Isadora Duncan, królowa tańca. Historyczna rola Isadory Duncan w rozwoju postaci tanecznej Isadory Duncan w literaturze

Fayzulina Swietłana

Twórczość Isadory Duncan – osoby o wyrazistej indywidualności wykonawczej – zrodziła się z harmonii i systemu Duncana, zamkniętych w geniuszu Duncan, jej intuicyjnych spostrzeżeniach i impulsach improwizacyjnych. Jej twórczość nie nadawała się do analitycznego „przekładu” na kompletną metodologię, na fundament systemu pedagogicznego. Sama Isadora określiła metodę, styl i kierunek tańca.

Pobierać:

Zapowiedź:

Miejska państwowa placówka oświatowa

Gimnazjum Podowinowska

Taniec sceniczny w wykonaniu Isadory Duncan:

rewolucja w modzie na scenie

Arkusz egzaminu plastycznego

Ukończyła: Fayzulina Svetlana.

Sprawdzone przez: Nadieżda Władimirowna Yumadiłowa.

S. Podowińskie

rok 2013

1. Wstęp
2. Głównym elementem

1. Balet jako forma sztuki

2. Życie i twórczość Isadory Duncan

A) Dzieciństwo i młodość

B) pierwsze spotkanie z Rosją

B) ostatni taniec

D) Taniec Isadory - „podniecenie duszy”.

3 . Isadora. Rewolucja modowa na scenie.

1. Wniosek
2. Literatura.
3. Aplikacje

Wstęp

Balet ( ks balet, od Włoski balo - taniec) -

To jest tego rodzaju scenasztuka; spektakl, którego treść zawarta jest w obrazach muzycznych i choreograficznych. Najczęściej balet opiera się na określonej fabule,dramatyczny plan, libretto, ale są też balety bez fabuły. Główne rodzaje tańca w balecie totaniec klasycznyi charakterystyczny taniec. Odgrywa tu ważną rolępantomima, za pomocą którego aktorzy przekazują uczucia bohaterów, ich „rozmowę” między sobą, istotę tego, co się dzieje. We współczesnym balecie szeroko stosowane są również elementy gimnastyki i akrobatyki.Isadora Duncan to jedna z utalentowanych baletnic swoich czasów. Jest pełna wdzięku i niepowtarzalna w tańcu. Podziwiam ją. Balerina stworzyła własny styl. Studiuję choreografię w School of Art. Uwielbiam tańczyć, ale chciałabym dowiedzieć się więcej o ludziach sztuki i stąd temat mojej pracy „Taniec sceniczny Isadory Duncan: modna rewolucja na scenie”.

CEL: uznanie baletu za wyjątkową formę sztuki plastycznej

ZADANIA:

1. Zapoznaj się z historią rosyjskiego baletu
2. Poznaj życie i twórczość Isadory Duncan
3. Utwórz prezentację komputerową na temat badanego zagadnienia, jako pomoc dla uczniów klas 8-9

Balet jako forma sztuki

Balet to scena taneczna połączona pojedynczą akcją lub nastrojem, epizodem spektaklu muzycznego lub opery. Kwitniedworzaninbalet jako wspaniałe, uroczyste widowisko. Należy wziąć pod uwagę początek ery baletu we Francji i na całym świecie15 października1581. Pierwszy balet nosił nazwę „Balet komediowy królowej” (lub „Circe”), a jego choreografią był WłochBaltazariniego. Podstawą muzyczną pierwszych baletów były tańce ludowe i dworskie, których częścią byłystary apartament. W drugiej połowieXVII wiekpojawiają się nowe gatunki teatralne, jak npkomedia- balet, opera-balet, w którym znaczące miejsce przypisuje się muzyce baletowej i podejmuje się próbydramatyzować. Ale balet staje się samodzielną formą sztuki scenicznej dopiero w drugiej połowie.18 wiekdzięki reformom przeprowadzonym przez francuskiego choreografaJeana Georgesa Novera. Opierając się na estetyce francuskiego oświecenia, stworzył spektakle, w których treść ujawnia się w dramatycznie ekspresyjnych obrazach.

W swojej ewolucji balet coraz bardziej się zbliżaSportyzgubić po drodzedramatycznyZnaczenie roli czasami wyprzedza technologię, ale pozostaje w tyle pod względem treści.

W kompleksowe szkolenie profesjonalny artystawymagana wiedzakultura muzyczna, historii, literatury iscenariuszdramaturgia. Jednocześnie od siódmego roku życia dzieci przechodzągimnastykaprzygotowanie, gdyż balet z przeszłości, który przetrwał do dziś, został udoskonalony technicznie, a balet współczesny opiera się na podstawach klasycznych, np. baletForsythe’a, wymaga poważnego treningu fizycznego, tzwbalerinaSylwia GuillemSwoją przygodę twórczą rozpoczęłam od gimnastyki.

Starożytne balety miały wysublimowaną estetykę i czasami były wystawianeantycznydziałki, na przykład inscenizacjaKarola Didelota « Zefir i Flora».

W XVIII - XIX wiekartysta mógł być w tym samym czasieaktori tancerz, ponieważ nie był wymagany żaden specjalny rozwój zdolności fizycznych.

Na końcu 19 wiek i na początku XX wiekszkoły teatralne są podzielone. Repertuar wielu teatrów jednocześniedramaty, balet odwrócenie uwagi działy i operetki. Na przykład oprócz produkcji wBolszoj, Kasjan Jarosławicz Goleizowskichoreograficzne baletywystępy V” nietoperz" i w " Teatr Miniatur Mamontowa”, wśród których znalazła się produkcja „Les Tableaux vivants”, czyli „ożywiony obraz”, gdyż Goleizowski był przede wszystkimartysta. Zjawisko to rozwija się we współczesnym balecie jako „żywy obraz”, „żywa fotografia” i „żywa rzeźba”. W celuumieścić, najpierw musisz zobaczyć,rysować I ślepy.

Z serii rysunków „obcych” zrodziły się obrazy „ożywione muzycznie”.Wiktora Hartmanna, widziany w 1874 na wystawie Modesta Musorgskiego, dla którego pisał ku pamięci przyjacielafortepian słynny zestaw- cykl obrazów muzycznych - „Zdjęcia z wystawy", opublikowane w 1886, ze zmianami N. A. Rimski-Korsakow i wiele razy zaaranżowane.

Wystawiono słynny numer baletowy „Baba Jaga”.Leonid Jakobsondo zaaranżowanego utworu muzycznego posła Musorgskiego, stał się integralnym niuansem estetycznym wszystkichprogramy koncertowe.

„Zatańczeni do życia” „Obrazy z wystawy” i w1963, Gdy F. V. Łopuchowwystawiła na scenie baletTeatr Stanisławski. Zatem, obraz ożył jako pierwszy muzycznie, Następnie plastycznie.

Balet jest złożoną formą sztuki plastycznej, rozwija się dzięki osobie, osobie posiadającej naturalne, unikalne zdolności choreograficzne. Jednym z uderzających przykładów twórczych osobowości baletowych jest Isidora Duncan. Zatrzymam się na jej życiu i twórczości.

Niesamowite życie „boskiego sandała”, naznaczone luksusem lub biedą, było pełne gwałtownych namiętności i straszliwych tragedii.
Szanowano ją za umiejętności i talent. Zazdrościno jej miłości do społeczeństwa, niezależności zachowania i patronatu możnych. Jej ostatnia miłość do jasnowłosego rosyjskiego poety odegrała dziwną rolę w losach tancerki. Ta miłość, bliskość kręgu Jesienina i podziw dla rewolucji w Rosji są pamiętane częściej niż jasne twórcze życie wielkiej tancerki Isadory Duncan.Naprawdę nazywa się Dora Angela Duncan.

Na proste pytanie dziennikarzy, kiedy stawiała pierwsze kroki, Isadora niezmiennie odpowiadała: „W łonie matki. Prawdopodobnie pod wpływem jedzenia Afrodyty – ostryg i szampana”. Matka pozostawiona przez męża znajdowała się w ciągłym stanie rozdrażnienia i depresji. Mało przejmowała się różnorodnością diety nienarodzonego dziecka i w dziwny sposób zaspokajała swoje zachcianki gastronomiczne – jadła tylko ostrygi, popijając je dużą ilością lodowatego szampana. Dziecko urodziło się niezwykle aktywne i wesołe. Rok później pojawiła się ulubiona rodzinna rozrywka – na środku stołu postawiono malutką dziewczynkę w kamizelce, która niesamowicie poruszała się w rytm każdej granej lub śpiewanej jej melodii.

Lata szybko lecą, a w dorosłej Isadorze wzmocni się rzadki dar przedstawiania uczuć za pomocą ruchu. Nigdy nie zakwestionuje drogiej jej myśli: bogactwo ludzkiego życia zależy od głębi uczuć. Ufała temu postulatowi bezwarunkowo, choć nieustannie stawała się ofiarą tej „zmysłowej” idei.

Kiedy emocje, nie mogące utrzymać się na szczycie namiętności, osłabły, bezchmurny i szczęśliwy czas skończył się niemal nagle. Rozpoczęła się nowa karta biografii

...Pierwszym żywym wrażeniem życia był pożar, kiedy dwuletnia Isadora została wyrzucona przez okno płonącego domu w ramiona policjanta. Spontaniczny ruch jasnych języków płomieni stał się symbolem ognistego, niepohamowanego, niekontrolowanego tańca Duncana...

1904 Pierwsza trasa po Rosji. Niekończące się śnieżne równiny, mroźne powietrze, długie rosyjskie uczty, upał rosyjskiej łaźni... „Śnieg, rosyjskie jedzenie, a zwłaszcza kawior, wyleczyły mnie z wyczerpania spowodowanego duchową miłością Tode'a i całej mojej tęsknoty za komunikacją z silną osobowość, która stanęła przede mną w obliczu Stanisławskiego.” Pasjonuje się tańcem Duncana i często przychodzi zobaczyć ją za kulisami. Jest zdumiony, że „w różnych częściach globu, z powodu nieznanych nam warunków, różni ludzie szukają tych samych, naturalnych zasad twórczości w różnych dziedzinach sztuki…”. W dziwnej Amerykance wyczuł artystę tej samej krwi. Po odejściu Isadory na rosyjskiej scenie baletowej zaczęła pojawiać się muzyka Chopina i Schumanna; bohaterowie baletów Michaiła Fokina, Aleksandra Gorskiego i nieco później - Kasjan Goleizowski zdawał się wychodzić z frontowych greckich płaskorzeźb; baletnice zaczęły rozjaśniać swoje kostiumy, a czasem nawet rozstawały się ze stalowymi noskami pointów...

Pod koniec pierwszej dekady nowego stulecia Duncan stworzył zachwycającą miniaturę „Muzyczny moment”, która cieszyła się niesłabnącym powodzeniem. Podczas swojego drugiego tournée po Rosji niezmiennie bisowała ten taniec co najmniej sześć razy, za każdym razem tańcząc inaczej.

Isadorę ogarnęła chęć stworzenia szkoły tańca, aby wychowywać dzieci w duchu piękna hellenistycznego, a później sami uczniowie wprowadzali w piękno wielu innych. A życie na ziemi zmieni się nie do poznania – myślała idealistka Isadora. Otworzyła szkołę, ale na jej utrzymanie zabrakło środków. „Muszę znaleźć milionera! Muszę uratować szkołę”. Pragnienie się spełniło – tancerka poznała Parisa Eugene’a Singera, syna słynnego producenta maszyn do szycia, jednego z najbogatszych ludzi w Europie.

Singer zaproponowała, że ​​przejmie koszty utrzymania szkoły Duncana, aby mogła spokojnie tworzyć nowe tańce. Piosenkarka wręczyła luksusowe prezenty. Być może po raz pierwszy Isadora nie mogła myśleć o pieniądzach. Przyjęcia, maskarady, drogie kolacje podczas wspaniałych podróży. Syn Patrick był najdroższym prezentem. Znów trzymała dziecko w ramionach. „Tylko zamiast białego domu trzęsącego się na wietrze był luksusowy pałac, a zamiast ponurego, niespokojnego Morza Północnego był błękit Morza Śródziemnego.”

Na jednym z balów kostiumowych w pracowni paryskiego domu Singer poczuł się zazdrosny o Isadorę. Burzliwe starcia zakończyły się wyjazdem do Egiptu i odmową budowy teatru dla Isadory.

Pod koniec jej twórczości jednym z najpopularniejszych tańców Isadory był „Taniec z szalikiem”. Uwielbiała wykonywać ten fantasmagoryczny taniec w obecności Jesienina. Rozbudzona wyobraźnia poety malowała dziwny obraz: "Chusta trzyma się za ogon i sama tańczy. I zdaje się, że to nie szalik - ale chuligan w jej rękach... Chuligan ją obejmuje, rzuca i dusi ją... I nagle - raz! - i chusta jest pod stopami. Zdarła ją, podeptała - i koniec! Nie ma tyrana, na podłodze leży zmięta szmata... Moje serce bóle. To tak, jakbym leżał pod jej stopami. Jakbym był martwy. ...poruszała się niesamowicie do każdej melodii, która była jej grana lub śpiewana. Isadora często powtarzała taniec z szalikiem w ramach bisu. Podobnie było na koncercie w Nicei 14 września 1927 r. ...Tego samego dnia, skutecznie zarzuciwszy na szyję fatalną szkarłatną chustę, rozluźniła się swobodnie na siedzeniu samochodu. Za kierownicą zasiada młody Włoch, najnowsze hobby pięćdziesięcioletniej Isadory. Uśmiechając się, powiedziała: „Żegnajcie, przyjaciele, idę do chwały!” To były jej ostatnie słowa - jej głowa gwałtownie drgnęła i zwisała jak popsuta marionetka. Szalik spadł na oś koła przyspieszającego samochodu i wbił się w szyję niczym pętla.

Ci, którzy chociaż raz widzieli tańczącą Isadorę, nigdy jej nie zapomnieli. Burzycielka podstaw tańca klasycznego, nie miała wątpliwości, że prawdziwy taniec powinien rodzić się „z duchowej potrzeby wyrażania wewnętrznych przeżyć człowieka”. Taniec i życie były dla niej synonimami. Odmawiając edukacji w zakresie tańca klasycznego, zawsze wołała: „A czy w ogóle można uczyć tańca?” W amerykańskim studiu Stebbins, gdzie Isadora stawiała swoje pierwsze kroki, uczyli plastycznej interpretacji muzyki i sztuki otwartej improwizacji. Podstawą ruchu był prosty kompleks gimnastyczny.

Duncan stworzyła własny styl, wolny od stereotypów i szkół. Jej taniec wyrażał „podniecenie duszy” (Roden). Ważne było dla niej piękno, proste i złożone, jak sama natura. Ruchy Isadory nie wymagały najcięższych, wyczerpujących przygotowań. Program Duncana obejmował technikę przemieniania się w obraz, umiejętność uczynienia muzyki symbolem poruszeń duszy i dodania malowniczości wyrazistym gestom. Efekt artystyczny ma charakter improwizacyjny, na scenie wygląda jak intuicyjny wgląd.

Twierdząc, że liczy się tylko świat uczuć, była oczywiście nieszczera. Sama bowiem interesowała się filozofią, uczyła się języków obcych i opanowała niemiecki, aby czytać Schopenhauera i Kanta w oryginale. Inspirację do swojego tańca czerpała z Krytyki czystego rozumu Kanta. Taniec akwarelowej czystości, impresjonistyczne niedopowiedzenie. Cielesna harmonia jej ruchów osiągnęła duchową treść muzyki.

Początkowo Duncan inspirował się antykiem - jego harmonią form, pięknem póz, szacunkiem dla natury. Kostium sceniczny Duncana był zasadniczo grecki. Tańczyła w lekkich tunikach, występując na scenie boso i prawie nago: przezroczysta tunika nie zakrywała delikatnych linii jej pięknego ciała. W czasach, gdy tancerze byli „opakowani” w matowe jedwabne trykoty, był to krok wręcz rewolucyjny.

Ciało Duncana było niesamowite. Pewnego razu arcyksiążę Ferdynand, widząc Dunkana na brzegu w luźnym kostiumie kąpielowym – także tunice z przezroczystej krepy de Chine z głębokim dekoltem i gołymi nogami (co było wówczas niespotykaną śmiałością), szepnął: „Och, jaki piękny ten Duncan jest! Jak cudownie dobrze! Wiosna nie jest tak dobra, jak jest…”

Ruchy jej tańca – kroki, swobodne bieganie, niskie skoki, luźne batmany z nogami uniesionymi nie wyżej niż 45 stopni, wyraziste pozy i gesty, czasem melodyjne, czasem namiętne, czasem czułe, czasem ostre – przypominały rysunki na starożytnych freskach i obrazy wazonowe. W tańcu zatriumfowała wolność emocjonalna. Ruchy te nie przestrzegały żadnych zasad. Tańczę tak, jak czuję. Taniec nie potrzebował ani dramatycznej fabuły, ani kostiumów, ani dekoracji. Tylko muzyka, światło, tunika i wykonawca.

Krytycy pisali o niej z entuzjazmem: „Duncan tańczy naturalnie, prosto, jakby tańczyła na łące, a całym swoim tańcem walczy z zniszczonymi formami dawnego baletu”. „Te piękne wzniesione ramiona, imitujące grę na flecie, grę na smyczkach,… te ręce pluskające w powietrzu, ta długa, silna szyja… - Chciałem się temu wszystkiemu pokłonić z żywym klasycznym uwielbieniem!”

Portrety i fotografie nie są w stanie oddać boskiej melodii ruchów Isadory. Najbardziej wiarygodnym „dokumentem” są recenzje… poetów. Taniec Isadory jest bowiem skojarzeniowy i metaforyczny. "Isadora Duncan tańczy wszystko, co mówią inni ludzie, śpiewają, piszą, grają i rysują. Muzyka jest w niej ucieleśniona i pochodzi od niej" (Maximilian Voloshin). „W jej tańcu forma ostatecznie pokonuje bezwładność materii, a każdy ruch jej ciała jest ucieleśnieniem aktu duchowego” (Siergiej Sołowjow). "...Ona chodzi o to, co niewypowiedziane. W jej uśmiechu był świt. W ruchach jej ciała był zapach zielonej łąki. Fałdy jej tuniki, jakby szemrały, biły spienionymi strumieniami, gdy się oddawała aż po taniec swobodny i czysty” (Andrei Bely). W centralnym miejscu gabinetu Bloka umieszczono portret Isadory...

Taniec jest pierwszą i główną pasją jej życia... Miłość to druga, godna rywalka tańca pod względem siły pasji. Nazywano ją kurtyzaną XX wieku. Z bólem oczekiwała miłości, przewidywała ją, czekała cierpliwie. Od najmłodszych, krystalicznie czystych dziewczęcych lat.

Tańczyła w lekkich tunikach, występując na scenie boso i prawie nago: przezroczysta tunika nie zakrywała delikatnych linii jej pięknego ciała.
W swojej pracy chcę skupić się na jednej z najpiękniejszych historii miłosnych. To historia miłosna Isadory Duncan i Siergieja Jesienina.

Wszyscy odradzali jej wyjazd do Rosji Sowieckiej. Czerwona Rosja budziła grozę i strach. Marzyła o odwiedzeniu świata państwa proletariackiego. „Jestem przekonany, że największy cud w historii ludzkości ma miejsce w Rosji, co miało miejsce dopiero w ciągu ostatnich dwóch tysiącleci…”
Co skłoniło słynną gwiazdę, której twórczość podziwiali wybitni artyści, malarze i muzycy, do wyjazdu do głodnej Rosji? Głównym celem było utworzenie szkoły w Moskwie, w której próbowała rozwiązywać nowe problemy, które formułowała w następujący sposób: „Chcę, aby klasa robotnicza, mimo wszystkich swoich trudów, które przez lata znosiła, otrzymała najwyższą nagrodę, widząc swoje dzieci radosne i piękne”.

Ma 44 lata - „boski sandał” wygląda na prawie starszą niż jej lata. Ale moskiewska opinia publiczna jest nadal jej oddana. Teraz jest podwójnie innowatorką: walczy nie tylko ze kanonizowanymi formami akademizmu baletowego, ale także przekazuje rewolucyjnego ducha epoki. Tańczy ciężko, ciężko i ospale, ale owacje nie ustają, a z loży królewskiej pozdrawia ją sam Lenin.

Duncan mieszkał w Rosji Sowieckiej przez trzy lata. Moskiewskie studio nazwane imieniem Isadory Duncan przeżyło swojego legendarnego założyciela o ponad dwadzieścia lat. Pierwszy występ studia odbył się w 1921 roku na scenie Teatru Bolszoj. Repertuar „tańców rewolucyjnych” Duncana obejmował „Marsyliankę” i „Międzynarodówkę”. Szczególnie udane były kompozycje „Marsz słowiański” i „Warszawianka”, w których „sztandar rewolucji podnosili z rąk poległych bojownicy nowi i nowi bojownicy”...

W Moskwie Isadora przeżywa dramatyczny romans z Siergiejem Jesieninem. Ich pierwsze spotkania są opisane w wielu wspomnieniach. Dowody są różne. Niektóre przedstawiają wzniosły romans nagle wybuchającego uczucia, inne - namiętność w pijackim odrętwieniu. Mało prawdopodobne, aby autorom zasłużyły na zarzuty nieuczciwości, spotkań raczej było kilka. A były one równie burzliwe i sprzeczne, jak krótkie wspólne życie amerykańskiej tancerki i rosyjskiego poety. Widząc taniec Isadory na koncercie, Jesienin marzył o spotkaniu z nią. Ich znajomość odbyła się podczas wieczoru literackiego prowadzonego przez artystę Teatru Kameralnego Jakułow: „...Przyjechała w czerwonym jedwabnym chitonie i wchodząc do sali, zmęczonym wzrokiem rozglądała się po obecnych. W kącie, na na niskiej sofie, zobaczyła kręconą głowę blondyna, młodego mężczyzny o niesamowitej urodzie, patrzącego na nią dziwnymi oczami błyszczącymi żółtawym odcieniem... Po chwili leżała na kanapie, a Jesienin siedział u jej stóp Isadora gładziła jego loki i szeptała czule i z podziwem. Tak zaczęła się ich miłość. W 1922 roku Duncan poślubił złotowłosego elfa, który mógł być jej synem, i przyjął obywatelstwo radzieckie.

Czasami Jesienin kochał ją niemal maniakalnie, nie zostawiając jej samej ani na minutę. Troskliwy i delikatny kochanek, łapał każde jej spojrzenie. Ale nagle ogarnęły go napady wściekłości. Ostatnimi słowami zbeształ Isadorę, pobił ją i ukrył się przed nią. Wróciłem ponownie. Isadora wybaczyła mu wszystko, podziwiała jego talent, młodość i urodę. Opiekowała się nim jak synem. Jeden z biografów Isadory napisał: "Była matką we wszelkich przejawach miłości. Do końca nie mogła być ani żoną, ani kochanką. (...) Oddawała się bez rozróżniania, jak matka bez rozróżniania, oddaje wszystko swoim dzieciom.”

Europa, Ameryka, znowu Europa... W Ameryce Jesienin był strasznie dręczony, że postrzegano go jako swoją ostatnią miłość, jako jesienny kaprys genialnego tancerza, a nie jako poetę. Wszystko się kończy. Ich dramatyczny związek dobiegł końca. Isadora była zmęczona Jesieninem, a poza tym za każdym razem zachowywał się coraz bardziej brudno i cynicznie. W listopadzie 1923 roku, po powrocie do Rosji, po kolejnym skandalu, ostatecznie zerwali.

Dowiedziawszy się w Paryżu w 1925 roku o samobójstwie Jesienina w hotelu Angleterre, w tym samym pokoju, w którym mieszkali podczas pierwszej wspólnej podróży, Isadora przyznała: „Byłam zszokowana śmiercią Siergieja, ale płakałam i cierpiałam z jego powodu tak bardzo, że wydaje mi się, że wyczerpał już wszystkie ludzkie możliwości cierpienia.” Z

Rok później, aby spłacić długi artystki, wystawiono na sprzedaż jej ukochany dom i pracownię w Nuilly. Dzień przed aukcją Isadora otrzymała zawiadomienie z moskiewskiego sądu, że jako oficjalna wdowa po Jesieninie odziedziczy tantiemy za wszystkie jego wiersze. Isadora zrzeka się spadku na rzecz matki i sióstr poety. Następnego dnia nieruchomość w Nuyi została sprzedana. Gdyby Isadora zgodziła się przyjąć spadek po Jesieninie, dom mógłby zostać wykupiony.

Prawdziwą pasją Duncana był nie tylko taniec, ale także chęć uczenia go ludzi. Oczywiście dzieci są najbardziej otwartymi na sztukę małymi stworzeniami, które jeszcze nie odeszły daleko od natury i szczerze wierzą, że bieganie i skakanie jest o wiele łatwiejsze niż tylko chodzenie.
Pragnienie pedagogiki tańca żyje w Duncanie niemal od dzieciństwa. W każdym razie jako „chude i dziwne dziecko” w wieku dziesięciu lat wraz z siostrą zorganizowały własną szkołę, w której „nauczyciele” „uczyli tak zwanych „tańców świeckich”.

Przez całe jej życie będzie istniała sieć studiów, powołana do życia przez jej „wstręt” do teatru z elfami ubranymi w długie tuniki „z biało-złotej gazy z dwoma świecidełkowymi skrzydełkami”. Chęć stworzenia własnej szkoły była nie do opanowania, ale koniec jej wysiłków był zawsze z góry przesądzony – całkowity upadek finansowy. Otworzyła szkoły w Niemczech, Francji, Ameryce, które z reguły nie istniały długo.

„Moją ideą tańca było ukazanie ludzkich uczuć i emocji”, celem zajęć było „doprowadzenie duszy dziecka do źródła światła”. Głównym zadaniem jest wychowanie nowej, harmonijnej osoby, przyszłości, za pomocą tańca i muzyki. Jak to osiągnąć? „Naucz swoje dziecko podnosić ręce do nieba, aby w tym ruchu pojęło nieskończoność Wszechświata, jego harmonię i doskonałość”. Zaszczep w swoim dziecku wiarę w cuda otaczającego go niekończącego się ruchu, a następnie powiedz mu: „Skoro jesteś najdoskonalszy w królestwie natury, twoje ruchy powinny zawierać całe piękno natury, ale ponadto piękno twojego ludzkiego umysłu i Twoje zrozumienie piękna…”.

Jesienią 1921 r. w Raboczai Moskwie ukazało się ogłoszenie o otwarciu „szkoły Isadory Duncan dla dzieci obojga płci w wieku od 4 do 10 lat”. Stwierdzono, że „preferencje w przyjmowaniu mają dzieci pracowników”. Dzieci (początkowo było ich ponad setka) codziennie chodziły do ​​szkoły na zajęcia wstępne. Później ich liczba została zmniejszona do czterdziestu. Było to maksimum, jakie można było nakarmić i ogrzać w głodnej i zimnej Moskwie lat dwudziestych. Duncan wysłała telegram do swojego amerykańskiego impresaria: „Czy możesz zorganizować moje występy z udziałem mojej studentki Irmy, dwudziestu uroczych rosyjskich dzieci i mojego męża, słynnego rosyjskiego poety Siergieja Jesienina”. Do tych pierwszych zagranicznych wyjazdów do moskiewskiego studia nie doszło jednak ze względu na fakt, że władze amerykańskie odmówiły uczniom wydania wiz, a następnie pozbawiły Duncana obywatelstwa amerykańskiego „dla sowieckiej propagandy” i lojalności wobec rewolucyjnych idei.

Po odejściu Duncana szkołę w starej rezydencji na Prechistence prowadzili jej adoptowana córka i oddana uczennica Irma Duncan oraz dyrektor-administrator studia Ilya Shneider.

Naśladowców bezpłatnej chirurgii plastycznej Duncana było wielu. Pod wpływem triumfalnych występów samej tancerki i uczniów jej szkoły studia rytmiczne w Moskwie i Petersburgu mnożyły się jak grzyby po deszczu. Spośród nich najbardziej znane to „Heptakhor” w północnej stolicy, które istniały do ​​początku lat 30. XX wieku, oraz pracownia „Moskiewskie zajęcia plastyczne” pod kierownictwem E. Rabenka (później pracownią kierowała Ludmiła Aleksiejewa) w Moskwie Dom Naukowców, który istnieje do dziś. Wszystkie studia były inne, czasem niepodobne do studia Duncana. Ale wszyscy przyjęli główny cel - uczyć dzieci piękna swobodnych ruchów zrodzonych z muzyki. Ich organizatorzy chętnie eksperymentowali i szukali nowych form.

Wniosek.

Duncanowi nie udało się stworzyć kierunku ani metodologicznych podstaw nauczania. Twórczość samej Isadory – osoby o wyrazistej indywidualności wykonawczej – zrodziła się z harmonii i systemu Duncana, zamkniętych w geniuszu Duncana, jej intuicyjnych spostrzeżeniach i impulsach improwizacyjnych. Jej twórczość nie nadawała się do analitycznego „przekładu” na kompletną metodologię, na fundament systemu pedagogicznego. Sama Isadora określiła metodę, styl i kierunek tańca.

Dziś spektakle i miniatury koncertowe, wystawy i festiwale poświęcone są Isadorze Duncan. Jej styl wykonawczy można zobaczyć we wszystkich obszarach tańca współczesnego. Jej podejście do kreatywności pobudza wyobraźnię szefów pracowni plastycznych i ruchowych. Pamięć o niej rodzi nowe książki i filmy. Świetne aktorki, m.in. Vanessa Redgrave i Maya Plisetskaya, próbują rozwikłać zagadkę jej losu.

...Na największym paryskim cmentarzu, Père Lachaise, spoczywa Isadora, wielka kobieta świata, pierwsza gwiazda wschodzącej ery tańca XX wieku, której buntowniczy duch żyje do dziś...

Żywioł tańca, żywioł miłości i po prostu naturalne elementy precyzyjnie zadecydowały o życiu tej kobiety! Żywioł wody zasugerował jej naturę tańca, a ogień, który zniszczył jej garderobę, zmusił Duncana do wyjścia po raz pierwszy na widownię, owiniętego kawałkiem lekkiej tkaniny. „Ona tańczy nago!” – nieżyczliwi byli oburzeni. I niewielu z siedzących na sali zdawało sobie sprawę, że ta bachantka, która samym swoim wyglądem wstrząsnęła podstawami purytańskiej moralności, to tak naprawdę... naiwna dziewczyna, która wciąż nie miała pojęcia, czym jest ta właśnie „ziemska miłość”.

Pracując nad moim esejem, zapoznałam się z życiem i twórczością Isadory Duncan. Jej ludzkie cechy: życzliwość, determinacja, ciekawość, w połączeniu z aktywnością twórczą i elastycznością taneczną, dały początek wirtuozowskim tanecznym cudom na scenie. Miłość jest cechą, która jest w niej rozwinięta w najwyższym stopniu. Miłość do tańca nie przeszkodziła jej w okazywaniu miłości sąsiadom i krewnym. W trakcie swojej pracy stworzyłem prezentację komputerową, która może posłużyć jako pomoc dydaktyczna nie tylko w szkole średniej, ale także w Liceum Plastycznym. Osiągnąłem swoje cele i założenia.

Wprowadzenie do dyscypliny

Taniec nowoczesny to taniec, który stara się wyrazić potrzeby duchowe

dusza ludzka, to język uczuć, wyrażający najskrytsze poruszenia duszy

szi. Służy temu naturalność i swoboda ekspresji tancerzy.

Najlepszym sposobem. Taniec nowoczesny to zawsze taniec na krawędzi, do granic możliwości

pełen emocji. Wraz z pojawieniem się tańca współczesnego pojawiło się coś nowego

możliwości dla tancerzy poprzez wykorzystanie ruchów, które wyrażają

przesadna ciężkość, a także brzydota, ponieważ „brzydkie” ruchy

umiejętności taneczne w połączeniu z pięknymi ruchami przyczyniają się do ekspresji

uczucia i emocje.

„Poprawa ciała, umysłu i duszy” pozostaje aktualna

Obecnie. Taniec nowoczesny pomaga w rozwoju fizycznym człowieka i

gasi go duchowo. Trening baletowy opiera się na dokładnej stałej

program ruchowy. Taniec nowoczesny odrzucił ten program, zmieniając się i sprawdzając

Chodzi o to, że ruch zachodzi naturalnie i indywidualnie. Ruchy taneczne

nowoczesne są podyktowane naturą i budowane według anatomicznych praw ruchu

ruchy ciała ludzkiego. „Prawdziwy taniec nie składa się z różnorodności

nowe kroki i pozy. Dla tancerza nie są one przydatne: musi je tylko znaleźć

cechy ruchu, które najwierniej wyrażają poruszenia jego duszy

szi.” Jest to sposób ruchu, podporządkowany oddychaniu i uzasadniony anatomicznie –

znaczące ruchy ciała. To specyficzny system tańca, mający swój własny

zasady i prawa wykonania technicznego, w jakich nabyto nadwozie

twój pełnokrwisty język. Edukacja układu mięśniowego, bezpłatna

kanonów tańca klasycznego, rozwija i wyzwala ludzkie ciało.

Daje możliwość panowania nad sobą, poruszania się łatwo i plastycznie, swobodnie

trzymaj się w życiu. Ten nowy rodzaj tańca zrodził się z zasad ustanowionych przez

znana Isadorze Duncan i przepojona jej psychologiczną prawdą.

Rozdział 1. Z historii zagadnienia

Historyczna rola Isadory Duncan w rozwoju tańca

„Historia tańca współczesnego to historia osobowości…” – powiedziała jedna

wywiad z A. Girshonem. Niewątpliwie zaczął się nowy taniec - taniec nowoczesny

nazwany na cześć Isadory Duncan. „Urok pierwszego zawsze będzie dla jej imienia

lekką aureolę.” Jej historyczną rolę można porównać z rolami

wszyscy twórcy nowych epok i stylów: inspirowali się entuzjastami

duch wyparcia, duch wspaniałego buntu, twórczy protest przeciwko

ogólnie przyjęte formy sztuki.

Franciszek. W wieku 5 lat, ukrywając swój wiek, została wysłana do szkoły. Ze względu na ustalenia rodzinne

Prawdę mówiąc, często zostawała sama. Wędrując nad morzem, zdradza

oddałem się własnym fantazjom. Wszystko wokół niej tańczyło: kwiaty, ptaki, fale.

Cóż, ona też tańczyła. W wieku 13 lat Isadora porzuciła szkołę na poważnie

cieszyć się muzyką i tańcem. W 1895 roku 18-letnia Isadora Duncan w towarzystwie

zawozi matkę do Chicago. Ale próba podboju tego miasta

praca ze sztuką zakończyła się dla niej jedynie rozczarowaniem. Następnie w

W Nowym Jorku przez rok uczyła się w szkole baletowej, pracując w teatrze, gdzie została

Odbyły się występy pantomimy. Pod koniec 1896 roku w trupie Daly'ego Isadory

pojechał na tournée do Anglii. Wracając na początku 1898 r., Ice-

Dora Duncan rozstała się z trupą, skupiając swoje wysiłki na własnej osobie

niezależną karierę. Do pierwszych tańców w jej repertuarze należały m.in

„Ofelia” i „Narcyz” – oba do muzyki E. Nevina; „Oddech wiosny”, „Taniec”

radość” – oba do muzyki Straussa; „Rubai of Omar Khayyam” – trzy do muzyki

Straussa i trzy do muzyki Mendelssohna. Te tańce liryczne były oparte

nas o źródłach literackich. W 1899 r. ona i jej matka, siostra

i dwóch braci w ładowni statku bydlęcego, jedynego rodzaju

dostępny wówczas dla nich transport wysyłany jest na podbój Europy

pu. Tutaj spotyka wpływowych ludzi, znajduje swoich patronów

lei. Rozpoczynają się jej wycieczki. 1900-1901 - Paryż; 1902 - Ber-

Lin i Wiedeń. Sukces zbliżał się do niej szybko. W 1903 roku Isadora

udało się pojechać do upragnionej Grecji. Taniec grecki był ideałem dla Aise-

dora. Jej tańce cechuje duch greckiej prostoty. Technika grecka, np

– wyjaśnia Ginner, współczesny Duncanowi, zaczyna od oceny roli, jaką

Dzieje się tak za pomocą każdej części ciała. Starożytni Grecy cenili tak wysoko

piękno ludzkiej stopy, że nigdy nie przyszłoby im do głowy, aby ją zakryć

podczas tańca. Każda część ciała miała swoje własne funkcje emocjonalne.

„Znaczenie wyzwolonego ciała w tańcu jest równoznaczne z zasadą czystych kolorów

Presjoniści... Isadora Duncan jako pierwsza tańczyła bez butów...” Do niej

najlepsze sceny w Europie wszędzie oklaskiwały jej występy

poszedł do pełnej sali. Jego pierwsze pojawienie się w Rosji datuje się na rok 1904-

1905 lat. Jej występy w Rosji zrobiły ogromne wrażenie,

To właśnie od tej epoki balet rosyjski zaczął dołączać do Chopina i Schumanna.

Duncan zyskuje uznanie jako dramatyczna inspiracja

odrodzenie baletu w XX wieku.

W 1906 roku los nagrodził A. Duncana narodzinami córki Diedry i in

W 1910 roku urodził się syn Patryk. Miłość zajmowała duże miejsce w życiu

tancerze. Ale wszystkie powieści A. Duncana zakończyły się dramatycznie, podobnie jak dzieci

były światłem w szeregu jej nieszczęśliwych miłości. W styczniu 1913 roku oboje dzieci

Isadora i ich guwernantka podróżowali samochodem z Paryża do Wersalu

samochód i dzieci wpadły do ​​Sekwany. O. Duncan nie może się otrząsnąć po tej stracie.

nigdy nie kręcony.

Na początku swojej kariery twórczej A. Duncan studiowała sztuki plastyczne

interpretacji muzyki, sztuki otwartej improwizacji (odbywa się w naszym

dni). Miała rzadki dar malowania muzyki, wykorzystując go do pro-

przebudzenie własnych emocji, wizji i marzeń. „O musicalu

Było dużo rozmów i kłótni na temat jej tańców. Zdefiniowano taniec Duncana

jako „ilustrację mimiczną dla muzyki”, jako „dążenie życia ducha,

skoncentrowane na muzyce, rytmicznie zawarte w wybranych fantazjach

zee obrazy.” W dźwiękach dzieła muzycznego szukała wieczności

rytmy prowadzone ręką twórcy. Nie ilustracja, ale tłumaczenie na inny język

byłby dokładnym opisem jej tańca. Podstawą ruchu było to

gdzie jest prosty kompleks gimnastyczny. A mieszkając w Londynie, jestem w trasie z

Daly’ego, Isadora, pobierała lekcje baletu u Ketty Lanner (ok.

baletnice Teatru Królewskiego). Uprawiając taniec klasyczny, ona

Coraz bardziej utwierdzałem się w jego nieadekwatności. I tym bardziej ją to interesuje

Utwierdzała się w tym przekonaniu, tym silniejsza była jej determinacja w podążaniu własną drogą.

Porzuca klasyczne formy, stając się „burzycielem” klasy.

taki taniec. Jej taniec opiera się na zasadzie naturalności życia ludzkiego -

wieki w tańcu.

Na taniec Isadory duży wpływ miała szkoła François Delsarte

(1811-1871), jego teoria ruchów ciała. System plastikowy F. Delsarte

zawiera analizę wielu rodzajów gestów i pozycji ciała. Stre-

próbując dowiedzieć się, w jaki sposób ruch staje się materiałem dla sztuki

figuratywności, ustalił niezwykle precyzyjną skalę funkcjonalną

każdej części ciała w powiązaniu z emocjami i jako pierwsza została naukowo uzasadniona

ludzkie gesty, nadając każdemu z nich imię. Delsarte rozpoznał ten gest

celowe i organicznie powiązane z przeżywanym uczuciem. On

powiedział, że nie ma nic straszniejszego i godnego pożałowania niż gest, który sam w sobie nie niesie

nie ma sensu, aby dana osoba doświadczała jakiegokolwiek uczucia, doświadczenia lub radości

daje poprzez gesty, postawy. I nieważne, co mówią słowa, ruchy też nie

kiedy nie kłamią. Jego teoria rozpowszechniła się na początku XX wieku. i położyć się

podstawą twórczych poszukiwań A. Duncana. Ustaliwszy dla siebie, że ludzkie ciało

Ka można podzielić na trzy główne strefy: głowa - strefa mentalna, górna

tułów - strefa emocjonalna i duchowa, dolna część tułowia - witalna i fizyczna

Skye, Isadora była skłonna wierzyć, że źródło ruchu ma swoje źródło w

górną część tułowia, więc interesowała ją sfera emocjonalna i duchowa

boki. „Ruch motywowany jest emocjami i narzędziem ich wyrażania

musi być ludzkie ciało.” „Z całą łaską twojej istoty, twojej

swoimi piruetami, tęsknotami, drżącą nagością pod zasłonami, stworzyła

stworzył nowy język, zespół metafor zdolnych przekazać muzykę

razy” – napisał kompozytor Gustave Charpentier.

Isadora jako pierwsza wykorzystała brzydkie ruchy jako ważny element

taniec. Pokazał, jak to zrobić „Taniec furii”, stworzony przez nią w 1911 roku

brzydkie ruchy taneczne mogą pomóc wyrazić uczucia i

emocje. Dla niej jedynym kryterium oceny ruchu były odpowiedzi

pytania: czy to naturalne? Czy to prawda? Czy jest wyrazisty? „Rozmnażała się

w swoim tańcu wyczerpuje całą gamę ludzkich emocji – powiedział Fokin –

Największy dar Ameryki dla sztuki.”

Wraz z wybuchem I wojny światowej Isadora zaczęła tworzyć tańce oparte na

tematy polityczne i społeczne, takie jak „Marsylianka” i „słowiańskość”.

Wszyscy amerykańscy przedstawiciele tańca współczesnego uważali się za post-

A. Duncana, mimo że jej droga twórcza ukształtowała się w r

głównie w Europie. Isadora miała wielu zwolenników, ale stała się główną

nie dano jej możliwości bycia innowatorką nowego kierunku w choreografii.

. Pierwsza szkoła tańca nowoczesnego w Ameryce

W Ameryce pierwsza szkoła tańca nowoczesnego została otwarta w 1915 roku.

dom Shawna i Ruth St. Denis. Program tej szkoły tańca był „całkowicie

doskonalenie ciała, umysłu i duszy.” Uczniowie uczyli się języka hiszpańskiego,

Tańce greckie i orientalne. Wykorzystanie greckich motywów i symboli

muzyka foniczna - wyraźny wpływ A. Duncana. W szkole oprócz tańca uczymy się

Zaczęły pojawiać się także inne rodzaje sztuki i filozofii. Poświęcono wiele uwagi

kostium, który uznano za integralną część plastycznej ekspresji

st. Za techniczną wirtuozerię i przepych występu Denishawna

w porównaniu z Baletami Rosyjskimi. Pojawienie się szkoły i kreatywności

Poszukiwania jego organizatorów sugerują, że taniec nowoczesny stopniowo staje się coraz popularniejszy

przekształcił się w pewien system tańca z własnymi zasadami i

prawa wykonania technicznego. Pierwszą próbą było pojawienie się szkoły

jak usystematyzować „nowy” taniec i zaczęli Ted Shawn i Ruth St. Denis

pierwsi profesjonalni nauczyciele tańca współczesnego.

Saint-Denis (1879-1968) był tancerzem, choreografem i nauczycielem.

Podzielała poglądy F. Delsarte i uprawiała gimnastykę według jego systemu.

temat. Zasłynęła ze sprawowania kultu teatralnego

tańce Wschodu. „Ruth Saint-Denis była niewątpliwie jedną z najbystrzejszych

gwiazdy nowego tańca. Osiągnął coś w rodzaju niemal idealnego ucieleśnienia

cja. Wraz ze swoim realizmem Ruth St. Denis urzekała uderzającą wrażliwością.

lizm jej wizerunku. Jej taniec jest jednocześnie spontaniczny, lekkomyślny i szalony

głęboko przemyślany, świadomy... Ze wszystkich rozważanych opcji tańca Ruth

Tylko Saint Denis ma styl.” Ruth Saint-Denis była zafascynowana orientalną opalenizną

Tak więc później, po zerwaniu z Tedem Shawnem, zorganizowała się w Nowym Jorku

szkoła tańca orientalnego, w której prowadziłam zajęcia jogi i medytacji. „Przed 1963 r

„Koncertowałem, wykładałem i uczyłem przez lata”.

Ted Shawn (1891-1972) był tancerzem, nauczycielem i choreografem.

rum Zaczął tańczyć w wieku 17 lat. W 1910 zorganizował szkołę i

mała trupa. W 1914 został wspólnikiem R. Saint-Denisa. T. Shawna

prowadził męską grupę taneczną. „Położył podwaliny pod profesjonalizm

nal amerykański taniec męski. Zastosowanie w przedstawieniach tanecznych

Valian folklor różnych ludów, w tym Indian amerykańskich, T.

Shawn wzbogacił słownictwo tańca współczesnego.” Szkoła Denisa Shawna była

szkoła zawodowa i istniała do lat 30-tych XX wieku, dając

narodziny pierwszego pokolenia amerykańskich choreografów i performerów

taniec nowoczesny Z tej szkoły wywodzili się tak znani nauczyciele i choreografowie.

phys, jak Doris Humphrey, Charles Weidman, Martha Graham.

Martha Graham – założycielka systemu tańca współczesnego.

Zasady i prawa ruchu w jej technice

W historii tańca współczesnego jedno nazwisko wyróżnia się przede wszystkim. Nazywam się Martha Grae-

chemia Urodziła się w rodzinie psychiatry w mieście Allegheny (Aleghsney),

Pensylwania II maja 1893. Przodkowie jej rodziny byli wczesnymi Amerykanami

Osadnicy z Caen, irlandzki pradziadek, przybyli do Ameryki ze Szkocji

celem jest zrobienie kariery w Pittsburghu. Niania, katolicka Lizzie, niesamowita

myśliciel, znał wiele baśni. Jako dziecko przyszły sławny tancerz

Dziewczynę otaczała służba w domu i ogrodnicy – ​​Japończycy i Chińczycy. A więc około

Jednocześnie na M. Grahama wpływały dwie religie: prezbiteriańska i romska.

ale katolicki. Po studiach w college'u, w 1916 roku zaczęła na poważnie

Nowa klasa tańca w Denishawn School w Los Angeles. przez jej nauczycieli

byli Ruth St. Denis i Ted Shawn. T. Shawn zwrócił uwagę na ciemnoskórego byłego

centryczna dziewczyna o długich, mocnych nogach i dał jej wiodącą rolę w

fantastyczny balet „Xochitl” do muzyki Gruna. Więc zaczął się taniec

kariera szybowa M. Grahama.

„Mały, z czarnymi włosami, pociągłą twarzą i bardzo, bardzo

cienki. Robiła ze swoim ciałem, co chciała. Miała małą

stopa jest równie elastyczna, co mocna. Była niskiego wzrostu, ale w sobie

żyła w nim ogromna moc. To był Boży dar siły i elastyczności…” – wspomina M.

Cunninghama. Cechowała ją walory liryczne i wykształcona

„Deni-show” charakteryzuje się orientalnym stylem wykonania.

Do 1923 r. M. Graham pracował w trupie szkolnej, występując jako lider

role w sztukach. Ciągnie ją do poszukiwania własnej ścieżki w choreografii. "W

naszych czasach, kiedy ludzie sprzeciwiają się wrogim i groźnym re-

W rzeczywistości choreografia nie może już być tylko sztuką - samowolną

kaprys wyobraźni lub odrodzenie pięknego romantycznego snu.

Człowiek nie chce zapomnieć o sobie, ale poznać siebie. Taniec musi stać się aktem

aktywne uczestnictwo w życiu jest koniecznością” – stwierdził M. Graham. Od 1923 r

roku zaczyna tańczyć w rewii Greenwich Village Follies na Broadwayu,

choreografię taneczną dla siebie. Od 1926 – rozpoczyna naukę w teatrze

1926 M. Graham zadebiutowała w Nowym Jorku z wielkim sukcesem jako

choreograf, ale na razie utrzymujący egzotyczny styl tańca zaczerpnięty z

Szkoła Denishawna.

W 1927 r. M. Graham zorganizowała własną trupę jej oddanych osób

uczniów i zaczyna tworzyć własny styl tańca i choreografii.

Stało się to w okresie kształtowania się sztuki tańca współczesnego jako

kierunki w choreografii. W tym czasie zaczął tworzyć M. Graham

pierwsze kroki w tworzeniu własnej, unikalnej technologii.

Znaczący wpływ na kształtowanie się poglądów estetycznych M.

Graham był faworyzowany przez kompozytora Louisa Horsta, z którym miała głęboką więź

relacje osobiste i twórcze. L. Horst był dla M. Grahama nią

wsparcie „filaru”, osoby, która została wtajemniczona w swoją twórczość

poszukiwanie. Wprowadził M. Grahama w idee przedstawicielki Mary Wigman

Niemiecka ekspresjonistyczna szkoła tańca. Wyrazisty plastik

taniec M. Wigman uważał za odbicie biologicznie naturalne

pewne momenty stanu psychicznego danej osoby,

kontrastując go z baletem klasycznym. „Ona tańczy bez muzyki i ona

nienagannie rozwinięte ciało, pozwalające na wszystkie zwroty i pozy, i ona

taniec na tle Yody, niebo i ziemia kontrastują ze wszystkim, co najwspanialsze

ekstrawagancja ekspresjonizmu, jako wspaniała obietnica przyszłości – organ-

indywidualność tańca, której nie należy mylić ze starym „naturalnym”

„Naturalizm Isadory”. Mary Wigman wierzyła, że ​​przestrzeń jest światem

tancerka, to odbicie nieskończoności, symbol nieustannej zmiany

wokół środowiska tanecznego. Ruch napełnia duszę tancerza rozkoszą

całkowite stopienie się z przestrzenią i idee te okazały się bliskie M. Grahamowi.

Tancerz musi „patrzeć, myśleć w przestrzeni”, jak

gdyby było nieprzeniknione, poruszające – „słuchaj

przestrzeń” i „wyrzeźbić” w niej miejsce dla siebie. Zapoznanie się z widokami

Niemiecka tancerka pomogła M. Graham uwolnić się od stylizacji

i egzotyka odziedziczona od Saint Denis.

W swoich twórczych poszukiwaniach ustaliła, że ​​ten ruch był

zależy od trzech podstawowych stałych: czasu, przestrzeni i energii. On

wierzył, że wewnętrzna energia wykonawcy została uwolniona i

Podczas tańca „rozpryskuje się” w przestrzeń. Podobnie jak K.S. Stanisławski,

M. Graham podkreślał, że emocja prowokuje ruch.

Wierzyła, że ​​ruch powinien i może dokładniej definiować emocje,

niż słowa. „Bez względu na to, co mówią słowa, ruchy nigdy nie kłamią… tańcz

nie powinni robić niczego, co można wyrazić słowami. On musi

wyrażone poprzez działania zabarwione głębokimi uczuciami, które mogą

wyrażać się jedynie poprzez ruchy.” Stworzyła własną szkołę i trupę

Stworzyła także własny język ruchów, szczegółowo opracowując technikę jego wykonania.

Ważnym elementem jej techniki był tzw. impuls wewnętrzny:

„Użyła nie tylko naszych ciał, ale także naszych dusz,

nasze życie wewnętrzne...” – wspominają jej uczniowie.

Lekcje techniki M. Grahama rozpoczynały się od prostych ruchów, które

zamieniły się w długie łańcuchy taneczne z dodatkiem różnych

pozycje rąk i nóg oraz zmiany kierunków i poziomów ruchu. To nowe

technika ta była bardzo odważna i nie ograniczała się do ogólnie przyjętych zasad

tradycje i stereotypy. Zaczęła od własnego, pięknego ciała

Grahama i niezwykłe ruchy, które wykonywała. Ta technika

taniec był i jest okazją do znalezienia sposobu na wyrażenie siebie

ruch ciała w tańcu, którego wygląd w dużej mierze składa się z oddychania. M.

Graham znalazła odpowiedź na swoje pytania, odkrywając nowy ruch

możliwości organizmu. Utorowała drogę do stworzenia własnego stylu

taniec, wykorzystując skurcz i rozluźnienie. Każdy ruch musi być

motywowane życiem wewnętrznym tancerza. Marta powiedziała to kiedy

życie wewnętrzne nie jest rozwinięte, rozwija się „bezpłodność” i jej brak

motywacja doprowadzi do bezsensownego ruchu, bezsensownego ruchu

W stronę upadku. To zupełnie nowe podejście do fizyki ruchu podrzędnego

oddychanie i zmiany anatomiczne podczas procesu oddechowego. M.

Graham dokładnie odsłonił mechanizm ruchu – wysiłek i relaks

ukryte w tańcu klasycznym. Stały się one najważniejszymi elementami jej

technologii, koncepcja ruchu oparta na „kompresji –

uwolnienie." Jest to wylanie, które wypełnia całe ciało. Powiedziała,

ruchu tego nie należy wymyślać, lecz odkrywać go w sobie. Marta Graham

stosował najróżniejsze sposoby rozbudzania wyobraźni, m.in

lekcje działają na setkach obrazów zwierząt. Marta uczyła bezpłatnie

sposób, w pełni koncentrując się na przedmiocie. Co roku na zajęcia

dodano nowe ruchy.

W 1938 roku w życiu Marty pojawił się Eric Hawkins. Stał się pierwszy

mężczyzna w trupie, a później jej mąż. Zbliżał się jego występ w UOI

kobiecość w sztuce M. Graham. To był nowy etap w jej życiu i

kreatywność. „Wraz z pojawieniem się mężczyzn zmienił się charakter firmy, a wraz z nim

to zmieniło technologię. To, co było gładkie i mocne, teraz stało się

nieważki i szybki jak rtęć” – wspominają pierwsi wykonawcy

Zespół Marty Graham.

M. Graham wprowadza do pracy zespołu lekcję tańca klasycznego, która

Eric Hawkins zaczął uczyć. Był szkolony klasycznie i wcześniej

po dołączeniu do zespołu tańczył w Balecie Balankhinsky. Byli tancerze

zszokowany pojawieniem się maszyny w studiu. Balet był dla nich antagonistą.

„Bardziej podobała mi się jej stara technika. Tak, ludzie cierpieli na bóle kolan. Ale to

było bardziej pomysłowo, było bardziej ekscytująco. Dużo

zniknęły ćwiczenia z nogami równoległymi, ćwiczenia na podłodze też

zostały zmienione…” – wspomina John Butler. Technologia się rozwinęła i

wzbogacono, ale podstawowe zasady techniczne pozostały niezmienione. MI.

Hawkins, tańcząc w „American Document” (1938), dołączył do ruchu

wagę, moc i siłę, której wcześniej nie było. W „Liście do świata” (1940)

Wzięła w nim udział uznana grupa męska. M. Graham bardzo się tu zmienił

swoją technikę na rzecz tworzenia „męskich” ruchów. Wewnątrz niektórych

zachowano wariacje i części scen głównego tańca mężczyzn i kobiet

relacji między płciami, ale bardziej w sensie emocjonalnym niż poprzez

ruchy. Główne zmiany przyniosły wprowadzenie odzieży męskiej

atletyzm, co było znaczącą zmianą w słownictwie. W latach 40 V

do trupy zaczęto przyjmować tancerzy z klasyczną choreografią

przygotowanie. M. Graham, biorąc pod uwagę i wykorzystując taniec klasyczny, stworzył

własny system korelacji pomiędzy tańcem klasycznym i własną techniką. Ona

Interesowała się wykorzystaniem tańca klasycznego do rozwoju

Twojej technologii.

Interesująca się wszelkimi rodzajami sztuki M. Graham stworzyła własny „teatr

taniec." Do procesu kreowania wizerunku podeszła jak aktor dramatyczny.

W trupie ważne było teatralne szkolenie wykonawców

Grahama. Dramatyczne podejście do tańca było oczywiste, ułatwiło to

wewnętrzną głębię twórczości Graham, jej nadludzką siłę i

talent dramatyczny, który stał się legendarny. Tutaj byłoby to właściwe

przytoczmy wspomnienia Johna Butlera, członka trupy w latach 1943–1953: „Ja

usłyszał jej szloch. To nie był tylko płacz czy nawet rozpacz. Ten

było coś większego i głębszego, niemal zwierzęce cierpienie. To były strumienie

łzy. Było coś niezwykłego, coś rodem z gotyckiej historii

Tragedie greckie.” Stało się to po zerwaniu z Erikiem Hawkinsem.

Przez całe życie Grahama jej technika stale się rozwijała,

rozszerzony i zmieniony. Ale zawsze pozostawała tą „...z której my

zależało nie tylko na treningu wytrzymałościowym, ale także na zdobyciu

źródłem motywacji emocjonalnej satysfakcji” – mówi Peter

Sperling, tancerka zespołu od 1973 do 1987, profesor nadzwyczajny tańca na ul

Uniwersytet Michigan. Członkowie trupy pomagali w tworzeniu M. Grahamowi

oraz prowadzenie zajęć i eksperymentów, nazywając swoją pracownię „świątynią miednicy”.

prawdy.” W 1957 roku nakręcono film „Świat tancerza”, w którym ujawniają się

Przedstawiono główne idee Graham i jej trupę. Zofia Masłowa i Gertruda

Schurr, będąc w towarzystwie Grahama, dokonał praktycznego opisu lekcji i

Stworzyliśmy szczegółowy program szkoleniowy. W praktyce program ten ma 4

poziomie studiów i trwa około trzech lat. W programie oprócz

studiowanie techniki Grahama, studiowanie muzyki, kompozycji, pedagogika

seminaria i występy.

W technice Grahama zajęcia rozpoczynają się na ziemi. Następny przyszedł

ćwiczenia klęczące, ćwiczenia zginania kolan, które

rozwinęło się w serię ruchów, aby podnieść się z tyłka. Ruchy

tułów i ramiona wykonywano w pozycji stojącej przy użyciu różnych

skakanie po przekątnych klas i w kółko. Wprowadzono nowe wzory

liczy: wolna kwarta, podwójna liczba ruchów perkusyjnych lub liczenie

tercje dla części lirycznych. Zmiana akcentu i liczenie, miksowanie

rytmy i nierówne liczniki stały się znane tańcowi współczesnemu.

Powszechne stały się również wzory składające się z 10 lub 5 zliczeń. Tancerze muszą tańczyć

boso. „Muszą przyjść na zajęcia i przygotować swoje ciała do wyjścia.

Szkoła to miejsce zdyscyplinowane, bo jest tylko jedno

wolność to dyscyplina” – powiedział M. Graham. „Wolę uczyć

ich uczniowie od dziewiątego roku życia. Zależy mi na dostępności

wcześniejszy trening i wolałabym, żeby był to balet. Jeść

rzeczy, które powinny być znane: na przykład piąta pozycja, a następnie stos,

stosowanie różnych pozycji zela, ale tylko uporządkowanych.”

W 1970 roku, w wieku 76 lat, po 49 latach na scenie, M. Graham

opuścił trupę. „Moje ciało nie może już robić tego, czego chcę” – powiedziała.

ona. Popadła w depresję, straciła chęć do życia. renesans

wydarzyło się dopiero w 1973 roku: „Moja praca musi być kontynuowana, nawet jeśli

Nie mogę już tańczyć sama.” M. Graham nadal żył, ćwiczył,

podróżując, tworząc nowe tańce dla zespołu i obserwując zajęcia w Szkole.

W 1984 roku została odznaczona Orderem Legii Honorowej. Aż do ostatniego

Przez cały dzień zachowywała się elegancko i elegancko. W 1991 roku zmarł M. Graham.

Jej książka The Martha Graham Notebooks, opublikowana w 1973 roku, rzuca światło na tę kwestię

źródła twórczości Grahama jako tancerza i choreografa.

Prześledząc drogę życiową M. Grahama, możemy śmiało to stwierdzić

jej technika tańca zmieniła się wraz ze zmianą jej osobowości

performerka, która zmieniła swoje postrzeganie estetyczne,

w intuicyjnym poszukiwaniu ruchów, które odzwierciedlałyby społeczeństwo

Problemy. „Masz tak mało czasu, aby przygotować się do porodu

chwilę, chwilę” – zanotował M. Graham.

„Pamiętamy Martę” – pod takim tytułem ukazuje się seria

wywiady i wspomnienia pod redakcją Josepha X. Mazo. Autor tworzy

portret celowego artysty oddanego sztuce, wiernego

pewne zasady i wartości zmian ewolucyjnych. To jest portret

kobietą, która świadoma swojej siły jest gotowa przyznać się do błędów i zacząć

stworzyć od nowa: „Mogła być dla niej bezlitosna

tancerzy i hojnie ich inspiruje. Potrafiła być bystra i taktowna,

miał bystry umysł i uwielbiał się śmiać, uwielbiał napoje gazowane i liczył pot

zajęcia „czystego pozoru” miały charakter praktyczny. I ci, którzy z nią pracowali

zrozumieli, że komunikują się z geniuszem”.

Na początku XX wieku. w rzeczywistości stała się wyrocznią choreografii nowego

czas. Znaleziono różne koncepcje europejskiego i amerykańskiego tańca współczesnego

w swojej twórczości najbardziej całościową i wszechstronną realizację. W tym samym

czas sztuka M. Grahama była owocną podstawą nowego etapu

rozwój tańca współczesnego. Bezpośrednio lub pośrednio wpływ miała jej twórczość

prawie wszyscy zagraniczni choreografowie, którzy pojawili się na scenie na początku

pięćdziesiątych XX wieku. Szkoła Tańca Współczesnego M. Graham,

założony w 1927 roku w Nowym Jorku, jest obecnie największym ośrodkiem

Historycznie rzecz biorąc, taniec był używany przez ludzi jako część rytuałów religijnych i uroczystości publicznych. Dowody na to można znaleźć w wielu dokumentach z epoki prehistorycznej. Tańce dworskie istniały prawdopodobnie tak długo, jak królowie i królowe. Różnorodność form tanecznych obejmowała formy ludowe, towarzyskie, towarzyskie, religijne, eksperymentalne i inne. Główną gałęzią tej sztuki był taniec teatralny, który wywodzi się ze świata zachodniego. Korzenie współczesnego baletu, tańca, który wszyscy znamy, sięgają Francji w XVI wieku – renesansu.

Większość choreografów i tancerzy początku XX wieku miała skrajnie negatywny stosunek do baletu. Isadora Duncan uważała to za brzydką, pozbawioną sensu gimnastykę. Martha Graham (Graham) widziała w nim europeizm i imperializm, które z Amerykanami nie miały nic wspólnego. Merce Cunningham, pomimo stosowania w nauczaniu podstawowych technik baletowych, podchodził do choreografii i występów z pozycji będącej całkowitym przeciwieństwem tradycyjnego baletu.

Wiek XX był zdecydowanie czasem oderwania się od wszystkiego, na czym opierał się balet. Czas niespotykanego dotąd twórczego rozwoju tancerzy i choreografów. Czas szoku, zaskoczenia i widzów, którzy zmienili swoje rozumienie tańca. Czas rewolucji w pełnym tego słowa znaczeniu.

Lata sześćdziesiąte to rozwój postmodernizmu, który zmienił kurs w stronę prostoty, piękna małych rzeczy, niewytrenowanych ciał i prostych, pozbawionych sztuki ruchów. Słynny manifest „Nie”, odrzucający wszelkie kostiumy, fabuły i „show” na rzecz surowego, nieprzetworzonego ruchu, jest bodaj najjaśniejszym krańcem tej fali nowej myśli. Niestety brak kostiumów, fabuły i rekwizytów nie przekłada się na sukces tanecznego show – i po krótkim czasie w leksykonie choreografów tańca współczesnego ponownie pojawiły się „sceneria”, „art design” i „poziom szoku”.

W latach osiemdziesiątych taniec klasyczny powrócił do punktu wyjścia, a taniec nowoczesny (lub w tym czasie taniec współczesny) stał się wysoce techniczną bronią profesjonalistów, niedaleką od polityki. Dwie formy tańca, taniec współczesny i balet klasyczny, pokojowo współistnieją obok siebie, doświadczając jedynie drobnego ułamka dawnej wrogości wobec siebie i niemal bez wchodzenia w rywalizację. Dziś sztuka tańca przesiąknięta jest twórczą rywalizacją, a choreografowie często starają się, aby ich twórczość była nazywana najbardziej szokującą. Jednak w sztuce wciąż jest piękno, a taniec nowoczesny zadziwia takim profesjonalizmem, siłą i elastycznością, jakiej nigdy wcześniej nie widziano.

Aby zrozumieć, czym jest dziś taniec nowoczesny, należy sięgnąć do jego historii, zaczynając od przyczyny pojawienia się nowego kierunku.

I tak na początku XX wieku w Ameryce i Europie pojawił się nowy kierunek tańca (nazywany przez Amerykanów nowoczesnym, a przez Europejczyków tańcem współczesnym), jako alternatywa dla istniejącego baletu klasycznego, jako jeden ze sposobów wyrażania nowych charakterystyczne dla ówczesnej sztuki uczucia i myśli, odważnie odrzucające konwencje form baletowych, różniące się od niej większą swobodą i wyrazistością środków.

Na początku było kilka głównych postaci. Na nową wizję tańca duży wpływ wywarły idee nauczyciela francuskiego, kompozytora F. Delsarte (1881-1971), który twierdził, że tylko naturalny gest, wolny od konwencji i stylizacji, jest w stanie przekazać ludzkie uczucia.

Szwajcarski nauczyciel i kompozytor Jacques-Dalcroze (1865-1950) związał edukację muzyczną z ruchem. Muzykę należy „doświadczyć fizycznie”. W oparciu o idee Dalcroze’a w latach dwudziestych XX wieku w Leningradzie działał Instytut Rytmu, którego pracownicy starali się tworzyć „muzykę taneczną”.

Jeśli Delsarte i Jacques-Dalcroze są teoretykami i autorami koncepcji nowego tańca, to za bezpośredniego twórcę modernizmu uważa się słynną amerykańską tancerkę Isadorę Duncan (1877-1927), która ucieleśniała tę ideę w ruchu. Zarzucając baletowi klasycznemu bezduszność i sztuczność, Duncan starał się odtworzyć swobodną plastyczność, plastyczność starożytnej Grecji, tańczył boso w lekkich przezroczystych tunikach. Trudno opisać taniec nowoczesny dokładniej niż sama Duncan w swojej autobiografii „Moja spowiedź”: „Wolność ciała i ducha rodzi twórcze myślenie, ruchy ciała muszą być wyrazem wewnętrznego impulsu. Tancerz musi przyzwyczaić się do ruchu jakby ruch nigdy się nie kończy, zawsze istnieje jako wynik wewnętrznego zrozumienia. O ciele w tańcu należy zapomnieć, to tylko instrument, nastrojony i harmonijny. W gimnastyce tylko ciało wyraża się poprzez ruch, ale w tańcu uczucia i myśli wyrażają się poprzez ciało.” "Isadora sprawiła, że ​​uznaliśmy sztukę tańca za ważną i szlachetną. Sprawiła, że ​​uznaliśmy ją za sztukę" (Agnes de Mille).

Należy zauważyć, że sam czas - początek XX wieku - był podatnym gruntem dla pojawienia się i rozwoju idei odzwierciedlających nowe postrzeganie siebie i świata przez człowieka. Język tańca baletowego, tak znajomy i przewidywalny, nie odpowiadał już odmienionemu życiu, przedstawiał bowiem osobę, w którą utracono wiarę. Balet pozostał klasyką, a powstające kierunki artystyczne, takie jak ekspresjonizm i surrealizm, znalazły wyraz w przedstawieniach modernistycznych choreografów w Europie i Ameryce.

Taniec nowoczesny to jedna z dziedzin współczesnej choreografii zagranicznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku. w USA i Niemczech. Termin „taniec nowoczesny” powstał w Stanach Zjednoczonych na określenie choreografii scenicznej, która odrzucała tradycyjne formy baletowe. Wchodząc do użytku, zastąpił inne terminy (taniec wolny, dunkanizm, taniec boso, taniec rytmiczny, ekspresyjny, ekspresjonistyczny, absolutny, nowy artystyczny), które powstały w procesie rozwoju tego kierunku. Tym, co łączyło przedstawicieli tańca współczesnego, niezależnie od tego, do jakiego ruchu należeli i w jakim okresie głosili swoje programy estetyczne, była chęć stworzenia nowej choreografii, która ich zdaniem odpowiadała na duchowe potrzeby człowieka XX wieku. Jego główne założenia: odrzucenie kanonów, ucieleśnienie nowych tematów i fabuł przy użyciu oryginalnych środków tanecznych i plastycznych.

Dążąc do całkowitej niezależności od tradycji, przedstawiciele tańca współczesnego doszli ostatecznie do przyjęcia pewnych technik technicznych, w opozycji do których narodził się nowy kierunek. Cel, jakim było całkowite odejście od tradycyjnych form baletowych, nie mógł zostać w pełni zrealizowany w praktyce.

Idee tańca współczesnego antycypował słynny francuski nauczyciel i teoretyk ruchu scenicznego F. Delsarte, który twierdził, że jedynie gest wyzwolony z konwencji i stylizacji (w tym muzycznej) jest w stanie wiernie oddać wszystkie niuanse ludzkich przeżyć. Jego idee upowszechniły się na początku XX wieku po ich artystycznej realizacji przez dwóch amerykańskich tancerzy podróżujących po Europie. L. Fuller występował w 1892 roku w Paryżu. Jej taniec „Serpentine” opierał się na efektownym połączeniu swobodnych ruchów ciała, spontanicznie generowanych przez muzykę i kostiumie – ogromnych, trzepocących narzutach, oświetlanych wielobarwnymi reflektorami.

Isadora Duncan – założycielka nowego kierunku

Założycielem nowego kierunku w choreografii był jednak A. Duncan. Jej głoszenie odnowionej starożytności, „tańca przyszłości”, powrotu do form naturalnych, wolnych nie tylko od konwencji teatralnych, ale także historycznych i codziennych, wywarło ogromny wpływ na wielu artystów pragnących uwolnić się od akademickich dogmatów.

Duncan uważała naturę za źródło swojej inspiracji. Wyrażając osobiste uczucia, jej sztuka nie miała cech wspólnych z żadnym systemem choreograficznym. Odwoływał się do heroicznych i romantycznych obrazów generowanych przez muzykę o tym samym charakterze. Technika nie była skomplikowana, ale przy stosunkowo ograniczonym zestawie ruchów i póz tancerka przekazała najsubtelniejsze odcienie emocji, wypełniając najprostsze gesty głęboką poetycką treścią. Duncan nie stworzyła szkoły kompletnej, choć otworzyła drogę do czegoś nowego w sztuce choreograficznej. Improwizacja, taniec boso, odrzucenie tradycyjnego stroju baletowego, zwrócenie się w stronę muzyki symfonicznej i kameralnej – wszystkie te fundamentalne innowacje Duncana z góry wyznaczyły ścieżkę tańca współczesnego

Wprowadzenie……………………………………………………………………………….3

1.1 Historia tańca. Taniec nowoczesny……………………………5

1.2 Duncan jest założycielem nowego kierunku……….13

2.1 Zaczął tańczyć jeszcze przed urodzeniem…………………..14

2.2 Wielki „Sandał”……………………………………………………….16

Zakończenie……………………………………………………………27

Referencje…………………………………………………...30

Wstęp:

Jako dziecko Isadora była nieszczęśliwa – jej ojciec, Joseph Duncan, zbankrutował i uciekł, zanim się urodziła, pozostawiając żonę z czwórką dzieci na rękach bez środków do życia. Mała Isadora, która ukrywając swój wiek, została wysłana do szkoły w wieku 5 lat, poczuła się obco wśród zamożnych kolegów z klasy. To uczucie, wspólne wszystkim dzieciom Duncana, zjednoczyło je wokół matki, tworząc „klan Duncana”, rzucający wyzwanie całemu światu.

W wieku 13 lat Isadora porzuciła szkołę, którą uważała za całkowicie bezużyteczną, i poważnie zajęła się muzyką i tańcem, kontynuując samokształcenie.

W wieku 18 lat młody Duncan przybył na podbój Chicago i prawie poślubił jej wielbiciela. Był to rudowłosy, brodaty czterdziestopięcioletni Polak Iwan Miroski. Problem w tym, że on też był biedny. A w dodatku, jak się później okazało, jest także żonaty. Ten nieudany romans zapoczątkował serię niepowodzeń w jej życiu osobistym, które prześladowały tancerkę przez całe życie. Duncan nigdy nie był w pełni i bezwarunkowo szczęśliwy.

Trafność tematu.Isadora twierdziła, że ​​taniec powinien być naturalną kontynuacją ruchu ludzkiego, odzwierciedlać emocje i charakter wykonawcy, a impulsem do pojawienia się tańca powinien być język duszy. Wszystkie te idee, nowatorskie w swej naturze, w naturalny sposób popadły w konflikt z ówczesną szkołą baletową. Surowa ocena samego baletu nie przeszkodziła jednak Duncanowi podziwiać wdzięku i kunsztu dwóch rosyjskich baletnic – Kshesinskiej i Pavlovej. Co więcej, z tym ostatnim zostali później nawet dobrymi przyjaciółmi, którzy szczerze doceniali swój talent.

Występy tancerki rozpoczynały się na przyjęciach towarzyskich, gdzie przedstawiano ją jako pikantny dodatek, egzotyczną ciekawostkę: Isadora tańczyła boso, co było nowością i dość zszokowało publiczność.

Wycieczka znacznie poprawiła sytuację finansową Duncana i w 1903 roku wraz z rodziną odbyła pielgrzymkę do Grecji. Ubrani w tuniki i sandały ekscentryczni cudzoziemcy wywołali spore zamieszanie na ulicach współczesnych Aten. Podróżnicy nie ograniczyli się do zwykłego studiowania kultury ukochanego kraju, postanowili wnieść swój wkład wznosząc świątynię na wzgórzu Kapanos. Ponadto Isadora wybrała do chóru 10 chłopców, który jej występom towarzyszył śpiew.

Cel dzieła: rozważ dzieło Isadory Duncan.

Zadania:

1. Pokaż Isadorę Duncan jako twórczynię tańca współczesnego;

2. Opisz biografię i twórczość Isadory.

ROZDZIAŁ I. Isadora Duncan, założycielka tańca współczesnego

1.1 Historia tańca. Taniec nowoczesny

Być może historia tańca nie jest krótsza niż historia ludzkości. Możemy się tylko domyślać, jak wyglądał taniec w dawnych epokach.

Natya Shastra to wczesny rękopis opisujący taniec. Opiera się na współczesnej interpretacji klasycznego tańca indyjskiego Bharathanatyam.

W kulturze europejskiej jedną z pierwszych wzmianek o tańcu czyni Homer w swojej „Iliadzie” – opisuje pląsawicę (grecki taniec okrągły, taniec).

Pierwsi Grecy rozwinęli sztukę tańca w system wyrażający różnorodne pasje. Na przykład taniec Furii przerażał wszystkich, którzy go oglądali. Grecki filozof Arystoteles utożsamiał taniec z poezją i twierdził, że tancerze poprzez ruchy ciała w określonym rytmie mogą przekazywać maniery, pasje i działania. Wybitni greccy rzeźbiarze studiowali pozy tancerzy imitujących określone stany.

Prahistoria tańca

Historycznie rzecz biorąc, taniec był używany przez ludzi jako część rytuałów religijnych i uroczystości publicznych. Dowody na to można znaleźć w wielu dokumentach z epoki prehistorycznej. Tańce dworskie istniały prawdopodobnie tak długo, jak królowie i królowe. Różnorodność form tanecznych obejmowała formy ludowe, towarzyskie, towarzyskie, religijne, eksperymentalne i inne. Główną gałęzią tej sztuki był taniec teatralny, który wywodzi się ze świata zachodniego. Korzenie współczesnego baletu, tańca, który wszyscy znamy, sięgają Francji w XVI wieku – renesansu.

XVI i XVII wiek: taniec dworski

Warunkiem powstania baletu był nowy sposób myślenia i filozofia Oświecenia: teraz człowiek stał się centrum wszechświata i mógł kontrolować swoje istnienie za pomocą sztuki i nauki. „Korzystając z muzyki dokładnie naśladującej proporcjonalną harmonię planet, człowiek w XVI wieku wierzył, że może przyciągnąć do siebie wpływy planet. Sam taniec był imitacją ruchu niebios” (Designing for the Dancer, Elron Press, Londyn, 1981).

Pod koniec XVI wieku balet dworski osiągnął swój szczyt: był w całości finansowany przez monarchię francuską, która wykorzystywała go do wychwalania własnej wielkości. Balety stały się częścią luksusowych, wielkich wakacyjnych ekstrawagancji, które trwały kilka dni z rzędu i obejmowały wszelkiego rodzaju rozrywki. Zasadniczo wszystkie te święta były sposobem na samouwielbienie francuskiego dworu.

Wiek XVIII i XIX: od tańca dworskiego do romantyzmu

Już na początku XVIII wieku balet przeniósł się z dworu francuskiego do Opery Paryskiej do wszechstronnej postaci teatralnej Jeana-Baptiste’a Lully’ego, który „zachował podstawową koncepcję baletu – złożoność formy, w której taniec jest integralną częścią i znaczący element.” W tym stuleciu balet rozprzestrzenił się w całej Europie i ewoluował od wyrafinowanego sposobu przenoszenia ruchomych obrazów podczas ważnego przedstawienia w odrębną sztukę performance, balet d'action. Ta nowa forma niemal całkowicie zniszczyła sztuczność związaną z tańcem dworskim i ustanowiła nowe prawo: „sztuka powinna dążyć do naśladowania natury, natury”. W rezultacie kostiumy i choreografia stały się bardziej swobodne i bardziej sprzyjały odkrywaniu wyrazistych talentów ciała. Otworzyły się drzwi do świata kostiumów naturalistycznych i butów bez obcasów – pointów, które dawały tancerce ogromne możliwości podczas podnoszenia się na pół palca.

Era romantyzmu początków XIX wieku, kiedy balet skupiał się na emocjach, fantazji i bogatym świecie duchowym, zapoczątkowała prawdziwą twórczość pointe. Teraz idealna baletnica (której cechy ucieleśniała wówczas legendarna Marie Taglioni) w swoich butach zdawała się ledwo dotykać powierzchni sceny, a jej bezcielesny duch zdawał się nie wiedzieć, czym jest ziemia. W tym czasie wschodzące gwiazdy tańca kobiecego całkowicie przyćmiły obecność biednych tancerzy, których w wielu przypadkach nazywano po prostu ruchomymi posągami, istniejącymi tylko po to, aby baletnice mogły się na nich opierać. Sytuację tę nieco poprawiło na początku XX wieku pojawienie się gwiazdy Niżyńskiego z Baletu Rosyjskiego. Do tego czasu nasze tradycyjne kostiumy baletowe, choreografia, scenografia, rekwizyty były już rozwinięte, jednym słowem wszystko stało się prawie takie samo jak teraz.

Początek XX wieku: od baletu do tańca współczesnego

Balet rosyjski, który zapoczątkował rewolucję w sztuce baletowej, próbował przełamać przestarzałe formy baletu klasycznego. Obecnie możliwości artystyczne techniki baletowej oraz towarzyszącej jej muzyki, scenografii i multimediów są bardziej globalne niż kiedykolwiek wcześniej. Granice definiujące balet klasyczny są nieustannie przesuwane i zacierane, a to, co wyłania się w ich miejsce, ledwo przywołuje na myśl tradycyjne określenia baletowe, takie jak „spin”.

Pojawiło się nowe myślenie. Artyści tańca zaczęli brać pod uwagę cechy osobowości, aspekty rytualne i religijne, prymitywność, ekspresję i emocjonalność. W tej atmosferze nastąpił rozkwit tańca współczesnego. Nagle pojawiła się nowa wolność w tym, co obecnie uważano za akceptowalne, zwane sztuką akceptowaną, w której wiele osób chciało teraz tworzyć. Wszystkie atrybuty nowej sztuki stały się równie cenne jak kostiumy baletowe – a nawet cenniejsze od nich.

Większość choreografów i tancerzy początku XX wieku miała skrajnie negatywny stosunek do baletu. Isidora Duncan uważała to za brzydką, pozbawioną sensu gimnastykę. Martha Graham (Graham) widziała w nim europeizm i imperializm, które z Amerykanami nie miały nic wspólnego. Merce Cunningham, pomimo stosowania w nauczaniu podstawowych technik baletowych, podchodził do choreografii i występów z pozycji będącej całkowitym przeciwieństwem tradycyjnego baletu.

Wiek XX był zdecydowanie czasem oderwania się od wszystkiego, na czym opierał się balet. Czas niespotykanego dotąd twórczego rozwoju tancerzy i choreografów. Czas szoku, zaskoczenia i widzów, którzy zmienili swoje rozumienie tańca. Czas rewolucji w pełnym tego słowa znaczeniu.

Koniec XX wieku: rozwój tańca współczesnego

Lata sześćdziesiąte to rozwój postmodernizmu, który zmienił kurs w stronę prostoty, piękna małych rzeczy, niewytrenowanych ciał i prostych, pozbawionych sztuki ruchów. Słynny manifest „Nie”, odrzucający wszelkie kostiumy, fabuły i „show” na rzecz surowego, nieprzetworzonego ruchu, jest bodaj najjaśniejszym krańcem tej fali nowej myśli. Niestety brak kostiumów, fabuły i rekwizytów nie przekłada się na sukces tanecznego show – i po krótkim czasie w słowniku choreografów tańca współczesnego ponownie pojawiły się „sceneria”, „art design” i „poziom szoku”.

W latach osiemdziesiątych taniec klasyczny powrócił do punktu wyjścia, a taniec nowoczesny (lub w tym czasie taniec współczesny) stał się wysoce techniczną bronią profesjonalistów, niedaleko polityki. Dwie formy tańca, taniec współczesny i balet klasyczny, pokojowo współistnieją obok siebie, doświadczając jedynie drobnego ułamka dawnej wrogości wobec siebie i niemal bez wchodzenia w rywalizację. Dziś sztuka tańca przesiąknięta jest twórczą rywalizacją, a choreografowie często starają się, aby ich twórczość była nazywana najbardziej szokującą. Jednak w sztuce wciąż jest piękno, a taniec nowoczesny zadziwia takim profesjonalizmem, siłą i elastycznością, jakiej nigdy wcześniej nie widziano.

Aby zrozumieć, czym jest dziś taniec nowoczesny, należy sięgnąć do jego historii, zaczynając od przyczyny pojawienia się nowego kierunku.

I tak na początku XX wieku w Ameryce i Europie pojawił się nowy kierunek tańca (nazywany przez Amerykanów nowoczesnym, a przez Europejczyków tańcem współczesnym), jako alternatywa dla istniejącego baletu klasycznego, jako jeden ze sposobów wyrażania nowych charakterystyczne dla ówczesnej sztuki uczucia i myśli, odważnie odrzucające konwencje form baletowych, różniące się od niej większą swobodą i wyrazistością środków.

Na początku było kilka głównych postaci. Na nową wizję tańca duży wpływ wywarły idee nauczyciela francuskiego, kompozytora F. Delsarte (1881-1971), który twierdził, że tylko naturalny gest, wolny od konwencji i stylizacji, jest w stanie przekazać ludzkie uczucia.

Szwajcarski nauczyciel i kompozytor Jacques-Dalcroze (1865-1950) związał edukację muzyczną z ruchem. Muzykę należy „doświadczyć fizycznie”. W oparciu o idee Dalcroze’a w latach dwudziestych XX wieku w Leningradzie działał Instytut Rytmu, którego pracownicy starali się tworzyć „muzykę taneczną”.

Jeśli Delsarte i Jacques-Dalcroze są teoretykami i autorami koncepcji nowego tańca, to za bezpośredniego twórcę modernizmu uważa się słynną amerykańską tancerkę Isadorę Duncan (1877-1927), która ucieleśniała tę ideę w ruchu. Zarzucając baletowi klasycznemu bezduszność i sztuczność, Duncan starał się odtworzyć swobodną plastyczność, plastyczność starożytnej Grecji, tańczył boso w lekkich przezroczystych tunikach. Trudno opisać taniec nowoczesny dokładniej niż sama Duncan w swojej autobiografii „Moja spowiedź”: „Wolność ciała i ducha rodzi twórczą myśl, ruchy ciała powinny być wyrazem wewnętrznego impulsu. Tancerz musi przyzwyczaić się do ruchu tak, jakby ruch nigdy się nie kończył, był zawsze wynikiem wewnętrznego zrozumienia. W tańcu należy zapomnieć o ciele, to tylko instrument, dobrze nastrojony i harmonijny. W gimnastyce tylko ciało wyraża się poprzez ruch, ale w tańcu uczucia i myśli wyrażają się poprzez ciało. „Isadora sprawiła, że ​​uznaliśmy sztukę tańca za ważną i szlachetną. Sprawiła, że ​​uznał to za sztukę” (Agnes de Mille).

Należy zauważyć, że sam czas - początek XX wieku - był podatnym gruntem dla pojawienia się i rozwoju idei odzwierciedlających nowe postrzeganie siebie i świata przez człowieka. Język tańca baletowego, tak znajomy i przewidywalny, nie odpowiadał już odmienionemu życiu, przedstawiał bowiem osobę, w którą utracono wiarę. Balet pozostał klasyką, a powstające kierunki artystyczne, takie jak ekspresjonizm i surrealizm, znalazły wyraz w przedstawieniach modernistycznych choreografów w Europie i Ameryce.

TANIEC MODERN, jeden z kierunków współczesnej choreografii zagranicznej, który powstał na przełomie XIX i XX wieku. w USA i Niemczech. Termin „taniec nowoczesny” powstał w Stanach Zjednoczonych na określenie choreografii scenicznej, która odrzucała tradycyjne formy baletowe. Wchodząc do użytku, zastąpił inne terminy (taniec wolny, dunkanizm, taniec boso, taniec rytmiczny, ekspresyjny, ekspresjonistyczny, absolutny, nowy artystyczny), które powstały w procesie rozwoju tego kierunku. Tym, co łączyło przedstawicieli tańca współczesnego, niezależnie od tego, do jakiego ruchu należeli i w jakim okresie głosili swoje programy estetyczne, była chęć stworzenia nowej choreografii, która ich zdaniem odpowiadała na duchowe potrzeby człowieka XX wieku. Jego główne założenia: odrzucenie kanonów, ucieleśnienie nowych tematów i fabuł przy użyciu oryginalnych środków tanecznych i plastycznych.

Dążąc do całkowitej niezależności od tradycji, przedstawiciele tańca współczesnego doszli ostatecznie do przyjęcia pewnych technik technicznych, w opozycji do których narodził się nowy kierunek. Cel, jakim było całkowite odejście od tradycyjnych form baletowych, nie mógł zostać w pełni zrealizowany w praktyce.

Idee tańca współczesnego antycypował słynny francuski nauczyciel i teoretyk ruchu scenicznego F. Delsarte, który twierdził, że jedynie gest wyzwolony z konwencji i stylizacji (w tym muzycznej) jest w stanie wiernie oddać wszystkie niuanse ludzkich przeżyć. Jego idee upowszechniły się na początku XX wieku po ich artystycznej realizacji przez dwóch amerykańskich tancerzy podróżujących po Europie. L. Fuller występował w 1892 roku w Paryżu. Jej taniec „Serpentine” opierał się na efektownym połączeniu swobodnych ruchów ciała, spontanicznie generowanych przez muzykę i kostiumie – ogromnych, trzepocących narzutach, oświetlanych wielobarwnymi reflektorami.

1.2 Duncan jest założycielem nowego kierunku

Założycielem nowego kierunku w choreografii był jednak A. Duncan. Jej głoszenie odnowionej starożytności, „tańca przyszłości”, powrotu do form naturalnych, wolnych nie tylko od konwencji teatralnych, ale także historycznych i codziennych, wywarło ogromny wpływ na wielu artystów pragnących uwolnić się od akademickich dogmatów. Duncan uważała naturę za źródło swojej inspiracji. Wyrażając osobiste uczucia, jej sztuka nie miała cech wspólnych z żadnym systemem choreograficznym. Odwoływał się do heroicznych i romantycznych obrazów generowanych przez muzykę o tym samym charakterze. Technika nie była skomplikowana, ale przy stosunkowo ograniczonym zestawie ruchów i póz tancerka przekazała najsubtelniejsze odcienie emocji, wypełniając najprostsze gesty głęboką poetycką treścią. Duncan nie stworzyła szkoły kompletnej, choć otworzyła drogę do czegoś nowego w sztuce choreograficznej. Improwizacja, taniec boso, odrzucenie tradycyjnego stroju baletowego, zwrócenie się w stronę muzyki symfonicznej i kameralnej – wszystkie te fundamentalne innowacje Duncana z góry wyznaczyły ścieżkę tańca współczesnego

ROZDZIAŁ II. Biografia i twórczość Isadory

2.1 Zaczął tańczyć jeszcze przed urodzeniem

Gdyby urodziła się nie 26 maja 1878 roku, ale w starożytnej Helladzie, kapłani dostrzegliby w jej darze ziemskie wcielenie i ożywili „praktykę” muzy Terpsichore. Gdyby nie żyła w niespokojnej Europie początku krwawego XX wieku, współczesne feministki uczyniłyby ją swoim trybunem i wzorem do naśladowania. Gdyby nie była śmiertelniczką, ludzie nigdy by się nie dowiedzieli, że nawet szalony żal po stracie nie jest w stanie ugasić w sercu kobiety oddanej sztuce pragnienia odnalezienia swojego męskiego boga, inspirującego boga Apolla. Cóż, najbardziej zaskakującą rzeczą w jej życiu romantycznym było to, że rzadka biografka nie odczuwała poczucia zamętu z powodu ogromnej liczby mistycznych szczegółów, których mdłości i koncentracja dla fikcyjnego obrazu literackiego mogłyby stać się powodem do krytyki oskarżającej pisarz propagujący fatalizm i naciąganą fabułę. Czy jesteś naczyniem, w którym jest pustka, czy ogniem migoczącym w naczyniu? Nie powiedziano o niej tego, ale pewnego dnia rozbłysła dla niej jasna iskra boskiego ognia, oświetlając ścieżkę w sztuce, w jednej z greckich waz przedstawiających starożytny taniec, który uczynił słynną Isadorę Duncan z aspirującego Amerykanina balerina.

W majowy dzień, w którym urodziła się Isadora Angela Duncan, matka przyszłej gwiazdy europejskich scen przeżyła dwa rozczarowania naraz: pierwszymi dźwiękami, które usłyszała, ledwo dochodząc do siebie po porodzie, były wściekłe krzyki dochodzące z ulicy deponentów majątku jej męża bank, który dzień wcześniej uciekł ze swoimi oszczędnościami, Bóg jeden wie, gdzie; pierwszą rzeczą, którą zobaczyła nieszczęsna kobieta, było to, że noworodek niemal konwulsyjnie uderzał nogami w powietrze. „Wiedziałam, że urodzi się potwór” – powiedziała położnej – „to dziecko nie może być normalne, skakało i skakało, jeszcze w moim łonie, to wszystko kara za grzechy jej ojca, łajdaka Józefa… Nie widziała, że ​​pierwsze ruchy dziecka są lustrzanym odbiciem jej przyszłych losów. Jednak mimo całkowitego braku daru przewidywania, nauczycielka muzyki bez pomocy zbuntowanego ojca zdołała postawić na nogi córkę i trójkę starszych dzieci, a nawet zapewniła im dobre wykształcenie. Jednak te wysiłki na niewiele się zdały Isadorze: w wieku 13 lat rzuciła szkołę i poważnie zainteresowała się muzyką i tańcem. Niemniej jednak próba podboju Chicago nie zakończyła się dla niej niczym, poza pierwszym burzliwym romansem z ognistoczerwonym uwodzicielem - poślubiła Polaka Iwana Miroskiego, który spalił jej duszę do tego stopnia, że ​​tancerka zdecydowała się uciec od gorzkiego szczęścia do Europy , nie gardząc nawet tym, że jedynym rodzajem transportu, na jaki mogła sobie wówczas pozwolić, był luk na statku do transportu bydła. Mglisty Londyn tchnął w nią sztywność i intymność świeckich salonów, które w warunkach ostrej rywalizacji mogło pokonać jedynie coś oszałamiającego. Tylko co – temperament? Po drugiej stronie kanału La Manche jej główna rywalka Mata Hari odnalazła już swoje credo w tańcu, ryzykując rozebranie się przed publicznością i urzekała ją orientalnymi krokami.

2.2 Wielki „sandał”

Pogrążona w myślach Isadora błąkała się po korytarzach Muzeum Brytyjskiego i szukała, szukała... Wdzięk i kunszt wybitnych rosyjskich baletnic Kshesinskaya i Pavlova były zbyt akademickie i sugerowały długie i wyczerpujące musztry z lekcjami, zniewolenie przez klejnotowy dogmat . Chciwa Amerykanka nie miała na to wszystko ani czasu, ani siły psychicznej - tchnęła pragnienie wolności w sztuce i życiu... Moją uwagę przykuł ogromny, zabytkowy wazon z czerwoną figurą, przywieziony z Aten. Lekkie przechylenie głowy, powiewające fałdy tuniki, dłoń unosząca się nad głową w wdzięcznym geście. Brodaty wojownik siedział u stóp tancerza i podnosił kielich wina. Nie ma nic piękniejszego niż galopujący koń, żaglowiec i tańcząca kobieta. Artystka na przestrzeni wieków potrafiła przekazać głęboki podziw mężczyzny dla tańczącej hetery, przedstawicielki najbardziej uwodzicielskiej, wolnej od upokarzającego życia i najlepiej wykształconej kasty żeńskiej starożytnego świata, występującej na artystycznym bankiecie epoki klasycznej - sympozjum. Kim była ta tancerka i kim jest jej publiczność? Sama jest Thais, Aspazją czy Terpsichore; czy to Perykles, współpracownik wielkiego Aleksandra Ptolemeusza... czy może jeden z bogów greckich w ziemskiej postaci? Płomień wglądu błysnął przed Isadorą...

W ciągu kilku dni znalazła patrona w osobie słynnej aktorki Campbell, którą zaraziła swoją ideą – taniec powinien być symbolem wolności, kontynuacją naturalnego wdzięku, przemawiającym językiem emocji, a nie jednorazowo za wszystkie wyćwiczone gesty. Roztropna królowa salonów zaaranżowała debiut swojej podopiecznej na jednym z prywatnych przyjęć, gdzie zaprezentowała ją niemal jako „egzotyczną przystawkę”. I podjęła słuszną decyzję – odważna Isadora, która wystąpiła boso i w tunice zamiast tutu, zdołała w dużej mierze skopiować występy starożytnych Greków, wywołując zachwyt w oczach publiczności. Sukces wyprzedził ją w sandałach Hefajstosa - już w 1903 roku Isadora mogła wyruszyć w trasę koncertową do upragnionej Grecji, gdzie doskonaliła swoje umiejętności w zakresie improwizacji plastycznej. Oklaskiwano ją na najlepszych scenach Europy, a bilety na jej występy były wszędzie wyprzedane. A dziennikarze, niczym ogary, rzucili się, by zbadać szczegóły życia osobistego tej niesamowitej kobiety. Natrafiliśmy też na kopalnię złota.

Wreszcie szczęście uśmiechnęło się do Duncana: do małej roli w nowojorskim teatrze zaangażował ją słynny Augustin Daly. To była szansa. Iwan Mirotski popadł w rozpacz na myśl o separacji. Przysięgali wieczną miłość. Dziewczyna obiecała, że ​​​​jak tylko odniesie sukces w Nowym Jorku, natychmiast się pobiorą. W tym czasie Isadora nie była jeszcze zagorzałą zwolenniczką wolnej miłości, o którą później walczyła.

W Nowym Jorku została przyjęta do trupy. Rok później wyjechała z teatrem na tournée do Chicago. Isadora nie mogła się doczekać spotkania z narzeczonym. Było gorące lato i codziennie, wolni od prób, chodzili do lasu i chodzili na długie spacery. Przed wyjazdem do Nowego Jorku brat Isadory dowiedział się, że Mirotski ma żonę w Londynie. Matka panny młodej była przerażona tą wiadomością i nalegała na separację.

Niepowtarzalny styl, który wyróżniał układy taneczne Isadory Duncan, wyrósł z jej studiów nad sztuką tańca Grecji i Włoch i opierał się na elementach systemu gimnastyki rytmicznej opracowanego przez Francois Delsarte. W 1898 roku cała garderoba Isadory spłonęła w strasznym pożarze hotelu Windsor w Nowym Jorku, dlatego podczas kolejnego występu wystąpiła przed publicznością w wymyślonym przez siebie zaimprowizowanym kostiumie. Publiczność była zszokowana – Isadora pojawiła się na scenie niemal nago. Od tego czasu na silne, smukłe ciało młodej tancerki zaczęto ozdabiać słynne zwiewne stroje, wiązane na starożytny sposób pod klatką piersiową i na ramionach. Nie akceptowała pointów i tańczyła na palcach jak Afrodyta. Jej bose stopy były piękne, mocne i lekkie.

Isadora wyruszyła w wielką podróż po Europie i wkrótce stała się ulubienicą całego kontynentu. Zawarła kontrakt z impresario Alexandrem Grossem, który organizował jej solowe występy w Budapeszcie, Berlinie, Wiedniu i innych miastach Europy. Zszokowana, ale podekscytowana publiczność tłumnie przybyła do teatrów, aby obejrzeć pełen pasji występ taneczny półnagiej Isadory, improwizującej do muzyki znanych kompozytorów („Błękitny Dunaj” Straussa czy „Marsz żałobny” Chopina).

Isadora była jedną z tych, które wybierają sobie mężczyzn. I trzeba przyznać, że wybrała z doskonałym gustem. W Budapeszcie utalentowany aktor i przystojny Węgr Oscar Berezhi wybrał karierę zamiast związku z nią, wówczas pisarz i nauczyciel Henrik Thode załamał się pod ciężarem świętoszkowatej moralności i zerwał z Isadorą po pierwszym skandalu z legalną żoną. Wtedy w jej życiu pojawił się reżyser teatralny Gordon Craig, już zaręczony z kimś innym. W wieku 29 lat tancerka otrzymała pierwszą w życiu nagrodę za tę nieszczęśliwą miłość - urodziła się jej córka Deirdre, co po celtycku oznacza „smutek”. To właśnie wtedy, cierpiąc po trudnym porodzie, Isadora wygłosiła oświadczenie, które później podchwyciły feministki: „Kto wpadł na pomysł, że kobieta powinna rodzić w bólu? Nie chcę słyszeć o żadnej kobiecie, która ruchy społeczne, dopóki ktoś nie wymyśli, jak sprawić, by poród był bezbolesny. Czas zakończyć tę bezsensowną agonię. A jednak po ślubie kolejnego „Apolla” ze swoją byłą narzeczoną wielka tancerka doszła do rozczarowującego wniosku: miłość i małżeństwo nie zawsze idą w parze, a sama miłość nie może być wieczna. Pod koniec 1907 roku dała kilka koncertów w Petersburgu, gdzie poznała nowego kandydata do roli jedynego mężczyzny na całe życie. Znów miała pecha - Konstantin Stanisławski, także geniusz, a także przystojny mężczyzna, dał jej jasno do zrozumienia, że ​​nie widzi w Isadorze nic innego jak idealne ucieleśnienie niektórych swoich pomysłów.

Światowej sławy „bosonoga” swoimi ogłuszającymi romansami z żonatymi mężczyznami łamała zakorzenione w świadomości społeczeństwa tabu, a ci, którzy mogli dać jej długo oczekiwane szczęście, cieszyli się, że są jej kochankami, niczym więcej. Pozostała sama na swoim tanecznym Olimpie, dając niewdzięcznym powrót do odległych początków sztuki. Wydawało się, że na tym etapie swojego życia prawie dotknęła realizacji odwiecznego kobiecego marzenia, poznając eleganckiego i przystojnego bogacza Parisa Eugene'a Singera, spadkobiercę wynalazcy maszyny do szycia. Nie tylko spłacił wszystkie zaległe rachunki, ale był nawet gotowy zaproponować małżeństwo. Był jednak tak zazdrosny, że postawił warunek małżeństwa, wyznaczając miejsce dla Isadory gdzieś pomiędzy szczoteczką do zębów a maszyną do szycia. Isadora powiedziała, że ​​nie da się jej kupić. Niemal natychmiast po urodzeniu syna Patricka rozwiedli się. Nowy dramat złamał aktorkę: zaczęła wyobrażać sobie marsze pogrzebowe, a potem dwie trumny dziecięce wśród zasp. „Szaleństwo” okazało się zapowiedź pierwszych prawdziwych kłopotów, bo w serii powieści dzieci były jego jedynym światłem.

W styczniu 1913 roku, po spotkaniu z Singerem, oboje dzieci Isadory wraz z guwernantką podróżowały samochodem z Paryża do Wersalu. W drodze silnik nagle zgasł, kierowca zajrzał pod maskę i coś pociągnął. Samochód, zwalając kierowcę z nóg, wystartował i wraz z pasażerami wpadł do Sekwany. Nigdy nie otrząsnęła się po tej stracie. Isadorę nękały wizje – pewnego dnia wyobraziła sobie, że widzi swoje dzieci wchodzące do wody. Przechodzień podniósł łkającą kobietę, która upadła na ziemię. „Ocal moje zdrowie psychiczne, daj mi dziecko” – jęczała. Młody człowiek był zaręczony. Chłopiec urodzony z ich związku żył zaledwie kilka dni. Isadora zaczęła pić, dziennikarze nawet zastąpili jej nazwisko Pijanym (pijany).

Na szczęście wkrótce miała szansę zacząć życie od zera. W 1921 roku Łunaczarski oficjalnie zaprosił starzejącego się tancerza do otwarcia szkoły tańca w Moskwie. W odpowiedzi jako pierwsza z zachodnich artystek powitała nowe rewolucyjne państwo i nawet nie poszła – uciekła… Ale od siebie daleko nie można uciec. W sowieckiej Rosji ogarnęła ją nowa fatalna pasja.

Na jednym z przyjęć zorganizowanych w rezydencji przeznaczonej dla niej dla szkoły „baletu eksperymentalnego” pojawił się złotowłosy Siergiej Jesienin. Został oczarowany: nie znając ani słowa po angielsku, zdjął buty i odtańczył jakiś dziki taniec. Ale Isadora wszystko zrozumiała: pogłaskała go po głowie, powtarzając tylko dwa rosyjskie słowa - „anioł” i „akord”. Trzy godziny po spotkaniu wyruszyli razem w magiczną rosyjską noc... Ona miała 44 lata, on 26. Ale dla obojga ta pasja była ostatnią, dziką, wyczerpującą. Czy duchowa fuzja była dla nich możliwa? Ciężko powiedzieć. W końcu Jesienin mówił tylko po rosyjsku, ale ledwo nauczył się kilkunastu słów w obcym języku. Gdyby zrozumieli się na czas, wszystko mogłoby potoczyć się inaczej...

Poetka oszalała od tańca z szalikiem, ognistym i temperamentnym, gdy szkarłatny materiał owinął się wokół gorącego ciała kobiety, alegorycznie symbolizując burzę rewolucji nad wiecznie młodą, dającą życie ziemią. Ale idylla ich wspólnego życia szybko się skończyła: „moskiewski psotny biesiadnik” kochał i nienawidził Isadory. Wielka uwodzicielka, która w swojej twórczości ceniła wielką prostotę w sztuce i kobiecą wolność, jak kobieta znosiła wszystko – zarówno jego szalone impulsy, jak i szaleństwa. I nawet powtórzyła przez potok łez, złapawszy but, który prawie uderzył ją w głowę, łamanym rosyjskim: „Serozha, kocham cię”. A on, wyrywając się z jej objęć, ukrywał się u przyjaciół, wysyłając telegramy, że to już koniec, ale wrócił ponownie, przepełniony czułością i skruchą, a ona przeczesała palcami jego loki, gdy upadł twarzą na jej kolana... Aby wyrwać ukochanego z ciągłego szału i rozczarowania jadowitym naganem ówczesnego literackiego beau monde nowej Rosji, Isadora zastosowała podstęp - po sformalizowaniu z nim małżeństwa w 1922 roku zabrała Jesienina za granicę. Po raz pierwszy w życiu ona, która nigdy wcześniej nie była zamężna, była szczęśliwa.

Jednak w Europie poeta zasmucił się jeszcze bardziej po rozmowie z rosyjskimi emigrantami: "Tu znowu piją, walczą i przy akompaniamencie płaczą żółtym smutkiem. Przeklinają swoje niepowodzenia, pamiętają Ruś Moskiewską...". Ponieważ w Paryżu nie było sanatorium dla pijącego Jesienina, Isadora zabrała go do swojej ojczyzny. W Ameryce obu traktowano z wybredną obawą, niemal jak konia trojańskiego dla bolszewików w sferze kultury. Duncan nie był tym zawstydzony: plując na wyższe sfery, „czerwona Isadora” zaczęła występować w proletariackich dzielnicach, została przyjęta z hukiem, życie uśmiechnęło się do niej. Ale tutaj po raz pierwszy dowiedziała się, czym jest małżeństwo w rozumieniu mężczyzny. Kiedy prasa nazwała poetę „młodym mężem Duncanem”, dosłownie eksplodował. Jesienin miał w sercu patriarchę i nie mógł znieść takiego upokorzenia. Ledwo, aż do utraty przytomności i zniszczenia mebli w restauracjach, znów zaczął pić. Któregoś dnia, po zapłaceniu rachunków za swoje „uroczystości”, Isadora nie mogła tego znieść i powiedziała mu: „Idź do domu!” Wyjechał, ale pobiegł do niej ponownie od granicy belgijskiej, nie mogąc znieść rozstania. Niestety, nie było już możliwości ponownego sklejenia rozbitego kubka. Dzika pasja umarła, zabijając tych, w których żyła, jak śmiertelna choroba. 2 lata po rozstaniu poeta został wyciągnięty z obiegu w hotelu Angleterre w Petersburgu.

Duncan próbowała zatracić się w tańcu. „Isadora tańczy wszystko, co inni mówią, śpiewają, piszą, grają i rysują” – powiedział o niej Maksymilian Wołoszyn, „tańczy „Siódmą Symfonię” i „Sonatę księżycową” Beethovena, tańczy „Primaverę” Botticellego i wiersze Horacego. ” Ale to było bardziej spojrzenie w przeszłość niż prawdziwe życie. Nawet krótki romans z rosyjskim pianistą Wiktorem Sierowem nie mógł jej wskrzesić. Próbowała popełnić samobójstwo... Kilka dni po wypompowaniu, 14 września 1927 roku w Nicei, Isadora Duncan wsiadła za kierownicę sportowego samochodu. Było fajnie, ale nie chciała założyć płaszcza, zawiązując długi szalik na szyi. Samochód wystartował, ale nie przejechał nawet stu metrów. Podmuch wiatru wciągnął koniec szkarłatnej chusty w szprychy koła... Głowa 50-letniej tancerki gwałtownie opadła, uderzając twarzą w drzwi samochodu. Szkarłatny szal ją udusił.

Nie warto szukać w tym alegorii, mówią, twórca nowej filozofii tańca naturalnego został zabity przez trzepoczący na wietrze symbol rewolucji, tak jak sama proletariacka pętla zdusiła wolną sztukę. Umierając, zdążyła powiedzieć: „Żegnajcie, przyjaciele, idę do chwały!” I w tej chwale było jej szczęście. Zasłużone. Nawet jeśli nie jest to tak pożądane przez nią, jak proste kobiece szczęście, które wielu daje.

Już w młodości dziewczyna odrzuciła rygorystyczne kanony baletu klasycznego, dążąc do naturalności w tańcu. Pierwsze występy w Ameryce nie przyniosły jej sukcesu i w wieku 21 lat opuściła Stany Zjednoczone, płynąc bydlęcym statkiem do Anglii. Jej skromne oszczędności nie pozwalały na więcej.

W Londynie została objęta patronatem słynnej aktorki CAMPBELL, która zapraszała baletnicę do występów na prywatnych przyjęciach. Do tego czasu taniec Duncana był już ukształtowany, opierając się na przykładach starożytnej greckiej sztuki plastycznej, którą studiowała w salach sztuki starożytnej Grecji w British Museum. Baletnica zamieniła swój tradycyjny kostium baletowy – tutu – na tunikę, występowała na scenie boso, porzucając język konwencjonalnych gestów.

Innowacja Duncan wzbudziła podziw miłośników tańca i wkrótce powitały ją wypełnione po brzegi teatry i sale koncertowe całej Europy. Podczas swojej pierwszej wizyty w Rosji w 1905 roku zwróciła na siebie uwagę Siergieja Dyagilewa. Życie osobiste baletnicy było także stałym tematem na pierwszych stronach gazet. Podobnie jak w sztuce, nieustannie łamała zakorzenione w świadomości tabu. Urodziła dwójkę dzieci, nie poślubiając żadnego ojca. W 1913 roku w Paryżu wydarzyła się tragedia, która zszokowała baletnicę. Samochód, w którym jej dzieci i towarzysząca im niania wpadły do ​​Sekwany i cała trójka utonęła.

Rok 1920 był nowym etapem w życiu baletnicy: została zaproszona do Rosji Sowieckiej w celu zorganizowania własnej szkoły baletowej. Jako jedna z pierwszych wśród zachodnich artystów powitała młode rewolucyjne państwo i decyzja ta była w pełni zgodna z jej naturą.

Jej znajomość z poetą Siergiejem Jesieninem, który był od niej o 17 lat młodszy, zakończyła się małżeństwem w 1922 roku. Duncan postanowił odbyć tournée po Stanach Zjednoczonych i pojechał tam z poetą. Ale moment był zły: Amerykę przestraszyło „czerwone zagrożenie” i powitano ich jako agentów bolszewików. Przeszkoda, jaką zorganizowano w Bostonie, gdy podczas jednego ze swoich występów przedstawiała publiczności Jesienina, zmusiła ją do opuszczenia ojczyzny ze słowami: „Żegnaj, Ameryko! Nigdy więcej cię nie zobaczę.”

Mój pobyt w Europie również był niezadowolony. Jesienin ją opuścił, wrócił do ZSRR i wkrótce popełnił samobójstwo. Dwa lata później w 1927 r. Isadora zginęła także tragicznie, gdy podczas jazdy samochodem długi szalik owinięty wokół jej szyi wpadł pod koło samochodu i udusił artystkę.

WNIOSEK:

Za rampą białych hiacyntów, na tle ciężkich fałd jednobarwnej tkaniny, wyłaniają się nagle z ukrytego w nich cienia, smukłe półdziewczęce, półdorastające postacie w przezroczystych tunikach, niewyraźnie odsłaniające sylwetki swoich ciał, w milczeniu, w głębokiej ciszy płynącej od muzyki odprawiajcie radosne sakramenty tańca…

Wśród ogółu społeczeństwa panuje najbardziej zniekształcone wyobrażenia na temat tej rodzącej się sztuki. Kiedy mówią: „Tańce plastikowe”, „Tańce starożytne”, „taniece a la Duncan”, „Sandały”, oznacza to jedynie głębokie niezrozumienie znaczenia zjawisk zachodzących na naszych oczach.

Odkąd pojawiła się Isadora Duncan i w swoim triumfalnym marszu przez Europę przekonała nas, że starożytny żywioł tańca nie umarł, wszystko, co działo się na tym terenie, nieuchronnie kojarzyło się z jej imieniem. Nie była jednak pierwsza, gdyż sama była uczennicą Louisa Fullera, który z kolei poszedł drogą wyznaczoną jako pierwszy przez Francois Delsarte. Isadora Duncan tylko otworzyła szeroko drzwi i otworzyła ścieżki do przyszłości.

Nie ma nic bardziej arbitralnego, niż patrzeć na te tańce jako na ilustracje muzyczne, a z drugiej strony traktować je jako nową formę baletu. Szczególnie powszechny jest ten ostatni pogląd. Balet, który przybrał formę nowego tańca, tylko pogłębił zamieszanie. Tak naprawdę balet i taniec różnią się w swej istocie. Balet jest tylko dla oczu. W balecie tancerz jest świadomy siebie, ale tylko w geście, tylko na powierzchni ciała. W starożytnym tańcu kojarzonym z imieniem Isadory Duncan rytm wznosi się z głębi nieświadomej esencji człowieka, a wir muzyki unosi ciało niczym wiatr liść.

Błędny jest także pogląd, jakoby ten nowy taniec był ilustracją muzyczną. Istnieje głębszy związek pomiędzy muzyką i tańcem. Muzyka to zmysłowe postrzeganie liczb. A jeśli porządek liczb i ich kombinacje, na których zbudowana jest melodia muzyczna, są postrzegane przez naszą istotę zmysłowo, to dzieje się tak tylko dlatego, że nasze ciało w swojej długiej ewolucji biologicznej zostało zbudowane w tych kombinacjach liczbowych, które teraz dla nas brzmią w muzyce.

Muzyka jest dosłownie pamięcią naszego ciała dotyczącą historii stworzenia. Dlatego każdemu muzycznemu uderzeniu odpowiada dokładnie jakiś gest, utrwalony gdzieś w pamięci naszego ciała. Idealny taniec powstaje, gdy całe nasze ciało staje się brzmiącym instrumentem muzycznym, a dla każdego dźwięku, jako jego rezonans, rodzi się gest. Że rzeczywiście tak jest, potwierdzają eksperymenty hipnotyczne: zahipnotyzowani ludzie, mając znany motyw, powtarzają te same ruchy. Na tym opierają się tańce słynnej Madeleine tańczącej w hipnozie. Ale taniec w hipnozie to okrutne przeżycie dla ludzkiej duszy, a nie sztuka. Ścieżką sztuki jest osiągnięcie tego samego, ale poprzez świadomą twórczość i świadomość swojego ciała.

Aby Twoje ciało było tak wrażliwe i dźwięczne jak drewno starego Stradivariusa, aby stało się w całości jednym instrumentem muzycznym, brzmiącym wewnętrznymi harmoniami – oto idealny cel sztuki tańca.

Cóż jest piękniejszego niż ludzka twarz, prawdziwie i harmonijnie odzwierciedlająca fale nastrojów i uczuć, które wypływają z głębin duszy? Aby stać się twarzą, potrzebujemy całego ciała. Oto sekret helleńskiego piękna; tam całe ciało było zwierciadłem ducha. Taniec jest tą samą świętą ekstazą ciała, co modlitwa jest ekstazą duszy. Dlatego taniec w swej istocie jest najwyższą i najstarszą ze wszystkich sztuk. Jest wyższa od muzyki, jest wyższa od poezji, bo w tańcu, poza medium słów i poza medium instrumentu, człowiek sam staje się instrumentem, piosenką i twórcą, a całe jego ciało brzmi barwą głosu.

W swojej autobiografii tak mówi o swoich narodzinach: Charakter dziecka jest określony już w łonie matki. Nie mogła jeść nic poza ostrygami, które popijała lodowatym szampanem. Wraz z rodziną odbyła pielgrzymkę do Grecji. W latach osiemdziesiątych taniec klasyczny powrócił do punktu wyjścia, a taniec nowoczesny, a w tym czasie taniec współczesny, stał się wysoce techniczną bronią profesjonalistów nieodległych od polityki.

Udostępnij swoją pracę w sieciach społecznościowych

Jeśli ta praca Ci nie odpowiada, na dole strony znajduje się lista podobnych prac. Możesz także skorzystać z przycisku wyszukiwania

Wprowadzenie…………………………………………………………………………….….3
ROZDZIAŁ I. Isadora Duncan, założycielka tańca współczesnego
1.1 Historia tańca. Taniec nowoczesny……………………………………….…5
1.2 Isadora Duncan jest założycielką nowego kierunku…………….8
ROZDZIAŁ II. Biografia i twórczość Isadory
2.1 Starożytna grecka sztuka plastyczna Isadory………………………………….....9
2.2 Słynny „sandał”……………………………………….……......11
Zakończenie………………………………………………………………………………….……...17
Referencje……………………………………………………………20

WSTĘP

Życie Isadory Duncan od samego początku zapowiadało się na niezwykłe. W swojej autobiografii tak opisuje swoje narodziny: "Charakter dziecka jest zdeterminowany już w łonie matki. Jeszcze przed moim urodzeniem moja mama przeżyła tragedię. Nie mogła jeść nic poza ostrygami, które popijała lodowatą wodą szampan. Jeśli pytają mnie, kiedy zacząłem tańczyć, odpowiadam – w łonie matki. Być może z powodu ostryg i szampana.

Isadora była nieszczęśliwa jako dziecko; jej ojciec, Joseph Duncan, zbankrutował i uciekł, zanim się urodziła, pozostawiając żonę z czwórką dzieci w ramionach i bez środków do życia. Mała Isadora, która ukrywając swój wiek, została wysłana do szkoły w wieku 5 lat, poczuła się obco wśród zamożnych kolegów z klasy. To uczucie, wspólne wszystkim dzieciom Duncana, zjednoczyło je wokół matki, tworząc „klan Duncana”, rzucający wyzwanie całemu światu.

W wieku 13 lat Isadora porzuciła szkołę, którą uważała za całkowicie bezużyteczną, i poważnie zajęła się muzyką i tańcem, kontynuując samokształcenie.

W wieku 18 lat młody Duncan przybył na podbój Chicago i prawie poślubił jej wielbiciela. Był to rudowłosy, brodaty czterdziestopięcioletni Polak Iwan Miroski. Problem w tym, że on też był biedny. A w dodatku, jak się później okazało, jest także żonaty. Ten nieudany romans zapoczątkował serię niepowodzeń w jej życiu osobistym, które prześladowały tancerkę przez całe życie. Duncan nigdy nie był w pełni i bezwarunkowo szczęśliwy.

Znaczenie pracy. Isadora twierdziła, że ​​taniec powinien być naturalną kontynuacją ruchu ludzkiego, odzwierciedlać emocje i charakter wykonawcy, a impulsem do pojawienia się tańca powinien być język duszy. Wszystkie te idee, nowatorskie w swej naturze, w naturalny sposób popadły w konflikt z ówczesną szkołą baletową. Surowa ocena samego baletu nie przeszkodziła jednak Duncanowi podziwiać wdzięku i kunsztu dwóch rosyjskich baletnic, Kshesinskiej i Pavlovej. Co więcej, z tym ostatnim zostali później nawet dobrymi przyjaciółmi, którzy szczerze doceniali swój talent.

Występy tancerki rozpoczynały się na przyjęciach towarzyskich, gdzie przedstawiano ją jako pikantny dodatek, egzotyczną ciekawostkę: Isadora tańczyła boso, co było nowością i dość zszokowało publiczność.

Wycieczka znacznie poprawiła sytuację finansową Duncana i w 1903 roku wraz z rodziną odbyła pielgrzymkę do Grecji. Ubrani w tuniki i sandały ekscentryczni cudzoziemcy wywołali spore zamieszanie na ulicach współczesnych Aten. Podróżnicy nie ograniczyli się do zwykłego studiowania kultury ukochanego kraju, postanowili wnieść swój wkład wznosząc świątynię na wzgórzu Kapanos. Ponadto Isadora wybrała do chóru 10 chłopców, który jej występom towarzyszył śpiew.

Cel pracy : rozważ dzieło Isadory Duncan.

Zadania:

1. Pokaż Isadorę Duncan jako twórczynię tańca współczesnego;

2. Opisz biografię i twórczość Isadory.

ROZDZIAŁ I. Isadora Duncan, założycielka tańca współczesnego

1.1 Historia tańca. Taniec nowoczesny

Historycznie rzecz biorąc, taniec był używany przez ludzi jako część rytuałów religijnych i uroczystości publicznych. Dowody na to można znaleźć w wielu dokumentach z epoki prehistorycznej. Tańce dworskie istniały prawdopodobnie tak długo, jak królowie i królowe. Różnorodność form tanecznych obejmowała formy ludowe, towarzyskie, towarzyskie, religijne, eksperymentalne i inne. Główną gałęzią tej sztuki był taniec teatralny, który wywodzi się ze świata zachodniego. Korzenie współczesnego baletu, tańca, który wszyscy znamy, sięgają Francji w XVI wieku – renesansu.

Większość choreografów i tancerzy początku XX wieku miała skrajnie negatywny stosunek do baletu. Isadora Duncan uważała to za brzydką, pozbawioną sensu gimnastykę. Martha Graham (Graham) widziała w nim europeizm i imperializm, które z Amerykanami nie miały nic wspólnego. Merce Cunningham, pomimo stosowania w nauczaniu podstawowych technik baletowych, podchodził do choreografii i występów z pozycji będącej całkowitym przeciwieństwem tradycyjnego baletu.

Wiek XX był zdecydowanie czasem oderwania się od wszystkiego, na czym opierał się balet. Czas niespotykanego dotąd twórczego rozwoju tancerzy i choreografów. Czas szoku, zaskoczenia i widzów, którzy zmienili swoje rozumienie tańca. Czas rewolucji w pełnym tego słowa znaczeniu.

Lata sześćdziesiąte to rozwój postmodernizmu, który zmienił kurs w stronę prostoty, piękna małych rzeczy, niewytrenowanych ciał i prostych, pozbawionych sztuki ruchów. Słynny manifest „Nie”, odrzucający wszelkie kostiumy, fabuły i „popisy” na rzecz surowego, nieprzetworzonego ruchu, jest chyba najjaśniejszym krańcem tej fali nowego myślenia. Niestety brak kostiumów, fabuły i rekwizytów nie przekłada się na sukces tanecznego show i po krótkim czasie w słowniku choreografów tańca współczesnego ponownie pojawiły się słowa „sceneria”, „art design” i „poziom szoku”.

W latach osiemdziesiątych taniec klasyczny powrócił do punktu wyjścia, a taniec nowoczesny (lub w tym czasie taniec współczesny) stał się wysoce techniczną bronią profesjonalistów, niedaleko polityki. Dwie formy tańca, taniec współczesny i balet klasyczny, pokojowo współistnieją obok siebie, doświadczając jedynie drobnego ułamka dawnej wrogości wobec siebie i niemal bez wchodzenia w rywalizację. Dziś sztuka tańca przesiąknięta jest twórczą rywalizacją, a choreografowie często starają się, aby ich twórczość była nazywana najbardziej szokującą. Jednak w sztuce wciąż jest piękno, a taniec nowoczesny zadziwia takim profesjonalizmem, siłą i elastycznością, jakiej nigdy wcześniej nie widziano.

Aby zrozumieć, czym jest dziś taniec nowoczesny, należy sięgnąć do jego historii, zaczynając od przyczyny pojawienia się nowego kierunku.

I tak na początku XX wieku w Ameryce i Europie pojawił się nowy kierunek tańca (nazywany przez Amerykanów nowoczesnym, a przez Europejczyków tańcem współczesnym), jako alternatywa dla istniejącego baletu klasycznego, jako jeden ze sposobów wyrażania nowych charakterystyczne dla ówczesnej sztuki uczucia i myśli, odważnie odrzucające konwencje form baletowych, różniące się od niej większą swobodą i wyrazistością środków.

Na początku było kilka głównych postaci. Na nową wizję tańca duży wpływ wywarły idee nauczyciela francuskiego, kompozytora F. Delsarte (1881-1971), który twierdził, że tylko naturalny gest, wolny od konwencji i stylizacji, jest w stanie przekazać ludzkie uczucia.

Szwajcarski nauczyciel i kompozytor Jacques-Dalcroze (1865-1950) związał edukację muzyczną z ruchem. Muzykę należy „doświadczyć fizycznie”. W oparciu o idee Dalcroze’a w latach dwudziestych XX wieku w Leningradzie działał Instytut Rytmu, którego pracownicy starali się tworzyć „muzykę taneczną”.

Jeśli Delsarte i Jacques-Dalcroze są teoretykami i autorami koncepcji nowego tańca, to za bezpośredniego twórcę modernizmu uważa się słynną amerykańską tancerkę Isadorę Duncan (1877-1927), która ucieleśniała tę ideę w ruchu. Zarzucając baletowi klasycznemu bezduszność i sztuczność, Duncan starał się odtworzyć swobodną plastyczność, plastyczność starożytnej Grecji, tańczył boso w lekkich przezroczystych tunikach. Trudno opisać taniec nowoczesny dokładniej niż sama Duncan w swojej autobiografii „Moja spowiedź”: „Wolność ciała i ducha rodzi twórczą myśl, ruchy ciała powinny być wyrazem wewnętrznego impulsu. Tancerz musi przyzwyczaić się do ruchu tak, jakby ruch nigdy się nie kończył, był zawsze wynikiem wewnętrznego zrozumienia. W tańcu należy zapomnieć o ciele, to tylko instrument, dobrze nastrojony i harmonijny. W gimnastyce tylko ciało wyraża się poprzez ruch, ale w tańcu uczucia i myśli wyrażają się poprzez ciało. „Isadora sprawiła, że ​​uznaliśmy sztukę tańca za ważną i szlachetną. Sprawiła, że ​​uznał to za sztukę” (Agnes de Mille).

Należy zauważyć, że sam czas - początek XX wieku - był podatnym gruntem dla pojawienia się i rozwoju idei odzwierciedlających nowe postrzeganie siebie i świata przez człowieka. Język tańca baletowego, tak znajomy i przewidywalny, nie odpowiadał już odmienionemu życiu, przedstawiał bowiem osobę, w którą utracono wiarę. Balet pozostał klasyką, a powstające kierunki artystyczne, takie jak ekspresjonizm i surrealizm, znalazły wyraz w przedstawieniach modernistycznych choreografów w Europie i Ameryce.

TANIEC MODERN, jeden z kierunków współczesnej choreografii zagranicznej, który powstał na przełomie XIX i XX wieku. w USA i Niemczech. Termin „taniec nowoczesny” powstał w Stanach Zjednoczonych na określenie choreografii scenicznej, która odrzucała tradycyjne formy baletowe. Wchodząc do użytku, zastąpił inne terminy (taniec wolny, dunkanizm, taniec boso, taniec rytmiczny, ekspresyjny, ekspresjonistyczny, absolutny, nowy artystyczny), które powstały w procesie rozwoju tego kierunku. Tym, co łączyło przedstawicieli tańca współczesnego, niezależnie od tego, do jakiego ruchu należeli i w jakim okresie głosili swoje programy estetyczne, była chęć stworzenia nowej choreografii, która ich zdaniem odpowiadała na duchowe potrzeby człowieka XX wieku. Jego główne założenia: odrzucenie kanonów, ucieleśnienie nowych tematów i fabuł przy użyciu oryginalnych środków tanecznych i plastycznych.

Dążąc do całkowitej niezależności od tradycji, przedstawiciele tańca współczesnego doszli ostatecznie do przyjęcia pewnych technik technicznych, w opozycji do których narodził się nowy kierunek. Cel, jakim było całkowite odejście od tradycyjnych form baletowych, nie mógł zostać w pełni zrealizowany w praktyce.

Idee tańca współczesnego antycypował słynny francuski nauczyciel i teoretyk ruchu scenicznego F. Delsarte, który twierdził, że jedynie gest wyzwolony z konwencji i stylizacji (w tym muzycznej) jest w stanie wiernie oddać wszystkie niuanse ludzkich przeżyć. Jego idee upowszechniły się na początku XX wieku po ich artystycznej realizacji przez dwóch amerykańskich tancerzy podróżujących po Europie. L. Fuller występował w 1892 roku w Paryżu. Jej taniec „Serpentine” opierał się na efektownym połączeniu swobodnych ruchów ciała, spontanicznie generowanych przez muzykę i kostiumie – ogromnych, trzepocących narzutach, oświetlanych wielobarwnymi reflektorami.

1.2 Isadora Duncan – założycielka nowego kierunku

Założycielem nowego kierunku w choreografii był jednak A. Duncan. Jej głoszenie odnowionej starożytności, „tańca przyszłości”, powrotu do form naturalnych, wolnych nie tylko od konwencji teatralnych, ale także historycznych i codziennych, wywarło ogromny wpływ na wielu artystów pragnących uwolnić się od akademickich dogmatów.

Duncan uważała naturę za źródło swojej inspiracji. Wyrażając osobiste uczucia, jej sztuka nie miała cech wspólnych z żadnym systemem choreograficznym. Odwoływał się do heroicznych i romantycznych obrazów generowanych przez muzykę o tym samym charakterze. Technika nie była skomplikowana, ale przy stosunkowo ograniczonym zestawie ruchów i póz tancerka przekazała najsubtelniejsze odcienie emocji, wypełniając najprostsze gesty głęboką poetycką treścią. Duncan nie stworzyła szkoły kompletnej, choć otworzyła drogę do czegoś nowego w sztuce choreograficznej. Improwizacja, taniec boso, odrzucenie tradycyjnego stroju baletowego, zwrócenie się w stronę muzyki symfonicznej i kameralnej, wszystkie te fundamentalne innowacje Duncana z góry wyznaczyły ścieżkę tańca współczesnego

ROZDZIAŁ II. Biografia i twórczość Isadory

2.1 Starożytna grecka rzeźba Isadory

Gdyby urodziła się nie 26 maja 1878 roku, ale w starożytnej Helladzie, kapłani dostrzegliby w jej darze ziemskie wcielenie i ożywili „praktykę” muzy Terpsichore. Gdyby nie żyła w niespokojnej Europie początku krwawego XX wieku, współczesne feministki uczyniłyby ją swoim trybunem i wzorem do naśladowania. Gdyby nie była śmiertelniczką, ludzie nigdy by się nie dowiedzieli, że nawet szalony żal po stracie nie jest w stanie ugasić w sercu kobiety oddanej sztuce pragnienia odnalezienia swojego męskiego boga, inspirującego boga Apolla. Cóż, najbardziej zaskakującą rzeczą w jej życiu romantycznym było to, że rzadka biografka nie odczuwała poczucia zamętu z powodu ogromnej liczby mistycznych szczegółów, których mdłości i koncentracja dla fikcyjnego obrazu literackiego mogłyby stać się powodem do krytyki oskarżającej pisarz propagujący fatalizm i naciąganą fabułę. Czy jesteś naczyniem, w którym jest pustka, czy ogniem migoczącym w naczyniu? Nie powiedziano o niej tego, ale pewnego dnia rozbłysła dla niej jasna iskra boskiego ognia, oświetlając ścieżkę w sztuce, w jednej z greckich waz przedstawiających starożytny taniec, który uczynił słynną Isadorę Duncan z aspirującego Amerykanina balerina.

W majowy dzień, w którym urodziła się Isadora Angela Duncan, matka przyszłej gwiazdy europejskich scen przeżyła dwa rozczarowania naraz: pierwszymi dźwiękami, które usłyszała, ledwo dochodząc do siebie po porodzie, były wściekłe krzyki dochodzące z ulicy deponentów majątku jej męża bank, który dzień wcześniej uciekł ze swoimi oszczędnościami, Bóg jeden wie, gdzie; pierwszą rzeczą, którą zobaczyła nieszczęsna kobieta, było to, że noworodek niemal konwulsyjnie uderzał nogami w powietrze. „Wiedziałam, że urodzi się potwór” – powiedziała położnej – „to dziecko nie może być normalne, skakało i skakało jeszcze w moim łonie, to wszystko kara za grzechy jej ojca, łajdaka Józefa. Nie widziała, że ​​pierwsze ruchy dziecka są lustrzanym odbiciem jej przyszłych losów. Jednak mimo całkowitego braku daru przewidywania, nauczycielka muzyki bez pomocy zbuntowanego ojca zdołała postawić na nogi córkę i trójkę starszych dzieci, a nawet zapewniła im dobre wykształcenie. Jednak te wysiłki na niewiele się zdały Isadorze: w wieku 13 lat rzuciła szkołę i poważnie zainteresowała się muzyką i tańcem. Niemniej jednak próba podboju Chicago nie zakończyła się dla niej niczym, poza pierwszym burzliwym romansem z ognistoczerwonym uwodzicielem - poślubiła Polaka Iwana Miroskiego, który spalił jej duszę do tego stopnia, że ​​tancerka zdecydowała się uciec od gorzkiego szczęścia do Europy , nie gardząc nawet tym, że jedynym rodzajem transportu, na jaki mogła sobie wówczas pozwolić, była ładownia statku do transportu bydła. Mglisty Londyn tchnął w nią sztywność i intymność świeckich salonów, które w warunkach ostrej rywalizacji mogło pokonać jedynie coś oszałamiającego. Ale co z temperamentem? Po drugiej stronie kanału La Manche jej główna rywalka Mata Hari odnalazła już swoje credo w tańcu, ryzykując rozebranie się przed publicznością i urzekała ją orientalnymi krokami.

2.2 Słynny „sandał”

Pogrążona w myślach Isadora błąkała się po korytarzach Muzeum Brytyjskiego i szukała, szukała... Wdzięk i kunszt wybitnych rosyjskich baletnic Kshesinskaya i Pavlova były zbyt akademickie i sugerowały długie i wyczerpujące musztry z lekcjami, zniewolenie przez klejnotowy dogmat . Chciwa Amerykanka nie miała na to wszystko ani czasu, ani siły psychicznej, tchnęła pragnienie wolności w sztuce i życiu... Moją uwagę przykuł ogromny, zabytkowy wazon z czerwoną figurą, przywieziony z Aten. Lekkie przechylenie głowy, powiewające fałdy tuniki, dłoń unosząca się nad głową w wdzięcznym geście. Brodaty wojownik siedział u stóp tancerza i podnosił kielich wina. Nie ma nic piękniejszego niż galopujący koń, żaglowiec i tańcząca kobieta. Artystka na przestrzeni wieków potrafiła przekazać głęboki podziw mężczyzny dla tańczącej hetery, przedstawicielki najbardziej uwodzicielskiej, wolnej od upokarzającego życia i najlepiej wykształconej kasty żeńskiej starożytnego świata, występującej na bankiecie artystycznym sympozjum epoki klasycznej. Kim była ta tancerka i kim była jej publiczność? Sama jest Thais, Aspazją czy Terpsichore; czy to Perykles, współpracownik wielkiego Aleksandra Ptolemeusza... czy może jeden z bogów greckich w ziemskiej postaci? Płomień wglądu błysnął przed Isadorą...

W ciągu kilku dni znalazła patrona w osobie słynnej aktorki Campbell, którą zaraziła swoją ideą – taniec powinien być symbolem wolności, kontynuacją naturalnego wdzięku, przemawiającym językiem emocji, a nie jednorazowo za wszystkie wyćwiczone gesty. Roztropna królowa salonów zaaranżowała debiut swojej podopiecznej na jednym z prywatnych przyjęć, gdzie zaprezentowała ją niemal jako „egzotyczną przystawkę”. I miała rację: odważna Isadora, która wystąpiła boso i w tunice zamiast tutu, zdołała w dużej mierze naśladować występy starożytnych Greków, wywołując zachwyt w oczach publiczności. Sukces wyprzedził ją w sandałach Hefajstosa już w 1903 roku, Isadora mogła wyruszyć w trasę koncertową do upragnionej Grecji, gdzie doskonaliła swoje umiejętności w zakresie improwizacji plastycznej. Oklaskiwano ją na najlepszych scenach Europy, a bilety na jej występy były wszędzie wyprzedane. A dziennikarze, niczym ogary, rzucili się, by zbadać szczegóły życia osobistego tej niesamowitej kobiety. Natrafiliśmy też na kopalnię złota.

Wreszcie szczęście uśmiechnęło się do Duncana: do małej roli w nowojorskim teatrze zaangażował ją słynny Augustin Daly. To była szansa. Iwan Mirotski popadł w rozpacz na myśl o separacji. Przysięgali wieczną miłość. Dziewczyna obiecała, że ​​​​jak tylko odniesie sukces w Nowym Jorku, natychmiast się pobiorą. W tym czasie Isadora nie była jeszcze zagorzałą zwolenniczką wolnej miłości, o którą później walczyła.

W Nowym Jorku została przyjęta do trupy. Rok później wyjechała z teatrem na tournée do Chicago. Isadora nie mogła się doczekać spotkania z narzeczonym. Było gorące lato i codziennie, wolni od prób, chodzili do lasu i chodzili na długie spacery. Przed wyjazdem do Nowego Jorku brat Isadory dowiedział się, że Mirotski ma żonę w Londynie. Matka panny młodej była przerażona tą wiadomością i nalegała na separację.

Niepowtarzalny styl, który wyróżniał układy taneczne Isadory Duncan, wyrósł z jej studiów nad sztuką tańca Grecji i Włoch i opierał się na elementach systemu gimnastyki rytmicznej opracowanego przez Francois Delsarte. W 1898 roku cała garderoba Isadory spłonęła w strasznym pożarze hotelu Windsor w Nowym Jorku, dlatego podczas kolejnego występu wystąpiła przed publicznością w wymyślonym przez siebie zaimprowizowanym kostiumie. Publiczność była zszokowana – Isadora pojawiła się na scenie niemal nago. Od tego czasu na silne, smukłe ciało młodej tancerki zaczęto ozdabiać słynne zwiewne stroje, wiązane na starożytny sposób pod klatką piersiową i na ramionach. Nie akceptowała pointów i tańczyła na palcach jak Afrodyta. Jej bose stopy były piękne, mocne i lekkie.

Isadora wyruszyła w wielką podróż po Europie i wkrótce stała się ulubienicą całego kontynentu. Zawarła kontrakt z impresario Alexandrem Grossem, który organizował jej solowe występy w Budapeszcie, Berlinie, Wiedniu i innych miastach Europy. Zszokowana, ale podekscytowana publiczność tłumnie przybyła do teatrów, aby obejrzeć pełen pasji występ taneczny półnagiej Isadory, improwizującej do muzyki znanych kompozytorów („Błękitny Dunaj” Straussa czy „Marsz żałobny” Chopina).

Isadora była jedną z tych, które wybierają sobie mężczyzn. I trzeba przyznać, że wybrała z doskonałym gustem. W Budapeszcie utalentowany aktor i przystojny Węgr Oscar Berezhi wybrał karierę zamiast związku z nią, wówczas pisarz i nauczyciel Henrik Thode załamał się pod ciężarem świętoszkowatej moralności i zerwał z Isadorą po pierwszym skandalu z legalną żoną. Wtedy w jej życiu pojawił się reżyser teatralny Gordon Craig, już zaręczony z kimś innym. W wieku 29 lat tancerka otrzymała pierwszą w życiu nagrodę za tę nieszczęśliwą miłość - urodziła się jej córka Deirdre, co po celtycku oznacza „smutek”. To właśnie wtedy, cierpiąc po trudnym porodzie, Isadora wygłosiła oświadczenie, które później podchwyciły feministki: „Kto wpadł na pomysł, że kobieta powinna rodzić w bólu? Nie chcę słyszeć o żadnej kobiecie, która ruchy społeczne, dopóki ktoś nie wymyśli, jak sprawić, by poród był bezbolesny. Czas zakończyć tę bezsensowną agonię. A jednak po ślubie kolejnego „Apolla” ze swoją byłą narzeczoną wielka tancerka doszła do rozczarowującego wniosku: miłość i małżeństwo nie zawsze idą w parze, a sama miłość nie może być wieczna. Pod koniec 1907 roku dała kilka koncertów w Petersburgu, gdzie poznała nowego kandydata do roli jedynego mężczyzny na całe życie. Znów miała pecha Konstanty Stanisławski, także geniusz, a także przystojny mężczyzna, dał jej jasno do zrozumienia, że ​​nie widzi w Isadorze nic innego jak idealne ucieleśnienie niektórych swoich pomysłów.

Światowej sławy „bosonoga” swoimi ogłuszającymi romansami z żonatymi mężczyznami łamała zakorzenione w świadomości społeczeństwa tabu, a ci, którzy mogli dać jej długo oczekiwane szczęście, cieszyli się, że są jej kochankami, niczym więcej. Pozostała sama na swoim tanecznym Olimpie, dając niewdzięcznym powrót do odległych początków sztuki. Wydawało się, że na tym etapie swojego życia prawie dotknęła realizacji odwiecznego kobiecego marzenia, poznając eleganckiego i przystojnego bogacza Parisa Eugene'a Singera, spadkobiercę wynalazcy maszyny do szycia. Nie tylko spłacił wszystkie zaległe rachunki, ale był nawet gotowy zaproponować małżeństwo. Był jednak tak zazdrosny, że postawił warunek małżeństwa, wyznaczając miejsce dla Isadory gdzieś pomiędzy szczoteczką do zębów a maszyną do szycia. Isadora powiedziała, że ​​nie da się jej kupić. Niemal natychmiast po urodzeniu syna Patricka rozwiedli się. Nowy dramat złamał aktorkę: zaczęła wyobrażać sobie marsze pogrzebowe, a potem dwie trumny dziecięce wśród zasp. „Szaleństwo” okazało się zapowiedź pierwszych prawdziwych kłopotów, bo w serii powieści dzieci były jego jedynym światłem.

W styczniu 1913 roku, po spotkaniu z Singerem, oboje dzieci Isadory wraz z guwernantką podróżowały samochodem z Paryża do Wersalu. W drodze silnik nagle zgasł, kierowca zajrzał pod maskę i coś pociągnął. Samochód, zwalając kierowcę z nóg, wystartował i wraz z pasażerami wpadł do Sekwany. Nigdy nie otrząsnęła się po tej stracie. Isadorę nękały wizje, pewnego dnia wyobraziła sobie, że widzi swoje dzieci wchodzące do wody. Przechodzień podniósł łkającą kobietę, która upadła na ziemię. „Ocal moje zdrowie psychiczne, daj mi dziecko” – jęczała. Młody człowiek był zaręczony. Chłopiec urodzony z ich związku żył zaledwie kilka dni. Isadora zaczęła pić, dziennikarze nawet zastąpili jej nazwisko Pijanym (pijany).

Duncan próbowała zatracić się w tańcu. „Isadora tańczy wszystko, co inni mówią, śpiewają, piszą, grają i rysują” – powiedział o niej Maksymilian Wołoszyn, „tańczy „Siódmą Symfonię” i „Sonatę księżycową” Beethovena, tańczy „Primaverę” Botticellego i wiersze Horacego. ” Ale to było bardziej spojrzenie w przeszłość niż prawdziwe życie. Nawet krótki romans z rosyjskim pianistą Wiktorem Sierowem nie mógł jej wskrzesić. Próbowała popełnić samobójstwo... Kilka dni po wypompowaniu, 14 września 1927 roku w Nicei, Isadora Duncan wsiadła za kierownicę sportowego samochodu. Było fajnie, ale nie chciała założyć płaszcza, zawiązując długi szalik na szyi. Samochód wystartował, ale nie przejechał nawet stu metrów. Podmuch wiatru wciągnął koniec szkarłatnej chusty w szprychy koła... Głowa 50-letniej tancerki gwałtownie opadła, uderzając twarzą w drzwi samochodu. Szkarłatny szal ją udusił.

Nie warto szukać w tym alegorii, mówią, twórca nowej filozofii tańca naturalnego został zabity przez trzepoczący na wietrze symbol rewolucji, tak jak sama proletariacka pętla zdusiła wolną sztukę. Umierając, zdążyła powiedzieć: „Żegnajcie, przyjaciele, idę do chwały!” I w tej chwale było jej szczęście. Zasłużone. Nawet jeśli nie jest to tak pożądane przez nią, jak proste kobiece szczęście, które wielu daje.

Innowacja Duncan wzbudziła podziw miłośników tańca i wkrótce powitały ją wypełnione po brzegi teatry i sale koncertowe całej Europy. Podczas swojej pierwszej wizyty w Rosji w 1905 roku zwróciła na siebie uwagę Siergieja Dyagilewa. Życie osobiste baletnicy było także stałym tematem na pierwszych stronach gazet. Podobnie jak w sztuce, nieustannie łamała zakorzenione w świadomości tabu. Urodziła dwójkę dzieci, nie poślubiając żadnego ojca. W 1913 roku w Paryżu wydarzyła się tragedia, która zszokowała baletnicę. Samochód, w którym jej dzieci i towarzysząca im niania wpadły do ​​Sekwany i cała trójka utonęła.

Rok 1920 był nowym etapem w życiu baletnicy: została zaproszona do Rosji Sowieckiej w celu zorganizowania własnej szkoły baletowej. Jako jedna z pierwszych wśród zachodnich artystów powitała młode rewolucyjne państwo i decyzja ta była w pełni zgodna z jej naturą.

Jej znajomość z poetą Siergiejem Jesieninem, który był od niej o 17 lat młodszy, zakończyła się małżeństwem w 1922 roku. Duncan postanowił odbyć tournée po Stanach Zjednoczonych i pojechał tam z poetą. Ale moment był zły: Amerykę przestraszyło „czerwone zagrożenie” i powitano ich jako agentów bolszewików. Przeszkoda, jaką zorganizowano w Bostonie, gdy podczas jednego ze swoich występów przedstawiała publiczności Jesienina, zmusiła ją do opuszczenia ojczyzny ze słowami: „Żegnaj, Ameryko! Nigdy więcej cię nie zobaczę.”

Mój pobyt w Europie również był niezadowolony. Jesienin ją opuścił, wrócił do ZSRR i wkrótce popełnił samobójstwo. Dwa lata później w 1927 r. Isadora zginęła także tragicznie, gdy podczas jazdy samochodem długi szalik owinięty wokół jej szyi wpadł pod koło samochodu i udusił artystkę.

WNIOSEK

Za rampą białych hiacyntów, na tle ciężkich fałd jednobarwnej tkaniny, wyłaniają się nagle z ukrytego w nich cienia, smukłe półdziewczęce, półdorastające postacie w przezroczystych tunikach, niewyraźnie odsłaniające sylwetki swoich ciał, w milczeniu, w głębokiej ciszy płynącej od muzyki odprawiajcie radosne sakramenty tańca…

Wśród ogółu społeczeństwa panuje najbardziej zniekształcone wyobrażenia na temat tej rodzącej się sztuki. Kiedy mówią: „Tańce plastikowe”, „Tańce starożytne”, „taniece a la Duncan”, „Sandały”, oznacza to jedynie głębokie niezrozumienie znaczenia zjawisk zachodzących na naszych oczach.

Odkąd pojawiła się Isadora Duncan i w swoim triumfalnym marszu przez Europę przekonała nas, że starożytny żywioł tańca nie umarł, wszystko, co działo się na tym terenie, nieuchronnie kojarzyło się z jej imieniem. Nie była jednak pierwsza, gdyż sama była uczennicą Louisa Fullera, który z kolei poszedł drogą wyznaczoną jako pierwszy przez Francois Delsarte. Isadora Duncan tylko otworzyła szeroko drzwi i otworzyła ścieżki do przyszłości.

Nie ma nic bardziej arbitralnego, niż patrzeć na te tańce jako na ilustracje muzyczne, a z drugiej strony traktować je jako nową formę baletu. Szczególnie powszechny jest ten ostatni pogląd. Balet, który przybrał formę nowego tańca, tylko pogłębił zamieszanie. Tak naprawdę balet i taniec różnią się w swej istocie. Balet jest tylko dla oczu. W balecie tancerz jest świadomy siebie, ale tylko w geście, tylko na powierzchni ciała. W starożytnym tańcu kojarzonym z imieniem Isadory Duncan rytm wznosi się z głębi nieświadomej esencji człowieka, a wir muzyki unosi ciało niczym wiatr liść.

Błędny jest także pogląd, jakoby ten nowy taniec był ilustracją muzyczną. Istnieje głębszy związek pomiędzy muzyką i tańcem. Muzyka to zmysłowe postrzeganie liczb. A jeśli porządek liczb i ich kombinacje, na których zbudowana jest melodia muzyczna, są postrzegane przez naszą istotę zmysłowo, to dzieje się tak tylko dlatego, że nasze ciało w swojej długiej ewolucji biologicznej zostało zbudowane w tych kombinacjach liczbowych, które teraz dla nas brzmią w muzyce.

Muzyka jest dosłownie pamięcią naszego ciała dotyczącą historii stworzenia. Dlatego każdemu muzycznemu uderzeniu odpowiada dokładnie jakiś gest, utrwalony gdzieś w pamięci naszego ciała. Idealny taniec powstaje, gdy całe nasze ciało staje się brzmiącym instrumentem muzycznym, a dla każdego dźwięku, jako jego rezonans, rodzi się gest. Że rzeczywiście tak jest, potwierdzają eksperymenty hipnotyczne: zahipnotyzowani ludzie, mając znany motyw, powtarzają te same ruchy. Na tym opierają się tańce słynnej Madeleine tańczącej w hipnozie. Ale taniec w hipnozie to okrutne przeżycie dla ludzkiej duszy, a nie sztuka. Ścieżką sztuki jest osiągnięcie tego samego, ale poprzez świadomą twórczość i świadomość swojego ciała.

Aby Twoje ciało było tak wrażliwe i dźwięczne jak drewno starego Stradivariusa, aby stało się w całości jednym instrumentem muzycznym, brzmiącym wewnętrznymi harmoniami – oto idealny cel sztuki tańca.

Cóż jest piękniejszego niż ludzka twarz, prawdziwie i harmonijnie odzwierciedlająca fale nastrojów i uczuć, które wypływają z głębin duszy? Aby stać się twarzą, potrzebujemy całego ciała. Oto sekret helleńskiego piękna; tam całe ciało było zwierciadłem ducha. Taniec jest tą samą świętą ekstazą ciała, co modlitwa jest ekstazą duszy. Dlatego taniec w swej istocie jest najwyższą i najstarszą ze wszystkich sztuk. Jest wyższa od muzyki, jest wyższa od poezji, bo w tańcu, poza medium słów i poza medium instrumentu, człowiek sam staje się instrumentem, piosenką i twórcą, a całe jego ciało brzmi barwą głosu.

Taki idealny taniec może jeszcze nie istnieć. Isadora Duncan to tylko zapowiedź tego przyszłego tańca, tylko jego pierwsza zapowiedź. Ale droga do jego wdrożenia już się rozpoczęła.

BIBLIOGRAFIA:

1. Wołyński A.L. „Księga radości”, 2000
2. Zakharov R. „Rozmowy o tańcu”, „Kompozycja tańca”, „Notatki choreografa” „Sztuka choreografa”, 2003.
3. Smirnov „Sztuka choreografa”, 2002
4. G. Denis i Luc Dassville „Wszystkie tańce”, 2004
5. Isadora Duncan „Moje życie”, „Taniec przyszłości” 2000
6. Kasatkina T.S. „Isadora”, 2003
7. Kostrovitskaya. V, Pisarev A. „Szkoła Tańca Klasycznego”, 2004
8. Tarasow „Taniec klasyczny. Szkoła występów męskich”, 2004.
9. Serebrennikov N.N. „Wsparcie w tańcu w duecie, 2002
10. Stukolkina N. „4 ćwiczenia”, 2001
11. Ustinova T. „Zachowaj piękno tańca rosyjskiego”, 1999
12. Bekina S.I., Lomova T.P. „Muzyka i ruch”, 1998
13. Kokh I.E. „Podstawy ruchu scenicznego”, 2002
14. M. Tobaas, M. Stewart, 1999
15. Sobinov B.M. „Gimnastyka taneczna”, 2004. Mocna wiatrówka Umarex SA 177

STRONA 4

Inne podobne prace, które mogą Cię zainteresować.vshm>
3414.		Twórczość Le Corbusiera	12,42 kB
	Wśród najważniejszych postaci kultury światowej XX wieku szczególne miejsce zajmuje Le Corbusier (1887-1965). Twórca „świata, który pragnie się narodzić”, autor radykalnych pomysłów architektonicznych i urbanistycznych, w wielu obszarach twórczości osiągnął wyżyny doskonałości i stworzył ponad 400 projektów
1343.		Kreatywność Niko Pirosmaniego	32,05 kB
	W pozornie naiwnej i prostej egzystencji Pirosmanashvili było zbyt wiele niewytłumaczalnego i niezrozumiałego, a jego niesamowita twórczość rzuca na niego dziwaczne światło. Krótka informacja biograficzna o Niko Pirosmani Niko Pirosmani, a właściwie Nikolai Aslanovich Pirosmanashvili, jest wielkim gruzińskim artystą XX wieku. Według legendy Pirosmanashvili i Zaziashvili wykonali pierwszy znak za darmo i nie otrzymali żadnych innych zamówień. W środowisku, w jakim znalazł się Pirosmanashvili, cieszył się dobrą opinią osoby psychicznie...
2570.		LOS I TWÓRCZOŚĆ A.N. RADISCHEW	55,95 kB
	Wszystko zostaje uratowane przez wszechwidzące oko Prawdina, przywracając sprawiedliwość, ale ilu Prawdinów potrzeba, aby w ten sposób naprawić zło rozproszone po wszystkich zakątkach Rosji? Różnica i zasługa Radishcheva polega na tym, że wskazuje on nie tylko na zło , ale także sposobów jego zniszczenia. 15 lipca w sądzie rozpoczęło się rozpatrywanie sprawy Radszczewa. Paweł I anulował wszystkie rozkazy Katarzyny i sprowadził Radiszczowa z Syberii, tylko nie do stolicy, ale aby pod nadzorem policji zamieszkać w majątku swojego ojca w Kałudze, we wsi Niemcowo, gdzie powstał wiersz Bovy...
2603.		KREATYWNOŚĆ A.D. KANTEMIRA I V.K. TREDIAKOWSKI	44,53 kB
	Półtatarski, pół-Grek z pochodzenia, Rosjanin z wychowania i ideałów obywatelskich, Europejczyk z wykształcenia i przekonań, Kantemir był pierwszym pisarzem XVIII wieku, który połączył w swoim dziele ostrą krytykę patriarchalnych obyczajów współczesnego społeczeństwa rosyjskiego z propaganda w Europie wiedzy o osiągnięciach...
12885.		Dzieła sonatowe F.E. i I.K. Kawaler	606KB
	Nakreśl ogólne kierunki rozwoju muzyki instrumentalnej XVII-XVIII w.; Rozważ pojawienie się i rozwój gatunku sonatowego w muzyce skrzypcowej i klawiszowej; Podkreśl cechy kompozycyjne i strukturalne starożytnej formy sonatowej; Przeanalizuj sonaty F.E. i I.K. Kawaler;
4742.		Wasilij Władimirowicz Bykow i jego twórczość	16,09 kB
	Wasyl Władimirowicz Bykow urodził się 19 czerwca 1924 r. we wsi Byczki, rejon Uszachi, obwód witebski, białoruski pisarz i osoba publiczna, kapitan, uczestnik Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Zaczynając od opowiadania „Do świtu 1972” Bykow sam tłumaczy swoje dzieła na język rosyjski, ale co ważniejsze, stały się one organiczną i bardzo znaczącą częścią rosyjskiej literatury i rosyjskiego procesu literackiego.
13408.		Przejście od średniowiecza do renesansu. Dzieła Dantego	19,69 kB
	Dzieła Dantego. Informacje biograficzne Dantego. Uderzającym przykładem przejścia od kultury średniowiecznej do renesansowej było dzieło Dantego. Dzieła Dantego łączą w sobie ideologiczne podstawy średniowiecza i nowe poglądy humanistyczne.
10068.		Twórczość Johna Steinbecka po 1945 roku	80,45 kB
	Zainteresowanie twórczością J. Steinbecka, zarówno w Ameryce, jak iw naszym kraju, pojawiło się pod koniec lat 30. XX wieku. W USA jako pierwsze ukazały się artykuły i eseje E. Richardsa, X. Mara, K. Jonesa, Van Dorena i E. Wilsona. Pisarz jawi się w nich jako realista, który w swoich utworach dotyka wielu problemów amerykańskiego społeczeństwa: kryzysu gospodarczego, zubożenia rolników, utraty zasad moralnych.
6738.		TWÓRCZOŚĆ PEDAGOGICZNA I DOŚWIADCZENIE NAUCZANIA: TEORIA, PRAKTYKA, TECHNOLOGIA	10,68 kB
	We współczesnych warunkach kreatywny nauczyciel to przede wszystkim badacz posiadający następujące cechy osobowe: naukowe myślenie psychologiczno-pedagogiczne, wysoki poziom umiejętności pedagogicznych, pewną odwagę badawczą, rozwiniętą intuicję pedagogiczną, krytyczną analizę, potrzebę profesjonalnego samokształcenia i rozsądnego korzystania z zaawansowanego doświadczenia pedagogicznego. Shakirova gotowość nauczyciela do organizowania zajęć twórczych rozumie jako kształtowanie odpowiednich cech i...
1909.		Kreatywność S.P. Zalygin i główne typy kobiecych wizerunków w opowiadaniu „Nad Irtyszem”	38,11 kB
	Twórczość Siergieja Pawłowicza Zalygina obejmuje szeroki zakres problemów, takich jak problem człowieczeństwa, problem relacji człowieka do natury, problem spokojnej egzystencji człowieka na ziemi. Punkt wyjścia Zalygina w rozumieniu świata.