Проекти ідеальних міст Італії доби відродження. Епоха Відродження. Античні уявлення про культуру

Мистецтво Відродження Італії (XIII-XVI ст.).

ПРИ СКЛАДАННІ сторінки ВИКОРИСТАНІ МАТЕРІАЛИ РЕСУРСУ http://artclassic.edu.ru

Особливості мистецтва епохи Відродження Італії.

Мистецтво Відродження виникло на основі гуманізму (від латинського humanus – «людський») – течії суспільної думки, яке зародилося у XIV ст. в Італії, а потім протягом другої половини XV і XVI ст. розповсюдилося в інших європейських країнах. Гуманізм проголосив найвищою цінністю людини та її благо. Послідовники цієї течії вважали, що кожна людина має право вільно розвиватися як особистість, реалізуючи свої здібності. Ідеї ​​гуманізму найбільш повно і яскраво втілилися в мистецтві, головною темою якого стала прекрасна, гармонійно розвинена людина, яка має необмежені духовні та творчі можливості. Гуманістів надихала античність, що служила їм джерелом знань і взірцем художньої творчості. Велике минуле Італії, що постійно нагадувало про себе, сприймалося в той час як найвища досконалість, тоді як мистецтво Середніх віків здавалося невмілим і варварським. Термін «відродження», що виник XVI в., означав народження нового мистецтва, що відроджує класичну античну культуру. Тим не менш, мистецтво Ренесансу багатьом завдячує художній традиції Середньовіччя. Старе і нове перебували у нерозривному зв'язку та протиборстві. При всьому суперечливому різноманітті своїх витоків мистецтво Відродження відзначено глибокої та принципової новизною. Воно заклало основи європейської культури Нового часу. Усі основні види мистецтва – живопис та графіка, скульптура, архітектура – ​​надзвичайно змінилися.
В архітектурі утвердилися творчо перероблені принципи античної ордерної системи , склалися нові типи громадських будівель. Живопис збагатився лінійною та повітряною перспективою, знанням анатомії та пропорцій людського тіла. У традиційну релігійну тематику творів мистецтва проникало земне зміст. Посилився інтерес до античної міфології, історії, побутових сцен, пейзажу, портрета. Поруч із монументальними настінними розписами, що прикрашали архітектурні споруди, з'явилася картина; виник живопис олійними фарбами.
Мистецтво ще не перестало бути ремеслом, проте на перше місце вже виступила творча індивідуальність художника, діяльність якого на той час була дуже різноманітною. Вражаюча універсальна обдарованість майстрів Ренесансу - вони часто працювали одночасно в галузі архітектури, скульптури та живопису, поєднували захоплення літературою, поезією та філософією з вивченням точних наук. Поняття творчо багатої, чи «ренесансної» особистості стало згодом загальним.
У мистецтві Відродження тісно переплелися шляхи наукового та художнього розуміння світу та людини. Його пізнавальний зміст був нерозривно пов'язаний з піднесеною поетичною красою, у своєму прагненні до природності воно не опускалося до дріб'язкової повсякденності. Мистецтво стало загальною духовною потребою.
Формування ренесансної культури Італії відбувалося у економічно незалежних містах. У піднесенні та розквіті мистецтва Відродження велику роль відіграли Церква та чудові двори некоронованих государів – правлячих багатих родин, які були найбільшими покровителями та замовниками творів живопису, скульптури та архітектури. Головними центрами культури Відродження спочатку були міста Флоренція, Сієна, Піза, потім – Падуя, Феррара, Генуя, Мілан і пізніше за всіх, у другій половині XV ст., – багата купецька Венеція. У XVI ст. столицею італійського Відродження став Рим. Починаючи з цього часу всі інші центри культури, крім Венеції, втратили колишнє значення.
В епосі італійського Відродження прийнято виділяти кілька періодів:

Проторенесанс (друга половина XIII-XIV ст.),

Раннє Відродження (XV ст.),

Високе Відродження (кінець XV – перша третина XVI ст.)

Пізніше Відродження (останні дві третини XVI ст.).

Проторенесанс

В італійській культурі XIII-XIV ст. на тлі ще сильних візантійських і готичних традицій стали з'являтися риси нового мистецтва, яке згодом іменуватиметься мистецтвом Відродження. Тому цей період його історії й назвали Проторенесансом(Від грец. «Протос» - «перший», тобто підготував наступ Ренесансу). Аналогічного перехідного періоду був у жодній із європейських країн. У самій Італії проторенесансне мистецтво виникло і розвивалося тільки в Тоскані та Римі.
В італійській культурі перепліталися риси старого та нового. Останній поет Середньовіччя та перший поет нової епохи Данте Аліг'єрі (1265-1321) створив італійську літературну мову. Започатковане Данте продовжили інші великі флорентійці XIV століття - Франческо Петрарка (1304-1374), родоначальник європейської ліричної поезії, та Джованні Боккаччо (1313-1375), основоположник жанру новели (короткої розповіді) у світовій літературі. Гордістю епохи є архітектори та скульптори Нікколо та Джованні Пізано, Арнольфо ді Камбіо та живописець Джотто ді Бондоне .
Архітектура
Італійська архітектура протягом тривалого часу наслідувала середньовічні традиції, що виражалося, головним чином, у використанні великої кількості мотивів готики. Водночас сама італійська готика сильно відрізнялася від готичної архітектури північної Європи: вона тяжіла до спокійних великих форм, рівного світла, горизонтальних членувань, широких поверхонь стін. У 1296 р. у Флоренції почали будувати собор Санта-Марія дель Фьоре. Арнольфо ді Камбіо хотів увінчати вівтарну частину собору величезним куполом. Однак після смерті архітектора в 1310 р. будівництво затяглося, його завершили вже в період Раннього Відродження. У 1334 р. за проектом Джотто було розпочато будівництво дзвіниці собору, так званої кампанили - стрункої прямокутної вежі з поверховими горизонтальними членуваннями та витонченими готичними вікнами, стрілчаста аркова форма яких ще довго зберігалася в італійській архітектурі.
Серед найбільш відомих міських палаців - палаццо Веккьо (палаццо делла Синьйорія) у Флоренції. Припускають, що його збудував Арнольфо ді Камбіо. Це важкий куб із високою вежею, облицьований рустом із твердого каменю. Триповерховий фасад прикрашений парними вікнами, вписаними в напівкруглі арки, що надає всій будівлі враження стриманої суворості. Будівля визначає вигляд старого міського центру, суворою громадою вторгаючись на площу.
Скульптура
Раніше, ніж в архітектурі та живописі, художні пошуки намітилися у скульптурі, і насамперед у пізанській школі, засновником якої був Нікколо Пізано (близько 1220 – між 1278 та 1284). Нікола Пізано народився в Апулії, на півдні Італії. Вважають, що створенню він навчався саме у південних школах, де процвітав дух відродження класичних традицій античності. Поза сумнівом, Нікколо вивчав скульптурне оформлення пізньоримських і ранньохристиянських саркофагів. Найраніша з нині відомих робіт скульптора – шестикутна. мармурова кафедра, Виконана ним для баптистерія в Пізі (1260), - стала видатним твором ренесансної скульптури і справила величезний вплив на її подальший розвиток. Головне досягнення скульптора полягає в тому, що він зумів надати формам об'ємність і виразність, а кожне зображення має тілесну силу.
З майстерні Нікколо Пізано вийшли чудові майстри скульптури Проторенесанса - його син Джованні Пізано та Арнольфо ді Камбіо, відомий також як архітектор. Арнольфо ді Камбіо (близько 1245 – після 1310) тяжів до монументальної скульптури, в якій використав свої життєві спостереження. Одна з найкращих робіт, виконана ним спільно з батьком та сином Пізано, - фонтан на площі Перуджі(1278). Фонте Маджоре, прикрашений численними статуями та рельєфами, став гордістю міста. Заборонялося напувати з нього тварин, брати воду в барило з-під вина або в немитий посуд. У міському музеї збереглися фрагменти фігур, що напівлежать, виконаних Арнольфо ді Камбіо для фонтану. У цих постатях скульптор зумів передати все багатство рухів людського тіла.
Живопис
У мистецтві італійського Відродження настінний живопис займав панівне місце. Вона виконувалася у техніці фрески. Приготовленими на воді фарбами писали або по сирій штукатурці (власне фреска), або по сухій - ця техніка називається "а секко" (у перекладі з італійської - "по сухому"). Основна сполучна речовина штукатурки - вапно. Т.к. для висихання вапна потрібно трохи часу, фресковий розпис повинен був виконуватися швидко, нерідко частинами, між якими залишалися сполучні шви. З другої половини XV ст. техніку фрески стали доповнювати живописом а секко; остання дозволяла працювати повільніше і допускала обробку деталей. Роботі над розписами передувало виготовлення синопій – допоміжних малюнків, нанесених під фреску за першим шаром штукатурки. Ці малюнки виконувалися червоною охрою, яка добувалась із глини поблизу міста Синоп, що розташовувалося на березі Чорного моря. За назвою міста фарбу називали синопською, або синопією, згодом так само стали називатися і самі малюнки. Синопії застосовувалися в італійському живописі з XIII до середини XV ст. Однак не всі живописці вдавалися до допомоги синопії - наприклад, Джотто ді Бондоне, Видатний представник епохи Проторенесансу, обходився без них. Поступово від синопії відмовилися. Із середини XV ст. стала вельми поширеною у живопису отримали картони - виконані на папері чи тканини підготовчі малюнки у вигляді майбутніх творів. Контури малюнка переносили на вологу штукатурку за допомогою вугільного пилу. Її продували через проколоті в контурі дірочки і вдавлювали в штукатурку якимось гострим інструментом. Іноді синопії з ескізного начерку перетворювалися на закінчений монументальний малюнок, а картони набували значення самостійних творів живопису.

Родоначальником нового італійського стилю живопису вважається Чимабуе (власне Ченні ді Пепо, бл. 1240 - бл. 1302). Чимабуе був знаменитий у Флоренції як майстер урочистої вівтарної картини та ікони. Його образам властиві абстрактність і статичність. І хоча Чимабуе у своїй творчості дотримувався візантійських традицій, у своїх роботах він намагався висловити земні почуття, пом'якшити жорсткість візантійського канону.
П'єро Кавалліні (між 1240 і 1250 - близько 1330) жив і працював у Римі. Він є автором мозаїк церкви Санта-Марія ін Трастевере (1291), а також фресок церкви Санта-Чечілія ін Трастевере (близько 1293). У своїх творах Кавалліні надавав формам об'ємність та відчутність.
Досягнення Кавалліні перейняв і продовжив Джотто ді Бондоне(1266 або 1267 – 1337), найбільший художник Проторенесансу. З ім'ям Джотто пов'язаний поворот у розвитку італійського живопису, її розрив із середньовічними художніми канонами та традиціями італо-візантійського мистецтва XIII ст. Найбільш відомі твори Джотто - розписи капели дель Арена у Падуї (1304-06). Фрески відрізняються наочністю, нехитрою оповідальністю, наявністю побутових деталей, що надають життєвість і природність сценам, що зображуються. Відкинувши церковний канон, що панував у мистецтві того часу, Джотто зображує своїх персонажів схожими на реальних людей: з пропорційними, присадкуватими тілами, круглими (а не подовженими) особами, правильним розрізом очей і т.п. Його святі не ширяють над землею, а міцно стоять на ній обома ногами. Вони думають швидше про земне, ніж про небесне, переживаючи цілком людські почуття та емоції. Вперше в історії італійського живопису душевний стан героїв мальовничого твору передається мімікою обличчя, жестами, позою. Замість традиційного золотистого фону на фресках Джотто зображено краєвид, інтер'єр чи скульптурні групи на фасадах базилік.
У другій половині XIV ст. на перше місце виходить мальовнича школа Сієни. Найбільшим і найвишуканішим майстром сієнського живопису XIV в. був Сімоне Мартіні (бл. 1284-1344). Пензлі Сімоне Мартіні належить перше в історії мистецтва зображення конкретної історичної події з портретом сучасника. Це зображення « Кондотьєра Гвідориччо та Фольяно» у залі Маппамондо (Карти Світу) у палаццо Публіко (Сієна), що стало прототипом для численних майбутніх кінних портретів. Заслуженою популярністю користується вівтарний образ «Благовіщення» пензля Сімоне Мартіні, який нині зберігається в галереї Уффіці у Флоренції.

Особливості доби Відродження. Проторенесанс

Особливості епохи Відродження

Раннє Відродження

У XV ст. мистецтво Італії зайняло панівне становище у художньому житті Європи. Основи гуманістичної світської (тобто не церковної) культури були закладені у Флоренції, що відтіснила на другий план Сієну та Пізу. Політична влада належала тут купцям і ремісникам, сильне впливом геть міські справи надавали кілька багатих сімейств, які постійно змагалися друг з одним. Ця боротьба закінчилася наприкінці XIV ст. перемогою банкірського будинку Медічі Його голова, Козімо Медічі, став негласним правителем Флоренції. До двору Козімо Медічі стікалися письменники, поети, науковці, архітектори, художники. Свого розквіту ренесансна культура Флоренції досягла за Лоренцо Медічі, прозваного Чудовим. Лоренцо був великим покровителем мистецтв і наук, творцем Платонівської Академії, де збиралися видатні уми Італії, поети та філософи, де велися витончені диспути, що піднімають дух і розум.

Архітектура

При Козімо та Лоренцо Медічі в архітектурі Флоренції стався справжній переворот: тут розгорнулося широке будівництво, що значно змінило вигляд міста. Родоначальником ренесансної архітектури Італії став Філіппо Брунеллескі(1377-1446) - архітектор, скульптор та вчений, один із творців наукової теорії перспективи. Найбільшим інженерним досягненням Брунеллески стало зведення купола собору Санта-Марія дель Фьореу Флоренції. Завдяки своєму математичному та технічному генію Брунеллески вдалося вирішити найскладніше для свого часу завдання. Головна труднощі, яка постала перед майстром, була викликана гігантським розміром прольоту середовища (42 м), що потребувало спеціальних зусиль для полегшення розпору. Брунеллески вирішив проблему шляхом застосування дотепної конструкції: легкий пустотілий купол, що складається з двох оболонок, каркасна система з восьми несучих ребер, пов'язаних кільцями, що оперізують їх, світловий ліхтар, що замикає і навантажує склепіння. Купол собору Санта-Марія дель Фіоре став попередником численних купольних храмів в Італії та інших країнах Європи.

Брунеллески одним із перших у архітектурі Італії творчо осмислив і оригінально витлумачив античну ордерну систему ( Спедале дельї Інноченті (притулок для підкидьків), 1421-44), започаткував створення купольних храмів на основі античного ордера ( Церква Сан-Лоренцо ). Справжньою перлиною Раннього Відродження стала створена Брунеллески на замовлення багатої флорентійської родини капела Пацці(почата у 1429). Гуманізм і поетичність творчості Брунеллескі, гармонійна пропорційність, легкість і витонченість його будівель, що зберігають зв'язок із традиціями готики, творча свобода та наукова обґрунтованість його задумів визначили великий вплив Брунеллескі на подальший розвиток архітектури Відродження.

Одним із головних досягнень італійської архітектури XV ст. стало створення нового типу міських палаців-палаццо, який послужив зразком для громадських будівель пізнішого часу. Особливостями палаццо XV ст. є чіткий поділ замкнутого об'єму будівлі на три поверхи, відкритий внутрішній двір з літніми поверховими аркадами, застосування русту (кам'яна з грубо облитою або опуклою лицьовою поверхнею) для облицювання фасаду, а також сильно винесений декоративний карниз. Яскравим зразком цього стилю є капітальна споруда учня Брунеллескі Мікелоццо ді Бартоломмео (1396-1472), придворного архітектора родини Медічі. палаццо Медічі - Рікарді (1444-60), що послужило зразком для будівництва багатьох флорентійських палаців. Творі Мікелоццо близький палаццо Строцці(закладений на 1481), який пов'язують з ім'ям архітектора і скульптора Бенедетто і Майано (1442-97).

Особливе місце в історії італійської архітектури займає Леон Баттіста Альберті(1404-72). Всебічно обдарована і широко освічена людина, він був одним із найблискучіших гуманістів свого часу. Коло його інтересів було надзвичайно різноманітним. Він охоплював мораль право, математику, механіку, економіку, філософію, поезію, музику, живопис, скульптуру, архітектуру. Блискучий стиліст, Альберті залишив численні праці латинською та італійською мовами. В Італії та за її межами Альберті здобув собі славу видатного теоретика мистецтва. Його перу належать знамениті трактати "Десять книг про архітектуру" (1449-52), "Про живопис", "Про статую" (1435-36). Але головним покликанням Альберті була архітектура. В архітектурній творчості Альберті тяжів до сміливих, експериментаторських рішень, новаторськи використовуючи античну художню спадщину. Альберті створив новий тип міського палацу палаццо Ручеллаї ). У культовому зодчестві, прагнучи величі і простоті, Альберті використовував у оформленні фасадів мотиви римських тріумфальних арок і аркад ( церква Сант-Андреау Мантуї, 1472-94). Ім'я Альберті по праву вважається одним із перших серед великих творців культури італійського Відродження.

Скульптура

У XV ст. італійська скульптура, що набула самостійного, незалежного від архітектури значення, переживає розквіт. У практику художнього життя починають входити замовлення на окрасу громадських будівель; проводяться мистецькі конкурси. Один із таких конкурсів – на виготовлення з бронзи других північних дверей флорентійського баптистерію (1401) – вважається знаменною подією, що відкрила нову сторінку в історії італійської ренесансної скульптури. Перемогу здобув Лоренцо Гіберті (1381–1455).

Один із найосвіченіших людей свого часу, перший історик італійського мистецтва, блискучий малювальник, Гіберті присвятив своє життя одному виду скульптури – рельєфу. Головним принципом свого мистецтва Гіберті вважав рівновагу та гармонію всіх елементів зображення. Вершиною творчості Гіберті з'явилися східні двері флорентійського баптистерію (1425-52), які обезсмертили ім'я майстра. Декорація дверей включає десять квадратних композицій із позолоченої бронзи (« Створення Адама та Єви»), своєю незвичайною виразністю нагадують мальовничі картини. Художнику вдалося передати глибину простору, насиченого картинами природи, фігурками людей, архітектурними спорудами. З легкої руки Мікеланджело східні двері флорентійського баптистерію почали називати. «Брамою раю».

Майстерня Гіберті стала школою для цілого покоління художників, зокрема там працював знаменитий Донателло, великий реформатор італійської скульптури. Творчість Донателло (бл. 1386-1466), що ввібрала демократичні традиції культури Флоренції XIV ст., є однією з вершин розвитку мистецтва Раннього Відродження. У ньому втілилися властиві мистецтву Ренесансу пошуки нових, реалістичних засобів зображення дійсності, пильна увага до людини та її духовного світу. Вплив творчості Донателло в розвитку італійського мистецтва епохи Відродження було величезним.

Друге покоління флорентійських скульпторів тяжіло до ліричнішого, умиротворенішого, світського мистецтва. Провідна роль у ньому належала сімейству скульпторів делла Роббіа. Глава сім'ї, Лукка делла Роббіа (1399/1400 - 1482), прославився застосуванням глазурної техніки у круглій скульптурі та рельєфі. Техніка глазурі (майоліки), відома з давніх-давен народам Передньої Азії, в Середні віки була завезена на Піренейський півострів і острів Майорку (звідки і пішла її назва), а потім широко поширилася в Італії. Лукка делла Роббіа створював медальйони з рельєфами на густо-синьому фоні для будівель та вівтарів, гірлянди з квітів та плодів, майоликові бюсти Мадонни, Христа та святих. Життєрадісне, ошатне, добре мистецтво цього майстра отримало заслужене визнання сучасників. Великої досконалості в техніці майоліки досяг також його племінник Андреа делла Роббіа (1435-1525) ( рельєфи на фасаді Оспедалі дельї Інноченті).

Живопис

Величезна роль, яку в архітектурі Раннього Відродження зіграв Брунеллескі, а в скульптурі - Донателло, в живописі належала Мазаччо (1401-1428). Мазаччо помер молодим, не доживши до 27 років, проте встиг у живопису зробити дуже багато. Відомий історик мистецтва Віппер сказав: «Мазаччо – один із найнезалежніших і послідовних геніїв в історії європейського живопису, засновник нового реалізму…» Продовжуючи шукання Джотто, Мазаччо сміливо пориває із середньовічними мистецькими традиціями. У фресці «Трійця»(1426-27), створеної для церкви Санта-Марія Новела у Флоренції, вперше у настінному живописі Мазаччо застосовує повну перспективу. У розписах капели Бранкаччі церкви Санта-Марія дель Карміне у Флоренції (1425-28) - головному творі свого недовгого життя - Мазаччо надає зображенням небаченої раніше життєвої переконливості, підкреслює тілесність та монументальність своїх персонажів, майстерно передає емоційний стан. У фресці «Вигнання з раю»художник вирішує найскладніше для свого часу завдання зображення оголеної людської фігури. Суворе та мужнє мистецтво Мазаччо справило величезний вплив на художню культуру Відродження.

Розвиток живопису Раннього Відродження відбувався неоднозначно: художники йшли власними, часом різними шляхами. Світське початок, прагнення захоплюючому розповіді, ліричне земне почуття знайшли яскраве вираження у творах Фра Філіппо Ліппі (1406-69), ченця ордену кармелітів. Чарівний майстер, автор багатьох вівтарних композицій, серед яких найкращою вважається картина « Поклоніння Немовляті » , створена для капели в палаццо Медічі - РікардіФіліппо Ліппі зумів передати в них людську теплоту і поетичну любов до природи.

У XV в. живопис Центральної Італії пережив бурхливий розквіт, яскравим прикладом якого може бути творчість П'єро делла Франческа(1420-92), найбільшого художника та теоретика мистецтва епохи Відродження. Самий чудовий витвір П'єро делла Франческа - цикл фресок у церкві Сан-Франческо в Ареццо,в основу яких покладено легенду про Животворяще дерево хреста. Розташовані в три яруси фрески простежують історію хреста життєдайного від самого початку, коли з насіння райського дерева пізнання добра і зла на могилі Адама виростає священне дерево («Смерть Адама»)) і до кінця, коли візантійський імператор Іраклій урочисто повертає християнську реліквію до Єрусалиму. (« Битва між Іраклієм та Хосроєм » ). Творчість П'єро делла Франческа вийшла межі місцевих мальовничих шкіл і визначило розвиток італійського мистецтва загалом.

У другій половині XV століття у Північній Італії у містах Вероні, Феррарі, Венеції працювало багато талановитих майстрів. Серед живописців цього часу найбільш відомий Андреа Мантенья (1431-1506) - майстер станкового та монументального живопису, рисувальник та гравер, скульптор та архітектор. Мальовнича манера художника відрізняється карбуванням форм і малюнка, строгістю та правдивістю узагальнених образів. Завдяки просторовій глибині та скульптурності фігур Мантенья досягає враження застиглої на мить реальної сцени – настільки об'ємно та природно виглядають його персонажі. Більшу частину життя Мантенья прожив у Мантуї, де створив найвідоміший свій твір. розпис «Камери дельї Спозі»у заміському замку маркіза Л. Гонзага. Одними лише засобами живопису він створив тут розкішний ренесансний інтер'єр, місце для урочистих прийомів та свят. Мистецтво Мантеньї, що користувалося величезною популярністю, вплинуло на весь північно-італійський живопис.

Особливе місце у живопису Раннього Відродження належить Сандро Боттічеллі(власне Алессандро ді Маріано Філіпепі), який народився 1445 р. у Флоренції в сім'ї заможного дубильника шкір. У 1459-64 р.р. юнак навчається живопису у відомого флорентійського майстра Філіппо Ліппі. У 1470 р. він відкрив свою власну майстерню у Флоренції, а 1472 р. став членом гільдії Св. Луки.

Першим творінням Боттічеллі була композиція «Сила», яку він виконав для торгового суду Флоренції. Молодий художник швидко завоював довіру замовників і отримав популярність, чим привернув увагу Лоренцо Чудового, нового правителя Флоренції, став його придворним майстром та фаворитом. Більшість своїх картин Боттічеллі виконав для будинків герцога та інших знатних флорентійських сімейств, а також для церков, монастирів та громадських будівель Флоренції.

Друга половина 1470-х та 1480-і рр. ХХ ст. стали для Боттічеллі періодом творчого розквіту. Для головного фасаду церкви Санта-Марія Новела він пише композицію « Поклоніння волхвів- своєрідний міфологізований груповий портрет сімейства Медічі. Декількома роками пізніше художник створює свою знамениту міфологічну алегорію «Весна».

У 1481 р. Папа Сікст IV замовив групі живописців, серед яких був Боттічеллі, прикрасити фресками свою капелу, яка згодом отримала назву «Сікстинська». У Сікстинській капелі Боттічеллі виконані фрески Спокуса Христа », « Сцени з життя Мойсея », « Покарання Корея, Дафана та Авірона». У наступні кілька років Боттічеллі виконав серію з 4 фресок за мотивами новел з «Декамерону» Боккаччо, створив свої найвідоміші міфологічні роботи («Народження Венери», « Паллада та Кентавр»), а також кілька вівтарних композицій для флорентійських церков (« Коронація Діви Марії », « Вівтар Сан-Барнаба»). Багато разів він звертався до образу мадонни. Мадонна дель Маніфікат », « Мадонна з гранатом », « Мадонна з книгою»), працював також у жанрі портрета (« Портрет Джуліано Медічі», «Портрет молодої жінки», «Портрет юнака»).

У 1490-ті рр.., У період потрясших Флоренцію соціальних рухів і містичних проповідей монаха Савонароли, у мистецтві Боттічеллі з'являються моралізаторські нотки і драматизм («Клевета», « Оплакування Христа », « Містичне різдво»). Під впливом Савонароли у пориві релігійної екзальтації митець навіть знищив деякі свої роботи. У середині 1490-х рр., зі смертю Лоренцо Чудового та вигнанням із Флоренції його сина П'єтро, Боттічеллі втрачає славу великого художника. Забутий він тихо доживає свій вік у домі брата Симона. У 1510 художник помер.

Вишукане мистецтво Боттічеллі з елементами стилізації (тобто узагальнення зображень за допомогою умовних прийомів - спрощення кольору, форми та обсягу) вважається однією з вершин розвитку живопису. У основі мистецтва Боттічеллі на відміну більшості майстрів Раннього Відродження лежало особисте переживання. Винятково чуйний і щирий, Боттічеллі пройшов складний і трагічний шлях творчих пошуків - від поетичного сприйняття світу в юності до містицизму та релігійної екзальтації у зрілому віці.

РАННЯ ВІДРОДЖЕННЯ

РАННЯ ВІДРОДЖЕННЯ

Високе Відродження

Високе Відродження, яке дало людству таких великих майстрів, як Леонардо Да Вінчі, Рафаель , Мікеланджело , Джорджоне , Тіціан , Браманте охоплює порівняно короткий період часу - кінець XV і першу третину XVI ст. Лише у Венеції розквіт мистецтва продовжувався до середини століття.

Корінні зрушення, пов'язані з вирішальними подіями світової історії, успіхами передової наукової думки, нескінченно розширили уявлення людей про світ - не лише про землю, а й про космос. Сприйняття світу та людської особистості начебто укрупнилося; у художній творчості це позначилося у величних масштабах архітектурних споруд, монументів, урочистих фрескових циклів і картин, а й у змісті, виразності образів. Мистецтво Високого Відродження є живим і складним художнім процесом із сліпуче яскравими злетами і подальшою кризою.

Донато Браманте.

Центром архітектури Високого Відродження став Рим, де з урахуванням попередніх відкриттів та успіхів склався єдиний класичний стиль. Майстри творчо використовували античну ордерну систему, створюючи споруди, велична монументальність яких була співзвучна епосі. Найбільшим представником архітектури Високого Відродження став Донато Браманте (1444–1514). Будівлі Браманте відрізняються монументальністю та величчю, гармонійною досконалістю пропорцій, цілісністю та ясністю композиційних та просторових рішень, вільним, творчим використанням класичних форм. Найвищим творчим досягненням Браманте є реконструкція Ватикану (зодчий фактично створив нову споруду, органічно включивши до неї розрізнені старі будівлі). Браманте належить також авторство проекту собору Св. Петра у Римі. Своєю творчістю Браманте визначив шляхи розвитку архітектури XVI ст.

Леонардо Да Вінчі.

В історії людства нелегко знайти іншу таку ж геніальну особистість, як засновник мистецтва Високого Відродження Леонардо Да Вінчі(1452-1519). Всеосяжний характер діяльності цього великого художника, скульптора, архітектора, вченого та інженера став зрозумілим лише тоді, коли було досліджено розрізнені рукописи з його спадщини, що налічують понад сім тисяч аркушів, що містять наукові та архітектурні проекти, винаходи та замальовки. Важко назвати ту область знань, якою б не торкнувся його геній. Універсалізм Леонардо настільки незбагненний, що знаменитий біограф діячів Відродження Джорджо Вазарі не зміг пояснити цей феномен інакше, як втручанням небес: «До чого б не звернулася ця людина, кожна її дія носить печатку божественності».

У своєму знаменитому «Трактаті про живопис» (1498) та інших записах Леонардо приділив велику увагу вивченню людського тіла, відомостям з анатомії, пропорціям, залежності між рухами, мімікою та емоційним станом людини. Леонардо займали також проблеми світлотіні, об'ємного моделювання, лінійної та повітряної перспективи. Леонардо віддав данину як теорії мистецтва. Він створив цілий ряд чудових вівтарних образів та портретів. Пензлі Леонардо належить один із найславетніших творів світового живопису – «Мона Ліза» («Джоконда»). Леонардо створював монументальні скульптурні образи, проектував та будував архітектурні споруди. Леонардо досі залишається однією з найхаризматичніших особистостей епохи Відродження. Йому присвячено безліч книг, докладним чином вивчене його життя. І, тим не менш, багато в його творчості залишається загадкою і продовжує хвилювати людей.

Рафаель Санті.

Мистецтво Рафаеля Санті (1483–1520) також належить до вершин італійського Відродження. З творчістю Рафаеля в історії світового мистецтва пов'язується уявлення про піднесену красу та гармонію. Прийнято вважати, що у сузір'ї геніальних майстрів Високого Відродження саме Рафаель був головним носієм гармонії. Невтомне прагнення світлому досконалому початку пронизує всю творчість Рафаеля, становить його внутрішній сенс. Його роботи надзвичайно привабливі у своїй природній витонченості (« Сикстинська мадонна»). Можливо, тому майстер набув такої надзвичайної популярності у публіки і мав безліч послідовників серед художників у всі часи. Рафаель був як дивовижним живописцем, портретистом, а й монументалістом, працював у техніці фрески, архітектором, майстром декору. Всі ці обдарування з особливою силою виявилися в його розписах апартаментів папи Юлія II у Ватикані («Афінська школа»). У мистецтві геніального художника народився новий образ людини епохи Відродження – прекрасного, гармонійного, досконалого фізично та духовно.

Мікеланджело Буонаротті.

Сучасником Леонардо Да Вінчіі Рафаеля був їх вічний суперник - Мікеланджело Буонарроті, найбільший майстер Високого Відродження - скульптор, живописець, архітектор та поет. Свій творчий шлях цей титан Відродження розпочав із скульптури. Його колосальні статуї стали символом нової людини – героя та борця («Давид»). Майстер збудував чимало архітектурно-скульптурних споруд, найзнаменитіша з яких – капела Медічі у Флоренції. Пишність цих творів будується на колосальній напрузі почуттів персонажів ( Саркофаг Джуліано Медічі). Але особливо відомі розписи Мікеланджело у Ватикані, в Сикстинській капелі, в яких він виявив себе як геніальний живописець. Мабуть, ніхто у світовому мистецтві, ні до ні після Мікеланджело, не створював таких сильних тілом та духом персонажів (« Створення Адама»). Величезна, неймовірно складна виконання фреска на стелі була виконана художником поодинці, без помічників; вона й досі залишається неперевершеним монументальним твором італійського живопису. Але окрім розписів плафону Сикстинської капели, майстер, уже на старості, створив люто-натхненний «Страшний суд» - символ краху ідеалів своєї великої епохи.

Мікеланджело багато і плідно працював в архітектурі, зокрема, керував будівництвом собору Св. Петра та ансамблю площі Капітоліюв Римі. Творчість великого Мікеланджело склало цілу епоху і далеко випередило свій час, воно відіграло колосальну роль у світовому мистецтві, зокрема, вплинуло на формування принципів бароко.

Джорджоне та Тіціан.

В історію мистецтва Високого Відродження яскраву сторінку вписала Венеція, де є найвищий розквіт живопису. Джорджоне вважається першим майстром Високого Відродження у Венеції. Його мистецтво зовсім особливе. У ньому панує дух ясної гармонії та якоїсь особливої ​​інтимної споглядальності та мрійливості. Він часто писав чудових красунь, справжніх богинь. Зазвичай це поетичний вигадка - втілення нездійсненної мрії, схиляння перед романтичним почуттям та прекрасною жінкою. У його картинах таїться натяк на чуттєву пристрасть, на насолоду, на неземне щастя. З мистецтвом Джорджоне венеціанський живопис набув загальноіталійського значення, утвердивши свої художні особливості.

Тиціан ввийшли в історію італійського мистецтва як титан і голова венеціанської школи, як символ її розквіту. У творчості цього художника з особливою силою виявилося подих нової доби - бурхливої, трагічної, чуттєвої. Творчість Тіціана відрізняється виключно широким та різнобічним охопленням типів та жанрів живопису. Тіціан став одним із основоположників монументальної вівтарної картини, пейзажу як самостійного жанру, різних типів портрета, у тому числі й урочисто-парадного. У його творчості ідеальні образи є сусідами з яскравими характерами, трагічні конфлікти - зі сценами радісної радості, релігійні композиції - з міфологічними та історичними картинами.

Тіціан виробив нову мальовничу техніку, яка зробила винятковий вплив на подальше, аж до XX ст. розвиток світового образотворчого мистецтва. Тиціан належить до найбільших колористів світового живопису. Його картини сяють золотом та складною гамою вібруючих світлоносних напівтонів кольору. Тіціан, що прожив майже століття, пережив крах ренесансних ідеалів, творчість майстра наполовину належить епосі Пізнього Відродження. Його герой, який вступає у боротьбу з ворожими силами, гине, але зберігає свою велич. Вплив великої майстерні Тіціана позначився по всьому венеціанському мистецтві.

ВИСОКЕ ВІДРОДЖЕННЯ

ВИСОКЕ ВІДРОДЖЕННЯ

Пізніше Відродження

У другій половині XVI ст. в Італії наростав занепад економіки та торгівлі, католицизм вступив у боротьбу з гуманістичною культурою, мистецтво переживало глибоку кризу. У ньому зміцнювалися антиренесансні тенденції, що втілилися в маньєризмі. Однак маньєризм майже не торкнувся Венеції, яка у другій половині XVI століття стала головним осередком мистецтва Пізнього Відродження. У руслі високої гуманістичної ренесансної традиції у нових історичних умовах у Венеції розвивалася збагачена новими формами творчість великих майстрів Пізнього Відродження - Палладіо, Веронезе, Тінторетто.

Андреа Палладіо

Творчість північно-італійського архітектора Андреа Палладіо (1508-80), засноване на глибокому вивченні античної та ренесансної архітектури, є однією з вершин у мистецтві Пізнього Відродження. Палладіо виробив принципи архітектури, які були розвинені в архітектурі європейського класицизму XVII-XVIII ст. і отримали назву паладіанства. Свої ідеї зодчий виклав у теоретичній праці «Чотири книги про архітектуру» (1570). Побудови Палладіо (переважно міські палаци та вілли) виконані витонченої краси та природності, гармонійної завершеності та суворої впорядкованості, відрізняються ясністю та доцільністю планування та органічним зв'язком з навколишнім середовищем ( палаццо К'єрікаті). Вміння гармонійно пов'язати архітектуру з навколишнім ландшафтом з особливою силою виявилося у віллах Палладіо, пройнятих елегічно-просвітленим почуттям природи та відзначених класичною ясністю та простотою форм та композиції ( вілла Капра (Ротонда)). Палладіо створив першу монументальну театральну будівлю в Італії - театр Олімпіко. Вплив Палладіо в розвитку архітектури наступних століть було великим.

Веронезе і Тінторетто.

Святковий, життєстверджуючий характер венеціанського Відродження найяскравіше виявився у творчості Паоло Веронезе. Художник-монументаліст, він створив чудові декоративні ансамблі стінних та плафонних розписів з безліччю персонажів та цікавих деталей. Веронезе створив власний стиль: його видовищні, ефектні картини сповнені емоцій, пристрасті та життя, а герої, венеціанська знать, розташовуються зазвичай у патриціанських палацах чи тлі розкішної природи. Вони захоплені грандіозними бенкетами чи феєричними святами («Шлюб у Кані»). Веронезе був майстром веселої Венеції, її тріумфів, поетом її золотого блиску. Веронезе мав винятковий дар колориста. Його фарби пронизані світлом, інтенсивні і не просто наділяють предмети кольором, а самі втілюються в предмет, перетворюючись на хмари, тканину, тіло людини. Внаслідок цього реальна краса фігур та предметів множиться на красу кольору та фактури, що справляє на глядача найсильніший емоційний вплив.

Повною протилежністю Веронезе був його сучасник Тінторетто (1518-94) – останній великий майстер італійського Відродження. Різноманітність зовнішніх художніх впливів розчинилося у унікальній творчої особливості Тинторетто. У своїй творчості він був гігантською фігурою, творцем вулканічного темпераменту, бурхливих пристрастей та героїчного напруження. Його творчість мала грандіозний успіх і у сучасників, і наступних поколінь. Тінторетто вирізнявся воістину нелюдською працездатністю, невтомністю шукань. Він гостріший і глибший, ніж більшість його сучасників, відчував трагізм свого часу. Майстер повстав проти сформованих традицій у образотворчому мистецтві - дотримання симетрії, суворої рівноваги, статичності; розширив межі простору, наситив його динамікою, драматичною дією, став яскравіше висловлювати людські почуття. 1590 г . Мистецтво маньєризму відходить від ренесансних ідеалів гармонійного сприйняття світу. Людина опиняється у владі надприродних сил. Світ постає нестійким, хитким, які перебувають у стані розпаду. Образи маньєризму сповнені тривоги, занепокоєння, напруженості. Художник віддаляється від натури, прагне її перевершити, слідуючи у своїй творчості суб'єктивної «внутрішньої ідеї», основою якої не реальний світ, а творче уяву; засобом виконання служить «прекрасна манера» як сума певних прийомів. Серед них – довільна витягнутість фігур, складний змієподібний ритм, нереальність фантастичного простору та світла, часом холодні пронизливі фарби.

Найбільшим та обдарованим майстром маньєризму, живописцем складної творчої долі був Якопо Понтормо (1494-1556). У його відомій картині « Зняття з хрестакомпозиція нестійка, фігури химерно зламані, світлі фарби різання. Франческо Маццола, прозваний Парміджаніно (1503-40) любив вразити глядача: наприклад, написав свій Автопортрет у випуклій дзеркалі». Намірна навмисність відрізняє його знамениту картину. Мадонна з довгою шиєю ».

Придворний художник Медічі Аньоло Бронзіно (1503–72) відомий своїми парадними портретами. Вони відгукнулася епоха кривавих злочинів і морального падіння, що охопило вищі кола італійського суспільства. Почесні замовники Бронзіно ніби відокремлені від глядача невидимою відстанню; застиглість їхніх поз, безпристрасність облич, багатство одягу, жести прекрасних парадних рук - усе це немов зовнішня оболонка, що приховує внутрішнє ущербне життя. У портреті Елеонори Толедської із сином (бл. 1545) недоступність холодного, відчуженого образу посилена тим, що увага глядача повністю поглинута плоским великим візерунком чудового парчового одягу герцогині. Створений маньєристами тип придворного портрета вплинув на портретне мистецтво XVI-XVII ст. у багатьох інших країнах Європи.

Мистецтво маньєризму було перехідним: йшла у минуле епоха Відродження, настав час нового всеєвропейського художнього стилю - бароко.

Мистецтво Північного Відродження.

Країни Північної Європи не мали свого античного минулого, але в їхній історії виділяється період Ренесансу: з кордонуXV – XVIпо другу половинуXVIIстоліття. Цей час виділяється проникненням ренесансних ідеалів у різні сфери культури та поступовою зміною її стилю. Як і на батьківщині Ренесансу, у мистецтві Північного Відродження інтерес до реального світу змінив форми художньої творчості. Проте мистецтву північних країн не властивий пафос італійського живопису, що прославляє могутність людини-титану. Бюргери (так називали заможних городян) більш цінували доброчесність, вірність обов'язку та слову, святість подружнього обітниці та домашнього вогнища. У бюргерських колах складався свій ідеал людини – ясної, тверезої, благочестивої та ділової. Мистецтво бюргерів поетизує звичайну середню людину та її світ – світ буденного життя та простих речей.

Майстри Відродження у Нідерландах.

Нові риси ренесансного мистецтва виявилися насамперед у Нідерландах, які були однією з найбагатших та промислово розвинених країн Європи. Через свої великі міжнародні зв'язки Нідерланди сприймали нові відкриття набагато швидше, ніж інші країни Північної Європи.

Стиль Відродження у Нідерландах відкрив Ян Ван Ейк(1390-1441). Найзнаменитіший його твір – Гентський вівтар, над яким художник почав працювати разом із братом, а продовжував працювати після його смерті самостійно ще 6 років. Гентський вівтар, створений для міського собору, являє собою двоярусний складень, на 12 дошках якого – картини повсякденного, буденного життя (на зовнішніх дошках, які були видно, коли складень закритий) та життя святкового, тріумфального, перетвореного (на внутрішніх стулках, які представали у відкритому вигляді під час церковних свят). Це пам'ятка мистецтва, що прославляє красу земного життя. Емоційне відчуття Ван Ейка ​​– «світ як рай», кожна частка якого прекрасна, – виражено чітко та ясно. Художник спирався на безліч спостережень із натури. Всі фігури і предмети мають тривимірну об'ємність і вагомість. Брати Ван Ейкі одними з перших розкрили можливості олійного живопису; з цього часу починається поступове витіснення нею темпери.

У другій половині ХVв., повного політичних та релігійних розбратів, у мистецтві Нідерландів виділяється складне, своєрідне мистецтво Ієроніма Босха(1450-1516). Це дуже цікавий художник із незвичайною фантазією. Він жив у власному та страшному світі. На картинах Босха – згущення середньовічних фольклорних уявлень, гротескні монтажі живого та механічного, жахливого та комічного. У його композиціях, які не мали центру, немає головної дійової особи. Простір у кілька шарів заповнюється численними групами фігур та предметів: жахливо перебільшені плазуни, жаби, павуки, страшні тварюки, у яких поєднані частини різних істот та предметів. Мета композицій Босха – моральна наука. Босх не знаходить у природі гармонії та досконалості, його демонічні образи нагадують про живучість і всюдисущість світового зла, про кругообіг життя та смерті.

Людина в картинах Босха жалюгідна і слабка. Так, у триптиху « Віз сінахудожник розкриває історію людства. На лівій стулці розповідається історія гріхопадіння Адама та Єви, на правій зображено Пекло та всі жахи, які чекають тут грішників. Центральна частина картини ілюструє народне прислів'я «Світ – це стог сіна, кожен бере з нього те, що вдається схопити». Босх показує, як люди б'ються за шматок сіна, гинуть під колесами воза, намагаються влізти на нього. На вершині воза, відмовившись від світу, співають і цілуються закохані. З одного боку від них ангел, а з іншого диявол: хто перетягне? Жахливі створіння тягнуть віз до пекла. За всіма діями людей дивно дивиться Бог. Ще більш похмурим настроєм перейнята картина. Несіння хреста»: Христос несе свій тяжкий хрест в оточенні огидних людей з витріщеними очима і роззявленими ротами. Заради них Господь жертвує собою, але загибель його на хресті залишить їх байдужими.

Босх вже помер, коли народився ще один славетний нідерландський художник – Пітер Брейгель Старший(1525-1569), прозваний Мужицьким за безліч картин, що зображували життя селян. За основу багатьох сюжетів Брейгель брав народні прислів'я, повсякденні турботи простого люду. Повнота образів картин « Селянське весілля» та « Селянський танецьнесе в собі міць народної стихії. Навіть картини на біблійні сюжети у Брейгеля населені нідерландцями, і події далекої Юдеї відбуваються на тлі засніжених вулиць під неясним небом його рідної країни (« Проповідь Іоанна Хрестителя»). Показуючи, здавалося б, неважливе, другорядне, художник говорить про головне в житті людей, відтворює дух свого часу.

Невелике полотно « Мисливці на снігу»(січень) із серії «Пори року» вважається одним із неперевершених шедеврів світового живопису. Втомлені мисливці із собаками повертаються додому. Разом із ними глядач входить на пагорб, з якого відкривається панорама невеликого містечка. Засніжені береги річки, в морозному повітрі застигли колючі дерева, птахи літають, сидять на гілках дерев і дахах будинків, люди зайняті своїми повсякденними справами. Всі ці, здавалося б, дрібниці разом із синьовим небом, чорними деревами, білим снігом створюють у картині панораму світу, який художник пристрасно любить.

Найтрагічніша картина Брейгеля « Притча про сліпихнаписана художником незадовго до смерті. Вона ілюструє євангельський сюжет «якщо сліпий веде сліпого, то обидва вони впадуть у яму». Можливо, це образ людства, засліпленого своїми бажаннями, що рухається назустріч своїй загибелі. Втім, Брейгель не судить, а, осягаючи закони взаємин людей один з одним, із навколишнім середовищем, проникаючи в суть людської природи, відкриває людям самих себе, їхнє місце у світі.

Живопис Німеччини в епоху Відродження.

Риси Відродження мистецтво Німеччини з'являються пізніше, ніж Нідерландах. Розквіт німецького гуманізму, світських наук та культури падає на перші рокиXVIв. Це був короткий період, протягом якого німецька культура дала світові найвищі мистецькі цінності. До них насамперед слід віднести роботи Альбрехта Дюрера(1471-1528) – найбільшого художника Німецького Відродження.

Дюрер - типовий представник епохи Відродження, він був і живописцем, і гравером, і математиком, і інженером, писав трактати з фортифікації та теорії мистецтва. на автопортретахвін постає інтелігентним, благородним, зосередженим, сповненим глибоких філософських роздумів. У картинах Дюрер не задовольняється формальною красою, а прагне дати символічний вираз абстрактних думок.

Особливе місце у творчому доробку Дюрера належить серії «Апокаліпсис», яка включає 15 великих гравюр на дереві. Дюрер ілюструє передбачення з «Об'явлення Іоанна Богослова», наприклад, лист « Чотири вершникисимволізує жахливі лиха – війну, мор, голод, неправедний суд. Передчуття змін, тяжких випробувань і лих, виражене в гравюрах, виявилося пророчим (незабаром почалася Реформація і Селянська і релігійні війни, що послідували за нею).

Іншим чудовим художником того часу був Лукас Кранах Старший(1472-1553). В Ермітажі зберігаються його картини. Мадонна з немовлям під яблунею» та « Жіночий портрет». У них ми бачимо жіноче обличчя, змальоване на багатьох картинах майстра (його навіть називають «кранахівським»): маленьке підборіддя, вузький розріз очей, золотисте волосся. Художник ретельно виписує прикраси та одяг, його картини – свято для очей. Чистота та наївність образів ще раз змушують вдивлятися у ці картини. Кранах був чудовим портретистом, він створив образи багатьох знаменитих сучасників – Мартіна Лютера (який був його другом), герцога Генріха Саксонського та багатьох інших.

Але найзнаменитішим портретистом Північного Відродження без сумнівів можна визнати іншого німецького живописця Ганса Гольбейна Молодшого(1497-1543). Довгий час він був придворним художником англійського короля ГенріхаVIII. У його портреті Гольбейн чудово передає владну натуру короля, якому не знайомі сумніви. Маленькі розумні очі на м'ясистому обличчі видають у ньому тирана. Портрет Генріха VIII був настільки достовірний, що лякав людей, які знали короля. Гольбейн написав портрети багатьох знаменитих людей того часу, зокрема державного діяча та письменника Томаса Мора, філософа Еразма Роттердамського та багатьох інших.

Розвиток культури Ренесансу в Німеччині, Нідерландах, деяких інших країнах Європи було перервано Реформацією і релігійними війнами. Слідом за цим настав час формування нових принципів у мистецтві, яке вступало до наступного етапу свого розвитку.

Створення ідеального міста мучило вчених та архітекторів різних країн та епох, але перші спроби до проектування подібного виникли в епоху Відродження. Хоча й при дворі фараонів і римських імператорів працювали вчені, чиї праці були спрямовані на створення якогось ідеального поселення, в якому не все чітко підкорялося б ієрархії, а й у якому було б комфортно жити як правителю, так і простому реміснику. Згадати хоча б Ахетатон, Мохенджодаро чи фантастичний проект, запропонований Стасикратом Олександру Македонському, яким він пропонував вирізати з гори Афон статую полководця з розташованим на руці містом. Єдина проблема була в тому, що ці поселення або залишалися на папері або були зруйновані. До ідеї проектування ідеального міста приходили не лише архітектори, а й безліч художників. Збереглися згадки про те, що цим займалися і П'єро делла Франческа, і Джорджо Вазарі, і Лучано Лаурана та багато інших.

Своїм сучасникам П'єро делла Франческо був відомий насамперед як автор трактатів, присвячених мистецтву. До нас дійшли лише три з них: «Трактат про абак», «Перспектива в живописі», «П'ять правильних тіл». Саме він першим порушив питання про створення ідеального міста, в якому все буде підпорядковане математичним розрахункам, перспективним побудовам чіткої симетрії. З цієї причини багато вчених приписують П'єро зображення «Вигляд ідеального міста», яке ідеально вписується в принципи Відродження.

Найбільше наблизився до втілення такого масштабного проекту Леон Баттіста Альберті. Правда йому не вдалося втілити свій задум цілком, але він залишив по собі велику кількість креслень і записів, за якими надалі інші художники змогли досягти того, чого не вдалося Леону. Зокрема, виконавцем багатьох його проектів виступав Бернардо Росселіно. Але свої принципи Леон здійснював у письмовому вигляді, а й у прикладі багатьох побудованих ним будинків. В основному, це численні палаццо, спроектовані для знатних прізвищ. Власний приклад ідеального міста архітектор розкриває у своєму трактаті «Про архітектуру». Цю працю вчений писав до кінця свого життя. Він вийшов посмертно і став першою друкованою книгою, яка розкриває проблеми архітектури. За вченням Леона, ідеальне місто мало відображати всі потреби людини, відповідати на всі його гуманістичні запити. І це невипадково, адже провідною філософською думкою в епоху Відродження був антропоцентричний гуманізм. Місто має бути поділено на квартали, які ділилися б за ієрархічним принципом або за видом зайнятості. У центрі, на головній площі, знаходиться будівля, де була б зосереджена міська влада, а також головний собор та будинки знатних прізвищ та керуючих містом. Ближче до околиць розташовувалися будинки торговців і ремісників, але в самому кордоні жили бідняки. Таке розташування будівель, на думку архітектора, стало перешкодою до виникнення різних соціальних заворушень, оскільки будинки багатіїв були відокремлені від житла бідних громадян. Ще одним важливим принципом планування є те, що він мав відповідати запитам будь-якої категорії громадян, щоб і правителю, і священнослужителю було комфортно мешкати у цьому місті. У ньому мало бути всі будівлі, від шкіл і бібліотек до ринків і терм. Також важлива і загальнодоступність таких будівель. Навіть якщо оминати всі етичні та соціальні принципи ідеального міста, то залишаються і зовнішні, художні цінності. Планування мало бути регулярною, через яку місто ділилося на чіткі квартали прямими вулицями. Взагалі всі архітектурні будови повинні бути підпорядковані геометричним формам та прокреслені по лінійці. Площі були або круглими, або прямокутної форми. За цими принципами, старі міста, такі як Рим, Геную, Неаполь, піддавалися частковому знесенню старих середньовічних вулиць і нових просторих кварталів.

У деяких трактатах було знайдено схоже зауваження щодо дозвілля людей. Воно стосувалося переважно хлопчиків. Пропонувалося побудувати в містах майданчики та перехрестя такого типу, що молоді люди, які грають, були б під постійним наглядом дорослих, які могли б за ними безперешкодно спостерігати. Ці запобіжні заходи були спрямовані на виховання розсудливості молодих людей.

Культура Ренесансу багато в чому дала їжу для подальшого роздумів над будовою ідеального міста. Особливо це стосувалося гуманістів. На їхню думку, все має бути створено для людини, для її комфортного існування. Коли всі ці умови будуть здійснені, людина отримає соціальний спокій та душевне щастя. Тому в такому
Суспільство просто апріорі не можуть виникнути війни чи бунти. До такого результату людство йшло своє існування. Згадати хоча б знамениту «Утопію» Томаса Мора чи «1984» Джорджа Орвелла. Твори такого роду торкалися не тільки функціональних особливостей, а й замислювалися і про взаємини, порядок і устрій громади, яка жила в цьому населеному пункті, вже необов'язково місті, може, навіть світі. Але ці основи були закладені ще в XV столітті, тому можна сміливо стверджувати, що вчені Ренесансу були всебічно освіченими людьми свого часу.

В епоху Відродження поступово в середовищі архітекторів формується ставлення до споруди як до частини цілого, яке необхідно вміти пов'язати з навколишнім простором, вміти знайти контрастне взаємовигідне поєднання різнохарактерних споруд. Культура містобудування епохи Відродження складалася поступово й у різних ансамблях – у площі Сан Марко у Венеції, в ансамблі Виховного будинку цеху шовкопрядів арх. Брунеллески та ін. Велике значення відіграло застосування аркад і колонад уздовж вулиць, що надавало міській забудові помітні риси спільності (вулиця Уфіцці у Флоренції арх. Вазарі).

Поступово в розумінні архітекторів визрівало уявлення про місто як про єдине ціле, в якому всі частини взаємопов'язані. Нова вогнепальна зброя зробила беззахисними середньовічні кам'яні укріплення. Це зумовило появу по периметру міст стін із землянимибастіонамита зумовило зірчасту форму лінії міських укріплень. Міста такого типу виникають у 2/3 16 в. Формується відродження уявлення про«ідеальному місті» -місті найбільш зручне для проживання.

В організації міської території архітектори епохи Відродження наслідували три основні принципи:
1. класове розселення (для знатних - центральні та найкращі частини міста);
2. професійно-групове розселення решти населення (ремісники родинних професій - поруч);
3. розподіл території міста на житлові, виробничі, торгові та громадські комплекси.
Планування «ідеальних міст» має бути обов'язково регулярним або радіально-кільцевим, але вибір планування повинен бути обумовлений природними умовами: рельєф, водоймище, річка, вітри і т.д.

Пальма Нуова, 1593 р

Зазвичай у центрі міста розташовувалася головна громадська площа із замком або з ратушею та церквою посередині. Торгові чи культові площі районного значення у радіальних містах розміщувалися на перетині радіальних вулиць з однією з кільцевих магістралей міста.
Ці проекти також передбачали значний благоустрій – озеленення вулиць, створення каналів для стоку дощових вод та каналізації. Будинки повинні були мати певні співвідношення висоти та відстані між ними для найкращої інсоляції та провітрювання.
Незважаючи на свою утопічність, теоретичні розробки «ідеальних міст» епохи Відродження мали певний вплив на практику містобудування, особливо при зведенні невеликих кріпосних споруд у стислі терміни.(М. Валетта, Пальма Нуова, Гранмікеле- К. 16 -17 ст.).

Італійська архітектура епохи Раннього Відродження (Кватроченто) відкрила новий період у розвитку європейської архітектури, відмовившись від домінуючого в Європі готичного мистецтва та затвердивши нові принципи, що були засновані на ордерній системі.

У цей час цілеспрямовано та свідомо вивчалися антична філософія, мистецтво та література. Так, античність нашаровувалась на міцні багатовікові традиції епохи Середньовіччя, особливо на християнське мистецтво, завдяки чому специфічно складний характер культури епохи Відродження ґрунтується на трансформації та переплетенні язичницьких та християнських сюжетів.

Кватроченто – це час експериментальних пошуків, коли першому плані висувалась не інтуїція, як у епоху Проторенесанса, а точні наукові знання. Тепер мистецтво відігравало роль універсального пізнання навколишнього світу, про що було написано безліч наукових трактатів XV ст.

Першим теоретиком архітектури та живопису був Леон Батіста Альберті, який розробив теорію лінійної перспективи, що ґрунтується на правдивому зображенні на картині глибини простору. Ця теорія лягла основою нових принципів архітектури та містобудування, вкладених у створення ідеального міста.

Майстри Відродження почали знову звертатися до мрії Платона про ідеальне місто та ідеальну державу та втілювали ті ідеї, які вже були головними в античній культурі та філософії – ідеї гармонії людини та природи, ідеї гуманізму. Так, новий образ ідеального міста був спочатку якоюсь формулою, задумом, зухвалою заявкою на майбутнє.

Теорія та практика містобудування епохи Відродження розвивалися паралельно один до одного. Перебудовувалися старі будинки, будувалися нові, при цьому одночасно писалися трактати про архітектуру, зміцнення та перепланування міст. Автори трактатів (Альберті та Палладіо) далеко випереджали потреби практичного будівництва, не описуючи готові проекти, а репрезентуючи графічно зображену концепцію, ідею ідеального міста. Також вони наводили міркування про те, як має бути розміщене місто з погляду оборони, економіки, естетики та гігієни.

Альберті фактично був першим, хто проголосив основні принципи ідеального міського ансамблю епохи Відродження, розроблені шляхом синтезу античного почуття міри та раціоналістичного підходу нової ери. Так, естетичними принципами містобудівників Ренесансу були:

• узгодженість архітектурних масштабів головного та другорядних будівель;
• співвідношення висоти забудови та простору, розташованого перед нею (від 1:3 до 1:6);
• відсутність дисонувальних контрастів;
• врівноваженість композиції.

Ідеальне місто дуже хвилювало багатьох великих майстрів доби Відродження. Про нього міркував і Леонардо да Вінчі, ідея якого полягала у створенні дворівневого міста, де нижнім рівнем рухався вантажний транспорт, але в верхньому рівні розташовувалися наземні і пішохідні дороги. Плани да Вінчі також були пов'язані з реконструкцією Флоренції та Мілана, а також з написанням проекту веретеноподібного міста.

До кінця XVI століття багато теоретиків містобудування спантеличилися питанням оборонних споруд і торгових площ. Так, на зміну фортечним вежам та стінам прийшли винесені за міські кордони земляні бастіони, завдяки чому за своїми контурами міста стали нагадувати багатопроменеву зірку.

І хоча жодне ідеальне місто так і не було зведено в камені (не рахуючи невеликі міста-фортеці), багато принципів побудови такого міста втілилися в реальність вже в XVI столітті, коли в Італії та багатьох інших країнах почали прокладатися прямі широкі вулиці, які з'єднували важливих елементів міського ансамблю.