SSCB Halk Sanatçısı Mikhail Lavrovsky'nin yıldönümü gecesi. Büyük konserde Mikhail Lavrovsky onuruna bir gala konseri düzenlendi. Mikhail Lavrovsky'nin biyografisinden

Mihail Lavrovski. Fotoğraf Mikhail Logvinov'a ait. Bolşoy Tiyatrosu

Gecenin başında balenin sanat yönetmeni, Lavrovsky'nin sadece kendi neslinin lideri olarak büyük rolünü değil, aynı zamanda modern dansçılar için bir referans noktası olmaya devam eden dansının olağanüstü kalitesini de kaydetti. Parlak Spartacus, cesur Albert, rüya gibi Romeo - bu ve diğer ana rollerde, Mikhail Lavrovsky sanatında bugüne kadar ulaşılamaz!

Dansın yıldönümü programında izleyiciler, Mikhail Lavrovsky'nin çeşitli koreografik prodüksiyonlarını ve ustanın çok çalıştığı ve rollerini aktarmayı başardığı harika Bolşoy dansçılarının gerçek becerilerini görme fırsatı buldu. Böylece neredeyse tüm akşam boyunca ülkenin ilk tiyatrosunda klasik erkek dansının en iyi güçleri sahnede sergilendi.

Böylece tek perdelik bale “Casanova Teması Üzerine Fantezi” nin ana sanatçısı müziğe ayarlandı. En karmaşık atlama kombinasyonları ve oyunculuk sahneleriyle dolu ölümcül kadın baştan çıkarıcı rolü, sanatçı için alışılmadık derecede uygundu. Tsvirko, hem balerinlerin özenli bir ortağı hem de teknik açıdan kendini ifade eden bir solist olarak sınırsız bir şekilde hareket etti!

Casanova - Igor Tsvirko. Fotoğraf Mikhail Logvinov'a ait. Bolşoy Tiyatrosu

“Casanova Teması Üzerine Fantezi”, yeteneklerini yalnızca baş dansçıya değil, aynı zamanda rolleri seyirci için daha az çekici olmayan yardımcı solistlere de gösterme fırsatı veren etkili bir hikaye balesidir. Böylece Casanova'nın saray hizmetkarı Harlequin rolünde koordineli ve sanatsal Georgy Gusev iyi bir performans sergiledi. Casanova'nın Dostları rollerinin oyuncuları - Vasily Zhidkov, Anton Kondratov, Andrey Koshkin ve Andrey Rybakov - plastik görevleriyle de ustaca başa çıktılar.

Mikhail Lavrovsky'nin Casanova'nın hayatı ve maceralarını anlatan balesi, yaklaşık yirmi yıl önce Bolşoy Tiyatrosu'nun repertuarında sürekli olarak mevcuttu. Görünüşe göre bugün bile, göze batmayan felsefi imalara sahip, bu kadar zarif, gerçekçi dans parçalarından yoksun olan oyun ilanını çeşitlendirebilirdi.

“Amok”, A. Simonenko'nun (yönetmen Garcia, kostüm tasarımcısı Dolores Garcia Ordonez) Stefan Zweig'in aynı adlı kısa öyküsünden esinlenerek hazırladığı koreografik bir numaradır. Karmaşıklığı dans metninde değil, sanatçıların bu etkileyici aşk eserinin atmosferine kendilerini ne kadar derinden kaptırabildikleriyle ilgili. Ve söylemeliyim ki, Amok'un sanatçıları Arthur Mkrtchyan ve Anita Pudikova başarılı oldu! Zweig'in temasına özel bir ruhla ve duygusal bir geri dönüşle dahil oldular.

"Amok". Doktor - Arthur Mkrtchan. Pavel Rychkov'un fotoğrafı. Bolşoy Tiyatrosu

Marianna Ryzhkina ve Mikhail Lobukhin'in gerçekleştirdiği "" düeti seyirciler üzerinde olağanüstü, manyetik bir etki yarattı. Bolşoy Balesi'nin dünyaca ünlü tarzının gerçekten kendini gösterdiği yer burası! Daha az parlak olmayan, gerekli mizaca ve yüksek teknik seviyeye sahip Ekaterina Krysanova ve.

“Spartacus” balesinden düet. Marianna Ryzhkina ve Mikhail Lobukhin. Pavel Rychkov'un fotoğrafı. Bolşoy Tiyatrosu

Sayı "Rus Balerin" (müzik K. Jenkins, A. Guerra, J. Luisier, sahne yönetmeni Leonid Lavrovsky-Garcia, kostüm tasarımcısı Dolores Garcia Ordonez), yalnız ve belki de unutulmuş birinin kaderiyle ilgili bir hikaye ile tüm balerinler, belirli bir çelişkili hikayeden değil, tam olarak danstan, sanatçıların teknik ve dublör yeteneklerinin sergilenmesinden etkilendiler. Burada bir barda oturan bir balerin (O, Victoria Litvinova), Genç Adam'ın (Alan Kokaev) üç çapkın kızla (Daria Lovtsova, Kristina Loseva, Anita Pudikova) dans flörtünü izliyor. Adam o kadar virtüöz ki, en ulaşılmaz kadını bile fethedebiliyor. Balerin de ilerlemelerinin hedefi haline gelir...

"Rus balerin". O Victoria Litvinova, Genç Adam ise Alan Kokaev. Pavel Rychkov'un fotoğrafı. Bolşoy Tiyatrosu

Akşamın programı, başrolde müziğin yer aldığı tek perdelik “Nijinsky” balesiyle tamamlandı. Halihazırda sahnede hatırı sayılır bir varoluş geçmişine sahip olan bu performans, büyük ölçekli, "uçan" bir dansçı, modern bir dans tanrısı olan Vasiliev'in bireyselliği için yaratılmış gibi görünüyor. Sanatçı, Diaghilev'in sezonlarının efsanevi sanatçısının, onu sevenler (Mikhail Lavrovsky) ve Romola (Maria Vinogradova) tarafından kelimenin tam anlamıyla parçalanmış ikna edici bir imajını yaratmayı başardı.

"Nijinsky". Diaghilev - Mikhail Lavrovsky. Fotoğraf Mikhail Logvinov'a ait. Bolşoy Tiyatrosu

Üç kişilik bir bale (Nijinsky, Diaghilev, Romola) ve "Nijinsky" de tam olarak budur, kendisini yeteneğine rehin bulan büyük bir sanatçının kişisel dramasına odaklanan biyografik bir çalışmadır. Her şeye gücü yeten impresaryonun elinden kaçıp Romola ile evlendikten sonra, bir daha önceki başarı seviyesine asla yükselemedi. Nijinsky'nin duygusal, hareketli ruhu ve kişisel deneyimleri onu acı verici bir çöküntü durumuna soktu. Vasiliev bu durumu aktarmayı başardı. Sanatçının kaderi muhtemelen onu çok etkiledi. Ivan Vasiliev, Nijinsky'nin imajını kendisine aktararak seyircinin geçen yüzyılın en ünlü dansçılarından birinin zor kaderiyle gerçekten empati kurmasını sağladı.

Nijinsky - Ivan Vasiliev. Pavel Rychkov'un fotoğrafı. Bolşoy Tiyatrosu

Balenin sembolü, ana figürü hiç şüphesiz balerindir. Ancak yirminci yüzyıl, özellikle de ikinci yarısı, dansçının sahnedeki yerinin balerin kadar önemli olduğunu gösterdi. Bunu ikna edici bir şekilde kanıtlayanlardan biri de klasik erkek dansında çıtayı benzeri görülmemiş bir yüksekliğe çıkaran oldu! Günümüzün Bolşoy Tiyatrosu dansçıları nesli, seçkin sanatçının onuruna düzenlenen Yıldönümü gecesinde açıkça gösterilen, Lavrovsky'nin ortaya koyduğu gelenekleri geliştirmeye başarıyla devam ediyor.

“Don Kişot” balesinden muhteşem pas. Solist Ekaterina Krysanova ve Vladislav Lantratov. Pavel Rychkov'un fotoğrafı. Bolşoy Tiyatrosu

Her hakkı saklıdır. Kopyalanması yasaktır

Daha yakından bakmaya ve anlamaya değer ve dünya tiyatro tarihinde, isimleri büyük ünlü tiyatrolarla sıkı sıkıya ilişkilendirilen çok sayıda önemli ünlü sanatçının bulunmadığını kabul etmek gerekir.

Şimdiye kadar megastarlar kural olarak kendi başlarına ünlüdürler ve repertuar tiyatrolarında hizmet vermezler. Muhtemelen nedeni buydu. Ve repertuar tiyatrosunu ararsanız, onu daha sık Rusya'da, Sovyetler Birliği'nde, genel olarak burada bulacaksınız.

Sadece hizmet etmekle kalmayıp, en önemlisi tiyatrolarını meşhur eden, belki de sadece birkaç yıldır performans sergileyen böyle sanatçılarımız oldu ve hala da var.

Bolşoy Tiyatrosu'nu üne kavuşturan isimler arasında Mikhail Leonidovich Lavrovsky de var. Uzun süre Bolşoy'un prömiyeri olan efsanevi dansçı, 29 Ekim'de 75 yaşına girdi. Gerçek bir yıldönümü!

Sahneden ayrıldıktan sonra Mikhail Lavrovsky baleden ayrılmadı. Bir zamanlar hem solist hem de koreograf olarak çalıştığı Bolşoy Tiyatrosu'nda artık öğretmen-öğretmen olarak ders veriyor.

“Öğrencilerime, ne kadar iyi olursa olsun bir kopyanın bir tekrar olduğunu söylüyorum. Özgünlük, bireysellik ve kişilik kişisel olarak benim için her zaman her şeyde ilgi çekicidir, bu yüzden kendi yüzlerini bulmaları gerekiyor.”

– SSCB Halk Sanatçısı Mikhail Lavrovsky'ye dikkat çekiyor.

"Tekniğin ustalığı, muazzam çekiciliği ve dizginsiz mizacıyla bir dansçı",

– Grigorovich'in kendisi Lavrovsky hakkında bu şekilde konuştu. “Don Kişot”, “Kuğu Gölü”, “Uyuyan Güzel” filmlerinde ana rolleri üstlendi. Her biriyle sadece dans etmiyordu, sanki kendi hikayesini yaşıyormuş gibiydi.

"Bir dansçı olarak o kadar güçlü bir şekilde geliştirildi ki dansta sadece hayal edebileceğim her türlü ifade aracına sahipti."

– diyor SSCB Halk Sanatçısı Lyudmila Semenyaka.

Mikhail Lavrovsky'ye en sevdiği karakterler sorulduğunda Adan'ın “Giselle” adlı eserinde Albert'in, Khachaturian'ın aynı isimli balesinde ise Spartacus'un isimlerini vermekten çekinmiyor. Ona göre görüntülerdeki en isabetli isabet bu oldu.

Efsanevi köle liderinin partisi Lavrovsky'nin kartviziti oldu. Bu rolü nedeniyle 1970 yılında Lenin Ödülü'nü aldı.

“Lavrovsky doğası gereği çok sert kaslara sahip ve bu performansa çok uygun. Vasiliev'in ardından ikinci oyuncuydu. Ancak fiziksel dayanıklılığı daha iyiydi”

– Rusya'nın Onurlu Sanatçısı Valery Lagunov'u vurguluyor.

1978'de kaderde bir değişiklik oldu. Lavrovsky koreograf olur. Pek çok koreografik fantezisi var: Vaslav Nijinsky'nin trajedisi, Casanova'nın maceraları ya da ilk Rus caz balelerinden biri olan “Porgy ve Bess”.

“Kendi dilinizi yaratmak için her gün çalışmanız, her gün sahneye çıkmanız, ardından kendi tarzınızı, seyirciyle hangi dili konuştuğunuzu geliştirmelisiniz. Tolstoy'u, Dostoyevski'yi, Hugo'yu alın ve bu eseri nasıl hissediyorsanız öyle aktarın."

- diyor SSCB Halk Sanatçısı Mikhail Lavrovsky.

Artık Mikhail Lavrovsky, plastik, vokal ve dramanın kesiştiği noktada sentetik prodüksiyonlar konusunda tutkulu. İlkbaharda Jean Anouilh'in "The Lark" adlı oyununu sahnelemeyi ve Bolşoy sahnesinde bale gecesi düzenlemeyi hayal ediyor.

Mikhail Lavrovsky'nin yıldönümüne adanan konserin biletleri.

Mikhail Lavrovsky'nin 75. yıldönümüne adanan akşam, Bolşoy Tiyatrosu tarihindeki parlak bir kişiliğe adanmış çok zengin bir kültürel programı görmenize olanak tanıyacak. Bir sanatçı olarak çeşitli kılıklarda kendini baleye adadı, ardından koreograf olarak dansçılarla aktif olarak çalışmaya ve kendi prodüksiyonlarını sahnelemeye başladı.

Bunların arasında "Romeo ve Juliet", "Porgy ve Bes" ve diğerleri var. Bale endüstrisindeki uzun çalışmaları nedeniyle Lavrovsky büyük beğeni topladı ve büyük uluslararası "Altın Maske" yarışmasının jüri üyelerinden biri olarak tiyatro sanatını etkilemeye devam ediyor. Bu adamın, yaratıcılığına ve sürekli çalışmasına yansıyan kendi bale vizyonu var.

Balede yarım yüzyılı aşkın süredir

Doğrudan Bolşoy Tiyatrosu'nda çalışmak da dahil olmak üzere yarım yüzyıldan fazla bir süreyi baleye adadı ve farklı nesillerden sanatçılar günün kahramanını bu sahnede onurlandıracak. Seyircileri ilginç hikayeler ve yaşam anıları, bale dansçılarının orkestra eşliğinde performansları ve duygusal bir akşam bekleyebilirler. Bir nevi süreklilik olan bu etkinliği bale tutkunları mutlaka görmeli çünkü hem genç oyuncular hem de dünyaca ünlü efsaneler sahneye çıkacak, bu büyük yıldönümünü kaçırmayın.

Moskova'da Mikhail Lavrovsky'nin yıldönümüne adanan konsere bilet satın alın.

MOSKOVA, 5 Mayıs. /Düzelt TASS Olga Svistunova/. Perşembe günü, ünlü dansçı ve koreograf, SSCB Halk Sanatçısı Mikhail Lavrovsky'nin 75. yıldönümü onuruna Bolşoy Tiyatrosu Tarihi Sahnesinde bir gala konseri düzenlendi. Kendisine adanan kutlamaya günün kahramanı da katıldı. Kendi bestesinin "Nijinsky" balesinde sahne aldı. Seyirciler ayakta alkışladı.

Bolşoy Tiyatrosu bale topluluğu başkanı Mahar Vaziev, "Seçkin ustalarımızı onurlandırarak onlara merkezi locada onur yerini almalarını teklif ediyoruz, ancak Mikhail Leonidovich Lavrovsky reddetti." Bu sözlerin ardından Bolşoy Tiyatrosu balesinin başkanı tatilin ana karakterini sahneye davet etti.

Lavrovsky, "Bir sanatçı için en değerli şey halkın tanınmasıdır" dedi. "Bu, hâlâ talepte olduğum anlamına geliyor" diye ekledi ve "akşamın yorucu olmayacağına" söz verdi.

Keyifli bir atmosferde akşam

İki perdelik konser gerçekten tek nefeste patladı. Programda, günün kahramanı tarafından farklı yıllarda sahnelenen balelerin yanı sıra bir zamanlar dansçı olarak parladığı performanslardan parçalar da yer aldı. Seyirci, ana rolü Bolşoy Tiyatrosu'nun başbakanı Mikhail Lobukhin'in oynadığı "Spartacus" balesinden bir parçayı coşkuyla aldı. Bolşoy'un önde gelen solistleri Ekaterina Krysanova ve Vladislav Lantratov'un sahne aldığı Don Kişot'un muhteşem Grand Pas'ı da izleyicilerden fırtınalı bir tepki aldı.

Ancak gecenin ana içeriğini günün kahramanının koreografisini yaptığı baleler oluşturdu. İlk bölümde Mozart'ın müziğiyle hazırlanan "Casanova Teması Üzerine Fantezi" yer aldı. İkincisinde - "Tavus Kuşu Ağacı" balesinden "Rus Balerin" sayısı. Seyirciler, Mikhail Lavrovsky'nin şu anda üzerinde çalıştığı "Amok" opera-balesinin sunulan bölümüne de ilgiyle tepki gösterdi.

Gece, Sergei Rachmaninoff'un müziğiyle tek perdelik bale "Nijinsky" ve Diaghilev rolünü bizzat üstlenen Mikhail Lavrovsky'nin koreografisiyle sona erdi. Nijinsky'nin rolü virtüöz dansçı Ivan Vasiliev tarafından gerçekleştirildi. Konserin başarısı, 15 dakikadan fazla süren son alkışlarla da teyit edildi.

Mikhail Lavrovsky'nin biyografisinden

Mikhail Lavrovsky'nin tüm hayatı 56 yıldır hizmet verdiği Bolşoy Tiyatrosu ile bağlantılıdır. 1961 yılında ünlü topluluğa katılarak, Vladimir Vasiliev, Ekaterina Maksimova, Natalia Bessmertnova, Maris Liepa gibi seçkin bale dansçıları kuşağının önde gelen temsilcisi oldu. Onlar her şeyden önce onun yoldaşları, meslektaşları ve sahne ortaklarıydı.

Ancak Mikhail Lavrovsky için böyle bir yol kaderin kendisi tarafından belirlenmişti. Babası, koreografinin başyapıtını sahneleyen ünlü koreograf Leonid Lavrovsky'dir - ana kadın bölümünün büyük Galina Ulanova tarafından dans edildiği "Romeo ve Juliet" balesi. Oğul sadece aile geleneğini sürdürmekle kalmadı, aynı zamanda doğanın her zaman seçkin insanların çocuklarına dayanmadığını da kanıtlamayı başardı. Halen Moskova Koreografi Okulu'nda öğrenciyken, İtalya'daki Parma Festivali'ndeki performansıyla izleyicileri ve eleştirmenleri etkileyerek uluslararası tanınırlık kazandı.

Çok geçmeden insanlar Mikhail Lavrovsky'nin virtüöz tekniğine, muazzam çekiciliğe ve dizginsiz mizaca sahip bir dansçı olduğundan bahsetmeye başladı. Lavrovsky, çeyrek asırdan fazla bir süre (1961-1988) solist olarak görev yaptığı Bolşoy Tiyatrosu'nda birinci sınıf bir yıldızdı. Don Kişot, Kuğu Gölü, Fındıkkıran, Uyuyan Güzel, Giselle ve Paris'in Alevleri filmlerinde başrol oynadı.

Aynı isimli baledeki Spartacus rolünün performansı nedeniyle Lavrovsky, 1970 yılında o zamanın en yüksek ulusal ödülü olan Lenin Ödülü'ne layık görüldü. Birkaç yıl sonra sanatsal yeteneği SSCB Devlet Ödülü'ne layık görüldü. Mikhail Lavrovsky, zamanımızın en iyi klasik dansçılarından biri unvanını kesin olarak belirledi.

Sanat kariyerini tamamladıktan sonra baleden ayrılmadı ve Bolşoy Tiyatrosu'nda öğretmenlik görevini üstlendi. Aynı zamanda Moskova Devlet Koreografi Akademisi'nin sanat yönetmenidir. Ayrıca kendi koreografi okulunu açarak koreografi alanında da kendini gösterdi. Mikhail Lavrovsky, Porgy ve Bess, Nijinsky, Fantasia on a Theme of Casanova, Richard III dahil olmak üzere ondan fazla orijinal bale yarattı.

Halen Bolşoy Tiyatrosu'nda koreograf-tekrarlayıcı, GITIS Koreografi Bölümü'nde profesör ve Moskova Devlet Koreografi Akademisi'nde sanat yönetmenidir. Dramatik performanslarda birçok bale, bale filmi ve koreografik gösteri sahneledi.

MS: Mikhail Leonidovich, sen mutlu bir insansın. Nedenini biliyor musun?

MS: Çünkü bu sizin 75. yıl dönümünüz ve biz ne olduğunu hatırlamayacağız ama planlarınızı tartışacağız! Herkes böyle bir yıldönümünü aktif bir yaşam tarzıyla kutlamakla övünemez.

ML: Onsuz yaşayamazsın! Eğer bunu yapmazsan ölürsün! Elbette hepimiz yaşlanıyoruz, bu doğanın kanunu, Allah'ın kanunu. Nesiller geçiyor. “Bir nesil geçti” ne anlama geliyor? İdealler, zevkler, ahlaklar gitti. Bu bizim daha iyi olduğumuz anlamına gelmiyor, sadece farklı olduğumuz anlamına geliyor, çünkü üzerinden çok zaman geçti. Bakın (felsefe yapıyorum ama açıklayacağım), örneğin bir elma ağacı: ilkbahar, yaz, sonbahar, kış - kış her şeyi kapatır, her şey ölür ve elma üreten elma ağacı da yaşar ve ölür. Gelecek bahar - her şey yeniden, ama elmalar daha acı, daha tatlı, daha iyi veya daha kötü olabilir - tıpkı çocuklarımız gibi; bu aynı elma ağacı. Genlerimiz çocuklarımızdır, sadece biraz farklı insanlardır.

MS: Toplantımızın sebebi Napoli'deki “” prodüksiyonunuzdu. Ancak yazın buluşmayı başaramadık ve şimdi sadece yapım hakkında konuşmakla kalmayıp, aynı zamanda yıldönümünüzde sizi kişisel olarak tebrik etme fırsatı bulduğum için çok mutluyum.

ML: Teşekkür ederim.

MS: Yine de bu prodüksiyondan bahsedelim. İtalyan sendikalarının dikkatli gözetimi altında nasıl ilerledi?

ML: Prodüksiyon iyi gitti. İtalya'da çok sinir bozucu, sert ve bence çok yanlış bir birliktelik. Evet, insanları koruyor ama bu mümkün değil: İstediğim oyuncuyu tam ihtiyacım olduğu anda işe alamam, onu önceden uyarmam gerekiyor. Ve bugün tam olarak kime ihtiyaç duyacağımı bir hafta içinde nasıl bilebilirim, bu hala prova sürecine, birisinin şu veya bu sahneyi nasıl ortaya çıkardığına bağlı. Onlar da “Hayır, hemen al” diyorlar. Ya da başka bir örnek: Asistanım solistlerle bir sahnenin provasını yapıyor, onlar da bunu oldukça iyi yapıyorlar. Daha sonra öğretmen aynı solistlerle başka bir aşamaya geçmek ister ama sendika bunu yasaklar! Ve zaten açık olanı birkaç kez tekrarlamanız gerekir ve karmaşık şeyler için daha az zaman kalır. Bu çok aptallık. Belki de kendi açılarından haklılar. Ama bu bana uymuyor. Rusya'da alışılmış olduğu gibi, diyelim ki çalıştığım şekilde çalışmaya alışkınım. İhtiyacım olanı, ihtiyacım olduğunda ve verilen rolde kimi görürsem, başbakan ya da bale dansçısı bile olsa alıyorum. Yönetmenden planlarında olmayan bir şeyi talep edemezsiniz. Veya başka bir şey daha var: Orkestranın çalışma günü 22:00'de bitiyor - hepsi bu. Ve performansın bitmemiş olması, müziğin hala çalınması gerektiği gerçeğiyle ilgilenmiyorlar. Alexey Bogorad bir anlaşmaya varmayı başardı ve bu sorunu çözdü, aksi takdirde ne yapacaklarını bilmiyorlardı. Yaratıcılığı çok vuran öyle yasaklar var ki. Yine de İtalyanlar hakkında kötü bir şey söyleyemem. Sanatçılar görevlerle mükemmel bir şekilde başa çıktılar.

MS: Leonid Lavrovsky'nin prodüksiyonu Napoli'de mi sahnelendi?

ML: Lavrovsky'yi yaptım. Ama sorunun ne olduğunu anlıyorsunuz: yalnızca Bolşoy Tiyatrosu ve Mariinsky bunu başarabilir ve olduğu gibi birebir sahneleyebilir. Ve daha küçük gruplar - genel olarak oradaki aktörlerin duygusal yoğunlukları farklıdır. Ancak İtalyanlar başardı. Sonuçta Batı'da herkes biraz kuru: sırt doğru ayarlanmış ve teknik harika, ancak bu esneklik, maneviyat ve duyguların gerçekliği, sahnede yaptıklarının anlamı çoğu zaman yok. Modern balelerde harika, klasik balelerde ise görmedim. Bunu sadece Natalia Makarova'da gördüm.

MS: Çok fazla kesmek zorunda kaldınız mı?

ML: Elbette! Orada neredeyse iki gösteri yaptık. Çoğunun çıkarılması gerekmesine rağmen ana parçalar kaldı. Ancak size şunu söyleyeyim, tüm dehaya rağmen, 1940'tan bu yana 70 yıldan fazla zaman geçti ve ben onunla çalışırken Lavrovsky'nin kendisi de değişiklikler yaptı. Elbette yeni zamana göre bazı şeylerin değişmesi gerekiyor, ancak performansın tarzını ve koreografın bu durumda yapmak istediği şeyin anlamını kaybetmemeliyiz. Ancak teknoloji elbette değişebilir: Zaman ileriye doğru akar ve bu kadar durgun bir şekilde duramazsınız. Performansın bir çözümü varsa ve kişi bunu ihlal etmiyorsa (ve bunun için zevk sahibi olmanız gerekir), o zaman yapılabilir.

MS: İlginç bir konuya değindiniz. Bale rekonstrüksiyonları hakkında ne düşünüyorsunuz?

ML: Sorunun ne olduğunu biliyorsun: muhtemelen restorasyona ihtiyaç var, ama zevk sahibi olman gerekiyor; bu yeteneğin yönü. Baleleri yeniden canlandırmak için onları hissetmeniz ve yapabilmeniz gerekir. Bu, "" yapan Leonid Lavrovsky için işe yaradı. Onardığı performans dünyanın en iyi prodüksiyonu olarak kabul edildi. Veya "" - aferin, hiçbir şey söyleyemem, çok iyi, harika. Anlayışı var. Ve aynı klasik çözümü bırakıp bir nedenden dolayı kuğu sayısını değiştirdiklerinde bu yanlıştır. Bolşoy Tiyatrosu'nu Art Nouveau tarzında sekiz sütun yerine tek sütun yapmakla aynı şey. Bu aptalca, yeterli lezzet olmadığı anlamına geliyor. Yeni bir tiyatro inşa edin ve lütfen kimse sizi rahatsız etmesin. Lezzet de bir yetenektir. Grigorovich bunun nasıl yapılacağını biliyor. "Uyuyan Güzel"i restore etti, biz ona "Uyuyan Beyaz" adını verdik - işe yaramadı. Daha sonra her şeyi yeniden düzenledi ve Simon Virsaladze ile harika bir performansa dönüştüler.

Eski baleden bahsediyorsak, o zaman kendi yasaları vardır - biraz saf olabilirler, sahnede gerçek mantıksal düşünceden yoksun olabilirler, ancak saflıklarıyla sizi fethediyorlar (bir şey söyleyen çocuklar gibi). Ve eğer çocuk ayık, iyi eğitimli bir sesle konuşsaydı durum tamamen farklı olurdu. Dolayısıyla yüz yıllık yapımların klasik, romantik balenin başyapıtları olduğunu ve bunları Kant'ın eserleri gibi felsefi eserlere dönüştürmenin hiçbir anlamı olmadığını hesaba katmalıyız. Bunun için başka performanslar da var. Yüz yıllık veya daha eski bir balenin restore edilmesi, bir şeylerin çıkarılması, bir şeylerin eklenmesi gerekir ama o performansın ruhunun korunması gerekir. Ve tabii ki iyi dans edebilmek. Aktörler arasında işleri basitleştirme konusunda kötü bir eğilim var. Aynı "Giselle": diyelim ki, daha önce sahneledikleri zaman sadece bir tane yaptıklarını söylüyorsanız, neden Albert'in varyasyonunda çift kabriole yapıyorsunuz? Bana göre bu yanlış. Teknoloji gelişiyor. Ve Ezop'un "Tilki ve Üzümler" masalındaki gibi, üzümleri toplayamadığı ve olgunlaşmadıklarını söylediği ortaya çıktı. Sanatçılar için de durum aynı: Çift kabriole kuyusu yapabilmeniz gerekiyor. Evet, önceden tek bir tane vardı, ama yarın birisi üçlü bir tane yapacak - bu sadece bir artı olacak.

İşte bir örnek: Sinemada İtalyan yeni-gerçekçiliğine bayılıyorum - Giuseppe de Santis, Roberto Rossellini, Federico Fellini, elbette, Vittorio de Sica; 1950'lerde izlediğimiz şey buydu; muhteşem! Ama tabii artık filmlerin temposu farklı ve o filmleri izlemek daha zor. Ama asla bunun bir dizi çekim olduğunu söylemeyeceksiniz: Bu bitmiş, son derece sanatsal bir çalışma, sadece zaman geçti, artık farklı bir ritim var. Sanatımızda da aynı durum geçerli. Balede bir şeyleri değiştirebiliriz, bu da bir artı; artısı, oyuncunun enerjisinin izleyici üzerindeki anlık etkisi ve artısı, eğer zevkiniz varsa, performansı “arındırabilir”, izlenebilir hale getirebilirsiniz. çağdaşlar, ancak yönetmenin ortaya koyduğu ruhu kaybetmeyin - esneklik, karakterler arasındaki ilişkiler, zekice sahnelenen varyasyonlar. Ve tabii ki her zaman daha iyi dans etmelisiniz (teknik olarak yani).

MS: Açıkçası teknoloji artık farklı, çağımızda talep var. Ancak bazen bir baleyi restore ederken koreograflar dansçıları balenin yaratıldığı dönemde var olan performans tarzına döndürmeye çalışırlar...

ML: Buna katılmıyorum. Bunu her zaman iyi bir ikona veya iyi bir tabloyla ilişkilendiririm: yerden bir ikona veya tablo çıkardık - ve bundan çok memnun olmalıyız! Nasıl? Her tarafı toprakla kaplı ama yüzünü göremiyorum... Ustalıkla, bozmadan temizlemek başka mesele. Ustaca temizleyin ve o renkleri eski haline getirin; o zaman hayran kalacaksınız. Bizde de durum aynı; 21. yüzyılda, oyunu 19. yüzyılın başında ya da 18. yüzyılın sonunda sahnelenen haliyle algılamak artık mümkün değil. Bazıları sevinebilir. Ama asıl önemli olan sıkılmamak. Ve burada Yuri Nikolaevich Grigorovich, bir performansta beş dakikadan fazla sıkıcı olmaması gerektiği konusunda haklı, bu yapılamaz. İnsanın duygusal bir darbeye, duygusal bir şoka ihtiyacı vardır. O zaman evde neyin doğru neyin yanlış olduğunu çözebilirsiniz... Duygusal olarak etkileniyorsanız evet! Ve her şey doğru olduğu için gösteri sırasında uykuya dalabilirsiniz. Sanatın anlamı, izleyiciyi bilinçaltında etkilemek, onu canlı duygulara sahip olacak kadar heyecanlandırmak; Olumsuz anlar, örneğin bir trajedi gibi sahnede bile meydana gelebilir, ancak duygunun büyük ölçüde heyecan verici olması gerekir.

Görüyorsunuz, sorun ne: Drama tiyatrosunu, baleyi, koreografiyi, opera tiyatrosunu seviyorum - bu ilginç. Tekniğin güçlü ve güçlü olması gerekir. Tıpkı bir operadaki gibi; notalarda yazan notaya basmadan edemiyorsunuz. Balede de durum aynı; dansta da bir kalkış olmalı. Ruhsal ve fiziksel, güçlü bir hareketin icrası, erkeksi, güçlü, havadar - bu izleyiciye duygu verir. Bu da insanın moralini yükseltiyor: İzleyici farkına varmıyor ama gücü uyanıyor: “Ben bir erkeğim, bunu ben de yapabilirim!” Ve sakin olduğunuzda, güzel olduğunuzda, iyi bir takım elbise giydiğinizde, ancak sıfır duyguya sahip olduğunuzda - bu çok iyi yapılmış bir robot.

MS: Balkondaki manzara buna değer...

ML: Sahne harika ama artık sıklıkla yanlış dans ediliyor. Bu sahnenin anlamı, Lavrovsky ve Zhdanov'un bir zamanlar söylediği gibi, sanatçının durmaması gerektiğidir. Bütün mesele heyecanda: Kendisi 13 yaşında, kendisi ise 17 yaşında ve ancak sonunda, bir çeşitlilik patlaması olduğunda acele etmeleri gerekiyor. Michelangelo'nun Sistine Şapeli'ndeki "Son Yargı" freski gibi: tek bir figür statik olarak durmuyor, tüm figürler eğimli bir konumda - uçuyorlar, kıyafetleri üzerlerinden uçuyor ve figürlerin kendileri, güçlü olmalarına rağmen, hepsi uçuşta - balenin altıncı sahnesi böyle geçiyor. Ve sonunda, ancak onun önünde diz çöktüğünde sakinlik olur ve perde düşer - ilk perdenin sonu. Anlamı iletmek, yürütmenin zorluğudur.