Stseenide salapärane pimedus, põnev ootus ja kohtumine... põnevate, kohati meeletult eemaletõukavate, kohati meeletult köitvate tegelastega. Teater ja teatrielu on köitev ja põnev, tekitades uusi tundeid ja elamusi. Teatri roll meie elus on hindamatu.

Kuid mitte kõik ei jaga meie tundeid teatri rollist inimese elus. Teater ja kõik sellega seonduv tõmbab ligi vaid kahe vektori omanikke. Ärgem nimetagem neid kohe, vaid minge olemusse pisut sügavamale.
Niisiis, esimene asi, mida teater meile annab, on uued visuaalsed elamused. Kaunid interjöörid viivad meid kas möödunud sajandisse või tulevikumaailma ning kuidas on lood näitlejaga, kes seisab üksi laval prožektorite valguses ja loeb läbitorkavat monoloogi? Nii palju uusi muljeid silmale. Värvid, värvid, valgus, kaunid näod täis tundeid...

Teine on muidugi mäng ise. Kuidas seda või teist lavastust hinnatakse? Muidugi püüavad ka siin mõned raiderid välja mõelda, kui palju inimesi on asjaga seotud, millised kostüümid osteti, mis lava kasutati. Teatrilavastuse müümine ümbrisega aga väga ei õnnestu. Teatrivaataja jaoks on teatri kõige olulisem roll tunnete ja sügavate elamuste laine, mida etendus tekitab. Pärast esinemist pole tundeid, muresid ega uusi mõtteid - te ei taha isegi sellele minna.

Teatri tegelik roll kultuuris on dramaatiline, kuna see viib sageli tõelise visuaalse katarsiseni – pisarateni. Nagu ütleb Juri Burlani süsteemne vektorpsühholoogia, tulevad pisarad, puhastavad pisarad välja ja mitte siis, kui teil on endast tohutult kahju, see on üks kasulikumaid toiminguid iga (tähelepanu) visuaalse inimese jaoks - see tähendab, et see on visuaalne vektor.

Kui me nutame, muutuvad meie seisundid. Visuaalse inimese jaoks on pisarad oleku muutus. Teater võib aidata.

Teatri rolli laste, eriti just noorema põlvkonna vaatajate harimisel on vaevalt võimalik üle hinnata. Head teatrietendused on parim tunnete ja moraalikasvatus. Head esitused tõstatavad küsimusi moraali ja elu väärtuse kohta.

Kuid see pole veel kõik teatriäris. Parimad etendused ei esita mitte ainult universaalseid küsimusi, vaid tõstatavad ka küsimuse inimelu mõttekuse kohta. Sellised teatrilavastused on loodud ennekõike heli-visuaalsetele inimestele (üheaegselt nii visuaalsete kui ka helivektorite omanikele) ja neid loovad ka heli-vaatajad.

Pärast selliseid esinemisi lahkute mitte ainult katarsisega, vaid ka tundega, et olete millegi väga olulisega ühenduses. Sinus ärkab sinu sisemine otsing ja hetkeks võid isegi tunda seda hämmastavat tunnet, et kõik siin elus pole asjata, millegipärast on see kõik loodud. Vähemalt sellepärast, et on nii toredaid inimesi, kes teevad nii imelisi lavastusi.

Nagu arvata võib, on parimad näitlejad, kes suurendavad teatri rolli inimelus, ka need, kellel on visuaalne vektor ja heli-visuaalne vektorite kombinatsioon. Arenenud nägemisega näitleja ei ole loll, ta ei ole laval eredalt maalitud ja mitte eriti tark lind, ta on alati inimene, kes suudab teistele edastada ehedaid tundeid, äratada kõik säravamad ja näidata inimloomuse halvimat.

Heli-visuaalne näitleja on ka helitugevus. Selline näitleja võib mängida suhteliselt lihtsaid rolle, kuid juba heli olemasolu muudab need sisukaks ja süvendab nende sisu. Parimad näitlejad on helivaatajad. Nagu Oleg Menšikov, Marlon Brando, Oleg Basilašvili ja paljud-paljud teised.

Kas teatri roll kultuuris suudab tänapäeval audiovisuaalsete inimeste tühimikud täielikult täita? Mis puudutab uut põlvkonda, siis loomulikult mitte. Teater üksi sellega hakkama ei saa. Peame teadvustama oma omadusi ühiskonnas, andma endast visuaalse kaastunde ja mõistliku tähenduse otsinguga.

Teatri roll meie elus on anda meile teel täiendavat inspiratsiooni. Täitke uute mõtete ja tunnetega, et need kasvaksid uuteks tegudeks. Teatri roll inimelus on aidata meie visuaalsetel ja heli-visuaalsetel lastel areneda nii, et nad alustaksid oma otsinguid teadlikult uuelt tasandilt – tunnetatuna ja mõistetuna mineviku ja oleviku draamaklassika parimates tundides. Teatri roll kultuuris on kinkida meile killuke õnne meie elu kõige mustemal päeval.

Artikkel on kirjutatud materjalide abil

Teatrit võib õigustatult pidada inimkultuuri üheks vanimaks tugipunktiks. Ühel või teisel kujul suutis see võtta oma koha kõigi maailma rahvaste kultuuritraditsioonis, sõltumata rassilisest, usulisest, etnilisest või muust kuuluvusest. Teatri roll inimese ja ühiskonna elus varieerus olenevalt ajast (ajastust) ja teatritöötajate eesmärkidest. Näiteks Vana-Kreekas oli teatri ülesandeks publiku vaimne arendamine ja moraalne puhastamine kangelaste empaatia kaudu (antiikdraamas oli domineerivaks žanriks tragöödia), samuti olulisemate ajaloosündmuste kajastamine.

Teater inimese elus

Teatri põhifunktsioon oli ja jääb meelelahutuseks, kõik teised (hariduslikud, harivad, propaganda- ja muud teatri eri aastate ja ajalooliste verstapostide jaoks olulised funktsioonid) said eksisteerida vaid meelelahutuslikult. Sellest järeldub, et teater rahuldas iidsetest aegadest inimese loomulikku vaatemänguvajadust.

Teater tuleb elust, mis tähendab, et iga teatrilavastus räägib meile alati meist endist.

Teatri tähtsuselt teine ​​roll inimese elus on arendav. Teatripraktika on populaarne enesearendamise viis, samuti kasulik aktiivne puhkus ja lihtsalt meeldiv ajaviide. Näitlejapraktika areneb inimeses:

• esteetiline tunne;
• sisemise vabaduse tunne;
• rütmitunne ja kehakontroll;
• oskus tunda empaatiat ja seada end teise inimese asemele;
• oskus oma mõtteid õigesti väljendada ja edasi anda, samuti väljendada neid ilma sõnade abita;
• oskus mõista inimesi ja elusituatsioone;
• armastust kirjanduse vastu ning oskust lugeda mõtestatud ja kasulikult.

Teatri tähtsus laste kasvatamisel

Näib, et teatri roll laste kasvatamisel on ilmne, kuid mitte kõigile. Las ma seletan. Laste amatöörteatrite ja teatriklubide populaarsuse määravad kolm peamist tegurit:

1. Mängu õppimise võimalus. Teatri aluseks on maailma klassikaline kirjandus, mida lastel on lugemise kaudu nii raske omastada ja nii lihtne - laval toimuva tegevuse kaudu.
2. Näidendi lavastamine on meeskonnatöö, pidev töö partneriga, oskus võtta vastutust teiste inimeste ja ühise asja eest.
3. Teater võib teismelise köita, saada tema hobiks ja kaitsta teda halbade harjumuste ja mittetoimivate ettevõtete kahjuliku mõju alla sattumise eest.

Lisaks on lastepsühholoogid kinnitanud teatri rolli lapse isiksuse kujundamisel kui kindlat viisi, kuidas ületada enesekindlust, arendada olulisi suhtlemisoskusi ja arendada igas vanuses laste tervislikku enesehinnangut.

Teatri rolli muutumine kaasaegses ühiskonnas

Teatri tähtsus tänapäeva inimese elus hakkas kinokunsti esilekerkimise ja veelgi enam filmimise ja filmide näitamise tehnoloogia täiustamise tulemusena märgatavalt vähenema.

Kodutelerite tulekuga kaotas teater märkimisväärse osa publikust ja tulevikus kasvasid terved põlvkonnad üles mitte laval, vaid “sinisel ekraanil”.

See tõi kaasa selle, et teater kaotas oma rolli peamise masside “prillede” pakkujana ja huvi selle vastu vähenes oluliselt. Ent just täna, digiajastul, mil terved filmide arhiivid mahuvad sentimeetrisele plastikule, mis on vaatamiseks saadaval igas mobiilseadmes, muutub teatri roll ühiskonnas. Ta kogub taas populaarsust ja saab teise tuule. Sellel on mitu põhjust.

• küllastustunne. Kunagi oli kino populaarsuse pöörane kasv tingitud nähtuse uudsusest, eriti võrreldes traditsioonilise teatriga. Tänapäeval on kino nii tavaline ja laialt levinud nähtus, et teater näeb selle taustal välja peaaegu eksootiline ja naaseb kiiresti moodi.
• Madala kvaliteediga masstoode. Filmi kõrge kassatulu tagamiseks piisab, kui investeerida eriefektidesse ja reklaami hea treileriga, sest vaataja läheb ennekõike eredale pildile. Tulemuseks on hulk madala kvaliteediga ja suure eelarvega efemere, mille väärtus on ilmne ainult nende loojatele. Ja moodsa vaataja tekkivat intellektuaalset nälga saab rahuldada vaid “tark” kino, mida pole nii palju, ja loomulikult teater.

Avaliku esinemise koolis hõlmab ärisuhtluse õpetamine suhtlemisoskuste arendamist ja läbirääkimiskogemuse jagamist just teiesuguste õpilastega. Koos õpetajaga analüüsite läbirääkimiste kõige raskemaid hetki ja õpite neist üle saama.

Kaasaegne reaalsus toob paljudele meist kaasa palju pettumusi ja kurbusi, mistõttu tuleb nende “täievoolu” vahel peatada rõõmsate, positiivsete ja helgete sündmustega, näiteks teatris käimisega. Kaasaegse inimese, nagu ka tema esivanemate jaoks pole teater ainult põnev kunstivorm, teater on võimas antidepressant, mis annab tohutul hulgal positiivseid emotsioone, mis tekitavad hinges hea tuju, kerguse ja uskumatu rõõmu.

Vähemalt mõnikord teatrietendusi külastades saate depressioonist kergesti lahti. Nii et mõtleme välja, miks mõjuvad piletid suurde teatrisse ja teistesse Melpomene suurtesse ja väikestesse templitesse inimkehale nagu tugevad antidepressandid.

Saladus on selles, et teatris saab inimene etenduse ajal palju positiivseid emotsioone, mis omakorda stimuleerivad stressihormooni taseme langust veres ja suurendavad hea tuju eest vastutava aine tootmist. - serotoniin. See aine on inimorganismile omamoodi ravim, mis toob positiivsust, rõõmu ja loomuliku õndsuse tunnet. Kui organismis tekib ebapiisav kogus serotoniini või tootmine lakkab üldse, langeb inimene depressiivsesse seisundisse.

Reeglina pöördutakse depressiooni ajal eriarstide poole, kes pärast läbivaatust kirjutavad välja palju ravimeid, mille peamiseks ülesandeks peetakse rõõmuhormoonide väljanägemise stimuleerimist organismis. Kuid eranditult kõik antidepressandid toimivad samamoodi nagu kõik teised farmakoloogilised ravimid - need mõjutavad ühte organit positiivselt ja negatiivselt kõiki teisi. Ja kas tasub erinevate pillide abil kehale negatiivselt mõjuda, kui regulaarse teatrikülastusega saab depressioonist lahti? Teatrietendus ei too kaasa mingeid kõrvalmõjusid ja teatripilet maksab vähem kui arsti poolt välja kirjutatud ravimid. Samas annavad regulaarsed väljasõidud kunstitemplisse võimaluse areneda inimesena, annavad toitu vaimule, ärgitavad tundma millegi uue ja tundmatu kohta. See tähendab, et teater on vaimse enesetäiendamise tugevaim platvorm.

Statistika järgi on teatriskäimine viimasel ajal moodsate noorte seas üha populaarsemaks muutunud. See tähendab, et on põhjust arvata, et teater kui kunst ei sure kunagi välja. Ja isegi vastupidi, uued tehnoloogilise progressi sammud annavad teatritööstusele uusi võimalusi, nii et isegi need inimesed, kes pidasid neid mineviku reliikviaks, hakkavad teatri esietendustel käima.

Nii psühhoterapeudid kui teatriesindajad on pikka aega mõelnud, kuidas teater mõjutab inimeste füüsilist ja moraalset tervist. Sellega seoses on ravi- ja taastusravipraktikas hiljuti esile kerkinud uus kontseptsioon – transdraamateraapia. See räägib teatri sügavast mõjust vaataja hingele. Pärast etendust tulevad inimesed välja veidi teistsugused, justkui uuenenud ja puhastunud. Kui te pole kunagi varem teatris käinud, soovitame teil külastada - see www.sim-sim.ru aitab teil saada üksikasjalikku teavet toimuvate kontsertide kohta. Muide, see teater on ka konservatoorium, kus õpivad andekad lapsed.

Stanislavski süsteem

Peaaegu kõik meist teavad või on vähemalt kuulnud Stanislavski süsteemist. Kuid vähesed teavad, et teatritöötaja kasutas lavastajate ja näitlejate praktikate juhendit koostades meditsiinilisi teadmisi. Stanislavski süsteemis käsitleti esimest korda probleeme, mis on seotud inimese teadliku alateadliku loomepotentsiaali valdamisega, mis põhineb orgaanilisel rolliks muutumisel.

Süsteemi arendamiseks teatriringkondades pöördus Stanislavsky kuulsate teadlaste Pavlovi ja Sechenovi teoste poole, mis olid pühendatud inimese kõrgemale närvitegevusele. Ta kehastas omaenda töömeetodit, mida nimetati füüsiliste toimingute meetodiks. Pärast üksikasjalikku uurimist ühendas teatrigeenius taas psühhotehnikaga seotud seadused ja kasutas neid hiljem teatripraktikas.

Teatri positiivne mõju inimkonnale

Juba Aristotelese ajast, kes uskus, et kaastunne näitleja mõtete ja tegude vastu võimaldab inimesel vabaneda paljudest probleemidest ja kogemustest, on räägitud teatrikunsti kasulikust mõjust inimkonnale. Näiteks iga teatrisse pileti ostnud vaataja saab ja peaks etenduse ajal saavutama peamise positiivse efekti – indiviidi loomingulise olemuse ja potentsiaali paljastamise. Selle üks põhjusi on see, et kõik inimesed on hingelt väikesed näitlejad.

Igasse teatrisse sisenedes seab publik end tahes-tahtmata laval tegelaste olukorda. Iga inimene ajab juhtumi ise läbi, tunnetab oma puudusi ja käitumise eeliseid. Peamine eesmärk on ümbritseva maailma ja iseenda teadvustamine läbi teatraalse tegevuse. Kuid siin on väga oluline mitte unustada ennast ja mitte sageli rolle proovida ja veelgi enam, mitte igaveseks tegelaskujusse minna.

Teatri nauding

Nad ütlevad, et regulaarselt teatrit külastades on võimalik taastuda depressioonist, laiskusest ja apaatsusest. Teatri saladus peitub selles, et näitlejalavastus annab positiivseid emotsioone ja mõtteid, mis alandavad inimkehas stressihormoone ning parandavad oluliselt meile rõõmu ja naudingut pakkuva serotoniini tootmist.

Kaasaegses postindustriaalses ühiskonnas, kus inimesel puuduvad sageli tõelised tunded, väärt ja sündmusterohked elusündmused. Just selleks teater loodigi. Näitleja ei saa laval rutiini ja igavuse taha peitu pugeda. Teatreid külastades saab unustamatu naudingu, õilistuda, mingil määral hinge ravida ja mõtteid korda seada ning see on palju väärt.

Ettevõtte kontaktid sim-sim.ru
telefon: +7 495 77-228-77

VENEMAA FÖDERATSIOONI HARIDUS- JA TEADUSMINISTEERIUM

Föderaalne riigieelarveline haridusasutus

kõrg- ja erialane haridus

"Ryazani osariigi ülikool, mis sai nime S.A. Yesenin"

Sotsioloogia- ja juhtimisteaduskond

Sotsioloogia osakond

Eriala 040100 – "Sotsioloogia"

Teater kui kasvatusvahend

4. kursuse üliõpilase kursusetöö,

rühm 9910 Gorjatšova T.G.

Teaduslik juhendaja: Ph.D.

psühhol. Teadused Tenyaeva O.V.

________________________

"________"________________2013

Rjazan 2013

Sissejuhatus

1. peatükk. Teatri loovuse protsessi mõju indiviidi haridusele

Teater kui isiksuse mõjutamise vahend………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

“Näitleja” kui elukutse ja sotsiaalpsühholoogiline nähtus.....8

Vaatajate harimine teatri kaudu………………………10

Peatükk 2. Kasvatusprotsess teatrirühmades

2.1. Haridusprobleemid teatrirühmades ……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

2.2. Proovide roll haridusprotsessis ...

Järeldus

Kasutatud kirjanduse loetelu

Rakendus

Sissejuhatus

Kursusetöö teema aktuaalsus seisneb selles, et inimese arengu algfaasis mängisid inimkäitumise lavastuslikud põhimõtted palju suuremat rolli kui meile lähedastel ajastutel. Eelkapitalistlikes ühiskondlikes suhetes oli kultuur justkui teatraalsusest läbi imbunud.

Sel juhul esineb teatrikäitumine sageli laval ja draamas kõige olulisema kujutamisobjektina. Paljude teoste tuumaks on episoodid, kus tegevus toimub paljude inimeste aktiivsel osalusel.

See aitas kaasa sellise loovuse tüübi tekkele nagu teatrikunst, millele selle loomise esimestel etappidel ei omistatud haridusvahendina nii suurt tähtsust, mille kohta on tänapäeval palju nii psühholoogide, õpetajate kui ka teatri teoreetilisi töid. kriitikud on pühendunud.

Kursusetöö eesmärk on avada teatri ja teatrikunsti võimalusi õppeprotsessis.

Kursusetöö eesmärgid on järgmised:

Avaldage teatraalsuse kui eneseväljenduskunsti tähendust

Mõelge teatrirühma haridusprotsessile

Uurige teatri rolli haridusvahendina

1. peatükk. Teatri loovuse protsessi mõju indiviidi haridusele

1.1. Teater kui isiksuse mõjutamise vahend

Teatrikunst on kuulutatud indiviidi moraalse, esteetilise ja kodanikukasvatuse peamiseks ja peaaegu ainsaks teguriks. Samal ajal võetakse selle mõju sageli kunstlikult välja üldisest vaimsest õhkkonnast, milles inimene liigub, ning eiratakse töötegevuse ja sotsiaalsete suhete määravat rolli indiviidi vaimse ja juba ka loomingulise potentsiaali kujunemisel. . Kunsti rolli isiksuse kujunemise protsessis võib määratleda kui korrigeerivat, rikastavat, töö ja keskkonnatingimuste moraalset, esteetilist ja loomingulist mõju suurendavat. Kunst aitab teatud mõttes ja teatud tingimustel kaasa loova isiksuse arenguprotsessis tekkivate vastuolude lahendamisele, eemaldab ebaharmoonilised tegurid ja loob teatud kunstilise tausta. Teatrirühma roll originaalkunstiteoste loojana või nende tõlgendajana on suhteline, esile kerkib tema pedagoogilise suunitluse ja sotsiaalpedagoogilise funktsiooni täitmise probleem. Milles seisneb teatri kui kasvatusaine, indiviidi tervikliku ja harmoonilise arengu vahendi eripära? Kõigepealt tuleb rõhutada: kunst ei ole ainus isiksust kujundav sotsiaalse teadvuse vorm. Hariduskoormust kannavad teadus, poliitika, ideoloogia, moraal ja õigus. Kuid kõigi nende sotsiaalse teadvuse vormide mõju on kohalik. Moraal määrab kõlbelise kasvatuse, õigus - õigusliku, ideoloogia, poliitika - ideoloogilise ja maailmavaatelise. Teater mõjutab teadvust, inimese vaimset ja tundemaailma (kujundab seeläbi tema terviklikku välimust; soodustab aktiivselt vaimset kasvu, soodustab ideoloogilisi ja moraalseid veendumusi, ergutab ühiskondlikult ümberkujundavat tegevust, parandab poliitilist kultuuri, tööd ja igapäevaelu. Esteetiline mäng, meelelahutus kandub märkamatult üle kunsti moraalse sisu rikkus isiklikuks omandiks Kujuneb inimese terviklik suhtumine maailma, jättes jälje tema elu ja tegevuse kõikidesse tahkudesse, suhetesse, elu eesmärgi ja mõtte mõistmisse Teater teravdab meelt moraalselt õilistab tundeid, avardab silmaringi "Katarsise" protsess - kunsti "puhastav" mõju on loomulikult keeruline ja mitmetähenduslik. See on seotud sügavate juurtega psüühikas, indiviidi vaimses maailmas toimuvate nähtustega; seda mõjutavad otseselt või kaudselt sotsiaalse olemasolu tegurid, mis võivad protsessi tõhusust nii suurendada kui ka vähendada.

Nõukogude psühholoogid, eeskätt L. Võgotski, S. Rubinstein, B. Teplov, L. Jakobson, analüüsisid üsna põhjalikult ja sügavalt ning kinnitasid eksperimentaalselt teatri mõju isiksuse arengule: vaimsele, moraalsele, esteetilisele; avaldub kunstiliste võimete olemus ja inimese eelsoodumus teatrikunstile kui tegevusvormile. Kunsti ja inimese interaktsiooni põhijooneks on selle protsessi sügav emotsionaalne, sensoorne alus. Erinevate tegevuste emotsionaalne intensiivsus ei ole aga sama. Teaduslikus tunnetuses on emotsioonid allutatud, tausta iseloomuga. Siin on esiplaanil mõtlemine ja teadvus. Kunstis ja kunstipraktikas mängivad domineerivat rolli emotsioonid ning emotsionaalne ja meeleline kogemus. Nende põhjal tekib teadlik, ideoloogiline ja kujundlik nägemus ja arusaam kunsti sisust. Emotsionaalne mõtlemine ehk emotsioonidega mõtlemine, mis tekkis kokkupuutel kunstiga, omab otsest ligipääsu inimese tegudele, nende semantilisele ja emotsionaalsele sisule. Emotsioonid ja tunded, nagu teada, ei ole vaimse tegevuse lõpptoode. Need ilmnevad teatrikunsti mõju väga konkreetse tulemusena (teatud terminikokkuleppega), mis avalduvad teatud tegevuste vormis või annavad neile toimingutele sobiva värvingu. Tegevust mõjutades omandavad käitumismotiivid, emotsioonid nähtavad piirjooned ja avaldumisvormid. See indiviidi emotsionaalse ja psühholoogilise aktiivsuse tunnus teatrikunsti tajumise protsessis määrab ka selle kunstilise, esteetilise ja moraalse rikastamise intensiivsuse ning kunstiliste ja loominguliste oskuste arendamise protsessi.

Teatrirühma loovuse tulemuste originaalsust saab käsitleda nii kunstilis-esteetilisest kui ka isikulis-subjektiivsest vaatenurgast, s.o sellest, mida see inimesele kunstnikuna ja inimesena annab. Teatrirühmas esinemine on seotud esteetiliste ja vaimsete väärtuste loomise protsessiga. Üks neist on sügav moraalne sotsialiseerimine, inimese moraalne täiustamine. See tegevus võib seisneda erinevate kunstiliste ja loominguliste probleemide iseseisvas lahendamises või lahenduste leidmises. Toimub aktiivne isiksuse loomine, kõigi selle aspektide ning vaimse ja loomingulise potentsiaali arendamine. Pealegi realiseerub see potentsiaal mitte ainult kunstipraktika sfääris, vaid ka kogu inimsuhete süsteemis teistega. Loov lähenemine esilekerkivate probleemide lahendamisele muutub tema loomulikuks harjumuseks, oluliseks tunnuseks. Loomingulise tegevuse tulemuslikkust saab määrata selle abil loova isiksusetüübi kujunemisega. See kriteerium on teatriloovuse jaoks määrav, sest see ülesanne on selle funktsioonidest kõige olulisem.

Nagu igal kunstil, on ka teatril kasvatuslikud funktsioonid, mida saab ellu viia vaid teatri loomingulises rühmas. Korralikult korraldatud pedagoogiline töö võimaldab osalejatel viljakamalt lahendada määratud ülesandeid ja saavutada soovitud tulemus. Teater ja teatrietenduskunst ei saanud tekkida tühjalt kohalt. Teatri ja selle kunstiliigi arengu esimene etapp oli teatraalsuse tekkimine nii inimeses endas kui ka siis teostes, mida ta esitas, eluviisis, mille ta määratles enda jaoks eksistentsi ja ellujäämise peamise kriteeriumina. rasketel aegadel. Praegu on teater juba iseseisev üksus, mis erineb paljuski esimestest teatri- või lavaloovuse loomise katsetest, millel on suured kogemused nii repertuaari kujundamisel kui ka oma publiku loomisel. Teatri kasvatuslikku mõju märgati iidsetel aegadel, kuid sellele ei antud erilist värvingut, kuna see probleem on leidnud oma aktuaalsuse tänapäeval ja seda käsitlevad kultuuri- ja kunstivaldkonna spetsialistid nüüd igakülgselt.

1.2. “Näitleja” kui elukutse ja sotsiaalpsühholoogiline nähtus

Näitleja on professionaalne erinevate rollide tegija teatris, ooperis, balletis, aga ka tsirkuses ja laval. Mõnikord seostatakse sõna "näitleja" kunstnikuga, kuigi selle tähendus on veidi laiem. Kunstnik on tavaliselt inimene, kes on saavutanud teatud oskuste taseme mõnes tegevuses, mis ei ole seotud teatri või muu etenduskunsti vormiga.

Kindlasti on igaüks meist vähemalt korra elus mõelnud näitlejaks saamisele. Mõnel see õnnestub, kuid teiste jaoks jääb see unistuseks.

Tänapäeval mängib näitleja elukutse iga inimese kultuurielus suurt rolli. Meile kõigile meeldib filme vaadata ja kinodes käia. Kõigist ei saa näitlejat, nii et professionaalsete näitlejate järele on suur nõudlus ja nende tasud on head. Professionaalne näitleja peab suutma töötada nii iseseisvalt kui ka meeskonnas, olema oma töös vastutustundlik ning mõistma ka lavastaja plaani

Et näitlejaks saada, peavad sul olema kunstioskused, olema loov ja ka laval. Teatrilavadel ja filmivõtetel on professionaalsete näitlejate järele suur nõudlus. Sageli on päevatasud 25–100 tuhat rubla ühe võttepäeva eest.

Näitleja elukutse on väga huvitav, kuid samas raske ja vastutusrikas. Seega on kaskadööride elukutse sageli seotud eluriskiga ning nõuab seetõttu maksimaalset hoolt ja keskendumist võtteplatsil või teatrilaval.

Tänapäeval õpetatakse meie riigis näitlemiskunsti spetsialiseeritud õppeasutustes. Esiteks peate läbima eelproovi, kus teil võidakse nõuda luuletuse lõigu lugemist või numbri esitamist. Näitlemist saate õppida lõputult, kuna teie täiuslikkusele pole piire.

Eriala "Näitlemine" on ühe kvalifikatsiooniga - "draamateatri- ja filmikunstnik". See, kui palju tuleb “teatrit” ja kui palju “kino”, sõltub ülikoolist.

Ainus osariiklik ülikool, mis koolitab filminäitlejaid, on nime saanud Ülevenemaaline Riiklik Kinematograafiainstituut. S.A. Gerasimova (VGIK). Kui teie eesmärk on teatrimaastik, siis on ülikoolide valik laiem. Moskvas koolitatakse teatrinäitlejaid neljas riigiülikoolis. Kuid viimasel kümnendil on kommertsülikoolid aktiivselt hakanud koolitama teatri- ja filminäitlejaid.

Näitlejaosakonda on väga raske registreeruda ja eelarveosakonda on peaaegu võimatu. Tulevased näitlejad tulevad Moskvasse üle kogu riigi. Keskmine sisseastumiskonkurss on 20 inimest ühe koha kohta.

1.3. Vaatajate harimine teatri vahenditega

Iga kunst, millel on erilised mõjuvahendid, saab ja peaks andma oma panuse koolinoorte esteetilise kasvatuse üldisesse süsteemi. Teatril, nagu ühelgi teisel kunstiliigil, on suurim “võimekus”. See neelab kirjanduse võime taasluua sõnades elu selle välistes ja sisemistes ilmingutes, kuid see sõna pole jutustav, vaid elavalt kõlav, vahetult mõjuv. Pealegi taasloob teater erinevalt kirjandusest reaalsust mitte lugeja mõtetes, vaid objektiivselt eksisteerivate, ruumis paiknevate elupiltidena (lavastusena). Ja selles osas tuleb teater maalile lähemale. Aga teatrietendus on pidevas liikumises, see areneb ajas – ja on sel moel muusikalähedane. Sukeldumine vaataja kogemuste maailma sarnaneb olekuga, mida kogeb muusikakuulaja, kes on sukeldunud omaenda helide subjektiivse tajumise maailma.

Muidugi ei asenda teater kuidagi teisi kunstiliike. Teatri eripära seisneb selles, et see kannab kirjanduse, maalikunsti ja muusika “omadusi” läbi elava, tegutseva inimese kujundi. See otsene inimmaterjal teistele kunstiliikidele on vaid loovuse lähtepunkt. Teatri jaoks ei toimi “loodus” mitte ainult materjalina, vaid säilib ka oma vahetus elavuses. Nagu märkis filosoof G. G. Shpet: „Näitleja loob end kahes mõttes: 1) nagu iga kunstnik, oma loomingulisest kujutlusvõimest; ja 2) konkreetse materjali omamine, millest kunstiline kujund luuakse” (1).

Teatrikunstil on hämmastav võime sulanduda eluga. Kuigi lavalavastus toimub teisel pool lava, hägustab see kõige pingelisematel hetkedel piiri kunsti ja elu vahel ning tajub publik seda kui reaalsust ennast. Teatri ligitõmbav jõud seisneb selles, et “elu laval” kehtestab end vabalt vaataja kujutluses.

See psühholoogiline pööre tekib seetõttu, et teater ei ole lihtsalt varustatud reaalsuse joontega, vaid avab iseenesest kunstiliselt loodud reaalsuse. Teatrireaalsusel, mis loob mulje reaalsusest, on omad erilised seadused. Teatri tõde ei saa mõõta tõsielulise tõepärasuse kriteeriumidega. Inimene ei suuda taluda psühholoogilist koormust, mille draamakangelane elus enda peale võtab, sest teatris toimub tervete sündmustetsüklite äärmine kondenseerumine. Lavastuse kangelane kogeb oma siseelu sageli kirgede klombina ja mõtete kõrge kontsentratsioonina. Ja kõik see on publiku jaoks enesestmõistetav. “Uskumatu” objektiivse reaalsuse standardite järgi ei ole kunstis sugugi märk ebausaldusväärsusest. Teatris on “tõel” ja “ebatõel” erinevad kriteeriumid ja need on määratud kujutlusvõimelise mõtlemise seadusega. "Kunsti kogetakse reaalsusena meie vaimsete "mehhanismide" täiuses, kuid samal ajal hinnatakse seda oma spetsiifilises kvaliteedis kui käsitsi valmistatud ja mängulist "mittereaalset", nagu lapsed ütlevad, reaalsuse illusoorset kahekordistamist. (2).

Teatrikülastaja muutub teatrivaatajaks, kui ta tajub lavategevuse seda kahepoolset aspekti, mitte ainult ei näe enda ees eluliselt konkreetset tegevust, vaid mõistab ka selle teo sisemist tähendust. Laval toimuvat tunnetatakse nii elutõena kui ka selle kujundliku rekreatsioonina. Samas on oluline märkida, et vaataja, kaotamata reaalset taju, hakkab elama teatrimaailma. Reaalse ja teatrireaalsuse suhe on üsna keeruline. Selles protsessis saab eristada kolme faasi: 1. Objektiivselt näidatud reaalsuse tegelikkus, mille dramaturgi kujutlusvõime muudab dramaatiliseks teoseks. 2. Teatri (lavastaja, näitlejate) poolt lavaellu kehastatud dramaatiline teos - etendus. 3. Lavaelu, mida publik tajub ja saab osaks nende kogemustest, sulandub publiku eluga ja naaseb seeläbi taas reaalsusesse.

Kuid see “tagasitulek” ei ole analoogne algallikaga, nüüd on see vaimselt ja esteetiliselt rikastatud. “Kunstiteos luuakse nii, et see elab - elab peaaegu selle sõna otseses tähenduses, s.t. sisenes nagu päriselu kogetud sündmused iga inimese ja kogu inimkonna vaimsesse kogemusse” (3).

Kahe tüüpi aktiivse kujutlusvõime – näitleja ja vaataja – ristumisel tekib nn teatrimaagia. Teatrikunsti eelis seisneb selles, et see kehastab kujuteldava selgelt ja konkreetselt laval rulluvasse elavasse tegevusse. Teiste kunstide puhul ilmneb kujutlusmaailm kas inimese kujutluses, nagu kirjanduses ja muusikas, või on see jäädvustatud kivisse või lõuendile, nagu skulptuuris või maalikunstis. Teatris näeb vaataja kujuteldavat. „Iga etendus sisaldab teatud füüsilisi ja objektiivseid elemente, mis on igale vaatajale kättesaadavad” (4).

Etenduskunst eeldab oma olemuselt mitte passiivset, vaid aktiivset publiku kaasamist, sest üheski teises kunstis pole loomeprotsessi niisugust sõltuvust selle tajumisest kui teatris. G.D. Gatševi publik on "nagu taevased olendid, nagu tuhandesilmne Argus<...>valgustab tegevust laval<...>sest lavamaailm tekib iseenesest, ilmub, aga samavõrd on see vaataja töö” (5).

Teatri põhiseadus – publiku sisemine osalus laval toimuvates sündmustes – eeldab kujutlusvõime ergutamist, iseseisvat, sisemist loovust igas vaatajas. See vangistus tegevuses eristab vaatajat ükskõiksest vaatlejast, keda leidub ka teatrisaalides. Vaataja, erinevalt näitlejast, tegevkunstnikust, on mõtisklev kunstnik.

Vaatajate aktiivne kujutlusvõime pole sugugi mingi eriline vaimne valitud kunstisõprade omadus. Muidugi on arenenud kunstimaitsel suur tähtsus, kuid see on nende emotsionaalsete põhimõtete kujunemise küsimus, mis on igale inimesele omane. “Kunstimaitse avab lugejale, kuulajale ja vaatajale tee välisest vormist sisemisse ja sealt teose sisuni. Selle tee edukaks läbimiseks on vajalik kujutlusvõime ja mälu, psüühika emotsionaalsete ja intellektuaalsete jõudude, tahte ja tähelepanu ning lõpuks usu ja armastuse osavõtt, see tähendab sama vaimsete jõudude terviklik kompleks, mida teostavad. loomeakt” (6).

Kunstilise reaalsuse teadvus tajuprotsessis on sügavam, mida täielikumalt on vaataja elamussfääri sukeldunud, seda mitmekihilisemalt jõuab kunst inimese hinge. Just sellel kahe sfääri – teadvustamata kogemuse ja teadliku kunstitaju – ristumiskohal eksisteerib kujutlusvõime. See on inimese psüühikale omane algselt, orgaaniliselt, igale inimesele kättesaadav ja esteetilise kogemuse kogumise käigus oluliselt arenev.

Esteetiline taju on vaataja loovus ja see võib ulatuda suure intensiivsusega. Mida rikkam on vaataja enda olemus, seda arenenum on tema esteetiline tunnetus, seda täiuslikum on tema kunstikogemus, seda aktiivsem on tema kujutlusvõime ja rikkamad on tema teatrimuljed.

Taju esteetika on suuresti keskendunud ideaalsele vaatajale. Tegelikkuses viib teatrikultuuri teadlik kasvatamise protsess vaatajat ilmselt edasi kunstialaste teadmiste omandamise ja teatud tajuoskuste omandamise suunas. Haritud vaataja võib hästi: - tunda teatrit selle seaduste järgi; - tunneb teatrit selle kaasaegsetes protsessides; - tunneb teatrit selle ajaloolises arengus.

Samas tuleb teadvustada, et mehaaniliselt vaataja pähe salvestatud teadmised ei garanteeri täielikku taju. Vaatajakultuuri kujunemisprotsessil on teatud määral “musta kasti” omadused, kus kvantitatiivsed aspektid ei summeeru alati otseselt teatud kvalitatiivsete nähtustega. Teater on hämmastav kunst. Kasvõi juba sellepärast, et viimase sajandi jooksul ennustati tema vältimatut surma mitu korda. Teda ähvardas kõne omandanud Suur Vaiki – tundus, et helikino viib teatrist kõik vaatajad ära. Siis tuli ähvardus televisioonist, kui vaatemäng tuli otse majja ning hiljem hakati kartma video ja interneti võimsat levikut.

Kui aga keskenduda üldistele suundumustele teatrikunsti olemasolus maailmas, siis pole üllatav, et 21. sajandi alguses teater mitte ainult ei säilitanud ennast, vaid hakkas selgelt rõhutama mittemassilikkust ja teatud mõttes selle kunsti “elitaarsus”. Aga samas mõttes saame rääkida kujutava kunsti või klassikalise muusika elitaarsusest, kui võrrelda populaarsete interpreetide kogutavat mitmemiljonilist publikut konservatooriumi piiratud publikuga.

Moodsa aja sünteetilises teatris ilmneb traditsiooniline suhe domineerivate printsiipide – tõe ja väljamõeldis – vahel omamoodi lahutamatus ühtsuses. See süntees toimub nii kogemisaktina (elutõe tajumine) kui ka esteetilise naudingu aktina (teatri luule tajumine). Siis ei muutu vaataja mitte ainult tegevuse psühholoogiliseks osalejaks, st inimeseks, kes "imab endasse" kangelase saatuse ja rikastab end vaimselt, vaid ka loojaks, kes teeb oma kujutluses loova tegevuse samaaegselt toimuvaga. laval. See viimane punkt on äärmiselt oluline ja sellel on keskne koht publiku esteetilises kasvatuses.

Muidugi võib igal vaatajal olla ideaalsest esitusest oma ettekujutus. Kuid kõigil juhtudel põhineb see teatud kunstinõuete "programmil". Selline “teadmine” eeldab vaatajakultuuri teatud küpsust.

Vaatajakultuur sõltub suuresti vaatajale pakutava kunsti olemusest. Mida keerulisem on talle pandud ülesanne - esteetiline, eetiline, filosoofiline -, seda intensiivsem on mõte, seda teravamad on emotsioonid, seda peenem on vaataja maitse avaldumine. Sest see, mida me nimetame lugeja, kuulaja või vaataja kultuuriks, on otseselt seotud inimese enda isiksuse arenguga, sõltub tema vaimsest kasvust ja mõjutab tema edasist vaimset kasvu.

Teatri poolt vaatajale püstitatud ülesande psühholoogilises mõttes olulisus seisneb selles, et vaataja tajub kunstipilti kogu selle keerukuses ja ebajärjekindluses esmalt reaalse, objektiivselt eksisteeriva tegelasena ja seejärel ta harjub pildiga ja mõtleb selle tegevuste üle, paljastab (justkui iseseisvalt) selle sisemise olemuse, üldise tähenduse.

Esteetiliselt seisneb ülesande keerukus selles, et vaataja ei taju lavapilti mitte ainult tõe kriteeriumide järgi, vaid teab (õpitud) lahti mõtestada selle poeetilist metafoorilist tähendust. Niisiis on teatrikunsti spetsiifika elav inimene, vahetult kogev kangelane ja vahetult loov kunstnik ning teatri olulisim seaduspära on otsene mõju vaatajale. “Teatri efekti”, selle selgust ei määra mitte ainult loovuse enese väärikus, vaid ka auditooriumi väärikus ja esteetiline kultuur. Teatripraktikud ise (lavastajad ja näitlejad) kirjutavad ja kõnelevad vaatajast kui etenduse kohustuslikust kaasloojast kõige sagedamini: „Publiku osaluseta pole teatrietendust ja etendusel on eduvõimalus vaid siis, kui vaataja ise “kaotab” mängu, s.t ... aktsepteerib selle reegleid ja täidab empaatiavõimelise või ennast kõrvaldava inimese rolli” (7).

Kunstniku ärkamine vaatajas toimub aga vaid siis, kui vaataja suudab lavastusele omast sisu tervikuna tajuda, kui ta suudab avardada oma esteetilist ulatust ja õppida nägema kunstis midagi uut, jäädes truuks oma lemmikkunstilaadile, ei osutu ta kurdiks ja teistele loomingulistele suundadele, kui suudab näha klassikalise teose uut tõlgendust ning suudab lahutada lavastajaplaani selle näitlejatepoolsest teostusest. .. Selliseid “kui” võiks nimetada veel palju. Järelikult selleks, et vaataja saaks loomingusse kaasatud, et kunstnik temas ärkaks, on meie teatri praeguses arengujärgus vajadus vaataja kunstikultuuri üldise tõusu järele.

Kaasaegne pedagoogika käsitleb teatri võimalusi kui reaalset koolinoorte kunstilise kasvatuse vahendit. Teater on alati olnud andekate vaatajate kool. Tänapäeval on elektroonilise kultuuri arenemise, meedia laienemise, "tarbekaupade meelelahutuse" (Z. Ya. Korogodsky) tingimustes vaja otsida vahendeid, mis aitavad sellele protsessile vastu seista. Muidugi on mitmemiljoniline videopublik ja tagasihoidlik teatripublik kvantitatiivselt võrreldamatud, kuid just elava kunstiga suhtlemisest üles kasvanud teatrivaataja, nagu ütlevad psühholoogid, sotsioloogid ja kunstikriitikud, on kõige haritum ja andekam.

Märkigem ka seda, et kaasaegse teatri kunstilised otsingud eeldavad loomulikult kompetentse vaataja olemasolu, keda tõmbab teatrisse midagi enamat kui tundmatu süžeega tutvus või võimalus mõnusalt vaba aega veeta. Vaatajate eristumine üksikuteks “ekspertideks” ja massiliseks “ühekordseks” vaatajaskonnaks sisaldub teatrikunsti enda sees tekkivas jaotuses originaalses kunstikeeles loodud etendusteks ja igale vaatajale kättesaadavaks massietenduseks. Kaasaegne teater, nagu praktika näitab, on muutumas iseseisvaks loomeorganismiks, osaks nähtusest, mida kultuuriloos nimetati "kunstiks kunsti pärast". Selles protsessis muutub vaataja "etenduse kolmandast loojast" (K. S. Stanislavsky) teisejärguliseks komponendiks, mis asub sageli teatri enda tähelepanu perifeerial. Seega, kui tänapäeval on teater oma loometegevuses oma haridusfunktsioonist praktiliselt loobunud, siis kaasaegne koolkond on võtnud endale kohustuse arendada kunstihuvi ning astuda vastu vaimsuse ja massikultuuri puudumisele.

Just kool hakkas kaasama teatrit väga erinevatesse õppe- ja koolivälistesse tegevustesse. Mitte ainult humanitaar- või esteetilise suunaga spetsialiseeritud koolid (gümnaasiumid ja lütseumid), vaid ka tavalised keskkoolid hakkasid oma programmi mitte ainult teatriklubisid ja valikaineid, vaid ka teatritunde sisse viima (koos ideede keerukusega selle kohta, mis on teatritund. kool on). Ilmunud on suur hulk saateid, eeskätt originaalseid, mis kõige sagedamini kaaluvad koolinoorte teatrikunsti tutvustamist professionaalse teatrihariduse kohandatud versioonis.

Nii teatritundide, valikainete kui ka teatraliseerimise kui lapse isiksuse arendamise vahendi lahutamatuks osaks on saanud teatrikultuuri komponent, mis selles töös osalevate õpetajate sõnul seisneb kõige sagedamini koolinoortele teatri kui kunstiliigi tutvustamises. , kodu- ja välismaise teatri ajaloo õppimine, näitlemise elementide valdamine ja etenduste lavastamine, milles lapsed mängivad.

Kino ja televisiooni tohutu suurejooneliste muljete hulga aktiivne tungimine laste teadvusse juba varasest noorusest ei möödu jälgi jätmata. Tänapäeva teater meeldib loomulikult noorte televaatajate põlvkonnale. Televaataja spetsiifika mõjutab vaataja olemasolu teatrisaalis. Võimalus kodus vaadates saadet või filmi katkestada, peatada, vaatamisest "väljuda" ja millal iganes uuesti "siseneda", moodustab omamoodi diskreetse taju, mis pannakse teatris tõsiselt proovile. Pikaajalise süvenemise vajadus kunstiga suhtlemise terviklikku protsessi põrkub noorte vaatajate võimetusega selles suhtluses aeglaselt eksisteerida. Protsessi muudab veelgi keerulisemaks paljude kaasaegsete lavastajate pühendumus nelja-viietunniste monumentaalsete teoste loomisele, mõnikord vaid ühe vaheajaga. Sellised etteasted panevad sõna otseses mõttes proovile publiku teatrikunsti vastu huvi "tugevuse". Kaasaegne noorvaataja on suuresti massikultuuri poolt kasvatatud ja sellele orienteeritud. Teatriterminit kasutades võib öelda, et kõik noorte “lisandused” kunstile tulevad üldjuhul sellest “massilisest” haridusest. Seetõttu seisab isegi teatrikülastuse kui teatud rituaali, teatud reeglite ja traditsioonide järgimise suhtumise kasvatamine silmitsi spetsiifiliste raskustega. Noorteteatri etenduse nooruslik publik eksponeerib staadionil rokkkontserdi “sündroomi”: niipea kui saalis tuled kustuvad, vilistavad, möirgavad ja jalgu trampivad noored vaatajad. Tihtipeale algavad paljud etendused lavastaja plaani järgi vaikuses ning noortesaal deklareerib end koheselt ning pakub dialoogi ja tagasisidet – nagu kontserdil, teatrimängu tingimusi mõistmata või aktsepteerimata.

Samas võib teatriajaloost leida palju näiteid, kui teater kasvatas vaatajat teadlikult talle vajalikus suunas, teatris. Näiteks Moskva Kunstiteater ei rabelenud saalis mitte ainult daamide mütsidega, vaid võõrutas ka publikut aplausist, kui keset tegevust välja tulid näitlejad, ja vahetunnil muusikast.

Muidugi pole see ainult välise kultuuri kasvatamine (etenduse algusesse mitte hilinemine või enne lõppu lahkumine). Kas pole vastuolu selles, et kaasaegsele noorele vaatajale, kes kasvas üles meediast, arvutitest, nakatatud “koomiksiteadvusest”, pakutakse rahulikku suhtlemist kunstiga, mis jääb klassikaliste väärtuste piiridesse? Dialoog eeldab suhtluskeele vastuvõtmist – aktsepteerimist ja mõistmist. Mõistmises on oluline aeglane eksisteerimine, lugemine, tähenduste lahtimõtestamine (stsenograafias, misanstseenis, alltekstis) ja loomulikult selle protsessi nautimine. Kaasaegne teater ei tõmbu mitte lihtsuse ja kunstiliste ja väljendusvahendite selguse poole, vaid mõtestatuse, mitmekihilise vaatemängu poole, mis eeldab vaatajat, kellel on teatud määral kunstniku, looja omadusi.