Сучасне японське мистецтво. Японський живопис. Сучасний японський живопис. Гей Аракава: скрізь, ніде

Сьогоднішній світ часто звинувачують у духовній кризі, у руйнуванні зв'язків із традиціями, у глобалізації, що неминуче поглинає національні засади. Все персоніфікується та знеособлюється одночасно. Якщо так зване класичне мистецтво ми могли поділити на національні школи та уявити, що є італійське мистецтво, що є німецьке мистецтво, а що є французьке; то чи можемо ми розділити сучасне мистецтво такі самі “школи”?

У відповіді на поставлене запитання мені хотілося б представити вашій увазі японське сучасне мистецтво. На конференції в Художньому музеї Морі на тему інтернаціоналізму в сучасному мистецтві минулого року професор Токійського університету Мічіо Хаясі припустив, що популярне сприйняття "японськості" на Заході закріпилося в 1980 році триєдністю "кітча", "природності" та "технологічної складності". Сьогодні популярне і особливо комерційно популярне сучасне мистецтво Японії досі може бути поміщене в цей трикутник. Для західного глядача воно залишається загадковим і оригінальним у силу специфічних особливостей, властивих лише мистецтву Японії. У серпні одразу на трьох арт-майданчиках зустрілися Захід і Схід: до 8 серпня проходила виставка "Дуальність існування - Пост - Фукусіма" на Манхеттені (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), експозиція "teamLab: Ультра Суб'є" серпня практично поруч (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); а "Цикл "Архати"" Такасі Муракамі в Палаццо Реалі, в Мілані, досі продовжує підкорювати та дивувати відвідувачів.

Усі представлені твори було створено після 11 березня 2011 року, коли на Японію обрушилося цунамі. Ядерна катастрофа на АЕС Фукусіма згуртувала націю, змусила переглянути пріоритети та цінності, і знову звернутися до давно забутих традицій. Мистецтво не могло залишитися осторонь і представило світові новий тип художника, орієнтованого на потреби сучасного глядача, і в той же час шанує традиції і цінності, що історично склалися.

Такасі Муракамі — комерційно успішний художник, який популяризував техно-кітч і створив нову візуальну мову superflat, що базується на традиціях японського живопису ніхонгу та специфіці аніме та манга. Ідеологія його скульптур, що тиражуються, і епатажних інсталяцій полягала в демонстрації зміни Японії після війни, коли споживання стало превалюючим. Але 11 березня 2011 року розділило життя Японії на “до” та “після”, подібно до двох страшних серпневих днів 1945 року, коли були скинуті ядерні бомби на Хіросіму та Нагасакі. Після того сильного землетрусу, що спричинило жахливі наслідки, Муракамі став на шлях переосмислення буддизму і японської естетики, зробив крок у бік повернення до витоків і духовності. Перша робота, яка започаткувала цикл «Архати», – «500 архатів», показана на персональній виставці Такасі Муракамі в Досі, Катар, в 2012 році. Повернення до буддійської тематики пояснюється автором спробою усвідомлення, що в цьому світі є не тільки ми, що є сили, які від нас незалежні, і що ми повинні вдосконалюватися щоразу, щоб перестати бути залежними від власних бажань та афектів. Щільна стіна архатів, що ніби захищають глядачів від бурхливих стихій протягом усіх 100 метрів полотна, вселяла в душу кожного умиротворення та спокій. Але Муракамі не обмежився лише однією роботою і продовжив цикл картин, доповнивши і розгорнувши розповідь, наче застосовуючи прийом манга і розповідаючи історію візуальному оформленні. Друга частина циклу була представлена ​​у галереї Blum & Poe (Лос-Анджелес) у 2013 році. Сьогодні ж у Мілані архати втретє мандрують світом, поширюючи ідею повернення до духовності та відмови від афектів. Незважаючи на повчальність і глибину сенсу, картини легко сприймаються через сміливе та яскраве колористичне рішення, найхудожнішу мову. Елементи манга привнесли до них необхідну частку популяризації, щоб трансльовані ідеї буддизму були легко прочитані і сприйняті навіть непосвяченою публікою.

Наступним представником сучасного японського живопису можна назвати Казукі Умезава, учня Муракамі, що повертає нас до питання школи і наступності. Він створює цифрову візуалізацію аніме персонажів, малюючи їх поверх наклейок, щоб створити додаткову глибину та зоровий хаос. З випадкових і розкиданих по всьому Інтернету зображень він конструює колажі, ламає фони, створюючи мандали, що відображають структуру та уяву отаку (фанати аніме та манга). Звернення до буддійського символу посилює семантичну цінність робіт молодого художника, поєднуючи, з одного боку, сакральне і усталене в культурі, з іншого боку, сучасну проблематику, але з включенням специфічно-японського феномена – аніме.

Такасі Муракамі та Казукі Умезава вміло балансують між актуальністю та традиційністю, кітчем та стилем.

Дивно, що після землетрусу 11 березня 2011 року в Японії 16-річний хлопчик, який упродовж дев'яти днів перебував у пастці під уламками свого будинку та був врятований, на запитання журналіста про мрії на майбутнє відповів: “я хочу стати художником”.

Що таке аніме та манга? Найпростіше визначення виглядає так:
Манга – це японські комікси.
Аніме – це японська анімація.

Часто вважають, що терміни "манга" та "аніме" обмежені якимись жанрами (фантастика, фентезі) та графічними стилями (реалістичність, "великі очі"). Це не так. Терміни "манга" та "аніме" визначають лише базову культуру, на основі якої створюються відповідні твори.
Немає жодної країни світу, в якій би така увага приділялася коміксам та анімації. Творці популярних японських коміксів - дуже заможні люди (Такахасі Руміком - одна з найбагатших жінок Японії), найбільш відомі з них - національні знаменитості, манга складає близько чверті всієї друкованої продукції, що випускається в Японії, і читається незалежно від віку і статі. Положення аніме дещо скромніше, але також цілком завидно. Скажімо, немає жодної країни світу, в якій актори, що озвучують анімацію (cейю), користувалися таким визнанням, повагою і любов'ю. Японія - єдина країна у світі, яка висувала на Оскар за "найкращий іноземний фільм" повнометражний мультфільм.

Крім іншого, аніме та манга - чудовий спосіб оцінити не тільки те, як сучасні японці відбивають і переживають свої споконвічні традиції, а й те, як у японських творах відбиваються мотиви та сюжети інших народів. І аж ніяк не факт, що перше завжди цікавіше за друге. Потрібно дуже добре знати японську мову та теорію літератури, щоб по-справжньому зрозуміти, чим японське віршування (і японська ментальність) відрізняється від європейського. А щоб зрозуміти, чим японські ельфійки відрізняються від ельфів Толкієна, достатньо подивитися один-два серіали.
Таким чином, аніме та манга - своєрідний "чорний хід" у світ японської свідомості. І йдучи через цей хід, можна не тільки скоротити шлях, не продираючись через усі паркани та бастіони, споруджені півторатисячолітньою "високою культурою" Японії (мистецтво аніме та манги значно молодше, і в ньому менше традицій), а й отримати чимало задоволення. Поєднання приємного з корисним – що може бути краще?

Тепер кілька конкретних зауважень про мангу та аніму окремо.

Манга

"Історії в картинках" відомі в Японії від початку її культурної історії. Навіть у курганах-кофунах (гробницях древніх правителів) археологи знаходять малюнки, що чимось нагадують за ідеологією та структурою комікси.
Поширенню "історій у картинках" завжди сприяли складність та неоднозначність японської писемності. Навіть зараз японські діти можуть читати "дорослі" книги та газети лише після закінчення початкової школи (у 12 років!). Майже відразу після появи японської прози з'явилися і її ілюстровані перекази, в яких тексту було небагато, а основну роль відігравали ілюстрації.

Першим японським коміксом вважаються "Веселі картинки з життя тварин", створені в XII столітті буддійським священиком і художником Якою (інше ім'я - Тоба, роки життя - 1053-1140). Це чотири паперові сувої, на яких зображено послідовність із чорно-білих, намальованих тушшю картинок з підписами. Картинки розповідали про тварин, що зображають людей, і про буддійських ченців, які порушують статут. Зараз ці сувої вважаються священною реліквією і зберігаються в монастирі, в якому жив подвижник Яку.
За майже тисячу років своєї історії "історії в картинках" по-різному виглядали та називалися. Слово "манга" (буквально - "дивні (або веселі) картинки, гротески") вигадав знаменитий графік Кацусіка Хокусай у 1814 році, і, хоча сам художник використовував його для серії малюнків "із життя", термін закріпився для позначення коміксів.
Величезне впливом геть розвиток манги справила європейська карикатура і американські комікси, які стали відомими у Японії у другій половині ХІХ століття. Перша половина XX століття – час пошуку місця коміксів у системі японської культури нового часу. Велику роль тут відіграв мілітаристський уряд, який використовував масову культуру для на населення. Військові фінансували "правильну" мангу (вона навіть ненадовго почала виходити в кольорі) і забороняли мангу з політичною критикою, змушуючи колишніх карикатуристів освоювати пригодницькі та фантастичні сюжети (так, ідея "гігантського робота" вперше з'явилася в реваншистській манзі 1943 року, в якій такий громив ненависні США). Нарешті, у післявоєнний період великий Тедзука Осаму своїми роботами здійснив справжню революцію у світі манги і, разом із учнями та послідовниками, зробив мангу основним напрямом масової культури.

Манга практично завжди чорно-біла, у кольорі малюються лише обкладинки та окремі ілюстрації. Більшість манги - це серіали "з продовженням", що друкуються в газетах або (частіше) в щотижневих або щомісячних журналах. Звичайний обсяг порції серіалу у щотижневому журналі – 15-20 сторінок. Популярну у читачів мангу перевидають у вигляді окремих томів – танкобонів. Існують, зрозуміло, і короткі манга-оповідання, і манга, одразу видана у вигляді танкобонів.
Журналів, що друкують мангу, у Японії безліч. Кожен із них орієнтований певну аудиторію, скажімо, на молодших підлітків-хлопчиків, цікавляться фантастикою, чи старших підлітків-дівчат, цікавлять балетом. Найбільш сильні відмінності між жіночими та чоловічими журналами. Діапазон аудиторій таких журналів варіюється від малюків (для них друкується манга без підписів) до чоловіків та жінок середнього віку. Вже є експерименти й у галузі манги для людей похилого віку. Звичайно, така різноманітність аудиторій породила безліч стилів і жанрів: від символізму до фотореалізму і від казок до філософських творів та шкільних підручників.

Автор манги називається "мангака". Зазвичай одна людина (часто з помічниками-підмайстрами) і малює комікс, і пише тексти, але зустрічається і групова творчість. Тим не менш, над однією мангою зазвичай більше трьох-чотирьох людей не працює. Художня цілісність від цього підвищується, а особисті доходи – зростають. Крім професійної манги, існує і аматорська – "Додзінсі". Багато мангаків починали як творці додзінсі ("додзинсика"). У великих містах існують спеціальні ринки, на яких додзинсики торгують своєю продукцією та іноді знаходять серйозних видавців для своїх робіт.

Аніме

Термін "аніме" зміцнився тільки в середині 1970-х, раніше зазвичай говорили "манга-ейга" ("кіно-комікси"). Перші експерименти з анімацією японці розпочали у середині 1910-х, а перші аніме з'явилися у 1917 році. Досить довго аніме знаходилося на задвірках кіно, проте й тут сприятливу роль відіграли мілітаристи, які підтримували будь-яке "правильне" мистецтво. Так, два перші великі аніме-фільми вийшли в 1943 і в 1945 роках відповідно і були "ігровою" пропагандою, що прославляла міць японської армії. Як і у випадку з мангою, вирішальну роль в історії аніме зіграв Тедзука Осаму, який запропонував відмовитися від безглуздого змагання з повнометражними фільмами Уолта Діснея і перейти до створення ТВ-серіалів, які перевершують американські не якість зображення, а привабливість для японської аудиторії.

Більшість аніме - ТВ-серіали та серіали, створені для продажу на відео (OAV-серіали). Однак є і безліч ТБ-фільмів та повнометражних аніме. З погляду різноманітності стилів, жанрів та аудиторій манга істотно перевершує аніме, проте останнє з кожним роком наздоганяє конкурентку. З іншого боку, багато аніме - екранізації популярної манги, і вони не змагаються, а підтримують у комерційному відношенні одне одного. Тим не менш, більшість аніме - дитяче та підліткове, хоча зустрічається і аніме для молодих людей. Аудиторію середнього віку завойовує "сімейне аніме", яке діти дивляться разом із батьками. Серіальність диктує свої закони - творці аніме менше, ніж аніматори інших країн, схильні до технічних експериментів, натомість приділяють багато уваги створенню привабливих та цікавих образів персонажів (звідси важливість якісного озвучення) та розробці сюжету. Дизайнери в аніме важливіші за аніматорів.
Створенням аніме займаються аніме-студії, які зазвичай порівняно невеликі та працюють на зовнішньому фінансуванні від різних спонсорів (ТВ-канали, корпорації з випуску іграшок, манга-видавництва). Зазвичай такі студії виникають навколо кількох видатних творців, тому студії часто буває властивий певний "студійний стиль", який задають провідні дизайнери.

Мистецтво та дизайн

3946

01.02.18 09:02

Сьогоднішня художня сцена Японії дуже різноманітна і провокаційна: розглядаючи роботи майстрів із Країни Вранішнього сонця, ви вирішите, що потрапили на іншу планету! Тут мешкають новатори, які змінили «ландшафт» галузі у глобальному масштабі. Представляємо вам список 10 сучасних японських художників та їх витвори – від неймовірних істот Такасі Муракамі (який сьогодні святкує день народження) до строкатого всесвіту Кусами.

Від футуристичних світів до точкових сузір'їв: сучасні японські художники

Такасі Муракамі: прихильник традицій та класик

Почнемо з винуватця урочистості! Такасі Муракамі – один із найзнакових сучасних японських художників, який працює над картинами, великомасштабними скульптурами та модним одягом. На стиль Муракамі впливають манга та аніме. Він засновник руху Superflat, що підтримує японські мистецькі традиції та повоєнну культуру країни. Муракамі просував багатьох своїх колег-сучасників, із деякими з них ми сьогодні теж познайомимося. «Субкультурні» твори Такасі Муракамі представлені на арт-ринках моди та мистецтва. Його провокаційний My Lonesome Cowboy (1998 рік) був проданий у Нью-Йорку на аукціоні Sotheby's у 2008-му за рекордні 15,2 мільйона доларів. Муракамі співпрацював із всесвітньо відомими брендами Marc Jacobs, Louis Vuitton та Issey Miyake.

Тихо Асіма та її сюрреалістичний всесвіт

Член художньої виробничої компанії Kaikai Kiki та руху Superflat (і та, і інше засновані Такасі Муракамі) Тихо Асіма відома своїми фантастичними міськими пейзажами та дивними поп-істотами. Художниця створює сюрреалістичні мрії, населені демонами, привидами, молодими красунями, що зображуються на тлі дивовижної природи. Її твори зазвичай великомасштабні та друкуються на папері, шкірі, пластиці. У 2006-му році ця сучасна японська художниця брала участь у Art on the Underground у Лондоні. Вона створила 17 послідовних арок для платформи – чарівний краєвид поступово перетворювався з денного на нічний, з міського – на сільський. Це диво розквітло на станції метро Gloucester Road.

Тихару Сіма та нескінченні нитки

Інша художниця – Тихару Сіота – працює над широкомасштабними візуальними настановами для конкретних пам'яток. Вона народилася в Осаці, але зараз живе у Німеччині – у Берліні. Центральні теми її творчості – забуття та пам'ять, мрії та реальність, минуле та сьогодення, а ще – конфронтація тривоги. Найвідоміші роботи Тіхару Сіоти – непроникні мережі чорної нитки, що охоплюють безліч побутових та особистих предметів – таких як старі стільці, весільну сукню, спалене фортепіано. Влітку 2014-го року Сіота поєднала пожертвовані їй туфлі та черевики (яких було понад 300) нитками червоної пряжі та підвісила їх на гачки. Перша виставка Тихару у столиці Німеччини відбулася під час Берлінського мистецького тижня у 2016-му році та викликала сенсацію.

Гей Аракава: скрізь, ніде

Ей Аракава натхненний станами змін, періодами нестабільності, елементами ризику, а його інсталяції нерідко символізують теми дружби та колективної праці. Кредо сучасного японського художника визначається перформативним невизначеним «скрізь, але ніде». Його витвори спливають у несподіваних місцях. У 2013 році роботи Аракави виставлялися на Венеціанському бієнале та в експозиції японського сучасного мистецтва в Музеї мистецтв Морі (Токіо). Інсталяція Hawaiian Presence (2014) була спільним проектом з нью-йоркською художницею Каріссою Родрігес та брала участь у бієналі Whitney. У тому ж 2014-му році Аракава та його брат Тому, які виступають дуетом під назвою United Brothers, пропонували відвідувачам Frieze London свій твір The This Soup Taste Ambivalent з радіоактивними коренеплодами дайкона Фукусіми.

Кокі Танака: взаємозв'язок та повторення

2015-го Кокі Танака було визнано «Художником року». Танака досліджує спільний досвід творчості та уяви, заохочує обмін між учасниками проектів та виступає за нові правила співпраці. Його установка в японському павільйоні на Венеціанському бієнале 2013 року складалася з відео з об'єктами, що перетворюють приміщення на платформу для художнього обміну. Інсталяції Кокі Танака (не плутайте з його повним тезкою-актором) ілюструють взаємозв'язок між об'єктами та діями, наприклад, на відео присутній запис простих жестів, що виконуються зі звичайними предметами (ніж, що нарізує овочі, пиво, що наливається у склянку, відкриття парасольки). Нічого суттєвого не відбувається, але нав'язливе повторення та увага до найдрібніших деталей змушують глядача цінувати мирське.

Маріко Морі та обтічні форми

Ще одна сучасна японська художниця, Маріко Морі, «чаклує» над мультимедійними об'єктами, поєднуючи відео, фотографії, предмети. Їй властиві мінімалістське футуристичне бачення та гладкі сюрреалістичні форми. Темою творчості Морі, що повторюється, є зіставлення західної легенди із західною культурою. У 2010 році Маріко заснувала Фонд Фау, освітню культурну некомерційну організацію, для якої вона виготовила серію своїх художніх інсталяцій на честь шести населених континентів. Нещодавно постійна установка Фонду «Кільце: одна з природою» була поставлена ​​над мальовничим водоспадом у Ресенді недалеко від Ріо-де-Жанейро.

Ріоджі Ікеда: синтез звуків та відео

Ріоджі Ікеда – новий медіахудожник і композитор, робота якого в основному пов'язана зі звуком у різних «сирих» станах, від синусоїдальних звуків до шумів з використанням частот на межі людського слуху. Його захоплюючі інсталяції включають звуки, створені комп'ютером, які візуально перетворюються на відеопроекції або цифрові шаблони. Аудіовізуальні арт-об'єкти Ікеди використовують масштаб, світло, тінь, об'єм, електронні звуки та ритм. Відомий тестовий об'єкт художника складається з п'яти проекторів, які висвітлюють площу 28 метрів завдовжки та 8 метрів завширшки. Установка перетворює дані (текст, звуки, фотографії та фільми) у штрих-код та двійкові патерни нулів та одиниць.

Тацуо Міядзіма та світлодіодні лічильники

Сучасний японський скульптор та художник-монтажник Тацуо Міядзіма використовує у своєму мистецтві електричні схеми, відео, комп'ютери та інші гаджети. Основні концепції Міядзіми надихнуті гуманістичними ідеями та буддистськими вченнями. Світлодіодні лічильники в його установках безперервно блимають у повторенні від 1 до 9, символізуючи подорож від життя до смерті, але уникаючи остаточності, яка представлена ​​0 (нуль ніколи не з'являється в роботах Тацуо). Всюдисущі цифри в сітках, вежах, схемах виявляють інтерес Міядзіми до ідей безперервності, вічності, зв'язку та потоку часу та простору. Нещодавно об'єкт Міядзіми «Стріла часу» був продемонстрований на інавгураційній виставці «Незавершені думки, які видно в Нью-Йорку».

Нара Есімото та злі діти

Нара Йосімото створює картини, скульптури та малюнки, що зображують дітей та собак – суб'єктів, у яких відбито дитяче почуття нудьги та розчарування та запекла незалежність, природна для малюків. Естетика робіт Йосімото нагадує традиційні книжкові ілюстрації, це суміш неспокійної напруженості та любові художника до панк-року. У 2011-му році в Музеї товариства Азії в Нью-Йорку відбулася перша персональна виставка Йосімото під назвою Yoshitomo Nara: Nobody's Fool, що охоплює 20-річну кар'єру сучасного японського художника. Експонати були тісно пов'язані зі світовими молодіжними субкультурами, їх відчуження та протестом.

Яєю Кусама і простір, що розростається дивовижними формами

Вражаюча творча біографія Яєй Кусами триває сім десятиліть. За цей час дивовижна японка встигла вивчити сфери живопису, графіки, колажу, скульптури, кіно, гравюри, екологічного мистецтва, інсталяції, а також літератури, моди та дизайну одягу. Кусама розробила дуже своєрідний стиль точкового мистецтва, що став її торговою маркою. Ілюзорні видіння, представлені в роботах 88-річної Кусами (коли світ здається покритим дивовижними формами, що розростаються), – це результат галюцинацій, які вона відчувала з дитинства. Кімнати з барвистими точками та «нескінченними» дзеркалами, що відбивають їх скупчення, впізнавані, їх не переплутаєш ні з чим іншим.

Незважаючи на те, що Японію в усьому світі прийнято вважати країною висхідних технологій, сучасне актуальне мистецтво не поспішає розривати зв'язки з традицією. У Головному штабі Ермітажу відкрилася виставка «Моно-но аваре. Чарівність речей» сумна розповідь про становище людини у пластмасовий вік.

Моно-но аваре - естетичний принцип характерний для японської культури, який дав назву виставці, означає сумне зачарування речей, почуття завороженості явною і неявною красою речей і явищ, з обов'язковим відтінком безпричинного смутку, викликаного почуттям ілюзорності та тлінності всього видимого. Він невід'ємно пов'язаний із традиційною японською релігією синтоїзмом. Синтоїсти вірять, що всі речі мають духовну сутність «камі». Вона існує у будь-якому об'єкті: і в дереві, і в камені. «Камі» безсмертні і включені в кругообіг життя і смерті, через які все у світі постійно оновлюється.

І хоча сучасне мистецтво говорить мовою інтернаціональною, японське сучасне мистецтво, представлене на цій виставці, краще поглянути під кутом зору їх традицій.

Вступна інсталяція художника Хіракі Сава зайняла цілу кімнату, і є театром тіней, де актори домашнє начиння. Вона збудована за принципом дитячої залізниці. Паровозик із ліхтариком проїжджає створеним художником ландшафтом, промінь світла народжує з мікро світу речей - макро світ. І ось це вже березовий гай, а не олівці, що вертикально стоять; а це ЛЕП у полях, а не підвішені прищіпки; а перевернутий пластмасовий тазик із ручками - це тунель. Робота називається "Всередині", вона була показана на Венеціанській бієнале раніше.

Живопис Сінісіро Кано можна назвати примітивним сюрреалізмом. На натюрморті Кано в одній тарілці виявляється баскетбольний м'яч, планета Земля та фрукти.

На картині немає самої картини, а лише написана олією рама. На одному полотні фігурка божества у червоному кімоно поєднується з повішеним на гачок червоним рушником на іншому. Чи не про ілюзорність світу ця мальовнича серія? Або, може, про те, що кожна річ має «камі».

На картині Масая Тіба на тлі прекрасних джунглів дві фігури: атропоморфні істоти, що старіють з білої матерії, що ледве нагадують чоловіка і жінку. Вони закріплені на ціпках як східні театральні ляльки. Матерія тлінна, це лише оболонка - ніби хоче сказати нам автор. Інша його мальовнича робота «Спляча людина» про це ж. Людини на картині немає, є тільки жменька речей на тахті: старі фотографії та листівки, вирощені кактуси, рукавички, улюблені касети, банки зі спеціями та набір інструментів.

Художник Теппей Кануедзі за таким же принципом «ліпить» (built-up object) свою людину: побутове сміття він склеює у вигляді антропоморфної істоти та покриває білою фарбою.

На підлозі сіллю викладено величезну мандолу, це традиційний для Японії храмовий ритуал, який, мабуть, прийшов з буддизму. Дух захоплює від такої ювелірної роботи чи то лабіринту, чи то карти загадкової землі і як добре, що в музеї немає вітру. Ця інсталяція є унікальною, художник робив її кілька днів у стінах музею. Ще є цікава японська традиція: перед поєдинком борці сумо посипають сіллю сіллю.

Інсталяція Хіроакі Моріта «З «Евіан» до «Вольвіка»» відкриває досить цікаву сучасну тему для Японії - переробка пластмаси. На скляній полиці лежить пляшка з водою «Евіан» тінь від неї точно потрапляє в шийку іншої пляшки фірми «Вольвік», що стоїть на підлозі. Створюється ілюзія, що вода переливається із пляшки у пляшку. Абсурд на перший погляд. Для японця ця концептуальна робота не лише символізує кругообіг «камі», тобто духовної сутності, а й у прямому сенсі принцип recycle – переробки вторинної сировини. Як острівна держава Японія одна з перших навчилася збирати, сортувати та переробляти пластмасове сміття. З матеріалу, що вийшов, повторно виробляються не тільки нові пляшки і кросівки, а навіть створюються штучні острови.

Інсталяція Теппей Кунеудзі на перший погляд нагадує сміттєву станцію для сортування. Тут розкладено у різній послідовності пластмасові предмети: совки, формочки, різні іграшки, вішалки, кольорові зубні щітки, шланги, окуляри та інші. Присипані білим порошком здається, що вони лежать тут вічність. Коли ходиш серед цих знайомих предметів, але тепер не використовуваних, споглядаючи їх вже відсторонено, складається відчуття схоже на медитацію в саду каменів. У своїх фото колажах Теппей Кунеудзі «подумки» вибудовує з будівельного сміття вежі. Але це не такі кінетичні ланцюжки як у художнього дуету Фішлі та Вайса, а як буддистська священна будова, в якій камінь тримається на камені без скріплюючого матеріалу.

Художник Суду Ёсіхіро між шибками у вікні музею з видом на Мийку помістив майстерно зроблену дерев'яну рожеву троянду з однією пелюсткою, що опала. Дивлячись на цю дуже тонку та поетичну інтервенцію до музею, хочеться почати говорити японськими віршами у жанрі хокку, типу: «Зима. Навіть троянда у музеї цвіте назавжди».

Інша не менш поетична робота «Протилежність обсягу» Онисі Ясуакі відсилає до творчості живописця середньовіччя та дзенського ченця Тоє Сессю. Цей японський класик славиться тим, що переніс у країну сонця, що сходить, китайський малюнок монохромною тушшю.

Інсталяція Ясуакі являє собою сірий об'ємний поліетиленовий силует гори, зі спадаючими на неї зі стелі струменями (ніби дощовими) застиглого рідкого пластику. Подейкують, щоб зробити «порожню» гору під зливою, немов із монохромної картини Тоє Сессю, художнику довелося побудувати гору зі коробок, накрити її тонким поліетиленом, а потім зі стелі капати розпеченою пластмасою.

Насамкінець, інсталяція Кенго Кіто: гірлянди, що звисають вниз, з кольорових пластмасових спортивних обручів, ніби «японський привіт», привезений до Росії до Олімпійських ігор. Цікаво, що на виставці «Чарівність речей» пластик використовується як матеріал, за допомогою якого японські художники стосуються не лише екологічних, а й духовних питань.

Тадасу Такаміне. "Боже, зберігай Америку", 2002. Відео (8 хв. 18 сек.)

Подвійна перспектива: Сучасне мистецтво Японії
Куратори Олена Яїчникова та Кендзіро Хосака

Частина перша: "Реальність/Звичайний світ".Московський музей сучасного мистецтва, гір. Москва, Єрмолаєвський пров., д. 17
Частина друга: «Уявний світ/Фантазії».Московський музей сучасного мистецтва, гір. Москва, Гоголівський бульвар, 10

Московський музей сучасного мистецтва разом із Японським фондом представляють виставку «Подвійна перспектива: Сучасне мистецтво Японії», покликану познайомити широку публіку із сучасними японськими художниками.
Подвійна перспектива — це два куратори з різних країн, два майданчики музею та двочастинна структура проекту. Виставка, що курується Оленою Яїчниковою і Кендзіро Хосака, об'єднує роботи понад 30 художників різних напрямків, які працювали з 70-х років XX століття до теперішнього часу. Проект складається з двох частин — «Реальний світ/Повсякденність» та «Уявний світ/Фантазії», які розташовані на майданчиках музею на Єрмолаївському провулку, 17 та Гоголівському бульварі, 10.

Частина перша: «Реальність/Звичайний світ»

У першій частині виставки «Реальний світ/Повсякденність» представлений погляд японських художників на навколишній світ через звернення до світової історії 20 століття (Ясумаса Морімура, Ёсінорі Ніва та Юкен Теруя), роздуми про будову сучасного суспільства (Dumb Type і Тадасу Такаміне), взаємодію з міським простором (contact Gonzo та ChimPom) та пошуки поезії у повсякденності (Cимабуку, Цуесі Одзава, Кохей Кобаясі та Тецуя Умеда). Ясумаса Морімура в серії відеоробіт «Реквієм» перетворюється на різних історичних персонажів: Чапліна, письменника Юкіо Місіму і навіть Леніна — і відтворює епізоди з їхнього життя. Інший учасник проекту Тецуя Умеда створює інсталяції з підручних засобів, звичайних речей — таким чином мистецтвом стає найбанальніша повсякденність. На виставці будуть показані роботи Йоко Оно - знаменита Cut Piece у версії 1965 і 2003 років і звукова інсталяція Cough Piece (1961). Виставка презентує твори Кісіо Суга — одного з центральних представників руху Моно-Ха (Mono-Ha, у перекладі «Школа речей»), який запропонував японську альтернативу західному модернізму. Фото-секція представить роботи Тосіо Сібата, Такасі Хомма та Ліеко Сіга.

Яю Кусама. "Я тут, але ніде", 2000. Змішана техніка. Інсталяція в Maison de la culture du Japon, Париж.
Збори автора

Твори, що становлять другу частину проекту, представлять публіці вільний, уявний світ, у якому існують усе те, що ми не здатні розглянути в реальному житті, все те, що знаходиться за її межами. Роботи художників цієї частини виставки відсилають до японської поп-культури, світу фантазій, наївності, міфів та роздумів про космогонічний устрій світу. Кожен учасник виставки вкладає у поняття «уяву» свій власний зміст. Так художник Таданорі Екоо у своїх відносинах із уявним світом робить головною темою своїх робіт зникнення, а точніше, «самозникнення». Схожий мотив простежується й у творчості Яєй Кусама: проеціюючи свої фантазії на реальність, вона створює світ, сповнений химерних візерунків. Гігантську скульптуру «Дитя сонця» (2011) роботи Кендзі Янобе було створено у страшний час, коли стався вибух на атомній електростанції «Фукусіма-1». Його монументальний об'єкт стає точкою перетину уяв. Художник розуміє, що досвід, пережитий на межі реального, стане поштовхом до створення нового світу. У частині «Уявний світ/Фантазії» також представлені роботи Есітомо Нара, Такасі Муракамі, Макото Айда, Хіракі Сава та багатьох інших.
Деякі роботи було створено спеціально для виставки. Художник Ёсинорі Нива для свого проекту «У московських квартирах розшукується Володимир Ленін» (2012) приїжджав до Москви для того, щоб знайти артефакти, пов'язані з особистістю революціонера у квартирах москвичів. Його робота — це відеодокументація його пошуків та подорожей Москвою. Художник Тецуя Умеда, чиї роботи будуть представлені одночасно на двох майданчиках, приїде до Москви для того, щоб продати свої інсталяції на місці.
Ці дві, на перший погляд, непорівнянні частини виставки покликані показати два полюси японського мистецтва, які насправді виявляються невіддільні один від одного.
В рамках виставки також планується проведення відкритих майстер-класів та творчих зустрічей із учасниками проекту. Пройдуть лекції японського куратора Кендзіро Хосака та художника Кендзі Янобе. Для Росії ця виставка вперше у подібному масштабі представляє сучасне японське мистецтво.

Есітомо Нара. "Льодяниково-синя ніч", 2001. 1166,5 х 100 см. Полотно, акрил
Фото: Ёсітака Утіда

Кісіо Суга "Простір поділу", 1975. Гілки та бетонні блоки. 184 x 240 x 460 см
Фото: Ёсітака Утіда

Кендзі Янобе. "Дитя Сонця", 2011. Склопластик, сталь, неон та ін. 620 х 444 х 263 cm. Інсталяція в меморіальному парку Ezpo"70
Фото: Томас Сваб