Nazwiska artystów renesansu. Wielcy artyści renesansu. Szkoła ateńska

W trudnych dla Włoch czasach rozpoczął się krótkotrwały „złoty wiek”. Włoski renesans- tzw. wysoki renesans, najwyższy punkt rozkwit sztuki włoskiej. Wysoki renesans zbiegł się zatem z okresem zaciętej walki miast włoskich o niepodległość. Sztuka tamtych czasów była przesiąknięta humanizmem, wiarą w siły twórcze człowieka, w nieograniczonych możliwościach jego możliwości, w rozsądnej strukturze świata, w triumfie postępu. W sztuce poruszana jest problematyka obowiązku obywatelskiego, wysokich walorów moralnych, bohaterstwa, wizerunku piękna, harmonijnie kształtowanego, silny duchem i ciało ludzkiego bohatera, któremu udało się wznieść ponad poziom codzienności. Poszukiwanie takiego ideału doprowadziło sztukę do syntezy, uogólnień, ujawnienia ogólnych wzorców zjawisk, identyfikacji ich logicznego związku. Sztuka wysokiego renesansu porzuca szczegóły i nieistotne szczegóły w imię uogólnionego obrazu, w imię pragnienia harmonijnej syntezy pięknych aspektów życia. Jest to jedna z głównych różnic Wysoki renesans od rana.

Pierwszym artystą, który wyraźnie ucieleśniał tę różnicę, był Leonardo da Vinci (1452-1519). Pierwszym nauczycielem Leonarda był Andrea Verrocchio. Postać anioła na obrazie nauczyciela „Chrzest” już wyraźnie pokazuje różnicę w postrzeganiu przez artystę świata minionej epoki i nowej ery: brak czołowej płaskości Verrocchio, najdoskonalsze odcięcie modelowania objętości i niezwykła duchowość obrazu. . Badacze datują „Kwiatową Madonnę” na czas odejścia Verrocchio z warsztatu („ Madonnę Benoit„, jak to wcześniej nazywano, od nazwiska właścicieli). W tym okresie Leonardo był niewątpliwie pod wpływem Botticellego. Od lat 80-tych XV w. Zachowały się dwa niedokończone utwory Leonarda: „Pokłon Trzech Króli” i „Św. Hieronim.” Prawdopodobnie w połowie lat 80. powstała „Madonna Litta” w starożytnej technice temperowej, w obrazie której znalazł wyraz typ Leonarda kobiece piękno: ciężkie, na wpół opuszczone powieki i subtelny uśmiech nadają twarzy Madonny szczególną duchowość.

Łącząc zasady naukowe i twórcze, posiadając zarówno logiczne, jak i artystyczne myślenie, Leonardo spędził całe życie zajmując się badaniami naukowymi i sztukami pięknymi; rozproszony, wydawał się powolny i pozostawił po sobie niewiele dzieł sztuki. Na dworze mediolańskim Leonardo pracował jako artysta, technik naukowy, wynalazca, matematyk i anatom. Pierwszym większym dziełem, które wykonał w Mediolanie, była „Madonna na skałach” (lub „Madonna z groty”). Jest to pierwsza monumentalna kompozycja ołtarzowa okresu wysokiego renesansu, ciekawa także dlatego, że w pełni wyrażała cechy stylu pisarskiego Leonarda.

Największym dziełem Leonarda w Mediolanie, najwyższym osiągnięciem jego sztuki, było malowanie ściany refektarza klasztoru Santa Maria della Grazie na temat Ostatniej Wieczerzy (1495-1498). Chrystus w ostatni raz spotyka się ze swoimi uczniami podczas kolacji, aby ogłosić im zdradę jednego z nich. Dla Leonarda sztuka i nauka istniały nierozłącznie. Zajmując się sztuką, zajmował się badaniami naukowymi, eksperymentami, obserwacjami, przeszedł przez perspektywę w dziedzinę optyki i fizyki, przez problemy proporcji - w anatomię i matematykę itp. „Ostatnia wieczerza” zamyka cały etap w twórczości artysty badania naukowe. To także nowy etap w sztuce.

Leonardo zrobił sobie przerwę od studiowania anatomii, geometrii, fortyfikacji, melioracji, językoznawstwa, wersyfikacji i muzyki, aby pracować nad „Koniem” -pomnik jeździecki Francesco Sforza, dla którego w pierwszej kolejności przyjechał do Mediolanu i który występował w pełnym rozmiarze w glinie na początku lat 90-tych. Pomnik nie miał być wykonany z brązu: w 1499 r. Francuzi najechali Mediolan, a gaskońscy kusznicy strzelili do pomnika konnego. W 1499 roku rozpoczęły się lata wędrówek Leonarda: Mantua, Wenecja i wreszcie rodzinne miasto artysty – Florencja, gdzie namalował karton „Św. Anna z Marią na kolanach”, z którego tworzy obraz olejny w Mediolanie (dokąd powrócił w 1506 r.)

We Florencji Leonardo rozpoczął kolejną pracę malarską: portret żony kupca del Giocondo Mona Lisa, który stał się jednym z najbardziej znane obrazy na świecie.

Portret Mony Lisy Giocondy to zdecydowany krok w stronę rozwoju sztuka renesansowa

Po raz pierwszy gatunek portretu zrównał się z kompozycjami religijnymi i religijnymi. motywy mitologiczne. Pomimo wszystkich niezaprzeczalnych podobieństw fizjonomicznych portrety Quattrocento wyróżniała się, jeśli nie zewnętrzną, to wewnętrzną przymusem. Majestat Mony Lisy oddaje samo zestawienie jej zdecydowanie obszernej sylwetki, mocno wypchniętej na brzeg płótna, z pejzażem ze skałami i strumieniami widocznymi jakby z daleka, rozpływającymi się, ponętnymi, nieuchwytnymi, a przez to mimo wszystko cała rzeczywistość motywu, fantastyczna.

W 1515 roku za namową króla francuskiego Franciszka I Leonardo wyjechał do Francji na zawsze.

Leonardo był największym artystą swoich czasów, geniuszem, który otworzył nowe horyzonty sztuki. Pozostawił po sobie niewiele dzieł, ale każde z nich było etapem w historii kultury. Leonardo jest również znany jako wszechstronny naukowiec. Jego odkrycia naukowe, na przykład badania w dziedzinie samolotów, są przedmiotem zainteresowania naszej epoki astronautyki. Tysiące stron rękopisów Leonarda, obejmujących dosłownie każdą dziedzinę wiedzy, świadczą o uniwersalności jego geniuszu.

Idee monumentalnej sztuki renesansu, w której połączyły się tradycje starożytności i duch chrześcijaństwa, znalazły swój najżywszy wyraz w twórczości Rafaela (1483-1520). W jego sztuce dwa główne zadania znalazły dojrzałe rozwiązanie: plastyczna doskonałość Ludzkie ciało, wyrażający wewnętrzną harmonię wszechstronnie rozwiniętej osobowości, w której Rafael podążał za starożytnością, oraz złożoną, wielopostaciową kompozycję, która oddaje całą różnorodność świata. Rafael wzbogacił te możliwości, osiągając niesamowitą swobodę w przedstawianiu przestrzeni i ruchu w niej postaci ludzkiej, nienaganną harmonię pomiędzy otoczeniem a człowiekiem.

Żaden z mistrzów renesansu nie dostrzegł pogańskiej istoty starożytności tak głęboko i naturalnie jak Rafael; Nie bez powodu uznawany jest za artystę, który najpełniej połączył tradycje starożytne ze sztuką zachodnioeuropejską epoki nowożytnej.

Rafael Santi urodził się w 1483 roku w mieście Urbino, jednym z ośrodków kultura artystyczna Włochy, na dworze księcia Urbino, w rodzinie nadwornego malarza i poety, który był pierwszym nauczycielem przyszłego mistrza

Wczesny okres twórczości Rafaela doskonale charakteryzuje się małe malowanie w formie tondo „Madonna Conestabile”, z jego prostotą i lakonizmem ściśle dobranych detali (przy całej nieśmiałości kompozycji) oraz szczególnym, właściwym wszystkim dziełom Raphaela, subtelnym liryzmem i poczuciem spokoju. W 1500 roku Rafael opuścił Urbino i udał się do Perugii, aby uczyć się w warsztacie słynnego umbryjskiego artysty Perugino, pod którego wpływem powstały Zaręczyny Marii (1504). Wyczucie rytmu, proporcjonalność plastycznych mas, odstępy przestrzenne, związek postaci z tłem, koordynacja podstawowych tonów (w „Zaręczynach” są to złoto, czerwień i zieleń w połączeniu z delikatnym tłem błękitnego nieba) tworzą harmonię, która jest widoczne już we wczesnych pracach Rafaela i odróżnia go od artystów poprzedniej epoki.

Rafael przez całe życie poszukiwał tego obrazu w Madonnie, a liczne dzieła interpretujące wizerunek Madonny przyniosły mu światową sławę. Zasługą artysty jest przede wszystkim to, że udało mu się ucieleśnić wszystkie najsubtelniejsze odcienie uczuć w idei macierzyństwa, połączyć liryzm i głęboką emocjonalność z monumentalną wielkością. Jest to widoczne we wszystkich jego Madonnach, począwszy od młodzieńczo nieśmiałej „Madonny Conestabile”: w „Madonnie z Zielonych”, „Madonnie ze Szczygiełem”, „Madonnie w Fotelu”, a zwłaszcza u szczytu ducha i umiejętności Rafaela - w „Madonnie Sykstyńskiej”.

„Madonna Sykstyńska” to jedno z najdoskonalszych pod względem językowym dzieł Rafaela: postać Maryi z Dzieciątkiem, ściśle zarysowana na tle nieba, łączy wspólny rytm ruchu z postaciami św. W dolnej części kompozycji znajdują się barbarzyńcy oraz papież Sykstus II, którego gesty są adresowane do Madonny, a także widoki dwóch aniołów (bardziej przypominające charakterystyczne dla renesansu putta). Postacie łączy także wspólny złoty kolor, jakby uosabiał Boski blask. Ale najważniejsze jest typ twarzy Madonny, która ucieleśnia syntezę starożytnego ideału piękna z duchowością ideału chrześcijańskiego, tak charakterystycznego dla światopoglądu Wysokiego Renesansu.

« Madonna Sykstyńska„ – późniejsze dzieło Rafaela.

Na początku XVI wieku. Rzym staje się głównym centrum kulturalnym Włoch. Sztuka Wysokiego Renesansu osiąga swój największy rozkwit w tym mieście, gdzie z woli protekcjonalnych papieży Juliusza II i Leona X pracują jednocześnie artyści tacy jak Bramante, Michał Anioł i Rafael.

Rafael maluje dwie pierwsze zwrotki. W Stanza della Segnatura (sala podpisów, pieczęci) namalował cztery freski-alegorie głównych dziedzin duchowej działalności człowieka: filozofii, poezji, teologii i prawoznawstwa („Szkoła ateńska”, „Parnas”, „Spór” , „Miara, mądrość i siła””. W drugiej sali, zwanej „Stanzą Eliodora”, Rafael namalował freski przedstawiające sceny historyczne i legendarne wychwalające papieży: „Wypędzenie Eliodora”

W sztuce średniowiecza i wczesnego renesansu powszechne było przedstawianie nauki i sztuki w formie indywidualnych postaci alegorycznych. Rafał rozwiązał te tematy w formie kompozycje wielofigurowe, czasami przedstawiające realne portrety grupowe, interesujące zarówno ze względu na swoją indywidualność, jak i typowość

Studenci pomagali także Rafaelowi w malowaniu loggii watykańskich sąsiadujących z pokojami papieża, malowanych według jego szkiców i pod jego okiem motywami starożytnych ozdób, zaczerpniętych głównie z nowo odkrytych starożytnych grot (stąd nazwa „groteski”).

Rafael wykonywał dzieła różnych gatunków. Jego talent zarówno dekoratora, jak i reżysera i gawędziarza w pełni objawił się w serii ośmiu kartonów na gobeliny do Kaplicy Sykstyńskiej, przedstawiających sceny z życia apostołów Piotra i Pawła („Cudowny połów ryb”, m.in. przykład). Te malowidła z XVI-XVIII wieku. służył jako swego rodzaju standard dla klasycystów.

Rafael był także największym portrecistą swojej epoki. („Papież Juliusz II”, „Leon X”, przyjaciel artysty pisarz Castiglione, piękna „Donna Velata” itp.). A w jego portretach z reguły panuje wewnętrzna równowaga i harmonia.

Pod koniec życia Rafael był nieproporcjonalnie obciążony różnorodnymi dziełami i zamówieniami. Trudno sobie nawet wyobrazić, że tego wszystkiego mogłaby dokonać jedna osoba. Był centralną postacią życia artystycznego Rzymu, po śmierci Bramantego (1514) został głównym architektem katedry św. Piotra, był odpowiedzialny za wykopaliska archeologiczne w Rzymie i okolicach oraz ochronę zabytków starożytnych.

Rafael zmarł w 1520 r.; jego przedwczesna śmierć było nieoczekiwane dla współczesnych. Jego prochy pochowano w Panteonie.

Trzeci największy mistrz Wysoki renesans - Michał Anioł - znacznie przeżył Leonarda i Rafaela. Pierwsza połowa ścieżka twórcza przypada na okres rozkwitu sztuki wysokiego renesansu, a drugi - w okresie kontrreformacji i początków kształtowania się sztuki barokowej. Spośród genialnej galaktyki artystów wysokiego renesansu Michał Anioł przewyższał wszystkich bogactwem swoich obrazów, patosem obywatelskim i wrażliwością na zmiany nastrojów społecznych. Stąd twórcze ucieleśnienie upadku idei renesansowych.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) W 1488 roku we Florencji zaczął uważnie studiować rzeźbę starożytną. Jego płaskorzeźba „Bitwa centaurów” jest już w swej wewnętrznej harmonii dziełem Wysokiego Renesansu. W 1496 roku młody artysta wyjechał do Rzymu, gdzie stworzył swoje pierwsze dzieła, które przyniosły mu sławę: „Bachusa” i „Pietę”. Dosłownie uchwycone przez obrazy starożytności. „Pieta” otwiera całą serię prac mistrza na ten temat i stawia go wśród pierwszych rzeźbiarzy Włoch.

Wracając do Florencji w 1501 roku, Michał Anioł na zlecenie Signorii podjął się wyrzeźbienia postaci Dawida z bloku marmuru zniszczonego przed nim przez nieszczęsnego rzeźbiarza. W 1504 roku Michał Anioł skończył słynny posąg, zwany przez Florentyńczyków „Olbrzymem” i ustawiony przez nich przed Palazzo Vecchia, czyli ratuszem. Otwarcie pomnika stało się świętem narodowym. Wizerunek Dawida zainspirował wielu artystów Quattrocento. Ale Michał Anioł ukazuje go nie jako chłopca, jak u Donatella i Verrocchio, ale jako młodzieńca w pełnym rozkwicie sił, i to nie po bitwie, z głową olbrzyma u stóp, ale przed bitwą, w tej chwili o najwyższym napięciu siły. W pięknym wizerunku Dawida, w jego surowej twarzy, rzeźbiarz przekazał tytaniczną siłę namiętności, nieustępliwą wolę, odwagę obywatelską i nieograniczoną moc wolnego człowieka.

W 1504 r. Michał Anioł (jak już wspomniano w związku z Leonardem) rozpoczyna pracę nad obrazem „Sali Pięciuset” w Palazzo Signoria

W 1505 roku papież Juliusz II zaprosił Michała Anioła do Rzymu, aby zbudował mu grobowiec, ale potem odmówił wykonania zamówienia i nakazał mniej okazałe malowanie sufitu Kaplicy Sykstyńskiej w Pałacu Watykańskim.

Michał Anioł pracował samotnie nad malowaniem sufitu Kaplicy Sykstyńskiej od 1508 do 1512 roku, malując powierzchnię około 600 metrów kwadratowych. m (48x13 m) na wysokości 18 m.

Michał Anioł poświęcił środkową część sufitu scenom z historii sakralnej, począwszy od stworzenia świata. Kompozycje te ujęte są w ten sam malowany gzyms, ale tworzący iluzję architektury i oddzielone, także malowniczymi prętami. Malownicze prostokąty podkreślają i wzbogacają prawdziwą architekturę sufitu. Pod malowniczym gzymsem Michał Anioł namalował proroków i Sybille (każda figura ma około trzech metrów), w lunetach (łuki nad oknami) przedstawił epizody z Biblii i przodków Chrystusa jako zwykli ludzie zajęty codziennymi zajęciami.

Dziewięć centralnych kompozycji przedstawia wydarzenia z pierwszych dni stworzenia, historię Adama i Ewy, globalną powódź, a wszystkie te sceny są w rzeczywistości hymnem na cześć tkwiącej w nim osoby. Wkrótce po zakończeniu prac na Sykstynie zmarł Juliusz II, a jego spadkobiercy powrócili do idei nagrobka. W latach 1513-1516. Na tym nagrobku Michał Anioł wykonuje figurę Mojżesza i niewolników (jeńców). Wizerunek Mojżesza jest jednym z najpotężniejszych w dziele dojrzałego mistrza. Zainwestował w niego marzenie o mądrym, odważnym przywódcy, pełnym tytanicznej siły, wyrazu, cech woli, tak niezbędnych wówczas dla zjednoczenia swojej ojczyzny. W ostatecznej wersji grobowca nie uwzględniono postaci niewolników.

W latach 1520–1534 Michał Anioł pracował nad jednym z najważniejszych i najbardziej tragicznych dzieł rzeźbiarskich - na grobowcu Medyceuszy (florencki kościół San Lorenzo), wyrażającym wszystkie doświadczenia, jakie spotkały samego mistrza, jego rodzinne miasto i całą historię kraj jako całość. Od końca lat dwudziestych Włochy były dosłownie rozdzierane przez wrogów zewnętrznych i wewnętrznych. W 1527 r. najemni żołnierze pokonali Rzym, protestanci splądrowali katolickie świątynie Wiecznego Miasta. Burżuazja florencka obala Medyceuszy, którzy rządzili ponownie od 1510 roku

W nastroju głębokiego pesymizmu, w stanie rosnącej głębokiej religijności, Michał Anioł pracuje nad grobowcem Medyceuszy. Sam dobudował dobudówkę do florenckiego kościoła San Lorenzo – małe, ale bardzo wysokie pomieszczenie, nakryte kopułą, a dwie ściany zakrystii (jej wnętrze) ozdobił rzeźbionymi nagrobkami. Jedną ścianę zdobi postać Lorenza, przeciwną Giuliano, a poniżej u ich stóp znajdują się sarkofagi ozdobione alegorycznymi rzeźbiarskimi wizerunkami - symbolami szybko płynącego czasu: „Poranek” i „Wieczór” na nagrobku Lorenza „Noc” i „Dzień” na nagrobku Giuliano.

Oba obrazy – Lorenzo i Giuliano – nie mają podobieństwa portretowego, dlatego różnią się od tradycyjnych rozwiązań XV wieku.

Paweł III zaraz po swoim wyborze zaczął uparcie domagać się od Michała Anioła realizacji tego planu, a w 1534 r. przerywając prace nad grobowcem, które ukończył dopiero w 1545 r., Michał Anioł wyjechał do Rzymu, gdzie rozpoczął swoje drugie dzieło w Kaplicy Sykstyńskiej - do murali” Sąd Ostateczny„(1535–1541) – wspaniałe dzieło, które wyraziło tragedię rodzaju ludzkiego. Cechy nowego systemu artystycznego ukazały się jeszcze wyraźniej w dziele Michała Anioła. W centrum kompozycji umieszczony jest sąd twórczy, karzący Chrystus, a wokół niego w obrotowym ruchu okrężnym ukazani są grzesznicy rzucający się do piekła, sprawiedliwi wstępujący do nieba i umarli powstający z grobów na sąd Boży. Wszystko jest pełne grozy, rozpaczy, złości, zamętu.

Malarz, rzeźbiarz, poeta Michał Anioł był także genialnym architektem. Ukończył klatkę schodową Biblioteki Florentynów Laurentian, zaprojektował Plac Kapitolu w Rzymie, wzniósł Bramę Piusowską (Porta Pia), a od 1546 roku pracuje przy katedrze św. Piotra, zapoczątkowany przez Bramantego. Michał Anioł jest właścicielem rysunku i rysunku kopuły, który został wykonany po śmierci mistrza i nadal stanowi jeden z głównych dominujących elementów panoramy miasta.

Michał Anioł zmarł w Rzymie w wieku 89 lat. Jego ciało przewieziono w nocy do Florencji i pochowano w najstarszym kościele w jego rodzinnym mieście Santa Croce. Znaczenie historyczne Trudno przecenić sztukę Michała Anioła, jej wpływ na współczesnych i na kolejne epoki. Niektórzy zagraniczni badacze postrzegają go jako pierwszego artystę i architekta baroku. Ale przede wszystkim jest interesujący jako nosiciel wielkich realistycznych tradycji renesansu.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, nazywany Giorgione (1477-1510), jest bezpośrednim naśladowcą swojego nauczyciela i typowym artystą wysokiego renesansu. Jako pierwszy na ziemi weneckiej zajął się tematyką literacką i mitologiczną. Krajobraz, przyroda i piękne nagie ciało ludzkie stały się dla niego przedmiotem sztuki i obiektem kultu.

Już w pierwszym znanym dziele „Madonna z Castelfranco” (ok. 1505 r.) Giorgione pojawia się jako artysta o ugruntowanej pozycji; Obraz Madonny jest pełen poezji, zamyślonej senności, przesiąknięty nastrojem smutku, charakterystycznym dla wszystkich kobiecych wizerunków Giorgione. Artysta w ciągu ostatnich pięciu lat życia stworzył swoje najlepsze dzieła, wykonane w technice olejnej, najważniejszej wówczas w szkole weneckiej. . Na obrazie „Burza z piorunami” z 1506 roku Giorgione przedstawia człowieka jako część natury. Kobieta karmiąca dziecko, młody mężczyzna z laską (którego można pomylić z wojownikiem z halabardą) nie łączy żadne działanie, ale jednoczą się w tym majestatycznym krajobrazie ogólny nastrój, ogólny stan umysłu. Obraz „Śpiącej Wenus” (około 1508-1510) przesiąknięty jest duchowością i poezją. Jej ciało jest napisane łatwo, swobodnie, z wdziękiem, nie bez powodu badacze mówią o „muzyczności” rytmów Giorgione; nie jest pozbawiony zmysłowego uroku. „Koncert wiejski” (1508-1510)

Tycjan Vecellio (1477?-1576) to największy artysta weneckiego renesansu. Tworzył dzieła zarówno mitologiczne, jak i Historie chrześcijańskie, zajmował się portretem, jego talent kolorystyczny jest wyjątkowy, jego inwencja kompozytorska jest niewyczerpana, a szczęśliwa długowieczność pozwoliła mu pozostawić po sobie bogate dziedzictwo twórcze, które miało ogromny wpływ na jego potomków.

Już w 1516 roku został pierwszym malarzem republiki, od lat 20. XX w. – najsłynniejszym artystą Wenecji

Około 1520 roku książę Ferrary zamówił mu serię obrazów, na których Tycjan pojawia się jako śpiewak starożytności, który potrafił poczuć i, co najważniejsze, ucieleśnić ducha pogaństwa („Bachanalia”, „Święto Wenus”, „ Bachus i Ariadna”).

Bogaci patrycjusze weneccy zlecili Tycjanowi wykonanie ołtarzy, a on stworzył ogromne ikony: „Wniebowzięcie Marii”, „Madonna z Pesaro”

„Prezentacja Maryi do świątyni” (ok. 1538), „Wenus” (ok. 1538)

(portret zbiorowy papieża Pawła III z siostrzeńcami Ottavio i Aleksandrem Farnese, 1545-1546)

Nadal dużo pisze na tematy starożytne („Wenus i Adonis”, „Pasterz i nimfa”, „Diana i Akteon”, „Jowisz i Antiopa”), ale coraz częściej zwraca się ku tematyce chrześcijańskiej, ku scenom męczeństwa, w których poganie pogodę ducha, dawną harmonię zastępuje postawa tragiczna („Biczowanie Chrystusa”, „Pokutująca Maria Magdalena”, „Św. Sebastian”, „Lamentacja”),

Ale pod koniec wieku cechy zbliżającego się Nowa era w sztuce, nowy kierunek artystyczny. Widać to w twórczości dwóch najważniejszych artystów drugiej połowy tego stulecia – Paolo Veronese i Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, nazywany Veronese (urodził się w Weronie w latach 1528-1588), miał zostać ostatnim śpiewakiem świątecznej, radosnej Wenecji XVI wieku.

: „Uczta w domu Lewiego” „Ślub w Kanie Galilejskiej” dla refektarza klasztoru San Giorgio Maggiore

Jacopo Robusti, znany w sztuce jako Tintoretto (1518-1594) („tintoretto” – farbiarz: ojciec artysty był farbiarzem jedwabiu). „Cud św. Marka” (1548)

(„Ocalenie Arsinoe”, 1555), „Wprowadzenie do świątyni” (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro w Piombino, Villa Rotonda w Vicenzy, ukończona po jego śmierci przez studentów według jego projektu, wiele budynków w Vicenzy). Efektem jego studiów nad starożytnością były książki „Starożytności rzymskie” (1554), „Cztery księgi o architekturze” (1570-1581), ale starożytność była dla niego „żywym organizmem”, jak wynika z trafnej obserwacji badacza.

Holenderski renesans w malarstwie rozpoczyna się od „Ołtarza Gandawskiego” autorstwa braci Huberta (zm. 1426) i Jana (ok. 1390-1441) van Eycka, ukończonego przez Jana van Eycka w 1432 roku. Van Eyck ulepszył technologia olejowa: olej pozwolił przekazać blask, głębię i bogactwo w bardziej wszechstronny sposób obiektywny świat, przykuwający uwagę holenderskich artystów swoją barwną brzmieniowością.

Spośród wielu Madonn Jana van Eycka najsłynniejszą jest „Madonna kanclerza Rollina” (ok. 1435 r.)

(„Człowiek z goździkiem”; „Mężczyzna w turbanie”, 1433; portret żony artysty Margaret van Eyck, 1439

Sztuka holenderska w rozwiązywaniu takich problemów wiele zawdzięcza Rogierowi van der Weydenowi (1400?-1464).„Zejście z krzyża” jest typowym dziełem Weydena.

W drugiej połowie XV w. relacjonuje dzieło wybitnie utalentowanego mistrza, Hugo van der Goesa (ok. 1435-1482) „Śmierć Marii”).

Hieronymus Bosch (1450-1516), twórca mrocznych wizji mistycznych, w których nawiązuje także do alegoryzmu średniowiecznego, „Ogród rozkoszy”

Szczytem holenderskiego renesansu było niewątpliwie dzieło Pietera Bruegla Starszego, zwanego Mużyckim (1525/30-1569) („Kuchnia chudych”, „Kuchnia grubych”). cykl „Pory roku” (inny tytuł – „Łowcy na śniegu”, 1565), „Bitwa karnawału i Wielkiego Postu” (1559).

Albrechta Dürera (1471-1528).

„Święto Różańcowe” (inna nazwa to „Madonna z Różańcem”, 1506), „Jeździec, śmierć i diabeł”, 1513; „Św. Hieronim” i „Melancholia”,

Hans Holbein Młodszy (1497-1543), „Triumf śmierci” („Taniec śmierci”), portret Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renesansowy Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (ok. 1420-1481), Portret Karola VII

Jean Clouet (ok. 1485/88-1541), syn François Cloueta (ok. 1516-1572) to najważniejszy artysta francuski XVI wieku. portret Elżbiety Austriackiej, ok. 1571 r. (portret Henryka II, Marii Stuart itp.)

Malarstwo renesansowe stanowi złoty fundusz sztuki nie tylko europejskiej, ale i światowej. Okres renesansu zastąpił ciemne średniowiecze, podporządkowane do szpiku kości kanoników kościelnych i poprzedziły późniejsze Oświecenie i Nowy Wiek.

Warto obliczyć długość tego okresu w zależności od kraju. Era rozkwitu kultury, jak się ją potocznie nazywa, rozpoczęła się we Włoszech w XIV wieku, a następnie rozprzestrzeniła się na całą Europę, osiągając apogeum pod koniec XV wieku. Historycy dzielą ten okres w sztuce na cztery etapy: protorenesans, wczesny, wysoki i późny renesans. Malarstwo włoskiego renesansu jest oczywiście szczególnie cenne i interesujące, ale nie należy pomijać mistrzów francuskich, niemieckich i holenderskich. Chodzi o nie w kontekście okresów renesansu, co będzie omówione w dalszej części artykułu.

Protorenesans

Okres prarenesansowy trwał od drugiej połowy XIII wieku. do XIV wieku Jest ściśle związana ze średniowieczem, w późnej fazie, z której powstała. Protorenesans jest poprzednikiem renesansu i łączy w sobie tradycje bizantyjskie, romańskie i gotyckie. Trendy nowej ery pojawiły się najpierw w rzeźbie, a dopiero później w malarstwie. Tę ostatnią reprezentowały dwie szkoły ze Sieny i Florencji.

Główną postacią tego okresu był artysta i architekt Giotto di Bondone. Reformatorem został przedstawiciel florenckiej szkoły malarstwa. Nakreślił ścieżkę jej dalszego rozwoju. Cechy malarstwa renesansowego wywodzą się właśnie z tego okresu. Powszechnie przyjmuje się, że Giottowi udało się w swoich dziełach przezwyciężyć styl malowania ikon wspólny dla Bizancjum i Włoch. Sprawił, że przestrzeń nie była dwuwymiarowa, ale trójwymiarowa, używając światłocienia, aby stworzyć iluzję głębi. Na zdjęciu obraz „Pocałunek Judasza”.

Przedstawiciele szkoły florenckiej stali u początków renesansu i robili wszystko, aby malarstwo wydobyć z długiego średniowiecznego zastoju.

Okres prarenesansowy dzielił się na dwie części: przed i po jego śmierci. Do 1337 roku pracowali najzdolniejsi mistrzowie i miały miejsce najważniejsze odkrycia. Następnie Włochy nawiedza epidemia dżumy.

Malarstwo renesansowe: krótko o okresie wczesnym

Wczesny renesans obejmuje okres 80 lat: od 1420 do 1500 roku. W tym czasie nie odszedł jeszcze całkowicie od dawnych tradycji i nadal jest kojarzony ze sztuką średniowiecza. Jednak już czujemy powiew nowych trendów, rzemieślnicy coraz częściej sięgają po elementy klasyczny antyk. Ostatecznie artyści całkowicie porzucają styl średniowieczny i zaczynają odważnie go stosować najlepsze przykłady starożytna kultura. Należy pamiętać, że proces przebiegał raczej powoli, krok po kroku.

Jasni przedstawiciele wczesnego renesansu

Twórczość włoskiego artysty Piero della Francesca w całości należy do okresu wczesnego renesansu. Jego prace wyróżniają się szlachetnością, majestatycznym pięknem i harmonią, trafną perspektywą, łagodną kolorystyką wypełnioną światłem. W ostatnie lata W ciągu swojego życia, oprócz malarstwa, dogłębnie studiował matematykę, a nawet napisał dwa własne traktaty. Jego uczniem był inny znany malarz Luca Signorelli, a styl ten znalazł odzwierciedlenie w twórczości wielu umbryjskich mistrzów. Na zdjęciu powyżej fragment fresku w kościele San Francesco in Arezzo „Historia królowej Saby”.

Domenico Ghirlandaio to kolejny wybitny przedstawiciel florenckiej szkoły malarstwa renesansowego wczesnego okresu. Był założycielem słynnej dynastii artystycznej i kierownikiem warsztatu, w którym zaczynał młody Michał Anioł. Ghirlandaio był znanym i odnoszącym sukcesy mistrzem, który zajmował się nie tylko malarstwem freskowym (Kaplica Tornabuoni, Sykstyńska), ale także malarstwem sztalugowym („Pokłon Trzech Króli”, „Boże Narodzenie”, „Stary człowiek z wnukiem”, „Portret Giovanny Tornabuoni” – na zdjęciu poniżej).

Wysoki renesans

Okres ten, w którym styl rozwinął się znakomicie, przypada na lata 1500-1527. W tym czasie centrum sztuki włoskiej przeniosło się z Florencji do Rzymu. Wiąże się to z wstąpieniem na tron ​​papieski ambitnego, przedsiębiorczego Juliusza II, który wzbudził największe zainteresowanie najlepsi artyści Włochy. Rzym za czasów Peryklesa stał się czymś w rodzaju Aten i przeżył niesamowity rozwój i boom budowlany. Jednocześnie istnieje harmonia pomiędzy gałęziami sztuki: rzeźbą, architekturą i malarstwem. Połączył ich renesans. Wydają się iść w parze, uzupełniać się i oddziaływać na siebie.

Starożytność jest badana dokładniej w okresie wysokiego renesansu i odtwarzana z maksymalną dokładnością, rygorem i konsekwencją. Godność i spokój zastępują zalotne piękno, a średniowieczne tradycje zostają całkowicie zapomniane. Szczyt renesansu charakteryzuje się dziełem trzech największych Włoscy mistrzowie: Raphael Santi („Donna Velata” na zdjęciu powyżej), Michał Anioł i Leonardo da Vinci („ Mona Lisa„ – na pierwszym zdjęciu).

Późny renesans

Późny renesans obejmuje okres od lat trzydziestych XVI wieku do lat dziewięćdziesiątych XVI wieku i lat dwudziestych XVII wieku we Włoszech. Krytycy i historycy sztuki sprowadzają dzieła tego czasu do wspólnego mianownika o dużej dozie konwencji. Europa Południowa znajdowała się pod wpływem triumfującej w niej Kontrreformacji, która z wielką ostrożnością postrzegała wszelkie wolnomyślicielstwo, w tym wskrzeszenie ideałów starożytności.

We Florencji dominował manieryzm, charakteryzujący się sztucznymi kolorami i przerywanymi liniami. Do Parmy, gdzie pracował Correggio, dotarł jednak dopiero po śmierci mistrza. miała własną ścieżkę rozwoju Malarstwo weneckie renesans późny okres. Palladio i Tycjan, którzy pracowali tam do lat 70. XVI wieku, są jego najwybitniejszymi przedstawicielami. Ich twórczość nie miała nic wspólnego z nowymi trendami w Rzymie i Florencji.

Renesans północny

Termin ten jest używany do opisania renesansu w całej Europie, ogólnie poza Włochami, a zwłaszcza w krajach niemieckojęzycznych. Posiada wiele funkcji. Renesans północny nie był jednorodny i w każdym kraju się charakteryzował specyficzne cechy. Historycy sztuki dzielą ją na kilka kierunków: francuski, niemiecki, holenderski, hiszpański, polski, angielski itp.

Przebudzenie Europy przebiegało dwiema drogami: rozwój i rozprzestrzenianie się humanistycznego świeckiego światopoglądu oraz rozwój idei odnowy tradycje religijne. Obydwoje się stykali, czasem łączyli, ale jednocześnie byli antagonistami. Włochy wybrały pierwszą drogę, a Europa Północna – drugą.

Renesans nie miał praktycznie żadnego wpływu na sztukę północy, w tym na malarstwo, aż do 1450 roku. Od 1500 roku rozprzestrzenił się na cały kontynent, ale w niektórych miejscach wpływ późnego gotyku utrzymywał się aż do nadejścia baroku.

Renesans północny charakteryzuje się znaczącym wpływem stylu gotyckiego, mniejszą uwagą na badania starożytności i anatomii człowieka oraz szczegółową i staranną techniką pisania. Reformacja wywarła na niego istotny wpływ ideologiczny.

Francuski renesans północny

Najbliższe włoskiemu jest malarstwo francuskie. Renesans dla kultury Francji stał się ważny etap. W tym czasie aktywnie wzmacniały się stosunki monarchii i burżuazji, idee religijne średniowiecza schodziły na dalszy plan, ustępując miejsca tendencjom humanistycznym. Przedstawiciele: Francois Quesnel, Jean Fouquet (na zdjęciu fragment „Dyptyku Melena”), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

Niemiecki i holenderski renesans północny

Wybitne dzieła renesansu północnego stworzyli mistrzowie niemieccy i flamandzko-holenderscy. Religia nadal odgrywała w tych krajach znaczącą rolę i wywarła ogromny wpływ na malarstwo. Renesans poszedł inną drogą w Holandii i Niemczech. W odróżnieniu od dzieł włoskich mistrzów artyści tych krajów nie umieszczali człowieka w centrum wszechświata. Przez niemal cały XV w. portretowali go w stylu gotyckim: lekkim i eterycznym. Do najwybitniejszych przedstawicieli renesansu holenderskiego zaliczają się Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, niemiecki – Albert Durer, Lucas Cranach Starszy, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Na zdjęciu autoportret A. Durera z 1498 roku.

Mimo że dzieła mistrzów północnych znacznie różnią się od dzieł malarzy włoskich, w każdym razie uznawane są za bezcenne eksponaty sztuki pięknej.

Malarstwo renesansowe, jak całą kulturę, charakteryzuje się świeckością, humanizmem i tzw. antropocentryzmem, czyli pierwotnym zainteresowaniem człowiekiem i jego działalnością. W tym okresie nastąpił prawdziwy rozkwit zainteresowania sztuką starożytną i nastąpiło jej odrodzenie. Epoka ta dała światu galaktykę genialnych rzeźbiarzy, architektów, pisarzy, poetów i artystów. Nigdy wcześniej ani później rozkwit kultury nie był tak powszechny.

Cechy charakterystyczne w sztuce renesansu

Perspektywiczny. Aby dodać trójwymiarowej głębi i przestrzeni do swoich prac, artyści renesansu zapożyczyli i znacznie rozszerzyli koncepcje perspektywy liniowej, linii horyzontu i punktu zbiegu.

§ Perspektywa liniowa. Zdjęcie z perspektywa liniowa- to tak, jakbyś patrzył przez okno i rysował dokładnie to, co widzisz na szybie. Obiekty na zdjęciu zaczęły mieć własne rozmiary w zależności od odległości. Te, które były dalej od widza, stawały się mniejsze i odwrotnie.

§ Sylwetka na tle nieba. Jest to linia znajdująca się w odległości, przy której obiekty zmniejszają się do punktu o grubości tej linii.

§ Znikający punkt. Jest to punkt, w którym równoległe linie wydają się zbiegać w dużej odległości, często na linii horyzontu. Efekt ten można zaobserwować stojąc na torach kolejowych i patrząc na tory jadące w oddali. l.

Cienie i światło. Artyści z zainteresowaniem bawili się tym, jak światło pada na przedmioty i tworzy cienie. Cienie i światło można wykorzystać do zwrócenia uwagi na konkretny punkt obrazu.

Emocje. Artyści renesansu chcieli, aby widz patrząc na dzieło coś poczuł, przeżył przeżycie emocjonalne. Była to forma retoryki wizualnej, w ramach której widz czuł inspirację do stania się w czymś lepszym.

Realizm i naturalizm. Oprócz perspektywy artyści starali się, aby obiekty, zwłaszcza ludzie, wyglądały bardziej realistycznie. Studiowali anatomię człowieka, mierzyli proporcje i szukali ideału ludzka postać. Ludzie wyglądali realnie i okazywali autentyczne emocje, co pozwalało widzowi na wyciągnięcie wniosków na temat tego, co myślą i czują przedstawieni ludzie.

Renesans dzieli się na 4 etapy:

Protorenesans (2. połowa XIII – XIV w.)

Wczesny renesans (początek XV - koniec XV wieku)

Wysoki renesans (koniec XV - pierwsze 20 lat XVI wieku)

Późny renesans (połowa XVI – lata 90. XVI w.)

Protorenesans

Protorenesans jest ściśle związany ze średniowieczem, właściwie pojawił się w późnym średniowieczu, wraz z tradycjami bizantyjskimi, romańskimi i gotyckimi, okres ten był prekursorem renesansu. Dzieli się on na dwa podokresy: przed śmiercią Giotta di Bondone i po (1337). Włoski artysta i architekt, twórca protorenesansu. Jedna z kluczowych postaci w historii Sztuka zachodnia. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, stał się prawdziwym założycielem włoskiej szkoły malarstwa i wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła. Giotto stał się centralną postacią malarstwa. Artyści renesansu uważali go za reformatora malarstwa. Giotto nakreślił drogę, po której nastąpił jego rozwój: wypełnienie form religijnych treściami świeckimi, stopniowe przejście od obrazów płaskich do obrazów trójwymiarowych i reliefowych, wzrost realizmu, wprowadzenie do malarstwa plastycznej wolumenu figur, ukazanie wnętrza w malarstwie.

Pod koniec XIII wieku we Florencji wzniesiono główny budynek świątyni - katedrę Santa Maria del Fiore, autorem był Arnolfo di Cambio, następnie prace kontynuował Giotto.

Najważniejsze odkrycia, najzdolniejsi mistrzowie żyli i pracowali w pierwszym okresie. Drugi segment jest związany z epidemią dżumy, która nawiedziła Włochy.

Najwcześniejsza sztuka prarenesansu pojawiła się w rzeźbie (Niccolò i Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Obraz jest reprezentowany przez dwa szkoły artystyczne: Florencja i Siena.

Wczesny renesans

Okres tzw. „wczesnego renesansu” obejmuje we Włoszech okres od 1420 do 1500 roku. Sztuka w ciągu tych osiemdziesięciu lat nie porzuciła jeszcze całkowicie tradycji niedawnej przeszłości (średniowiecza), ale próbowała wmieszać w nie elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. Dopiero później, pod wpływem coraz bardziej zmieniających się warunków życia i kultury, artyści całkowicie porzucają średniowieczne założenia i odważnie sięgają po przykłady sztuki antycznej, zarówno w ogólnej koncepcji swoich dzieł, jak i w ich szczegółach.

O ile sztuka we Włoszech już zdecydowanie podążała drogą naśladowania klasycznej starożytności, o tyle w innych krajach przez długi czas trzymała się tradycji styl gotycki. Na północ od Alp, a także w Hiszpanii, renesans rozpoczyna się dopiero pod koniec XV wieku, a jego wczesny okres trwa mniej więcej do połowy następnego stulecia.

Artyści wczesnego renesansu

Jeden z pierwszych i najwybitniejszych przedstawicieli tego okresu słusznie uważany jest za Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), słynnego włoskiego malarza, największego mistrza szkoły florenckiej, reformatora malarstwa epoki Quattrocento.

Swoją twórczością przyczynił się do przejścia od sztuki gotyckiej do nowej, wychwalając wielkość człowieka i jego świata. Wkład Masaccio w sztukę został odnowiony w 1988 roku, kiedy jego główne dzieło - freski z kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji- przywrócono ich pierwotną formę.

- Zmartwychwstanie syna Teofila, Masaccio i Filippino Lippi

- Pokłon Trzech Króli

- Cud ze statrem

Innymi ważnymi przedstawicielami tego okresu byli Sandro Botticelli. wielki włoski malarz renesansu, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.

- Narodziny Wenus

- Wenus i Mars

- Wiosna

- Pokłon Trzech Króli

Wysoki renesans

Trzeci okres renesansu - czas najwspanialszego rozwoju jego stylu - nazywany jest zwykle „wysokim renesansem”. Rozciąga się we Włoszech od około 1500 do 1527 roku. W tym czasie ośrodek wpływów sztuki włoskiej z Florencji przeniósł się do Rzymu, dzięki wstąpieniu na tron ​​papieski Juliusza II – człowieka ambitnego, odważnego, przedsiębiorczego, który przyciągał na swój dwór najlepszych artystów Włoch, zabawiając ich licznie I ważne dzieła i dawanie innym przykładu miłości do sztuki. Za tego papieża i za jego bezpośrednich następców Rzym staje się niejako nowymi Atenami czasów Peryklesa: wznosi się w nim wiele monumentalnych budowli, powstają wspaniałe dzieła rzeźbiarskie, maluje się freski i obrazy, które do dziś uważane są za perły malarskie; jednocześnie wszystkie trzy gałęzie sztuki harmonijnie idą w parze, pomagając sobie nawzajem i wzajemnie na siebie wpływając. Starożytność jest obecnie badana dokładniej, odtwarzana z większą rygorystycznością i konsekwencją; spokój i godność zastępują figlarne piękno, które było aspiracją poprzedniego okresu; wspomnienia średniowiecza całkowicie zanikają, a na wszystkich dziełach sztuki spada całkowicie klasyczny ślad. Jednak naśladowanie starożytnych nie zagłusza u artystów ich niezależności, a z wielką zaradnością i żywością wyobraźni swobodnie przerabiają i stosują w swoim dziele to, co uznają za stosowne zapożyczyć dla siebie ze starożytnej sztuki grecko-rzymskiej.

Dzieło trzech wielkich włoskich mistrzów wyznacza szczyt renesansu, jest nim Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci wielki włoski malarz renesansu, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego. Włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz, muzyk, jeden z największych przedstawicieli sztuki Wysokiego Renesansu, świetlisty przykład „człowieka uniwersalnego”

Ostatnia Wieczerza,

Mona Lisa,

-człowiek witruwiański ,

- Madonna Litta

- Madonna na Skałach

-Madonna z wrzecionem

Michał Anioł Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Włoski rzeźbiarz, artysta, architekt [⇨], poeta [⇨], myśliciel [⇨]. . Jeden z największych mistrzów renesansu [ ⇨ ] i wczesnego baroku. Jego dzieła uznano za najwyższe osiągnięcia sztuki renesansu już za życia samego mistrza. Michał Anioł żył prawie 89 lat, czyli całą epokę, od okresu Wysokiego Renesansu do początków Kontrreformacji. W tym okresie papieży było trzynastu – dla dziewięciu z nich wykonywał rozkazy.

Stworzenie Adama

Sąd Ostateczny

i Rafaela Santi (1483-1520). wielki włoski malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.

— Szkoła ateńska

-Madonna Sykstyńska

- Przemienienie

- Wspaniały ogrodnik

Późny renesans

Późny renesans we Włoszech obejmuje okres od lat trzydziestych XVI wieku do lat dziewięćdziesiątych XVI wieku i lat dwudziestych XVII wieku. Kontrreformacja zatriumfowała w Europie Południowej ( Kontrreformacja(łac. Kontraformacja; z kontra- przeciw i reformacja- transformacja, reformacja) – katolicki ruch kościelno-polityczny w Europie połowy XVI-XVII w., skierowany przeciwko reformacji i mający na celu przywrócenie pozycji i prestiżu Kościoła rzymskokatolickiego.), który z ostrożnością patrzył na wszelkie wolno- myślenia, w tym gloryfikacji ludzkiego ciała i wskrzeszenia ideałów starożytności jak kamienie węgielne Ideologia renesansu. Sprzeczności światopoglądowe i ogólne poczucie kryzysu zaowocowały we Florencji „nerwową” sztuką wymyślonych kolorów i przerywanych linii - manieryzmem. Manieryzm dotarł do Parmy, gdzie pracował Correggio, dopiero po śmierci artysty w 1534 roku. Tradycje artystyczne Wenecji miały własną logikę rozwoju; Palladio (prawdziwe nazwisko) pracował tam do końca lat siedemdziesiątych XVI wieku Andrei di Pietro). wielki włoski architekt późnego renesansu i manieryzmu.( Manieryzm(z włoskiego maniera, sposób) - zachodnioeuropejski styl literacki i artystyczny XVI - pierwszej tercji XVII wieku. Charakteryzuje się utratą renesansowej harmonii między tym, co fizyczne i duchowe, naturą i człowiekiem.) Założyciel palladianizmu ( Palladianizm Lub Architektura palladowa- wczesna forma klasycyzmu, która wyrosła z idei włoskiego architekta Andrei Palladio (1508-1580). Styl opiera się na ścisłym trzymaniu się symetrii, uwzględnieniu perspektywy i zapożyczeniu zasad klasycznej architektury świątynnej starożytnej Grecji i Rzymu.) oraz klasycyzmu. Prawdopodobnie najbardziej wpływowy architekt w historii.

Pierwszy niezależna praca Andrea Palladio, jako utalentowany projektant i utalentowany architekt, to Bazylika w Vicenzy, w której ujawnił się jego oryginalny, niepowtarzalny talent.

Wśród domów wiejskich najwybitniejszym dziełem mistrza jest Villa Rotunda. Andrea Palladio zbudował go w Vicenzy dla emerytowanego urzędnika Watykanu. Godny uwagi jest fakt, że jest to pierwsza świecko-domowa budowla renesansu, wzniesiona w formie starożytnej świątyni.

Innym przykładem jest Palazzo Chiericati, którego niezwykłość przejawia się w tym, że pierwsze piętro budynku przeznaczono niemal w całości do użytku publicznego, co było zgodne z wymogami ówczesnych władz miejskich.

Wśród słynnych budynków miejskich Palladia nie sposób nie wspomnieć Teatro Olimpico, zaprojektowanego w stylu amfiteatru.

Tycjan ( Tycjan Vecellio) włoski malarz, największy przedstawiciel Szkoła wenecka wysokiego i późnego renesansu. Imię Tycjana należy do takich artystów renesansu, jak Michał Anioł, Leonardo da Vinci i Rafael. Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.

Z miejsca urodzenia (Pieve di Cadore w prowincji Belluno w Republice Weneckiej) nazywany jest czasami tak, Cadore; znany również jako Tycjan Boski.

- Wniebowstąpienie Najświętszej Marii Panny

- Bachus i Ariadna

- Diana i Akteon

- Wenus Urbino

— Porwanie Europy

którego twórczość niewiele miała wspólnego z kryzysem w sztuce Florencji i Rzymu.

Renesans - czas rozkwitu intelektualnego we Włoszech, który wpłynął na rozwój ludzkości. Ten wspaniały czas rozpoczął się w XIV wieku i zaczął upadać w XVI wieku. Nie da się znaleźć ani jednego obszaru działalności człowieka, na który renesans nie wpłynął. Rozkwit ludzkiej kultury, twórczości, sztuki, nauki. Polityka, filozofia, literatura, architektura, malarstwo – wszystko to nabrało nowego oddechu i zaczęło się rozwijać w niezwykle szybkim tempie. Większość najwybitniejszych artystów, którzy odeszli, o sobie wieczna pamięć w pracach i który opracował większość zasad i praw malarstwa, żył i tworzył właśnie w tym czasie. Renesans stał się dla ludzi powiewem świeżego powietrza i początkiem nowego życia, prawdziwą rewolucją kulturalną. Zasady życia średniowiecza upadły, a człowiek zaczął dążyć do wyżyn, jakby realizując swój prawdziwy cel na Ziemi - tworzenie i rozwój.

Odrodzenie to nic innego jak powrót do wartości z przeszłości. Na nowo przemyśleno wartości z przeszłości, m.in. takie jak wiara i szczera miłość do sztuki, twórczości i twórczości. Świadomość człowieka we wszechświecie: człowiek jako korona natury, korona boskiego stworzenia, sam będąc twórcą.

Najbardziej znanymi artystami renesansu są Alberti, Michał Anioł, Rafael, Albrecht Durer i wielu innych. Swoją twórczością wyrazili ogólną koncepcję wszechświata, koncepcje dotyczące pochodzenia człowieka, które opierały się na religii i mitach. Można powiedzieć, że właśnie wtedy pojawiło się pragnienie artystów, aby nauczyć się tworzyć realistyczny obraz osoby, natury, rzeczy, a także zjawisk niematerialnych - uczuć, emocji, nastroju itp. Początkowo Florencja była uważana za centrum renesansu, ale w XVI wieku zdobyła Wenecję. To właśnie w Wenecji mieścili się najważniejsi dobroczyńcy czy mecenasi renesansu, tacy jak Medyceusze, papieże i inni.

Nie ma wątpliwości, że renesans wpłynął na bieg rozwoju całej ludzkości w każdym tego słowa znaczeniu. Dzieła sztuki z tamtego okresu do dziś należą do najdroższych, a ich autorzy na zawsze zapisali się w historii. Malarstwo i rzeźba renesansu uważane są za bezcenne arcydzieła i do dziś stanowią przewodnik i przykład dla każdego artysty. Wyjątkowa sztuka zachwyca pięknem i głębią designu. Każdy człowiek powinien wiedzieć o tym niezwykłym czasie, jaki wydarzył się w historii naszej przeszłości, bez którego dziedzictwa nie sposób wyobrazić sobie naszej teraźniejszości i przyszłości.

Leonardo da Vinci – Mona Lisa (La Gioconda)

Rafael Santi – Madonna

renesans, który rozkwitł w XV-XVI wieku, stanowił nową rundę w rozwoju sztuki, a zwłaszcza malarstwa. Istnieje również francuska nazwa tej epoki - renesans. Sandro Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci, Tycjan, Michał Anioł – żeby wymienić tylko kilku znane nazwiska które reprezentują ten okres czasu.

Artyści renesansu przedstawiali postacie na swoich obrazach tak dokładnie i wyraźnie, jak to możliwe.

Kontekst psychologiczny nie był oryginalnie uwzględniony na obrazie. Malarze postawili sobie za cel osiągnięcie plastyki tego, co przedstawiali. Czy to dynamika ludzkiej twarzy, czy szczegóły otaczająca przyroda trzeba było pomalować jak najdokładniej. Jednak z czasem w malarstwie renesansowym aspekt psychologiczny staje się wyraźnie widoczny, np. z portretów można wyciągnąć wnioski na temat cech charakteru przedstawianej osoby.

Osiągnięcia kultury artystycznej renesansu

Niewątpliwym osiągnięciem renesansu było geometrycznie poprawny projekt obrazu. Artysta budował obraz wykorzystując wypracowane przez siebie techniki. Najważniejszą rzeczą dla ówczesnych malarzy było zachowanie proporcji obiektów. Nawet natura podlegała matematycznym technikom obliczania proporcjonalności obrazu z innymi obiektami na obrazie.

Innymi słowy, artyści renesansu starali się przekazać dokładny obraz na przykład osoba na tle natury. Jeśli porównamy to z nowoczesnymi technikami odtwarzania widzianego obrazu na płótnie, najprawdopodobniej fotografia z późniejszymi zmianami pomoże zrozumieć, do czego dążyli artyści renesansu.

Malarze renesansu wierzyli, że mają prawo poprawiać wady natury, czyli jeśli dana osoba miała brzydkie rysy twarzy, artyści poprawiali je w taki sposób, aby twarz stała się słodka i atrakcyjna.

Podejście geometryczne w obrazach prowadzi do nowego sposobu ukazywania przestrzenności. Przed odtworzeniem obrazów na płótnie artysta zaznaczył ich położenie przestrzenne. Zasada ta z czasem utrwaliła się wśród malarzy tamtej epoki.

Widz miał być pod wrażeniem obrazów na obrazach. Na przykład, Rafał osiągnął pełną zgodność z tą zasadą, tworząc obraz „Szkoła ateńska”. Sklepienia budynku imponują swoją wysokością. Jest tak dużo miejsca, że ​​zaczynasz rozumieć rozmiar tej konstrukcji. A przedstawieni myśliciele starożytności z Platonem i Arystotelesem pośrodku wskazują, że w świecie starożytnym istniała jedność różnych idei filozoficznych.

Tematyka malarstwa renesansowego

Jeśli zaczniesz zapoznawać się z malarstwem renesansowym, możesz to zrobić ciekawa konkluzja. Tematyka obrazów opierała się głównie na wydarzeniach opisanych w Biblii. Częściej malarze tamtych czasów przedstawiali historie z Nowego Testamentu. Najpopularniejszym obrazem jest Dziewica i Dzieciątko- mały Jezus Chrystus.

Postać była tak żywa, że ​​ludzie nawet czcili te obrazy, choć ludzie rozumieli, że to nie są ikony, modlili się do nich i prosili o pomoc i ochronę. Oprócz Madonny malarze renesansu bardzo lubili odtwarzać obrazy Jezus Chrystus, apostołów, Jana Chrzciciela, a także epizody ewangeliczne. Na przykład, Leonardo da Vinci stworzył światowej sławy obraz „Ostatnia wieczerza”.

Dlaczego artyści renesansu posługiwali się tematami? z Biblii? Dlaczego nie spróbowali wyrazić siebie, tworząc portrety swoich współczesnych? Może próbowali w ten sposób ukazać zwykłych ludzi, z ich wrodzonymi cechami charakteru? Tak, malarze tamtych czasów próbowali pokazać ludziom, że człowiek jest istotą boską.

Przedstawiając sceny biblijne, artyści renesansu starali się dać do zrozumienia, że ​​ziemskie przejawy człowieka można lepiej przedstawić, jeśli wykorzysta się historie biblijne. Możesz zrozumieć, czym jest Upadek, pokusa, piekło czy niebo, jeśli zaczniesz zapoznawać się z twórczością artystów tamtych czasów. To samo wizerunek Madonny przekazuje nam piękno kobiety, a także niesie ze sobą zrozumienie ziemskiej ludzkiej miłości.

Leonardo da Vinci

Renesans stał się taki dzięki wielu kreatywne osoby który żył w tym czasie. Znany na całym świecie Leonardo da Vinci (1452 - 1519) stworzył ogromną liczbę arcydzieł, których koszt sięga milionów dolarów, a koneserzy jego sztuki są gotowi długo kontemplować jego obrazy.

Leonardo rozpoczął studia we Florencji. Jego pierwszy obraz, namalowany około 1478 r., to: „Madonna Benoit”. Potem były takie dzieła jak „Madonna w grocie”, „Mona Lisa”, wspomniana już „Ostatnia Wieczerza” i mnóstwo innych arcydzieł napisanych ręką tytana renesansu.

Rygor proporcji geometrycznych i dokładne odwzorowanie budowy anatomicznej człowieka – to właśnie charakteryzuje obrazy Leonarda da Vinci. W jego przekonaniu sztuka przedstawiania określonych obrazów na płótnie jest nauką, a nie tylko jakimś hobby.

Rafał Santi

Rafael Santi (1483 - 1520) znany w świecie sztuki jako Raphael tworzył swoje dzieła we Włoszech. Jego obrazy przepojone są liryzmem i wdziękiem. Rafael to przedstawiciel renesansu, który przedstawiał człowieka i jego egzystencję na ziemi, uwielbiał malować ściany katedr watykańskich.

Obrazy zdradzały jedność postaci, proporcjonalną zgodność przestrzeni i obrazów oraz eufonię koloru. Czystość Dziewicy była podstawą wielu obrazów Rafaela. Jego pierwszy obraz Matki Bożej- to jest Madonna Sykstyńska, która została namalowana sławny artysta już w 1513 r. Portrety, które stworzył Rafael, odzwierciedlały idealny wizerunek człowieka.

Sandro Botticellego

Sandro Botticelli (1445 - 1510) także artysta renesansowy. Jednym z jego pierwszych dzieł był obraz „Pokłon Trzech Króli”. Subtelna poezja i marzycielstwo były jego początkowymi manierami w przekazywaniu obrazów artystycznych.

Na początku lat 80. XV wieku wielki artysta malował ściany Kaplicy Watykańskiej. Freski wykonane jego ręką do dziś zachwycają.

Z czasem jego obrazy zaczęto charakteryzować się spokojem starożytnych budynków, żywotnością przedstawionych postaci i harmonią obrazów. Ponadto pasja Botticellego do rysunków sławnych dzieła literackie, co również tylko dodało sławy jego twórczości.

Michał Anioł Buonarotti

Michał Anioł Buonarotti (1475 - 1564)- włoski artysta działający także w epoce renesansu. Ten człowiek, znany wielu z nas, zrobił wszystko, co mógł. I rzeźba, i malarstwo, i architektura, i także poezja.

Michał Anioł, podobnie jak Rafael i Botticelli, malował ściany kościołów watykańskich. Przecież tylko najzdolniejsi malarze tamtych czasów zajmowali się tak ważnym dziełem, jak malowanie obrazów na ścianach katedr katolickich.

Ponad 600 metrów kwadratowych Kaplicy Sykstyńskiej musiał pokryć go freskami przedstawiającymi różne sceny biblijne.

Najbardziej znane dzieło w tym stylu znane jest nam jako „Sąd Ostateczny”. Oznaczający opowieść biblijna wyrażone w pełni i wyraźnie. Taka precyzja w przekazie obrazów jest charakterystyczna dla całej twórczości Michała Anioła.

UWAGA! Do korzystania z materiałów witryny wymagany jest aktywny link!