Japon klasik resmi: en ünlü isimler. Japon resimleri: oryantal resmin tüm incelikleri

18. yüzyıl Japon sanatçısı Hokusai baş döndürücü bir sayı yarattı sanat eseri. Hokusai yaşlılığına kadar çalıştı ve her zaman "70 yaşından önce yaptığı her şeyin değerli ve dikkate değer olmadığını" iddia etti.

Belki de dünyanın en ünlü Japon sanatçısı, sanata olan ilgisiyle her zaman çağdaşlarından farklıydı. günlük yaşam. Hokusai, gösterişli geyşaları ve kahraman samurayları tasvir etmek yerine, henüz ilgi odağı olmayan işçileri, balıkçıları ve şehir tarzı sahneleri resmetti. Japon sanatı. Ayrıca kompozisyona Avrupa yaklaşımını da benimsedi.

Hokusai'nin çalışmalarına biraz göz atmanıza yardımcı olacak kısa bir temel terim listesi burada.

1 Ukiyo-e, Japonya'da 1600'lerden 1800'lere kadar popüler olan baskı ve resimlerdir. Japon güzel sanatlarında Edo döneminden bu yana gelişen bir akım. Bu terim "değişen dünya" anlamına gelen "ukyo" sözcüğünden gelmektedir. Uikiye, gelişen tüccar sınıfının hazcı zevklerine dair bir ipucudur. Bu doğrultuda en ünlü sanatçı Hokusai'dir.

Hokusai hayatı boyunca en az otuz takma ad kullanmıştır. O zamanın Japon sanatçıları arasında takma ad kullanımının yaygın bir uygulama olmasına rağmen, takma ad sayısında diğer büyük yazarları önemli ölçüde geride bıraktı. Hokusai'nin takma adları genellikle eserinin aşamalarını dönemselleştirmek için kullanılır.

2 Edo dönemi 1603 ile 1868 yılları arasındaki dönemdir. Japon tarihi ardından ekonomik büyüme ve sanat ve kültüre yeni ilgi kaydedildi.

3 Shunrō, Hokusai'nin takma adlarından ilkidir.

4 Shunga kelimenin tam anlamıyla "baharın resmi" anlamına gelir ve "bahar" Japon argosunda seks anlamına gelir. Dolayısıyla bunlar erotik nitelikte gravürlerdir. Hokusai dahil en saygın sanatçılar tarafından yaratıldılar.

5 Surimono. Bu özel baskılara verilen adla en yeni "surimono" büyük bir başarıydı. Kitlesel izleyicilere yönelik olan ukiyo-e baskılarının aksine, surimono nadiren halka satılıyordu.

6 Fuji Dağı, Japonya'daki en yüksek dağ olan simetrik bir dağdır. Yıllar boyunca, Fuji Dağı'nın Otuz Altı Görünümü ukiyo-e serisini yayınlayan Hokusai de dahil olmak üzere birçok sanatçı ve şaire ilham kaynağı olmuştur. Bu seri Hokusai'nin en ünlü baskılarını içerir.

7 Japonizm - Hokusai'nin sonraki nesiller üzerindeki kalıcı etkisi Batılı sanatçılar. Japonisme, ukiyo-e baskılarının canlı renklerinden, perspektif eksikliğinden ve kompozisyon denemelerinden ilham alan bir stildir.

Japon resmini seviyor musun? Ünlü Japon sanatçılar hakkında ne kadar bilginiz var? Bu yazımızda sizinle birlikte en çok ele alalım ünlü sanatçılar Eserlerini ukiyo-e (浮世絵) tarzında yaratan Japonya. Bu resim tarzı Edo döneminden itibaren geliştirilmiştir. Bu tarzda yazmak için kullanılan hiyeroglifler 浮世絵 kelimenin tam anlamıyla "değişen bir dünyanın resimleri (görüntüleri)" anlamına gelir; resmin bu yönü hakkında daha fazla bilgi edinebilirsiniz;

Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Ukiyo-e türünün kurucusu olarak kabul edilir, ancak aslında hayatı korunan ilk ustadır. biyografik bilgi. Moronobu, kumaş boyama ve altın ve gümüş ipliklerle nakış işleme konusunda usta bir ailenin çocuğu olarak dünyaya geldi. uzun zamandır aile zanaatıyla meşguldü, bu nedenle işinin ayırt edici bir özelliği, harika bir sanatsal etki veren, güzelce dekore edilmiş güzellikteki kıyafetlerdir.

Edo'ya taşınarak önce kendi başına resim teknikleri üzerine çalıştı, daha sonra çalışmalarına sanatçı Kambun tarafından devam edildi.

Biz bize esas olarak Moronobu'nun tarihi ve kültürel konuları tasvir ettiği albümlerinden ulaştık. edebi konular ve kimono desenli kitaplar. Usta ayrıca shunga türünde de çalıştı ve bireysel çalışmalar arasında güzel kadınları tasvir eden birçok eser hayatta kaldı.

(鳥居清長, 1752-1815). 18. yüzyılın sonunda tanınan usta Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei), Torii Kiyonaga takma adını taşıyordu ve Torii'nin ukiyo-e okulunu Torii Kiyomitsu'nun ölümünden sonra miras olarak devraldı.

Kiyonaga, kitapçı Shirakoya Ishibei'nin ailesinde doğdu. Yakusha-e ile başlamasına rağmen bijinga türü ona en büyük şöhreti getirdi. Bijinga türündeki gravürlerin konuları günlük yaşamdan alınmıştır: yürüyüşler, şenlikli alaylar, doğa gezileri. Sanatçının çok sayıda eseri arasında Edo'nun güneyindeki “eğlenceli mahallelerden” biri olan Minami'yi tasvir eden “Neşeli mahallelerden moda güzellikleri yarışmaları”, “güney güzelliklerinin 12 portresi”, “10 çeşit çay dükkanı” standı yer alıyor. dışarı. Ustanın ayırt edici bir özelliği, arka plan görünümünün ayrıntılı bir şekilde detaylandırılması ve Batı'dan gelen ışık ve mekanı tasvir etme tekniklerinin kullanılmasıydı.

Kiyonaga ilk ününü, Koryusai'nin 1770'lerde yayıncı Nishimurai Yohachi için başlattığı "Moda Örnekleri: Bahar Yaprakları Gibi Yeni Modeller" serisinin 1782'de yeniden başlamasıyla kazandı.

(喜多川歌麿, 1753-1806). Bu olağanüstü ukiyo-e ustası Torii Kiyonaga ve yayıncı Tsutaya Juzaburo'dan önemli ölçüde etkilenmiştir. İkincisi ile uzun süreli işbirliğinin bir sonucu olarak birçok albüm, resimli kitaplar ve gravür serileri yayınlandı.

Utamaro'nun basit zanaatkarların hayatlarından konular almasına ve doğayı tasvir etmeye çalışmasına ("Böceklerin Kitabı") rağmen, Yoshiwara mahallesindeki geyşalara adanmış eserlerle ("Yoshiwara Yeşil Evler Yıllığı") bir sanatçı olarak ün kazandı. ”).

Utamaro'ya ulaştı yüksek seviye ifadede zihinsel durumlar kağıt üzerinde. Japon gravürlerinde ilk kez büst kompozisyonlarını kullanmaya başladı.

Utamaro'nun yaratıcılığı onu etkiledi Fransız empresyonistleri ve Avrupa'nın Japon baskılarına olan ilgisine katkıda bulundu.

(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusai'nin gerçek adı Tokitaro'dur. Muhtemelen dünya çapında en çok bilinen ukiyo-e ustası. Kariyeri boyunca otuzdan fazla takma ad kullandı. Tarihçiler onun çalışmalarını dönemselleştirmek için sıklıkla takma adlar kullanırlar.

İlk başta Hokusai, işi sanatçının niyetiyle sınırlı olan bir oymacı olarak çalıştı. Bu gerçek Hokusai'nin üzerinde ağır bir yük oluşturdu ve kendisini bağımsız bir sanatçı olarak aramaya başladı.

1778'de yakusha-e baskılarında uzmanlaşmış Katsukawa Shunsho stüdyosunda çırak oldu. Hokusai hem yetenekliydi hem de çok çalışkan öğrenciÖğretmene her zaman saygı gösteren ve bu nedenle Shunsho'nun özel iltifatına sahip olan. Böylece ilk bağımsız çalışma Hokusai, diptikler ve triptikler biçiminde yakusha-e türündeydi ve öğrencinin popülaritesi öğretmenin popülaritesine eşitti. O zamanlar genç usta yeteneğini o kadar geliştirmişti ki kendini bir okulda sıkışık hissetti ve öğretmeninin ölümünden sonra Hokusai stüdyodan ayrıldı ve diğer okulların talimatlarını inceledi: Kano, Sotatsu (aksi takdirde Koetsu), Rimpa, Tosa.

Bu dönemde sanatçı önemli deneyimler yaşar. mali zorluklar. Ancak aynı zamanda toplumun talep ettiği alışılagelmiş imajı reddeden ve kendi tarzını arayan bir usta olarak oluşumu da gerçekleşir.

1795 yılında şiirsel antoloji "Keka Edo Murasaki"nin illüstrasyonları gün ışığına çıktı. Daha sonra Hokusai, hemen popülerlik kazanmaya başlayan surimono resimlerini yaptı ve birçok sanatçı bunları taklit etmeye başladı.

Bu dönemden itibaren Tokitaro, eserlerine Hokusai ismiyle imza atmaya başladı, ancak bazı eserleri Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek takma adlarıyla yayımlandı.

1800 yılında usta kendisine "Resmin Çılgın Hokusai'si" anlamına gelen Gakejin Hokusai adını vermeye başladı.

Ünlü illüstrasyon serisi arasında "Fuji Dağı'nın 36 manzarası" yer alıyor ve bunların en dikkat çekici olanı "Zafer Rüzgarı". Açık Gün" veya "Kırmızı Fuji" ve " Büyük dalga Kanagawa'da”, “Fuji Dağı'nın 100 Görünümü”, üç albüm halinde yayınlandı, “Japon halkının ansiklopedisi” olarak adlandırılan “Hokusai's Manga” (北斎漫画). Sanatçı, yaratıcılık ve felsefeye dair tüm görüşlerini “Manga”ya aktardı. "Manga", birçok kültürel yönü içerdiğinden, o dönemde Japonya'nın yaşamını incelemek için en önemli kaynaktır. Sanatçının yaşamı boyunca toplam on iki sayı, ölümünden sonra ise üç sayı daha yayımlandı:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (sanatçının ölümünden sonra)

Hokusai'nin sanatı böyle etkiledi Avrupa destinasyonları Art Nouveau ve Fransız İzlenimciliği gibi.

(河鍋暁斎, 1831 -1889). Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin takma adlarını kullandı ve Kano okulunda okudu.

Hokusai'nin aksine Kyosai oldukça küstahtı ve bu da sanatçı Tsuboyama Tozan ile arasının açılmasına neden oldu. Okuldan sonra bağımsız bir usta oldu, ancak bazen okula beş yıl daha devam etti. O dönemde "çılgın resimler" olarak adlandırılan kyoga'yı çizdi.

Öne çıkan gravür eserleri arasında Kyosai'nin Yüz Tablosu bulunmaktadır. Bir illüstratör olarak Kyosai, diğer sanatçılarla işbirliği yaparak kısa öyküler ve romanlar için görseller yaratıyor.

19. yüzyılın sonunda Avrupalılar sık ​​sık Japonya'yı ziyaret ediyordu. Sanatçı bunlardan bazılarına aşinaydı ve eserlerinin birçoğu şu anda British Museum'da bulunmaktadır.

(歌川広重, 1797-1858). Ando Hiroshige (安藤広重) takma adı altında çalıştı ve doğal motifleri ve motifleri ustaca yorumlamasıyla tanındı. doğal olaylar. Şu anda Tokyo'daki Suntory Müzesi'nde saklanan ilk tablosu "Kardaki Fuji Dağı"nı on yaşındayken yaptı. İlk eserlerin olay örgüsü sokaklarda meydana gelen gerçek olaylara dayanıyordu. Ünlü bisikletleri: “100 Edo Manzarası”, “36 Fuji Dağı Manzarası”, “53 Tokaido İstasyonu”, “69 Kimokaido İstasyonu”, “100 bilinen türler Edo." Monet ve Rus sanatçı Bilibin, Doğu Sahil Yolu boyunca seyahat ettikten sonra resmedilen "Tokaido Yolu'nun 53 İstasyonu" ve "Edo'nun 100 Görünümü" tablosundan büyük ölçüde etkilendi. 25 gravürden oluşan kate-ga türündeki serinin en ünlüsü “Karla kaplı bir kamelya üzerindeki serçeler” sayfasıdır.

(歌川国貞, Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国) olarak da bilinir). Ukiyo-e'nin en önemli sanatçılarından biri.

Kabuki oyuncularına ve tiyatroya özel önem verdi - bu, tüm eserlerin yaklaşık% 60'ını oluşturuyor. Ayrıca bijinga türündeki eserler ve sumo güreşçilerinin portreleri de bilinmektedir. 35-40 bin sayfadan oluşan 20 ila 25 bin parsel oluşturduğu biliniyor. Nadiren manzaralara ve savaşçılara yöneldi. Utagawa Kuniyoshi (歌川 国芳, 1798 - 1861). Bir ipek boyacısının ailesinde doğdu. Kuniyoshi, on yaşında Kuninao sanatçı ailesiyle birlikte yaşarken resim yapmayı öğrenmeye başladı. Daha sonra Katsukawa Shun'ei ile çalışmaya devam etti ve 13 yaşında Tokuyoni atölyesine eğitim almak için girdi. İlk yıllar genç sanatçı işler iyi gitmiyor. Ancak yayıncı Kagaya Kichibei'den 108 Suikoden Kahramanı serisi için beş baskı siparişi aldıktan sonra işler yolunda gitmeye başladı. Dizideki karakterlerin geri kalanını yaratır ve ardından diğerlerine geçer. çeşitli işler ve on beş yıl sonra Utagawa Hiroshige ve Utagawa Kunisada ile aynı seviyeye geldi.

1842'deki görsel yasağından sonra tiyatro sahneleri aktörler, geyşalar ve fahişeler, Kuniyoshi “kedi” serisini yazıyor, ev hanımları ve çocuklara yönelik eğitici bir seriden baskılar yapıyor, “Gelenekler, Ahlak ve Ahlak” serisinde ulusal kahramanları tasvir ediyor ve 1840'ların sonlarında - 1850'lerin başında zayıflamadan sonra Yasakların ardından sanatçı kabuki temasına geri dönüyor.

(渓斎英泉, 1790-1848). Bijinga türündeki çalışmalarıyla tanınır. Onun en iyi işler ukiyo-e türünün düşüşte olduğu Bunsei döneminin (1818-1830) zanaatkarlığının örnekleri olarak kabul edilen okubi-e ("büyük kafalar") tipi portreleri içerir. Sanatçı birçok lirik ve erotik surimono'nun yanı sıra tamamlayamadığı ve Hiroshige tarafından tamamlanan "Kisokaido'nun Altmış Dokuz İstasyonu" manzara döngüsünden oluşan bir resim yaptı.

Bijinga tasvirindeki yenilik, daha önce diğer sanatçılarda görülmeyen duygusallığıydı. O dönemin modasını eserlerinden anlayabiliyoruz. Ayrıca Kırk Yedi Ronin'in biyografilerini yayınladı ve sanatçıların biyografilerini içeren Ukiyo-e Baskılarının Tarihi (Ukiyo-e ruiko) dahil olmak üzere başka birçok kitap yazdı. İsimsiz Bir Yaşlının Notları'nda kendisini ahlaksız bir ayyaş ve Nedzu'da 1830'larda yanan bir genelevin eski sahibi olarak tanımladı.

Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Sanatçının gerçek adı Hozumi Jirobei'dir. Ukiyo-e çok renkli baskının kaşifidir. Kano Okulu'na gitti ve resim eğitimi aldı. Daha sonra Shigenaga Nishimura ve Torii Kiyomitsu'nun etkisiyle tahta baskı baskı onun hobisi haline geldi. 18. yüzyılın başından beri iki veya üç renkli gravürler yapılıyordu ve Harunobu, üç tahta kullanarak ve üç rengi (sarı, mavi ve kırmızı) birleştirerek on renkte resim yapmaya başladı.

Shunga türündeki sokak manzaralarını ve tabloları tasvir etmede başarılı oldu. Ve 1760'lardan itibaren Kabuki oyuncularını ilk canlandıranlardan biriydi. Eserleri E. Manet ve E. Degas'ı etkiledi.

(小原古邨, 1877 - 1945). Gerçek adı Matao Ohara'dır. Rus-Japon ve Çin-Japon savaşlarından tasvir edilen sahneler. Ancak fotoğraf ortaya çıktıktan sonra çalışmaları az satmaya başladı ve okulda öğretmenlik yaparak geçimini sağlamaya başladı. güzel sanatlar Tokyo'da. 1926'da Boston Müzesi'nde Japon sanatı küratörü Ernest Felloza, Ohara'yı resme geri dönmeye ikna etti ve sanatçı kuşları ve çiçekleri tasvir etmeye başladı ve çalışmaları yurtdışında iyi satıldı.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). O zamanın birçok kültürel ve dini figürüyle dostluktan oluşan eksantrikliği ve yaşam tarzıyla diğer sanatçılar arasında öne çıktı. Hayvanları, çiçekleri ve kuşları çok egzotik bir biçimde tasvir etti. Çok ünlüydü ve ekranların ve tapınak resimlerinin boyanması için siparişleri kabul ediyordu.

(鳥居清信, 1664-1729). En önemli temsilcilerden biri erken dönem ukiyo-e. Hocası Hishikawa Monorobu'nun büyük etkisine rağmen poster ve afiş tasvirinde yakusha-e türünün kurucusu oldu ve kendi üslubunu icat etti. Oyuncular özel pozlarla cesur kahramanlar olarak tasvir edildi ve
soylu turuncu ve kötü adamlar çekildi mavi renkler. Sanatçı, tutkuyu tasvir etmek için özel bir tür mimizugaki çizimi icat etti - bunlar, değişen ince ve kalın vuruşlara sahip dolambaçlı çizgilerdir ve uzuv kaslarının grotesk bir görüntüsüyle birleştirilmiştir.

Torii Kiyonobu, Torii sanatçı hanedanının kurucusudur. Öğrencileri Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I ve Torii Kiyomitsu'ydu.

En sevdiğiniz ukiyo-e sanatçısı kim?

Japonca, yapısı itibariyle herhangi bir Avrupa dilinden farklıdır ve bu da öğrenmede bazı zorluklara neden olabilir. Ancak endişelenmeyin! Özellikle sizin için hemen kaydolabileceğiniz bir kurs “” geliştirdiniz!

Tüm büyük sanatçıların geçmişte kaldığını düşünüyorsanız, ne kadar yanılıyorsunuz bilemezsiniz. Bu yazıda zamanımızın en ünlü ve yetenekli sanatçıları hakkında bilgi edineceksiniz. Ve inanın bana, onların eserleri hafızanızda geçmiş çağlardaki maestroların eserlerinden daha az derin kalmayacak.

Wojciech Babski

Wojciech Babski çağdaş bir Polonyalı sanatçıdır. Öğrenimini Silezya Politeknik Enstitüsü'nde tamamladı ancak kendini onunla ilişkilendirdi. İÇİNDE son zamanlarda ağırlıklı olarak kadınları çekiyor. Duyguların ifadesine odaklanır, basit yöntemlerle mümkün olan en büyük etkiyi elde etmeye çalışır.

Renkleri sever ancak en iyi izlenimi elde etmek için sıklıkla siyah ve grinin tonlarını kullanır. Farklı yeni teknikleri denemekten korkmuyorum. Son zamanlarda yurtdışında, özellikle de birçok özel koleksiyonda bulunan eserlerini başarıyla sattığı İngiltere'de giderek artan bir popülerlik kazanıyor. Sanatın yanı sıra kozmoloji ve felsefeyle de ilgileniyor. Caz dinler. Şu anda Katowice'de yaşıyor ve çalışıyor.

Warren Chang

Warren Chang - modern Amerikalı sanatçı. 1957'de doğup Monterey, California'da büyüdü. 1981'de Pasadena'daki Art Center College of Design'dan onur derecesiyle mezun oldu ve burada BFA aldı. Sonraki yirmi yıl boyunca Kaliforniya ve New York'taki çeşitli şirketlerde illüstratör olarak çalıştı ve 2009'da profesyonel sanatçı olarak kariyerine başladı.

Gerçekçi resimleri iki ana kategoriye ayrılabilir: biyografik iç mekan resimleri ve çalışan insanları tasvir eden resimler. Bu resim tarzına olan ilgisi 16. yüzyıl sanatçısı Johannes Vermeer'in çalışmalarına kadar uzanıyor ve konulara, otoportrelere, aile üyelerinin, arkadaşların, öğrencilerin portrelerine, stüdyo iç mekanlarına, sınıflara ve evlere kadar uzanıyor. Amacı gerçekçi resimler Işığın manipülasyonu ve yumuşak renklerin kullanımı yoluyla ruh hali ve duygu yaratın.

Chang, geleneksel güzel sanatlara geçtikten sonra ünlü oldu. Geçtiğimiz 12 yıl boyunca çok sayıda ödül ve onur kazandı; bunların en prestijlisi, Amerika Birleşik Devletleri'ndeki en büyük yağlıboya topluluğu olan Amerika Yağlı Boya Ressamlarının Usta İmzası'dır. 50 kişiden yalnızca bir kişiye bu ödülü alma fırsatı veriliyor. Warren şu anda Monterey'de yaşıyor ve stüdyosunda çalışıyor ve aynı zamanda (yetenekli bir öğretmen olarak biliniyor) San Francisco Sanat Akademisi'nde ders veriyor.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni- İtalyan sanatçı. 15 Ekim 1955'te Blair'de doğdu. Spoleto Sanat Enstitüsü'nden sahne tasarımı diploması aldı. Bir sanatçı olarak, okulda atılan temel üzerine bağımsız olarak "bir bilgi evi inşa ettiği" için kendi kendini yetiştirmiştir. 19 yaşında yağlıboya resim yapmaya başladı. Şu anda Umbria'da yaşıyor ve çalışıyor.

Bruni'nin ilk resimlerinin kökleri gerçeküstücülüğe dayanır, ancak zamanla lirik romantizm ile sembolizmin yakınlığına odaklanmaya başlar ve bu birleşimi karakterlerinin zarif inceliği ve saflığıyla güçlendirir. Animasyonlu ve cansız nesneler eşit derecede saygınlık kazanır ve neredeyse hiper gerçekçi görünürler, ancak aynı zamanda bir perdenin arkasına saklanmazlar, ancak ruhunuzun özünü görmenize izin verirler. Çok yönlülük ve incelik, duygusallık ve yalnızlık, düşüncelilik ve üretkenlik, sanatın ihtişamı ve müziğin uyumuyla beslenen Aurelio Bruni'nin ruhudur.

Aleksander Balos

Alkasander Balos, yağlı boya resim konusunda uzmanlaşmış Polonyalı çağdaş bir sanatçıdır. 1970 yılında Polonya'nın Gliwice kentinde doğdu, ancak 1989'dan beri ABD'nin Shasta, Kaliforniya'sında yaşıyor ve çalışıyor.

Çocukken, kendi kendini yetiştirmiş bir sanatçı ve heykeltıraş olan babası Jan'ın rehberliğinde sanat eğitimi aldı. erken yaş, sanatsal aktivite her iki ebeveynden de tam destek aldı. 1989'da, on sekiz yaşındayken Balos, Polonya'dan ayrılarak Amerika Birleşik Devletleri'ne gitti ve burada okul öğretmeni ve yarı zamanlı sanatçı Kathy Gaggliardi, Alkasander'ı üniversiteye kaydolmaya teşvik etti. sanat okulu. Balos daha sonra Wisconsin Milwaukee Üniversitesi'nde tam burs kazandı ve burada felsefe profesörü Harry Rosin ile resim eğitimi aldı.

Balos, 1995 yılında lisans derecesi ile mezun olduktan sonra, yöntemleri Jacques-Louis David'in çalışmalarına dayanan Güzel Sanatlar Okulu'nda okumak için Chicago'ya taşındı. Figüratif gerçekçilik ve portre vardı çoğu Balos'un çalışmaları 90'larda ve 2000'lerin başındaydı. Bugün Balos, herhangi bir çözüm sunmadan, insan varoluşunun özelliklerini ve eksikliklerini vurgulamak için insan figürünü kullanıyor.

Resimlerinin konu kompozisyonlarının izleyici tarafından bağımsız olarak yorumlanması amaçlanıyor, ancak o zaman resimler gerçek zamansal ve öznel anlamlarını kazanacak. 2005 yılında sanatçı Kuzey Kaliforniya'ya taşındı, o zamandan beri çalışmalarının konusu önemli ölçüde genişledi ve artık fikirlerin ve varoluş ideallerinin resim aracılığıyla ifade edilmesine yardımcı olan soyutlama ve çeşitli multimedya stilleri de dahil olmak üzere daha özgür resim yöntemlerini içeriyor.

Alyssa Rahipleri

Alyssa Monks, çağdaş Amerikalı bir sanatçıdır. 1977'de Ridgewood, New Jersey'de doğdu. Henüz çocukken resim yapmaya ilgi duymaya başladım. New York'ta New School'da okudu Devlet Üniversitesi Montclair ve 1999 yılında Boston College'dan B.A. ile mezun oldu. Aynı zamanda Floransa'daki Lorenzo de' Medici Akademisi'nde resim eğitimi aldı.

Daha sonra New York Sanat Akademisi'nin Figüratif Sanatlar bölümünde yüksek lisans programına devam ederek 2001 yılında mezun oldu. 2006 yılında Fullerton College'dan mezun oldu. Bir süre üniversitelerde ders verdi ve eğitim kurumlarıülke çapında New York Sanat Akademisi'nin yanı sıra Montclair Eyalet Üniversitesi ve Lyme Sanat Akademisi Koleji'nde resim dersleri verdi.

“Cam, vinil, su, buhar gibi filtreleri kullanarak insan vücudunu bozuyorum. Bu filtreler, insan vücudunun bazı kısımlarından görünen renk adacıklarıyla geniş soyut tasarım alanları oluşturmanıza olanak tanır.

Resimlerim, banyo yapan kadınların halihazırda yerleşik, geleneksel poz ve jestlerine modern bakış açısını değiştiriyor. Dikkatli bir izleyiciye yüzmenin, dans etmenin vb. faydaları gibi görünüşte apaçık şeyler hakkında çok şey anlatabilirler. Karakterlerim kendilerini duş penceresinin camına bastırıyorlar, kendi bedenlerini çarpıtıyorlar ve böylece çıplak bir kadına yönelik kötü şöhretli erkek bakışını etkilediklerini fark ediyorlar. Camı, buharı, suyu ve eti uzaktan taklit etmek için kalın boya katmanları karıştırılıyor. Ancak yakından bakıldığında şaşırtıcı fiziksel özellikler yağlı boya. Boya ve renk katmanlarıyla deneyler yaparak soyut fırça darbelerinin başka bir şeye dönüştüğü bir nokta buluyorum.

İnsan vücudunu ilk kez resmetmeye başladığımda, hemen büyülendim, hatta ona takıntılı oldum ve resimlerimi olabildiğince gerçekçi yapmam gerektiğine inandım. Kendi içindeki çelişkiler çözülüp ortaya çıkana kadar gerçekçiliği "iddia ettim". Şimdi temsili resim ve soyutlamanın buluştuğu bir resim tarzının olanaklarını ve potansiyelini araştırıyorum; eğer her iki tarz da aynı anda bir arada var olabilirse, bunu yapacağım.”

Antonio Finelli

İtalyan sanatçı – “ Zaman Gözlemcisi” – Antonio Finelli 23 Şubat 1985'te doğdu. Şu anda İtalya'da Roma ve Campobasso arasında yaşıyor ve çalışıyor. Eserleri İtalya'da ve yurtdışında çeşitli galerilerde sergilendi: Roma, Floransa, Novara, Cenova, Palermo, İstanbul, Ankara, New York, ayrıca özel ve kamu koleksiyonlarında da bulunabilir.

Karakalem çizimler “ Zaman Gözlemcisi"Antonio Finelli bizi sonsuz bir yolculuğa çıkarıyor. iç dünya insanın zamansallığı ve buna bağlı olarak ana unsuru zamanın geçişi ve ciltte bıraktığı izler olan bu dünyanın titiz analizi.

Finelli, yüz ifadeleri zamanın geçişini gösteren her yaştan, cinsiyetten ve milletten insanın portrelerini çiziyor ve sanatçı, karakterlerinin bedenlerinde de zamanın acımasızlığının kanıtını bulmayı umuyor. Antonio eserlerini tek bir şeyle tanımlıyor: ortak ad: “Otoportre”, çünkü karakalem çizimlerinde sadece bir kişiyi tasvir etmiyor, aynı zamanda izleyicinin düşünmesine de olanak tanıyor gerçek sonuçlar bir insanın içinde zamanın geçişi.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni, bir diplomatın kızı olan 37 yaşında İtalyan bir sanatçıdır. Üç çocuğu var. On iki yıl Roma'da, üç yıl da İngiltere ve Fransa'da yaşadı. BD Sanat Okulu'ndan sanat tarihi diploması aldı. Daha sonra sanat restoratörü olarak diploma aldı. Mesleğini bulmadan ve kendini tamamen resme adamadan önce gazeteci, renk uzmanı, tasarımcı ve oyuncu olarak çalıştı.

Flaminia'nın resim tutkusu çocuklukta ortaya çıktı. Ana aracı petrol çünkü “la pate'yi şekillendirmeyi” ve aynı zamanda malzemeyle oynamayı seviyor. Sanatçı Pascal Torua'nın eserlerinde de benzer bir teknik olduğunu fark etti. Flaminia, Balthus, Hopper ve François Legrand gibi büyük resim ustalarının yanı sıra sokak sanatı, Çin gerçekçiliği, gerçeküstücülük ve Rönesans gerçekçiliği gibi çeşitli sanatsal akımlardan ilham alıyor. Onun favorisi sanatçı Caravaggio. Onun hayali sanatın tedavi edici gücünü keşfetmektir.

Denis Çernov

Denis Chernov, 1978 yılında Ukrayna'nın Lviv bölgesindeki Sambir'de doğan yetenekli bir Ukraynalı sanatçıdır. 1998 yılında Kharkov Sanat Okulu'ndan mezun olduktan sonra şu anda yaşadığı ve çalıştığı Kharkov'da kaldı. Ayrıca Kharkov Devlet Tasarım ve Sanat Akademisi Grafik Sanatlar Bölümü'nde eğitim gördü ve 2004 yılında mezun oldu.

Düzenli olarak katılıyor sanat sergileri, Açık şu anda bunların altmıştan fazlası hem Ukrayna'da hem de yurt dışında gerçekleşti. Denis Chernov'un eserlerinin çoğu Ukrayna, Rusya, İtalya, İngiltere, İspanya, Yunanistan, Fransa, ABD, Kanada ve Japonya'daki özel koleksiyonlarda saklanıyor. Eserlerin bir kısmı Christie's'de satıldı.

Denis çok çeşitli grafik ve resim tekniklerinde çalışıyor. Karakalem çizimler onun en sevdiği resim yöntemlerinden biri, konularının bir listesi kalem çizimleri aynı zamanda çok çeşitlidir, manzaralar, portreler, nüler çizer, tür kompozisyonları, kitap illüstrasyonları, edebi ve tarihi rekonstrüksiyonlar ve fanteziler.

Her ülkenin kahramanları vardır çağdaş sanat isimleri tanınan, sergileri kalabalık hayran ve meraklıların ilgisini çeken, eserleri özel koleksiyonlara satılan.

Bu yazıda sizi en popülerlerle tanıştıracağız. çağdaş sanatçılar Japonya.

Keiko Tanabe

Kyoto'da doğan Keiko, çocukluğunda birçok zafer kazandı. sanat yarışmaları, Ancak yüksek öğrenim Sanat alanında bunu hiç anlamadım. Tokyo'da bir Japon belediye ticaret örgütünün, San Francisco'da büyük bir hukuk firmasının ve San Diego'da özel bir danışmanlık firmasının uluslararası ilişkiler departmanında çalıştı ve yoğun seyahat etti. 2003 yılından itibaren işinden ayrıldı ve San Diego'da suluboya resminin temellerini inceledikten sonra kendisini yalnızca sanata adadı.

Ikenaga Yasunari

Japon sanatçı Ikenaga Yasunari portreler çiziyor modern kadınlar Antik Japon resim geleneğinde, temel olarak Menso fırçası, mineral pigmentler, karbon siyahı, mürekkep ve keten kullanılır. Karakterleri zamanımızın kadınları ama Nihonga'nın tarzı sayesinde çok eski zamanlardan beri bize geldikleri hissine kapılıyorsunuz.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki ustalaşmış gerçekçi bir sanatçıdır. suluboya tekniği. Abe bir sanatçı-filozof olarak adlandırılabilir: Temelde ünlü simgeleri resmetmiyor, yansıtan öznel kompozisyonları tercih ediyor. iç durumlar onları izleyen kişi.

Hiroko Sakai

Sanatçı Hiroko Sakai'nin kariyeri 90'lı yılların başında Fukuoka şehrinde başladı. Seinan Gakuin Üniversitesi ve Fransız Nihon İç Tasarım Okulu'ndan tasarım ve görselleştirme alanında mezun olduktan sonra Atelier Yume-Tsumugi Ltd.'yi kurdu. ve bu stüdyoyu 5 yıl boyunca başarıyla yönetti. Eserlerinin çoğu hastane lobilerini, büyük şirketlerin ofislerini ve Japonya'daki bazı belediye binalarını süslüyor. Hiroko, Amerika Birleşik Devletleri'ne taşındıktan sonra yağlıboya resim yapmaya başladı.

Riusuke Fukahori

Riusuki Fukahori'nin üç boyutlu çalışmaları hologramları andırıyor. Onlar bitti akrilik boya, birkaç katman halinde uygulanan ve şeffaf bir reçine sıvısı - tüm bunlar, gölge çizme, kenarları yumuşatma, şeffaflığı kontrol etme gibi geleneksel yöntemleri dışlamadan, Riusuki'nin heykelsi resimler oluşturmasına olanak tanır ve çalışmalara derinlik ve gerçekçilik kazandırır.

Natsuki Otani

Natsuki Ohtani, İngiltere'de yaşayan ve çalışan yetenekli bir Japon illüstratördür.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu yaratıcılığının temeli olarak kazan-kazan temasını seçti; kedi çiziyor. Resimleri, özellikle bulmaca biçiminde tüm dünyada popülerdir.

Tetsuya Mishima

Çağdaş Japon sanatçı Mishima'nın resimlerinin çoğu yağlıboya yapılmıştır. 90'lı yıllardan bu yana profesyonel olarak resim yapıyor ve hem Japon hem de yabancı birçok kişisel sergi ve çok sayıda karma sergi açtı.

Merhaba, sevgili okuyucular– bilgi ve hakikat arayanlar!

Japon sanatçıların nesiller boyu ustalar tarafından bilenmiş benzersiz bir tarzı var. Bugün antik çağlardan modern zamanlara kadar Japon resminin en önemli temsilcilerinden ve onların resimlerinden bahsedeceğiz.

Peki, Yükselen Güneş Ülkesi sanatına dalalım.

Sanatın Doğuşu

Japonya'daki antik resim sanatı öncelikle yazının özellikleriyle ilişkilidir ve bu nedenle kaligrafinin temelleri üzerine inşa edilmiştir. İlk örnekler arasında kazılarda bulunan bronz çan parçaları, tabaklar ve ev eşyaları yer alıyor. Birçoğu doğal boyalarla boyanmıştı ve araştırmalar, ürünlerin M.Ö. 300'den daha önce yapıldığına inanmamızı sağlıyor.

Japonya'ya gelişiyle birlikte yeni bir sanat gelişimi turu başladı. Budist panteonunun tanrılarının görüntüleri, Öğretmenin ve takipçilerinin hayatından sahneler emakimono - özel kağıt parşömenlere uygulandı.

Resimde dini temaların ağırlığını görmek mümkündür. ortaçağ Japonya yani X'ten XV yüzyıllara kadar. Ne yazık ki o dönemin sanatçılarının isimleri günümüze ulaşamamıştır.

15.-18. yüzyıllarda, gelişmiş bireysel üsluba sahip sanatçıların ortaya çıkmasıyla karakterize edilen yeni bir dönem başladı. Vektörü belirlediler daha fazla gelişme güzel sanatlar.

Geçmişin parlak temsilcileri

Gergin Xubun (15. yüzyılın başları)

Olağanüstü bir usta olabilmek için Xiubun, Çin'in Şarkı sanatçılarının yazı tekniklerini ve eserlerini inceledi. Daha sonra Japonya'da resmin kurucularından biri ve sumi-e'nin yaratıcısı oldu.

Sumi-e – sanatsal tarz Tek renk anlamına gelen mürekkeple çizime dayalıdır.

Xubun çok şey yaptı yeni stil Sanat çevrelerinde kök saldı. Gelecek dahil diğer yeteneklere sanat öğretti. ünlü ressamlarörneğin Sesshu.

En çok popüler boyama Syubuna'ya "Bambu Korusu'nda Okumak" denir.

Tense Xubun'dan "Bambu Korusu'nda Okumak"

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Kendi adını taşıyan bir okulun yaratıcısı oldu - Hasegawa. İlk başta Kano okulunun kurallarını takip etmeye çalıştı, ancak yavaş yavaş eserlerinde bireysel "el yazısının" izleri sürülmeye başlandı. Tohaku, Sesshu grafikleri tarafından yönlendiriliyordu.

Eserlerin temeli basit, özlü ama basit başlıklara sahip gerçekçi manzaralardı:

• "Çamlar";
• "Akçaağaç";
• "Çam ağaçları ve çiçekli bitkiler."

Hasegawa Tohaku'dan "Çamlar"

Ogata Korin (1658-1716) ve Ogata Kenzan (1663-1743) kardeşler

Kardeşler harika ustalar 18. yüzyıl. En büyüğü Ogata Korin kendini tamamen resme adadı ve rimpa türünü kurdu. Kalıplaşmış görüntülerden kaçınarak izlenimci tarzı tercih etti.

Ogata Korin genel olarak doğayı, özellikle de çiçekleri parlak soyutlamalar şeklinde resmetti. Fırçaları resimlere aittir:

• "Erik çiçeği kırmızı ve beyaz";
• "Matsushima Dalgaları";
• "Krizantemler".

"Matsushima'nın Dalgaları" Ogata Korin

Küçük erkek kardeş Ogata Kenzan'ın birçok takma adı vardı. Resimle meşgul olmasına rağmen daha çok harika bir seramikçi olarak ünlendi.

Ogata Kenzan seramik yaratmanın birçok tekniğinde uzmanlaştı. O seçkindi standart dışı yaklaşımörneğin kare şeklinde tabaklar yarattı.

Kendi resmi ihtişamla ayırt edilmiyordu - bu aynı zamanda onun tuhaflığıydı. Eşyalarına parşömen benzeri kaligrafi veya şiirden alıntılar uygulamayı severdi. Bazen kardeşleriyle birlikte çalışıyorlardı.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Ukiyo-e tarzında - bir tür tahta baskı, başka bir deyişle gravür resim - yarattı. Tüm kariyeri boyunca 30'a yakın isim değiştirdi. Ünlü eser– “Kanagawa'daki Büyük Dalga” sayesinde memleketi dışında meşhur oldu.

Hokusai Katsushika'dan "Kanagawa'daki Büyük Dalga"

Hokusai özellikle 60 yaşından sonra çok çalışmaya başladı ve bu da iyi sonuçlar getirdi. Van Gogh, Monet ve Renoir onun çalışmalarına aşinaydı ve bu, Avrupalı ​​ustaların çalışmalarını bir dereceye kadar etkiledi.

Ando Hiroshige (1791-1858)

19. yüzyılın en büyük sanatçılarından biri. Edo'da doğdu, yaşadı ve çalıştı, Hokusai'nin çalışmalarını sürdürdü ve onun çalışmalarından ilham aldı. Doğayı tasvir etme şekli de neredeyse eserlerinin sayısı kadar etkileyici.

Edo, Tokyo'nun eski adıdır.

İşte bir dizi tabloyla temsil edilen, çalışmalarına ilişkin bazı rakamlar:

• 5,5 bin – tüm gravürlerin sayısı;
• “Edo'nun 100 Görünümü;
• "Fuji'nin 36 manzarası";
• "Kisokaido'nun 69 istasyonu";
• "Tokaido'nun 53 istasyonu."

Ando Hiroshige'nin tablosu

İlginçtir ki ünlü Van Gogh gravürlerinin birkaç kopyasını çizmiştir.

Modernite

Takashi Murakami

Bir sanatçı, heykeltıraş, giyim tasarımcısı, 20. yüzyılın sonlarında zaten bir isim kazandı. Çalışmalarında moda trendlerini klasik unsurlarla takip ediyor, anime ve manga çizgi filmlerinden ilham alıyor.

Takashi Murakami'nin tablosu

Takashi Murakami'nin eserleri bir alt kültür olarak kabul ediliyor ama aynı zamanda inanılmaz derecede popülerler. Örneğin 2008 yılında bir eseri müzayedede 15 milyon doların üzerinde bir fiyata satın alındı. Bir zamanlar modern yaratıcı, Marc Jacobs ve Louis Vuitton moda evleriyle birlikte çalıştı.

Sessiz Ashima

Önceki sanatçının meslektaşı, modern gerçeküstü resimler yaratıyor. Şehirlerin, megalopolislerin sokaklarının ve yaratıkların görüntülerini sanki başka bir evrenden geliyormuş gibi tasvir ediyorlar - hayaletler, kötü ruhlar, uzaylı kızlar. Resimlerin arka planında, çoğu zaman bozulmamış, hatta bazen korkutucu doğayı fark edebilirsiniz.

Resimleri büyük boyutlara ulaşıyor ve nadiren kağıt medyayla sınırlı kalıyor. Deri ve plastik malzemelere aktarılır.

2006 yılında İngiltere'nin başkentinde düzenlenen bir sergi kapsamında bir kadın, köyün ve şehrin doğasının güzelliğini gece gündüz yansıtan 20'ye yakın kemerli yapı yarattı. Bunlardan biri metro istasyonunu süsledi.

Hey Arakawa

Genç adama kelimenin klasik anlamında sadece bir sanatçı denemez - 21. yüzyılın sanatında çok popüler olan enstalasyonlar yaratıyor. Sergilerinin temaları gerçek anlamda Japoncadır ve dostane ilişkilerin yanı sıra tüm ekibin çalışmalarına da değinmektedir.

Hei Arakawa, örneğin Venedik'te sıklıkla çeşitli bienallere katılır ve müzelerde sergiler açar. çağdaş sanat memleketinde haklı olarak çeşitli ödüller alır.

Ikenaga Yasunari

Çağdaş ressam Ikenaga Yasunari görünüşte birbiriyle uyumsuz olan iki şeyi birleştirmeyi başardı: modern kızların portre biçimindeki yaşamı ve eski zamanlardan kalma geleneksel Japon teknikleri. Ressam çalışmalarında özel fırçalar, doğal pigmentli boyalar, mürekkep ve kömür kullanıyor. Her zamanki keten yerine keten kumaş.

Ikenaga Yasunari'nin tablosu

Tasvir edilen dönemi karşılaştırmaya yönelik benzer bir teknik ve dış görünüş Kahramanlar bize geçmişten döndükleri izlenimini veriyor.

Son zamanlarda İnternet camiasında popüler olan bir timsahın hayatının karmaşıklıklarını anlatan bir dizi resim de Japon karikatürist Keigo tarafından yaratıldı.

Çözüm

Bu yüzden, japon boyama MÖ 3. yüzyılda ortaya çıktı ve o zamandan beri çok değişti. İlk görseller seramiğe uygulanmış, ardından sanatta Budist motifler hakim olmaya başlamış ancak yazarların isimleri günümüze ulaşamamıştır.

Modern çağda fırça ustaları giderek daha fazla bireysellik kazanarak farklı yönler ve ekoller yarattılar. Bugünün güzel sanatlar geleneksel resim sanatıyla sınırlı değildir; enstalasyonlar, karikatürler, sanatsal heykeller ve özel yapılar kullanılmaktadır.

İlginiz için çok teşekkür ederim sevgili okuyucular! Makalemizi yararlı bulduğunuzu umarız ve sanatın en parlak temsilcilerinin yaşamı ve çalışmaları hakkındaki hikayeler onları daha iyi tanımanıza olanak sağlar.

Antik çağdan günümüze tüm sanatçılardan tek bir yazıda bahsetmek elbette zordur. Bu nedenle Japon resmini anlama yolunda ilk adım bu olsun.

Ve bize katılın - bloga abone olun - Budizm'i ve Doğu kültürünü birlikte inceleyeceğiz!