Väljaanded teatrite rubriigis

Kuulsad vene balletid. 5 parimat

Klassikaline ballett on hämmastav kunstivorm, mis sündis Itaalias küpse renessansi ajal ja "kolis" Prantsusmaale, kus selle arendamise, sealhulgas Tantsuakadeemia asutamise ja paljude liikumiste kodifitseerimise au kuulus kuningas Louis XIV-le. . Prantsusmaa eksportis teatritantsu kunsti kõikidesse Euroopa riikidesse, sealhulgas Venemaale. 19. sajandi keskel ei olnud Euroopa balleti pealinn enam Pariis, mis kinkis maailmale romantismi meistriteosed La Sylphide ja Giselle, vaid Peterburi. Just Põhja pealinnas töötas ligi 60 aastat suurepärane koreograaf Marius Petipa, klassikalise tantsusüsteemi looja ja siiani lavalt mitte väljuvate meistriteoste autor. Pärast Oktoobrirevolutsiooni tahtsid nad "balleti modernsuse laevalt maha visata", kuid neil õnnestus seda kaitsta. Nõukogude aega iseloomustas märkimisväärse hulga meistriteoste loomine. Esitleme viit Venemaa tippballetti – kronoloogilises järjekorras.

"Don Quijote"

Stseen balletist Don Quijote. Marius Petipa üks esimesi lavastusi

Balleti esietendus L.F. Minkus "Don Quijote" Suures Teatris. 1869 Arhitekt Albert Kavose albumist

Stseenid balletist Don Quijote. Kitri - Ljubov Roslavleva (keskel). Lavastas A.A. Gorski. Moskva, Bolshoi Teater. 1900

Muusika L. Minkus, libreto M. Petipa. Esimene lavastus: Moskva, Suur Teater, 1869, M. Petipa koreograafia. Järgnenud lavastused: Peterburi, Mariinski teater, 1871, M. Petipa koreograafia; Moskva, Suur Teater, 1900, Peterburi, Mariinski teater, 1902, Moskva, Suur Teater, 1906, kõik - A. Gorski koreograafia.

Don Quijote ballett on elu ja rõõmu täis teatrietendus, igavene tantsupidu, mis ei väsi täiskasvanuid ja kuhu vanemad meelsasti viivad oma lapsi. Kuigi see on oma nime saanud Cervantese kuulsa romaani kangelase järgi, põhineb see ühel tema episoodil "Quteria ja Basilio pulm" ning räägib noorte kangelaste seiklustest, kelle armastus lõpuks võidab hoolimata vastuseisust. kangelanna kangekaelne isa, kes tahtis teda rikka Gamache'iga abielluda.

Nii et Don Quijotel pole sellega peaaegu midagi pistmist. Terve etenduse vältel kõnnib laval ringi pikk ja kõhn kunstnik, keda saadab Sancho Panzat kehastav lühike kõhukas kolleeg, kes teeb kohati keeruliseks Petipa ja Gorski komponeeritud kaunite tantsude vaatamise. Ballett on oma olemuselt kostüümikontsert, klassikalise ja karaktertantsu pidu, kus on töökoht kõigil balletikompanii tantsijatel.

Balleti esimene lavastus toimus Moskvas, kus Petipa aeg-ajalt käis, et tõsta sealse trupi taset, mida ei saanud võrrelda Mariinski teatri särava trupiga. Kuid Moskvas oli rohkem vabadust hingata, nii et koreograaf lavastas sisuliselt balleti-mälestuse oma päikeselisel maal veedetud imelistest noorusaastatest.

Ballett oli edukas ja kaks aastat hiljem viis Petipa selle Peterburi, mistõttu tuli teha ümberehitusi. Seal huvitasid neid karaktertantsud palju vähem kui puhas klassika. Petipa laiendas “Don Quijote” viie vaatuseni, komponeeris “valge teo”, nn “Don Quijote unenäo”, mis on tõeline paradiis õudukas baleriinide ja ilusate jalgade omanikele. Amoride arv “Unenäos” jõudis viiekümne kaheni...

“Don Quijote” jõudis meieni Moskva koreograafi Aleksandr Gorski töötlusena, kes oli huvitatud Konstantin Stanislavski ideedest ning soovis vana balletti loogilisemaks ja dramaatiliselt veenvamaks muuta. Gorsky hävitas Petipa sümmeetrilised kompositsioonid, kaotas "Unistuste" stseenis tutus ja nõudis Hispaania naisi kujutavate tantsijate jaoks tumeda meigi kasutamist. Petipa nimetas teda "seaks", kuid juba Gorski esimeses adaptsioonis mängiti balletti Suure Teatri laval 225 korda.

"Luikede järv"

Lavastused esimeseks etenduseks. Suur teater. Moskva. 1877

Stseen P.I. balletist “Luikede järv”. Tšaikovski (koreograafid Marius Petipa ja Lev Ivanov). 1895

Muusika P. Tšaikovski, libreto V. Begitšev ja V. Geltser. Esimene lavastus: Moskva, Suur Teater, 1877, koreograafia V. Reisinger. Järgnev lavastus: Peterburi, Mariinski teater, 1895, M. Petipa, L. Ivanovi koreograafia.

Armastatud ballett, mille klassikaline versioon lavastati 1895. aastal, sündis tegelikult kaheksateist aastat varem Moskva Suures Teatris. Maailmakuulsus alles ees ootava Tšaikovski partituur oli omamoodi “sõnadeta laulude” kogumik ja tundus selle aja kohta liiga keeruline. Balletti mängiti umbes 40 korda ja see vajus unustusehõlma.

Pärast Tšaikovski surma lavastati Mariinski teatris Luikede järv ja kõik järgnevad balleti lavastused põhinesid sellel klassikaks saanud versioonil. Tegevusele anti suuremat selgust ja loogikat: ballett jutustas kurja geeniuse Rothbarti tahtel luigeks muudetud kauni printsessi Odette’i saatusest, sellest, kuidas Rothbart pettis temasse armunud prints Siegfriedi, kasutades oma tütre Odile'i võlusid ja kangelaste surmast. Tšaikovski partituuri kärpis dirigent Riccardo Drigo ligikaudu kolmandiku võrra ja orkestreeris uuesti. Petipa lõi esimese ja kolmanda vaatuse koreograafia, Lev Ivanov - teise ja neljanda vaatuse koreograafia. See jaotus vastas ideaalselt mõlema särava koreograafi kutsele, kellest teine ​​pidi elama ja surema esimese varjus. Petipa on klassikalise balleti isa, laitmatult harmooniliste kompositsioonide looja ja haldjanaise, mängunaise laulja. Ivanov on uuenduslik koreograaf, kellel on ebatavaliselt tundlik muusikatunnetus. Odette-Odile'i rolli täitis Pierina Legnani, “Milano baleriinide kuninganna”, ta on ka esimene Raymonda ja 32. fouetté – kõige raskem pointe-kingade keerutamise liik – leiutaja.

Sa ei pruugi balletist midagi teada, aga Luikede järve teavad kõik. Nõukogude Liidu eksisteerimise viimastel aastatel, kui eakad juhid üsna sageli üksteist välja vahetasid, kuulutasid balleti peategelaste “valge” dueti hingestatud meloodia ja tiivuliste käte pritsmed teleekraanilt kurba. sündmus. Jaapanlastele meeldib “Luikede järv” nii väga, et nad on valmis seda vaatama hommikul ja õhtul iga trupi esituses. Ükski tuuritrupp, keda Venemaal ja eriti Moskvas on palju, ei saa hakkama ilma “Luigeta”.

"Pähklipureja"

Stseen balletist "Pähklipureja". Esimene lavastus. Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaja, Fritz - Vassili Stukolkin. Mariinski ooperiteater. 1892

Stseen balletist "Pähklipureja". Esimene lavastus. Mariinski ooperiteater. 1892

Muusika P. Tšaikovski, libreto M. Petipa. Esimene lavastus: Peterburi, Mariinski teater, 1892, koreograafia L. Ivanov.

Siiani hõljub raamatutes ja veebilehtedel ekslik info, et “Pähklipureja” on lavastanud klassikalise balleti isa Marius Petipa. Tegelikult kirjutas Petipa ainult stsenaariumi ja balleti esimese lavastuse viis läbi tema alluv Lev Ivanov. Ivanovi ees ootas võimatu ülesanne: tollal moeka ekstravagantse balleti stiilis Itaalia külalisesineja hädavajalikul osalusel loodud stsenaarium oli ilmses vastuolus Tšaikovski muusikaga, mis, kuigi oli kirjutatud ranges kooskõlas Petipa teosega. juhised, eristus suurepärase tunnetuse ja dramaatilise rikkuse ning keeruka sümfoonilise arengu poolest. Lisaks oli balleti kangelanna teismeline tüdruk ja staarbaleriinile oli ette nähtud ainult viimane pas de deux (duett partneriga, mis koosnes adagiost - aeglasest osast, variatsioonidest - soolotantsudest ja codast ( virtuoosne finaal)). "Pähklipureja" esimene lavastus, kus esimene vaatus oli valdavalt pantomiim, erines järsult teisest vaatusest, divertiseerimisest, ei olnud kuigi edukas; kriitikud märkisid ära ainult Lumehelveste valssi (selles osales 64 tantsijat). ning Suhkruploomihaldja ja läkaköha printsi Pas de deux , mille inspiratsiooniallikaks oli Ivanovi Adagio roosiga filmist "Uinuv kaunitar", kus Aurora tantsib nelja härrasmehega.

Kuid kahekümnendal sajandil, mis suutis tungida Tšaikovski muusika sügavustesse, oli “Pähklipurejale” määratud tõeliselt fantastiline tulevik. Nõukogude Liidus, Euroopa riikides ja USA-s on lugematul hulgal balletilavastusi. Venemaal on eriti populaarsed Vassili Vainoneni lavastused Leningradi Riiklikus Akadeemilises Ooperi- ja Balletiteatris (praegu Mariinski teater Peterburis) ja Juri Grigorovitši lavastused Moskva Suures Teatris.

"Romeo ja Julia"

Ballett "Romeo ja Julia". Julia - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergejev. 1939. aastal

Mrs Patrick Campbell Julia rollis Shakespeare'i "Romeos ja Julias". 1895

Balleti "Romeo ja Julia" finaal. 1940. aasta

Muusika S. Prokofjev, libreto S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovski. Esimene lavastus: Brno, Ooperi- ja Balletiteater, 1938, koreograafia V. Psota. Järgnev lavastus: Leningrad, Riiklik Akadeemiline Ooperi- ja Balletiteater. S. Kirov, 1940, L. Lavrovski koreograafia.

Kui Shakespeare'i fraas kuulsas venekeelses tõlkes kõlab "Maailmas pole kurvemat lugu kui Romeo ja Julia lugu", siis nad ütlesid suure Sergei Prokofjevi sellel süžeel kirjutatud balleti kohta: "Maailmas pole kurvemat lugu kui Prokofjevi muusika balletis". Tõeliselt hämmastav oma ilu, värvikülluse ja ekspressiivsuse poolest, tundus “Romeo ja Julia” partituur oma ilmumishetkel liiga keeruline ja balletile sobimatu. Balletitantsijad lihtsalt keeldusid selle järgi tantsimast.

Prokofjev kirjutas partituuri 1934. aastal ja see oli algselt mõeldud mitte teatrile, vaid kuulsale Leningradi Akadeemilisele Koreograafiakoolile oma 200. aastapäeva tähistamiseks. Projekt jäi ellu viimata Sergei Kirovi mõrva tõttu Leningradis 1934. aastal, teise pealinna juhtivas muusikateatris toimusid muudatused. Ka plaan “Romeo ja Julia” lavastada Moskva Bolshois ei saanud teoks. 1938. aastal näitas esietendust Brno teater ja alles kaks aastat hiljem jõudis Prokofjevi ballett lõpuks lavale ka autori kodumaal, tollases Kirovi teatris.

Koreograaf Leonid Lavrovsky lõi “draamaballeti” žanri (1930.–50. aastate balletile iseloomulik koreograafilise draama vorm) raames, mida nõukogude võimud väga tervitasid, muljetavaldava põneva vaatemängu hoolikalt vormitud rahvastseenidega. ja kirjeldas delikaatselt tegelaste psühholoogilisi omadusi. Tema käsutuses oli Galina Ulanova, kõige keerukam baleriin-näitleja, kes jäi Julia rollis ületamatuks.

Lääne koreograafid hindasid Prokofjevi partituuri kiiresti. Balleti esimesed versioonid ilmusid juba 20. sajandi 40ndatel. Nende loojad olid Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) ja Margarita Froman (Zagreb, 1949). “Romeo ja Julia” kuulsad lavastused kuuluvad Frederick Ashtonile (Kopenhaagen, 1955), John Crankole (Milano, 1958), Kenneth MacMillanile (London, 1965), John Neumeierile (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moisejeva, 1958, koreograafia Yu Grigorovich, 1968.

Ilma Spartakita pole “Nõukogude balleti” kontseptsioon mõeldav. See on tõeline hitt, ajastu sümbol. Nõukogude periood arendas teistsuguseid teemasid ja kujundeid, mis erinesid sügavalt Marius Petipalt päritud traditsioonilisest klassikalisest balletist ning Moskva ja Peterburi keiserlikest teatritest. Õnneliku lõpuga muinasjutud arhiiviti ja asendati kangelaslugudega.

Juba 1941. aastal rääkis üks juhtivaid Nõukogude heliloojaid Aram Hatšaturjan oma kavatsusest kirjutada muusika monumentaalsele kangelaslikule etendusele, mis pidi lavale tulema Suure Teatri laval. Selle teemaks oli episood Vana-Rooma ajaloost, orjade ülestõusust, mida juhtis Spartacus. Hatšaturjan lõi värvika partituuri, kasutades Armeenia, Gruusia, Vene motiive ning täis kauneid meloodiaid ja tuliseid rütme. Lavastuse pidi läbi viima Igor Moisejev.

Kulus palju aastaid, enne kui tema töö publikuni jõudis ja see ei ilmunud Suures Teatris, vaid Teatris. Kirov. Koreograaf Leonid Yakobson lõi vapustava uuendusliku esituse, jättes kõrvale klassikalise balleti traditsioonilised atribuudid, sealhulgas tantsimine pointe kingadel, kasutades vaba plastilisust ja sandaalidega baleriinid.

Kuid ballett “Spartacus” sai koreograaf Juri Grigorovitši käe all 1968. aastal hitiks ja ajastu sümboliks. Grigorovitš hämmastas vaatajat täiuslikult ülesehitatud dramaturgia, peategelaste tegelaste peene kujutamise, rahvastseenide oskusliku lavastamise ning lüüriliste adagioste puhtuse ja iluga. Ta nimetas oma teost "etenduseks neljale solistile koos balletiga" (corps de ballet on artistid, kes osalevad massitantsu episoodides). Spartacuse rolli mängisid Vladimir Vassiljev, Crassus - Maris Liepa, Früügia - Jekaterina Maksimova ja Aegina - Nina Timofejeva. Ballett oli valdavalt meesterahvas, mis teeb balleti “Spartacus” ainulaadseks.

Lisaks Jacobsoni ja Grigorovitši kuulsatele Spartacuse lugemistele on balletist veel umbes 20 lavastust. Nende hulgas on Jiří Blazeki versioon Praha balletile, László Szeregi Budapesti balletile (1968), Jüri Vamos Arena di Veronale (1999), Renato Zanella Viini Riigiooperi balletile (2002), Natalia Kasatkina ja Vladimir. Vassiljev Riiklikule Akadeemilisele Teatrile nende lavastatud klassikalise balleti jaoks Moskvas (2002).

Ballett on etenduskunsti vorm; see on emotsioon, mis kehastub muusikalistes ja koreograafilistes kujundites.

Ballett, koreograafia kõrgeim tase, milles tantsukunst tõuseb muusikalise lavalavastuse tasemele, tekkis õukondliku aristokraatliku kunstina palju hiljem kui tants, 15.-16.

Mõiste “ballett” ilmus renessansiaegses Itaalias 16. sajandil ja ei tähendanud etendust, vaid tantsuepisoodi. Ballett on kunst, milles tants, balleti peamine väljendusvahend, on tihedalt seotud muusikaga, dramaatilise alusega - libreto, stsenograafiaga, kostüümikunstniku, valguskunstniku jne tööga.

Ballett on mitmekesine: süžee - klassikaline narratiivne mitmevaatuseline ballett, dramaatiline ballett; süžeeta - sümfooniaballett, meeleoluballett, miniatuur.

Maailmalavadel on nähtud palju balletietendusi, mis põhinevad kirjanduslikel meistriteostel säravate heliloojate muusikale. Seetõttu otsustas Briti veebiressurss Listverse koostada oma edetabeli ajaloo parimatest balletilavastustest.

"Luikede järv"
Helilooja: Pjotr ​​Tšaikovski

Esimene, Moskva "Luikede järve" lavastus ei olnud edukas – selle kuulsusrikas ajalugu algas peaaegu kakskümmend aastat hiljem Peterburis. Kuid just Bolshoi Teater aitas kaasa sellele, et maailm kingiti selle meistriteosega. Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski kirjutas oma esimese balleti Suure Teatri tellimusel.
“Luikede järvele” andsid rõõmsa lavaelu kuulus Marius Petipa ja tema assistent Lev Ivanov, kes läksid ajalukku eelkõige tänu “luige” tüüpstseenide lavale.

Petipa-Ivanovi versioon on muutunud klassikaks. See on enamiku järgnevate Luikede järve lavastuste aluseks, välja arvatud äärmiselt modernistlikud.

Luikede järve prototüübiks oli Davõdovide Luigemajanduse järv (praegu Tšerkasõ piirkond, Ukraina), mida Tšaikovski külastas vahetult enne balleti kirjutamist. Seal lõõgastudes veetis autor rohkem kui ühe päeva selle kaldal lumivalgeid linde vaadeldes.
Süžee põhineb paljudel folkloorimotiividel, sealhulgas iidsel saksa legendil, mis räägib kaunist printsess Odette'ist, kelle kurja nõia rüütel Rothbarti needus muutis luigeks.

"Romeo ja Julia"

Prokofjevi "Romeo ja Julia" on 20. sajandi üks populaarsemaid ballette. Ballett esietendus 1938. aastal Brnos (Tšehhoslovakkia). 1940. aastal Leningradi Kirovi teatris esitletud balleti väljaanne sai aga laiemalt tuntuks.

“Romeo ja Julia” on 3 vaatuses, 13 stseenis koosnev ballett koos proloogi ja järelsõnaga, mis põhineb William Shakespeare’i samanimelisel tragöödial. See ballett on maailmakunsti meistriteos, mida kehastab muusika ja hämmastav koreograafia. Lavastus ise on nii muljetavaldav, et seda tasub vähemalt korra elus vaadata.

"Giselle"
Helilooja: Adolf Adam

“Giselle” on prantsuse helilooja Adolphe Adami kahes vaatuses “fantastiline ballett” Henri de Saint-Georges’i, Théophile Gautier’ ja Jean Coralli libretole, mis põhineb Heinrich Heine’i ümberjutustanud legendil. Oma raamatus “Saksamaa kohta” kirjutab Heine Wilistest - õnnetust armastusest surnud tüdrukutest, kes, olles muutunud maagilisteks olenditeks, tantsivad surnuks noored, kellega nad öösel kohtuvad, makstes neile kätte nende rikutud elude eest.

Ballett esietendus 28. juunil 1841 Suures Ooperis, koreograafideks J. Coralli ja J. Perrault. Lavastust saatis tohutu edu ja see sai ajakirjanduses häid hinnanguid. Kirjanik Jules Janin kirjutas: „Selles teoses on nii palju leida. Ja ilukirjandus, ja luule ja muusika, ja uute sammude kompositsioon ja kaunid tantsijad, ja harmoonia, täis elu, armu, energiat. Seda nad nimetavad balletiks."

"Pähklipureja"
Helilooja: Pjotr ​​Tšaikovski

P. I. Tšaikovski balleti “Pähklipureja”, mille kirjanduslikuks aluseks oli Ernst Theodor Amadeus Hoffmanni muinasjutt “Pähklipureja ja hiirekuningas”, lavalavastuste ajalugu tunneb paljusid autoriväljaandeid. Ballett esietendus Mariinski teatris 6. detsembril 1892. aastal.
Balleti esietendus õnnestus suurepäraselt. Ballett “Pähklipureja” jätkab ja lõpetab klassikaks saanud P. I. Tšaikovski ballettide sarja, milles kõlab “Luikede järves” alguse saanud ja “Uinuvas kaunitaris” jätkunud hea ja kurja võitluse teema. .

Jõululugu õilsast ja nägusast nõiutud printsist, kes on moondunud Pähklipureja-nukuks, lahkest ja ennastsalgavast tüdrukust ning nende vastasest, kurjast Hiirekuningast, on alati olnud nii täiskasvanute kui ka laste seas armastatud. Vaatamata muinasjutulisele süžeele on tegu tõelise balletimeisterlikkusega müstika ja filosoofia elementidega.

"La Bayadère"
Helilooja: Ludwig Minkus

“La Bayadère” on ballett neljas vaatuses ja seitsmes stseenis koreograaf Marius Petipa apoteoosiga Ludwig Fedorovich Minkuse muusikale.
Balleti “La Bayadere” kirjanduslikuks allikaks on India klassiku Kalidasa draama “Shakuntala” ja V. Goethe ballaad “Jumal ja Bayadère”. Süžee põhineb romantilisel idamaade legendil bayadère’i ja vapra sõdalase õnnetust armastusest. “La Bayadère” on eeskujulik teos ühest 19. sajandi stiilivoolust – eklektikast. “La Bayadère’is” on nii müstikat kui sümboolikat: tunne, et esimesest vaatusest peale tõstetakse kangelaste kohale “taevast karistav mõõk”.

"Püha kevad"
Helilooja: Igor Stravinski

Kevadriitus on vene helilooja Igor Stravinski ballett, mis esietendus 29. mail 1913 Pariisis Théâtre des Champs-Élysées's.

“Kevadriituse” kontseptsioon põhines Stravinski unenäol, milles ta nägi iidset rituaali – noor tüdruk, keda ümbritsevad vanemad, tantsib kuni kurnatuseni, et kevad äratada, ja sureb. Stravinsky töötas muusika kallal samal ajal kui Roerich, kes kirjutas maastike ja kostüümide jaoks visandeid.

Süžeed kui sellist balletis pole. Helilooja esitab “Kevadriituse” sisu järgmiselt: “Looduse helge ülestõusmine, mis sünnib uuesti uuele elule, täielik ülestõusmine, maailmakäsituse spontaanne ülestõusmine.”

"Uinuv kaunitar"
Helilooja: Pjotr ​​Tšaikovski

P.I. Tšaikovski - Marius Petipa balletti "Uinuv kaunitar" nimetatakse "klassikalise tantsu entsüklopeediaks". Hoolikalt üles ehitatud ballett hämmastab oma mitmekesiste koreograafiliste värvide suurejoonelisusega. Kuid nagu ikka, on iga Petipa etenduse keskmes baleriin. Esimeses vaatuses on Aurora noor tüdruk, kes tajub ümbritsevat maailma eredalt ja naiivselt, teises on ta ahvatlev kummitus, kelle Sirelihaldjas on pikaajalisest unest välja kutsunud, finaalis on ta õnnelik. printsess, kes on leidnud oma kihlatu.

Petipa leidlik geenius pimestab publikut eriilmeliste tantsude veidra mustriga, mille tipuks on armastajate, printsess Aurora ja prints Désiré pidulik pas de deux. Tänu P.I.Tšaikovski muusikale sai lastemuinasjutust luuletus hea (haldjas Lilac) ja kurja (haldjas Carabosse) võitlusest. “Uinuv kaunitar” on tõeline muusikaline ja koreograafiline sümfoonia, milles muusika ja tants on kokku sulanud.

"Don Quijote"
Helilooja: Ludwig Minkus

“Don Quijote” on balletiteatri üks elujaatavamaid, särtsakamaid ja pidulikumaid teoseid. Huvitav on see, et vaatamata nimele pole see särav ballett sugugi mitte Miguel de Cervantese kuulsa romaani dramatiseering, vaid Marius Petipa iseseisev koreograafiline teos Don Quijote ainetel.

Cervantese romaanis on süžee aluseks kurb rüütel Don Quijote, kes on valmis igasugusteks vägitegudeks ja üllasteks tegudeks. 1869. aastal Moskva Suures Teatris esietendunud Petipa balletis Ludwig Minkuse muusikale on Don Quijote kõrvaltegelane ning süžee keskmes on Kitri ja Basili armastuslugu.

"Tuhkatriinu"
Helilooja: Sergei Prokofjev

"Tuhkatriinu" on Sergei Prokofjevi ballett kolmes vaatuses, mis põhineb Charles Perrault' samanimelisel muinasjutul.
Balleti muusika on kirjutatud aastatel 1940–1944. “Tuhkatriinu” Prokofjevi muusikale esitati esmakordselt 21. novembril 1945 Suures Teatris. Selle direktor oli Rostislav Zahharov.
Nii kirjutas Prokofjev balletist Tuhkatriinu: “Ma lõin Tuhkatriinu klassikalise balleti parimate traditsioonide järgi”, mis paneb vaataja kaasa tundma ega jää ükskõikseks printsi ja Tuhkatriinu rõõmude ja murede suhtes.

ballett kui muusikaline vorm arenes tantsu lihtsast täiendusest spetsiifiliseks kompositsioonivormiks, millel oli sageli sama tähendus kui seda saatval tantsul. 17. sajandil Prantsusmaalt alguse saanud tantsuvorm sai alguse teatritantsuna. Formaalselt sai ballett "klassikalise" staatuse alles 19. sajandil. Balletis arenesid terminid "klassikaline" ja "romantiline" kronoloogiliselt muusikalisest kasutusest. Nii langes 19. sajandil balleti klassikaline periood muusikas romantismi ajastuga. 17.–19. sajandi balletimuusika heliloojad, sealhulgas Jean-Baptiste Lully ja Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski, olid peamiselt Prantsusmaal ja Venemaal. Rahvusvahelise tuntuse suurenemisega nägi Tšaikovski oma eluajal balletimuusika kompositsiooni ja üldse balleti levikut kogu läänemaailmas.

Entsüklopeediline YouTube

1 / 3

✪ Absoluutne kuulujutt balleti "Uinuv kaunitar" kohta

✪ Dona nobis pacem Anna meile rahu I S Bachi Missa h-moll Tatari ooperi- ja balletiteater 2015

✪ ♫ Klassikaline muusika lastele.

Subtiitrid

Lugu

• Umbes 19. sajandi teise pooleni oli muusika roll balletis teisejärguline, põhirõhk oli tantsul, muusika ise aga lihtsalt laenati tantsuviisidest. "Balletimuusika" kirjutamine oli varem muusikaliste käsitööliste, mitte meistrite töö. Näiteks pidasid vene helilooja Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski kriitikud tema balletimuusika kirjutamist millekski alatuks.
  Varaseimatest ballettidest kuni Jean-Baptiste Lully (1632-1687) ajani oli balletimuusika peotantsumuusikast eristamatu. Lully lõi omaette stiili, milles muusika jutustaks. Esimene „Actioni ballett" lavastati 1717. aastal. See oli sõnadeta jutustatud lugu. Teerajajaks oli John Weaver (1673-1760). Nii Lully kui Jean-Philippe Rameau kirjutasid „ooperiballeti", kus tegevus kanti ette. osalt tantsides, osalt lauldes, kuid balletimuusika tähtsus vähenes tasapisi.
  Järgmine suur samm toimus üheksateistkümnenda sajandi esimestel aastatel, kui solistid hakkasid kasutama spetsiaalseid jäikaid balletikingi - pointe kingi. See võimaldas murdosalisemat muusikastiili. 1832. aastal demonstreeris kuulus baleriin Maria Taglioni (1804-1884) esmakordselt pointe kingadel tantsimist. See oli La Sylphide'is. Nüüd oli võimalik muusikat ilmekamaks muuta.Tants muutus järk-järgult julgemaks, baleriine tõstsid õhku mehed.
  Kuni Tšaikovski ajani ei eraldatud balletiheliloojat sümfooniate heliloojast. Balletimuusika oli soolo- ja ansamblitantsu saateks. Tšaikovski ballett Luikede järv oli esimene muusikaline balletiteos, mille on loonud sümfooniline helilooja. Tšaikovski eestvõttel ei kirjutanud balletiheliloojad enam lihtsaid ja kergeid tantsuosi. Nüüd ei olnud balleti põhirõhk ainult tantsul; tantsudele järgnev kompositsioon omandas võrdse tähtsuse. 19. sajandi lõpus töötas vene balleti ja tantsu koreograaf Marius Petipa koos heliloojatega, nagu Cesar Pugni, balleti meistriteoste loomisel, millel oli nii keeruline tants kui ka keerukas muusika. Petipa töötas koos Tšaikovskiga, tehes heliloojaga koostööd tema teoste "Uinuv kaunitar" ja "Pähklipureja" kallal või kaudselt Tšaikovski "Luikede järve" uue väljaande kaudu pärast helilooja surma.
  Paljudel juhtudel kasutati ooperites ikkagi lühikesi balletistseene dekoratsiooni või kostüümi vahetamiseks. Võib-olla kuulsaim näide balletimuusikast ooperi osana on Amilcare Ponchielli ooperist La Gioconda (1876) pärit tundide tants.
  Põhimõtteline meeleolumuutus toimus Igor Stravinski balleti "Kevadriitus" (1913) loomisel.

Muusika oli ekspressionistlik ja ebakõlaline ning liigutused väga stiliseeritud. 1924. aastal kirjutas George Antheil teose Ballet Mechanica. See sobis liikuvate objektide filmile, kuid mitte tantsijatele, kuigi see oli uuenduslik džässmuusika kasutamisel. Sellest lähtepunktist jaguneb balletimuusika kahte suunda – modernismi ja jazztantsu. George Gershwin püüdis seda tühimikku täita oma ambitsioonika partituuriga Shall We Dance'ile (1937), mis on rohkem kui tund aega kestnud muusikat, mis hõlmas tserebraalset ja tehniliselt jazzi ja rumbat. Üks stseenidest komponeeriti spetsiaalselt baleriin Harriet Hoctorile.
Paljud ütlevad, et jazztantsu esindab kõige paremini koreograaf Jerome Robbins, kes töötas koos Leonard Bernsteiniga filmis West Side Story (1957). Mõnes mõttes on see tagasipöördumine "ooper-balleti" juurde, kuna süžeed räägitakse peamiselt sõnadega. Modernismi esindab kõige paremini Sergei Prokofjev balletis "Romeo ja Julia". See on näide puhtast balletist ja seal on ei mingit mõju džässist ega muust levimuusikast.Teine suund balletimuusika ajaloos on kalduvus vana muusika loomingulisele kohandamisele Ottorino Respighi kohandas Gioachino Rossini (1792-1868) teoseid ja nende ühissarja balletis nn. 1919. aastal esietendunud "The Magic Shop". Balletipublik eelistab romantilist muusikat, nii et uued balletid ühendatakse vanade teostega läbi uue koreograafia. Kuulus näide on "The Dream" - Felix Mendelssohni muusika, kohandatud John Lanchbury poolt.

Balletiheliloojad

19. sajandi alguses lavastasid koreograafid etendusi kogutud muusikale, mis enamasti koosnes populaarsetest ja tuntud ooperifragmentidest ning laulumeloodiatest. Esimene, kes üritas olemasolevat praktikat muuta, oli helilooja Jean-Madeleine Schneizhoffer. Selle eest langes talle märkimisväärne kriitika, alates esimesest teosest, balletist “Proserpina” (1818):

Muusika kuulub noormehele, kes balleti avamängu ja mõningate motiivide järgi otsustades väärib julgustust. Kuid usun kindlalt (ja kogemus toetab minu arvamust), et olukordadesse oskuslikult valitud motiivid teenivad alati paremini koreograafi kavatsusi ja paljastavad tema kavatsuse selgemalt kui peaaegu täiesti uus muusika, mis pantomiimi seletamise asemel ise selgitust ootab.

Vaatamata kriitikute rünnakutele hakkasid teised heliloojad Schneitzhofferit järgides eemalduma traditsioonist luua balletipartituure, mis olid kokku pandud muusikafragmentidest teiste kuulsate (enamasti ooperiteoste) - Ferdinand Heroldi, Fromental Halévy ja ennekõike - motiividel. - ja siis viljakalt, kes Marius Petipaga koos töötas, järgis partituuride loomisel rangelt koreograafi juhiseid ja kava - kuni taktide arvuni igas numbris. Saint-Leoni puhul tuli tal kasutada isegi koreograafi määratud meloodiaid: Karl Waltzi memuaaride järgi vilistas Saint-Leon, kes oli ise viiuldaja ja muusik, rohkem kui korra Minkusele lugusid, mida ta "palavikuliselt tõlkis". noodikirjadesse."

See praktika ei vastanud sama Schneitzhoferi põhimõtetele, kes hindas oma mainet iseseisva autorina ja töötas partituuride loomisel alati koreograafist eraldi (erand tehti vaid balletti La Sylphide koos loomisel).

Balletist rääkides peame alati silmas loovust, sest just tema tõi selle lavažanri tõsiste ja mastaapsete muusikaliste lavalavastuste kategooriasse. Tal on ainult kolm balletti ja kõik kolm - “Luikede järv”, “Pähklipureja”, “Uinuv kaunitar” on kuulsad oma suurepärase dramaturgia ja imelise muusika poolest.

Pjotr ​​Tšaikovski populaarseim balletiteos, mida peaaegu kõik kuulevad, on 1877. aastal kirjutatud “”. Paljud fragmendid sellest tantsulavastusest - "Väikeste luikede tants", "Valss" jt on juba pikka aega elanud oma eraldi elu, nagu populaarsed muusikaloomingud. Melomaanide tähelepanu väärib aga kogu etendus, mis jutustab armastusloost. Tšaikovski, kes oli eluajal tuntud oma hämmastava kompositsioonitalendi poolest, premeeris balletti heldelt lugematute võluvate ja meeldejäävate meloodiatega.

Veel üks muusikaajaloo parimaid ballette on Tšaikovski oma. See oli helilooja teine ​​pööre tantsužanri poole ja kui avalikkus “Luikede järve” alguses ei kiitnud, tunnustati “Ilu” kohe meistriteoseks ja seda näidati peaaegu kõigis Vene impeeriumi ja Euroopa teatrites.

Ballett põhineb meile lapsepõlvest tuntud süžeel, Charles Perrault muinasjutul Uinuvast kaunitarist, kurjast haldjast ja kõikevõitvast armastusest. Tšaikovski täiendas seda lugu muinasjututegelaste imeliste tantsudega ja Marius Petipa vapustava koreograafiaga, millest kõik sai balletikunsti entsüklopeedia.

"" on Pjotr ​​Tšaikovski kolmas ja viimane ballett, üks tema loomingu tunnustatud tippe, mida näidatakse jõulude ja aastavahetuse ajal kindlasti kõigis Euroopa teatrites. Hoffmanni muinasjutt “Pähklipureja ja hiirekuningas” jätkab Tšaikovski “Luikede järves” alustatud kurjuse ja hea võitluse teemat, täiendades seda fantaasia ning loomulikult armastuse ja eneseohverduse elementidega. Filosoofiline lugu, arvukad kaunid meloodiad tantsunumbritest ja koreograafia teevad sellest balletist maailmamuusika ühe parima ja nõutuima klassikalise muusikateose.

Omal ajal oli see üks skandaalsemaid ballette. Nüüd on “Romeo ja Julia” üks klassikalisi tantsulavastusi paljudes teatrites üle maailma. Helilooja uus, suuresti revolutsiooniline muusika nõudis trupilt uut stsenograafiat ja liikumisstiile. Enne esietendust pidi helilooja lavastajaid ja tantsijaid sõna otseses mõttes veenma lavastuses osalema. See aga ei aidanud, riigi peamised teatrid - Bolshoi ja Kirovi teatrid - keeldusid seda etendust lavastamast. Alles pärast Romeo ja Julia ootamatut ja vapustavat edu Tšehhoslovakkias lavastati ballett Peterburis ja Moskvas ning Prokofjev ise pälvis Stalini preemia.

Kõigi maailma tantsukompaniide klassikaline esitus on “Giselle”. Ballett põhineb legendil Willidest – pruutide vaimudest, kes surid õnnetu armastuse tõttu ja jälitasid seetõttu meeletu tantsuga kõiki teel olevaid noormehi. Alates esilinastusest 1841. aastal ei ole “Giselle” oma populaarsust tantsukunsti armastajate seas kaotanud ning sellel on olnud palju lavastusi.

Aleksander Nikolajevitš Skrjabin Aleksander Nikolajevitš Skrjabin on vene helilooja ja pianist, üks Venemaa ja maailma muusikakultuuri eredamaid isiksusi. Skrjabini originaalne ja sügavalt poeetiline looming paistis uuenduslikuna silma ka paljude uute kunstisuundade sünni taustal, mis on seotud muutustega avalikus elus 20. sajandi vahetusel.
Moskvas sündinud ema suri varakult, isa ei saanud pojale tähelepanu pöörata, kuna ta oli Pärsias suursaadik. Skrjabinit kasvatasid tema tädi ja vanaisa ning ta näitas lapsepõlvest peale muusikalist annet. Algul õppis ta kadetikorpuses, käis klaveri eratunde ja pärast korpuse lõpetamist astus Moskva konservatooriumi, tema klassivend oli S. V. Rahmaninov. Pärast konservatooriumi lõpetamist pühendus Skrjabin täielikult muusikale – kontsertpianisti-heliloojana tuuritas ta Euroopas ja Venemaal, veetes suurema osa ajast välismaal.
Skrjabini kompositsiooniloomingu kõrgaeg oli aastad 1903-1908, mil sündisid Kolmas sümfoonia ("Jumalik poeem"), sümfooniline "Ekstaasi poeem", "Traagilised" ja "Saatanlikud" klaveripoeemid, 4. ja 5. sonaat ja muud teosed. vabastatud. Mitmest teemapildist koosnev "Ecstasy poeem" koondas Srjabini loomingulisi ideid ja on tema särav meistriteos. Selles on harmooniliselt ühendatud helilooja armastus suure orkestri jõu ja soolopillide lüürilise õhulise kõlaga. “Ekstaasi poeemi” kehastav kolossaalne eluenergia, tuline kirg ja tahtejõuline jõud jätab kuulajale vastupandamatu mulje ja säilitab oma mõjujõu tänaseni.
Teine Skrjabini meistriteos on "Prometheus" ("Tule poeem"), milles autor uuendas täielikult oma harmoonilist keelt, väljudes traditsioonilisest toonisüsteemist ja esimest korda ajaloos pidi seda teost saatma värvimuusika. , kuid esilinastus toimus tehnilistel põhjustel ilma valgusefektideta.
Viimane lõpetamata “Müsteerium” oli unistaja, romantiku, filosoofi Skrjabini plaan kutsuda kogu inimkonda ja inspireerida looma uut fantastilist maailmakorda, Universaalse Vaimu liitu mateeriaga.
A. N. Skrjabin "Prometheus"

Sergei Vasilievitš RahmaninovSergei Vasilievitš Rahmaninov on 20. sajandi alguse maailma suurim helilooja, andekas pianist ja dirigent. Helilooja Rahmaninovi loomingulist kuvandit määratleb sageli epiteed "kõige venelikum helilooja", rõhutades selles lühikeses sõnastuses tema teeneid Moskva ja Peterburi kompositsioonikoolide muusikatraditsioonide ühendamisel ja oma ainulaadse stiili loomisel. mis paistab silma maailma muusikakultuuris.
Sündis Novgorodi kubermangus ja asus nelja-aastaselt ema juhendamisel muusikat õppima. Ta õppis Peterburi konservatooriumis, pärast 3-aastast õppimist läks üle Moskva konservatooriumi ja lõpetas selle suure kuldmedaliga. Ta sai kiiresti tuntuks dirigendi ja pianistina ning komponeeris muusikat. Uuendusliku Esimese sümfoonia (1897) katastroofiline esiettekanne Peterburis põhjustas loomingulise helilooja kriisi, millest 1900. aastate alguses väljus Rahmaninov küpse stiiliga, mis ühendas vene kirikulaulu, väljuva euroopaliku romantismi, kaasaegse impressionismi ja neoklassitsismi – kõik täiega. keerulisest sümboolikast. Sellel loomeperioodil sündisid tema parimad tööd, koos