Artyści renesansu i ich obrazy. Malarstwo włoskie renesansu Artyści renesansu i ich obrazy

W okresie renesansu następuje wiele zmian i odkryć. Eksplorowane są nowe kontynenty, rozwija się handel, powstają ważne rzeczy, takie jak papier, kompas morski, proch strzelniczy i wiele innych. Duże znaczenie miały także zmiany w malarstwie. Malarstwo renesansowe zyskało ogromną popularność.

Główne style i nurty w twórczości mistrzów

Okres ten był jednym z najbardziej owocnych w historii sztuki. Arcydzieła ogromnej liczby wybitnych mistrzów można dziś znaleźć w różnych centrach sztuki. Innowatorzy pojawili się we Florencji w pierwszej połowie XV wieku. Ich renesansowe obrazy zapoczątkowały nową erę w historii sztuki.

W tym czasie nauka i sztuka stają się bardzo blisko powiązane. Artyści i naukowcy starali się opanować świat fizyczny. Malarze próbowali skorzystać z dokładniejszych pomysłów na temat ludzkiego ciała. Wielu artystów dążyło do realizmu. Styl rozpoczyna się od obrazu Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza”, który malował przez prawie cztery lata.

Jedno z najbardziej znanych dzieł

Został namalowany w 1490 roku dla refektarza klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Obraz przedstawia ostatni posiłek Jezusa z uczniami, zanim został schwytany i zabity. Współcześni obserwujący twórczość artysty w tym okresie zauważyli, jak potrafił malować od rana do wieczora, nawet nie przerywając posiłku. A potem mógł na kilka dni porzucić swoje malarstwo i w ogóle do niego nie podchodzić.

Artysta był bardzo zaniepokojony wizerunkiem samego Chrystusa i zdrajcy Judasza. Kiedy obraz został ostatecznie ukończony, słusznie uznano go za arcydzieło. „Ostatnia wieczerza” wciąż pozostaje jedną z najpopularniejszych. Reprodukcje renesansowe zawsze cieszyły się dużym zainteresowaniem, ale to arcydzieło charakteryzuje się niezliczoną liczbą kopii.

Uznane arcydzieło, czyli tajemniczy uśmiech kobiety

Wśród dzieł stworzonych przez Leonarda w XVI wieku znajduje się portret zwany Mona Lisą, czyli La Gioconda. W czasach nowożytnych jest to prawdopodobnie najsłynniejszy obraz na świecie. Popularność zyskała głównie dzięki nieuchwytnemu uśmiechowi na twarzy ukazanej na płótnie kobiety. Co doprowadziło do takiej tajemnicy? Umiejętna praca mistrza, umiejętność tak umiejętnego cieniowania kącików oczu i ust? Do dziś nie udało się ustalić dokładnego charakteru tego uśmiechu.

Inne szczegóły tego zdjęcia są poza konkurencją. Warto zwrócić uwagę na dłonie i oczy kobiety: z jaką precyzją artysta malując płótno potraktował najmniejsze detale. Nie mniej interesujący jest dramatyczny pejzaż w tle obrazu, świat, w którym wszystko zdaje się płynąć.

Kolejny znany przedstawiciel malarstwa

Równie znanym przedstawicielem renesansu jest Sandro Botticelli. To wielki włoski malarz. Dużą popularnością cieszą się także jego renesansowe obrazy szeroki zasięg widzowie. „Pokłon Trzech Króli”, „Madonna z Dzieciątkiem na tronie”, „Zwiastowanie” - te dzieła Botticellego poświęcone tematyce religijnej stały się ogromnymi osiągnięciami artysty.

Kolejnym znanym dziełem mistrza jest „Madonna Magnificat”. Zasłynęła za życia Sandro, o czym świadczą liczne reprodukcje. Podobne płótna w kształcie koła były dość poszukiwane w XV-wiecznej Florencji.

Nowy zwrot w twórczości artysty

Począwszy od 1490 roku Sandro zmienił swój styl. Staje się bardziej ascetyczny, zestawienie kolorów jest teraz znacznie bardziej powściągliwe, często dominujące ciemne kolory. Nowe podejście zaangażowanie twórcy w pisanie swoich dzieł widać wyraźnie w „Koronacji Marii”, „Opłakiwaniu Chrystusa” i innych płótnach przedstawiających Madonnę z Dzieciątkiem.

Arcydzieła namalowane wówczas przez Sandro Botticellego, jak na przykład portret Dantego, pozbawione są tła pejzażowego i wewnętrznego. Jedną z równie znaczących realizacji artysty są „Mistyczne Święta Bożego Narodzenia”. Obraz powstał pod wpływem zamieszek, jakie miały miejsce pod koniec 1500 roku we Włoszech. Wiele obrazów artystów renesansu nie tylko zyskało popularność, ale stało się przykładem dla kolejnych pokoleń malarzy.

Artysta, którego płótna otacza aura zachwytu

Rafael Santi da Urbino był nie tylko architektem. Jego renesansowe obrazy cenione są za klarowność formy, prostotę kompozycji i wizualne osiągnięcie ideału wielkości człowieka. Wraz z Michałem Aniołem i Leonardem da Vinci należy do tradycyjnej trójcy największych mistrzów tego okresu.

Żył stosunkowo małe życie, ma zaledwie 37 lat. Ale w tym czasie stworzył ogromną liczbę swoich arcydzieł. Niektóre z jego dzieł znajdują się w Pałacu Watykańskim w Rzymie. Nie każdy widz może na własne oczy zobaczyć obrazy artystów renesansu. Zdjęcia tych arcydzieł są dostępne dla każdego (niektóre z nich przedstawiono w tym artykule).

Najsłynniejsze dzieła Rafaela

W latach 1504–1507 Rafael stworzył całą serię Madonn. Obrazy wyróżniają się urzekającym pięknem, mądrością i jednocześnie pewnym oświeconym smutkiem. Jego najsłynniejszym obrazem była Madonna Sykstyńska. Przedstawiana jest jako unosząca się w powietrzu i płynnie opadająca w stronę ludzi z Dzieciątkiem w ramionach. To właśnie ten ruch artysta był w stanie bardzo umiejętnie przedstawić.

Dzieło to zostało wysoko ocenione przez wielu znanych krytyków i wszyscy doszli do tego samego wniosku, że jest ono naprawdę rzadkie i niezwykłe. Wszystkie obrazy artystów renesansu mają długą historię. Ale największą popularność zyskała dzięki niekończącym się wędrówkom, począwszy od momentu jej stworzenia. Po licznych próbach ostatecznie zajął należne mu miejsce wśród ekspozycji Muzeum Drezdeńskiego.

Malowidła renesansowe. Zdjęcia znanych obrazów

Kolejnym znanym włoskim malarzem, rzeźbiarzem i architektem, który wywarł ogromny wpływ na rozwój sztuki zachodniej, jest Michelangelo di Simoni. Pomimo tego, że znany jest głównie jako rzeźbiarz, znajdują się tu także piękne dzieła jego malarstwa. A najważniejszym z nich jest sufit Kaplica Sykstyńska.

Prace te prowadzono przez cztery lata. Przestrzeń zajmuje około pięciuset metrów kwadratowych i zawiera ponad trzysta figurek. W samym centrum znajduje się dziewięć epizodów z Księgi Rodzaju, podzielonych na kilka grup. Stworzenie ziemi, stworzenie człowieka i jego upadek. Wśród najbardziej znane obrazy na suficie – „Stworzenie Adama” oraz „Adam i Ewa”.

Jego równie znanym dziełem jest „Sąd Ostateczny”. Wykonano go na ścianie ołtarza Kaplicy Sykstyńskiej. Fresk przedstawia drugie przyjście Jezusa Chrystusa. Tutaj Michał Anioł ignoruje standard konwencje artystyczne w pismach Jezusa. Przedstawił go z masywną, muskularną budową ciała, młodego i pozbawionego brody.

Znaczenie religii, czyli sztuka renesansu

Malarstwo włoskie renesansu stało się podstawą rozwoju sztuki zachodniej. Wiele popularnych dzieł tego pokolenia twórców wywarło ogromny wpływ na artystów, który trwa do dziś. Wielcy przedstawiciele sztuki tego okresu skupiali swoją uwagę na tematyce religijnej, pracując często na zlecenie zamożnych mecenasów, w tym samego papieża.

Religia dosłownie przeniknęła do codziennego życia ludzi tej epoki i głęboko zakorzeniła się w umysłach artystów. Prawie wszystkie obrazy religijne znajdują się w muzeach i repozytoriach sztuki, ale reprodukcje obrazów renesansowych, związanych nie tylko z tą tematyką, można znaleźć w wielu instytucjach, a nawet zwykłych domach. Ludzie będą bez końca podziwiać dzieła słynnych mistrzów tamtego okresu.

Narody Europy starały się wskrzesić skarby i tradycje utracone w wyniku niekończących się wojen eksterminacyjnych. Wojny zabrały z powierzchni ziemi ludzi i wielkie rzeczy, które ludzie stworzyli. Idea odrodzenia wysokiej cywilizacji starożytnego świata dała początek filozofii, literaturze, muzyce, rozwojowi nauk przyrodniczych i przede wszystkim rozkwitowi sztuki. Epoka wymagała ludzi silnych, wykształconych, nie bających się żadnej pracy. To właśnie wśród nich możliwe stało się wyłonienie tych nielicznych geniuszy, których nazywa się „tytanami renesansu”. Ci sami, których nazywamy tylko po imieniu.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka osiągnęła w tym okresie najwyższy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki imion tytanów, geniuszy, mistrzów i po prostu utalentowani artyści.

MUZYKA LEONARDA.

Co za szczęściarz! – powie o nim wielu. Obdarzony rzadkim zdrowiem, przystojny, wysoki i miał niebieskie oczy. W młodości nosił blond loki, a jego dumny wygląd przypominał mu Świętego Jerzego Donatella. Miał niesłychaną, odważną siłę i męskie męstwo. Wspaniale śpiewał, komponował melodie i wiersze przed swoją publicznością. Grałem na dowolnym instrument muzyczny Co więcej, sam je stworzył.

Dla sztuki Leonarda da Vinci współcześni i potomkowie nigdy nie znaleźli innych definicji niż „genialny”, „boski” i „wielki”. Te same słowa odnoszą się do jego odkryć naukowych: wynalazł czołg, koparkę, helikopter, łódź podwodną, ​​spadochron, broń automatyczną, hełm do nurkowania, windę, rozwiązał najbardziej złożone problemy akustyki, botaniki, medycyny, kosmografii , stworzył projekt okrągłego teatru, wynalezionego sto lat wcześniej niż Galileusz, wahadło zegarowe, przyciągało prąd narciarstwo wodne, rozwinął teorię mechaniki.

Co za szczęściarz! - wielu powie o nim i zacznie wspominać jego ukochanych książąt i królów, którzy szukali z nim znajomości, przedstawień i wakacji, które wymyślił jako artysta, dramaturg, aktor, architekt i bawił się przy nich jak dziecko.

Czy jednak szczęśliwy był niepohamowany stulatek Leonardo, którego każdy dzień dostarczał ludziom i światu wizji i spostrzeżeń? Przewidział straszny los swoich dzieł: zniszczenie Ostatniej Wieczerzy, zestrzelenie pomnika Franceski Sforzy, niski handel i haniebną kradzież jego pamiętników i zeszytów ćwiczeń. W sumie do dziś przetrwało jedynie szesnaście obrazów. Niewiele rzeźb. Ale rysunków, zakodowanych rysunków było mnóstwo: niczym bohaterowie współczesnej fantastyki naukowej zmienił szczegół w swoim projekcie, tak jakby inny nie mógł z niego skorzystać.

Pracował w nim Leonardo da Vinci różne rodzaje i gatunki sztuki, ale największą sławę przyniosło mu malarstwo.

Jednym z najwcześniejszych obrazów Leonarda jest Madonna Kwiatowa Madonnę Benoit" Już tutaj artysta zachowuje się jak prawdziwy innowator. Łamie granice tradycyjna fabuła i nadaje obrazowi szersze, uniwersalne znaczenie, jakim jest macierzyńska radość i miłość. W tym dziele wyraźnie zamanifestowało się wiele cech twórczości artysty: wyraźna kompozycja postaci i objętość form, chęć zwięzłości i uogólnienia, psychologiczna ekspresja.

Kontynuacją rozpoczętego tematu był obraz „Madonna Litta”, w którym wyraźnie ujawniła się kolejna cecha twórczości artystki – gra kontrastami. Dopełnieniem tematu był obraz „Madonna w grocie”, w którym odnotowano idealne rozwiązanie kompozycyjne, dzięki któremu przedstawione postacie Madonny, Chrystusa i aniołów łączą się z krajobrazem w jedną całość, obdarzoną spokojną równowagą i harmonią .

Jednym ze szczytów twórczości Leonarda jest fresk „Ostatnia wieczerza” w refektarzu klasztoru Santa Maria Della Grazie. Praca ta zachwyca nie tylko całością kompozycji, ale także dokładnością. Leonardo nie tylko przekazuje stan psychiczny apostołów, ale czyni to w chwili, gdy dotrze punkt krytyczny przeradza się w psychologiczną eksplozję i konflikt. Wybuch ten jest spowodowany słowami Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Leonardo w pełni wykorzystał w tej pracy technikę specyficznego porównywania postaci, dzięki czemu każda postać jawi się jako niepowtarzalna indywidualność i osobowość.

Drugim szczytem twórczości Leonarda był słynny portret Mony Lisy, czyli La Gioconda. Dzieło to zapoczątkowało gatunek portret psychologiczny V Sztuka europejska. Podczas jego tworzenia Wielki mistrz znakomicie wykorzystał cały arsenał środków artystycznego wyrazu: ostre kontrasty i miękkie półtony, zamrożony bezruch oraz ogólną płynność i zmienność, subtelne psychologiczne niuanse i przejścia. Cały geniusz Leonarda tkwi w niesamowicie żywym wyglądzie Mony Lisy, jej tajemniczym i tajemniczy uśmiech, mistyczna mgła spowijająca krajobraz. Dzieło to jest jednym z najrzadszych arcydzieł sztuki.

Każdy, kto widział „La Giocondę” przywiezioną z Luwru w Moskwie, pamięta chwile całkowitej głuchoty przy tym małym płótnie, napięcie tego, co najlepsze w sobie. Gioconda wydawał się „Marsjaninem”, przedstawicielem nieznanego – zapewne przyszłości, a nie przeszłości ludzkiego plemienia, ucieleśnieniem harmonii, o której świat nie jest zmęczony i nie znudzi się marzyć.

Można o nim powiedzieć dużo więcej. Dziwię się, że to nie fikcja ani fantasy. Pamiętacie na przykład, jak proponował przeniesienie katedry San Giovanni – takie dzieło zadziwia nas, mieszkańców XX wieku.

Leonardo powiedział: „Dobry artysta musi umieć namalować dwie główne rzeczy: osobę i przedstawienie jej duszy. A może mówi się o „Orliku” z Ermitażu w Petersburgu? Niektórzy badacze nazywają ją, a nie płótno Luwru, „La Gioconda”.

Chłopiec Nardo, tak miał na imię w Vinci: nieślubny syn notariusza literackiego, który uważał ptaki i konie za najlepsze stworzenia na Ziemi. Kochany przez wszystkich i samotny, który wyginał stalowe miecze i malował wisielców. Wymyślił most na Bosforze i idealne miasto, piękniejsze od Corbusiera i Niemeyera. Śpiewał delikatnym barytonem i wywoływał uśmiech Mony Lisy. W jednym ze swoich ostatnich notatników ten szczęściarz napisał: „Wydawało mi się, że uczę się żyć, ale uczę się umierać”. Następnie jednak podsumował to: „Dobrze przeżyte życie to długie życie”.

Czy można nie zgodzić się z Leonardem?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli urodził się we Florencji w 1445 roku w rodzinie garbarza skórzanego.

Pierwszy na czas oryginalna praca Za dzieło Botticellego uważa się „Pokłon Trzech Króli” (ok. 1740 r.), w którym w pełni odzwierciedliły się już główne cechy jego oryginalnego sposobu bycia – senność i subtelna poezja. Miał wrodzony zmysł poezji, ale dosłownie we wszystkim przenikał go wyraźny dotyk kontemplacyjnego smutku. Nawet święty Sebastian, dręczony strzałami swoich oprawców, wygląda na zamyślonego i oderwanego od niego.

Pod koniec lat 70. XIV w. Botticelli zbliżył się do kręgu faktycznego władcy Florencji, Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. W luksusowych ogrodach Lorenzo zgromadziło się towarzystwo ludzi, prawdopodobnie najbardziej światłych i utalentowanych we Florencji. Byli tam filozofowie, poeci i muzycy. Panowała atmosfera zachwytu nad pięknem, ceniono nie tylko piękno sztuki, ale także piękno życia. Za prototyp idealnej sztuki i idealnego życia uważano antyk, postrzegany jednak przez pryzmat późniejszych warstw filozoficznych. Bez wątpienia pod wpływem tej atmosfery powstał pierwszy duży obraz Botticellego „Primavera (Wiosna)”. To zjawiskowa, wykwintna, cudownie piękna alegoria odwiecznego cyklu, ciągłej odnowy natury. Jest przesiąknięty tym, co najbardziej złożone i kapryśne rytm muzyczny. Postać Flory, ozdobiona kwiatami, tańcząca wdziękami rajski ogród przedstawiały obrazy piękna wówczas jeszcze nie widzianego i dlatego wywoływały szczególnie urzekające wrażenie. Młody Botticelli natychmiast zajął czołowe miejsce wśród mistrzów swoich czasów.

To właśnie wysoka reputacja młodego malarza zapewniła mu zamówienie na freski biblijne do Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, które stworzył na początku lat osiemdziesiątych XIV wieku w Rzymie. Napisał „Sceny z życia Mojżesza”, „Karę Koracha, Datana i Abirona”, wykazując się niesamowitym kunsztem kompozytorskim. Klasyczny spokój starożytnych budowli, na tle którego Botticelli umieścił akcję, ostro kontrastuje z dramatycznym rytmem przedstawionych postaci i namiętności; ruch ciał ludzkich jest złożony, zagmatwany, nasycony siłą wybuchową; ma się wrażenie trzęsącej się harmonii, bezbronności widzialnego świata wobec gwałtownego nacisku czasu i ludzkiej woli. Freski Kaplicy Sykstyńskiej po raz pierwszy wyraziły głęboki niepokój, który żył w duszy Botticellego, który z czasem nasilał się. Te same freski ukazały niesamowity talent Botticellego jako malarza portretów: każda z wielu namalowanych twarzy jest całkowicie oryginalna, niepowtarzalna i niezapomniana...

W latach osiemdziesiątych XIV wieku, wracając do Florencji, Botticelli kontynuował niestrudzoną pracę, ale spokojna przejrzystość Primery była już daleko za nim. W połowie dekady napisał swoje słynne „Narodziny Wenus”. Badacze zauważają w późniejszej twórczości mistrza niezwykły wcześniej moralizm i egzaltację religijną.

Być może ważniejsze od późnego malarstwa są rysunki Botticellego z lat 90. - ilustracje do Boskiej Komedii Dantego. Malował z wyraźnym i nieskrywanym zachwytem; Wizje wielkiego poety z miłością i pieczołowitością oddają doskonałe proporcje licznych postaci, przemyślana organizacja przestrzeni, niewyczerpana zaradność w poszukiwaniu wizualnych odpowiedników słowa poetyckiego...

Mimo wszelkich burz i kryzysów psychicznych Botticelli do końca pozostał wielkim artystą, mistrzem swojej sztuki (zmarł w 1510 r.). Świadczy o tym wyraźnie szlachetne wyrzeźbienie twarzy w „Portrecie młodzieńca”, wyrazista cecha modelki, nie pozostawiająca wątpliwości co do jej wzrostu godność człowieka, solidny rysunek mistrza i jego przyjazne spojrzenie.

Renesans przyniósł głębokie zmiany we wszystkich dziedzinach kultury – filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która staje się coraz bardziej niezależna od religii, przestaje być „służebnicą teologii”, choć wciąż daleka jest od całkowitej niezależności. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odradzają się nauki myślicieli starożytnych, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył Akademię Platońską we Florencji, przetłumaczył dzieła wielkiego Greka na język język łaciński. Idee Arystotelesa powróciły do ​​Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W epoce renesansu, zdaniem Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządził na europejskich uniwersytetach”.

Wraz ze starożytnymi naukami, filozofia naturalna lub filozofia natury. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. W ich pracach rozwijają się idee, że filozofia powinna badać nie nadprzyrodzonego Boga, ale samą naturę, że natura przestrzega swoich wewnętrznych praw, że podstawą wiedzy jest doświadczenie i obserwacja, a nie boskie objawienie, że człowiek jest częścią natury.

Rozprzestrzenianiu się naturalnych poglądów filozoficznych sprzyjały m.in naukowy odkrycia. Głównym był teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w poglądach na świat.

Należy jednak zauważyć, że poglądy naukowe i filozoficzne tamtych czasów są nadal aktualne zauważalny wpływ ze strony religii i teologii. Tego rodzaju pogląd często przybiera formę panteizm, w którym nie zaprzecza się istnieniu Boga, lecz On rozpuszcza się w naturze i utożsamia się z nią. Do tego musimy dodać wpływ tak zwanych nauk okultystycznych – astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to dzieje się nawet u takiego filozofa jak D. Bruno.

Najbardziej znaczące zmiany, jakie przyniósł renesans, to kultura artystyczna, sztuka. To właśnie na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i radykalne.

Sztuka w średniowieczu miała w dużej mierze charakter użytkowy, była wpleciona w samo życie i miała je ozdabiać. W okresie renesansu sztuka po raz pierwszy nabrała samoistnej wartości, stała się niezależnym obszarem piękna. Jednocześnie u postrzegającego widza po raz pierwszy powstaje czysto artystyczne, estetyczne uczucie, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki samej w sobie, a nie celu, któremu służy.

Nigdy wcześniej sztuka nie cieszyła się tak wielkim honorem i szacunkiem. Nawet w starożytnej Grecji praca artysty była zauważalnie gorsza pod względem społecznym od pracy polityka i obywatela. Artysta zajmował jeszcze skromniejsze miejsce w starożytnym Rzymie.

Teraz miejsce i rola artysty w społeczeństwie wzrasta niepomiernie. Po raz pierwszy postrzegany jest jako niezależny i szanowany profesjonalista, naukowiec i myśliciel, wyjątkowa jednostka. W okresie renesansu sztukę postrzegano jako jeden z najpotężniejszych środków wiedzy i jako taką utożsamiano ją z nauką. Leonardo da Vinci postrzega naukę i sztukę jako dwa całkowicie równe sposoby studiowania przyrody. Pisze: „Malarstwo jest nauką i prawowitą córką natury”.

Sztuka jako kreatywność jest jeszcze bardziej ceniona. Według ich własnych możliwości twórcze artysta renesansowy utożsamiany jest z Bogiem stwórcą. Stąd jasne jest, dlaczego Rafael otrzymał do swojego imienia dodatek „Boski”. Z tych samych powodów „Komedia” Dantego nazywana była także „Boską”.

Głębokie zmiany zachodzą w samej sztuce. Dokonuje zdecydowanego zwrotu od średniowiecznego symbolu i znaku do obrazu realistycznego i wiarygodnego. Środki wyrazu artystycznego stają się nowe. Opierają się obecnie na perspektywie liniowej i powietrznej, trójwymiarowości objętości i doktrynie proporcji. Sztuka dąży we wszystkim do wierności rzeczywistości, do osiągnięcia obiektywności, autentyczności i witalności.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka osiągnęła w tym okresie najwyższy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów. Świetne nazwiska są też w innych krajach, ale Włochy są bezkonkurencyjne.

Włoski renesans ma zwykle kilka etapów:

• Protorenesans: druga połowa XIII wieku. - XIV wiek
• Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
• Wysoki renesans: koniec XV wieku. - pierwsza tercja XVI w.
• Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.

Głównymi postaciami prarenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).

Los poddał Dantego wielu próbom. Za udział w walce politycznej był prześladowany, błąkał się i zmarł na obcej ziemi, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne, ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą języka włoskiego język literacki. Czasem się to nazywa ostatni poetaŚredniowiecze i pierwszy poeta New Age. Te dwie zasady – stara i nowa – są rzeczywiście ściśle ze sobą powiązane w jego twórczości.

Pierwsze dzieła Dantego – „Nowe życie” i „Uczta” – to liryczne wiersze o treści miłosnej, dedykowane jego ukochanej Beatrice, którą poznał raz we Florencji i która zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował tę miłość do końca życia. Teksty Dantego pod względem gatunkowym nawiązują do średniowiecznej poezji dworskiej, gdzie przedmiotem śpiewu jest wizerunek „Pięknej Pani”. Jednak uczucia wyrażone przez poetę należą już do renesansu. Są spowodowane prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnione szczerym ciepłem i naznaczone wyjątkową osobowością.

Szczytem twórczości Dantego był « Boska Komedia ”, który zajął szczególne miejsce w historii kultury światowej. Wiersz ten w swej konstrukcji wpisuje się także w tradycje średniowieczne. Opowiada o przygodach człowieka, który trafia do zaświatów. Wiersz składa się z trzech części – Piekło, Czyściec i Niebo, z których każda zawiera 33 pieśni zapisane w trzywersowych zwrotkach.

Powtarzająca się liczba „trzy” bezpośrednio nawiązuje do chrześcijańskiej nauki o Trójcy. W trakcie opowieści Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie pozwala swemu towarzyszowi przez dziewięć kręgów piekła i czyśćca – rzymskiemu poecie Wergiliuszowi – wejść do nieba, gdyż poganin jest pozbawiony takiego prawa. Poecie towarzyszy tu jego zmarła ukochana Beatrice.

Jednak w swoich myślach i sądach, w postawie wobec przedstawionych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco odbiega od nauczania chrześcijańskiego. Więc. zamiast chrześcijańskiego potępienia miłości zmysłowej jako grzechu mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest zawarta w naturze samego życia. Dante traktuje miłość Franceski i Paola ze zrozumieniem i współczuciem. choć ich miłość wiąże się ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu triumfuje u Dantego także w innych przypadkach.

Wśród wybitnych poetów włoskich jest także Francesco Petrarca. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swoich sonety. Jednocześnie był wszechstronnym myślicielem, filozofem i historykiem. Słusznie uważany jest za twórcę całej kultury renesansu.

Dzieło Petrarki również częściowo mieści się w ramach średniowiecza teksty dworskie. Podobnie jak Dante miał kochankę o imieniu Laura, której zadedykował swoją „Księgę pieśni”. Jednocześnie Petrarka bardziej zdecydowanie zrywa związki z kulturą średniowieczną. W jego pracach wyrażane uczucia – miłość, ból, rozpacz, tęsknota – pojawiają się znacznie dotkliwiej i nago. Element osobowy jest w nich silniejszy.

Innym wybitnym przedstawicielem literatury był Giovanniego Boccaccio(1313-1375). autor światowej sławy Dekameron.” Boccaccio zapożycza zasadę konstruowania swojego zbioru opowiadań i zarys fabuły ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.

Główni bohaterowie opowiadań są zwyczajni i prości ludzie. Są napisane niezwykle jasno, żywo, język mówiony. Nie ma w nich nudnego moralizowania, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie błyszczy miłością do życia i zabawy. Fabuła niektórych z nich ma charakter miłosny i erotyczny. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także opowiadanie Fiametta, uważane za pierwszą powieść psychologiczną w literaturze zachodniej.

Giotto di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego protorenesansu sztuki piękne. Jego głównym gatunkiem było malarstwo freskowe. Wszystkie napisane są o tematyce biblijnej i mitologicznej, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów i świętych. Jednak w interpretacji tych wątków wyraźnie dominuje zasada renesansu. Giotto w swojej twórczości porzuca średniowieczne konwencje na rzecz realizmu i prawdopodobieństwa. To jemu przypisuje się zasługę wskrzeszenia malarstwa jako odrębnej wartości artystycznej.

Jego prace dość realistycznie przedstawiają naturalny krajobraz, w którym wyraźnie widać drzewa, skały i świątynie. Wszystkie uczestniczące postacie, w tym sami święci, pojawiają się jako żywi ludzie, obdarzeni fizycznym ciałem, ludzkie uczucia i pasje. Ich ubrania podkreślają naturalne kształty ich ciał. Prace Giotta cechuje jasna barwa i malowniczość, subtelna plastyczność.

Głównym dziełem Giotta jest obraz przedstawiający kaplicę del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Bardzo mocne wrażenie tworzy cykl ścienny zawierający sceny z „Ucieczki do Egiptu”, „Pocałunku Judasza” i „Opłakiwania Chrystusa”.

Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i wiarygodnie. Położenie ich ciał, gesty, stan emocjonalny, spojrzenia, twarze – wszystko to ukazane jest z rzadką psychologiczną perswazją. Jednocześnie zachowanie każdego jest ściśle zgodne z przypisaną mu rolą. Każda scena ma swój niepowtarzalny klimat.

Dlatego w scenie „Ucieczka do Egiptu” dominuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” przepełniony jest burzliwą dynamiką, ostrymi i zdecydowanymi działaniami bohaterów, którzy dosłownie zmagali się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – ​​Judasz i Chrystus – zamarli w bezruchu i walczyli oczami.

Szczególną dramaturgię naznaczona jest scena „Żałoba Chrystusa”. Przepełniona jest tragiczną rozpaczą, nieznośnym bólem i cierpieniem, niepocieszonym żalem i smutkiem.

W końcu powstał wczesny renesans nowe zasady estetyczne i artystyczne sztuki. Jednocześnie historie biblijne nadal cieszą się dużą popularnością. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna, niewiele w niej zostało ze średniowiecza.

Ojczyzna Wczesny renesans Florencja stała się, a architekt uważany jest za „ojców renesansu” Philippe’a Brunelleschiego(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny architektury renesansowej i odkrył nowe formy, które przetrwały wieki. Zrobił wiele, aby opracować prawa perspektywy.

Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną już konstrukcją katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Stanął przed niezwykle trudnym zadaniem, gdyż wymagana kopuła musiała być ogromnych rozmiarów – około 50 m średnicy. Dzięki oryginalnemu projektowi genialnie pokonuje trudną sytuację. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i jakby unosiła się nad miastem, ale cała budowla katedry nabrała harmonii i majestatu.

Nie mniej wspaniała praca Brunelleschi stała się słynną Kaplicą Pazzi, wzniesioną na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielka budowla na planie prostokąta, nakryta pośrodku kopułą. Wnętrze wyłożone jest białym marmurem. Podobnie jak inne budynki Brunelleschi, kaplica wyróżnia się prostotą i przejrzystością, elegancją i wdziękiem.

Twórczość Brunelleschiego wyróżnia się tym, że wykracza poza budynki sakralne i tworzy wspaniałe budowle architektury świeckiej. Doskonałym przykładem takiej architektury jest dom schroniska edukacyjnego, zbudowany na planie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.

Florencki rzeźbiarz Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Pracował najwięcej różne gatunki, pokazując wszędzie prawdziwą innowację. Donatello w swojej twórczości wykorzystuje dziedzictwo starożytne, opierając się na głębokim badaniu natury, odważnie aktualizując środki wyrazu artystycznego.

Bierze udział w rozwoju teorii perspektywa liniowa, ożywia rzeźbiarski portret i obraz nagiego ciała, rzuca pierwszy pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są ucieleśnieniem humanistycznego ideału harmonijnie rozwiniętej osobowości. Donatello swoją twórczością wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój rzeźby europejskiej.

Dążenie Donatello do idealizowania portretowanej osoby jest wyraźnie widoczne w posąg młodego Dawida. W tej pracy David jawi się jako młody, piękny młodzieniec, pełen siły psychicznej i fizycznej. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tors. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiła się cała seria nagich postaci w rzeźbie renesansowej.

Zasada bohaterstwa brzmi mocno i wyraźnie posąg św. Jerzy, który stał się jednym ze szczytów twórczości Donatello. Tutaj w pełni udało mu się ucieleśnić ideę silnej osobowości. Przed nami wysoki, szczupły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby starożytnej.

Klasycznym dziełem Donatello jest brązowy posąg dowódcy Gattamelatty, pierwszy pomnik jeździecki w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga najwyższy poziom uogólnienia artystycznego i filozoficznego, co przybliża to dzieło do starożytności.

Jednocześnie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy bohater renesansu, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia lakoniczna forma, wyraźna i precyzyjna plastyczność oraz naturalność pozy jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.

W ostatni okres kreatywność Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judyta ukazana jest w momencie, gdy podnosi miecz nad już rannym Holofernesem. żeby go wykończyć.

Masaccio słusznie uważany jest za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy wywodzące się od Giotto. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele udało mu się zrobić. Jednak stworzone przez niego freski stały się prawdziwą szkołą malarstwa dla kolejnych włoskich artystów. Według Vasariego współczesny Wysoki renesans i autorytatywnym krytykiem, „żaden mistrz nie był tak blisko współcześni mistrzowie jak Masaccio.”

Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, opowiadające o epizodach z legend o św. Piotrze, a także przedstawiające dwie sceny biblijne - „Upadek” i „Wypędzenie z raju”. ”

Choć freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego ani mistycznego. Przedstawieni Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń sprawiają wrażenie całkowicie ziemskich ludzi. Są obdarzeni indywidualnymi cechami i zachowują się całkowicie naturalnie i po ludzku. Szczególnie w scenie „Chrztu” zaskakująco wiarygodnie ukazano nagiego młodzieńca drżącego z zimna. Masaccio buduje swoją kompozycję wykorzystując nie tylko perspektywę linearną, ale także powietrzną.

Z całego cyklu zasługuje na szczególne wyróżnienie fresk „Wypędzenie z raju”. To prawdziwe arcydzieło malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niewyraźnego krajobrazu wyraźnie widać postacie Adama i Ewy, które opuściły bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupiona jest na Mamie i Ewie.

Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa potrafił tak przekonująco i autentycznie namalować nagie ciało, oddać jego naturalne proporcje, nadać mu stabilność i ruch. Równie przekonująco i żywo wyrażone stan wewnętrzny bohaterowie. Idąc szeroko, Adam ze wstydem spuścił głowę i zakrył twarz rękami. Łkająca Ewa odchyliła głowę w rozpaczy z otwartymi ustami. Ten fresk odkrywa Nowa era w sztuce.

To, co zrobił Masaccio, było kontynuowane przez takich artystów jak Andrea Mantegna(1431 -1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwsza zasłynęła przede wszystkim dzięki malarstwu, wśród którego szczególne miejsce zajmują opowiadające freski najnowsze odcinkiżycie św. Jakuba – procesja na egzekucję i sama egzekucja. Preferowany Botticelli malarstwo sztalugowe. Jego najbardziej znane obrazy to „Wiosna” i „Narodziny Wenus”.

Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiągnęła swój najwyższy rozkwit, Wysoki renesans. Dla Włochów okres ten okazał się niezwykle trudny. Rozdrobniony, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, co dziwne, doświadczyła niespotykanego rozkwitu. To właśnie w tym czasie stworzyli tytani tacy jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.

W architekturze początek wysokiego renesansu kojarzony jest z kreatywnością Donato Bramante(1444-1514). To on stworzył styl, który zadecydował o rozwoju architektury tego okresu.

Jednym z jego wczesnych dzieł był kościół klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w którego refektarzu Leonardo da Vinci namalował swój słynny fresk „Ostatnia wieczerza”. Jego sława zaczyna się od małej kaplicy zwanej Tempetto(1502), zbudowany w Rzymie, który stał się swego rodzaju „manifestem” Wysokiego Renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia się prostotą środków architektonicznych, harmonią części i rzadką wyrazistością. To naprawdę małe arcydzieło.

Szczytem twórczości Bramantego jest rekonstrukcja Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Opracował także projekt katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie je wdrażać.

Zobacz też: Michał Anioł Buonarroti

W sztuce Włoski renesans zajmuje szczególne miejsce Wenecja. Szkoła, która się tu rozwinęła, różniła się znacząco od szkół florenckich, rzymskich, mediolańskich czy bolońskich. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie byli skłonni do radykalnej odnowy. To na tych szkołach opierał się klasycyzm XVII wieku. i neoklasycyzm kolejnych wieków.

Szkoła wenecka stanowiła dla nich swego rodzaju przeciwwagę i antypod. Panował tu duch innowacji i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Spośród przedstawicieli innych szkół włoskich Leonardo był najbliżej Wenecji. Być może właśnie tutaj jego pasja poszukiwań i eksperymentów znalazła należyte zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze pomiędzy „starymi i nowymi” artystami, ten ostatni oparł się na przykładzie Wenecji. To tu zrodziły się tendencje, które doprowadziły do ​​baroku i romantyzmu. I chociaż romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Weronese. W Wenecji El Greco otrzymał ładunek twórczy, który pozwolił mu wstrząsnąć malarstwem hiszpańskim. Velázquez przejeżdżał przez Wenecję. To samo można powiedzieć o artyści flamandzcy Rubensa i Van Dycka.

Jako miasto portowe Wenecja znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Był pod wpływem północnych Niemiec, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Durer był tu dwukrotnie – pod koniec XV wieku. i początek XVI w. Odwiedził ją Goethe (1790). Wagner przysłuchiwał się tu śpiewowi gondolierów (1857), pod którego wpływem napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.

Bliskość morza przywoływała raczej płynne i ruchome formy niż wyraźne struktury geometryczne. Wenecja nie skłaniała się zbytnio ku rozsądkowi surowe zasady, a także uczuć, z których zrodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. Tematem tej poezji była natura – jej widzialna i namacalna materialność, kobieta – ekscytujące piękno jej ciała, muzyka – zrodzona z gry kolorów i światła oraz z czarujących dźwięków uduchowionej natury.

Artyści szkoła wenecka Preferowali nie formę i design, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się oddać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. Uroda kobiece ciało widzieli nie tyle harmonię form i proporcji, ile samo żywe i czujące ciało.

Realistyczna wiarygodność i autentyczność nie były dla nich wystarczające. Starali się odkryć bogactwa tkwiące w samym malarstwie. To Wenecji należy się zasługa odkrycia czystej zasady obrazowości, czyli malowniczości w niej czysta forma. Artyści weneccy jako pierwsi pokazali możliwość oddzielenia malarstwa od przedmiotów i formy, możliwość rozwiązywania problemów malarskich za pomocą jednego koloru, środków czysto obrazowych, możliwość traktowania malarstwa jako celu samego w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na ekspresji i wyrazistości, będzie podążać tą drogą. Według niektórych ekspertów od Tycjana można przejść do Rubensa i Rembrandta, następnie do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne’a itp.

Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy zachował się jak prawdziwy innowator. Jego świecka zasada w końcu zwycięża i zamiast historie biblijne woli pisać o tematyce mitologicznej i wątki literackie. W jego twórczości utrwalił się obraz sztalugowy, który nie przypomina już ikony ani obrazu ołtarzowego.

Otwiera się Giorgione Nowa era w malarstwie, jako pierwszy zaczął malować od życia. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy przenosi nacisk na mobilność, zmienność i płynność. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To Giorgione zaczął szukać tajemnicy malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, będąc prekursorem Caravaggia i caravaggizmu.

Giorgione stworzył dzieła różnych gatunków i tematów - „Koncert wiejski” i „Judith”. Jego najsłynniejszym dziełem było „Śpiąca Wenus”" To zdjęcie jest pozbawione jakiejkolwiek fabuły. Gloryfikuje piękno i urok nagiego kobiecego ciała, przedstawiając „nagość samą w sobie”.

Dyrektorem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – obok dzieł Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansu. Większość swojego długiego życia spędził w okresie późnego renesansu.

W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga swój najwyższy wzrost i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowację Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Cechuje je niezwykła zmysłowość, dzięki czemu wywierają potężny wpływ na widza. Dzieła Tycjana są zaskakująco muzyczne i melodyjne.

Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem swój smak nabrało malarstwo, a według Delacroix i Van Gogha muzyka. Jego płótna malowane są otwartą kreską, a jednocześnie lekkie, swobodne i przejrzyste. To właśnie w jego pracach kolor zdaje się rozpuszczać i wchłaniać formę, a zasada obrazowości po raz pierwszy zyskuje autonomię i pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości zamienia się w czarujący i subtelny liryzm.

W dziełach pierwszego okresu Tycjan gloryfikuje beztroską radość życia, korzystanie z dóbr ziemskich. Wychwala zasadę zmysłowości, ludzkie ciało tryskające zdrowiem, wieczne piękno ciała, fizyczną doskonałość człowieka. Temu poświęcone są jego obrazy, takie jak „Miłość ziemska i niebiańska”, „Święto Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis”.

Na obrazie dominuje zasada zmysłowości „Pokutująca Magdalena", chociaż jest poświęcony dramatyczna sytuacja. Ale i tutaj skruszony grzesznik ma zmysłowe ciało, urzekające ciało promieniujące światłem, pełne i zmysłowe usta, różowe policzki i złote włosy. Płótno „Chłopiec z psami” przepełnione jest uduchowionym liryzmem.

W twórczości drugiego okresu zasada zmysłowości zostaje zachowana, ale uzupełnia ją narastający psychologizm i dramatyzm. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od tego, co fizyczne i zmysłowe, do duchowego i dramatycznego. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne w ucieleśnieniu tematów i wątków wspaniały artysta skontaktował się dwa razy. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los samotnego, porzuconego przez ludzi cierpiącego nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i pięknem fizycznym. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera cech tragedii.

Nawet więcej świecący przykład Przykładem mogą być warianty obrazu „Koronacja cierniowa”, poświęconego epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich przechowywanym w Luwrze. Chrystus jawi się jako fizycznie piękny i silny sportowiec, zdolny odeprzeć swoich gwałcicieli. W monachijskiej wersji, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam epizod jest przekazywany znacznie głębiej, bardziej kompleksowo i wymownie. Chrystus ukazany jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i upokorzenie. Teraz najważniejsze nie jest koronacja i bicie, nie zjawisko fizyczne, ale psychiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.

W późniejszych dziełach Tycjana tragiczny dźwięk staje się coraz bardziej intensywny. Świadczy o tym obraz „Opłakiwanie Chrystusa”.

Renesans rozpoczął się we Włoszech. Swoją nazwę zawdzięcza dramatycznemu rozkwitowi intelektualnemu i artystycznemu, który rozpoczął się w XIV wieku i wywarł ogromny wpływ na społeczeństwo i kulturę europejską. Renesans znalazł swój wyraz nie tylko w malarstwie, ale także w architekturze, rzeźbie i literaturze. Najwybitniejszymi przedstawicielami renesansu są Leonardo da Vinci, Botticelli, Tycjan, Michał Anioł i Rafael.

W tamtych czasach głównym celem malarzy było realistyczne przedstawienie Ludzkie ciało, więc malowali głównie ludzi i przedstawiali różne tematy religijne. Wynaleziono także zasadę perspektywy, która otworzyła przed artystami nowe możliwości.

Centrum renesansu stała się Florencja, drugie miejsce zajęła Wenecja, a później, bliżej XVI wieku, Rzym.

Leonardo jest nam znany jako utalentowany malarz, rzeźbiarz, naukowiec, inżynier i architekt renesansu. Bardzo Leonardo przez całe życie pracował we Florencji, gdzie stworzył wiele arcydzieł znanych na całym świecie. Wśród nich: „Mona Lisa” (znana także jako „La Gioconda”), „Dama z gronostajem”, „Benois Madonna”, „Jan Chrzciciel” i „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus”.

Artysta ten jest rozpoznawalny dzięki niepowtarzalnemu stylowi, który wypracował przez lata. Na osobiste zamówienie papieża Sykstusa IV namalował także ściany Kaplicy Sykstyńskiej. Botticelli napisał słynne obrazy o tematyce mitologicznej. Takie obrazy to „Wiosna”, „Pallas i centaur”, „Narodziny Wenus”.

Tycjan był głową florenckiej szkoły artystów. Po śmierci swojego nauczyciela Belliniego Tycjan stał się oficjalnym, powszechnie uznanym artystą Republiki Weneckiej. Malarz ten znany jest z portretów o tematyce religijnej: „Wniebowstąpienie Maryi”, „Danae”, „Miłość ziemska i Miłość niebiańska”.

Włoski poeta, rzeźbiarz, architekt i artysta namalował wiele arcydzieł, z których - słynny posąg„Dawid” wykonany z marmuru. Pomnik ten stał się główną atrakcją Florencji. Michał Anioł namalował sklepienie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, co było głównym zleceniem papieża Juliusza II. W okresie swojej twórczości więcej uwagi poświęcił architekturze, ale dał nam „Ukrzyżowanie św. Piotra”, „Złożenie do grobu”, „Stworzenie Adama”, „Forteller”.

Jego twórczość kształtowała się pod wielkim wpływem Leonarda da Vinci i Michała Anioła, dzięki którym zdobył bezcenne doświadczenie i umiejętności. Malował sale reprezentacyjne w Watykanie ludzka aktywność i przedstawiające różne sceny z Biblii. Do słynnych obrazów Rafaela należą „Madonna Sykstyńska”, „Trzy Gracje”, „Św. Michał i diabeł”.

Iwan Siergiejewicz Ceregorodcew

Niewątpliwym osiągnięciem renesansu był poprawny geometrycznie projekt obrazu. Artysta budował obraz wykorzystując wypracowane przez siebie techniki. Najważniejszą rzeczą dla ówczesnych malarzy było zachowanie proporcji obiektów. Nawet natura podlegała matematycznym technikom obliczania proporcjonalności obrazu z innymi obiektami na obrazie.

Innymi słowy, artyści epoki renesansu starali się oddać wierny obraz np. osoby na tle natury. Jeśli porównamy to z nowoczesnymi technikami odtwarzania widzianego obrazu na płótnie, najprawdopodobniej fotografia z późniejszymi zmianami pomoże zrozumieć, do czego dążyli artyści renesansu.

Malarze renesansu wierzyli, że mają prawo korygować wady natury, to znaczy, jeśli ktoś ma brzydkie rysy twarzy, artyści poprawiają je w taki sposób, aby twarz stała się słodka i atrakcyjna.

Leonardo da Vinci

Renesans stał się taki dzięki wielu twórczym osobistościom, które żyły w tamtych czasach. Światowej sławy Leonardo da Vinci (1452 - 1519) stworzył ogromną liczbę arcydzieł, których koszt sięga milionów dolarów, a koneserzy jego sztuki są gotowi długo kontemplować jego obrazy.

Leonardo rozpoczął studia we Florencji. Jego pierwszym obrazem, namalowanym około 1478 roku, jest „Benois Madonna”. Potem były takie dzieła jak „Madonna w grocie”, „Mona Lisa”, wspomniana już „Ostatnia wieczerza” i mnóstwo innych arcydzieł, napisanych ręką tytana renesansu.

Rygor proporcji geometrycznych i dokładne odwzorowanie budowy anatomicznej człowieka – to właśnie charakteryzuje obrazy Leonarda da Vinci. W jego przekonaniu sztuka przedstawiania określonych obrazów na płótnie jest nauką, a nie tylko jakimś hobby.

Rafał Santi

Raphael Santi (1483 - 1520), znany w świecie sztuki jako Raphael, swoje dzieła tworzył we Włoszech. Jego obrazy przepojone są liryzmem i wdziękiem. Rafael to przedstawiciel renesansu, który przedstawiał człowieka i jego egzystencję na ziemi, uwielbiał malować ściany katedr watykańskich.

Obrazy zdradzały jedność postaci, proporcjonalną zgodność przestrzeni i obrazów oraz eufonię koloru. Czystość Dziewicy była podstawą wielu obrazów Rafaela. Jego pierwszym wizerunkiem Matki Bożej jest Madonna Sykstyńska, namalowana przez słynnego artystę w 1513 roku. Portrety, które stworzył Rafael, odzwierciedlały idealny wizerunek człowieka.

Sandro Botticellego

Sandro Botticelli (1445 - 1510) jest także artystą renesansu. Jednym z jego pierwszych dzieł był obraz „Pokłon Trzech Króli”. Subtelna poezja i marzycielstwo były jego początkowymi manierami w przekazywaniu obrazów artystycznych.

Na początku lat 80. XV wieku wielki artysta malował ściany Kaplicy Watykańskiej. Freski wykonane jego ręką do dziś zachwycają.

Z czasem jego obrazy zaczęto charakteryzować się spokojem starożytnych budynków, żywotnością przedstawionych postaci i harmonią obrazów. Ponadto znana jest pasja Botticellego do rysunków znanych dzieł literackich, co również tylko dodało sławy jego twórczości.

Michał Anioł Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475 – 1564) to włoski artysta, który tworzył także w epoce renesansu. Ten człowiek, znany wielu z nas, zrobił wszystko, co mógł. I rzeźba, i malarstwo, i architektura, i także poezja. Michał Anioł, podobnie jak Rafael i Botticelli, malował ściany kościołów watykańskich. Przecież tylko najzdolniejsi malarze tamtych czasów zajmowali się tak ważnym dziełem, jak malowanie obrazów na ścianach katedr katolickich. Musiał pokryć ponad 600 metrów kwadratowych Kaplicy Sykstyńskiej freskami przedstawiającymi różne sceny biblijne. Najbardziej znane dzieło w tym stylu znane jest nam jako „Sąd Ostateczny”. Znaczenie historii biblijnej jest wyrażone w pełni i wyraźnie. Taka precyzja w przekazie obrazów jest charakterystyczna dla całej twórczości Michała Anioła.