Romantizm manzara resmi. Romantizmromantik okulun sanatçıları

18. yüzyılın sonunda, XIX'in başı Yüzyıllar boyunca klasisizm ve Aydınlanma fikirleri çekiciliğini ve geçerliliğini yitirdi. Klasisizmin kanonik tekniklerine ve Aydınlanma'nın ahlaki sosyal teorilerine yanıt olarak insana, onun iç dünyasına yönelen yeni, güç kazandı ve zihinleri ele geçirdi. Romantizm her alanda çok yaygınlaştı kültürel yaşam ve felsefe. Müzisyenler, sanatçılar ve yazarlar eserlerinde insanın yüksek amacını, onun zengin manevi dünyasını, duygu ve deneyimlerin derinliğini göstermeye çalıştılar. Artık sanat eserlerinde genel refah ve refahın “bulanık” fikirleri değil, kendi içsel mücadelesi, manevi arayışları ve deneyimleriyle insan ana tema haline geldi.

Resimde romantizm

Ressamlar, fikirlerin derinliğini ve kişisel deneyimlerini kompozisyon, renk ve vurguları kullanarak yaratımlarıyla aktarırlar. İÇİNDE farklı ülkeler Avrupa'nın romantik görüntülerin yorumlanmasında kendine has özellikleri vardı. Bunun nedeni felsefi hareketler sanatın yaşayan bir tepki olduğu sosyo-politik durumun yanı sıra. Resim bir istisna değildi. Küçük beyliklere ve düklüklere bölünmüş Almanya, ciddi toplumsal ayaklanmalar yaşamadı, sanatçılar devasa kahramanları tasvir eden anıtsal resimler yaratmadı, burada insanın derin manevi dünyası, güzelliği ve büyüklüğü ilgi uyandırdı, ahlaki arayış. Bu nedenle Alman resminde romantizm en çok portrelerde ve manzaralarda temsil edilir. Otto Runge'nin eserleri klasik tasarımlar bu tür. Ressamın yaptığı portrelerde yüz hatlarının, gözlerin incelikle işlenmesi, ışık ve gölge kontrastı aracılığıyla sanatçının kişiliğin tutarsızlığını, gücünü ve duygu derinliğini gösterme arzusu aktarılmaktadır. Sanatçı, ağaçların, çiçeklerin ve kuşların biraz fantastik, abartılı bir görüntüsü olan manzara aracılığıyla aynı zamanda insan kişiliğinin çok yönlülüğünü, doğayla benzerliğini, çeşitliliğini ve bilinmeyenini keşfetmeye çalıştı. Resimde romantizmin önde gelen bir temsilcisi, doğanın, dağların gücünü ve gücünü vurgulayan manzara sanatçısı K. D. Friedrich'ti. deniz manzaraları, insanla uyumlu.

Fransız resminde romantizm farklı ilkelere göre gelişmiştir. Devrimci ayaklanmalar ve çalkantılı sosyal yaşam, sanatçıların tarihi ve fantastik konuları, parlak bir şekilde elde edilen acıklı ve "gergin" bir heyecanla tasvir etme eğilimiyle resimde ortaya çıktı. renk kontrastı, hareketlerin ifadesi, biraz kaos, kompozisyonun kendiliğindenliği. Romantik fikirler en eksiksiz ve canlı bir şekilde T. Gericault ve E. Delacroix'in eserlerinde temsil edilmektedir. Sanatçılar rengi ve ışığı ustaca kullanarak, heyecan verici bir duygu derinliği, mücadele ve özgürlüğe yönelik yüce bir dürtü yarattılar.

Rus resminde romantizm

Rusça sosyal düşünce Avrupa'da ortaya çıkan yeni yönlere ve eğilimlere çok hevesli bir şekilde yanıt verdi. ve ardından Napolyon'la savaş - bunlar önemli tarihi olaylar Rus entelijansiyasının felsefi ve kültürel arayışlarını en ciddi şekilde etkileyen. Rus resminde romantizm üç ana manzarada temsil edildi: klasisizmin etkisinin çok güçlü olduğu anıtsal sanat ve romantik fikirler akademik kanonlarla yakından iç içe geçmişti.

On dokuzuncu yüzyılın başında, Rusya'nın yaratıcı aydınlarının, şairlerinin ve sanatçılarının tasvirine giderek daha fazla ilgi gösterildi. sıradan insanlar ve köylüler. Kiprensky, Tropinin, Bryullov ile büyük aşk"Modellerinin" manevi arayışını ve özgürlüğü seven karakterini aktarmak için bir bakışla, bir baş hareketiyle ve bir kostümün detaylarıyla kişinin kişiliğinin derinliğini ve güzelliğini göstermeye çalıştılar. İnsan kişiliğine ve onun sanattaki merkezi yerine duyulan büyük ilgi, otoportre türünün gelişmesine katkıda bulundu. Üstelik sanatçılar sipariş üzerine otoportreler yapmıyorlardı; bu yaratıcı bir dürtüydü, çağdaşlarına bir tür kişisel raporlamaydı.

Romantiklerin eserlerindeki manzaralar da özgünlükleriyle öne çıkıyordu. Resimdeki romantizm kişinin ruh halini yansıtıyor ve aktarıyordu; manzaranın onunla uyumlu olması gerekiyordu. Bu nedenle sanatçılar doğanın asi doğasını, gücünü ve kendiliğindenliğini tasvir etmeye çalıştılar. Bir yandan deniz unsurunu, güçlü ağaçları, dağ sıralarını tasvir eden Orlovsky, Shchedrin, güzelliği ve çok renkliliği aktardı gerçek manzaralarÖte yandan belli bir duygusal ruh hali yarattı.

ROMANTİK ÇAĞININ GENEL ÖZELLİKLERİ.

Romantizm - (Fransızca)romantizm), 18. yüzyılın sonları ve 19. yüzyılın ilk yarısının Avrupa ve Amerikan manevi kültüründe ideolojik ve sanatsal yön. Fransızca romantizmatalarının izini İspanyolcaya kadar sürüyorromantik(Orta Çağ'da İspanyol aşklarına bu deniyordu ve sonra romantik), İngilizce aracılığıylaromantik(romantik), Fransızcaya çevrilmiştirRomaneskve daha sonraromantik ve 18. yüzyılda anlamı. tuhaf, fantastik, pitoresk. 19. yüzyılın başında. Romantizm sözcüğü, klasisizmin karşıtı olan yeni bir edebiyat akımını ifade eden bir terim haline gelir.

Kelimenin geleneksel, özellikle tarihsel anlamıyla romantizm, tüm Avrupa ülkelerini kasıp kavuran Aydınlanma karşıtı hareketin doruk noktasıydı. Temel sosyo-ideolojik dayanağı, bireyin manevi yıkımının yanı sıra yeni karşıtlıklar ve karşıtlıklar getiren burjuva uygarlığında, sosyal, endüstriyel, politik ve bilimsel ilerlemede hayal kırıklığıdır.

Orta Çağ, İspanyol Barok ve İngiliz Rönesans sanat geleneklerini miras alan romantikler, insanın iç doğasının olağanüstü karmaşıklığını ve derinliğini ortaya çıkardı. Onlar için insan küçük bir evren, bir mikrokozmostur. Güçlü ve canlı duygulara, her şeyi tüketen tutkulara, ruhun gizli hareketlerine, yeni yönüne, bireye, bilinçdışına duyulan özlem, romantik sanatın temel özellikleridir.

Romantik eğilimlerin sanatın çeşitli alanlarında nasıl kendini gösterdiğini ele alalım.

MÜZİK.

Müzikte romantizm bir hareket olarak 1820'lerde ortaya çıktı. Neo-romantizm olarak adlandırılan gelişiminin son dönemi, 19. yüzyılın son on yıllarını kapsamaktadır. Müzikal romantizm ilk olarak Avusturya'da (F. Schubert), Almanya'da (C.-M. von Weber, R. Schumann, R. Wagner) ve İtalya'da (N. Paganini, V. Bellini, erken G. Verdi) ortaya çıktı; bir süre sonra Fransa'da (G. Berlioz, D. Aubert), Polonya'da (F. Chopin), Macaristan'da (F. Liszt). Bulduğu her ülkede ulusal üniforma; Bazen bir ülkede farklı romantik hareketler gelişti (Almanya'daki Leipzig ekolü ve Weimar ekolü). Klasisizmin estetiği, sanatsal imajın içsel istikrarı ve bütünlüğü ile plastik sanatlara odaklanmışsa, o zaman romantikler için müzik, içsel deneyimlerin sonsuz dinamiklerinin somutlaşmış hali olarak sanatın özünün bir ifadesi haline geldi.

Müzikal romantizm, anti-rasyonalizm, maneviyatın önceliği ve evrenselliği gibi romantizmin önemli genel eğilimlerini benimsemiştir. iç dünya insan, duygularının ve ruh hallerinin sonsuzluğu. Lirik prensibin, duygusal kendiliğindenliğin ve ifade özgürlüğünün özel rolü buradan kaynaklanmaktadır. Romantik yazarlar gibi müzikal romantikler de geçmişe, uzak egzotik ülkelere ilgiyle, doğa sevgisiyle, doğaya hayranlıkla karakterize edilir. halk sanatı. Çok sayıda halk hikâyesi, efsane ve inanış eserlerine aktarılmıştır. Halk şarkılarını profesyonel müzik sanatının temeli olarak görüyorlardı. Onlar için folklor, dışında sanatı hayal edemeyecekleri gerçek bir ulusal renk taşıyıcısıydı.

Romantik müzik, kendisinden önceki Viyana klasik okulunun müziğinden önemli ölçüde farklıdır. İçerik olarak daha az genelleştirilmiştir ve gerçekliği nesnel-düşünsel bir şekilde değil, bir kişinin (sanatçının) tüm renk zenginliğindeki kişisel deneyimleri aracılığıyla yansıtır. Karakteristik ve aynı zamanda portre-bireysel alana yönelme eğilimindedir ve iki ana çeşitte sabitlenir: psikolojik ve tür-gündelik. İroni, mizah ve hatta grotesk bile çok daha geniş bir şekilde temsil ediliyor. Aynı zamanda ulusal-yurtsever ve kahramanca kurtuluş temalarına (Chopin, Liszt, Berlioz) ilgi artıyor. Müzikal görselleştirme ve ses kaydı büyük önem kazanıyor. Anlamlı araçlar önemli ölçüde güncelleniyor. Melodi daha bireysel ve belirgin hale gelir, içsel olarak değiştirilebilir, zihinsel durumlardaki en ince değişimlere duyarlı hale gelir; armoni ve enstrümantasyon daha zengin, daha parlak, daha renkli hale geliyor. Klasiklerin dengeli ve mantıksal olarak sıralanmış yapılarının aksine, farklı karakteristik bölümlerin karşılaştırmalarının ve serbest kombinasyonlarının rolü artıyor.

Pek çok bestecinin odak noktası, romantikler arasında esas olarak masal-fantastik, büyülü, macera ve egzotik olay örgülerine dayanan en sentetik opera türüydü. İlk romantik opera Hoffmann'ın Ondine'iydi.

Enstrümantal müzikte senfoniler ve sonatlar belirleyici türler olmaya devam ediyor. Ancak onlar da içeriden dönüştüler. Çeşitli formlardaki enstrümantal kompozisyonlarda müzikal resme yönelik eğilimler daha net yansıtılmaktadır. Sonat allegrosunun ve sonat-senfonik döngüsünün özelliklerini birleştiren senfonik şiir gibi yeni tür çeşitleri ortaya çıkıyor. Görünüşü, müzik programlamanın romantizmde, edebiyatla birlik yoluyla enstrümantal müzikle zenginleştirilmiş sanatların sentez biçimlerinden biri olarak ortaya çıkmasından kaynaklanmaktadır. Enstrümantal balad da yeni bir türdü. Romantiklerin hayatı rengarenk bireysel durumlar, resimler, sahneler dizisi olarak algılama eğilimi, çeşitli minyatür ve döngü türlerinin geliştirilmesine yol açtı (Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, Brahms)

Müzik ve sahne sanatlarında romantizm, performansın duygusal yoğunluğunda, renk zenginliğinde, parlak kontrastlarda ve ustalıkta kendini gösterdi (Paganini, Chopin, Liszt). Daha önemsiz bestecilerin eserlerinde olduğu gibi, müzik performansında da romantik özellikler sıklıkla dışsal verimlilik ve gösterişle birleştirilir. Romantik müzik, kalıcı bir sanatsal değer ve sonraki dönemler için canlı, etkili bir miras olmaya devam ediyor.

TİYATRO.

Tiyatro sanatında romantizm 1810-1840'larda oluştu. Tiyatro estetiğinin temeli hayal gücü ve duygulardı. Klasik doğayı yüceltme ilkesine isyan eden oyuncular, insan yaşamının zıtlıklarını ve çelişkilerini tasvir etmeye odaklandılar. Kamuoyunun duygusallığı, suçlama tutkusu ve ideale bağlılık, yoğun duygusallığı, oyuncuların sanatının parlak + dramatik ifadesini ve aceleci jesti belirledi. Ancak romantik dünya görüşü aynı zamanda yaratıcı öznelcilik (istisnai ve tuhaf olana vurgu) tehlikesini de beraberinde getirdi; duygusallığın yerini bazen retorik etkiler ve melodram aldı. Romantik tiyatro, sahne deneyimini, kendiliğindenliği, oyunculuğun doğruluğunu ve samimiyetini oyunculuğun ana içeriği olarak belirleyen ilk tiyatro oldu. Romantizm aynı zamanda tiyatronun ifade araçlarını da zenginleştirdi (yerel renklerin yeniden yaratılması, sahne ve kostümlerin tarihsel özgünlüğü, kalabalık sahnelerin tür doğruluğu ve yapım detayları). Sanatsal başarıları gerçekçi tiyatronun temel ilkelerini hazırlamış ve büyük ölçüde belirlemiştir.

GÜZEL SANATLAR.

İÇİNDE güzel sanatlar Romantizm kendini en açık şekilde resim ve grafikte, daha az belirgin olarak ise heykelde gösterdi. Mimaride romantizm zayıf bir şekilde yansıtıldı ve esas olarak peyzaj bahçeciliği sanatını ve egzotik motiflere olan tutkunun yanı sıra sahte Gotik yönünün etkilendiği küçük formların mimarisini etkiledi. 18. yüzyılın sonu - 19. yüzyılın başı. romantizmin özellikleri zaten değişen derecelerde içseldir: İngiltere'de - karanlık, sofistike bir groteskin çoğu zaman görüntülerin klasik netliğini kırdığı Fusli'nin resimlerinde ve grafik çalışmalarında; W. Blake'in resim, grafik ve şiirlerinde romantizm mistik vizyonerlikle doludur; İspanya'da - Goya'nın sonraki çalışmaları, feodal baskı ve şiddete karşı tutkulu bir protesto olan dizginsiz fanteziler ve trajik duygularla doludur.

Günümüzde sıradan ve hareketsiz olan her şeyi reddeden, yalnızca modern tarihin doruk noktasına ulaşan, çarpıcı biçimde keskin anlarına dönen romantikler, tarihsel geçmişte, efsanelerde, folklorda, Doğu'nun egzotik yaşamında, Dante'nin eserlerinde temalar ve olay örgüleri buldular. , Shakespeare, Byron, Goethe - anıtsal görüntülerin ve güçlü karakterlerin yaratıcıları.

Romantizm insanı evrenin merkezine yerleştirir. Romantiklere göre insan, küresel yükseliş sürecinin tacıdır. Portrede romantikler için asıl mesele, kişinin parlak kişiliğini, yoğun ruhsal yaşamını, geçici duygularının hareketini ortaya çıkarmaktı. Doğal unsurların gücünü vurgulayan romantik manzara aynı zamanda insan tutkularının da yankısına dönüşüyor. Romantikler, asi tutkuyu ve kahramanca coşkuyu görüntülerine aktarmaya, doğayı tüm beklenmedik, benzersiz tezahürleriyle gergin, etkileyici, heyecanlı bir sanatsal biçimde yeniden yaratmaya çalıştılar.

Klasisizmin aksine romantikler, formları şiddetli hareketlerle birleştirerek ve keskin hacimsel-mekansal etkilere başvurarak kompozisyona artan dinamikler kazandırdı; Işık ve gölge kontrastlarına dayalı parlak, zengin renkler, sıcak ve soğuk tonlar, ışıltılı ve hafif, genellikle genelleştirilmiş bir yazı stili kullandılar.

Dolayısıyla romantizmin ideolojik içeriğinin tüm karmaşıklığına rağmen, estetiği bir bütün olarak 17. ve 18. yüzyıl klasisizminin estetiğine karşı çıkıyordu. Romantikler, disiplin ruhu ve donmuş büyüklükleriyle klasisizmin asırlık kanonlarını kırdılar. Sanatı küçük düzenlemelerden kurtarma mücadelesinde romantikler, sanatçının yaratıcı hayal gücünün sınırsız özgürlüğünü savundular. Klasisizmin kısıtlayıcı kurallarını reddederek, türleri karıştırmada ısrar ettiler ve taleplerini, güzelliğin ve çirkinliğin, trajik ve komikliğin karıştığı doğanın gerçek yaşamına tekabül ettiği gerçeğiyle haklı çıkardılar. İnsan kalbinin doğal hareketlerini yücelten romantikler, klasisizmin rasyonalist taleplerinin aksine, bir duygu kültünü öne sürdüler; klasisizmin mantıksal olarak genelleştirilmiş karakterlerine aşırı bireyselleşmeleriyle karşı çıktılar.

ROMANTİK DÖNEMİNDE OPERA PERFORMANSININ SAHNELENMESİNİN GENEL İLKELERİ.

19. yüzyıl opera binasında. İki karakteristik olay gözlemlenir:

- sahne tasarımı alanında “tarihsel yeniden yapılanma” eğilimi;

- “bel canto”nun yükselişi;

Ayrıca 20'li yaşlarda. 19. yüzyıl romantik bir drama kurma mücadelesi başlar. Süsleme sanatlarında üslup değişikliği yaşanıyor. Romantikler yer ve zamanın rengine büyük önem verdiler. Sahnenin, oyunda tasvir edilen dönemin ortamını yeniden üretmesi gerekiyordu. Eylemin yeri artık genelleştirilmiyor. Artık burası bir saray ve önündeki meydan değil, ulusal tarzın tam izlerini taşıyan bir Roma, Fransız, İspanyol sarayı.

Romantik tiyatrodaki manzara, doğayı yapay süslemeler olmadan tüm bozulmamış ihtişamıyla sunmaya çalışıyor.

Romantikler oyunlarına gizemli mağaraların, zindanların ve zindanların resimlerini kattılar. Manzara genellikle denizde bir fırtınayı, fırtınayı, volkanik patlamayı ve diğer doğa olaylarını tasvir eder.

Gelişmiş bir burjuva toplumu koşullarında tiyatronun bir miktar demokratikleşmesi yaşanıyor. Kamu opera binaları ortaya çıkıyor oditoryum bu da halkın sınıfsal katmanlaşmasını yansıtır. 5-6 katlı devasa bir salonda, toplumdaki farklı rütbe ve konumlardaki halk için koltuklar bulunuyor.

Yüzyıl boyunca en önemli değişiklikler oditoryum ve sahnenin aydınlatmasında meydana geldi. Zaten 18. yüzyılın sonunda. Daha önce tiyatro alanını aydınlatan mumların yerine, 19. yüzyılın büyük bölümünde kalan gaz lambaları ortaya çıktı. değiştirilene kadar farklı türler elektrikli aydınlatma. İlk ark spot ışığı 19. yüzyılın ortalarında ortaya çıktı. Yüzyılın son çeyreğinde dinamonun icadından bu yana, bu tür ışık kaynaklarının sayısı ve gücü artmış, çeşitli aydınlatma efektlerinin (karanlık bir odaya çarpan parlak güneş ışınları, ay ışığı, akşam boyunca hareket eden bulutlar) yaratılmasına olanak sağlanmıştır. gökyüzü vb.)

Yüzyılın sonunda tiyatrolar, projektörlerle aydınlatmayı korurken elektrik lambalarıyla aydınlatmaya geçti.

Zaten yüzyılın ilk yarısında tiyatroda mürettebatın, binicilerin ve deniz gemilerinin hareketlerini makul bir şekilde yeniden üreten gösteriler yaratıldı. Sahnede bir tür deniz macerasının oynandığı devasa su havuzları kurulduğunda su pantomimleri büyük ilgi gördü. Bu bağlamda tiyatrolar eski tiyatro efektlerini kullanarak birçok yenisini yarattı.

Antik çağın klasik tiyatrosunda aksiyon sahnesi oyunun tamamında aynıydı. İtalya'daki Rönesans döneminde de aynı prensip korundu. 17. yüzyılda Fransa'daki drama teorisinde, oyunun tüm aksiyonunun aynı sahnede gerçekleştiği yer birliği kuralları kesin olarak belirlenmişti. Bu kural, halka açık meydan tiyatrosunda ve İspanya ve İngiltere'deki Rönesans halk hümanist tiyatrosunda dikkate alınmadı. Ama orada bile yer birliği kuralı galip geldi. Operada bazen bu kuraldan sapmalara izin veriliyordu, bu da telaryumların (dönen prizmalar) yardımıyla muhteşem bir manzara değişikliğinin gerçekleştirilmesini mümkün kılıyordu. 19. yüzyılın ilk on yıllarına kadar durum böyleydi. Romantikler dramada mekan birliğini reddettiler. Artık performans boyunca birkaç kez sahne değişiklikleri yaşanmaya başladı. Devre arasında değişiklikler oldu. Ancak eylemler arasındaki duraklamaları azaltmak için mevcut olandan daha gelişmiş bir tekniğe ihtiyaç vardı. Yüzyıllar süren tiyatro gelişimi boyunca geliştirilen önceki araçların çoğu, bir dizi önemli cihazla desteklendi. Bunlardan ilki, sahne panosunu değiştirmeye yönelik bir cihazdır. Hidrolik ve elektrikli makineler aracılığıyla sahne zemini kısmen veya tamamen yükseltilip belli bir açıyla yerleştirildi ve çeşitli sahne aksiyonu için çeşitli koşulların yaratılmasına olanak sağlandı. İkinci gelişme ise sahneye yeni bir çevrenin getirilmesidir. Ve son olarak, üçüncü gelişme sözde ceplerin yaratılmasıydı. büyük mekanlar Sahnenin bazı bölümlerinin hareketli tabletler üzerinde hazırlandığı sahnenin kenarlarında hızla ileri doğru yuvarlandı ve aynı hızla sahne arkasına geçti.

19. yüzyıl opera yapımlarının tarihine dönersek, yönetmenler tarafından yazılan kesin yapım senaryolarının varlığına dikkat etmeliyiz (bu durum ilk kez bu dönemde ortaya çıkıyor). Öncelikle giriş çıkışları, sahne konumlarının diyagramlarını, ışık efektlerini kaydettiler ama oyuncu hakkında hiçbir şey söylenmedi. Oyuncunun imaj kavramı, jestleri, sesi, dramatik ifade gücü ile ilgili her şey, bu bilginin yokluğu, yönetmenin çaresizliğiyle değil, oyuncunun kendi haline bırakılmasıyla açıklanmaktadır. Ana bölümlerin icracıları için sahnenin merkezini serbest bırakacak ve düet ve topluluklar icra ederken sahnenin merkezini serbest bırakacak şekilde gerçekleştirilen sahneyi, dekorları ve mizansenleri planlamak yalnızca yönetmenin payına düştü. şarkıcılar birbirine yakın olacaktı, böylece sonunda korolar seslere göre gruplandırılacaktı ve hep birlikte kendimizi sahneye ve şefe olabildiğince yakın bulduk.

Bu istisnaların dışında bir tür operatik “gerçekçilik” galip gelir; sahnede sarsıcı bir koşuşturma ya da tam tersine, bir bacağın ileri doğru hareket ettiği ve kötü şöhretli elin kalbin üzerinde olduğu heykel benzeri bir hareketsizlik.

Dönem bale yetenekleriyle dolu olduğundan, besteciler ve orkestra şefleri her performansta dansçıların sanatını göstermek için her fırsatı aradılar.

Böylece opera performansı, ön planda duran şarkıcı için arka plan görevi gören çok sayıda mimari ve peyzaj unsurunun yer aldığı canlı bir gösteriye dönüştü.

WAGNER'İN "NIBELUNG'UN YÜZÜĞÜ" OPERASININ YAPIMI.

Müzikal dramanın yaratıcısı ve teorisyeni olarak çağını geride bırakan ve çağın çok ilerisinde olan Wagner, kendi eserlerinin yönetmeni olarak bu çağla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır.

"Nibelung'un Yüzüğü" yönetmene makine ve sahne açısından birçok sorun teşkil ediyor.

Ren nehrinin dibi ve durmadan akan suları, yüzen bakireler ve Alberich'in yılana dönüşmesi; Yer altına düşen ve Mime'ın sisleri arasında kaybolan Wotan; Wotan'ın mızrağının darbesinden sonra taşın yaktığı ateş ve tanrıların Valhalla'ya girdiği gökkuşağı; Erda'nın ortaya çıkışı ve son olarak, eyerlerine bağlı ölü savaşçılarla bulutların arasından koşan Valkyrielerin görkemli bir resmi.

Tüm bunları gerçekleştirmek için Wagner, pitoresk bir arka plana, perdelere, kapaklara ve ilkel "sihirli fenerlere" sahip geleneksel bir opera sahnesiyle yetiniyor.

onların teorik çalışmalar Wagner hiçbir yerde çağdaş tiyatrosunun sanatsal araçlarına isyan etmiyor, tam tersine onlara olan hayranlığını ifade ediyor: “Modern doğa bilimi ve manzara resmi çağımızın başarılarıdır ve bizi bilimsel ve sanatsal açıdan, tatmin ve delilikten ve sıradanlıktan kurtuluş... Manzara resmi sayesinde resimde sahne, sanatsal gerçeğin ve çizimin, rengin ve ışık gücünün doğanın hayat veren kullanımının en yüksek sanatsal özlemlere hizmet etmesinin vücut bulmuş hali haline gelir... (Manzara ressamının) elindeki tüm optik araçların ve ışığın kendisinin sanatsal kullanımı, onun tam bir yanılsama yaratmasına olanak tanır.

Ancak pratikte "ışığın hayat veren kullanımları" ve "optik araçlar" hiçbir sonuç vermedi.

Bayreuth yapımlarında, o dönemin çoğu yapımında bol miktarda bulunan aynı set kalıplarıyla karşılaşılır. Böylece tetralojinin ilk bölümünde Ren Nehri'nin dibi dev bir akvaryumu andırıyor; Siegfried'in mistik ormanı, sallanan tuvaller ve korkunç aksesuarlarla, tanımlayıcı ayrıntılarla dolu, yapraklar, dallar ve gövdelerden oluşan doğal bir "yulaf lapası" ile operatik bir orman olmaya devam ediyor. Wotan'ın Nibelheim mağaralarına inişini gösteren kayaları temsil eden manzaraların yükseltilmesi de aynı efekt kategorisindedir.

Proto-Germen bitki örtüsünün "Beyaz Hanım" gibi operaların çimleri ve "mahalleleri" ile yakın akrabalığını fazlasıyla müdahaleci bir şekilde vurgulayan tasarımın natüralist hatlarının silinmesi, kullanılan su buharı yardımıyla gerçekleştirilir. sadece sis ve pus yanılsaması yaratmak için değil, aynı zamanda seyircinin gözünden saklanmak için de perde açıkken manzarayı değiştirme ihtiyacından kaynaklanan teknik manevralardır.

Ancak hiçbir çift, Wagner'in Erda'nın çifte görünümüne ilişkin talimatının uyandırdığı gülümsemeyi gizleyemiyor. Tanrıçaların en eskisi, toprağın efendisi, tanrıların annesi olan bu tanrıçanın, tiyatronun ambarından beline kadar çıkması gerekiyordu.

Wotan'ın muhteşem çağrısı ve orkestranın güçlü kaynayan sesleriyle açıkça tezat oluşturan, sahne durumuna yönelik bu naif-komik, grotesk çözümün, o dönemin eleştirmenlerinin dikkatini ve yakıcı saldırılarını çekmediğini söyleyebiliriz. kullanımının etkisinin ilkelliği” sihirli fener"Valkyrielerin uçuşunu ve Sieckfried'in megafonla konuşan, gözlerini deviren, kuyruğunu yere vuran ve müziğin ritmine göre dişlerini şıkırdatan bir ejderhayla olan çocukluk telaşını gösteren fotoğrafta.

Işığın rolü, her şeyden önce, gündüz ve gecenin doğal bir şekilde belirlenmesinin yanı sıra atmosferdeki çeşitli değişikliklere iner, ancak Wagner bunu bazı durumlarda onu belirli karakterlerin görünümüyle ilişkilendiren bir sembol olarak da kullanır. Erda mavi bir ışık halesi içinde beliriyor; Wotan'ın "Walkyrie" ve "Siegfried" adlı eserini bir demet kırmızı ışın aydınlatıyor. Eleştirmenlerden biri bu ışık oyunu hakkında düşmanca konuşuyor: "Parlaklığı ve gücü eşit olmayan elektrik ışınları, manzaranın renklerini "yiyor" ve izleyiciler ağaçlar yerine tuvaller görüyor."

Sahneyi karakterize eden romantik düzensizlik ve ifade eksikliği, kostümlerde de aynı derecede açık; Lormier'in "Şeytan Robert" döneminde Paris Operası'nda yaptığı "tarihi rekonstrüksiyonları" anımsatıyor. Kostüm tasarımcıları betimleyici detaylara ve detaylara yöneldiler; belki de ne Brünnhilde'nin belini mitolojik olmayan bir şekilde vurgulayan zırhı, ne elbisesi (yine modaya uygun kıvrımlarda), ne de hayvan derisiyle birlikte görünen çizgili gömleği. Sigmund'un kıyafetini oluşturan Loge tarafından tasarlanan ne yarı Yunan, ne de yarı tunik, Nibelheim'ın uçurumlarına inen, gökkuşağının üzerinde yürüyen ve bulutların üzerinde zıplayan efsanevi tanrıların dünyasını gösteremiyor.

Wagner, "Tiyatroda yalnızca tiyatro sanatı hüküm sürer" diye yazıyor ve bu nedenle, tiyatroda hüküm süren genel ruhun aksine opera sahnesi performansın oyunculuk tarafı ise özel ilgi konusudur.

Kendi rolünü sanki sözlü bir dramadaki bir rolmüş gibi, yazarın niyetini derinlemesine kavrayarak icra edemeyen bir şarkıcı, ona bestecinin gerektirdiği ses ifadesini veremez. Bu nedenle Wagner, libretto'nun özel okumalarını gerektirir; bu, yalnızca solistlere değil, aynı zamanda koroya da eserin sanatsal anlamına nüfuz etme ve yorumun uygun ifadesini bulma fırsatını verir, böylece her zaman dikte edilir. özel durum.

Wagner, Liszt'e yazdığı bir mektupta müzikal dramalarının vokal tarzını açıkça tanımladı: “Benim operamda sözde 'açıklama' ve 'şarkı söyleme' ifadeleri arasında hiçbir fark yok. Benim okuyuşum aynı zamanda şarkı söylemektir, şarkım da kıraattir. “Şarkı söylemenin” net bir sonu ve genellikle iki anlamı ifade eden “okuma”nın net bir görünümü yok. farklı stiller vokal performansı. Aslında, bestecinin okumanın ritmine neredeyse hiç dikkat etmediği, şarkıcıya tam bir özgürlük tanıdığı İtalyan ezberini benim çalışmamda hiç bulamazsınız. Şiirsel metnin heyecanlı lirik uçuşlardan sonra duygusal konuşmanın daha basit tezahürlerine dönüştüğü yerlerde, lirik vokal sahnelerinde olduğu gibi okunuşun karakterini tam olarak belirtme hakkından asla vazgeçmedim. Bu nedenle, bu pasajları sıradan bir okuma olarak kabul eden ve bunun sonucunda belirttiğim ritmi keyfi olarak değiştiren kişi, sanki lirik melodilerim için başka notalar ve armoniler bulmuş gibi müziğimin şeklini de aynı ölçüde bozmuş olur. Dinlemeleri anımsatan bu pasajlarda, izlediğim ifadesel hedeflere karşılık gelen okumanın ritmini doğru bir şekilde karakterize etmeye çalışarak, orkestra şeflerinden ve şarkıcılardan bu pasajları her şeyden önce orijinalin müzik notasyonuna uygun olarak seslendirmelerini rica ediyorum. notada belirtilen vuruş ve konuşmanın niteliğine uygun bir tempoda ... "

Wagner kelimelerin anlaşılırlığı konusuyla ilgilenmektedir. Bayreuth tiyatrosunun gizli orkestrası sadece “mistik bir uçurum” değil, aynı zamanda orkestral yorumu yumuşatmaya yönelik bir girişimdir, böylece oyuncunun söylediği metin ön planda olur.

Bu nedenle Wagner, şarkıcıdan iki ana talepte bulunuyor:

- notalara kesinlikle uyun

- Metni duyulabilir ve anlaşılır olacak şekilde sunun.

Wagnerci aktör başka görevlerle de karşı karşıya kaldı. En önemlisi koordinasyon ihtiyacı oyunculuk müzikle. Wagner, sahne aksiyonunun eşlik eden orkestral motiflere tam olarak uymasını talep ediyor.

Jestleri ve yüz ifadelerini müzikle senkronize etme arzusunun ardından bestecinin onları asil ve ölçülü yapma arzusu gelir. “Evrensel opera tarzının bizi sanki yardım çağrısını belirtircesine her iki kolu da genişçe sallamaya alıştırdığı yerde, hafifçe kaldırılmış bir kolun veya omuz veya başın karakteristik bir hareketinin en güçlü duyguyu bile ifade etmek için yeterli olduğunu fark ettik. ”

Böylece dramayı “geleceğin sanat eseri”nin temeli ve hedefi olarak ortaya koyan ve bu dramanın ana karakteri olan oyuncunun rolünü vurgulayan Wagner, eğer varsa oraya çekmek için dikkatleri çağdaş dramatik tiyatrosuna çekiyor. modeller ve fikirler değil, en azından analiz ve teorik düşünce için malzeme.

Resimde romantizm, 18. yüzyılın sonunda başlayan ve 19. yüzyılın ortalarına kadar gelişen bir akımdır. Aydınlanma döneminin değerleriyle ilgili hayal kırıklığına bir yanıt olarak ortaya çıktı ve Jacques-Louis David'in (neoklasizmin kurucusu) stüdyosunda eğitim gören sanatçılar tarafından oluşturuldu. Bunlar arasında Anne-Louis Girodet-Trioson, Antoine Jean Gros, Jean Auguste Dominique Ingres yer alıyor. Stilistik sınırların bulanıklaşması en iyi şekilde Ingres'in "Homer'ın Apotheosis'i" ve Eugene Delacroix'in "Sardanapalus'un Ölümü" resimlerinde ifade edilir. Her iki tablo da 1827'de Paris Salonunda sergilendi. İlkinin çalışması, göründüğü gibi, ideal olarak devrimci klasisizmin fikirlerini bünyesinde barındırıyor olmasına rağmen, Delacroix'in dünyanın sonunun öngörüldüğü muhteşem "kargaşasının" aksine, ikisi de Davut'u yok ediyor. resimde romantizmi tanımlayan merkezi kavram olan sanatçının ifade özgürlüğünü öne sürerek ona karşı çıkıyorlar.

Yönün ana konuları

Bunların arasında, boyun eğmez gücü ve öngörülemezliğiyle doğa; nostalji, özellikle Gotik için (mistisizm ve ölüme duyulan hayranlık); ilgi halk gelenekleri; romantik bir kahraman figürü (örneğin bir devrimci). Sanatçılar yüceltildi karmaşık kavramlar ve devletler - özgürlük ve cesaret, korku ve nefret, yüksek idealler ve umutsuzluk, "ruhları sarsan, korku duygusuyla damgalanan her şey, yüceliğe götürür" (Fransız aydınlanma filozofu Denis Diderot'un sözleriyle). Elbette resimdeki romantizm, her şeyin toplumsal görevlere tabi olduğu Aydınlanma'nın ideolojik, programatik, ilkeli sanat dünyasına bir alternatifi temsil ediyordu.

Sembolik eserler

18. yüzyılın sonlarında ve 19. yüzyılın başlarında Fransız ve İngiliz güzel sanatlarında, en çok gemi enkazı sahneleri gösteriliyordu. Theodore Gericault'un gerçek bir olaya dayanan çarpıcı eseri "Medusa'nın Salı" özellikle dikkate değerdir. Korkunç netliği, duygusal yoğunluğu ve bariz bir kahramanın yokluğuyla son derece karmaşık olan bu tablo, yeni tarzın simgesi haline geldi. Benzer şekilde, William Turner'ın, ezici bir manzara arka planında tasvir edilen komutan ve ordusunun doğal güçlerle (kar fırtınası) ve yerel kabilelerle savaştığı "Hannibal ve ordusunun Alpleri geçmesi" adlı tablosu da anlatılabilir.

Farklı ülkelerde resimde romantizm

John Constable (İngiltere), Francesco Hayes (İtalya), Francisco Goya (İspanya), Caspar David Friedrich, Karl Brechen, Karl Friedrich Lessing (Almanya) gibi büyük isimler tarafından temsil edilmektedir. Amerika'da Frederic Edwin Church ve Albert Bierstadt bu tarzda verimli bir şekilde çalıştı. Sanatçılar, geleneksel anlayışların ve geleneksel dini gerçeklerin ötesine geçmek için hayal güçlerini kullandılar. Tuvalin sınırları içinde tasvir edilebildiği kadar çok duyguyu, deneyimi ve duygusal rahatsızlığı ifade ettiler. Bu bariz isyana rağmen, çoğu, sanatı derinden anlayan, çok ruhani insanlardı ve çoğu zaman örgütlülüğün sınırlı görüşlerine karşı bir tepki işlevi görüyordu. Hıristiyan kültürü. Onlara göre, çok katıydı, hatta kibirliydi, kendisini yalnızca insanın kusurlu doğasına (düşüşüyle ​​bağlantılı olarak) karşı mücadeleye adadı. Arasında ünlü sanatçılar aslında şunu gösterdi yüksek seviye William Blake, Johann Heinrich Fussli, Francisco de Goya kendilerini geleneğin empoze ettiğinden daha fazlasına adayan bireycilik ve kişisel özgürlüklerdi. Onlara doğaüstü güçler ve karanlık duygular temalarının araştırmacıları denir.

Rus resminde romantizm, klasisizm ve gerçekçi akımla yakın ilişki içinde gelişti. Onun ilkelerinin etkisi altında sanatçılar (portre ressamları Orest Kiprensky, Vasily Tropinin, deniz ressamı Ivan Aivazovsky) duygusal açıdan yüce, yüce, ruhsal görüntüler yarattılar. Ancak eserlerinde hala gözle görülür bir gerçekçilik arzusu var.

Vatanseverlik coşkusuyla güçlenen ulusal konsolidasyon Vatanseverlik Savaşı 1812, sanata olan ilginin artması ve genel olarak halk yaşamına olan ilginin artmasıyla kendini gösterdi. Sanat Akademisi'ndeki sergilerin popülaritesi artıyor. 1824'ten beri her üç yılda bir düzenli olarak yapılmaya başlandı. Güzel Sanatlar Dergisi yayın hayatına başlıyor. Koleksiyonculuk kendini daha yaygın bir şekilde tanıtıyor. Sanat Akademisi'ndeki müzeye ek olarak, 1825 yılında Hermitage'de “Rus Galerisi” oluşturuldu. 1810'larda. P. Svinin'in “Rus Müzesi” açıldı.

1812 Vatanseverlik Savaşı'ndaki zafer, güçlü tutkularla boğulmuş, bağımsız, gururlu bir kişilik fikrine dayanan yeni bir idealin ortaya çıkmasının nedenlerinden biriydi. Resim doğruluyor yeni stil- dini ve mitolojik temaların ağırlıklı olduğu resmi üslup olarak kabul edilen klasisizmin yerini yavaş yavaş alan romantizm.

Zaten K. L. Bryullov'un (1799-1852) ilk resimlerinde “ İtalyan öğle vakti", "Bathsheba" yalnızca sanatçının hayal gücünün becerisini ve parlaklığını değil, aynı zamanda dünya görüşünün romantizmini de gösterdi. K. P. Bryullov'un "Pompeii'nin Son Günü" adlı ana eseri, tarihselcilik ruhuyla doludur, ana içeriği başarı değildir; ayrı bir kahraman, A trajik kader insan kitleleri. Bu tablo dolaylı olarak I. Nicholas rejiminin despotizminin trajik atmosferini yansıtıyordu; devletin kamusal yaşamında bir olay haline geldi.

Web sitesi optimizasyon uzmanları, her siteyi tanımlayan birkaç düzine parametreyle çalışır. Bu zor bilimde uzmanlaşmaya karar verirseniz bağlantı spam'inin nasıl hesaplandığını öğrenin.

Romantizm, O. A. Kiprensky'nin (1782-1836) portresinde kendini gösterdi. 1812'den beri sanatçı yarattı grafik portreler Vatanseverlik Savaşı'na katılanlar onun arkadaşlarıydı. O. A. Kiprensky'nin en iyi eserlerinden biri, A. S. Puşkin'in portresi olarak kabul edilir. büyük şairşunu yazdı: "Kendimi aynadaymış gibi görüyorum ama bu ayna beni gururlandırıyor."

Romantizmin gelenekleri deniz ressamı I.K. Aivazovsky (1817-1900) tarafından geliştirildi. Büyüklüğü ve gücü yeniden yaratan eserleri ona evrensel bir şöhret kazandırdı. deniz elemanları(“Dokuzuncu Dalga”, “Karadeniz”). Pek çok tabloyu Rus denizcilerin istismarlarına adadı (“Chesma Savaşı”, “Navarino Savaşı”). Sırasında Kırım Savaşı 1853-1856 kuşatılmış Sevastopol'da savaş resimlerinden oluşan bir sergi düzenledi. Daha sonra doğadan eskizlere dayanarak, bir dizi resimde Sevastopol'un kahramanca savunmasını tasvir etti.

V.A. Tropinin (1776-1857), duygusal gelenekte yetişmiştir. XVIII'in sonu yüzyılda yeni romantik dalganın muazzam etkisini yaşadı. Kendisi de eski bir serf olan sanatçı, zanaatkarların, hizmetçilerin ve köylülerin resimlerinden oluşan bir galeri oluşturdu ve onlara manevi asilliğin özelliklerini verdi (“Dantelci”, “Terzi”). Ev detayları ve emek faaliyeti bu portreleri tür resmine yaklaştırın.

Güzel sanatlarda romantizm büyük ölçüde filozofların ve yazarların fikirlerine dayanıyordu. Diğer sanat türlerinde olduğu gibi resimde de romantikler, ister egzotik gelenekleri ve kostümleriyle uzak ülkeler (Delacroix), mistik vizyonlar dünyası (Blake, Friedrich, Pre-Raphaelite) ve isterse de bilinmeyen, alışılmadık her şeyden etkilendiler. büyülü rüyalar (Runge) veya kasvetli bilinçaltı derinlikleri (Goya, Fusli). Geçmişin sanatsal mirası birçok sanatçıya ilham kaynağı olmuştur: Antik Doğu, Orta Çağ ve Proto-Rönesans (Nazarenes, Pre-Raphaelitler).

Aklın açık gücünü yücelten klasisizmin aksine romantikler, insanı bütünüyle ele geçiren tutkulu, fırtınalı duyguları seslendirdiler. Yeni trendlere ilk tepki verenler, romantik resmin favori türleri haline gelen portreler ve manzaralardı.

Heyday portre türü romantiklerin parlak insan bireyselliğine, güzelliğine ve zenginliğine olan ilgisiyle ilişkilendirildi manevi dünya. Romantik bir portrede insan ruhunun yaşamı, fiziksel güzelliğe, görüntünün şehvetli esnekliğine olan ilgiye üstün gelir.

Romantik bir portrede (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) her insanın benzersizliği her zaman ortaya çıkar, dinamikler, iç yaşamın yoğun ritmi ve isyankar tutku aktarılır.

Romantikler aynı zamanda kırık bir ruhun trajedisiyle de ilgilenirler: Eserlerinin kahramanları genellikle akıl hastası insanlardır (Gericault "Uyuşturucu Bağımlılığından Acı Çeken Bir Deli Kadın") kumar", "Çocuk hırsızı", "Deli, kendini komutan olarak hayal eden").

Manzara romantikler tarafından evrenin ruhunun vücut bulmuş hali olarak tasarlandı; doğa, tıpkı insan ruhu gibi, dinamik, sürekli değişkenlik içinde ortaya çıkar. Klasisizmin karakteristik özelliği olan düzenli ve soylu manzaraların yerini, duygu karmaşasına karşılık gelen, kendiliğinden, asi, güçlü, sürekli değişen doğa görüntüleri aldı. romantik kahramanlar. Romantikler özellikle izleyici üzerinde güçlü bir duygusal etki yaratabilecek fırtınaları, fırtınaları, volkanik patlamaları, depremleri, gemi kazalarını yazmayı seviyorlardı (Gericault, Friedrich, Turner).

Romantizme özgü gecenin şiirselleştirilmesi - kendi yasalarına göre yaşayan tuhaf, gerçek dışı bir dünya - romantik resimde, özellikle Alman sanatçılar arasında favori haline gelen "gece türünün" gelişmesine yol açtı.

Güzel sanatlarda romantizmin geliştiği ilk ülkelerden biriAlmanya .

Yaratıcılığın romantik manzara türünün gelişimi üzerinde gözle görülür bir etkisi olduCaspar David Friedrich (1774-1840). Sanatsal mirasına dağ zirvelerini, ormanları, denizi, deniz kıyısını tasvir eden manzaraların yanı sıra eski katedral kalıntıları, terk edilmiş manastırlar, manastırlar (“Dağlarda Haç”, “Katedral”, “Meşe Arasındaki Manastır) hakimdir. Ağaçlar”). Genellikle bir kişinin dünyadaki trajik kaybının farkındalığından kaynaklanan sürekli bir üzüntü duygusu içerirler.

Sanatçı, romantik algısına en çok karşılık gelen doğa hallerini sevdi: sabahın erken saatleri, akşam gün batımı, ayın doğuşu (“Ayı düşünen iki kişi”, “Manastır mezarlığı”, “Gökkuşağıyla manzara”, “Deniz üzerinde ayın doğuşu”, “Rügen adasında tebeşir kayalıkları”, “Yelkenlide”, “Liman geceleyin") .

Eserlerindeki değişmez karakterler, doğayı düşünmeye dalmış, yalnız hayalperestlerdir. Uçsuz bucaksız mesafelere ve sonsuz yüksekliklere bakarak evrenin sonsuz sırlarına aşina olurlar. güzel dünya rüyalar. Friedrich bu harika dünyayı sihirli bir şekilde parlayan bir ışığın yardımıyla aktarıyor- parlak güneş veya gizemli ay.

Friedrich'in çalışmaları, ben de dahil olmak üzere çağdaşlarının hayranlığını uyandırdı. W. Goethe ve W. A. Zhukovsky, resimlerinin çoğunun Rusya tarafından satın alınması sayesinde.

Ressam, grafik sanatçısı, şair ve sanat teorisyeniPhilip Otto Runge (1777-1810), kendisini esas olarak portre türüne adadı. Eserlerinde imgeleri şiirselleştirdi sıradan insanlar, sık sık - sevdikleri (“Üçümüz” - gelini ve erkek kardeşiyle birlikte bir otoportre hayatta kalamadı; “Huelsenbeck ailesinin çocukları”, “Sanatçının ebeveynlerinin portresi”, “Otoportre”) . Runge'nin derin dindarlığı, "Tiberya Gölü Kıyısındaki İsa" ve "Mısır'a Uçuşta Dinlenme" (bitmemiş) gibi resimlerde ifade edildi. Sanatçı, sanata dair düşüncelerini teorik incelemesi “Renk Küresi”nde özetledi.

Alman sanatında dini ve ahlaki temelleri yeniden canlandırma arzusu, yaratıcı aktivite sanatçılar Nasıralı okulu (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornelius). Bir tür dini kardeşlik (“Aziz Luka Birliği”) içinde birleşen “Nasıralılar”, Roma'da manastır topluluğu modeline göre yaşadılar ve dini konularda resimler yaptılar. İtalyan ve Alman resmini yaratıcı arayışlarına model olarak aldılar.XIV - XVyüzyıllar (Perugino, erken Raphael, A. Dürer, H. Genç Holbein, L.Cranach). Overbeck, “Sanatta Dinin Zaferi” filminde doğrudan taklit ediyor: Atina okulu"Kıyametin Atlıları"nda Raphael ve Cornelius - Dürer'in aynı isimli gravürü.

Kardeşliğin üyeleri, manevi saflığı ve samimi inancı sanatçının temel erdemleri olarak görüyorlardı ve "yalnızca İncil'in Raphael'i bir dahi yaptığına" inanıyorlardı. Terk edilmiş bir manastırın hücrelerinde yalnız bir yaşam sürdürerek sanata hizmetlerini manevi hizmet kategorisine yükselttiler.

“Nasıralılar” büyük anıtsal formlara yöneldiler ve yeni canlanan fresk tekniğinin yardımıyla yüksek idealleri somutlaştırmaya çalıştılar. Resimlerin bir kısmı onlar tarafından birlikte tamamlandı.

1820'lerde ve 30'larda kardeşliğin üyeleri Almanya'nın dört bir yanına dağıldılar ve çeşitli sanat akademilerinde lider pozisyonlar aldılar. İtalya'da ölene kadar sadece Overbeck yaşadı ve ona ihanet etmedi. sanatsal ilkeler. "Nasıralılar"ın en iyi gelenekleri tarihi resimde uzun süre korunmuştur. Onların ideolojik ve ahlaki arayışİngiliz Ön-Rafaelcilerin yanı sıra Schwind ve Spitzweg gibi ustaların çalışmalarını da etkiledi.

Moritz Schwind (1804-1871), doğuştan Avusturyalı, Münih'te çalıştı. Şövale eserlerinde ağırlıklı olarak eski Alman taşra şehirlerinin görünümünü ve yaşamını sakinleriyle birlikte tasvir ediyor. Bu, harika bir şiir ve lirizmle, karakterlerine duyulan sevgiyle yapıldı.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Münihli ressam, grafik sanatçısı, parlak ressam, karikatürist, yine duygusallıktan yoksun değil, ama büyük bir mizahla şehir hayatından bahsediyor (“Zavallı Şair”, “Sabah Kahvesi”).

Schwind ve Spitzweg genellikle Alman kültüründe Biedermeier olarak bilinen hareketle ilişkilendirilir.Biedermeier - dönemin en popüler üsluplarından biridir (öncelikle gündelik yaşam alanında, aynı zamanda sanatta da) . Sokaktaki ortalama erkeği, kasabalıları ön plana çıkardı. Ana tema Biedermeier tablosu oldu günlük yaşam evi ve ailesiyle ayrılmaz bir bağ içinde akan bir kişi. Biedermeier'in geçmişe değil bugüne, büyüğe değil küçüğe olan ilgisi resimde gerçekçi bir eğilimin oluşmasına katkıda bulundu.

Fransız romantik okulu

Resimdeki en tutarlı romantizm okulu Fransa'da gelişti. Soğuk, rasyonel akademisyenliğe dönüşen klasisizm'e karşı bir muhalefet olarak ortaya çıkmış ve 19. yüzyıl boyunca Fransız ekolünün hakim etkisini belirleyen büyük ustaları öne çıkarmıştır.

Fransız romantik sanatçılar, "sıkıcı günlük yaşamdan" uzak, drama ve dokunaklı, iç gerilim dolu konulara yöneldiler. Bunları somutlaştırarak resimsel ve anlatımsal araçları yeniden geliştirdiler:

Romantizmin ilk parlak başarıları Fransız resim isimle ilişkiliTheodora Gericault (1791-1824), diğerlerinden önce dünyadaki tamamen romantik bir çatışma duygusunu ifade edebildi. Zaten ilk çalışmalarında zamanımızın dramatik olaylarını gösterme arzusunu görebiliyoruz. Örneğin “Saldırıya Giden Atlı Tüfek Subayı” ve “Yaralı Süvari” resimleri Napolyon döneminin romantizmini yansıtıyordu.

Gericault'nun yakın tarihli bir olaya ithaf ettiği "Medusa'nın Salı" adlı tablosu büyük yankı uyandırdı modern yaşam- Bir yolcu gemisinin nakliye şirketinin hatası nedeniyle ölmesi . Gericault, ölümün eşiğindeki insanların ufukta bir kurtarma gemisi gördükleri anı tasvir ettiği 7x5 m'lik dev bir tuval yarattı. Aşırı gerilim, sert ve kasvetli ifadelerle vurgulanıyor renk şeması, diyagonal kompozisyon. Bu tablo, bir gemi kazasından kaçan insanlar gibi hem umudu hem de umutsuzluğu deneyimleyen modern Gericault Fransa'nın sembolü haline geldi.

En son konunuz büyük resim- “Epsom Yarışları” - sanatçı bunu İngiltere'de buldu. Kuşlar gibi uçan atları tasvir ediyor (gençliğinde mükemmel bir binici olan Gericault'nun en sevdiği görüntü). Hızlılık izlenimi belirli bir teknikle güçlendirilir: Atlar ve jokeyler çok dikkatli bir şekilde boyanır ve arka plan geniştir.

Géricault'un ölümünden sonra (gücünün ve yeteneğinin zirvesinde trajik bir şekilde öldü), genç arkadaşı Fransız romantiklerinin tanınmış lideri oldu.Eugene Delacroix (1798-1863). Delacroix kapsamlı bir yeteneğe sahipti; müzikal ve edebi yeteneğe sahipti. Günlükleri ve sanatçılarla ilgili yazıları dönemin en ilginç belgeleridir. Onun teorik araştırma Renk yasalarının geleceğin empresyonistleri ve özellikle V. Van Gogh üzerinde büyük etkisi oldu.

Delacroix'in kendisine ün kazandıran ilk tablosu "Dante ve Virgil" ("Dante'nin Kayığı") idi. İlahi Komedya" Tutkulu duygulanımı ve kasvetli renginin gücüyle çağdaşlarını hayrete düşürdü.

Sanatçının yaratıcılığının zirvesi “Barikatlarda Özgürlük” (“Halka Önderlik Eden Özgürlük”) idi. Güvenilirlik gerçek gerçek(resim, Fransa'da 1830 Temmuz Devrimi'nin zirvesinde yaratıldı) burada romantik özgürlük rüyası ve görüntülerin sembolizmiyle birleşiyor. Güzel bir genç kadın, devrimci Fransa'nın sembolü haline gelir.

Yunan halkının Türk yönetimine karşı mücadelesine adanan daha önceki “Sakız Adası Katliamı” tablosu da modern olaylara bir yanıttı. .

Fas'ı ziyaret eden Delacroix, birçok resim ve eskizini adadığı Arap Doğu'nun egzotik dünyasını keşfetti. "Cezayir Kadınları"nda Müslüman harem dünyası ilk kez Avrupalı ​​seyircinin karşısına çıktı.

Sanatçı ayrıca, çoğu arkadaşı olan yaratıcı aydınların temsilcilerinin bir dizi portresini de yarattı (N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz vb.'nin portreleri)

İÇİNDE geç dönem Delacroix'in yaratıcılığı tarihi temalara yöneldi, anıtsalcı (Temsilciler Meclisi, Senato'daki duvar resimleri) ve grafik sanatçısı (Shakespeare, Goethe, Byron'un eserleri için illüstrasyonlar) olarak çalıştı.

Romantik dönemin İngiliz ressamlarının isimleri - R. Benington, J. Constable, W. Turner - manzara türüyle ilişkilidir. Bu alanda gerçekten keşfettiler yeni sayfa: yerli doğaÇalışmalarında o zamanlar başka hiçbir ülkenin bilmediği kadar geniş ve sevgi dolu bir yansıma buldular.

John Memur (1776-1837), Avrupa manzara tarihinde tamamen hayattan eskizler yazan ve doğrudan doğa gözlemine yönelen ilk kişilerden biriydi. Resimlerinin motifleri basittir: köyler, çiftlikler, kiliseler, bir nehir şeridi veya deniz plajı: "Hay Wagon", Detham Valley, "Piskoposun Bahçesi'nden Salisbury Katedrali." Constable'ın çalışmaları Fransa'da gerçekçi peyzajın geliştirilmesine ivme kazandırdı.

William Turner (1775-1851) - deniz ressamı . Fırtınalı deniz, sağanak yağışlar, fırtınalar, su baskınları, kasırgalar onu etkiledi: “Geminin son yolculuğu “Cesur”, “Piazzetta'da Fırtına.” Cesur renk keşifleri ve nadir ışık efektleri bazen resimlerini ışıltılı fantastik gösterilere dönüştürüyor: "Londra Parlamentosu Yangını", "Kar Fırtınası". Vapur limanı terk ediyor ve sığ suya girdiğinde imdat sinyalleri gönderiyor.” .

Turner, sanayileşmenin sembolü olan raylar üzerinde çalışan bir buharlı lokomotifin ilk tablosunun sahibidir. "Yağmur, Buhar ve Hız" filminde bir buharlı lokomotif, sisli bir yağmur pusunun içinden Thames Nehri boyunca hızla ilerliyor. Tüm maddi nesneler, hız hissini mükemmel bir şekilde aktaran bir serap görüntüsünde birleşiyor gibi görünüyor.

Işık ve ışık üzerine eşsiz bir çalışma renk efektleri Turner'ın üstlendiği eser, büyük ölçüde Fransız empresyonist sanatçıların keşiflerini önceden tahmin ediyordu.

1848'de İngiltere'de ortaya çıktırafael öncesi kardeşlik (Latince prae'den - “önce” ve Raphael), çağdaş toplumlarını ve akademik okulun sanatını kabul etmeyen sanatçıları birleştiren. İdeallerini Orta Çağ sanatında gördüler ve Erken Rönesans(dolayısıyla adı). Kardeşliğin ana üyeleriWilliam Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Bu sanatçılar ilk eserlerinde imza yerine RV kısaltmasını kullanmışlardır. .

Antik çağ sevgisi Ön-Rafaelcilerin romantiklerine benziyordu. Onlar hitap etti İncil'deki hikayeler(“Dünyanın Lambası” ve “Sadakatsiz Çoban”, W. H. Hunt; “Meryem'in Çocukluğu” ve D. G. Rossetti'nin “Duyuru”), Orta Çağ tarihinden olaylar ve W. Shakespeare'in oyunları (“Ophelia) ” Millais tarafından).

İnsan figürlerini ve nesneleri yazıya dökmek için yaşam boyutuÖn-Rafaelciler tuvallerin boyutunu büyüttüler, manzara çizimleri hayattan yapılmıştır. Resimlerindeki karakterlerin prototipleri vardı. gerçek insanlar. Örneğin D. G. Rossetti neredeyse tüm eserlerinde çok sevdiği Elizabeth Siddal'ı canlandırmış, zamansız ölümünden sonra bile bir ortaçağ şövalyesi gibi sevgilisine sadık kalmaya devam etmiştir (“Mavi İpek Elbise”, 1866).

Ön-Rafaelcilerin ideoloğuJohn Ruskin (1819-1900) - İngiliz yazar, sanat eleştirmeni ve sanat kuramcısı, ünlü Modern Sanatçılar kitap serisinin yazarı.

Ön-Rafaelcilerin çalışmaları birçok sanatçıyı önemli ölçüde etkiledi ve edebiyatta (W. Pater, O. Wilde) ve güzel sanatlarda (O. Beardsley, G. Moreau, vb.) Sembolizmin habercisi oldu.

"Nasıralılar" lakabı, İsa Mesih'in doğduğu Celile'deki Nasıra şehrinin adından gelmiş olabilir. Başka bir versiyona göre, Nasıralıların eski Yahudi dini cemaatinin ismine benzetilerek ortaya çıktı. Grubun adının buradan gelmiş olması da mümkündür. geleneksel isim Orta Çağ’da yaygın olan ve A. Dürer’in otoportresinden bilinen “Alla Nazarena” saç modeli: giyim tarzı uzun saç ortadan ayrılmış, Overbeck tarafından yeniden tanıtıldı.

Biedermeier(Almanca “cesur Meyer”, filistinli) - soyadı kurgusal karakter Alman şair Ludwig Eichrodt'un şiir koleksiyonundan. Eichrodt bir parodi yarattı gerçek yüz-Samuel Friedrich Sauter, saf şiir yazan eski bir öğretmen. Eichrodt karikatüründe, dönemin bir tür parodi sembolü haline gelen Biedermeier'in düşüncesinin dar görüşlü ilkelliğini vurguladı. siyah, kahverengi ve yeşilimsi renklerin geniş vuruşları fırtınanın öfkesini yansıtıyor. İzleyicinin bakışı bir girdabın merkezinde; gemi ise dalgaların ve rüzgarın oyuncağı gibi görünüyor.