Який музичний інструмент у Франції. Який музичний інструмент був першим. Який музичний інструмент у Франції наприкінці. Музика Франції: фольклорні традиції Інструмент для навчання співчих птахів у Франції

Оксамитове звучання французької гармоніки із французьким шармом створює весняний настрій. Його мелодика повертає в минуле Франції, де за столиками кафе метушиться garçon, п'ють вино чоловіки в шарфах, тихими вуличками ходять жінки в капелюшках, а на набережній Сени пари танцюють вальс і цвітуть каштани.

Іншими словами, акордеон – це особливі емоції, розплавлені у міських звуках. Як мальовничі побутові сцени Ренуара та Мане, міські етюди Моне, Дега та його танцівниці, французький акордеон малює картини міського побуту та життя його персонажів.

Як з'явився акордеон у Франції

Синонімом паризького способу життя є мю з е т (від франц. - Дудка) - традиційна французький танець під волинку, який отримав розвиток при дворі Короля-Сонце. Паризькі бали були уособленням мюзету та мали великий успіх на початку ХХ століття. Після Першої світової війни волинковий мюзет поступився місцем акордеону і новим танцям - вальсу, фокстроту, кадрилі. У формах танцю акордеону приділялося центральне місце. Музичний стиль «мюзет» поєднує у собі віртуозні пасажі, французький шансон та мелодії, попурі. Акордеон розвивався як інструмент масової культури. У Франції його популярність визначила доступність та легкість відтворення народних мелодій.

«Гармоніка - це знаряддя тортур, яким озброюються молодь чоловічої статі, яка вечорами порушує порядок на вулицях» - так описують силу та популярність інструменту в 19 столітті.

Що таке французький акордеон

А ккордеон - сучасний варіант ручної гармоніки, де є права та ліва клавіатури. Грають на такому інструменті двома руками, стоячи чи сидячи. Французький акордеон відрізняється від російської гармонії великим розміром і клавіатурою як у фортепіано з двома рядами клавіш. Баян – інший вид акордеону, вже модернізований. Це кнопковий інструмент, але із розширеним звуковим діапазоном. Після змін конструкції акордеону він став називатися баяном тільки на території Росії.

Конструкторська думка народних майстрів розвивалася у напрямі оригінального звучання. Так, майстри Дебен Бюссон і Летерм поєднали 2 темброві голоси, що звучать «вразливий». Така модель визначила своєрідну мелодію та прообраз сучасного акордеону. Йому підвладні витончені вальси, легка полька, запальні латинські танці та танго. Цікаву область освоєння акордеону є джазова музика. Простір і динаміки цілком достатньо, щоб виконувати найнесподіваніші інтерпретації. Виразним прийомом – інтонуванням – акордеон здатний проникнути у сутність джазового мистецтва та вільно імпровізувати.

У популярній музиці 30-50х р.р. французький акордеон виявив себе у творчості графів Гідо та П'єтро Дейро, а 70-90-ті роки світ почув інструмент віртуоза Майрона Флорена.

Вінтажна музика Жеже де Монмартра - шансоньє та акордеоніста з Гренобля нині підкорює серця москвичів. У його музичній скриньці ретро-мелодії, французькі популярні пісні, босса-нова, джазові та блюзові композиції, що створюють образ різноликого Парижа.

Як показує репертуар сучасних виконавців, в інструментальній музиці величезний пласт складає акордеонне мистецтво. Інструмент тісно пов'язаний із європейськими традиціями та з масовим музикуванням. Він визначає цінність французької музичної культури та є потужним засобом сучасної комунікації.

Французька музика, яку ми чуємо, має глибоке коріння. Вона з народної творчості селян і городян, релігійної та лицарської поезії, з танцювального жанру. Становлення музики залежить від епох. Кельтські вірування, а згодом регіональні звичаї французьких провінцій та сусідніх народностей утворюють особливі музичні мелодії та жанри, властиві музичному звучанню Франції.

Музика кельтів

Галли - найбільший кельтський народ втратив свою мову, заговоривши латинською, але придбав кельтські музичні традиції, танці, епос та музичні інструменти: флейту, волинку, скрипку, ліру. Галльська музика співуча, пов'язана з поезією нерозривно. Голос душі та вираження емоцій передавали мандрівні барди. Вони знали безліч пісень, володіли голосом та вміли грати, а також використовували музику у таємничих ритуалах. У французькому фольклорі відомі 2 варіанти музичних творів: балади та лірика – народна поезія з приспівом, який заміняв музику. Усі пісні написані французькою мовою, як і раніше, що жителі різних частин Франції говорили власними прислівниками. Мова центральної Франції вважалася урочистою та поетичною.

Епічні пісні

Пісні-балади були у великій пошані у народному середовищі. Німецькі перекази взяли за основу таланти з народу для своїх пісень-легенд. Епічний жанр виконував жонглер – народний співак, який як літописець увічнював події у пісні. Пізніше його музичний досвід передається середньовічним бродячим співакам - трубадурам, менестрелям, труверам. Серед пісень-легенд значну групу складає пісня – скарга як відгук на трагічні чи несправедливі події. Релігійне або світське оповідання зазвичай сумне, з переважанням мінорної тональності. Скарга могла бути романтичною чи пригодницькою, в якій головним сюжетом виявлялася любовна історія з трагічним кінцем або сцени пристрастей, часом повні жорстокості. Пісня-скарга поширювалася вглиб сіл і поступово набувала жартівливого і сатиричного характеру. Наспівом скарг могли бути церковні піснеспіви або сільський спів - тривалі, з паузами оповідання. Класичним прикладом оповідальних піснеспівів є «Пісня про Рено», що має ритм у мажорі. Мелодія спокійна та рухлива.

Пісенну баладу з кельтськими мотивами можна почути у творчості Нольвен Леруа – фольк-співачки з Бретані. Перший альбом «Бретонка» (2010) оживив народні пісні. Балади звучать і у класиків рок-фолка – «Tri Yann». Повість про простого моряка та його подругу визнана хітом та перлиною фольклору. Гурт заснували три музиканти на ім'я Жан у 1970 році. Про що повідомляє і назва групи, яка з бретонської перекладається «три Жани». Ще одна пісня-балада «У в'язницях Нанта» про в'язня, що втік, за сприяння доньки тюремника - популярна і відома всій Франції.

Любовна лірика

У будь-яких формах народної музики виникала історія кохання. В епосі - це розповідь про кохання на тлі будь-яких військових чи життєвих подій. У жартівливій пісні - це іронічний діалог, де один співрозмовник сміється з іншого, немає єднання люблячих сердець і пояснень. У дитячих піснях співається про весілля птахів. Лірична французька пісня в класичному розумінні - це пастораль, що виникла із сільського жанру і перекочувала в репертуар трубадурів. Її героями виступають пастушки та сеньйори. Громадські співаки уточнюють також час та місце дії – зазвичай це природа, виноградник чи сад. Регіонально народна пісня про кохання відрізняється тональністю. Дуже чутлива бретонська пісня. Серйозна, схвильована мелодія говорить про піднесені почуття. Альпійська музика – чиста, плинна, наповнена гірським повітрям. У центральній Франції – «рівнинні пісні» у стилі романсу. Прованс і південь країни складали серенади, в центрі якої була закохана пара, а дівчину порівнювали з квіткою або зіркою. Спів супроводжувався грою на тамбурині чи французькій дудці. Поети-трубадури складали свої пісні мовою Провансу і оспівували куртуазне кохання та лицарські подвиги. До збірок народних пісень XV ст. включено багато жартівливих і сатиричних пісень. У любовній ліриці відсутня характерна для спекотних пісень Італії та Іспанії вишуканість, їм характерний відтінок іронії.

Чуттєвість народних пісень відіграє вирішальну роль, а любов до цього жанру поширилася на творців шансону і досі живе у Франції.

Музична сатира

Галльський дух проявляється в жартах та в піснях. Наповнений життям і насмішкувато, він утворює характерну рису французької пісні. Міський фольклор, дуже близький до народної творчості, виник у 16 ​​столітті. Тоді паризькі chansonnier, які мешкали біля Нового мосту, співали про актуальні проблеми, тут же вони торгували своїми текстами. Відгуки на різні суспільні події сатиричними куплетами увійшли до моди. Гострі народні пісні визначили розвиток кабаре.

Музика танцю

Музика класичного спрямування також черпала натхнення із творчості селян. Народні мелодії знайшли своє відображення у творах французьких композиторів - Берліоза, Сен-Санса, Бізе, Люллі та багатьох інших. Старовинні танці - фарандола, гавот, ригодон, менует і буре тісно пов'язані з музикою, які рухи і ритм грунтуються на піснях.

• Фарандолавиникла ранньому середньовіччі у південній Франції з різдвяних наспівів. Танець супроводжували звуки тамбурину та ніжної флейти. Журавлиний танець, як його пізніше називали, танцювали на святах та масових гуляннях. Фарандола звучить у сюїті Бізе "Арлезіанка" після "Маршу трьох королів".
• Гавот- Стародавній танець жителів Альп - Гавот, і в Бретані. Спочатку хороводний у кельтській культурі, він виконувався у швидкому темпі за принципом «крокувати - приставити ногу» під волинку. Далі, через свою ритмічну форму трансформувався в салонний танець і став прообразом менуету. Почути гавот у справжній інтерпретації можна в опері «Манон Леско».
• Рігодон- веселий танець селян Провансу під музику скрипки, співи та удари дерев'яних сабо був популярний в епоху бароко. Знати полюбила його за легкість та темперамент.
• Буррі- енергійний народний танець із стрибками зародився у середній Франції у 15 столітті. У 17-18 століттях з'явився граціозний танець придворних, який вийшов із народного середовища провінції Пуату. Менует характеризує повільний темп із дрібними кроками, поклонами та реверансами. Музика менуету оформляється клавесином, у швидкому темпі, ніж рухи танцюристів.

Існували різноманітні музично-пісенні композиції – народні, трудові, святкові, колискові, пісні-лічильники.

Сучасне вираження в альбомі Леруа "Бретонка" отримала народна мелодія-лічильник "Кобила з Мішо" (La Jument de Michao). Її музичні витоки – хороводний спів. Народні пісні, що увійшли до альбому «Бретонка», написані для свят Fest-noz та на згадку про народну танцювально-пісенну традицію Бретані.

Французька пісня увібрала всі риси народної музичної культури. Її відрізняє щирість та реалістичність, у ній немає надприродних елементів та чудес. І в наш час у Франції та світі великою популярністю користуються співаки французької естради, продовжувачі кращих народних традицій.

Текст роботи розміщено без зображень та формул.
Повна версія роботи доступна у вкладці "Файли роботи" у форматі PDF

Музична культура Франції: минуле, сьогодення та майбутнє.

Як часто ми замислюємося, наскільки для нас важлива музика? Вона служить відмінним способом самовираження, способом передачі почуттів, емоцій та думок. Недаремно музику називають універсальною мовою спілкування. Музика близька та зрозуміла всім. Кожен народ нашої планети чудово освоїв відомі всім 7 нот. Музична мова найпростіша і найдоступніша. Він проникає в серце та душу. Він служить для об'єднання різних народів та людей, будуючи прекрасні мости від серця до серця, від душі до душі. Ці чудові мости часом перекидаються через століття, від однієї країни до іншої, від континенту через океан до іншого материка. Музична мова здатна творити чудеса. Кожен із нас відчуває і відчуває непередавані речі після творів великих класиків. Нас пробирає тремтіння від високих нот, нас кидає у сльози від знайомих мотивів. Ми шукаємо у тексті себе, а у мелодії чуємо знайомі голоси. Чи не так? А як після цього ви дивитеся на музику? Як, усвідомивши роль музики, ви дивитися на світ без неї? Уявіть тільки життя без того, після чого вам хочеться безупинно сміятися, після чого вам хочеться танцювати, а можливо і плакати… Моторошно, вірно? А що може перенести за межу реальності? Що може перевернути ваш внутрішній світ? Які твори, яка музика? Подумайте про це. Але сьогодні я розповім вам про музику Франції. Сьогодні ви переконаєтесь, що вона така ж чудова, як і сама Франція. Так само витончено звучить і вабить, і вабить, і вабить.

Французька мова дуже музикальна, мелодійна, наспівна. Найпростіші слова і фрази немов тануть у собі музику і будь-якої миті готові перетворитися на пісню. Французька музика — одна з найцікавіших та найвпливовіших європейських музичних культур. У ній явно простежуються відлуння давніх культур, фольклор кельтських і франкських племен, які жили в давнину на території нинішньої Франції. Саме вони послужили основою, благодатним ґрунтом, на якому, якщо висловлюватися образно, виросло прекрасне, могутнє, гіллясте дерево французької музичної культури. Кельтські і франкські коріння перетворилися на міцний стовбур, що сформувався в епоху середньовіччя, а численні гілки та гілочки виросли на ньому в пізніші періоди, наприклад, в епоху ренесансу, класицизму, модерну і т.д. Сюди органічно вплелися музичні традиції як численних народів країни, так і інших європейських держав. Найбільш тісна взаємодія та взаємопроникнення спостерігалося між музичними культурами Франції, Італії, Німеччини, Іспанії. Фламандська культура так само справила великий вплив. Слід пам'ятати, що, як стверджують французи, Франція - це країна, відкрита світу. Щоправда, протягом століть вони розуміли це гасло дуже своєрідно, наприклад, ведучи активну колонізаторську політику. Проте, щодо розвитку власної музичної культури цей процес справив відчутний позитивний вплив. Французька музична культура значним чином збагатилася, увібравши у себе все найкраще з музичних культур народів Африки та Азії. Ця тенденція яскраво виявилася у другій половині 20 століття, коли музична сцена Франції збагатилася музичними традиціями вихідців із Африки.

Говорячи про музичну культуру Франції, мушу згадати істотний внесок у її розвиток, зроблений російської музичної культурою. Дві великі держави пов'язані тісними узами довгої історії у всіх сферах людської діяльності. Довгий час, російська культура підживлювалася за рахунок французької, яка сприймалася в нашому суспільстві як зразок та об'єкт для наслідування. Але потім настав час «віддавати борги», і вже культурні діячі Франції дорівнювали своїх російських колег, переймали від них усе найкраще, передове і цікаве. Після революції 1917 року та громадянської війни в Росії багато емігрантів знайшли притулок саме у Франції. Їх внесок у французьку культуру, зокрема й у музичну культуру, величезний. Його складно переоцінити, а тим більше не помітити.

Таким чином, говорячи про французьку музичну культуру, ми говоримо про унікальне явище світового масштабу. Ця культура ввібрала в себе все найкраще практично у всіх народів, змінила, трансформувала, переосмислила, надала нового імпульсу і звучання, і, зрештою, сформувалася в щось прекрасне, неповторне, своєрідне, привабливе і чарівне. Це живий організм, який продовжує зростати, змінюватися, перетворюватися. Французька музична культура не залишається осторонь світової музичної культури. Вона надає новий, особливий французький колорит таким сучасним напрямкам у музиці, як джазу, року, хіп-хопу та електронній музиці.

Етапи формування французької музичної культури.

Середньовіччя.

Французька музична культура почала формуватися на багатому шарі народної пісні. Найдавніші достовірні записи пісень, що збереглися донині, датуються 15 століттям. Із християнством на французькі землі прийшла церковна музика. Спочатку латинська, вона поступово змінювалася під впливом народної музики. Церква для зміцнення своїх позицій та впливу на французький народ використовувала у богослужіннях матеріал, зрозумілий, близький та доступний місцевим жителям. Ось що про це йдеться в електронній енциклопедії Вікіпедії: «Саме таким чином між 5 та 9 століттями у Галлії склався особливий, своєрідний тип літургії — галіканський обряд із галіканським співом. Про нього відомо з історичних джерел, які свідчать, що він значно відрізнявся від римського. На жаль, він не зберігся, оскільки французькі королі скасували його, прагнучи отримати від Риму титул імператорів, а римська церква намагалася домогтися уніфікації церковної служби. Протягом багатьох століть церква була центром освіти, освіти, культури, зокрема і музичної. Вплив її на формування музичної культури був величезний, а відлуння чути в музиці досі, їх тільки треба почути. У період Середньовіччя найкраще було документовано розвиток церковної музики . На заміну раннім галіканським формам християнської літургії прийшла григоріанська літургія. Поширення григоріанського співу під час царювання династії Каролінгів пов'язане насамперед із діяльністю бенедиктинських монастирів. Католицькі абатства Жюм'єж стали центрами церковної музики, осередками професійної духовної та світської музичної культури. Для навчання учнів співу за багатьох абатствах було створено спеціальні співочі школи (метризи). Там викладали не лише григоріанський спів, а й гру на музичних інструментах, уміння читати музику. У середині 9 ст. з'явилася несамовита нотація, поступовий розвиток якої призвело через багато століть до формування сучасної нотної грамоти. У 9 столітті григоріанський хорал збагатився секвенціями, які у Франції називають прозами. Створення цієї форми приписувалося ченцю Ноткер з Санкт-Галленського монастиря (сучасна Швейцарія). Втім, Ноткер вказував у передмові до своєї «Книги гімнів», що відомості про секвенцію він отримав від ченця із Жюм'єзького абатства. Згодом у Франції особливо прославилися автори проз Адам з абатства Сен-Віктор (12 ст) і творець знаменитої «Ослиної прози» П'єр Корбейл (початок 13 століття).

У роботах французьких фольклористів розглядаються численні жанри народної пісні : ліричні, любовні, пісні-скарги (complaintes), танцювальні (rondes), сатиричні, пісні ремісників (chansons de metiers), календарні, наприклад, різдвяні (Noёl); трудові, історичні, військові та ін. Таким чином, легко помітити, що у фольклорної музичної культури тематична та жанрова палітра в рази багатша, ніж у церковної. Серед ліричних жанрів особливе місце посідають пасторалі. Ця тема відбито у французької музичної культурі, а й у літературі, живопису, театрі. Популярна навіть при королівському дворі пастораль оспівувала та ідеалізувала сільське життя, малюючи казкову картинку, шалено далеку від реальної. У французькій народній музиці мені особливо подобається один розділ, який так чи інакше присутній у фольклорі будь-якого народу. Він здається мені наймилішим, приємним, життєрадісним. У ньому відчувається тепло, трепет, материнська турбота, наївність, прагнення вірити в чудеса та радіти кожному прожитому дню. Я говорю про французькі народні пісні присвячені дітям — колискові, ігрові, лічилки (фр. comptines). Різноманітні трудові (пісні женців, орачів, виноградарів та ін), солдатські та рекрутські пісні. Інший жанр французької народної музики був дуже співзвучний із музичними традиціями країн Європи, що брали участь у хрестових походах. У всіх країнах-учасницях створювалися пісні та балади, що оповідали про ці історичні події, подвиги, битви, поразки, лицарів, героїв, ворогів і зрадників. Зрозуміло, Французи не змогли залишитись осторонь не від походів, не від творчості. На жаль, більшість цих творів не дійшли до наших днів, на відміну від шедеврів церковної музики, які найчастіше було записано, тобто задокументовано.

Однак ні церковна, ні народна музика не могла задовольнити духовні потреби третьої частини суспільства, найбагатшої та найвпливовішої – знаті. Саме під її впливом почала поступово зароджуватися та формуватися. світська музика . Вона звучала не під склепіннями церкви, не на ярмарках та міських площах, а в королівському палаці, у замках знатних вельмож та феодалів. Носіями народних музичних традицій середньовіччя були головним чином бродячі музиканти — жонглери, які мали велику популярність у народі. Вони співали повчальні, жартівливі, сатиричні пісні, танцювали під акомпанемент різних інструментів, зокрема тамбурину, барабана, флейти, щипкового інструменту типу лютні (це сприяло розвитку інструментальної музики). Жонглери виступали на святах у селах, при феодальних дворах і навіть у монастирях (брали участь у деяких обрядах, театралізованих ходах, присвячених церковним святам, що отримали назву Carole). Їх переслідувала церква як представників ворожої світської культури. У 12-13 ст. серед жонглерів відбувалося соціальне розшарування. Частина їх осідала в лицарських замках, потрапляючи на повну залежність від лицаря-феодала, інші зупинялися у містах. Таким чином, жонглери, втративши свободу творчості, стали осілими менестрелями у лицарських замках та міськими музикантами. Однак цей процес водночас сприяв проникненню в замки та міста народної творчості, що стає основою лицарського та бюргерського музично-поетичного мистецтва. В епоху пізнього середньовіччя у зв'язку із загальним піднесенням французької культури починає інтенсивно розвиватися музичне мистецтво. У феодальних замках на основі народної музики розквітає світське музично-поетичне мистецтво трубадурів та труверів (11-14 ст.). Серед трубадурів славилися Маркабрюн, Гільйом IX — герцог Аквітанський, Бернард де Вентадорн, ЖофреРюдель (кін. 11-12 ст.), Бертран де Борн, Гіраут де Борнейль, Гіраут Рік'є (кін. 12-13 ст.). У 2-й пол. 12 ст. у північних областях країни виник такий напрямок — мистецтво труверів, яке спочатку було лицарським, а надалі все більше зближалося з народною творчістю. Серед труверів поряд з королями, аристократією - Річардом Левине Серце, Тібо Шампанським (королем Наварри), згодом здобули популярність представники демократичних верств суспільства - Жан Бодель, Жак Бретель, П'єр Моні та інші. У зв'язку із зростанням таких міст, як Аррас, Лімож, Монпельє, Тулуза та ін. у 12-13 століттях розвинулося міське музичне мистецтво, творцями якого стали поети-співаки з міських станів (ремісники, прості городяни, а також буржуа). Вони внесли свої особливості у мистецтво трубадурів та труверів, відійшовши від його піднесено-лицарських музично-поетичних образів, освоївши народно-побутову тематику, створивши характерний стиль, свої жанри. Найвизначнішим майстром міської музичної культури 13 століття був поет і композитор Адам де ла Аль, автор пісень, мотетів, а також популярної свого часу п'єси «Гра про Робена і Маріон» (бл. 1283), насиченою міськими піснями, танцями (незвичайною була вже сама ідея створення світської театралізованої вистави, пронизаної музикою). Він по-новому трактував традиційні одностайні музично-поетичні жанри трубадурів, використавши багатоголосність.

У цей період спостерігається зростання і зміцнення таких міст, як Аррас, Лімож, Монпельє, Тулуза. Відбилося це у політичній та економічній, а й у культурній сфері. Створення в них університетів, шкіл сприяло розвитку культури, музики та підвищення ролі музики як мистецтва. Так, у створеному на початку 13 століття Паризькому університеті Сорбонні музика була одним з обов'язкових і важливих предметів. Це, безперечно, сприяло підвищенню ролі музики як мистецтва. У 12 столітті одним із центрів музичної культури став Париж, і насамперед його Співуча школа собору Нотр-Дам, що об'єднала найбільших майстрів — співаків-композиторів, учених. З цією школою пов'язаний розквіт у 12-13 ст. культового багатоголосся, поява нових музичних жанрів, відкриття у сфері музичної теорії. У творах композиторів Нотр-дамської школи григоріанський хорал зазнав змін: раніше ритмічно вільний, гнучкий хорал набув великої розміреності та плавності (звідси назва такого хоралу cantusplanus). Ускладнення багатоголосної тканини та її ритмічної структури вимагало точного позначення тривалостей та вдосконалення нотації — у результаті представники паризької школи на зміну вченню про модуси поступово дійшли мензуральної нотації. Значний внесок у цьому напрямі зробив музикознавець Іоан де Гарландія. Багатоголосність викликало до життя нові жанри церковної та світської музики, у тому числі кондукт та мотет. Кондуктізначно виконувався переважно під час святкової церковної служби, проте пізніше став суто світським жанром. Серед авторів кондукту – Перотін. На основі кондукту наприкінці 12 ст. у Франції сформувався найважливіший жанр багатоголосної музики - мотет. Ранні його зразки відносяться також до майстрів Паризької школи (Перотін, Франко Кельнський, П'єр де ла Круа). Мотет допускав свободу об'єднання літургійних і світських наспівів і текстів — таке поєднання призвело до народження в 13 ст. жартівливого мотету. Значне оновлення отримав жанр мотету в 14 столітті за умов напряму arsnova, ідеологом якого виступив Філіп де Вітрі. У мистецтві arsnova велике значення надавалося взаємодії «побутової» та «наукової» музики (тобто пісні та мотета). Філіп де Вітрі створив новий тип мотету – ізоритмічний мотет. Нововведення Філіпа де Вітрі торкнулися також вчення про консонанс та дисонанс (оголосив консонанси терції та сексти). Ідеї ​​arsnova і, зокрема, ізоритмічний мотет продовжили свій розвиток у творчості Гійома де Машо, який поєднав художні досягнення лицарського музично-поетичного мистецтва з його одностайними піснями та багатоголосною міською музичною культурою. Йому належать пісні з народним складом, віреле, рондо, він же вперше розробив жанр багатоголосної балади. У мотеті Машо послідовніше, ніж попередники, застосовував музичні інструменти (ймовірно, інструментальними були раніше нижні голоси). Машо також вважається автором першої французької меси поліфонічного складу.

У 15 ст. за часів Столітньої війни провідне становище у музичній культурі Франції 15 ст. зайняли представники франко-фламандської (нідерландської) школи Протягом двох століть у Франції працювали найвидатніші композитори нідерландської поліфонічної школи: у середині 15 ст. - Ж. Беншуа, Г. Дюфаї, у 2-й половині 15 ст. - Й. Окегем, Я. Обрехт, наприкінці 15 - на початку 16 ст. - ЖоскенДепре, у другій половині 16 ст. - Орландо ді Лассо.

Як можна помітити французька музична культура середньовіччя була дуже різноманітною, багатою та різноплановою. Вона розвивалася грунті самобутньої народної музики племен і народів, населявших сучасну територію Франції до епохи середньовіччя. Великий вплив на неї мала християнська релігія та традиції християнської культової музики. Зрозуміло, не пройшли безвісти і численні контакти, культурні зіткнення з народами сусідніх країн. Французька середньовічна музична культура міцно спиралася на три основні стовпи: релігійна, народна та світська музика. Вони і були її основою, базисом, що дозволяло французькій музичній культурі розвиватися, удосконалюватися, взаємозбагачуватися, комбінуючи ці напрямки.

Відродження.

На зміну похмурому, релігійному середньовіччю прийшла чудова та блискуча епоха Відродження. Renaissance з'явився в Італії і незабаром набув популярності в Європі. Не залишилися осторонь і французи. Вони одними з перших оцінили цю «культурну революцію» і приєдналися до неї. Вроджене почуття прекрасного, чудовий смак, художнє чуття не підвели французів. Але не тільки естетичний смак вплинув на зміну культурних епох у Франції. Тут необхідно враховувати цілу низку найважливіших історичних процесів та факторів, що надали істотне значення при становленні та затвердженні норм та канонів Відродження. Одним з ключових факторів у даному історичному ряду подій по праву є виникнення буржуазії (15 ст) і суттєве зміцнення її ролі та позицій у французькому суспільстві. Наступним фактором слід назвати боротьбу за об'єднання Франції, що завершилася до кінця 15 століття. І, зрозуміло, створення єдиної централізованої держави, яка проголошувала нові цінності у нову епоху. Отже, вже наприкінці 15 в. у Франції остаточно утверджується культура Відродження.

У цей час значно зростає роль музики світського життя. Французькі королі створювали у своїх дворах великі капели, влаштовували музичні свята, королівський двір стає центром професійного мистецтва. Зміцнилася роль придворної капели. У 1581 р. Генріх III затвердив посаду «головного інтенданта музики» при дворі, першим цю посаду обіймав італійський скрипаль Бальтазаріні де Бельджозо. Важливими центрами музичного мистецтва разом із королівським двором та церквою були також аристократичні салони. Розквіт Відродження, що з формуванням французької національної культури, посідає середину 16 століття. У цей час визначним жанром професійного мистецтва стає світська багатоголосна пісня – шансон. Її поліфонічний стиль отримує нове трактування, співзвучне з ідеями Французьких гуманістів — Рабле, КлеманМаро, П'єр де Ронсар. Провідним автором шансонів цієї епохи вважається Клеман Жанекен, який написав понад 200 багатоголосних пісень. Шансони здобули популярність не тільки у Франції, а й за її межами, багато в чому завдяки нотодруку та зміцненню зв'язків між європейськими країнами. У період Відродження зросла роль інструментальної музики. У музичному побуті були поширені віола, лютня, гітара, скрипка (як народний інструмент). Інструментальні жанри проникали як і побутову музику, і у професійну, частково церковну. Лютневі танцювальні п'єси виділялися серед панівних у 16 ​​ст. поліфонічних творів ритмічною пластичністю, гомофонним складом, прозорістю фактури Характерним було об'єднання двох або кількох танців за принципом ритмічного розмаїття у своєрідні цикли, що стали основою майбутньої танцювальної сюїти. Більш самостійного значення набула і органна музика. Виникнення органної школи мови у Франції (кін. 16 в.) пов'язані з творчістю органіста Ж. Титлуза. У 1570 Жан-Антуаном де Баїфом була заснована Академія поезії та музики. Учасники цієї академії прагнули відродити античну поетико-музичну метрику, захищали принцип нерозривного зв'язку музики та поезії. Значний пласт у музичній культурі Франції 16 ст. становила музика гугенотів. Гугенотські пісні використовували мелодії популярних побутових та народних пісень, пристосовуючи їх до перекладених французьких богослужбових текстів. Трохи пізніше релігійна боротьба у Франції породила гугенотські псалми з характерним для них перенесенням мелодії у верхній голос та відмовою від поліфонічних складнощів. Найбільшими композиторами-гугенотами, що становили псалми, були Клод Гудімель, Клод Лежен.

Класицизм та бароко.

Важливим рубежем у формуванні французької музичної культури стало 17 століття. У цей період відбулася не тільки зміна культурних епох: на зміну ренесансу прийшли спочатку класицизм, а потім хитромудрий бароко, а й зміна пріоритетів. Саме тоді світська музика остаточно бере вгору над релігійною та надалі саме вона формує французьку музичну культуру, встановлює канони, моду, стиль, провідні напрямки, тенденції та жанри. Ці два чинники сприяли розвитку найважливіших жанрів на той час — опери та балету. Роки правління Людовіка XIV відзначені незвичайною пишністю придворного життя, прагненням знаті до розкоші та витончених розваг. Недаремно цього короля називали Король-сонце. Все потопало в пишноті, блиску та пишноті. Французький двір сяяв, подібно до Олімпу. У цьому велика роль відводилася придворному балету. Як не дивно, але істотну роль розвитку музичної культури нехай і опосередковано зіграв кардинал Мазаріні, всіляко сприяючи посиленню при дворі італійського впливу. Знайомство з італійською оперою стало потужним стимулом до створення своєї національної опери, перший досвід у цій галузі належить Елізабет Жаке де ла Герр («Тріумф кохання», 1654). 1671 року в Парижі відкрився оперний театр під назвою «Королівська академія музики». Його очолив Ж. Б. Люлі. Ця визначна особистість зараз вважається основоположником національної оперної школи. Люллі створив ряд комедій-балетів, що стали передвісником жанру ліричної трагедії, а пізніше - опери-балету. Люлі зробив істотний внесок і в розвиток інструментальної музики. Ним було створено тип французької оперної увертюри (термін утвердився у 2-й половині 17 ст. у Франції). Численні танці з його творів великої форми (менует, гавот, сарабанда та ін) вплинули на подальше формування оркестрової сюїти. Наприкінці 17 - 1-й половині 18 століття для французького театру писали такі знамениті композитори як Н. А. Шарпантье, А. Кампра, М. Р. Делаланд, А. К. Детуш. У наступників Люллі умовність придворного театрального стилю посилюється. У тому ліричних трагедіях першому плані виступають декоративно-балетні, пасторально-идиллические боку, а драматичне початок дедалі більше послаблюється. Лірична трагедія поступається місцем опері-балету. У 17 ст. у Франції набули розвитку різні інструментальні школи - лютнева (Д. Готьє, який вплинув на клавесинний стиль Ж.-А. д"Англебера, Ж. Ш. де Шамбоньєра), клавесинна (Шамбоньєр, Л. Куперен), віольна (М. І.). Марен, який уперше у Франції ввів у оперний оркестр контрабас замість контрабасової віоли. Найбільшого значення набула французька школа клавесиністів. Ранній клавесинний стиль склався під впливом лютневого мистецтва. У творах Шамбоньєра далася взнаки характерна для французьких клавесиністів манера орнаментації мелодії. Велика кількість прикрас надавала творам для клавесину певну вишуканість, а також велику зв'язність, «співучість», «протяжність» уривчасте звучання цього інструменту. В інструментальній музиці широко використовувалося, що застосовується ще з 16 ст. об'єднання парних танців (павана, гальярда тощо), що призвело у 17 столітті до створення інструментальної сюїти.

18-19 століття історія французької музики.

У 18 столітті зі зростанням впливу буржуазії складаються нові форми музично-суспільного життя. Поступово концерти виходять за межі палацових залів та аристократичних салонів. У 1725 А. Філідор (Данікан) організував у Парижі регулярні публічні «Духовні концерти», в 1770 Франсуа Госсек заснував суспільство «Любіцькі концерти». Більш замкнутий характер мали вечори академічного товариства «Друзі Аполлона» (засновано в 1741), щорічні цикли концертів влаштовувала «Королівська Академія музики». У 20-30-ті роки 18 ст. найвищого розквіту досягає клавесинна сюїта. Серед французьких клавесиністів провідна роль належить Ф. Куперену, автору вільних циклів, заснованих на принципах подібності та розмаїття п'єс. Поруч із Купереном великий внесок у розвиток програмно-характеристичної клавесинової сюїти внесли також Ж. Ф. Дандре і особливо Ж. Ф. Рамо. У 1733 році успішна прем'єра опери Рамо "Іполит і Арісія" забезпечила цьому композитору провідне становище у придворній опері - "Королівської академії музики". У творчості Рамо жанр ліричної трагедії досягнув кульмінації. Його вокально-декламаційний стиль збагатився мелодико-гармонічною експресією. Великою різноманітністю відрізняються його двочастинні увертюри, проте представлені у його творчості й тричасткові увертюри, близькі до італійської оперної «синфонії». У ряді опер Рамо передбачив багато пізніх завоювань у галузі музичної драми, підготувавши ґрунт для оперної реформи К. В. Глюка. Рамо належить наукова система, ряд положень якої послужили основою сучасного вчення про гармонію («Трактат про гармонію», 1722; «Походження гармонії», 1750 та ін.). На середину 18 століття героїко-міфологічні опери Люлі, Рамо та інших авторів перестали відповідати естетичним запитам буржуазної аудиторії. Своєю популярністю вони поступаються гостросатиричним ярмарковим спектаклям, відомим ще з кінця 17 століття. Ці уявлення спрямовані на висміювання звичаїв «вищих» верств суспільства, і навіть пародируют придворну оперу. Першими авторами подібних комічних опер були драматурги А. Р. Лесаж та Ш. С. Фавара. У надрах ярмаркового театру визрів новий французький оперний жанр - опера комік. Зміцненню її позицій сприяли приїзд до Парижа в 1752 році італійської оперної трупи, що поставила ряд оперу-буфф, у тому числі «Служниця-пані» Перголезі, і полеміка з питань оперного мистецтва, що розгорілася між прихильниками (буржуазно-демократичні кола) та противниками (представники аристократії) італійської опери-буфф, - т.е. н. "Війна буффонів". У напруженій атмосфері Парижа ця полеміка набула особливої ​​гостроти, набула величезного суспільного резонансу. Активну участь взяли в ній діячі французького Просвітництва, які підтримали демократичне мистецтво «буффоністів», а пастораль Руссо «Сільський чаклун» лягла в основу першої французької комічної опери. Проголошене ними гасло «наслідування природи» справило великий вплив формування французького оперного стилю 18 століття. Праці енциклопедистів містять також цінні естетичні та музично-теоретичні узагальнення.

Вік 18-й, що почався розквітом буржуазної культури та формуванням нових форм музичного життя: громадські концерти, цикли концертів і виступів, музичні суспільства, - закінчився дуже трагічно. Пролунала Велика французька революція. Вона внесла величезні зміни у всі галузі французького культурного життя, і, зрозуміло, у сферу музичного мистецтва . Музика стає невід'ємною частиною всіх подій революційного часу та набуває соціальних функцій. Сама епоха сприяла формуванню та утвердженню масових жанрів: пісні, гімну, маршу та інших. Під впливом французької революції виникли такі театральні жанри як апофеоз, агітаційний спектакль із використанням великих хорових мас. Окремо слід згадати «опери порятунку», які стали вкрай популярними у ту тривожну, трагічну епоху. Вони особливо яскраво звучала тема боротьби з тиранією, викривалися пороки духовенства, прославлялися вірність, відданість, патріотизм, жертовність на благо народу та вітчизни. У зв'язку зі зростанням патріотичних настроїв у суспільстві велике значення набула військово-духова музика, було засновано оркестр Національної гвардії. Революційні перетворення зазнала і система музичної освіти: в 1792 відкрилася музична школа Національної гвардії для навчання військових музикантів, а в 1793 - Національний музичний інститут (з 1795 - Паризька консерваторія).

Період наполеонівської диктатури (1799-1814) та Реставрації (1814-15, 1815-30) не принесли французькій музиці яскравих досягнень. Деяке пожвавлення у сфері культури намітилося лише до кінця періоду Реставрації. У 20-30-х 19 століття складалася французька романтична опера, а також жанр великої опери на історико-патріотичні та героїчні сюжети. Однією з найяскравіших представників французького музичного романтизму у світі по праву визнано Р. Берліоз, творець програмного романтичного симфонізму. У роки ІІ імперії у Франції модною світською тенденцією стає захоплення кафе-концертами, театральними ревю, мистецтвом шансоньє. У цей час популярні і численні водевілі, фарси, оперети. Французька оперета у буквальному значенні переживає розквіт, починає звучати особливо цікаво, по-новому, своєрідно, що пов'язані з іменами її духовних творців і натхненників Ж. Оффенбахом, Ф. Эрве. Вона поступово втрачає свою сатиру, пародійність, злободенність, з оперетковою легкістю та невимушеністю змінюючи їх історико-побутові та лірико-романтичні сюжети. Це цілком відповідає загальної музичної тенденції на той час: першому плані майже переважають у всіх культурних сферах висувається ліричний характер. У опері ця тенденція виявилася у прагненні повсякденним сюжетам, до зображення простих людей зі своїми інтимними переживаннями. Серед найвідоміших авторів ліричної опери слід назвати Ш. Гуно, «Фауст», «Мірейль» та «Ромео та Джульєтта», Ж. Массне, Ж. Бізе «Кармен». Але мода непостійна і вітряна, у тому числі й музична мода, а тим більше у Франції. Вже у другій половині 19 ст. спостерігається посилення реалістичних тенденцій. Важливою подією суспільного та політичного життя Франції стала Паризька комуна 1870-1871 років. Вона знайшла своє відображення і в музичній культурі: було створено чимало робітничих пісень, одна з яких – «Інтернаціонал» (музика П'єра Дегейтера на слова Ежена Потьє) стала гімном комуністичних партій, а в 1922-1944 роках – гімном СРСР.

20 століття. Нові віяння.

Наприкінці 80-х — 90-х років 19 століття у Франції виникла нова течія, що набула поширення на початку 20 ст., — імпресіонізм. Музичний імпресіонізм відродив певні національні традиції — прагнення конкретності, програмності, вишуканості стилю, прозорості фактури. Імпресіонізм знайшов найповніше вираження у музиці До. Дебюссі, позначився творчості М. Равеля, П. Дюка та інших. Імпресіонізм вніс новації і в область музичних жанрів. У творчості Дебюссі симфонічні цикли поступаються місцем симфонічним замальовкам; у фортепіанній музиці переважають програмні мініатюри. Моріс Равель також зазнав впливу естетики імпресіонізму. У його творчості переплелися різні естетико-стилістичні тенденції – романтичні, імпресіоністичні, а в пізніх творах – тенденції неокласицизму. Поряд з імпресіоністичними тенденціями у французькій музиці на рубежі 19-20 ст. продовжували розвиватися традиції Сен-Сансу, а також Франка, творчість якого характеризується поєднанням класичної ясності стилю з яскравою романтичною образністю. Після Першої світової війни у ​​французькому мистецтві виявляються тенденції до заперечення німецького впливу, прагнення новизни і, водночас — простоти. У цей час під впливом композитора Еріка Саті та критика Жана Кокто склалося творче об'єднання, яке отримало назву «Французька шістка», учасники якої протиставляли себе не лише вагнеріанству, а й імпресіоністській «розпливчастості». Втім, за словами її автора — Франсіса Пуленка, група «не мала жодних інших цілей, окрім суто дружнього, а зовсім не ідейного об'єднання», і вже з 1920-х років її учасники (серед найбільш відомих також Артур Онегер і Даріус Мійо) розвивалися кожен індивідуальним шляхом. У 1935 році у Франції виникло нове творче об'єднання композиторів — «Молода Франція», до якого входили в тому числі такі композитори як О. Мессіан, А. Жоліве, які подібно до «Шістки» ставили в основу відродження національних традицій і гуманістичні ідеї. Заперечуючи академізм та неокласицизм, вони направили свої зусилля на оновлення засобів музичної виразності. Найбільш впливовими стали пошуки Мессіана в галузі ладових та ритмічних структур, які знайшли своє втілення, як у його музичних творах, так і в музикознавчих трактатах. Після Другої світової війни у ​​французькій музиці набули поширення авангардні музичні течії. Визначним представником французького музичного авангарду став композитор і диригент П'єр Бульоз, який, розвиваючи принципи А. Веберна широко застосовує такі методи композиції, як пуантилізм і серіальність. Особливу "стохастичну" систему композиції застосовує композитор грецького походження Я. Ксенакіс. Значну роль Франція зіграла у становленні електронної музики — саме тут наприкінці 1940-х років з'явилася конкретна музика, під керівництвом Ксенакіса розробили комп'ютер із графічним введенням інформації — UPI, а 1970-х у Франції зародився напрямок спектральної музики. З 1977 року центром експериментальної музики став IRCAM – дослідницький інститут, відкритий П'єром Бульозом. Підсумовуючи, можна відзначити, що основними віхами 20 століття у французькій музичній культурі були: музичний імпресіонізм, авангардні музичні течії, що отримали свій розвиток після Другої Світової війни, електронна музика, французький шансон.

Сучасність. Погляд у майбутнє.

І в наші дні Франція, безперечно, залишається одним із найбільших світових центрів музичної культури. У самій Франції музичним центром, а точніше її ритмічно б'ється, пульсуючим серцем є — Париж. Це не голослівне твердження, а факт, підтверджений наявністю у французькій столиці: «Державної паризької опери», театрами "Опера Гарньє" та "Опера Бастилія", численними театрами, концертними залами, майданчиками. Серед провідних музичних колективів слід назвати Національний оркестр Франції, Філармонічний оркестр Радіо Франції, Оркестр Парижа, Оркестр Колона та ін. Це гордість і надбання французької музичної культури, які прославляють її у всьому світі. Вкрай цікавим аспектом є те, що у Франції велике значення надається науковій роботі у сфері музики. Тут повною мірою відображається принцип служіння мистецтву науки. Найважливішим музичним науково-дослідним центром є Інститут музикознавства за Паризького університету. Книги, архівні матеріали зберігаються в Національній бібліотеці, де вже у 1935 році було спеціально створено відділення музики, а також у Бібліотеці та Музеї музичних інструментів при консерваторії. Тисячі туристів приїжджають до Франції заради різних музичних заходів, що проводяться на регулярній основі. Всі вони по праву вважаються яскравими, самостійними, значущими подіями музичного культурного життя. Важко вирішити, хто переміг у цій гонці талантів, можна назвати лише найвідоміші та найпопулярніші заходи насиченого культурного та музичного життя Франції: Міжнародний конкурс піаністів та скрипалів ім. М. Лонг та Ж. Тібо, конкурс гітаристів, Міжнародний конкурс молодих диригентів у Безансоні, Міжнародний конкурс вокалістів у Тулузі, Міжнародний конкурс арфістів у Парижі тощо. Не можна залишити без уваги і численні фестивалі: Осінній фестиваль у Парижі, Паризький фестиваль музики 20 століття, Конкурс піаністів в Епіналі, Фестиваль класичної музики в Руані та інші, «Перламутрові ночі» - фестиваль акордеоністів у місті Тюль, конкурс органістів «Гарн-прі Шартр». У 1982 році 21 червня французи вигадали і вперше провели «Свято музики». Цього дня усі охочі можуть співати, грати музику прямо на вулицях міст. Тут можна зустріти виконавців-початківців і знаменитостей. Нині це свято стало міжнародним та відзначається у 110 країнах світу.

Французькій музичній сцені відомі практично всі напрямки популярної музики, водночас вона породила і низку специфічних національних жанрів, насамперед французький шансон . (Він немає нічого спільного з російським шансоном!!!).У сучасній культурі шансоном називають найпопулярнішу французьку музику, яка зберігає специфічну ритміку французької мови. Ці пісні суттєво відрізняються своїми мелодіями, текстами, змістом, духом та звучанням від пісень, написаних під впливом англомовної музики. Їх можна дізнатися з перших нот, перших акордів. Серце само відгукується вже за перших звуків, але в губах мимоволі з'являється тепла, проста посмішка. Саме простотою та теплотою пронизані всі мелодії французького шансону. Про що не співалося в цих піснях, у них є головне - душа. Світову популярність здобули такі яскраві виконавці французького шансону (шансонье) як: Жорж Брассенс, Едіт Піаф, Джо Дассен, Жак Брель, Шарль Азнавур, Мірей Мат'є, Патрісія Каас та інші. Їхні диски досі успішно продаються у всьому світі, пісні звучать по радіо, їх охоче завантажують в Інтернеті. Франція тричі приймала міжнародний музичний конкурс Євробачення. Відбулася ця важлива подія сучасного музичного життя у 1959, 1961 та 1978 роках. Перемогу на конкурсі Євробачення здобували п'ять французьких виконавців — Андре Клав'є (1958), Жаклін Бойєр (1960), Ізабель Обре (1962), Фріда Боккара (1969) та Марі Міріам (1977), після чого найвищим досягненням французів було19 1991 року. Французькі музиканти зробили особливий внесок у новий, сучасний жанр електронної музики. Для мене на особливо почесному місці стоїть Жан-Мішель Жарр, його грандіозні, заворожливі, незабутні лазерні шоу, які прославили композитора та музиканта по всьому світу. Його творчість зрозуміла і популярна у нас у Росії, як серед молоді, так і серед меломанів старшого покоління.

Висновок.

Таким чином, ми зрозуміли, що Франція грає величезну роль історії музики, а музика грає величезну роль історії Франції. Вона активно впливала формування музичної культури інших країнах, у певні історичні епохи вважалася еталоном, з якого брали приклад, якого наслідували. Вона чудово вміла вбирати в себе, вбирати музичні тенденції, жанри, напрями та стилі інших народів, адаптуючи їх, переробляючи, переосмислюючи, змушуючи звучати по-новому, по-французьки. Яскравим прикладом зіткнення та взаємодії музичних культур на сучасному етапі можна вважати взаємодію американської та французької музичних культур. З самого початку проникнення американської масової культури на європейський континент французи всіма силами намагалися зберегти чистоту своєї культури, у тому числі й музичної, боролися за її унікальність, винятковість, самобутність та незалежність. Французи люблять, цінують, пишаються і дуже дбайливо зберігають свою сучасну музичну культуру. Слід зазначити, що завдяки дуже правильній державній політиці у сфері культури, позиції відповідного міністерства, відомих діячів Франції, їм багато що вдалося зробити у сфері збереження, розвитку та популяризації французької музичної культури. У результаті французи змогли уникнути як нероздільного американського домінування, і своєї культурної ізоляції. Це вдалося, зокрема, завдяки квотам на мовлення, встановленим обмеженням для радіостанцій на відтворення англомовної музики, всілякі пільгові умови для вітчизняних виконавців. З іншого боку, важливу роль відіграв французький патріотизм, любов до всього «рідного, французького», гордість і повагу до своєї культури, на мою думку, закладене у французах з дитинства. У цьому доречніше говорити про взаємне проникнення музичних культур. Французькі пісні проникли в Америку, хоч і в переробленому варіанті ("My Way", що стала візитною карткою Френка Сінатри, була написана Клодом Франсуа і називається "Comme d"habitude", або "Et maintenant" Жільбера Беко, заспівана дуетом Сонні та Шер, а потім багатьма іншими - "What now my love").Є французькі пісні - переклади з англійської, набагато відоміші, ніж оригінали. Яскравіший приклад - всім відома пісня Джо Дассена "Єлисейські поля" ("Les Champs-Elysées"). хто знає оригінал – "Waterloo Road"?

Сподіваюся, що тепер ви, як я, переконалися в тому, що французька музична культура багата, різноманітна, унікальна, неповторна та впливова. Можливо, ви, як і я, полюбите її, або хоча б зацікавитеся і спробуєте дізнатися більше про неї. Доречно і нам взяти за зразок дбайливе ставлення французів до своєї музичної культури, як на рівні держави, так і на рівні простих громадян. Подібний досвід розумного, гідного культурного патріотизму варто запозичити багатьом країнам. Музика – це одне із чудес світу. Музика - це універсальна мова міжнародного спілкування, доступна, близька і зрозуміла у всьому світі. Франція внесла істотний внесок у його формування, розвиток та процвітання.

Література:

https://ua.wikipedia.org/wiki/ Музика Франції

http://niderlandi.takustroenmir.ru

http://www.frmusique.ru/review.htm

https://dis.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1569665

А. Кленов " Там, де музика живе " М. " Педагогіка " 1985г.

Медушевський В.В., Очаковська О.О. Енциклопедичний словник юного музиканта, М. "Педагогіка" 1985р

Витоки французької музики.

Народні витоки французької музики сягають раннього середньовіччя: у 8-9 століттях існували танцювальні наспіви та пісні різних жанрів - трудові, календарні, епічні та інші.
До кінця 8 століття утвердився григоріанський хорал.
В 11-12 столітті Півдні Франції розцвіло лицарське музично-поетичне мистецтво трубадурів.
В 12-13 столітті продовжувачами традиції трубадурів були лицарі та городяни Північної Франції – трувери. Серед них найбільш відомий Адам де ла Аль (помер 1286).

Адам де ла Аль "Гра про Робіна і Маріон".

У 14 столітті виявилося у французькій музиці рух "Нове мистецтво". Главою цього руху був Філіп де Вітрі (1291-1361) - музичний теоретик і композитор, автор множини світських мотетів.Проте до кінця 16 століття, за часів Шарля 9, характер музики Франції змінився. Почалася доба балету, коли музика супроводжувала танець. У цю епоху широкого поширення набули такі інструменти: флейта, клавесин, віолончель, скрипка. І цей час можна назвати часом народження справжньої інструментальної музики

Філіп де Вітрі "Владика владик" (мотет).

17 століття - це новий етап розвитку музики Франції. Великий французький композитор Жан Батіст Люллі (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Флоренція, - 22.3.1687, Париж) створює свої опери. Жан Батіст - чудовий танцюрист, скрипаль, диригент та хореограф італійського походження, вважається визнаним творцем французької національної опери. Серед них такі опери як: «Тезей» (1675), «Ізіда» (1677), «Психея» (1678, «Персей» (1682), «Фаетон» (1683), «Роланд» (1685) та «Арміда» (1686) та інші У своїх операх, що носили назву "tragédie mise en musique" ("трагедія на музиці"), Жан Батіст Люллі прагнув підсилити музикою драматичні ефекти. При цьому співаки в операх вперше стали виступати без масок, а жінки – танцювати у балеті на публічній сцені.
Рамо Жан Філіп (1683-1764) - французький композитор та музичний теоретик. Використовуючи досягнення французької та італійської музичних культур, значно видозмінив стиль класицистської опери, підготував оперну реформу Крістофа Віллібальді Глюка. Написав ліричні трагедії «Іполит та Арісія» (1733), «Кастор і Поллукс» (1737), опера-балет «Галантна Індія» (1735), клавесинні п'єси та інше. Його теоретичні праці – значний етап у розвитку вчення про гармонію.
Куперен Франсуа (1668-1733) – французький композитор, клавесініст, органіст. З династії, порівнянної з німецькою династією Бахов, оскільки у його роду було кілька поколінь музикантів. Куперен був прозваний «великим Купереном» частково з його почуття гумору, частково з допомогою характеру. Його творчість – вершина французького клавесинного мистецтва. Музику Куперена відрізняють мелодійна винахідливість, граціозність, відточеність деталей.

1. Жан Батіст Люллі соната ля-мінор, 4 частина "Жига".

2. Жан Філіп Рамо "Куриця" - грає Аркадій Казарян.

3. Франсуа Куперен "Будильник" – грає Аяна Самбуєва.

У 18 столітті - кінці 19 століття музика стає справжньою зброєю в боротьбі за свої переконання та бажання. З'являється ціла плеяда відомих композиторів: Моріс Равель (Maurice Ravel), Жан-Філіпп Рамо (Jean-Philippe Rameau), Клод Жозеф Руже де Ліль (Claude Joseph Rouget de Lisle), (1760-1836) французький військовий інженер, поет і композитор. Писав гімни, пісні, романси. У 1792 році написав композицію «Марсельєза», що в майбутньому стала гімном Франції.

Гімн Франції.

Глюк Крістоф Віллібальд (1714-1787) – знаменитий франко-німецький композитор. Найславетніша його діяльність пов'язана з паризькою оперною сценою, для якої він написав свої найкращі твори на французькі слова. Тому французи вважають його французьким композитором. Численні опери його: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" та інші були дані в Мілані, Турині, Венеції, Кремоні. Отримавши запрошення до Лондона, Глюк для театру Hay-Market написав дві опери: "La Caduta de Giganti" (1746) та "Artamene" та оперу попурі (pasticcio) "Pyram"

Мелодія з опери "Орфей та Еврідіка".

У 19 столітті – композитори Жорж Бізе, Гектор Берліоз, Клод Дебюссі, Моріс Равель та інші.

У 20 столітті з'являються справжні виконавці-професіонали. Саме вони зробили французькі пісні такими відомими, створивши цілий напрямок французького шансоння. На сьогоднішній день їхні імена стоять поза часом та модою. Це Шарль Азнавур (Charles Aznavour), Мірей Матьє (Mireille Mathieu), Патрісія Касс (Patricia Kass), Джо Дассен (Joe Dassin), Даліда (Dalida), Ванесса Параді (Vanessa Paradis). Усі вони відомі своїми чудовими ліричними піснями, які завоювали не лише слухачів Франції, а й інших країн. Багато хто з них був переспіваний іншими виконавцями.

Навчитися грати на музичному інструменті є однією з найкрутіших речей, які ви коли-небудь робитимете. Якщо ви тільки закінчуєте школу і вирішили, що ви хотіли б грати у групі, або вирішили навчитися грати музику тепер, коли діти виросли – це весело та корисно, і це потрібно зробити. Якщо ви ще не знаєте, що ви хочете грати, ви знаходитесь у чудовій формі, - це означає, що все для вас можливо! Дивіться Крок 1, щоб отримати корисні поради щодо вибору правильного інструменту.

Кроки

Вибираючи з різноманітності

Почніть із фортепіано.Фортепіано це загальний інструмент для старту, тому що це легко, щоб дійсно побачити музику. Загальні для багатьох культур та стилів музики, фортепіано та клавішні інструменти є відмінним вибором, якщо ви хочете дізнатися інструмент незалежно від вашого віку. Варіанти фортепіано, які ви зможете додати до вашого репертуару пізніше, можуть включати:

• Орган
• Акордеон
• Синтезатор
• Клавесін
• Фісгармонія

Відірвись на гітарі.Від класики до металу, навчання грі на гітарі відчиняє всі двері у нові стилі музики. Гітара вплинула на поп-культуру можливо, сильніше, ніж будь-який інший інструмент, і стала найпопулярнішим вибором для новачків у всьому світі. Візьміть до рук акустичну гітару, щоб бути мобільним, або перевірте її електричний варіант, щоб почати валяти дурня зі своїми сусідами та грати п'янкі фрази. Як тільки ви освоїли основи гри на гітарі, ви також можете додати інші інструменти з шестиструнної компанії:

• Бас гітара
• Мандоліна
• Банджо
• Дульцимер

Французька музика, яку ми чуємо, має глибоке коріння. Вона з народної творчості селян і городян, релігійної та лицарської поезії, з танцювального жанру. Становлення музики залежить від епох. Кельтські вірування, а згодом регіональні звичаї французьких провінцій та сусідніх народностей утворюють особливі музичні мелодії та жанри, властиві музичному звучанню Франції.

Музика кельтів

Галли - найбільший кельтський народ втратив свою мову, заговоривши латинською, але придбав кельтські музичні традиції, танці, епос та музичні інструменти: флейту, волинку, скрипку, ліру. Галльська музика співуча, пов'язана з поезією нерозривно. Голос душі та вираження емоцій передавали мандрівні барди. Вони знали безліч пісень, володіли голосом та вміли грати, а також використовували музику у таємничих ритуалах. У французькому фольклорі відомі 2 варіанти музичних творів: балади та лірика – народна поезія з приспівом, який заміняв музику. Усі пісні написані французькою мовою, як і раніше, що жителі різних частин Франції говорили власними прислівниками. Мова центральної Франції вважалася урочистою та поетичною.

Епічні пісні

Пісні-балади були у великій пошані у народному середовищі. Німецькі перекази взяли за основу таланти з народу для своїх пісень-легенд. Епічний жанр виконував жонглер – народний співак, який як літописець увічнював події у пісні. Пізніше його музичний досвід передається середньовічним бродячим співакам - трубадурам, менестрелям, труверам. Серед пісень-легенд значну групу складає пісня – скарга як відгук на трагічні чи несправедливі події. Релігійне або світське оповідання зазвичай сумне, з переважанням мінорної тональності. Скарга могла бути романтичною чи пригодницькою, в якій головним сюжетом виявлялася любовна історія з трагічним кінцем або сцени пристрастей, часом повні жорстокості. Пісня-скарга поширювалася вглиб сіл і поступово набувала жартівливого і сатиричного характеру. Наспівом скарг могли бути церковні піснеспіви або сільський спів - тривалі, з паузами оповідання. Класичним прикладом оповідальних піснеспівів є «Пісня про Рено», що має ритм у мажорі. Мелодія спокійна та рухлива.

Пісенну баладу з кельтськими мотивами можна почути у творчості Нольвен Леруа – фольк-співачки з Бретані. Перший альбом «Бретонка» (2010) оживив народні пісні. Балади звучать і у класиків рок-фолка – «Tri Yann». Повість про простого моряка та його подругу визнана хітом та перлиною фольклору. Гурт заснували три музиканти на ім'я Жан у 1970 році. Про що повідомляє і назва групи, яка з бретонської перекладається «три Жани». Ще одна пісня-балада «У в'язницях Нанта» про в'язня, що втік, за сприяння доньки тюремника - популярна і відома всій Франції.

Любовна лірика

У будь-яких формах народної музики виникала історія кохання. В епосі - це розповідь про кохання на тлі будь-яких військових чи життєвих подій. У жартівливій пісні - це іронічний діалог, де один співрозмовник сміється з іншого, немає єднання люблячих сердець і пояснень. У дитячих піснях співається про весілля птахів. Лірична французька пісня в класичному розумінні - це пастораль, що виникла із сільського жанру і перекочувала в репертуар трубадурів. Її героями виступають пастушки та сеньйори. Громадські співаки уточнюють також час та місце дії – зазвичай це природа, виноградник чи сад. Регіонально народна пісня про кохання відрізняється тональністю. Дуже чутлива бретонська пісня. Серйозна, схвильована мелодія говорить про піднесені почуття. Альпійська музика – чиста, плинна, наповнена гірським повітрям. У центральній Франції – «рівнинні пісні» у стилі романсу. Прованс і південь країни складали серенади, в центрі якої була закохана пара, а дівчину порівнювали з квіткою або зіркою. Спів супроводжувався грою на тамбурині чи французькій дудці. Поети-трубадури складали свої пісні мовою Провансу і оспівували куртуазне кохання та лицарські подвиги. До збірок народних пісень XV ст. включено багато жартівливих і сатиричних пісень. У любовній ліриці відсутня характерна для спекотних пісень Італії та Іспанії вишуканість, їм характерний відтінок іронії.

Чуттєвість народних пісень відіграє вирішальну роль, а любов до цього жанру поширилася на творців шансону і досі живе у Франції.

Музична сатира

Галльський дух проявляється в жартах та в піснях. Наповнений життям і насмішкувато, він утворює характерну рису французької пісні. Міський фольклор, дуже близький до народної творчості, виник у 16 ​​столітті. Тоді паризькі chansonnier, які мешкали біля Нового мосту, співали про актуальні проблеми, тут же вони торгували своїми текстами. Відгуки на різні суспільні події сатиричними куплетами увійшли до моди. Гострі народні пісні визначили розвиток кабаре.

Музика танцю

Музика класичного спрямування також черпала натхнення із творчості селян. Народні мелодії знайшли своє відображення у творах французьких композиторів – Берліоза, Сен-Санса, Бізе, Люллі та багатьох інших. Старовинні танці - фарандола, гавот, ригодон, менует і буре тісно пов'язані з музикою, які рухи і ритм грунтуються на піснях.

• Фарандолавиникла ранньому середньовіччі у південній Франції з різдвяних наспівів. Танець супроводжували звуки тамбурину та ніжної флейти. Журавлиний танець, як його пізніше називали, танцювали на святах та масових гуляннях. Фарандола звучить у сюїті Бізе "Арлезіанка" після "Маршу трьох королів".
• Гавот- Стародавній танець жителів Альп - Гавот, і в Бретані. Спочатку хороводний у кельтській культурі, він виконувався у швидкому темпі за принципом «крокувати - приставити ногу» під волинку. Далі, через свою ритмічну форму трансформувався в салонний танець і став прообразом менуету. Почути гавот у справжній інтерпретації можна в опері «Манон Леско».
• Рігодон- веселий танець селян Провансу під музику скрипки, співи та удари дерев'яних сабо був популярний в епоху бароко. Знати полюбила його за легкість та темперамент.
• Буррі- енергійний народний танець із стрибками зародився у середній Франції у 15 столітті. У 17-18 століттях з'явився граціозний танець придворних, який вийшов із народного середовища провінції Пуату. Менует характеризує повільний темп із дрібними кроками, поклонами та реверансами. Музика менуету оформляється клавесином, у швидкому темпі, ніж рухи танцюристів.

Існували різноманітні музично-пісенні композиції – народні, трудові, святкові, колискові, пісні-лічильники.

Сучасне вираження в альбомі Леруа "Бретонка" отримала народна мелодія-лічильник "Кобила з Мішо" (La Jument de Michao). Її музичні витоки – хороводний спів. Народні пісні, що увійшли до альбому «Бретонка», написані для свят Fest-noz та на згадку про народну танцювально-пісенну традицію Бретані.

Французька пісня увібрала всі риси народної музичної культури. Її відрізняє щирість та реалістичність, у ній немає надприродних елементів та чудес. І в наш час у Франції та світі великою популярністю користуються співаки французької естради, продовжувачі кращих народних традицій.

Музичні інструменти призначені для отримання різних звуків. Якщо музикант грає непогано, ці звуки можна назвати музикою, якщо ж ні, то какафонией. Інструментів настільки багато, що їх вивчення схоже на захоплюючу гру гірше Ненсі Дрю! У сучасній музичній практиці інструменти поділяються на різні класи та сімейства за джерелом звуку, матеріалом виготовлення, способом звуковидобування та іншими ознаками.

Духові музичні інструменти (аерофони): група музичних інструментів, джерело звуку яких - коливання стовпа повітря каналі ствола (трубки). Класифікуються за багатьма ознаками (за матеріалом, конструкцією, способами звуковидобування та ін.). У симфонічному оркестрі група духових музичних інструментів поділяється на дерев'яні (флейта, гобой, кларнет, фагот) та мідні (труба, валторна, тромбон, туба).

1. Флейта – дерев'яний духовий музичний інструмент. Сучасний тип поперечної флейти (з клапанами) винайдений німецьким майстром Т. Бемом у 1832 році і має різновиди: мала (або флейта-пікколо), альтова та басова флейта.

2. Гобой – дерев'яний духовий язичковий музичний інструмент. Відомий із 17 ст. Різновиди: малий гобой, гобой д'амур, англійський ріжок, геккельфон.

3. Кларнет – дерев'яний духовий язичковий музичний інструмент. Сконструйований на поч. 18 ст. У сучасній практиці вживаються сопранові кларнети, кларнет-пікколо (італ. piccolo), альтовий (т. зв. бассетгорн), басовий.

4. Фагот – дерев'яний духовий музичний інструмент (переважно оркестровий). Виник у 1-й підлогу. 16 ст. Басовий різновид - контрафагот.

5. Труба - духовий мідний мундштучний музичний інструмент, відомий з давніх часів. Сучасний тип вентильної труби склався до сер. 19 ст.

6. Валторна – духовий музичний інструмент. З'явився наприкінці 17 століття внаслідок удосконалення мисливського рогу. Сучасний тип валторни з вентилями створено першої чверті 19 століття.

7. Тромбон – духовий мідний музичний інструмент (головним чином оркестровий), у якому висота звуку регулюється спеціальним пристосуванням – кулісою (т. зв. розсувний тромбон або цугтромбон). Існують і вентильні тромбони.

8. Туба – найнижчий за звучанням духовий мідний музичний інструмент. Сконструйована у 1835 у Німеччині.

Металофони - рід музичних інструментів, основний елемент яких - пластини-клавіші, по яких б'ють молоточком.

1. Саме музичні інструменти, що самі звучать (дзвони, гонги, вібрафони та ін), джерелом звуку яких служить їх пружне металеве тіло. Звук витягується молоточками, паличками, спеціальними ударниками (мовами).

2. Інструменти типу ксилофона, на відміну якого пластини металлофона - з металу.

Струнні музичні інструменти (хордофони): за способом звуковидобування поділяються на смичкові (напр., скрипка, віолончель, гіджак, кеманча), щипкові (арфа, гуслі, гітара, балалайка), ударні (цимбали), ударно-клавішні -Клавішні (клавесин).

1. Скрипка – 4-струнний смичковий музичний інструмент. Найвищий за регістром у скрипковому сімействі, що склало основу симфонічного оркестру класичного складу та струнного квартету.

2. Віолончель – музичний інструмент скрипкового сімейства басо-тенорового регістру. З'явився у 15-16 століттях. Класичні зразки створені італійськими майстрами 17-18 століттях: А. і Н. Аматі, Дж. Гварнері, А. Страдіварі.

3. Гіджак – струнний смичковий музичний інструмент (таджицький, узбецький, туркменський, уйгурський).

4. Кеманча (каманча) – 3-4-струнний смичковий музичний інструмент. Поширений в Азербайджані, Вірменії, Грузії, Дагестані, а також країнах Середнього та Близького Сходу.

5. Арфа (від нього. Harfe) - багатострунний щипковий музичний інструмент. Ранні зображення – у третьому тисячолітті до нашої ери. У найпростішому вигляді зустрічається майже в усіх народів. Сучасна педальна арфа винайдено у 1801 році С. Ераром (S. Erard) у Франції.

6. Гуслі – російський струнний щипковий музичний інструмент. Крилоподібні гуслі («дзвінчасті») мають 4-14 і більше струн, шоломоподібні – 11-36, прямокутні (столоподібні) – 55-66 струн.

7. Гітара (ісп. guitarra, від грецьк. кіфара) – струнний щипковий інструмент лютневого типу. В Іспанії відома з 13 століття, у 17-18 століттях поширилася у країнах Європи та Америки, у тому числі як народний інструмент. З 18 століття загальновживаною стала 6-струнна гітара, 7-струнна набула поширення переважно в Росії. У числі різновидів так звана гавайська гітара; у сучасній естрадній музиці використовується електрогітара.

8. Балалайка – російський народний 3-струнний щипковий музичний інструмент. Відома з поч. 18 ст. Удосконалено у 1880-х роках. (Під керівництвом В. В. Андрєєва) В. В. Івановим і Ф. С. Пасербським, які сконструювали сімейство балалаек, пізніше - С. І. Налімовим.

9. Цимбали (польськ. cymbaly) – багатострунний ударний музичний інструмент стародавнього походження. Входять до складу народних оркестрів Угорщини, Польщі, Румунії, Білорусії, України, Молдови та ін.

10. Фортеп'яно (італ. fortepiano, від forte – голосно і piano – тихо) – загальна назва клавішних музичних інструментів з молоточковою механікою (рояль, піаніно). Фортепіано було винайдено на поч. 18 ст. Поява сучасного типу фортепіано – з т.зв. подвійною репетицією - належить до 1820-х років. Розквіт фортепіанного виконавства – 19-20 ст.

11. Клавесин (франц. clavecin) – струнний клавішно-щипковий музичний інструмент, попередник фортепіано. Відомий із 16 століття. Існували клавесини різних форм, типів та різновидів, у тому числі чембало, верджинел, спинет, клавіцитеріум.

Клавішні музичні інструменти: група музичних інструментів, об'єднаних загальною ознакою - наявністю клавішної механіки та клавіатури. Поділяються на різні класи та види. Клавішні музичні інструменти поєднуються з іншими категоріями.

1. Струнні (ударно-клавішні та щипково-клавішні): фортепіано, челеста, клавесин та його різновиди.

2. Духові (клавішно-духові та язичкові): орган та його різновиди, фісгармонія, баян, акордеон, мелодика.

3. Електромеханічні: електропіано, клавінет

4. Електронні: електронне піаніно

фортепіано (італ. fortepiano, від forte – голосно та piano – тихо) – загальна назва клавішних музичних інструментів з молоточковою механікою (рояль, піаніно). Було винайдено на початку 18 ст. Поява сучасного типу фортепіано – з т.зв. подвійною репетицією - належить до 1820-х років. Розквіт фортепіанного виконавства – 19-20 ст.

Ударні музичні інструменти: група інструментів, що об'єднуються за способом звуковилучення - удару. Джерелом звуку є твердий корпус, мембрана, струна. Розрізняються інструменти з певною (літаври, дзвіночки, ксилофони) та невизначеною (барабани, бубни, кастаньєти) висотою звуку.

1. Літавра (літаври) (від грец. polytaurea) – ударний музичний інструмент котлоподібної форми з мембраною, часто парний (нагара та ін.). Поширений із найдавніших часів.

2. Дзвіночки - оркестровий ударний музичний інструмент, що самозвучить: набір металевих пластинок.

3. Ксилофон (від ксило... і грец. phone – звук, голос) – ударний самозвучний музичний інструмент. Складається з низки дерев'яних брусків різної довжини.

4. Барабан – ударний мембранний музичний інструмент. Різновиди зустрічаються у багатьох народів.

5. Бубон – ударний мембранний музичний інструмент, іноді з металевими підвісками.

6. Кастаньєтви (ісп. castanetas) – ударний музичний інструмент; дерев'яні (або пластмасові) платівки у формі раковин, що зміцнюються на пальцях.

Електромузичні інструменти: музичні інструменти, в яких звук створюється внаслідок генерування, посилення та перетворення електричних сигналів (за допомогою електронної апаратури). Мають своєрідний тембр, можуть імітувати різноманітні інструменти. До електромузичних інструментів належать терменвокс, еміритон, електрогітара, електрооргани та ін.

1. Терменвокс – перший вітчизняний електромузичний інструмент. Сконструйовано Л. С. Терменом. Висота звуку в терменвоксі змінюється в залежності від відстані правої руки виконавця до однієї з антени, гучність - від відстані лівої руки до ін. антени.

2. Емірітон - електромузичний інструмент, з клавіатурою фортепіанного типу. Сконструйований у СРСР винахідниками А. А. Івановим, А. В. Римським-Корсаковим, В. А. Крейцером та В. П. Дзержковичем (1-я модель у 1935).

3. Електрогітара - гітара, як правило з дерева, з електричними звукознімачами, що перетворюють коливання металевих струн на коливання електричного струму. Перший магнітний звукознімач в 1924 змайстрував інженер компанії Gibson Ллойд Лоер. Найбільш поширені шестиструнні електрогітари.

Французька музична культура почала формуватися на багатому шарі народної пісні. Хоча найдавніші достовірні записи пісень, що збереглися до наших днів, датуються 15 століттям, літературні та художні матеріали говорять про те, що ще з часів Римської імперії музика та спів займали чільне місце у повсякденному житті людей.

Із християнством на французькі землі прийшла церковна музика. Спочатку латинська, вона поступово змінювалася під впливом народної музики. Церква використовувала у богослужіннях матеріал, зрозумілий місцевим жителям. Між 5 і 9 століттями в Галлії склався своєрідний тип літургії - галіканський обряд із галіканським співом. Серед авторів церковних гімнів славився Іларій із Пуатьє. Про галіканському обряді відомо з історичних джерел, які свідчать, що він значно відрізнявся від римського. Він не зберігся, оскільки французькі королі скасували його, прагнучи отримати від Риму титул імператорів, а римська церква намагалася домогтися уніфікації церковної служби.

З 9-12 ст. збереглися «пісні діяння» (chansons de geste).

Народна музика

У роботах французьких фольклористів розглядаються численні жанри народної пісні: ліричні, любовні, пісні-скарги (complaintes), танцювальні (rondes), сатиричні, пісні ремісників (chansons de metiers), календарні, наприклад різдвяні (Ноель); трудові, історичні, військові та ін. До фольклорних належать також пісні, пов'язані з галльськими та кельтськими віруваннями. Серед ліричних жанрів особливе місце посідають пасторалі (ідеалізація сільського життя). У творах любовного змісту переважають теми нерозділеного кохання, розставання. Чимало пісень присвячено дітям – колискові, ігрові, лічилки (фр. comptines). Різноманітні трудові (пісні женців, орачів, виноградарів та ін), солдатські та рекрутські пісні. Особливу групу складають балади про хрестові походи, пісні, що викривають жорстокість феодалів, королів та придворних, пісні про селянські повстання (цю групу пісень дослідники називають «поетичним епосом історії Франції»).

Середньовіччя

Церковна музика

У період Середньовіччя найкраще було документовано розвиток церковної музики. На заміну раннім галіканським формам християнської літургії прийшла григоріанська літургія. Поширення григоріанського співу в період царювання династії Каролінгів (751-987) пов'язане насамперед із діяльністю бенедиктинських монастирів. Католицькі абатства Жюм'єж (на Сені, також у Пуатьє, Арлі, Турі, Шартрі та інших містах), стали центрами церковної музики, осередками професійної духовної та світської музичної культури. Для навчання учнів співу за багатьох абатствах було створено спеціальні співочі школи (метризи). Там викладали не лише григоріанський спів, а й гру на музичних інструментах, уміння читати музику. У середині 9 ст. з'явилася несамовита нотація, поступовий розвиток якої призвело через багато століть до формування сучасної нотної грамоти.

У 9 ст. григоріанський хорал збагатився секвенціями, які у Франції називають також прозами. Створення цієї форми приписувалося ченцю Ноткер з Санкт-Галленського монастиря (сучасна Швейцарія). Втім, Ноткер вказував у передмові до своєї «Книги гімнів», що відомості про секвенцію він отримав від ченця із Жюм'єзького абатства. Згодом у Франції особливо прославилися автори проз Адам з абатства Сен-Віктор (12 ст) і творець знаменитої «Ослиної прози» П'єр Корбейл (початок 13 століття). Іншим нововведенням були стежки – вставки в середину григоріанського хоралу. Через них у церковну музику почали проникати світські наспіви.

З 10 ст. у Ліможі, Турі та інших містах у надрах самого богослужіння з'явилася літургійна драма, що народилася з діалогованих тропів із почерговими «питаннями» та «відповідями» двох антифонних груп хору. Поступово літургійна драма дедалі більше відходила від культу (поруч із образами з Євангелія включалися реалістичні персонажі).

Для народної пісні з найдавніших часів було характерно багатоголосся, тоді як григоріанський хорал сформувався як одноголосний. У 9 столітті елементи багатоголосності почали проникати також у церковну музику. У 9 столітті було написано посібники з багатоголосності органум. Автором найстарішого з них вважається ченець Гукбальд із Сен-Амана поблизу Турне у Фландрії. Багатоголосний стиль, що склався в церковній музиці, однак відрізняється від народної музичної практики.

Світська музика

Поряд із культовою розвивалася світська музика, що звучала в народному побуті, при дворах франкських королів, у замках феодалів. Носіями народних музичних традицій середньовіччя були головним чином бродячі музиканти - жонглери, які мали велику популярність у народі. Вони співали повчальні, жартівливі, сатиричні пісні, танцювали під акомпанемент різних інструментів, зокрема тамбурину, барабана, флейти, щипкового інструменту типу лютні (це сприяло розвитку інструментальної музики). Жонглери виступали на святах у селах, при феодальних дворах і навіть у монастирях (брали участь у деяких обрядах, театралізованих ходах, присвячених церковним святам, що отримали назву Carole). Їх переслідувала церква як представників ворожої світської культури. У 12-13 ст. серед жонглерів відбувалося соціальне розшарування. Частина їх осідала в лицарських замках, потрапляючи на повну залежність від лицаря-феодала, інші зупинялися у містах. Таким чином, жонглери, втративши свободу творчості, стали осілими менестрелями у лицарських замках та міськими музикантами. Однак цей процес водночас сприяв проникненню в замки та міста народної творчості, що стає основою лицарського та бюргерського музично-поетичного мистецтва.

В епоху пізнього середньовіччя у зв'язку із загальним піднесенням французької культури починає інтенсивно розвиватися музичне мистецтво. У феодальних замках на основі народної музики розквітає світське музично-поетичне мистецтво трубадурів та труверів (11-14 ст.). Серед трубадурів славилися Маркабрюн, Гільйом IX - герцог Аквітанський, Бернард де Вентадорн, Жофре Рюдель (кін. 11-12 ст.), Бертран де Борн, Гіраут де Борнейль, Гіраут Рік'є (кін. 12-13 ст.). У 2-й пол. 12 ст. у північних областях країни виник такий напрямок - мистецтво труверів, яке спочатку було лицарським, а далі дедалі більше зближалося з народною творчістю. Серед труверів поряд з королями, аристократією - Річардом Левине Серце, Тібо Шампанським (королем Наварри), згодом здобули популярність представники демократичних верств суспільства - Жан Бодель, Жак Бретель, П'єр Моні та інші.

У зв'язку зі зростанням таких міст, як Аррас, Лімож, Монпельє, Тулуза та ін. у 12-13 століттях розвинулося міське музичне мистецтво, творцями якого стали поети-співаки з міських станів (ремісники, прості городяни, і, крім цього, буржуа) . Вони внесли свої особливості у мистецтво трубадурів та труверів, відійшовши від його піднесено-лицарських музично-поетичних образів, освоївши народно-побутову тематику, створивши характерний стиль, свої жанри. Найвизначнішим майстром міської музичної культури 13 століття був поет і композитор Адам де ла Аль, автор пісень, мотетів, і, крім цього, популярної свого часу п'єси «Гра про Робена і Маріон» (бл. 1283), насиченою міськими піснями, танцями. незвичайною була вже сама ідея створення світської театралізованої вистави, пронизаної музикою). Він по-новому трактував традиційні одностайні музично-поетичні жанри трубадурів, використавши багатоголосність.

Нотр-Дамська школа

Докладніше: Нотр-Дам школа

Зміцнення економічного та культурного значення міст, створення університетів (у тому числі на початку 13 століття Паризького університету), де музика була одним із обов'язкових предметів (входила до квадрівіуму), сприяли підвищенню ролі музики як мистецтва. У 12 столітті одним із центрів музичної культури став Париж, і насамперед його Співуча школа собору Нотр-Дам, що об'єднала найбільших майстрів - співаків-композиторів, учених. З цією школою пов'язаний розквіт у 12-13 ст. культового багатоголосся, поява нових музичних жанрів, відкриття у сфері музичної теорії.

У творах композиторів Нотр-дамської школи григоріанський хорал зазнав змін: раніше ритмічно вільний, гнучкий хорал набув великої розміреності та плавності (звідси назва такого хоралу cantus planus). Ускладнення багатоголосної тканини та її ритмічної структури зажадало точного позначення тривалостей та вдосконалення нотації – у результаті представники паризької школи на зміну вченню про модуси поступово дійшли мензуральної нотації. Значний внесок у цьому напрямі зробив музикознавець Іоан де Гарландія.

Багатоголосність викликало до життя нові жанри церковної та світської музики, у тому числі кондукт та мотет. Кондукт спочатку виконувався переважно під час святкової церковної служби, але водночас пізніше став суто світським жанром. Серед авторів кондукту – Перотін.

На основі кондукту наприкінці 12 ст. у Франції сформувався найважливіший жанр багатоголосної музики – мотет. Ранні його зразки відносяться також до майстрів Паризької школи (Перотін, Франко Кельнський, П'єр де ла Круа). Мотет допускав свободу об'єднання літургійних і світських наспівів і текстів, - таке поєднання призвело до народження 13 в. жартівливого мотету. Значне оновлення отримав жанр мотету у 14 столітті в умовах напряму ars nova, ідеологом якого виступив Філіп де Вітрі

У мистецтві ars nova велике значення надавалося взаємодії «побутової» та «наукової» музики (тобто пісні та мотета). Філіп де Вітрі створив новий тип мотету – ізоритмічний мотет. Нововведення Філіпа де Вітрі торкнулися також вчення про консонанс та дисонанс (оголосив консонанси терції та сексти).

Ідеї ​​ars nova і, зокрема, ізоритмічний мотет продовжили свій розвиток у творчості Гійома де Машо, який поєднав мистецькі здобутки лицарського музично-поетичного мистецтва з його одностайними піснями та багатоголосною міською музичною культурою. Йому належать пісні з народним складом (lays), віреле, рондо, він же вперше розробив жанр багатоголосної балади. У мотеті Машо послідовніше, ніж попередники, застосовував музичні інструменти (ймовірно, інструментальними були раніше нижні голоси). Машо також вважається автором першої французької меси поліфонічного складу (1364).

Епоха Відродження

Докладніше: Французький Ренесанс

У 15 ст. за часів Столітньої війни провідне становище у музичній культурі Франції 15 ст. зайняли представники франко-фламандської (нідерландської) школи Протягом двох століть у Франції працювали найвидатніші композитори нідерландської поліфонічної школи: у сер. 15 ст. - Ж. Беншуа, Г. Дюфаї, у 2-й пол. 15 ст. - Й. Окегем, Я. Обрехт, кін. 15 – поч. 16 ст. - Жоскен Депре, у 2-й пол. 16 ст. - Орландо ді Лассо.

Наприкінці 15 ст. у Франції утверджується культура Відродження. На розвитку французької культури позначилися такі чинники, як виникнення буржуазії (15 в.), боротьба об'єднання Франції (завершилася до кінця 15 в.) та створення централізованої держави. Істотне значення мали також безперервний розвиток народної творчості та діяльність композиторів франко-фламандської школи.

Зростає роль музики у світському житті. Французькі королі створювали у своїх дворах великі капели, влаштовували музичні свята, королівський двір стає центром професійного мистецтва. Зміцнилася роль придворної капели. У 1581 р. Генріх III затвердив посаду «головного інтенданта музики» при дворі, першим цю посаду обіймав італійський скрипаль Бальтазаріні де Бельджозо. Важливими центрами музичного мистецтва разом із королівським двором та церквою були також аристократичні салони.

Розквіт Відродження, що з формуванням французької національної культури, посідає середину 16 століття. У цей час вдалим жанром професійного мистецтва стає багатоголосна світська пісня - шансон. Її поліфонічний стиль отримує нове трактування, співзвучне з ідеями Французьких гуманістів - Рабле, Клеман Маро, П'єр де Ронсар. Провідним автором шансонів цієї епохи вважається Клеман Жанекен, який написав понад 200 багатоголосних пісень. Шансони здобули популярність не тільки у Франції, а й за її межами, переважно завдяки нотодрукуванню та зміцненню зв'язків між європейськими країнами.

У період Відродження зросла роль інструментальної музики. У музичному побуті були поширені віола, лютня, гітара, скрипка (як народний інструмент). Інструментальні жанри проникали як і побутову музику, і у професійну, частково церковну. Лютневі танцювальні п'єси виділялися серед панівних у 16 ​​ст. поліфонічних творів ритмічною пластичністю, гомофонним складом, прозорістю фактури Характерним було об'єднання двох або кількох танців за принципом ритмічного розмаїття у своєрідні цикли, що стали основою майбутньої танцювальної сюїти. Більш самостійного значення набула і органна музика. Виникнення органної школи мови у Франції (кін. 16 в.) пов'язані з творчістю органіста Ж. Титлуза.

У 1570 Жан-Антуаном де Баїфом була заснована Академія поезії та музики. Учасники цієї академії прагнули відродити античну поетико-музичну метрику, захищали принцип нерозривного зв'язку музики та поезії.

Значний пласт у музичній культурі Франції 16 ст. становила музика гугенотів. Гугенотські пісні використовували мелодії популярних побутових та народних пісень, пристосовуючи їх до перекладених французьких богослужбових текстів. Трохи пізніше релігійна боротьба у Франції породила гугенотські псалми з характерним для них перенесенням мелодії у верхній голос та відмовою від поліфонічних складнощів. Найбільшими композиторами-гугенотами, що становили псалми, були Клод Гудімель, Клод Лежен.

Просвітництво

Докладніше: Епоха Просвітництва

XVII століття

Сильне впливом геть французьку музику 17 століття справила раціоналістична естетика класицизму, яка висувала вимоги смаку, рівноваги краси та істини, ясності задуму, стрункості композиції. Класицизм, що розвивався одночасно зі стилем бароко, отримав у Франції 17 ст. закінчений вираз.

У цей час світська музика у Франції переважає духовну. З твердженням абсолютної монархії велике значення набуває придворне мистецтво, яке визначило напрямок розвитку найважливіших жанрів французької музики на той час - опери і балету. Роки правління Людовіка XIV відзначені незвичайною пишністю придворного життя, прагненням знаті до розкоші та витончених розваг. У цьому велика роль відводилася придворному балету. У 17 ст. при дворі посилилися італійські віяння, чому особливо сприяв кардинал Мазаріні. Знайомство з італійською оперою стало стимулом до створення своєї національної опери, перший досвід у цій галузі належить Елізабет Жаке де ла Герр («Тріумф кохання», 1654).

1671 року в Парижі відкрився оперний театр під назвою «Королівська академія музики». Керівником цього театру став Ж. Б. Люллі, котрий тепер вважається основоположником національної оперної школи. Люллі створив ряд комедій-балетів, що стали передвісником жанру ліричної трагедії, а пізніше - опери-балету. Істотним є внесок Люллі у інструментальну музику. Ним було створено тип французької оперної увертюри (термін утвердився у 2-й половині 17 ст. у Франції). Численні танці з його творів великої форми (менует, гавот, сарабанда та ін) вплинули на подальше формування оркестрової сюїти.

Наприкінці 17 – 1-й половині 18 століття для театру писали такі композитори як Н. А. Шарпантье, А. Кампра, М. Р. Делаланд, А. К. Детуш. У наступників Люллі умовність придворного театрального стилю посилюється. У тому ліричних трагедіях першому плані виступають декоративно-балетні, пасторально-идиллические боку, а драматичне початок дедалі більше послаблюється. Лірична трагедія поступається місцем опері-балету.

У 17 ст. у Франції набули розвитку різні інструментальні школи - лютнева (Д. Готьє, який вплинув на клавесинний стиль Ж. А. Англебера, Ж. Ш. де Шамбоньєра), клавесинна (Шамбоньєр, Л. Куперен), віольна (М. Марен, який вперше у Франції ввів до оперного оркестру контрабас замість контрабасової віоли). Найбільшого значення набула французька школа клавесиністів. Ранній клавесинний стиль склався під впливом лютневого мистецтва. У творах Шамбоньєра далася взнаки характерна для французьких клавесиністів манера орнаментації мелодії. Велика кількість прикрас надавала творам для клавесину певну вишуканість, а також велику зв'язність, «співучість», «протяжність» уривчасте звучання цього інструменту. В інструментальній музиці широко використовувалося, що застосовується ще з 16 ст. об'єднання парних танців (павана, гальярда тощо), що призвело у 17 столітті до створення інструментальної сюїти.

XVIII століття

У 18 столітті зі зростанням впливу буржуазії складаються нові форми музично-суспільного життя. Поступово концерти виходять за межі палацових залів та аристократичних салонів. У 1725 А. Філідор (Данікан) організував у Парижі регулярні публічні «Духовні концерти», в 1770 Франсуа Госсек заснував суспільство «Любіцькі концерти». Більш замкнутий характер мали вечори академічного товариства «Друзі Аполлона» (засновано в 1741), щорічні цикли концертів влаштовувала «Королівська Академія музики».

У 20-30-ті роки 18 ст. найвищого розквіту досягає клавесинна сюїта. Серед французьких клавесиністів провідна роль належить Ф. Куперену, автору вільних циклів, заснованих на принципах подібності та розмаїття п'єс. Поруч із Купереном великий внесок у розвиток програмно-характеристичної клавесинової сюїти внесли також Ж. Ф. Дандре і особливо Ж. Ф. Рамо.

У 1733 році успішна прем'єра опери Рамо «Іполит і Арісія» забезпечила цьому композитору провідне становище у придворній опері – «Королівській академії музики». У творчості Рамо жанр ліричної трагедії досягнув кульмінації. Його вокально-декламаційний стиль збагатився мелодико-гармонічною експресією. Великою різноманітністю відрізняються його двочастинні увертюри, але в той же час представлені в його творчості і тричастинні увертюри, близькі італійській оперній «синфонії». У ряді опер Рамо передбачив багато пізніх завоювань у галузі музичної драми, підготувавши ґрунт для оперної реформи К. В. Глюка. Рамо належить наукова система, ряд положень якої послужили основою сучасного вчення про гармонію («Трактат про гармонію», 1722; «Походження гармонії», 1750 та ін.).

На середину 18 століття героїко-міфологічні опери Люлі, Рамо та інших авторів перестали відповідати естетичним запитам буржуазної аудиторії. Своєю популярністю вони поступаються гостросатиричним ярмарковим спектаклям, відомим ще з кінця 17 століття. Ці уявлення спрямовані на висміювання звичаїв «вищих» верств суспільства, і навіть пародируют придворну оперу. Першими авторами подібних комічних опер були драматурги А. Р. Лесаж та Ш. С. Фавара. У надрах ярмаркового театру визрів новий французький оперний жанр - опера комік. Зміцненню її позицій сприяли приїзд до Парижа в 1752 році італійської оперної трупи, що поставила ряд оперу-буфф, у тому числі «Служниця-пані» Перголезі, і полеміка з питань оперного мистецтва, що розгорілася між прихильниками (буржуазно-демократичні кола) та противниками (представники аристократії) італійської опери-буфф, - т.з. "Війна буффонів".

У напруженій атмосфері Парижа ця полеміка набула особливої ​​гостроти, набула величезного суспільного резонансу. Активну участь взяли в ній діячі французького Просвітництва, що підтримали демократичне мистецтво «буффоністів», а пастораль Руссо «Сільський чаклун» (1752) лягла в основу першої французької комічної опери. Проголошене ними гасло «наслідування природи» справило великий вплив формування французького оперного стилю 18 століття. Праці енциклопедистів містять також цінні естетичні та музично-теоретичні узагальнення.

Післяреволюційний час

Одна з перших публікацій "Марсельєзи", національного гімну Франції, 1792

Велика французька революція внесла величезні зміни у всі галузі музичного мистецтва. Музика стає невід'ємною частиною всіх подій революційного часу, набуваючи соціальних функцій, що сприяло утвердженню масових жанрів - пісні, гімну, маршу та інших. Вплив французької революції зазнав театру - виникли такі жанри як апофеоз, агітаційний спектакль з використанням великих хорових мас. У роки революції особливий розвиток здобула «опера порятунку», що порушує теми боротьби з тиранією, викриття духовенства, що прославляє вірність, відданість. Велике значення набула військово-духова музика, було засновано оркестр Національної гвардії.

Радикальні перетворення зазнала й система музичної освіти. Були скасовані метризи; натомість у 1792 відкрилася музична школа Національної гвардії для навчання військових музикантів, а у 1793 – Національний музичний інститут (з 1795 – Паризька консерваторія).

Період наполеонівської диктатури (1799-1814) та Реставрації (1814-15, 1815-30) не принесли французькій музиці яскравих досягнень. До кінця періоду Реставрації спостерігається пожвавлення й у сфері культури. У боротьбі з академічним мистецтвом наполеонівської імперії складалася французька романтична опера, що у 20-30-х роках зайняла панівне становище (Ф. Обер). У ці роки складається жанр великої опери на історико-патріотичні і героїчні сюжети. Французький музичний романтизм знайшов найяскравіший вираз у творчості Г. Берліоза, творця програмного романтичного симфонізму. Берліоз поряд з Вагнером вважається також основоположником нової школи диригування.

У роки Другої імперії (1852-70) для музичної культури Франції характерне захоплення кафе-концертами, театральними ревю, мистецтвом шансоньє. У ці роки з'явилися численні театри легких жанрів, де ставилися водевілі, фарси. Розвивається французька оперета, серед її творців – Ж. Оффенбах, Ф. Ерве. З 1870-х років, в умовах Третьої республіки оперета втратила сатиричність, пародійність, злободенність, переважаючими стали історико-побутові та лірико-романтичні сюжети, у музиці на перший план висунувся ліричний.

В опері та балеті другої половини ХІХ ст. спостерігається посилення реалістичних тенденцій. У опері ця тенденція виявилася у прагненні повсякденним сюжетам, до зображення простих людей зі своїми інтимними переживаннями. Найвідомішим творцем ліричної опери вважається Ш. Гуно, автор таких опер як «Фауст» (1859, 2-а ред. 1869), «Мірейль» та «Ромео та Джульєтта». До жанру ліричної опери зверталися також Ж. Массне, Ж. Бізе, у його опері «Кармен» яскравіше проявляється реалістичне начало.

Моріс Равель, 1912

Наприкінці 80-х - 90-х років 19 століття у Франції виникла нова течія, що набула поширення на початку 20 ст., - Імпресіонізм. Музичний імпресіонізм відродив певні національні традиції - прагнення конкретності, програмності, вишуканості стилю, прозорості фактури. Імпресіонізм знайшов найповніше вираження у музиці До. Дебюссі, позначився творчості М. Равеля, П. Дюка та інших. Імпресіонізм вніс новації і в область музичних жанрів. У творчості Дебюссі симфонічні цикли поступаються місцем симфонічним замальовкам; у фортепіанній музиці переважають програмні мініатюри. Моріс Равель також зазнав впливу естетики імпресіонізму. У його творчості переплелися різні естетико-стилістичні тенденції – романтичні, імпресіоністичні, а в пізніх творах – тенденції неокласцизму.

Поряд з імпресіоністичними тенденціями у французькій музиці на рубежі 19-20 ст. продовжували розвиватися традиції Сен-Сансу, а також Франка, творчість якого характеризується поєднанням класичної ясності стилю з яскравою романтичною образністю.

Композитори "французької шістки".

Після Першої світової війни у ​​французькому мистецтві виявляються тенденції до заперечення німецького впливу, прагнення новизни і, водночас - простоті. У цей час під впливом композитора Еріка Саті та критика Жана Кокто склалося творче об'єднання, яке отримало назву «Французька шістка», учасники якої протиставляли себе не лише вагнеріанству, а й імпресіоністській «розпливчастості». Втім, за словами її автора - Франсіса Пуленка, група «не мала жодних інших цілей, крім чисто дружнього, а зовсім не ідейного об'єднання», і вже з 1920-х років її учасники (серед найбільш відомих також Артур Онегер і Даріус Мійо) розвивалися кожен індивідуальним шляхом.

У 1935 році у Франції виникло нове творче об'єднання композиторів - «Молода Франція», до якого входили в тому числі такі композитори як О. Мессіан, А. Жоліве, які подібно до «Шістки» ставили в основу відродження національних традицій і гуманістичні ідеї. Заперечуючи академізм та неокласицизм, вони направили свої зусилля на оновлення засобів музичної виразності. Найбільш впливовими стали пошуки Мессіана в галузі ладових та ритмічних структур, які знайшли своє втілення як у його музичних творах, так і в музикознавчих трактатах.

Після Другої світової війни у ​​французькій музиці набули поширення авангардні музичні течії. Визначним представником французького музичного авангарду став композитор і диригент П'єр Булез, який, розвиваючи принципи А. Веберна, широко застосовує такі методи композиції, як пуантилізм та серіальність. Особливу "стохастичну" систему композиції застосовує композитор грецького походження Я. Ксенакіс.

Значну роль Франція зіграла у становленні електронної музики - саме тут наприкінці 1940-х років з'явилася конкретна музика, під керівництвом Ксенакіса було розроблено комп'ютер із графічним введенням інформації - UPI, а у 1970-х у Франції зародився напрямок спектральної музики. З 1977 року центром експериментальної музики став IRCAM – дослідницький інститут, відкритий П'єром Бульозом.

У 12-13 столітті продовжувачами традиції трубадурів були лицарі та городяни Північної Франції – трувери. Серед них найбільш відомий Адам де ла Аль (помер 1286).

Адам де ла Аль "Гра про Робіна і Маріон".

У 14 столітті виявилося у французькій музиці рух "Нове мистецтво". Главою цього руху був Філіп де Вітрі (1291-1361) - музичний теоретик і композитор, автор множини світських мотетів.Проте до кінця 16 століття, за часів Шарля 9, характер музики Франції змінився. Почалася доба балету, коли музика супроводжувала танець. У цю епоху широкого поширення набули такі інструменти: флейта, клавесин, віолончель, скрипка. І цей час можна назвати часом народження справжньої інструментальної музики.

Філіп де Вітрі "Владика владик" (мотет).

17 століття - це новий етап розвитку музики Франції. Великий французький композитор Жан Батіст Люллі (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Флоренція, - 22.3.1687, Париж) створює свої опери. Жан Батіст - чудовий танцюрист, скрипаль, диригент та хореограф італійського походження, вважається визнаним творцем французької національної опери.
Серед них такі опери як: «Тезей» (1675), «Ізіда» (1677), «Психея» (1678, «Персей» (1682), «Фаетон» (1683), «Роланд» (1685) та «Арміда» (1686) та інші У своїх операх, що носили назву "tragédie mise en musique" ("трагедія на музиці"), Жан Батіст Люллі прагнув підсилити музикою драматичні ефекти. При цьому співаки в операх вперше стали виступати без масок, а жінки - танцювати у балеті на публічній сцені.
Рамо Жан Філіп (1683-1764) - французький композитор та музичний теоретик. Використовуючи досягнення французької та італійської музичних культур, значно видозмінив стиль класицистської опери, підготував оперну реформу Крістофа Віллібальді Глюка. Написав ліричні трагедії «Іполит та Арісія» (1733), «Кастор і Поллукс» (1737), опера-балет «Галантна Індія» (1735), клавесинні п'єси та інше. Його теоретичні праці - значний етап у розвитку вчення про гармонію.
Куперен Франсуа (1668-1733) – французький композитор, клавесініст, органіст. З династії, порівнянної з німецькою династією Бахов, оскільки у його роду було кілька поколінь музикантів. Куперен був прозваний «великим Купереном» частково з його почуття гумору, частково з допомогою характеру. Його творчість – вершина французького клавесинного мистецтва. Музику Куперена відрізняють мелодійна винахідливість, граціозність, відточеність деталей.

1. Жан Батіст Люллі соната ля-мінор, 4 частина "Жига" Олексій Коптєв (кларнет) – Олег Бойко (гітара).

2. Жан Філіп Рамо "Куриця", виконує на баяні Аркадій Казарян.

3. Франсуа Куперен "Будильник" виконує на баяні Аяна Самбуєва.

У 18 столітті - кінці 19 століття музика стає справжньою зброєю в боротьбі за свої переконання та бажання. З'являється ціла плеяда відомих композиторів: Моріс Равель (Maurice Ravel), Жан-Філіпп Рамо (Jean-Philippe Rameau), Клод Жозеф Руже де Ліль (Claude Joseph Rouget de Lisle), (1760-1836) французький військовий інженер, поет і композитор. Писав гімни, пісні, романси. У 1792 році написав композицію «Марсельєза», що в майбутньому стала гімном Франції.

Гімн Франції.

Глюк Крістоф Віллібальд (1714-1787) – знаменитий франко-німецький композитор. Найславетніша його діяльність пов'язана з паризькою оперною сценою, для якої він написав свої найкращі твори на французькі слова. Тому французи вважають його французьким композитором. Численні опери його: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" та інші були дані в Мілані, Турині, Венеції, Кремоні. Отримавши запрошення до Лондона, Глюк для театру Hay-Market написав дві опери: "La Caduta de Giganti" (1746) та "Artamene" та оперу попурі (pasticcio) "Pyram"

Мелодія з опери "Орфей та Еврідіка".

У 19 столітті – композитори Жорж Бізе, Гектор Берліоз, Клод Дебюссі, Моріс Равель та інші.

У 20 столітті з'являються справжні виконавці-професіонали. Саме вони зробили французькі пісні такими відомими, створивши цілий напрямок французького шансоння. На сьогоднішній день їхні імена стоять поза часом та модою. Це Шарль Азнавур (Charles Aznavour), Мірей Матьє (Mireille Mathieu), Патрісія Касс (Patricia Kass), Джо Дассен (Joe Dassin), Даліда (Dalida), Ванесса Параді (Vanessa Paradis). Усі вони відомі своїми чудовими ліричними піснями, які завоювали не лише слухачів Франції, а й інших країн. Багато хто з них був переспіваний іншими виконавцями.