Idealne miasto renesansu. Klasycyzm w architekturze Europy Zachodniej. Obraz świata i człowieka w twórczości wielkich mistrzów renesansu

Po zakończeniu głównych prac budowlanych w Wersalu, na przełomie XVII i XVIII wieku, Andre Le Nôtre rozpoczął aktywne prace nad przebudową Paryża. Rozłożył układ Parku Tuileries, wyraźnie ustalając oś centralną na kontynuacji osi podłużnej zespołu Luwru. Po Le Nôtre ostatecznie odbudowano Luwr i utworzono Place de la Concorde. Oś wielka Paryża dawała zupełnie inną interpretację miasta, spełniając wymogi wielkości, majestatu i przepychu. Kompozycja otwartych przestrzeni miejskich oraz układ architektonicznie zaprojektowanych ulic i placów stały się czynnikiem decydującym w planowaniu Paryża. Przejrzystość geometrycznego układu ulic i placów połączonych w jedną całość na długie lata stanie się kryterium oceny doskonałości planu miasta i umiejętności urbanisty. Wiele miast na całym świecie odczuje później wpływ klasycznego modelu paryskiego.

Nowe rozumienie miasta jako przedmiotu architektonicznego oddziaływania na człowieka znajduje wyraźny wyraz w pracach nad zespołami miejskimi. W procesie ich budowy nakreślono główne i podstawowe zasady urbanistyki klasycyzmu - swobodny rozwój w przestrzeni i organiczne połączenie z otoczeniem. Przezwyciężając chaos urbanistyczny, architekci starali się stworzyć zespoły zaprojektowane z myślą o swobodnych i niezakłóconych widokach.

Renesansowe marzenia o stworzeniu „miasta idealnego” ucieleśniały się w powstaniu nowego typu placu, którego granice nie stanowiły już fasady niektórych budynków, ale przestrzeń przyległych ulic i osiedli, parków czy ogrodów oraz rzeki wał przeciwpowodziowy. Architektura stara się łączyć w pewną całość nie tylko budynki bezpośrednio sąsiadujące ze sobą, ale także bardzo odległe punkty miasta.

Druga połowa XVIII wieku. i pierwsza tercja XIX w. we Francji wyznaczają nowy etap w rozwoju klasycyzmu i jego rozprzestrzenianiu się w krajach europejskich - neoklasycyzm. Po Wielkiej Rewolucji Francuskiej i Wojnie Ojczyźnianej 1812 r. w urbanistyce pojawiły się nowe priorytety, zgodne z duchem swoich czasów. Najżywszy wyraz znaleźli w stylu Empire. Charakteryzowały go następujące cechy: ceremonialny patos imperialnej wielkości, monumentalność, nawiązanie do sztuki cesarskiego Rzymu i starożytnego Egiptu oraz wykorzystanie atrybutów rzymskiej historii militarnej jako głównych motywów zdobniczych.

Istotę nowego stylu artystycznego bardzo trafnie oddały znamienne słowa Napoleona Bonaparte:

„Kocham moc, ale jako artysta... uwielbiam wydobywać z niej dźwięki, akordy, harmonię.”

Styl imperialny stał się uosobieniem władzy politycznej i militarnej chwały Napoleona i był wyjątkowym przejawem jego kultu. Nowa ideologia w pełni odpowiadała interesom politycznym i gustom artystycznym nowych czasów. Wszędzie powstawały wielkie zespoły architektoniczne otwartych placów, szerokich ulic i alei, wznoszono mosty, pomniki i budynki użyteczności publicznej, demonstrując imperialną wielkość i siłę władzy.

Na przykład most Austerlitz upamiętniał wielką bitwę Napoleona i został zbudowany z kamieni Bastylii. W Place Carrousel był zbudowany łuk triumfalny ku czci zwycięstwa pod Austerlitz. Dwa place (Concord i Stars), położone w znacznej odległości od siebie, połączyły perspektywy architektoniczne.

Kościół św Genevieve, wzniesiony przez J. J. Soufflota, stał się Panteonem – miejscem spoczynku wielkich ludzi Francji. Jednym z najbardziej spektakularnych zabytków tamtych czasów jest kolumna Wielkiej Armii na Place Vendôme. Przyrównana do starożytnej rzymskiej kolumny Trajana, miała według planów architektów J. Gondoina i J. B. Lepera wyrażać ducha Nowego Cesarstwa i pragnienie wielkości Napoleona.

W jasnym wystroju wnętrz pałaców i budynków użyteczności publicznej szczególnie ceniono powagę i majestatyczny przepych, ich wystrój często był przeładowany sprzętem wojskowym. Dominującymi motywami były kontrastowe zestawienia barw, elementy zdobnictwa rzymskiego i egipskiego: orły, gryfy, urny, wianki, pochodnie, groteski. Styl Empire najwyraźniej przejawiał się we wnętrzach rezydencji cesarskich w Luwrze i Malmaison.

Era Napoleona Bonaparte zakończyła się w 1815 roku i już wkrótce zaczęto aktywnie eliminować jego ideologię i gusta. Z Imperium „znikniętego jak sen” pozostały jedynie dzieła sztuki w stylu Empire, wyraźnie ukazujące jego dawną wielkość.

Pytania i zadania

1. Dlaczego Wersal można uznać za dzieło wybitne?

Jak idee urbanistyczne XVIII-wiecznego klasycyzmu znalazły swoje praktyczne ucieleśnienie w zespołach architektonicznych Paryża, na przykład na Place de la Concorde? Co odróżnia go od włoskich barokowych placów Rzymu z XVII wieku, takich jak Piazza del Popolo (zob. s. 74)?

2. Jaki jest wyraz związku architektury baroku z klasycyzmem? Jakie idee klasycyzm odziedziczył po baroku?

3. Jakie jest tło historyczne powstania stylu Empire? Jakie nowe idee swoich czasów starał się wyrazić w dziełach sztuki? Na jakich zasadach artystycznych się opiera?

Warsztaty kreatywne

1. Zabierz swoich kolegów z klasy na wycieczkę korespondencyjną po Wersalu. Do jego przygotowania możesz wykorzystać materiały wideo z Internetu. Często porównuje się parki w Wersalu i Peterhofie. Jak myślisz, jakie są podstawy do takich porównań?

2. Spróbuj porównać obraz „idealnego miasta” renesansu z klasycznymi zespołami Paryża (St. Petersburg lub jego przedmieścia).

3. Porównaj projekt wystroju (wnętrz) galerii Franciszka I w Fontainebleau i Galerii Lustrzanej w Wersalu.

4. Zapoznaj się z obrazami rosyjskiego artysty A. N. Benois (1870-1960) z cyklu „Wersal. Ścieżka Królewska” (zob. s. 74). Jak oddają ogólną atmosferę życia dworskiego króla Francji Ludwika XIV? Dlaczego można je uznać za wyjątkowe obrazy-symbole?

Tematyka projektów, abstraktów lub przekazów

„Powstanie klasycyzmu w architekturze francuskiej XVII-XVIII wieku”; „Wersal wzorem harmonii i piękna świata”; „Spacer po Wersalu: związek kompozycji pałacu z układem parku”; „Arcydzieła architektury klasycyzmu zachodnioeuropejskiego”; „Imperium Napoleońskie w architekturze Francji”; „Wersal i Peterhof: doświadczenia porównawcze”; „Odkrycia artystyczne w zespołach architektonicznych Paryża”; „Placy Paryża a rozwój zasad prawidłowego planowania miasta”; „Przejrzystość kompozycji i równowaga tomów Katedry Inwalidów w Paryżu”; „Place de la Concorde – nowy etap w rozwoju idei urbanistycznych klasycyzmu”; „Ostra wyrazistość tomów i oszczędny wystrój kościoła św. Genowefy (Panteon) autorstwa J. Soufflota”; „Cechy klasycyzmu w architekturze krajów Europy Zachodniej”; „Wybitni architekci klasycyzmu zachodnioeuropejskiego”.

Książki do dalszego czytania

Arkin D. E. Obrazy architektury i obrazy rzeźby. M., 1990. Kantor A. M. i in. Sztuka XVIII wieku. M., 1977. (Mała historia sztuki).

Klasycyzm i romantyzm: architektura. Rzeźba. Obraz. Rysunek / wyd. R. Tomana. M., 2000.

Kozhina E. F. Sztuka Francji w XVIII wieku. L., 1971.

Lenotre J. Życie codzienne Wersalu pod rządami królów. M., 2003.

Miretskaya N.V., Miretskaya E.V., Shakirova I.P. Kultura oświecenia. M., 1996.

Watkin D. Historia architektury zachodnioeuropejskiej. M., 1999. Fedotova E.D. Styl imperium napoleońskiego. M., 2008.

Historia renesansu rozpoczyna się w Okres ten nazywany jest także renesansem. Renesans przekształcił się w kulturę i stał się prekursorem kultury New Age. A renesans zakończył się w XVI-XVII wieku, ponieważ w każdym stanie ma swoją własną datę rozpoczęcia i zakończenia.

Kilka informacji ogólnych

Przedstawicielami renesansu są Francesco Petrarca i Giovanni Boccaccio. Stali się pierwszymi poetami, którzy zaczęli wyrażać wzniosłe obrazy i myśli szczerym, potocznym językiem. Innowacja ta została przyjęta z hukiem i rozprzestrzeniła się w innych krajach.

Renesans i sztuka

Osobliwością renesansu jest to, że ciało ludzkie stało się głównym źródłem inspiracji i przedmiotem badań artystów tamtych czasów. Zaakcentowano zatem podobieństwo rzeźby i malarstwa do rzeczywistości. Do głównych cech sztuki okresu renesansu zalicza się blask, wyrafinowane użycie pędzla, grę cienia i światła, staranność w procesie pracy i złożone kompozycje. Dla artystów renesansu główne obrazy pochodziły z Biblii i mitów.

Podobieństwo prawdziwej osoby do jej wizerunku na konkretnym płótnie było tak bliskie, że fikcyjna postać wydawała się żywa. Nie można tego powiedzieć o sztuce XX wieku.

Renesans (jego główne nurty zostały pokrótce zarysowane powyżej) postrzegał ciało ludzkie jako nieskończony początek. Naukowcy i artyści regularnie doskonalili swoje umiejętności i wiedzę, badając ciała jednostek. Panował wówczas pogląd, że człowiek został stworzony na podobieństwo i obraz Boga. To stwierdzenie odzwierciedlało fizyczną doskonałość. Głównymi i ważnymi obiektami sztuki renesansu byli bogowie.

Natura i piękno ludzkiego ciała

Sztuka renesansu przywiązywała dużą wagę do natury. Charakterystycznym elementem krajobrazów była urozmaicona i bujna roślinność. Błękitne niebo, przebite promieniami słońca przebijającymi się przez białe chmury, stanowiło wspaniałe tło dla unoszących się na wodzie stworzeń. Sztuka renesansu czciła piękno ludzkiego ciała. Cecha ta przejawiała się w wyrafinowanych elementach mięśni i ciała. Trudne pozy, mimika i gesty, harmonijna i wyraźna paleta kolorów są charakterystyczne dla twórczości rzeźbiarzy i rzeźbiarzy okresu renesansu. Należą do nich Tycjan, Leonardo da Vinci, Rembrandt i inni.

Początek XV wieku przyniósł ogromne zmiany w życiu i kulturze Włoch. Od XII wieku włoscy mieszczanie, kupcy i rzemieślnicy bohatersko walczą z feudalną zależnością. Rozwijając handel i produkcję, mieszczanie stopniowo się bogacili, obalali władzę panów feudalnych i organizowali wolne państwa-miasta. Te wolne włoskie miasta stały się bardzo potężne. Ich obywatele byli dumni ze swoich podbojów. Ogromne bogactwo niezależnych miast włoskich było przyczyną ich tętniącego życiem dobrobytu. Włoska burżuazja patrzyła na świat innymi oczami, mocno wierzyła w siebie, w swoją siłę. Obce było im głoszone do tej pory pragnienie cierpienia, pokory i wyrzeczenia się wszelkich ziemskich radości. Wzrósł szacunek do ziemskiego człowieka, cieszącego się radościami życia. Ludzie zaczęli aktywnie podchodzić do życia, chętnie poznawać świat i zachwycać się jego pięknem. W tym okresie narodziły się różne nauki i rozwinęła się sztuka.

We Włoszech zachowało się wiele zabytków sztuki starożytnego Rzymu, więc epoka starożytna ponownie zaczęła być czczona jako wzór, a sztuka starożytna stała się przedmiotem kultu. Naśladowanie starożytności spowodowało nazwanie tego okresu w sztuce - renesans, co oznacza po francusku "Renesans". Nie było to oczywiście ślepe, dokładne powtórzenie sztuki starożytnej, była to już sztuka nowa, ale oparta na starożytnych przykładach. Włoski renesans dzieli się na 3 etapy: VIII – XIV wiek – Okres przedrenesansowy (protorenesans lub trecento)-czy to.); XV wiek - wczesny renesans (Quattrocento); koniec XV - początek XVI wieku - Wysoki renesans.

W całych Włoszech prowadzono wykopaliska archeologiczne w poszukiwaniu starożytnych zabytków. Nowo odkryte posągi, monety, naczynia i broń zostały starannie zakonserwowane i zgromadzone w specjalnie utworzonych w tym celu muzeach. Artyści czerpali wiedzę z tych przykładów starożytności i malowali je z życia.

Trecento (przedrenesansowy)

Z nazwą wiąże się prawdziwy początek renesansu Giotto di Bondone (1266? - 1337). Uważany jest za twórcę malarstwa renesansowego. Florencki Giotto ma wielkie zasługi dla historii sztuki. Był renowatorem, przodkiem całego malarstwa europejskiego po średniowieczu. Giotto tchnął życie w sceny ewangeliczne, stworzył wizerunki prawdziwych ludzi, uduchowionych, ale ziemskich.

Giotto najpierw tworzy tomy za pomocą światłocienia. Uwielbia czyste, jasne kolory w chłodnych odcieniach: róż, perłową szarość, blady fiolet i jasny liliowy. Ludzie na freskach Giotta są krępi i ciężko chodzą. Mają duże rysy twarzy, szerokie kości policzkowe, wąskie oczy. Jego osoba jest miła, uważna i poważna.

Z dzieł Giotta najlepiej zachowane są freski w świątyniach Padwy. Przedstawił tu historie ewangeliczne jako istniejące, ziemskie, realne. W tych utworach opowiada o problemach, które nurtują człowieka przez cały czas: o dobroci i wzajemnym zrozumieniu, oszustwie i zdradzie, o głębi, smutku, łagodności, pokorze i wiecznej, wszystko trawiącej miłości matczynej.

Zamiast odrębnych, indywidualnych postaci, jak w malarstwie średniowiecznym, Giotto potrafił stworzyć spójną historię, całą narrację o złożonym życiu wewnętrznym bohaterów. Zamiast konwencjonalnego złotego tła mozaik bizantyjskich, Giotto wprowadza tło pejzażowe. A jeśli w malarstwie bizantyjskim postacie zdawały się unosić i wisieć w przestrzeni, to bohaterowie fresków Giotta znaleźli pod stopami solidny grunt. Dążenie Giotta do przekazania przestrzeni, plastyczności figur i ekspresji ruchu uczyniło jego sztukę całym etapem renesansu.

Jeden ze słynnych mistrzów epoki przedrenesansowej –

Simone Martini (1284 - 1344).

Jego obrazy zachowały cechy gotyku północnego: postacie Martiniego są wydłużone i z reguły na złotym tle. Ale Martini tworzy obrazy za pomocą światłocienia, nadaje im naturalny ruch i stara się przekazać pewien stan psychiczny.

Quattrocento (wczesny renesans)

Starożytność odegrała ogromną rolę w kształtowaniu się kultury świeckiej wczesnego renesansu. We Florencji zostaje otwarta Akademia Platońska, Biblioteka Laurentyńska zawiera bogatą kolekcję starożytnych rękopisów. Pojawiły się pierwsze muzea sztuki, wypełnione posągami, fragmentami starożytnej architektury, marmurami, monetami i ceramiką. W okresie renesansu wyłoniły się główne ośrodki życia artystycznego we Włoszech - Florencja, Rzym, Wenecja.

Florencja była jednym z największych ośrodków, kolebką nowej, realistycznej sztuki. W XV wieku mieszkało, studiowało i pracowało tu wielu znanych mistrzów renesansu.

Architektura wczesnorenesansowa

Mieszkańcy Florencji odznaczali się wysoką kulturą artystyczną, aktywnie uczestniczyli w tworzeniu miejskich pomników i dyskutowali o możliwościach budowy pięknych budynków. Architekci porzucili wszystko, co przypominało gotyk. Pod wpływem starożytności budynki zwieńczone kopułą zaczęto uważać za najdoskonalsze. Wzorem był tutaj rzymski Panteon.

Florencja to jedno z najpiękniejszych miast świata, miasto-muzeum. Zachował swoją architekturę ze starożytności w niemal nienaruszonym stanie, a najpiękniejsze budowle powstały głównie w okresie renesansu. Ponad dachami z czerwonej cegły starożytnych budynków Florencji wznosi się ogromny budynek miejskiej katedry. Santa Maria del Fiore, często nazywaną po prostu katedrą florencką. Jego wysokość sięga 107 metrów. Wieńczącą katedrę jest wspaniała kopuła, której smukłość podkreślają białe kamienne żebra. Kopuła jest imponujących rozmiarów (jej średnica wynosi 43 m), zwieńcza całą panoramę miasta. Katedra jest widoczna z niemal każdej ulicy Florencji, wyraźnie zarysowana na tle nieba. Ten wspaniały budynek został zbudowany przez architekta

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Najwspanialszą i najsłynniejszą kopułową budowlą renesansu była Bazylika Świętego Piotra w Rzymie. Budowa trwała ponad 100 lat. Twórcami pierwotnego projektu byli architekci Bramantego i Michała Anioła.

Budynki renesansowe zdobią kolumny, pilastry, głowy lwów i „putty”(nagie dzieci), gipsowe wianki z kwiatów i owoców, liście i wiele detali, których przykłady odnaleziono w ruinach starożytnych rzymskich budowli. Wrócił do mody łuk półkolisty. Bogaci ludzie zaczęli budować piękniejsze i wygodniejsze domy. Zamiast domów ściśle przylegających do siebie, pojawiły się luksusowe pałace - pałace.

Rzeźba wczesnorenesansowa

W XV wieku we Florencji pracowało dwóch znanych rzeźbiarzy - Donatello i Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- jeden z pierwszych rzeźbiarzy we Włoszech, który skorzystał z doświadczeń sztuki starożytnej. Stworzył jedno z najpiękniejszych dzieł wczesnego renesansu – posąg Dawida.

Według legendy biblijnej, prosty pasterz, młody człowiek Dawid, pokonał olbrzyma Goliata i tym samym ocalił mieszkańców Judei przed zniewoleniem, a później został królem. Dawid był jednym z ulubionych obrazów renesansu. Rzeźbiarz przedstawia go nie jako pokornego biblijnego świętego, ale jako młodego bohatera, zwycięzcę, obrońcę rodzinnego miasta. Donatello w swojej rzeźbie gloryfikuje człowieka jako ideał pięknej bohaterskiej osobowości, który powstał w okresie renesansu. Dawid zostaje ukoronowany wieńcem laurowym zwycięzcy. Donatello nie bał się wprowadzić takiego szczegółu jak kapelusz pasterski – znak jego prostego pochodzenia. W średniowieczu Kościół zabraniał przedstawiania nagiego ciała, uznając je za naczynie zła. Donatello był pierwszym mistrzem, który odważnie złamał ten zakaz. Twierdzi w ten sposób, że ciało ludzkie jest piękne. Posąg Dawida jest pierwszą okrągłą rzeźbą tamtej epoki.

Znana jest także inna piękna rzeźba Donatello – posąg wojownika , generał Gattamelaty. Był to pierwszy pomnik jeździecki renesansu. Pomnik ten, stworzony 500 lat temu, nadal stoi na wysokim cokole, zdobiąc plac w Padwie. Po raz pierwszy w rzeźbie uwieczniono nie boga, nie świętego, nie szlachetnego i bogatego człowieka, ale szlachetnego, odważnego i groźnego wojownika o wielkiej duszy, który wielkimi czynami zapracował sobie na sławę. Ubrany w antyczną zbroję Gattemelata (tak brzmi jego przydomek, oznaczający „cętkowanego kota”) siedzi na potężnym koniu w spokojnej, majestatycznej pozie. Rysy twarzy wojownika podkreślają zdecydowany, stanowczy charakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Najsłynniejszy uczeń Donatello, twórca słynnego pomnika konnego kondotiera Colleoni, który został wzniesiony w Wenecji na placu w pobliżu kościoła San Giovanni. Najważniejszą rzeczą, która uderza w pomniku, jest wspólny energiczny ruch konia i jeźdźca. Wydaje się, że koń pędzi poza marmurowy cokół, na którym ustawiony jest pomnik. Colleoni, stojąc w strzemionach, wyciągnięty, z wysoko podniesioną głową, spogląda w dal. Na jego twarzy zamarł grymas złości i napięcia. W jego postawie widać wielką wolę, twarz przypomina drapieżnego ptaka. Obraz jest przepełniony niezniszczalną siłą, energią i surowym autorytetem.

Malarstwo wczesnego renesansu

Renesans odnowił także sztukę malarską. Malarze nauczyli się dokładnie oddawać przestrzeń, światło i cień, naturalne pozy i różne ludzkie uczucia. Czasem akumulacji tej wiedzy i umiejętności był wczesny renesans. Obrazy z tamtych czasów są nasycone jasnym i optymistycznym nastrojem. Tło jest często malowane w jasnych kolorach, a budynki i motywy naturalne są obrysowane ostrymi liniami, dominują czyste kolory. Wszystkie szczegóły wydarzenia są ukazane z naiwną starannością, postacie najczęściej są ułożone w szereg i oddzielone od tła wyraźnymi konturami.

Malarstwo wczesnego renesansu dążyło jedynie do perfekcji, jednak dzięki swojej szczerości porusza duszę widza.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, znany jako Masaccio (1401 - 1428)

Uważany jest za kontynuatora Giotta i pierwszego mistrza malarstwa wczesnego renesansu. Masaccio żył zaledwie 28 lat, ale w ciągu swojego krótkiego życia pozostawił w sztuce ślad trudny do przecenienia. Udało mu się dokończyć rewolucyjne przemiany zapoczątkowane przez Giotta w malarstwie. Jego obrazy wyróżniają się ciemną i głęboką kolorystyką. Ludzie na freskach Masaccio są znacznie gęstsi i potężniejsi niż na obrazach epoki gotyku.

Masaccio jako pierwszy poprawnie rozmieścił przedmioty w przestrzeni, uwzględniając perspektywę; Zaczął przedstawiać ludzi zgodnie z prawami anatomii.

Umiał połączyć postacie i pejzaż w jedną akcję, dramatycznie, a jednocześnie całkiem naturalnie przekazując życie przyrody i ludzi - i to jest wielką zasługą malarza.

Jest to jedno z nielicznych dzieł sztalugowych Masaccio, zamówionych u niego w 1426 roku do kaplicy w kościele Santa Maria del Carmine w Pizie.

Madonna zasiada na tronie zbudowanym ściśle według praw perspektywy Giotta. Jej postać jest pomalowana pewnymi i wyraźnymi pociągnięciami, co stwarza wrażenie rzeźbiarskiej objętości. Jej twarz jest spokojna i smutna, jej oderwany wzrok jest skierowany donikąd. Otulona w ciemnoniebieski płaszcz Matka Boska trzyma w ramionach Dzieciątko, którego złota postać wyraźnie wyróżnia się na ciemnym tle. Głębokie fałdy płaszcza pozwalają artyście bawić się światłocieniem, co jednocześnie tworzy szczególny efekt wizualny. Dziecko zjada czarne winogrona – symbol komunii. Doskonale narysowane anioły (artysta doskonale znał anatomię człowieka) otaczające Madonnę nadają obrazowi dodatkowego wydźwięku emocjonalnego.

Jedyna tablica namalowana przez Masaccio do dwustronnego tryptyku. Po przedwczesnej śmierci malarza resztę dzieła, zamówionego przez papieża Marcina V dla kościoła Santa Maria w Rzymie, ukończył artysta Masolino. Przedstawiono tu dwie surowe, monumentalnie wykonane postacie świętych, całych ubranych na czerwono. Hieronim trzyma otwartą księgę i model bazyliki, a u jego stóp leży lew. Jan Chrzciciel jest przedstawiony w swojej zwykłej postaci: jest bosy i trzyma w dłoni krzyż. Obie postacie zadziwiają anatomiczną precyzją i niemal rzeźbiarskim wyczuciem objętości.

Zainteresowanie człowiekiem i podziw dla jego piękna były w okresie renesansu tak duże, że doprowadziło to do powstania nowego gatunku w malarstwie – gatunku portretu.

Pinturicchio (wersja Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Pochodzi z Perugii we Włoszech. Przez pewien czas malował miniatury i pomagał Pietro Perugino w dekorowaniu freskami Kaplicy Sykstyńskiej w Rzymie. Zdobył doświadczenie w najbardziej złożonej formie dekoracyjnego i monumentalnego malarstwa ściennego. W ciągu kilku lat Pinturicchio stał się niezależnym muralistą. Pracował przy freskach w apartamentach Borgiów w Watykanie. Wykonał malowidła ścienne w bibliotece katedry w Sienie.

Artysta nie tylko oddaje podobieństwo portretowe, ale stara się ukazać wewnętrzny stan człowieka. Przed nami nastolatek, ubrany w formalny różowy miejski strój, z małą niebieską czapeczką na głowie. Brązowe włosy sięgają ramion, otaczając delikatną twarz, uważne spojrzenie brązowych oczu jest zamyślone, trochę niespokojne. Za chłopcem rozciąga się krajobraz Umbrii z cienkimi drzewami, srebrzystą rzeką i różowawym niebem na horyzoncie. Wiosenna czułość natury, będąca echem charakteru bohatera, współgra z poezją i urokiem bohatera.

Wizerunek chłopca podany jest na pierwszym planie, duży i zajmuje niemal całą płaszczyznę obrazu, a pejzaż jest namalowany w tle i bardzo mały. Stwarza to wrażenie ważności człowieka, jego dominacji nad otaczającą przyrodą i utwierdza w przekonaniu, że człowiek jest najpiękniejszym stworzeniem na ziemi.

Oto uroczysty wyjazd kardynała Capraniki na Sobór w Bazylei, który trwał prawie 18 lat, od 1431 do 1449, najpierw w Bazylei, a następnie w Lozannie. W orszaku kardynała znajdował się także młody Piccolomini. Grupa jeźdźców w towarzystwie paziów i służby ujęta jest w elegancką ramę o półkolistym łuku. Wydarzenie nie tyle realne i wiarygodne, ile rycersko wyrafinowane, wręcz fantastyczne. Na pierwszym planie przystojny jeździec na białym koniu, w luksusowej sukni i kapeluszu, odwraca głowę i patrzy na widza – to Eneasz Silvio. Artystka z przyjemnością maluje bogate stroje i piękne konie w aksamitnych kocach. Wydłużone proporcje postaci, lekko manieryczne ruchy, lekkie przechylenie głowy są bliskie dworskiemu ideałowi. Życie papieża Piusa II było pełne jasnych wydarzeń, a Pinturicchio opowiadał o spotkaniach papieża z królem Szkocji, z cesarzem Fryderykiem III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Powstały legendy o życiu Lippiego. Sam był mnichem, ale opuścił klasztor, został wędrownym artystą, porwał zakonnicę z klasztoru i zmarł otruty przez krewnych młodej kobiety, w której zakochał się na starość.

Malował obrazy Madonny z Dzieciątkiem, przepełnione żywymi ludzkimi uczuciami i przeżyciami. Na swoich obrazach ukazywał wiele szczegółów: przedmioty codziennego użytku, otoczenie, dlatego jego tematyka religijna była zbliżona do malarstwa świeckiego.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Malował nie tylko tematy religijne, ale także sceny z życia szlachty florenckiej, jej bogactwa i luksusu oraz portrety ludzi szlacheckich.

Przed nami żona bogatego Florentczyka, przyjaciela artysty. W tej niezbyt pięknej, luksusowo ubranej młodej kobiecie artysta wyraził spokój, chwilę bezruchu i ciszy. Wyraz twarzy kobiety jest zimny, obojętny na wszystko, wydaje się, że przewiduje rychłą śmierć: wkrótce po namalowaniu portretu umrze. Kobieta ukazana jest z profilu, co jest typowe dla wielu portretów z tamtych czasów.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Jedno z najważniejszych nazwisk malarstwa włoskiego XV wieku. Dokonał licznych przemian w sposobach konstruowania perspektywy przestrzeni obrazowej.

Obraz namalowany został na desce topolowej temperą jajeczną – najwyraźniej do tego czasu artysta nie opanował jeszcze tajników malarstwa olejnego, techniki, w jakiej będą malowane jego późniejsze prace.

Artysta uchwycił pojawienie się tajemnicy Trójcy Świętej w chwili Chrztu Chrystusa. Biała gołębica rozpościerająca skrzydła nad głową Chrystusa symbolizuje zstąpienie Ducha Świętego na Zbawiciela. Postacie Chrystusa, Jana Chrzciciela i stojących obok nich aniołów pomalowane są powściągliwą kolorystyką.
Jego freski są uroczyste, wzniosłe i majestatyczne. Francesca wierzyła w wzniosłe przeznaczenie człowieka i w jego dziełach ludzie zawsze dokonują cudów. Stosował subtelne, delikatne przejścia barw. Francesca jako pierwsza malowała w plenerze (w plenerze).

Pojawienie się terminu „renesans” (renesans) datuje się na XVI wiek. Napisał o " renesans„Sztuka Włoch” – pierwszy historiograf sztuki włoskiej, wielki malarz, autor słynnych „Żywotów najsłynniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów” (1550) – Giorgio Vasari.

Koncepcja ta wywodzi się z rozpowszechnionej wówczas koncepcji historycznej, według której średniowiecze charakteryzowało się ciągłym barbarzyństwem i ignorancją, która nastąpiła po upadku wielkiej cywilizacji klasycznej archaicznej.

Jeśli mówimy o okresie średniowiecza jako o czymś prostym w rozwoju kultury, to należy wziąć pod uwagę założenia ówczesnych historyków na temat sztuki. Wierzono, że sztuka, która w starożytności rozkwitała w świecie starożytnym, właśnie w swoich czasach znalazła pierwsze odrodzenie do nowego istnienia.

Wiosna/Sandro Botticelli

W pierwotnym rozumieniu termin „renesans” interpretowano nie tyle jako nazwę całej epoki, ile dokładny czas (zwykle początek XIV wieku) pojawienia się nowej sztuki. Dopiero po pewnym czasie pojęcie to zyskało szerszą interpretację i zaczęło wyznaczać we Włoszech i innych krajach epokę kształtowania się i rozkwitu kultury w opozycji do feudalizmu.

Obecnie średniowiecze nie jest uważane za przełom w historii europejskiej kultury artystycznej. W ubiegłym stuleciu rozpoczęły się dokładne studia nad sztuką średniowiecza, które w ostatnim półwieczu znacznie się nasiliły. Doprowadziło to do jego przewartościowania, a nawet to pokazało sztuka renesansowa wiele zawdzięcza średniowieczu.

Ale nie należy mówić o renesansie jako o trywialnej kontynuacji średniowiecza. Niektórzy współcześni historycy Europy Zachodniej podejmowali próby zatarcia granicy między średniowieczem a renesansem, ale nigdy nie znaleźli potwierdzenia w faktach historycznych. W rzeczywistości analiza zabytków kultury renesansu wskazuje na odrzucenie większości podstawowych przekonań światopoglądu feudalnego.

Alegoria miłości i czasu/Agnola Bronzino

Średniowieczna asceza i wgląd we wszystko, co ziemskie, zostaje zastąpione nienasyconym zainteresowaniem realnym światem, wielkością i pięknem natury oraz oczywiście człowiekiem. Wiara w supermoce ludzkiego umysłu jako najwyższe kryterium prawdy doprowadziła do niepewnej pozycji nietykalnego prymatu teologii nad nauką, tak charakterystycznego dla średniowiecza. Podporządkowanie osobowości ludzkiej władzom kościelnym i feudalnym zostaje zastąpione zasadą swobodnego rozwoju indywidualności.

Członkowie nowo powstałej inteligencji świeckiej zwracali całą uwagę na aspekty ludzkie w przeciwieństwie do boskich i nazywali siebie humanistami (od koncepcji czasów Cycerona „studia hmnanitatis”, czyli badanie wszystkiego, co wiąże się z naturą człowieka i jego duchowością). świat). Termin ten jest odzwierciedleniem nowego podejścia do rzeczywistości, antropocentryzmu kultury renesansu.

W okresie pierwszego bohaterskiego ataku na świat feudalny otworzyła się szeroka gama twórczych impulsów. Ludzie tej epoki porzucili już sieci przeszłości, ale nie znaleźli jeszcze nowych. Wierzyli, że ich możliwości są nieograniczone. Z tego właśnie narodził się optymizm, który jest tak charakterystyczny Kultura renesansu.

Śpiąca Wenus/ Giorgione

Pogodny charakter i niekończąca się wiara w życie zrodziły wiarę w nieskończone możliwości umysłu i możliwość harmonijnego i pozbawionego barier rozwoju osobowości.
Sztuka piękna renesansu pod wieloma względami kontrastuje ze średniowieczną. Europejska kultura artystyczna rozwinęła się w rozwoju realizmu. Pozostawia to ślad zarówno w rozpowszechnianiu obrazów o charakterze świeckim, rozwoju pejzażu i portretu, bliskich gatunkowej interpretacji tematów czasami religijnych, jak i radykalnej odnowie całej organizacji artystycznej.

Sztuka średniowieczna opierała się na idei hierarchicznej struktury wszechświata, której kulminacja znajdowała się poza kręgiem ziemskiej egzystencji, zajmującej jedno z ostatnich miejsc w tej hierarchii. Nastąpiła dewaluacja ziemskich realnych powiązań i zjawisk w czasie z przestrzenią, gdyż głównym zadaniem sztuki było wizualne uosobienie skali wartości kreowanych przez teologię.

W okresie renesansu spekulatywny system artystyczny zanika, a na jego miejsce pojawia się system oparty na wiedzy i obiektywnym obrazie świata jawiącego się człowiekowi. Dlatego jednym z głównych zadań artystów renesansu była kwestia odzwierciedlenia przestrzeni.

W XV wieku zagadnienie to było rozumiane wszędzie, z tą tylko różnicą, że północ Europy (Holandia) ruszyła w stronę obiektywnego konstruowania przestrzeni etapami, poprzez obserwacje empiryczne, a powstanie Włoch już w pierwszej połowie stulecia opierał się na geometrii i optyce.

Dawid/ Donatello

Założenie to, dające możliwość konstruowania trójwymiarowego obrazu na płaszczyźnie zorientowanej na widza, uwzględniając jego punkt widzenia, okazało się zwycięstwem nad koncepcją średniowieczną. Wizualne przedstawienie osoby ujawnia antropocentryczną orientację nowej kultury artystycznej.

Kultura renesansu wyraźnie ukazuje charakterystyczny związek nauki i sztuki. Szczególną rolę przypisywano zasadzie poznawczej, aby rzetelnie przedstawiać świat i ludzi. Oczywiście poszukiwanie wsparcia dla artystów w nauce doprowadziło do pobudzenia rozwoju samej nauki. W okresie renesansu pojawiło się wielu artystów-naukowców, na czele z Leonardem da Vinci.

Nowe podejście do sztuki narzuciło także nowy sposób przedstawiania postaci ludzkiej i przekazywania działań. Dawna średniowieczna koncepcja kanoniczności gestów, mimiki i dopuszczalnej dowolności proporcji nie odpowiadała obiektywnemu spojrzeniu na otaczający nas świat.

W przypadku dzieł renesansu zachowanie człowieka jest nieodłączne, nie podlega rytuałom i kanonom, ale uwarunkowaniom psychologicznym i rozwojowi działań. Artyści starają się przybliżyć proporcje postaci do rzeczywistości. Podchodzą do tego na różne sposoby, więc w północnych krajach Europy dzieje się to empirycznie, a we Włoszech badanie form rzeczywistych odbywa się w połączeniu ze znajomością zabytków starożytności klasycznej (północ Europy jest wprowadzona dopiero później).

Przenikają ideały humanizmu Sztuka renesansu, kreując wizerunek pięknej, harmonijnie rozwiniętej osoby. Sztukę renesansu charakteryzuje tytanizm namiętności, charakterów i bohaterstwa.

Mistrzowie renesansu tworzą obrazy, które ucieleśniają dumną świadomość własnych sił, nieograniczonych możliwości człowieka w dziedzinie kreatywności i prawdziwą wiarę w wolność własnej woli. Wiele dzieł sztuki renesansu jest zgodnych z wyrażeniem słynnego włoskiego humanizmu Pico della Mirandola: „Och, cudowny i wzniosły cel osoby, która ma możliwość osiągnięcia tego, do czego dąży i bycia tym, czego chce”.

Leda i Łabędź/ Leonardo da Vinci

Jeśli o charakterze sztuk pięknych w dużej mierze decydowała chęć wiernego odzwierciedlenia rzeczywistości, to odwołanie do tradycji klasycznej odegrało ważną rolę w kształtowaniu się nowych form architektonicznych. Polegało to nie tylko na odtworzeniu starożytnego układu porządkowego i wyrzeczeniu się układów gotyckich, ale także na klasycznej proporcjonalności, antropocentrycznym charakterze nowej architektury oraz na projektowaniu budynków centrycznych w architekturze świątynnej, gdzie przestrzeń wewnętrzna była łatwo widoczny.

W dziedzinie architektury cywilnej powstało wiele nowych dzieł. I tak w okresie renesansu wielopiętrowe miejskie budynki użyteczności publicznej: ratusze, uniwersytety, domy cechów kupieckich, instytucje oświatowe, magazyny, targi, magazyny otrzymały bardziej eleganckie dekoracje. Pojawia się rodzaj pałacu miejskiego, inaczej palazzo – dom zamożnego mieszczanina, a także rodzaj willi wiejskiej. Tworzą się nowe systemy dekoracji elewacji, opracowywany jest nowy system konstrukcyjny budynku murowanego (zachowany w budownictwie europejskim do XX wieku), łączący podłogi ceglane i drewniane. W nowy sposób rozwiązywane są problemy urbanistyczne, przebudowuje się centra miast.

Nowy styl architektoniczny narodził się dzięki rozwiniętym rzemieślniczym technikom budowlanym przygotowanym przez średniowiecze. Zasadniczo architekci renesansu byli bezpośrednio zaangażowani w projekt budynku, kierując jego realizacją w rzeczywistości. Z reguły posiadali także szereg innych specjalności związanych z architekturą, takich jak: rzeźbiarz, malarz, a czasem także dekorator. Połączenie umiejętności przyczyniło się do wzrostu jakości artystycznej budowli.

Jeśli porównamy to ze średniowieczem, kiedy głównymi odbiorcami dzieł byli wielcy panowie feudalni i kościół, obecnie krąg odbiorców poszerza się wraz ze zmianą składu społecznego. Stowarzyszenia cechowe rzemieślników, cechy kupieckie, a nawet osoby prywatne (szlachta, mieszczanie) wraz z kościołem dość często wydają rozkazy artystom.

Zmienia się także status społeczny artysty. Mimo że artyści poszukują i wchodzą na warsztaty, często otrzymują nagrody i wysokie wyróżnienia, zajmują miejsca w radach miejskich i realizują misje dyplomatyczne.
Następuje ewolucja w podejściu człowieka do sztuk pięknych. Jeśli wcześniej było to na poziomie rzemiosła, teraz dorównuje nauce, a dzieła sztuki po raz pierwszy zaczynają być rozpatrywane jako wynik duchowej działalności twórczej.

Sąd Ostateczny/ Michał Anioł

Pojawienie się nowych technik i form artystycznych zostało spowodowane rosnącym popytem i wzrostem liczby świeckich klientów. Formom monumentalnym towarzyszą formy sztalugowe: malarstwo na płótnie lub drewnie, rzeźba z drewna, majoliki, brązu, terakoty. Stale rosnące zapotrzebowanie na dzieła sztuki doprowadziło do pojawienia się rycin w drewnie i metalu – najtańszej i najbardziej popularnej formy sztuki. Technika ta umożliwiła po raz pierwszy reprodukcję obrazów w dużych ilościach.
Jedną z głównych cech włoskiego renesansu jest powszechne wykorzystanie tradycji starożytnego dziedzictwa, które nie umierają w regionie śródziemnomorskim. Tutaj zainteresowanie starożytnością klasyczną pojawiło się bardzo wcześnie – nawet w twórczości artystów włoskiego protorenesansu od Piccolo i Giovanniego Pisano po Ambrogio Lorszettiego.

Badanie starożytności w XV wieku stało się jednym z kluczowych zadań studiów humanistycznych. Następuje znaczny rozwój informacji o kulturze świata starożytnego. W bibliotekach dawnych klasztorów odnaleziono wiele rękopisów nieznanych wcześniej dzieł autorów starożytnych. Poszukiwania dzieł sztuki umożliwiły odkrycie wielu starożytnych posągów, płaskorzeźb, a z czasem także fresków starożytnego Rzymu. Artyści nieustannie je badali. Przykłady obejmują zachowane wiadomości o podróży Donatello i Brunelleschiego do Rzymu w celu zmierzenia i naszkicowania pomników starożytnej rzymskiej architektury i rzeźby, dzieła Leona Battisty Albertiego, badania Raphaela dotyczące nowo odkrytych płaskorzeźb i malarstwa oraz to, jak młody Michał Anioł kopiował starożytne rzeźby. Sztuka Włoch została wzbogacona (ze względu na ciągłe odwoływanie się do starożytności) o masę nowych, jak na tamte czasy, technik, motywów i form, nadając jednocześnie odrobinę heroicznej idealizacji, której zupełnie nie było w twórczości artystów Europy Północnej.

Była jeszcze jedna główna cecha włoskiego renesansu – jego racjonalizm. Nad stworzeniem naukowych podstaw sztuki pracowało wielu włoskich artystów. W ten sposób w kręgu Brunelleschiego, Masaccio i Donatello ukształtowała się teoria perspektywy linearnej, która została następnie zarysowana w traktacie Leona Battisty Albertiego z 1436 r. „Księga malarstwa”. W rozwoju teorii perspektywy uczestniczyło wielu artystów, zwłaszcza Paolo Uccello i Piero della Francesca, którzy w latach 1484-1487 napisali traktat „O perspektywie obrazowej”. To w nim wreszcie widać próby zastosowania teorii matematycznej do konstrukcji postaci ludzkiej.

Warto także zwrócić uwagę na inne miasta i regiony Włoch, które odegrały znaczącą rolę w rozwoju sztuki: w XIV wieku – Siena, w XV wieku – Umbria, Padwa, Wenecja, Ferrara. W XVI w. zanikła różnorodność lokalnych szkół (wyjątkiem była pierwotna Wenecja) i na pewien czas w Rzymie skoncentrowały się wiodące siły artystyczne kraju.

Różnice w powstawaniu i rozwoju sztuki w poszczególnych regionach Włoch nie zakłócają tworzenia i podporządkowania ogólnego wzorca, który pozwala nakreślić główne etapy rozwoju Włoski renesans. Historia sztuki współczesnej dzieli historię włoskiego renesansu na cztery etapy: Protorenesans (koniec XIII – pierwsza połowa XIV wieku), Wczesny renesans (XV wiek), Wysoki renesans (koniec XV – pierwsze trzy dekady XVI wieku) i późnego renesansu (połowa i druga połowa XVI w.).

Włoski renesans (25:24)

Wspaniały film Władimira Ptaszczenki, wydany w ramach serii Arcydzieła Ermitażu

Architektura włoska wczesnego renesansu (Quattrocento) otworzyła nowy okres w rozwoju architektury europejskiej, porzucając dominującą w Europie sztukę gotycką i ustanawiając nowe zasady oparte na systemie porządkowym.

W tym okresie celowo i świadomie studiowano filozofię starożytną, sztukę i literaturę. W ten sposób na starożytność nałożyły się silne, wielowiekowe tradycje średniowiecza, zwłaszcza sztuka chrześcijańska, dzięki czemu specyficznie złożony charakter kultury renesansu opierał się na transformacji i przenikaniu się tematów pogańskich i chrześcijańskich.

Quattrocento to czas poszukiwań eksperymentalnych, kiedy na pierwszy plan wysuwała się nie intuicja, jak w epoce protorenesansu, ale precyzyjna wiedza naukowa. Teraz sztuka pełniła rolę powszechnej wiedzy o otaczającym świecie, o której napisano wiele traktatów naukowych XV wieku.

Pierwszym teoretykiem architektury i malarstwa był Leon Batista Alberti, który rozwinął teorię perspektywy liniowej opartą na wiernym przedstawieniu głębi przestrzeni w obrazie. Teoria ta stała się podstawą nowych zasad architektury i urbanistyki mających na celu stworzenie miasta idealnego.

Mistrzowie renesansu zaczęli powracać do marzeń Platona o idealnym mieście i idealnym państwie i ucieleśniali te idee, które były już kluczowe dla starożytnej kultury i filozofii - ideę harmonii między człowiekiem a naturą, ideę humanizmu. Zatem nowy obraz idealnego miasta był początkowo rodzajem formuły, planu, śmiałej wypowiedzi na przyszłość.

Teoria i praktyka urbanistyki w okresie renesansu rozwijały się równolegle. Odbudowywano stare budynki, budowano nowe, a jednocześnie pisano traktaty o architekturze, fortyfikacjach i przebudowie miast. Autorzy traktatów (Alberti i Palladio) znacznie wyprzedzili potrzeby praktycznego budownictwa, nie opisując gotowych projektów, ale przedstawiając graficznie przedstawioną koncepcję, ideę miasta idealnego. Dyskutowano także o tym, jak powinno być rozplanowane miasto z punktu widzenia obronności, ekonomii, estetyki i higieny.

Alberti był bowiem pierwszym, który głosił podstawowe zasady idealnego zespołu miejskiego renesansu, opracowanego przez syntezę starożytnego poczucia proporcji i racjonalistycznego podejścia nowej ery. Zatem zasadami estetycznymi urbanistów renesansu były:

• spójność skal architektonicznych budynków głównych i drugorzędnych;
• stosunek wysokości budynku do przestrzeni znajdującej się przed nim (od 1:3 do 1:6);
• brak dysonansowych kontrastów;
• balans kompozycji.

Idealne miasto było przedmiotem wielkiego zainteresowania wielu wielkich mistrzów renesansu. Pomyślał o tym także Leonardo da Vinci, którego ideą było stworzenie dwupoziomowego miasta, gdzie transport towarowy odbywał się po niższym poziomie, a drogi naziemne i piesze znajdowały się na górnym poziomie. Plany Da Vinci obejmowały także odbudowę Florencji i Mediolanu, a także projekt miasta w kształcie wrzeciona.

Pod koniec XVI wieku wielu teoretyków urbanistyki zastanawiała się nad kwestią obiektów obronnych i powierzchni handlowych. Tym samym wieże i mury twierdzy zostały zastąpione ziemnymi bastionami poza granicami miasta, dzięki czemu zarysy miasta zaczęły przypominać wieloramienną gwiazdę.

I chociaż nie zbudowano nigdy ani jednego idealnego miasta z kamienia (nie licząc małych miast ufortyfikowanych), wiele z zasad budowy takiego miasta stało się rzeczywistością już w XVI wieku, kiedy we Włoszech i wielu innych krajach zaczęto wprowadzać proste, szerokie ulice. ułożył, który łączył ważne elementy zespołu miejskiego.