kendisinden bahsetmesini sağladı. Besteci olarak yeteneği de aynı erken dönemde kendini gösterdi. Daha sonra F. Liszt turne ve beste faaliyetlerini birleştirdi. Ayrıca senfonik müziğin piyano için transkripsiyonlarını da yaptı ve haklı olarak büyük bir eğitimci olarak kabul edilebilir.

F. Liszt'in orijinal eserleri ustalık ve derinlik, ifade ve çılgınlık ile karakterize edilir. Bunlar onun ünlü döngüsel eserleri: “Gezinme Yılları”, “Aşkın Performans Etüdleri”, “Paganini'nin Kaprislerinden Sonra Büyük Etüdler”, “Macar Rapsodileri”. F. Liszt, Macar müzik kültürünün popülerleşmesine ve gelişmesine büyük katkı sağladı.

Franz Schubert, Romantik dönemin büyük bestecileri arasında yer alan ilk besteci olarak kabul edilir. Müziği saf, neşeli, şiirsel ama aynı zamanda hüzünlü, soğuk ve umutsuz. Romantikler için tipik olduğu gibi, F. Schubert'in müziği zıtlıktır, ancak özgürlüğü ve kolaylığı, melodilerin güzelliği ile hayrete düşürüyor.

F. Schubert, gerçek şaheserler olan çok sayıda şarkı yazdı. Bu özellikle V.I.'nin şiirlerine yazılan eserler için geçerlidir. Goethe (“Orman Kralı”, “Çıkrıktaki Gretchen”) ve diğerleri.

Besteci ayrıca diğer türlerde de çalıştı: operalar, oda vokalleri ve enstrümantal eserler. Yine de her şeyden önce F. Schubert'in adı şarkıları ve çeşitli döngüleriyle ilişkilendiriliyor: "Güzel Değirmencinin Karısı", "Kış Reise", "Kuğu Şarkısı".

Fransız besteci Georges Bizet, eşsiz opera Carmen'in yazarı olarak dünya kültür tarihine girdi. Zaten on yaşındayken Paris Konservatuarı'nda öğrenci oldu. Yaratıcı kariyerinin başlangıcında genç besteci kendini farklı türlerde denedi ama opera onun gerçek tutkusu oldu. Carmen'in yanı sıra İnci Balıkçıları, Perth'in Güzelliği ve Jamile gibi operalar da yazdı. A. Daudet'in aynı isimli draması için yazdığı “Arlesian” müzikleri de öne çıkıyor. J. Bizet, haklı olarak Fransa'nın seçkin bir bestecisi olarak kabul ediliyor.

Edvard Grieg, bu ülkenin sembollerinden biri olan Norveç'in en ünlü bestecisidir. Müziği, bu bestecinin yaratıcı düşüncesinin benzersiz bireyselliğini gösteren, farklı ve orijinal bir olgudur. E. Grieg'in “Piyano Konçertosu”, romantizm, “Şarkı Sözü Parçaları”, “İkinci Keman Sonatı” ve tabii ki G. Ibsen'in oyunu için müzik olan “Peer Gynt” dahil olmak üzere eserleri, başkalarının malı haline geldi. sadece Norveç müziği, aynı zamanda dünya müziği.

Romantizmi kişileştirenlerden biri İtalyan kemancı ve besteci Niccolo Paganini'dir. Sanatının en doğru tanımları parlaklık, deha, çılgınlık, isyandır. Bugün hâlâ ünlü kemancıların repertuarında yer alan virtüöz ve tutkulu eserler yazdı. Birinci ve İkinci Keman Konçertoları, “24 Capricci”, “Venedik Karnavalı” ve “Perpetual Motion”dan bahsediyoruz. Ayrıca N. Paganini mükemmel bir doğaçlamacıydı ve solo keman için opera parçalarının aranjmanlarını ve çeşitlemelerini yaptı. Romantik dönemin birçok figürüne ilham kaynağı oldu.

Seçkin Polonyalı besteci Fryderyk Chopin'in (1810 - 1849) müziğinden bahsederken, öncelikle bunun Chopin'in sanatında çeşitli ifadeler bulan "Polonya halkının ruhu" olduğunu söylemekte fayda var. Müziği sayfalarca destansı ihtişam ve kahramanca yükseliş içeriyor. Chopin'in müziğinin trajik bölümlerinde cesur bir kalbin hüznü duyulabilir. Chopin'in sanatı, içinde yaşamak ve yaratmak zorunda olduğu dönemin ilerici ideallerinden ilham alan, vatansever bir sanatçının, hümanist bir sanatçının derin bir halk sanatıdır.

Chopin'in besteci olarak kariyeri, Polonya'nın günlük danslarının (mazurka, polonez, vals) bestelenmesiyle başladı. O da geceye yöneldi. Onun "G minör Ballad", "B minör Scherzo" ve "Do minör Etüd"ünün piyano müziği için devrim niteliğinde olduğu ortaya çıktı. F. Chopin'in etütleri ve prelüdleri (F. Liszt'in etütleriyle birlikte) Romantik dönemin piyano tekniğinin zirvesidir.

Romantizm Rus topraklarında çok iyi kök saldı. Yeni dünya görüşü aydınların zihinlerinde ve ruhlarında bir karşılık buldu. Onun tüm dünyayı saran kötülüğe karşı direniş anlayışının Rus sanatına ve edebiyatına çok yakın olduğu ortaya çıktı.

Romantizmin tezahürlerinden biri Rus romantik düzyazıydı. 19. yüzyılın ilk yarısında ortaya çıkan bu durum, başlı başına benzersiz bir olgu haline geldi. Sadece büyük Rus yazarların değil, aynı zamanda ikinci kademe yazarların isimleri de sunulmaktadır. Bu yazarların bazı eserleri fanteziye olan ilgiyi, sıra dışı ve gerçeküstü bir atmosferi, büyülü bir olay örgüsünü ve tuhaf karakterleri açıkça göstermektedir. Bu eserlerde Hoffmann'ın izi hissedilebiliyor, ancak Rus gerçekliğinden kırılıyor. Almanya'da olduğu gibi bu dönemin Rus müziği de edebiyatla yakından bağlantılıydı. Bu, V.F.'nin çalışması örneğinde görülebilir. Her iki alanda da başarılı olan Odoevsky (1804 - 1869).

Genel olarak romantik dönem, seçkin bestecilerden oluşan bir galaksi yarattı. Bu P. I. Çaykovski (1840 - 1893), A. A. Alyabyev (1787 - 1851), A. P. Borodin (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), M.P. Mussorgsky (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Scriabin (1872 - 1915), Ts.A. 

Cui (1835 - 1915), S.V. 

Bu dönemde bestecilerin faaliyetlerinin yanı sıra yaratıcı dernekler de büyük rol oynadı. Genel olarak bu, müzik hayatı da dahil olmak üzere Rusya için büyük ve önemli değişikliklerin yaşandığı bir dönemdi. Bilim ve edebiyatta Rus sanatını da beraberinde getiren bir gelişme var. En iyi temsilcileri sanatın büyük toplumsal gücünün farkına varmaya başlıyor. Yani çağın trendleri müziği de kapsıyor, edebiyatın onun üzerindeki etkisi artıyor ve bunun sonucunda etkileşimleri artıyor. Diğer sanat türleriyle ilişkilerinin kapsamı genişliyor, çeşitli müzik toplulukları ortaya çıkıyor: Dargomyzhsky'nin çevresi, Rubinstein'ın çevresi, Belyaev'in çevresi ve son olarak Balakirev'in "Mighty Handful" adı verilen müzik topluluğu.

"Kudretli Bir Avuç" ifadesi eleştirmen V.V. Stasov'un (1824 - 1906). Bu oksimoron ifade daha sonra popüler hale geldi ve M.A.'nın etrafında gruplanan müzisyenlere atıfta bulunarak hem saygılı hem de ironik bağlamlarda tekrarlandı. Balakireva.

Her şeyden önce Rus halk sanatına olan ilgiyi canlandırmaya çalıştılar. Müziğin milli özgünlüğüne büyük önem vererek, haklı olarak bunun ancak bestecinin türkü kökenlerine yönelmesiyle sağlanabileceğine inanıyorlardı. Yalnızca salon kompozisyonlarıyla büyümüş olan hiç kimse, en iyileri bile, değerli bir şey yaratamayacaktır. Şimdiye kadar Balakirev çevresinin üyeleri, nadir istisnalar dışında (yani M.I. Glinka, 1804 - 1857) profesyonel müziğin halk sanatından uzak olduğuna inanıyordu. "Kuchkistlerin" anlayışına göre besteci, halk müziğinin ruhunu kendisine aşılamakla yükümlüdür. Dolayısıyla Rus romantizmi Rus ulusal sanatıdır.

5. Sonuç.

18. - 19. yüzyılların başında Avrupa sanatında dünyaya yeni, romantik bir bakış. Romantizmde gündelik dünya, dramatik kahramanın gündelik hayattan kaçmayı umarak koştuğu fantastik dünyaya bitişiktir. Romantikler sanatın bir olduğuna inanıyordu; Şiir ve müzik özellikle yakındır. Müzik, şairin düşüncesini "yeniden anlatabilir", edebi bir kahramanın imajını çizebilir ve şiir, müzikalitesi ile çoğu zaman hayrete düşürür. Yeni sanat eğilimi büyük romantik bestecilerin eserlerine de yansıdı.

Müzikal romantizmin kendi kahramanları, kendi temaları, kendi estetik ilkeleri ve sanatsal dili vardı. Amacı, tür veya tür sınırlamalarıyla sınırlı olmayan, özgür biçimdi. Müzikal romantizm çok uzun zamandır var oldu ve zengin meyveler getirdi.

Ancak kriz anı geldi. Bu, yirminci yüzyılın kendine özgü eğilimleriyle yaklaşmasının romantizm ideallerini yok etmeye başladığı bir dönemde gerçekleşti. Ve zamanla yerini modernizme bıraksa da romantizm sonsuzluğa gömülmemiş, gelenekleri yeni yüzyılın sanatında, hatta modern zamanımızda da yaşamaya devam etmiştir.

6. Referansların listesi.

1.Belousova S.S. Romantizm. - M .: Rosman, 2004. - 115 s.

2. Galatskaya V.S. Alman besteci Robert Schumann/W.S. Galatskaya. - M .: Bilgi, 1956. - 33 s.

3. Gordeeva E.M. Güçlü grup / E.M. Gordeeva. - M.: Müzik. - 270 sn.

4.Solovtsov A.A. Fryderyk Chopin. Yaşam ve yaratıcılık. - Devlet Müzik Yayınevi/A.A. Solovtsov. - Moskova, 1960. - 504 s.

Müziğin kısa tarihi. Henley Daren'in en eksiksiz ve özlü referans kitabı

Geç Romantikler

Geç Romantikler

Bu dönemin bestecilerinin çoğu 20. yüzyıla kadar müzik yazmaya devam etti. Ancak müziklerinde romantizm ruhu güçlü olduğu için onlardan bir sonraki bölümde değil, burada bahsedeceğiz.

Bunlardan bazılarının “Erken Romantikler” ve “Milliyetçiler” alt bölümlerinde adı geçen bestecilerle yakın bağlarını ve hatta dostluklarını sürdürdüklerini belirtmek gerekir.

Ayrıca bu dönemde Avrupa'nın farklı ülkelerinde o kadar çok muhteşem bestecinin çalıştığını ve bunların herhangi bir ilkeye göre bölünmesinin tamamen şarta bağlı olacağını da unutmamak gerekir. Klasik dönem ile Barok döneme ilişkin çeşitli literatürde yaklaşık olarak aynı zaman dilimlerinden bahsediliyorsa, romantik dönem her yerde farklı şekilde tanımlanıyor demektir. Müzikte Romantik dönemin sonu ile 20. yüzyılın başı arasındaki çizginin oldukça bulanık olduğu görülüyor.

19. yüzyıl İtalya'sının önde gelen bestecisi şüphesiz Giuseppe Verdi. Parıldayan gözlerle bize bakan bu kalın bıyıklı ve kaşlı adam, diğer tüm opera bestecilerinden tam bir baş daha uzun boyluydu.

Verdi'nin tüm eserleri kelimenin tam anlamıyla parlak, unutulmaz melodilerle doludur. Toplamda yirmi altı opera yazdı ve bunların çoğu bugün düzenli olarak sahneleniyor. Bunlar arasında tüm zamanların opera sanatının en ünlü ve en seçkin eserleri bulunmaktadır.

Verdi'nin müziği, bestecinin yaşamı boyunca büyük saygı gördü. Prömiyerde Hades seyirciler o kadar uzun süre alkışladılar ki, sanatçılar otuz iki kez selam vermek zorunda kaldı.

Verdi zengin bir adamdı, ancak para bestecinin hem eşlerini hem de iki çocuğunu erken ölümlerden kurtaramadı, bu yüzden hayatında trajik anlar yaşandı. Servetini, Milano'da kendi liderliğinde inşa edilen eski müzisyenlerin barınağına miras bıraktı. Verdi, müziğin değil barınağın yaratılmasının en büyük başarısı olduğunu düşünüyordu.

Verdi isminin öncelikle operalarla ilişkilendirilmesine rağmen, onun hakkında konuşurken bahsetmemek mümkün değil. Requiem, koro müziğinin en güzel örneklerinden biri olarak kabul edilir. Drama dolu ve operanın bazı özellikleri burada görülüyor.

Bir sonraki bestecimize en çekici kişi denemez. Genel olarak bu, kitabımızda bahsedilenlerin en skandal ve tartışmalı figürüdür. Sadece kişilik özelliklerine göre bir liste yapacak olsak Richard Wagner Ben asla bu konuya girmezdim. Ancak biz sadece müzikal kriterlere göre hareket ediyoruz ve klasik müzik tarihi bu kişi olmadan düşünülemez.

Wagner'in yeteneği inkar edilemez. Romantizm döneminin en önemli ve etkileyici müzik eserlerinden bazıları, özellikle de opera onun kaleminden çıktı. Aynı zamanda Yahudi aleyhtarı, ırkçı, bürokratik işbirlikçi, son derece düzenbaz ve hatta ihtiyacı olan her şeyi almaktan çekinmeyen, pişmanlık duymadan kaba davranan bir hırsız olarak da tanımlanır. Wagner'in kendine karşı abartılı bir özgüveni vardı ve dehasının kendisini diğer insanlardan üstün tuttuğuna inanıyordu.

Wagner operalarıyla anılıyor. Alman operasını bambaşka bir boyuta taşıyan bu besteci, Verdi ile aynı dönemde doğmasına rağmen müziği dönemin İtalyan eserlerinden oldukça farklıydı.

Wagner'in yeniliklerinden biri, her ana karaktere kendi müzik temasının verilmesiydi ve bu, sahnede önemli bir rol oynamaya her başladığında bu tekrarlandı.

Bugün apaçık görünüyor ama o zamanlar bu fikir gerçek bir devrim yarattı.

Wagner'in en büyük başarısı bisikletti Nibelung'un Yüzüğü, dört operadan oluşan: Ren Altın, Valkyrie, Siegfried Ve Tanrıların ölümü. Genellikle arka arkaya dört akşam yapılır ve toplamda yaklaşık on beş saat sürer. Bu operalar tek başına bestecilerini yüceltmeye yeterdi. Wagner'in kişi olarak tüm belirsizliğine rağmen onun olağanüstü bir besteci olduğu kabul edilmelidir.

Wagner'in operalarının ayırt edici özelliği uzunluklarıdır. Onun son operası Parsifal dört saatten fazla sürer.

Orkestra şefi David Randolph bir keresinde onun hakkında şunları söylemişti:

“Bu, saat altıda başlayan ve üç saat sonra kol saatinize baktığınızda saatin 6:20’yi gösterdiği türden bir opera.”

Hayat Anton Bruckner Bir besteci olarak bu, nasıl pes etmemeniz ve kendi başınıza ısrar etmemeniz gerektiği konusunda bir derstir. Günde on iki saat pratik yaptı, tüm zamanını çalışmaya adadı (bir orgcuydu) ve kendi başına müzik hakkında çok şey öğrendi, oldukça olgun bir yaşta - otuz yedi yaşında - yazışma yoluyla beste yapma sanatında ustalaşmayı bitirdi.

Bugün insanlar en çok Bruckner'ın toplam dokuzunu yazdığı senfonilerini hatırlıyor. Zaman zaman bir müzisyen olarak değeri konusunda şüphelere kapıldı ama hayatının sonuna doğru da olsa yine de tanınmayı başardı. Bunu gerçekleştirdikten sonra Senfoniler No.1 eleştirmenler nihayet o zamana kadar kırk dört yaşında olan besteciyi övdü.

Johannes Brahms tabiri caizse elinde gümüş bir sopayla doğmuş bestecilerden biri değil. Doğduğunda aile eski servetini kaybetmişti ve geçimini zar zor sağlıyordu. Gençliğinde memleketi Hamburg'un genelevlerinde oynayarak geçimini sağlıyordu. Brahms yetişkinliğe ulaştığında şüphesiz hayatın daha az çekici yönleriyle tanışmıştı.

Brahms'ın müziği arkadaşı Robert Schumann tarafından tanıtıldı. Schumann'ın ölümünden sonra Brahms, Clara Schumann'la yakınlaştı ve sonunda ona aşık oldu. Ne tür bir ilişkileri olduğu tam olarak bilinmiyor, ancak ona karşı olan duyguları muhtemelen diğer kadınlarla ilişkilerinde bir rol oynamış olsa da - hiçbirine kalbini vermedi.

Brahms oldukça kontrolsüz ve sinirli bir insandı, ancak arkadaşları onun içinde bir nezaket olduğunu iddia etti, ancak bunu etrafındakilere her zaman göstermedi. Bir gün bir partiden eve dönerken şunları söyledi:

"Orada kimseyi kırmadıysam af diliyorum."

Brahms, en şık ve zarif giyimli besteci yarışmasını kazanamazdı. Yeni kıyafetler almaktan nefret ediyordu ve çoğu zaman aynı bol, yamalı pantolonu giyiyordu; neredeyse her zaman ona çok kısa geliyordu. Bir performans sırasında pantolonu neredeyse düşüyordu. Başka bir sefer kravatını çıkarıp kemer yerine takmak zorunda kaldı.

Brahms'ın müzik tarzı Haydn, Mozart ve Beethoven'dan büyük ölçüde etkilenmiştir ve hatta bazı müzik tarihçileri onun çoktan modası geçmiş olan klasisizm ruhuyla yazdığını iddia etmektedir. Aynı zamanda birçok yeni fikrin de sahibidir. Özellikle küçük müzik pasajları geliştirmeyi ve bunları eser boyunca tekrarlamayı başardı; besteciler bunu "tekrarlanan motif" olarak adlandırıyor.

Brahms opera yazmadı ama klasik müziğin hemen hemen tüm diğer türlerinde kendini denedi. Bu nedenle kitabımızda adı geçen en büyük bestecilerden biri, klasik müziğin gerçek devi denilebilir. Kendisi çalışmaları hakkında şunları söyledi:

"Yazmak zor değil ama masanın altına fazladan not atmak şaşırtıcı derecede zor."

Max Bruch Brahms'tan sadece beş yıl sonra doğdu ve Brahms tek bir eseri olmasa bile kesinlikle onu gölgede bırakırdı. Keman Konçertosu No. 1.

Bruch, pek çok besteci için alışılmadık bir alçakgönüllülükle şunu ileri sürerek bu gerçeği kendisi de kabul etti:

"Bundan elli yıl sonra Brahms tüm zamanların en büyük bestecilerinden biri olarak anılacak ve ben Sol minör Keman Konçertosu'nu yazdığım için hatırlanacağım."

Ve haklıydı. Doğru, Bruch'un kendisinin de hatırlaması gereken bir şey var! Toplamda iki yüze yakın pek çok eser besteledi, özellikle korolar ve operalar için günümüzde nadiren sahnelenen pek çok eser yazdı. Müziği melodiktir ancak gelişimine özellikle yeni bir katkıda bulunmamıştır. Onunla karşılaştırıldığında, o zamanın diğer birçok bestecisi gerçek yenilikçiler gibi görünüyor.

1880'de Bruch, Liverpool Kraliyet Filarmoni Topluluğu'nun şefi olarak atandı, ancak üç yıl sonra Berlin'e döndü. Orkestra müzisyenleri ondan memnun değildi.

Kitabımızın sayfalarında zaten pek çok müzik dehasıyla tanıştık ve Camille Saint-Sans bunlar arasında en az sırada yer alıyor. Saint-Saens, iki yaşındayken piyanoda melodi seçiyordu ve aynı zamanda müzik okumayı ve yazmayı da öğrendi. Üç yaşındayken kendi bestesinin oyunlarını oynadı. On yaşındayken Mozart ve Beethoven'ı çok güzel seslendirdi. Aynı zamanda entomolojiye (kelebekler ve böcekler) ve ardından jeoloji, astronomi ve felsefe dahil diğer bilimlere ciddi şekilde ilgi duymaya başladı. Görünüşe göre bu kadar yetenekli bir çocuk kendini tek bir şeyle sınırlayamıyordu.

Saint-Saens, eğitimini Paris Konservatuarı'nda tamamladıktan sonra uzun yıllar orgcu olarak çalıştı. Büyüdükçe Fransa'nın müzik hayatını etkilemeye başladı ve onun sayesinde J. S. Bach, Mozart, Handel ve Gluck gibi bestecilerin müzikleri daha sık icra edilmeye başlandı.

Saint-Saens'in en ünlü eseri hayvan karnavalı, bestecinin yaşamı boyunca icra edilmesini yasakladığı. Bu çalışmayı dinleyen müzik eleştirmenlerinin bunu çok anlamsız bulacağından endişeliydi. Sonuçta, orkestranın sahnede bir aslanı, horozlu tavukları, kaplumbağaları, bir fili, bir kanguruyu, balıklı bir akvaryumu, kuşları, bir eşeği ve bir kuğuyu tasvir etmesi komik.

Saint-Saens diğer eserlerinden bazılarını çok yaygın olmayan enstrüman kombinasyonları için yazdı; "Organ" Senfoni No. 3,“Babe” filminde duyuldu.

Saint-Saens'in müziği, diğer Fransız bestecilerin çalışmalarını da etkiledi. Gabriel Fore. Bu genç adam, daha önce Saint-Saens tarafından işgal edilen Paris St. Magdalene Kilisesi'ndeki orgcu pozisyonunu devraldı.

Ve Fauré'nin yeteneği öğretmeninin yeteneğiyle karşılaştırılamayacak olsa da muhteşem bir piyanistti.

Faure zengin bir adam değildi ve bu nedenle çok çalıştı, org çaldı, koroyu yönetti ve ders verdi. Çok az olan boş zamanlarında yazdı ama buna rağmen iki yüz elliden fazla eserini yayınlamayı başardı. Bazılarının oluşturulması çok uzun zaman aldı; örneğin, üzerinde çalışmak Ağıt yirmi yıldan fazla sürdü.

1905'te Fauré, Paris Konservatuarı'nın müdürü oldu, yani o zamanın Fransız müziğinin gelişiminin büyük ölçüde bağlı olduğu kişi. On beş yıl sonra Fauré emekli oldu. Hayatının sonlarında işitme kaybı yaşadı.

Bugün Fauré, Fransa dışında saygı görüyor, ancak en çok orada değer veriliyor.

İngiliz müziğinin hayranları için böyle bir figürün ortaya çıkışı Edward Elgar, Gerçek bir mucize gibi görünmüş olmalı. Pek çok müzik tarihçisi onu Barok dönemde çalışan Henry Purcell'den sonra ilk önemli İngiliz besteci olarak adlandırıyor, ancak Arthur Sullivan'dan biraz daha önce bahsetmiştik.

Elgar İngiltere'yi, özellikle de hayatının çoğunu Malvern Tepeleri'ndeki tarlalardan ilham alarak geçirdiği memleketi Worcestershire'ı çok seviyordu.

Çocukken her yerde müzikle çevriliydi: Babasının yerel bir müzik mağazası vardı ve küçük Elgar'a çeşitli müzik enstrümanlarını çalmayı öğretiyordu. On iki yaşındayken, çocuk zaten kilise ayinlerinde orgcunun yerini alıyordu.

Bir avukatın ofisinde çalıştıktan sonra Elgar, kendisini mali açıdan çok daha az güvenilir bir mesleğe adamaya karar verdi. Bir süre yarı zamanlı çalıştı, keman ve piyano dersleri verdi, yerel orkestralarda çaldı ve hatta biraz orkestra şefliği yaptı.

Elgar'ın bir besteci olarak ünü yavaş yavaş arttı, ancak doğduğu bölgenin dışına çıkmakta zorluk çekiyordu. Ona şöhret getirdi Orijinal bir temanın varyasyonları,şimdi daha iyi bilinenler Enigma Varyasyonları.

Artık Elgar'ın müziği oldukça İngiliz olarak algılanıyor ve büyük ulusal etkinliklerde duyuluyor. İlk seslerde Çello Konçertosuİngiliz kırsalı hemen beliriyor. Nemrut itibaren Varyasyonlar genellikle resmi törenlerde çalınır ve 1 numaralı ciddi ve tören yürüyüşü, olarak bilinir Umut ve zafer ülkesi, Birleşik Krallık'taki balolarda sahne aldı.

Elgar bir aile babasıydı ve sakin, düzenli bir yaşamı seviyordu. Ancak yine de tarihe damgasını vurdu. Kalın, gür bıyıklı bu besteci, yirmi poundluk banknotta hemen fark ediliyor. Açıkçası, banknot tasarımcıları bu tür sakalların taklit edilmesinin çok zor olacağını düşünüyorlardı.

İtalya'da Giuseppe Verdi'nin opera sanatındaki halefi Giacomo Puccini, bu sanat formunun dünyanın tanınmış ustalarından biri olarak kabul edilir.

Puccini ailesi uzun süredir kilise müziğiyle ilgileniyordu ama Giacomo operayı ilk kez duyduğunda Aida Verdi, bunun onun mesleği olduğunu fark etti.

Puccini, Milano'da okuduktan sonra bir opera besteledi Manon Lescaut, Bu ona 1893'te ilk büyük başarısını getirdi. Bundan sonra başarılı bir yapım diğerini takip etti: Bohemya 1896'da Hasret 1900'de ve Madam Kelebek 1904'te.

Toplamda Puccini on iki opera besteledi; bunlardan sonuncusu Turandot. Bu eserini tamamlayamadan öldü ve eseri başka bir besteci tamamladı. Operanın galasında şef Arturo Toscanini orkestrayı tam Puccini'nin durduğu yerde durdurdu. Seyirciye döndü ve şöyle dedi:

Puccini'nin ölümüyle İtalyan operasının altın çağı sona erdi. Kitabımızda artık İtalyan opera bestecilerinden bahsedilmeyecek. Ama geleceğin bizim için neler getireceğini kim bilebilir?

Yaşam boyunca Gustav Mahler besteciden çok orkestra şefi olarak tanınıyordu. Kışın idare etti ve yazın kural olarak yazmayı tercih etti.

Mahler'in çocukluğunda büyükannesinin evinin çatı katında bir piyano bulduğu söyleniyor. Dört yıl sonra on yaşındayken ilk performansını sergiledi.

Mahler, müzik bestelemeye başladığı Viyana Konservatuarı'nda okudu. 1897'de Viyana Devlet Operası'nın müdürü oldu ve sonraki on yıl içinde bu alanda önemli bir üne kavuştu.

Kendisi üç opera yazmaya başladı ama onları bitiremedi. Zamanımızda öncelikle senfoni bestecisi olarak biliniyor. Bu türde gerçek "hit"lerden birine sahip - Senfoni No.8, Performansına binden fazla müzisyen ve şarkıcı katılıyor.

Mahler'in ölümünden sonra müziği yaklaşık elli yıl kadar demode oldu, ancak 20. yüzyılın ikinci yarısında özellikle Büyük Britanya ve ABD'de yeniden popülerlik kazandı.

Richard Strauss Almanya'da doğdu ve Viyana Strauss hanedanına ait değildi. Bu bestecinin neredeyse 20. yüzyılın ilk yarısının tamamını yaşamış olmasına rağmen, hâlâ Alman müzikal romantizminin temsilcisi olarak kabul ediliyor.

Richard Strauss'un dünya çapındaki popülaritesi, 1939'dan sonra Almanya'da kalmaya karar vermesi ve hatta İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra Nazilerle işbirliği yapmakla suçlanması nedeniyle biraz zarar gördü.

Strauss mükemmel bir orkestra şefiydi ve bu sayede orkestradaki belirli bir enstrümanın nasıl ses çıkarması gerektiğini mükemmel bir şekilde anlamıştı. Bu bilgiyi sıklıkla pratikte uyguladı. Ayrıca diğer bestecilere çeşitli tavsiyelerde bulundu:

"Asla trombonlara bakmayın, yalnızca onları teşvik edersiniz."

“İcra yaparken terlemeyin; Yalnızca dinleyiciler heyecanlanmalı.”

Günümüzde Strauss öncelikle çalışmalarıyla anılıyor Böyle konuştu Zerdüşt, Stanley Kubrick'in 2001: A Space Odyssey filminde kullandığı giriş. Ama aynı zamanda en iyi Alman operalarından bazılarını da yazdı: Der Rosenkavalier, Salome Ve Naxos'ta Ariadne.Ölümünden bir yıl önce de çok güzel besteler yapmıştı. Son dört şarkı ses ve orkestra için. Genel olarak bunlar Strauss'un son şarkıları değildi, ancak onun yaratıcı faaliyetinin bir nevi finali oldular.

Şimdiye kadar bu kitapta adı geçen besteciler arasında İskandinavya'nın yalnızca bir temsilcisi vardı - Edvard Grieg. Ama şimdi yeniden bu sert ve soğuk ülkeye, bu kez doğduğum yer olan Finlandiya'ya nakledildik. Jean Sibelius, büyük müzik dehası.

Sibelius'un müziği, memleketinin mitlerini ve efsanelerini özümsemişti. Onun en büyük eseri Finlandiya, Tıpkı Büyük Britanya'da Elgar'ın eserlerinin ulusal bir hazine olarak tanınması gibi, Fin ulusal ruhunun vücut bulmuş hali olarak kabul edilir. Üstelik Sibelius da Mahler gibi gerçek bir senfoni ustasıydı.

Bestecinin diğer tutkularına gelince, günlük hayatında içki ve sigaraya aşırı derecede düşkündü ve kırk yaşında gırtlak kanserine yakalandı. Ayrıca çoğu zaman parası da yoktu ve maddi durumu hakkında endişelenmeden müzik yazmaya devam edebilmesi için devlet ona emekli maaşı sağlıyordu. Ancak ölümünden yirmi yıldan fazla bir süre önce Sibelius hiçbir şey bestelemeyi bıraktı. Hayatının geri kalanını göreceli yalnızlık içinde yaşadı. Müziğiyle ilgili eleştiriler karşılığında para alanlara karşı özellikle sert davrandı:

“Eleştirmenlerin söylediklerine aldırış etmeyin. Şu ana kadar tek bir eleştirmene heykel verilmedi.”

Romantik dönem bestecileri listemizin sonuncusu da, en ünlü eserlerinin çoğunu 1900'lü yıllarda yazmış olmasına rağmen, neredeyse 20. yüzyılın ortalarına kadar yaşamış. Yine de romantik olarak kabul ediliyor ve bize öyle geliyor ki tüm grubun en romantik bestecisi.

Sergey Vasilyeviç Rachmaninov o zamana kadar oldukça tükenmiş olan soylu bir ailede doğdu. Erken çocukluk döneminde müziğe ilgi gösterdi ve ailesi onu önce St. Petersburg'a, sonra Moskova'ya okumaya gönderdi.

Rachmaninov inanılmaz derecede yetenekli bir piyanistti ve aynı zamanda harika bir besteci olduğu da ortaya çıktı.

Bana ait Piyano Konçertosu No. 1 on dokuzunda yazdı. İlk operasına vakit buldu Aleko.

Ancak bu büyük müzisyen, kural olarak hayattan pek memnun değildi. Birçok fotoğrafta öfkeli, kaşlarını çatan bir adam görüyoruz. Başka bir Rus besteci Igor Stravinsky bir keresinde şöyle demişti:

“Rachmaninov'un ölümsüz özü onun kasvetiydi. Bir buçuk metrelik kaşları çatıktı... korkunç bir adamdı.”

Genç Rachmaninov, Çaykovski için oynadığında o kadar mutluydu ki, notuna dört artı ile A verdi; bu, Moskova Konservatuvarı tarihindeki en yüksek nottu. Kısa sürede tüm şehir genç yeteneklerden söz etmeye başladı.

Yine de kader müzisyene uzun süre kaba davrandı.

Eleştirmenler bu konuda çok sertti Senfoniler No.1, prömiyeri başarısızlıkla sonuçlandı. Bu, Rachmaninov'un zor duygusal deneyimlerine neden oldu, yeteneklerine olan inancını kaybetti ve hiçbir şey oluşturamadı.

Sonunda, yalnızca deneyimli psikiyatrist Nikolai Dahl'ın yardımıyla krizden kurtulmasına izin verildi. Rachmaninov, üzerinde uzun yıllar çalıştığı ve Dr. Dahl'a ithaf ettiği piyano konçertosunu 1901 yılında tamamladı. Bu sefer seyirciler bestecinin eserini büyük bir keyifle karşıladılar. O zamandan beri Piyano Konçertosu No.2 dünya çapında çeşitli müzik grupları tarafından icra edilen sevilen bir klasik haline geldi.

Rachmaninov, Avrupa ve ABD'yi gezmeye başladı. Rusya'ya döndüğünde yönetti ve besteledi.

1917 devriminden sonra Rachmaninov ve ailesi İskandinavya'da konserlere gitti. Bir daha eve dönmedi. Bunun yerine İsviçre'ye taşındı ve burada Lucerne Gölü kıyısında bir ev satın aldı. Her zaman su kütlelerini severdi ve artık oldukça zengin bir adam olduğu için kıyıda dinlenmeyi ve açılan manzarayı hayranlıkla izlemeyi göze alabilirdi.

Rachmaninov mükemmel bir orkestra şefiydi ve bu alanda öne çıkmak isteyenlere her zaman şu tavsiyeleri veriyordu:

“İyi bir şef, iyi bir sürücü olmalıdır. Her ikisi de aynı nitelikleri gerektirir: konsantrasyon, kesintisiz yoğun dikkat ve soğukkanlılık. Orkestra şefinin müzik hakkında biraz bilgi sahibi olması yeterli...”

1935'te Rachmaninov ABD'ye yerleşmeye karar verdi. İlk başta New York'ta yaşadı ve ardından Los Angeles'a taşındı. Orada kendisi için Moskova'da bıraktığı evin tamamen aynısı yeni bir ev inşa etmeye başladı.

Turchin VS

Romantizmin Üç Alt Bölümü Kitabımıza göz atarken, bunun tüm bölümlerin en büyüğü olduğunu ve en az otuz yedi besteciden söz edildiğini fark edeceksiniz. Birçoğu aynı anda farklı ülkelerde yaşadı ve çalıştı. Bu nedenle bu bölümü üç bölüme ayırdık: “Erken Dönem