Galina Lewaszewa

Zabawny, niezdarny gnom z krzywymi, krótkimi nogami, stado wesołych, bystrych dzieciaków w pięknym zielonym parku Tuileries w Paryżu; dom zegarowy na udach kurczaka, w którym oczywiście mieszka Baba Jaga; bezradne kurczaki w potłuczonych skorupkach jaj...
To zdjęcia z wystawy. „Obrazy”, które można nie tylko zobaczyć, ale i usłyszeć. Narysował je młody utalentowany architekt Hartmann w ubiegłym wieku, a Modest Musorgski, genialny rosyjski kompozytor, nadał im brzmienie.

Wiktora Hartmana

Victor Hartmann zmarł bardzo młodo. Po jego śmierci w Akademii Sztuk Pięknych zorganizowano wystawę szkiców, szkiców, projektów architektonicznych i planów tego artysty-architekta. Modest Pietrowicz Musorgski zadedykował pamięci Hartmanna swoją suitę fortepianową „Obrazy z wystawy”. Kompozytor przedstawił muzyką nie tylko niektóre dzieła Hartmanna, które szczególnie mu się podobały, ale także siebie – przechodzącego z obrazu na obraz.
Jak on to zrobił? Właśnie tak.

Modest Pietrowicz Musorgski

Kompozytor przed przystąpieniem do „pokazywania” obrazów ułożył krótki wstęp, który nazwał „Spacerem”. Płynna, spokojna muzyka ukazuje spokojny, powolny krok osoby oglądającej wystawę. A jednocześnie wstęp zdaje się ostrzegać, przygotować na to, że usłyszymy teraz coś ciekawego.
Wprowadzenie się skończyło. Zatrzymujemy się przed pierwszym obrazem: „Krasnolud”.
Mały człowieczek, zwinięty, pobiegł trochę i zatrzymał się – na tak krótkich, krzywych nóżkach trudno biec. Próbowałem biec wolniej - znowu nic się nie stało. Poczekał chwilę, odpoczął i pilnie kuśtykał dalej. Spieszy się gdzieś. Gnom podskakuje i potyka się. Znowu zmęczony, szedł wolniej, ale wciąż pilnie i niezgrabnie. Wygląda na to, że jest nawet na siebie zły. Pobiegł jeszcze raz i – stop! Muzyka ucichła. Biedak musiał upaść.
Wszystko to można usłyszeć w muzyce „Gnome”. Szybka „brzęcząca”, krótka fraza muzyczna. Potem jedna długa, przeciągnięta nuta – stop. Znów ta sama „chwiejna” fraza, tyle że grana nieco wolniej i ciszej – uzyskuje się wrażenie niepewności. Teraz zaczęły brzmieć oddzielne, nagłe nuty, muzyka zaczęła się podskakiwać, nuty nie szły gładko, obok siebie, ale skokami na dużą odległość - niezgrabnie, dziwnie. Tak widzimy tego leśnego człowieka.
Słuchasz, jak frazy muzyczne przeplatają się jedna za drugą, różnią się charakterem, siłą, głośnością dźwięku i to tak, jakbyś szedł z krasnalem całą jego trudną ścieżkę przez leśne kępy, ale w gęstym lesie częściej, pomiędzy splątanymi omszałe korzenie...
Znów „spacer”. Ta sama muzyka co we wstępie, tylko nie w całości, ale mały jej fragment, dla przypomnienia. Muzyka została zmieniona, ale tylko nieznacznie - łatwo ją rozpoznać.
Kompozytor idzie dalej i daje nam odpocząć, aby przygotować się do następnego obrazu: „ stary zamek„. W tej muzyce wszystko jest inne. Jest cicho, powoli. Fortepian brzmi dziwnie, jakby jakiś instrument zabytkowy. Może lutnia?..
Jeśli „Gnome” od razu ożył na naszych oczach, to tutaj na pierwszy rzut oka muzyka zdaje się czekać. Brzmi jak intro do piosenki. A my wraz z muzyką czekamy na to, co się wydarzy.
Wypłynęła niezwykle piękna melodia, przemyślana i natchniona. Nie wiemy, jakie były pieśni trubadurów, ale ta cicha, nocna pieśń pod murami starego zamku jest pełna iście rycerskiej szlachetności i drżenia wzruszeń.
Zabrzmiała cudowna melodia. Przeciągające się, „topiące” dźwięki zanikają. Cisza nocna. Stary zamek.
„Walk” tym razem brzmi żywiej, bardziej energetycznie, choć nadal jest gładko i ogólnie spokojnie.
Czeka na nas nowy obraz.
„Tuileries” to nazwa jednego z paryskich ogrodów. Nawet jeśli nie znamy treści zdjęcia Hartmanna, od razu możemy się domyślić, że jest to fajna zabawa – może tag lub palniki. To prawda. Artysta przedstawił dzieci bawiące się w ogrodzie Tuileries. A muzyka jest taka zabawna, trochę gorączkowa i bardzo „dziecinna”.
Pomiędzy „Tuileries” a kolejnym obrazem nie ma „Promenady”. Oczywiście kompozytorowi zależało na jak najdobitniejszym i najmocniejszym podkreśleniu ogromnej różnicy pomiędzy dwoma stojącymi obok siebie obrazami, na wzmocnieniu już uderzającego kontrastu pomiędzy wesołymi, wystrojonymi dziećmi bawiącymi się w paryskim ogrodzie a...
„Bydło” to po polsku „bydło”. Zmęczone, głodne, chude woły powoli ciągną załadowany wózek; wóz kołysze się i skrzypi, woły ciężko chodzą. A obok niego jest mężczyzna. Tak samo zmęczony, chudy, wymizerowany. Pędzi woły smutnym „e-geyem” i śpiewa monotonną, prostą piosenkę. Wszystko jest bardzo proste i bardzo przerażające: dla właścicieli ziemskich sam człowiek jest tym samym „bydłem” co jego woły. Ale Musorgski nie byłby „wielkim śpiewakiem żałoby ludu”, gdyby w muzyce ukazywał jedynie tę pozbawioną radości rezygnację z trudnego losu.
Słuchać muzyki. W tym ukryta moc i ukryty, tępy gniew. Muzyka rośnie, rozszerza się, brzmi głośniej, bardziej natarczywie. Potem znów się poddaje i milknie. Ale teraz nie damy się już zwieść jej pozornej pokorze – widzieliśmy już potężną siłę i gniew człowieka błąkającego się za swoimi wołami.
Zarówno Musorgski, jak i Hartmann wierzyli w tę moc.
Dlaczego „Walk” brzmiał tak przejrzyście, tak żywo? Przyjaciel wpada dziwnie i nieoczekiwanie na haj piosenka przewodnia i kończy się dwoma dziarskimi krótkimi trylami. Kompozytor odwraca naszą uwagę od ciężkich i smutnych myśli. Więcej do następnego zdjęcia. Nazywa się „Balet niewysiedzianych piskląt”.
Och, jakie one są zabawne! Jak zabawnie potrząsają swoimi małymi, mokrymi skrzydełkami, przestępują z jednej nogi na drugą i cicho piszczą swoimi cienkimi głosikami.
Stąd się biorą te krótkie, szybkie tryle w „Walku”! Prawie cała muzyka tutaj jest nimi wypełniona. Brzmią cały czas – ostro i jak drżące strumienie. Stopniowo, jeszcze nie w pełni wyklute pisklęta uczą się skakać i machać skrzydłami.
Kompozytor prowadzi nas od obrazu do obrazu i sam spaceruje z nami po wystawie.
Dochodzimy do obrazu przedstawiającego niesamowity zegar i słyszymy, jak właścicielka tego domu, Baba Jaga, biegnie w moździerzu z gwizdkiem i grzmotem!..
Wreszcie w ostatni raz Tematem przewodnim jest „Wędrówka”. Tylko że teraz to muzyka innego, ostatnie zdjęcie- „Brama Bogatyra w Kijowie”.
Ciężkie filary zdają się zapadać w ziemię ze starości, a na nich spoczywa elegancki łuk zwieńczony ogromnym rzeźbionym kokosznikiem. Tak wygląda brama na rysunku Hartmanna.
Musorgski, który już wielokrotnie zmieniał i urozmaicał „The Walk”, okazuje się, że nie tylko nie wyczerpał wszystkich możliwości tej muzyki, ale wręcz zdawał się celowo ukrywać przed nami jej prawdziwe piękno.
A więc to jest spokojny, spokojny „spacer”! Ma majestatyczną pewność siebie i heroiczną moc. To właśnie wtedy w pełni ujawnia się nam jej prawdziwie rosyjski charakter, którego do tej pory mogliśmy się tylko domyślać. Przypomina starożytne melodie epickie i jednocześnie uroczysty hymn.
Brama rosyjskich bohaterów. Pomnik wielkości i chwały narodu rosyjskiego!.. Jak pięknie fortepian oddaje uroczyste bicie dzwonów i jak wspaniale kompozytor wykorzystał tę cechę fortepianu.
Znajomy, cudownie zmieniony temat „The Walk” brzmi coraz uroczyściej, coraz jaśniej, bardziej majestatycznie. Jak dobrze jest ją rozpoznać w potężnych akordach finału!
Modest Pietrowicz Musorgski zawsze taki był. O czymkolwiek pisał, jakie obrazy malowała jego muzyka, najjaśniej i najbłyskotliwiej było, gdy pisał o Rosji, o jej narodzie.

Każdy spektakl z „Obrazów z wystawy” ma swoją nazwę, jej rosyjską wersję:

Nr 1. Gnom.
Nr 2. Stary zamek.
Nr 3. Ogród Tuileries. Dzieci kłócą się po meczu.
Nr 4. Bydło.
Nr 5. Balet niewyklutych piskląt.
Nr 6. Dwóch Żydów, bogaty i biedny.
Nr 7. Limoges. Rynek. Wielkie wieści.
Nr 8. Katakumby. Grób rzymski.
Nr 9. Chata na udach kurczaka (Baba Jaga).
Nr 10. Brama Bogatyra.

Spektakle-„obrazy” łączy tematyczny przerywnik „Spacer”.

Zdjęcia z wystawy- jeden z najlepsze arcydzieła w rosyjskiej muzyce fortepianowej (1874). W formie jest to suita złożona z dziesięciu części, z których każda odzwierciedla treść jednego z obrazów artysty Wiktora Aleksandrowicza Hartmanna.

Victor Hartmann szczególnie wyraźnie pokazał się nie tyle jako artysta, co utalentowany architekt, który wykształcił swój własny styl w architekturze zwany „stylem rosyjskim”.

Dla Modesta Pietrowicza Musorgskiego był on bardzo bliskim przyjacielem, dlatego nagła śmierć Hartmanna w młodym wieku (zaledwie 39 lat!) dosłownie wstrząsnęła kompozytorem.

Rok po tym tragicznym wydarzeniu, za namową Stasowa, zorganizowano wystawę malarstwa Victora Hartmanna poświęconą jego pamięci. Jednakże najlepszy pomnik Artysta otrzymał cykl fortepianowy napisany przez swojego przyjaciela.

Pomysł na jego stworzenie przyszedł Musorgskiemu podczas zwiedzania wystawy i w ciągu trzech tygodni cykl był gotowy! Niektórych obrazów trudno nawet nazwać obrazami. Są to raczej szkice, szkice, czasem po prostu kontury kostiumów teatralnych.

Tylko dwa obrazy mają motyw rosyjski, reszta rysunków jest „obca”. Cały cykl składa się z dziesięciu spektakli (obrazów), które łączy jeden motyw przewodni zatytułowany „Spacer”.

To sam Musorgski, który przechadza się po sali wystawowej i od czasu do czasu zatrzymuje się przed innym interesującym go obrazem (kliknij na zdjęcia, aby je powiększyć). Tutaj są:

Zdjęcie nr 1 Krasnal.

Ryc. nr 2 „Stary Zamek” – nie zachował się wizerunek starego średniowiecznego zamku.

Zdjęcie nr 3 „Ogród Tuileries” - to zdjęcie przedstawiało ogród w Pałacu Tuileries (Paryż). Pogoda piękna, nianie spacerują z dziećmi. Obraz również nie zachował się.

Zdjęcie nr 4 „Bydło” („bydło sandomierskie” w rozumieniu samego Musorgskiego). Obraz przedstawiał polski wóz zaprzężony w woły, w muzyce wyraźnie słychać efekt zbliżania się i oddalania od tego ogromnego wozu o skrzypiących kołach. Obraz również nie zachował się.

Rysunek nr 5 „Balet niewyklutych piskląt”. W zasadzie jest to nie tyle obraz, co szkic kostiumy baletowe do tańca piskląt kanarków (forma trzyczęściowa).

Rysunek nr 6 „Dwaj Żydzi: bogaty i biedny”. Dla Hartmanna te postacie nie istniały na jednym obrazie. Były dwa obrazy: „Bogaty Żyd w futrzanej czapce”:

i „Biedny Żyd”: Obaj Żydzi są polskiego pochodzenia (Żydzi sandomierscy). U Musorgskiego odbywają rozmowę, podczas której każdy odkrywa swój charakter.

Zdjęcie nr 7 „Rynek w Limoges” (Francja): hałas targowy, gwar, plotki, gwar. Obraz również nie zachował się.

Zdjęcie nr 8 „Katakumby. Grób rzymski” lub „Z umarłymi w martwym języku”. NA pierwszoplanowy Hartmann wcielił się w siebie. Po prawej ledwo widać słabo oświetlone czaszki.

Zdjęcie nr 9 „Chata na udkach kurczaka” (Baba Jaga). Hartmann ma jedynie szkic zegara. Musorgski ma wizerunek „złych duchów”.

Zdjęcie nr 10 „Brama Bogatyra. W stolicy Kijowie.” Obraz przedstawia projekt Bramy Kijowskiej. Bramy tej nigdy nie zbudowano, lecz planowano ją wybudować po nieudanym zamachu na cesarza Aleksandra II i jego cudownej ucieczce. Sztuka Musorgskiego brzmi jak triumf prawosławia, bardzo realistycznie przedstawiając świąteczne bicie dzwonu.

Osobiście zetknąłem się z „Obrazami” w wieku dziesięciu lat: moja mama kupiła płytę z grą Światosława Richtera. Wrażenie było tak żywe, że przez wiele lat dosłownie marzyłem, aby chociaż raz rzucić okiem na obrazy, które zainspirowały Musorgskiego do stworzenia tego cudu.

Dziś, dzięki Internetowi, stało się to realne. Jednak to, co zobaczyłem, bardzo mnie rozczarowało: muzyka Musorgskiego pod względem wartości artystycznej wielokrotnie przewyższa oryginalne źródło!

Na wystawie sprzedawano także obrazy. Oczywiście zostały sprzedane po wystawie, więc w domenie publicznej pozostało tylko 6 obrazów. Można je zobaczyć na moim blogu. To oczywiście tylko reprodukcje, i to nawet w formie elektronicznej, ale i tak lepsze to niż nic.

Bardzo ciekawe są losy tego cyklu fortepianowego. Po pierwsze, nie ukazał się on za życia autora i w związku z tym nie został wykonany ani razu za życia kompozytora.

Po drugie, utwór ten zasłynął dzięki aranżacji orkiestrowej Kompozytor francuski Maurice’a Ravela nagranie tego układu ukazało się pół wieku po śmierci Musorgskiego.

Cykl został jednak napisany specjalnie na fortepian! Nie wiem jak nikomu, ale mi osobiście ta opcja podoba się najbardziej. Co więcej, nigdy nie myślałem, że występ Richtera może kiedykolwiek zająć dla mnie drugie miejsce, nie mogłem sobie wyobrazić wykonawcy, który mógłby „przewyższyć” samego Światosława Richtera w tym arcydziele!

Ale dzisiaj jestem dosłownie urzeczona interpretacją Michaiła Pletnewa. Uważam, że jest najlepszy i dlatego umieściłam go na swoim blogu.

Zapraszam do zapoznania się z tą „perłą” rosyjskiego dziedzictwa fortepianowego, i to w absolutnie cudownej wersji:

Gatunek muzyczny: suita na fortepian.

Rok powstania: Czerwiec 1874.

Pierwsza edycja: 1886, poprawione przez N. A. Rimskiego-Korsakowa.

Przeznaczony do: V.V. Stasov.

Historia powstania i publikacji

Powodem powstania „Obrazów z wystawy” była wystawa malarstwa i rysunku słynnego rosyjskiego artysty i architekta Wiktora Hartmanna (1834 - 1873), zorganizowana w Akademii Sztuk Pięknych z inicjatywy V. V. Stasova w związku z nagłą śmiercią artysty. Na tej wystawie sprzedawano obrazy Hartmanna. Z dzieł artysty, na których napisano „Obrazy” Musorgskiego, do naszych czasów przetrwało tylko sześć.

Wiktor Aleksandrowicz Hartman (1834 - 1873) był wybitnym rosyjskim architektem i artystą. Ukończył kurs na Akademii Sztuk Pięknych, po ukończeniu studiów praktycznych z zakresu budownictwa, głównie pod okiem wuja P. Gemiliena, spędził kilka lat za granicą, wszędzie szkicując zabytki architektury, utrwalając je ołówkiem i akwarelami typy ludowe i sceny z życia ulicznego. Zaproszony wówczas do udziału w organizacji Ogólnorosyjskiej wystawy manufaktury 1870 w Petersburgu wykonał około 600 rysunków, według których zbudowano różne pawilony wystawowe. Rysunki te świadczą o niewyczerpanej wyobraźni, subtelnym smaku i dużej oryginalności artysty. Za tę pracę w 1872 roku zasłużył na tytuł akademika. Następnie stworzył kilka projektów architektonicznych (brama przeznaczona do budowy w Kijowie na pamiątkę wydarzeń z 4 kwietnia 1866 r. Teatr Ludowy w Petersburgu i in.), wykonał rysunki scenografii i kostiumów do opery M. Glinki „Rusłan i Ludmiła”, brał udział w organizacji Wystawy Politechniki Moskiewskiej w 1872 r. Według jego projektów zbudowano dom dla drukarni Mamontowa i spółki, dworek dla Mamontowa i kilka domów prywatnych.

Musorgski, który dobrze znał artystę, był zszokowany jego śmiercią. Do W. Stasowa (2 sierpnia 1873 r.) pisał: „My, głupcy, zwykle w takich przypadkach pocieszają mądrzy: „on” nie istnieje, ale to, czego udało mu się dokonać, istnieje i będzie istnieć; i mówią, ilu ludzi ma taki szczęśliwy los - nie do zapomnienia. Znowu bila (z chrzanem zamiast łez) od ludzkiej dumy. Do diabła z twoją mądrością! Jeśli „on” nie żył na próżno, ale Utworzony, więc jakim trzeba być łajdakiem, żeby pogodzić się z przyjemnością „pocieszenia” z faktem, że „on” przestał tworzyć. Nie ma i nie może być pokoju, nie ma i nie powinno być pocieszenia – to jest zwiotczałe”.

Kilka lat później, w 1887 r., kiedy podjęto próbę wydania drugiego wydania „Obrazów z wystawy” (pierwszemu, pod redakcją N. A. Rimskiego-Korsakowa, zarzucano odejście od zamysłu autora; przytoczmy niektóre te odstępstwa w naszych komentarzach), V. Stasov napisał we wstępie: ...żywe, pełne wdzięku szkice malarza gatunkowego, wiele scen, typów, postaci z życia codziennego, uchwyconych w sferze tego, co pędziło i wirowało wokół niego - na na ulicach i w kościołach, w paryskich katakumbach i polskich klasztorach, w rzymskich zaułkach i wioskach Limoges, karnawałowe typy à la Gavarni, robotnicy w bluzach i księża na osiołku z parasolką pod pachą, modlące się francuskie starsze kobiety, uśmiechnięci Żydzi spod jarmułki, paryscy zbieracze szmat, urocze osiołki ocierające się o drzewo, krajobrazy z malowniczymi ruinami, cudowne odległości z panoramą miasta…”

Musorgski pracował nad „Obrazami” z niezwykłym zapałem. W jednym ze swoich listów (również do V. Stasova) napisał: „Hartmann się gotuje, tak jak Borys się gotował - w powietrzu wiszą dźwięki i myśli, przełykam i objadam się, ledwo mam czas drapać po papierze (.. .). Chcę to zrobić szybciej i bardziej niezawodnie. W przerywnikach widać moją twarz... Dobra robota.” Podczas gdy Musorgski pracował nad tym cyklem, dzieło to nazywano „Hartmannem”; tytuł „Obrazy z wystawy” pojawił się później.

Wielu współczesnych uznało autorską wersję fortepianową „Obrazów” za utwór niefortepianowy, niewygodny do wykonania. Jest w tym trochę prawdy.W „Słowniku encyklopedycznym” Brockhausa i Efrona czytamy: „Wskażmy kilka szkice muzyczne zatytułowany „Obrazy z wystawy”, napisany na fortepian w 1874 roku, w formie ilustracji muzycznych do akwareli W. A. ​​Hartmanna”. To nie przypadek, że istnieje wiele orkiestracji tego dzieła. Najsłynniejsza jest orkiestracja M. Ravela z 1922 roku, która właśnie w tej orkiestracji „Obrazy z wystawy” zyskała uznanie na Zachodzie. Co więcej, nawet wśród pianistów nie ma jednomyślności: niektórzy wykonują utwór w wersji autorskiej, inni, zwłaszcza V. Horowitz, dokonują jego transkrypcji. W naszym zbiorze „Obrazy z wystawy” prezentowane są w dwóch wersjach – oryginalnej wersji na fortepian (S. Richter) oraz w orkiestracji M. Ravela, co daje możliwość ich porównania.

Historie i muzyka

Obrazy z wystawy to zestaw dziesięciu sztuk, z których każda inspirowana jest jednym z tematów Hartmanna. Musorgski „wymyślił” absolutnie cudowny sposób połączenia swoich muzycznych obrazów w jedną artystyczną całość: wykorzystał w tym celu materiał muzyczny wstępu, a ponieważ ludzie zwykle chodzą po wystawie, nazwał to wprowadzenie „Spacerem”.

Zapraszamy zatem na wystawę...

Chodzić

Wprowadzenie to nie stanowi głównej – merytorycznej – części wystawy, lecz stanowi istotny element całej kompozycji muzycznej. Po raz pierwszy zaprezentowano w całości materiał muzyczny tego wstępu; w przyszłości motyw „Walk”. różne opcje- czasem spokojny, czasem bardziej podekscytowany - służy jako przerywnik między przedstawieniami, co wspaniale wyraża stan psychiczny widz na wystawie, przechodząc od jednego obrazu do drugiego. Jednocześnie Musorgski osiąga poczucie jedności całego dzieła przy maksymalnym kontraście musical- i wyraźnie to czujemy wizualny także (obrazy W. Hartmanna) – treść sztuk. O swoim odkryciu sposobu łączenia sztuk Musorgski stwierdził (w cytowanym powyżej liście do W. Stasowa): „połączenia są dobre (na «promenadzie» [tak to jest po francusku – chodzić]) (...) W przerywnikach widać moją twarz.”

Uwagę od razu przykuwa kolor „The Walk” – wyraźnie wyczuwalny rosyjski charakter. Kompozytor daje wskazówki w swojej uwadze: Nelmodarosyjski[wł. - w stylu rosyjskim]. Jednak sama ta uwaga nie wystarczyłaby, aby wywołać takie wrażenie. Musorgski osiąga to na kilka sposobów: po pierwsze, poprzez tryby muzyczne: „Promenada”, przynajmniej na początku, pisana jest w tzw. trybie pentatonicznym, czyli przy użyciu jedynie pięciu dźwięków (stąd określenie, które opiera się słowo „penta”), wówczas jest „pięć”) – dźwięki tworzące tzw półton. Pozostałe i te użyte w temacie są oddzielone od siebie cały ton. Dźwięki wykluczone w tym przypadku to la I Mieszkanie E. Ponadto przy zarysowaniu postaci kompozytor wykorzystuje wszystkie dźwięki gamy. Już sama skala pentatoniczna nadaje muzyce wyraźnie ludowy charakter (tu nie sposób wdawać się w wyjaśnianie przyczyn tego uczucia, ale one istnieją i są powszechnie znane). Po drugie, struktura rytmiczna: początkowo zmagają się metry nieparzyste (5/4) i metry parzyste (6/4) (czy naprzemiennie?), druga połowa utworu toczy się już w całości w tym metrum parzystym. Ta pozorna niejasność struktury rytmicznej, a raczej brak w niej prostopadłości, jest także jedną z cech struktury rosyjskiej muzyki ludowej.

Musorgski opatrzył to dzieło dość szczegółowymi notatkami dotyczącymi charakteru wykonania – tempa, nastroju itp. Używał w tym celu, jak to jest w muzyce zwyczajowo, języka włoskiego. Kierunki pierwszego „Spaceru” są następujące: AllegroGiusto,Nelmodarosyjski,Senzaalergia,mamapocosostenuto. W publikacjach zawierających tłumaczenia podobnych włoskich uwag można spotkać następujące tłumaczenie: „Wkrótce, po rosyjsku, bez pośpiechu, nieco powściągliwie”. Ten zestaw słów nie ma większego sensu. Jak grać: „wkrótce”, „bez pośpiechu” czy „z pewnym powściągliwością”? Faktem jest, że po pierwsze w takim tłumaczeniu ważne słowo zostało pozostawione bez uwagi Giusto, co dosłownie oznacza „poprawnie”, „proporcjonalnie”, „dokładnie”, a w interpretacji „tempo odpowiednie do charakteru spektaklu”. O charakterze tej sztuki decyduje pierwsze słowo instrukcji scenicznej – Allegro, i w tym przypadku należy to rozumieć w znaczeniu „wesoło” (a nie „szybko”). Potem wszystko się układa i cała uwaga zostaje przetłumaczona: grajcie „wesoło, w odpowiednim do tego tempie, w duchu rosyjskim, spokojnie, nieco powściągliwie”. Pewnie każdy się zgodzi, że taki stan ducha towarzyszy nam zazwyczaj wchodząc na wystawę po raz pierwszy. Inną sprawą są nasze odczucia wynikające z nowych wrażeń z tego, co widzieliśmy...

W niektórych przypadkach okazuje się, że motywem „Spaceru” jest spoiwo dla spektakli sąsiednich (dzieje się tak w przypadku przejścia z nr 1 „Krasnal” do nr 2 „Stary Zamek” lub z nr 2 do nr 3 „Ogród Tuileries”; cykl ten łatwo jest kontynuować w miarę postępu prac, te przejścia, dosłownie i w przenośni, niewątpliwie rozpoznawalne), w innych – wręcz przeciwnie – ostro działowy(w takim przypadku „Spacer” wyznaczany jest jako mniej lub bardziej samodzielny odcinek, jak np. pomiędzy nr 6 „Dwóch Żydów, bogaty i biedny” a nr 7 „Limoges. Rynek”). Za każdym razem, w zależności od kontekstu, w jakim pojawia się motyw „Spaceru”, Musorgski uważa go za wyjątkowy środki wyrazu: czasem motyw jest bliski wersji pierwotnej, jak słyszymy po nr 1 (w spacerze po wystawie nie zaszliśmy daleko), czasem nie brzmi to już tak umiarkowanie, a nawet ciężko (po „Starym Zamku ”; uwaga w uwagach: pesant[od Musorgskiego - pesamento- rodzaj hybrydy francuskiego i włoskiego] -Włochy. twardy).

M. Musorgski konstruuje cały cykl w taki sposób, że całkowicie unika jakiejkolwiek nuty symetrii i przewidywalności. To charakteryzuje także interpretację materiału muzycznego „The Walk”: słuchacz (czyli widz) albo pozostaje pod wrażeniem tego, co usłyszał (= zobaczył), albo wręcz przeciwnie, zdaje się otrząsać z myśli i wrażeń obraz, który widział. I nigdzie nie powtarza się dokładnie ten sam nastrój. A wszystko to w ramach jedności materiału tematycznego „Spacery”! Musorgski jawi się w tym cyklu jako niezwykle subtelny psycholog.

Rysunek Hartmanna przedstawiał dekorację choinkową: dziadki do orzechów w kształcie małego krasnala. Dla Musorgskiego sztuka ta sprawia wrażenie czegoś bardziej złowrogiego niż tylko dekoracja choinki: analogia z Nibelungami (rasą krasnoludków żyjącą głęboko w górskich jaskiniach - postaciami z „Pierścienia Nibelunga” R. Wagnera) nie wydawać się takie absurdalne. W każdym razie krasnolud Musorgskiego jest bardziej zaciekły niż krasnoludy Liszta czy Griega. W muzyce występują ostre kontrasty: fortissimo[wł. – bardzo głośno] zastępuje się fortepianem [wł. - cicho], skoczne (w wykonaniu S. Richtera - szybkie) frazy przeplatają się z przystankami ruchu, melodie zgodne kontrastują z epizodami ułożonymi w akordy. Jeśli nie znacie autorskiego tytułu tego utworu, to w niezwykle pomysłowej orkiestracji M. Ravela przypomina on bardziej portret baśniowego olbrzyma (a nie krasnala), a w każdym razie nie jest muzycznym wcieleniem Obraz ozdoby świąteczne(jak u Hartmanna).

Wiadomo było, że Hartmann podróżował po Europie i przedstawiono jeden z jego rysunków stary Zamek. Aby oddać skalę, artysta przedstawił w tle śpiewaka – trubadura z lutnią. Tak wyjaśnia ten rysunek W. Stasow (rysunek ten nie znajduje się w katalogu wystawy pośmiertnej artysty). Z obrazu nie wynika, że ​​trubadur śpiewa pieśń pełną smutku i beznadziei. Ale taki właśnie nastrój oddaje muzyka Musorgskiego.

Kompozycja spektaklu jest niesamowita: wszystkie 107 taktów jest zbudowanych na nim jeden niezmienione dźwięk basowy – G-ostre! Ta technika w muzyce nazywana jest punktem organowym i jest używana dość często; z reguły poprzedza początek repryzy, czyli tej części utworu, w której po pewnym rozwoju powraca pierwotny materiał muzyczny. Trudno jednak znaleźć inny utwór z klasycznego repertuaru muzycznego, w którym Wszystko praca od początku do końca zostałby zbudowany na stacji organowej. I nie jest to tylko eksperyment techniczny Musorgskiego – kompozytor stworzył prawdziwe arcydzieło. Technika ta doskonale sprawdza się w grze z tą fabułą, czyli w muzycznym ucieleśnieniu wizerunku średniowiecznego trubadurów: instrumenty, na których akompaniowali sobie ówcześni muzycy, posiadały strunę basową (jeśli mówimy o O instrument smyczkowy, na przykład fidele) lub piszczałkę (jeśli chodzi o instrument dęty - na przykład dudy), która wydawała tylko jeden dźwięk - gruby, głęboki bas. Jego brzmienie przez długi czas tworzyło nastrój pewnego rodzaju zamrożenia. Właśnie tę beznadziejność – beznadziejność błagania trubadurów – Musorgski malował dźwiękami.

Aby wrażenia artystyczne i emocjonalne były żywe, prawa psychologii wymagają kontrastu. I ta sztuka wprowadza ten kontrast. Ogród Tuileries, a dokładniej Ogród Tuileries (swoją drogą, właśnie o to chodzi wersja francuska imiona) to miejsce w centrum Paryża. Rozciąga się na około kilometr od Place de la Carousel do Place de la Concorde. Ogród ten (teraz należałoby go raczej nazwać ogrodem publicznym) jest ulubionym miejscem spacerów paryżan z dziećmi. Obraz Hartmanna przedstawiał ten ogród z wieloma dziećmi i nianiami. Ogród Tuileries, zdobyty przez Hartmanna-Mussorgskiego, jest mniej więcej tym samym, co Newski Prospekt zdobyty przez Gogola: „O godzinie dwunastej nauczyciele wszystkich narodów napadają na Newski Prospekt ze swoimi zwierzętami w cambricowych kołnierzach. Angielscy Jonesowie i Francuskie Koguty chodzą ramię w ramię ze zwierzakami powierzonymi ich rodzicielskiej opiece i z należytą powagą tłumaczą im, że tabliczki nad sklepami są zrobione po to, aby za ich pośrednictwem można było się dowiedzieć, co się w samych sklepach znajduje. Guwernantki, blade panny i różowe Słowianki idą majestatycznie za swoimi lekkimi, zwinnymi dziewczętami, każąc im podnieść ramiona nieco wyżej i wyprostować się; krótko mówiąc, w tym momencie Newski Prospekt jest pedagogicznym Newskim Prospektem.”

Spektakl ten bardzo trafnie oddaje nastrój tamtej pory dnia, kiedy w tym ogrodzie przebywały dzieci i, co ciekawe, „niepokój” (dziewczyn) dostrzeżony przez Gogola znalazł odzwierciedlenie w uwadze Musorgskiego: capriccioso (po włosku - kapryśnie).

Warto zauważyć, że sztuka ta napisana jest w formie trzyczęściowej i, jak można się spodziewać w takiej formie, część środkowa stanowi pewien kontrast z częściami skrajnymi. Świadomość tego na ogół prostego faktu jest istotna nie sama w sobie, ale dla wniosków, jakie z niego płyną: porównanie wersji fortepianowej (w wykonaniu S. Richtera) z wersją orkiestrową (instrumentacja M. Ravela) sugeruje, że Richter, który ten kontrast raczej wygładza niż podkreśla; uczestnikami sceny są same dzieci, być może chłopcy (ich zbiorowy portret narysowany jest w skrajnych partiach) i dziewczynki (część środkowa, bardziej pełna wdzięku rytmicznego i melodycznego). Jeśli chodzi o wersję orkiestrową, w środkowej części utworu pojawia się w głowie obraz niani, czyli osoby dorosłej, która stara się delikatnie załagodzić kłótnię dzieci (nawołując intonacje smyczków).

W. Stasow, prezentując publiczności „Obrazy” i objaśniając fragmenty tej suity, wyjaśnił, że bydło to polski wóz na ogromnych kołach, ciągnięty przez woły. Nudną monotonię pracy wołów oddaje ostinato, czyli niezmiennie powtarzający się, elementarny rytm – cztery równe uderzenia na uderzenie. I tak przez całą zabawę. Same akordy umieszczone są w dolnym rejestrze i brzmią fortissimo(Włoski - bardzo głośno). Tak jest w oryginalnym rękopisie Musorgskiego; w wydaniu Rimskiego-Korsakowa - fortepian. Na tle akordów rozbrzmiewa żałobna melodia, przedstawiająca kierowcę. Ruch jest dość powolny i ciężki. Notka autora: czasmoderato,pesant(Włoski - cały czas umiarkowanie, ciężko). Niezmiennie monotonny dźwięk niesie ze sobą beznadziejność. A woły to tylko „figura alegoryczna” - my, słuchacze, wyraźnie odczuwamy niszczycielski wpływ na duszę każdej nudnej, wyczerpującej, bezsensownej (syzyfowej) pracy.

Kierowca odjeżdża na swoich wołach: dźwięk cichnie (aż do ppp), akordy ładują się, „wysychają” do interwałów (czyli dwóch jednocześnie brzmiących dźwięków), a ostatecznie do jednego dźwięku - takiego samego jak na początku utworu; ruch również zwalnia - dwa (zamiast czterech) uderzeń na uderzenie. Nota autora tutaj – perdendos(Włoski - zamrażanie).

Uwaga! Trzy sztuki – „Stary Zamek”, „Ogród Tuileries”, „Bydło” – stanowią mały tryptyk w ramach całej suity. W skrajnych partiach ogólna tonacja jest gis-moll; w środkowej części - kierunek równoległy(B-dur). Co więcej, tonacje te, będąc w swej naturze powiązane, wyrażają dzięki wyobraźni i talentowi kompozytora biegunowe stany emocjonalne: rozpacz i beznadzieja w skrajnych częściach (w sferze ciszy i w sferze głośnego dźwięku) oraz wzburzone podekscytowanie. w środkowej części.

Przechodzimy do kolejnego obrazu... (Temat „Spacerowanie” brzmi spokojnie).

Tytuł widnieje na autografie ołówkiem M. Musorgskiego.

Znowu kontrast: woły zastępują pisklęta. Inne wszystko: zamiast moderato,pesant – życieleggiero(Włoski - żywy i łatwy), zamiast masywnych akordów fortissimo w dolnym rejestrze - figlarne przednutki (małe nuty, jakby klikały wraz z głównymi akordami) w górnym rejestrze na fortepian(cichy). Wszystko to ma dać wyobrażenie o małych, zwinnych stworzeniach, które w dodatku jeszcze się nie wykluły. Trzeba oddać hołd pomysłowości Hartmanna, któremu udało się znaleźć formę nie wysiedziany pisklęta; ten jego rysunek, przedstawiający szkic kostiumów dla bohaterów baletu G. Gerbera „Trilby” wystawionego przez Petipę w Teatr Bolszoj w 1871 r.)

I znowu maksymalny kontrast z poprzednią zabawą.

Wiadomo, że Hartmann za życia podarował kompozytorowi dwa swoje rysunki, wykonane podczas pobytu artysty w Polsce – „Żyd w futrzanej czapce” i „Biedny Żyd. Sandomierza.” Stasow wspominał: „Musorgski bardzo podziwiał wyrazistość tych obrazów”. Zatem sztuka ta, ściśle rzecz biorąc, nie jest obrazem „z wystawy” (ale raczej z osobistej kolekcji Musorgskiego). Ale oczywiście ta okoliczność w żaden sposób nie wpływa na nasze postrzeganie muzycznej treści „Obrazów”. Musorgski balansuje w tej sztuce niemal na granicy karykatury. I tutaj ta jego umiejętność - oddania samej istoty charakteru - objawiła się niezwykle wyraźnie, wręcz bardziej widoczna niż w najlepszych kreacjach główni artyści(Wędrowcy). Współcześni twierdzą, że potrafił przedstawić wszystko za pomocą dźwięków.

Musorgski przyczynił się do rozwoju jednego z najstarszych tematów w sztuce i literaturze, a także w życiu, który otrzymał różne projekty: albo w formie fabuły „szczęśliwych i pechowych”, albo „grubych i chudych”, albo „ książę i żebrak”, czyli „kuchnia grubych i kuchnia chudych”.

Aby scharakteryzować brzmienie bogatego Żyda, Musorgski używa rejestru barytonowego, a melodia brzmi w podwojeniu oktawowym. Smak narodowy uzyskuje się za pomocą specjalnej skali. Uwagi do tego obrazu: Andante.Gróbenergico(Włoski - spokojnie; ważne, energiczne). Mowa bohatera przekazywana jest za pomocą wskazań różnych artykulacji (te instrukcje są niezwykle ważne dla wykonawcy). Dźwięk jest głośny. Wszystko sprawia wrażenie imponowania: maksymy bogaty nie toleruj sprzeciwu.

Biedny Żyd przedstawiony jest w drugiej części spektaklu. Zachowuje się dosłownie jak Porfiry (Czechowa cienki) swoimi „hee-hee-s” (jak cudownie to przymilanie oddaje szybko powtarzająca się nuta z „przypiętymi” przednutkami), gdy nagle uświadamia sobie, jakich „wysokości”, jak się okazuje, jego dawny przyjaciel z gimnazjum osiągnęło. W trzeciej części spektaklu obaj obrazy muzyczne połącz - monologi bohaterów zamieniają się tutaj w dialog, a może, ściślej, są to te same monologi wymawiane w tym samym czasie: każdy twierdzi swoje. Nagle oboje milkną, nagle uświadamiając sobie, że się nie słuchamy (ogólna pauza). A więc, ostatnie zdanie słaby: motyw pełen melancholii i beznadziei (uwaga: kondolora[wł. – z tęsknotą; niestety]) - i odpowiedź bogaty: głośny ( fortissimo), zdecydowanie i kategorycznie.

Spektakl wywołuje przejmujące, a może nawet przygnębiające wrażenie, jak zawsze, gdy mamy do czynienia z rażącą niesprawiedliwością społeczną.

Dotarliśmy do środka cyklu – nie tyle pod względem arytmetycznym (w sensie liczby już wykonanych i pozostałych liczb), ile pod względem wrażenia artystycznego, jakie wywiera na nas to dzieło jako całość. I Musorgski, doskonale zdając sobie z tego sprawę, pozwala słuchaczowi na dłuższy odpoczynek: tutaj „Spacer” słychać niemal dokładnie w tej wersji, w jakiej zabrzmiał na początku utworu (ostatni dźwięk jest przedłużony o jeden „dodatkowy” takt: a rodzaj teatralnego gestu - podniesiony palec wskazujący: „Stanie się coś innego!”).

Autograf zawiera uwagę (w języku francuskim, później przekreśloną przez Musorgskiego): „Ważna wiadomość: pan Pimpan z Ponta Pontaleon właśnie znalazł swoją krowę: Uciekająca. „Tak, proszę pani, to było wczoraj. - Nie, proszę pani, to było wczoraj. No tak, proszę pani, obok błąkała się krowa. - No nie, proszę pani, krowa wcale nie wędrowała. Itp."".

Fabuła spektaklu jest komicznie prosta. Rzut oka na nuty mimowolnie sugeruje, że Hartmann-Mussorgsky postrzegał „Francuzów” w tym cyklu – ogród Tuileries i rynek w Limoges – w tej samej tonacji emocjonalnej. Czytania wykonawców na różne sposoby podkreślają te sztuki. Spektakl przedstawiający „kobiety z bazaru” i ich kłótnię brzmi bardziej energetycznie niż kłótnia dziecka. Jednocześnie należy zauważyć, że wykonawcy, chcąc wzmocnić efekt i zaostrzyć kontrasty, w pewnym sensie ignorują wskazówki kompozytora: zarówno w S. Richterze, jak i w wykonaniu Państwowej Orkiestry pod dyrekcją E. Swietłanowa , tempo jest w istocie bardzo szybkie Presto. Stwarza to wrażenie szybkiego ruchu gdzieś. Musorgski jest przepisywany Allegretto. Maluje dźwiękami tętniąca życiem scena dzieje się dalej jeden miejsce otoczone „ruchami Browna” tłumami, co można zaobserwować na każdym zatłoczonym i ruchliwym rynku. Słyszymy strumień szybkiej mowy, gwałtowny wzrost dźwięczności ( crescendi), ostre akcenty ( sforzandi). Pod koniec wykonania tego utworu ruch jeszcze bardziej przyspiesza, a na szczycie tego wiru „wpadamy” w…

...Jak tu nie pamiętać tekstów A. Majkowa!

Ex tenebris lux

Przed tą liczbą w autografie znajduje się uwaga Musorgskiego w języku rosyjskim: „Uwaga: tekst łaciński: ze zmarłymi w martwym języku. Byłoby miło mieć tekst łaciński: twórczy duch zmarłego Hartmanna prowadzi mnie do czaszek, woła do nich, czaszki cicho się przechwalały.”

Rysunek Hartmanna jest jednym z niewielu zachowanych, z których Musorgski napisał swoje „Obrazy”. Przedstawia samego artystę wraz ze swoim towarzyszem i towarzyszącą im osobą, oświetlającą drogę latarnią. Dookoła znajdują się półki z czaszkami.

W. Stasow tak opisał tę sztukę w liście do N. Rimskiego-Korsakowa: „W tej samej drugiej części [„Obrazy z wystawy”. – JESTEM.] jest kilka wersów niezwykle poetyckich. To jest muzyka do obrazu Hartmanna „Katakumby Paryża”, w całości składającego się z czaszek. U Musorjanina (jak czule Stasow nazywał Musorgskiego. - JESTEM.) najpierw przedstawiony jest ponury loch (z długimi, rozciągniętymi akordami, często orkiestrowymi, z dużymi fermatami). Następnie temat pierwszego promenady odgrywany jest w tremolando w tonacji molowej – zapalają się światła w czaszkach i nagle słychać magiczne, poetyckie wezwanie Hartmanna do Musorgskiego”.

Rysunek Hartmanna przedstawiał zegar w kształcie chaty Baby Jagi na udkach kurczaka, Musorgski dodał w moździerzu pociąg Baby Jagi.

Jeśli potraktujemy „Obrazy z wystawy” nie tylko jako odrębne dzieło, ale w kontekście całej twórczości Musorgskiego, wówczas zobaczymy, że w jego muzyce siły destrukcyjne i twórcze istnieją nierozerwalnie, choć w każdym momencie jedna z nich przeważa. Zatem w tej zabawie odnajdziemy połączenie z jednej strony złowieszczych, mistycznych kolorów czerni, z drugiej jasnych. A intonacje są tutaj dwojakiego rodzaju: z jednej strony złośliwie bujające, przerażające, przeszywająco ostre, z drugiej strony wesołe, radośnie zachęcające. Jedna grupa intonacji zdaje się przygnębiać, druga wręcz przeciwnie, inspiruje i aktywizuje. Wizerunek Baby Jagi wg wierzenia ludowe, skupia się na wszystkim co okrutne, niszczące dobre motywy, utrudniające realizację dobrych, dobrych uczynków. Jednak kompozytor, pokazując Babę Jagę od tej strony (uwaga na początku spektaklu: dziki[wł. - gwałtownie]), przeniósł historię na inny poziom, przeciwstawiając ideę zniszczenia ideę wzrostu i zwycięstwa dobre początki. Pod koniec utworu muzyka staje się coraz bardziej impulsywna, radosne dzwonienie wzmaga się, a w końcu z głębi ciemnych rejestrów fortepianu wydobywa się ogromny fala dźwiękowa, ostatecznie rozwiewając wszelkie ponure impulsy i bezinteresownie przygotowując nadejście najbardziej zwycięskiego, najbardziej radosnego obrazu cyklu - hymnu „Bramy Bogatyra”.

Spektakl ten otwiera serię obrazów i dzieł przedstawiających wszelkiego rodzaju diabelstwo, złe duchy i obsesje - „Noc na Łysej Górze” samego M. Musorgskiego, „Baba Jaga” i „Kikimora” A. Lyadova, Leshy w „The Snow Maiden” N. Rimskiego-Korsakowa, „Obsesja” S. Prokofiewa…

Powodem napisania tej sztuki był szkic Hartmanna przedstawiający bramy miejskie w Kijowie, które miały być zainstalowane dla upamiętnienia faktu, że cesarzowi Aleksandrowi II udało się uniknąć śmierci podczas zamachu na niego 4 kwietnia 1866 roku.

Tradycja takich końcowych scen świątecznych w rosyjskich operach znalazła żywy wyraz w muzyce M. Musorgskiego. Spektakl odbierany jest właśnie jako tego rodzaju operowy finał. Można nawet wskazać konkretny pierwowzór – refren „Chwała”, który kończy „Życie dla cara” („Iwan Susanin”) M. Glinki. Ostatnim elementem cyklu Musorgskiego jest intonacja, dynamika, fakturalne zwieńczenie całego dzieła. Sam kompozytor określił charakter muzyki słowami: Maestoso.KonGrandezza(Włoski - uroczyście, majestatycznie). Temat utworu to nic innego jak radosna wersja melodii „The Walk”. Całość utworu kończy się odświętnym i radosnym dźwiękiem, któremu towarzyszy potężne bicie dzwonów. Musorgski położył podwaliny pod tradycję podobnych bicia dzwonów, odtwarzanych nie za pomocą dzwonków – I Koncert fortepianowy b-moll P. Czajkowskiego, II koncert fortepianowy, c-moll S. Rachmaninowa, jego pierwsze Preludium c-moll na fortepian...

„Obrazy z wystawy” M. Musorgskiego to dzieło całkowicie nowatorskie. Wszystko jest w nim nowe – język muzyczny, forma, techniki rejestracji dźwięku. Cudowny jako kawałek fortepian repertuar (choć przez długi czas uważany był przez pianistów za „niepianistyczny” – znowu ze względu na nowatorstwo wielu technik, np. tremolo w 2. połowie spektaklu „Z umarłymi w martwym języku”) , ukazuje się w całej okazałości w aranżacjach orkiestrowych. Jest ich całkiem sporo, poza tym wykonanym przez M. Ravela, a wśród nich najczęściej wykonywaną jest S. P. Gorczakowa (1954). Wykonano transkrypcje „Pictures”. różne instrumenty oraz dla różnych kompozycji wykonawców. Do najwspanialszych należy transkrypcja organów dokonana przez wybitnego francuskiego organistę Jeana Guillou. Poszczególne utwory tej suity są powszechnie znane także poza kontekstem tej twórczości M. Musorgskiego. Zatem temat z „Bramy Bogatyra” służy jako sygnał wywoławczy stacji radiowej „Głos Rosji”.

© Alexander MAYKAPAR

POSEŁ. Musorgski „Obrazy z wystawy”

Nie sposób wyobrazić sobie twórczości fortepianowej Modesta Musorgskiego bez słynnego cyklu „Obrazy z wystawy”. Odważne, prawdziwie nowatorskie rozwiązania muzyczne kompozytor zastosował w r ten esej. Żywe, satyryczne obrazy i teatralność to cechy charakteryzujące tę serię. Posłuchaj utworów, przekonaj się Interesujące fakty i historię stworzenia, a także przeczytaj adnotacje muzyczne do każdego numeru w tym artykule.

Historia stworzenia

Modest Musorgski był z natury osobą sympatyczną, dlatego ludzie go przyciągali i próbowali nawiązać z nim przyjazne stosunki. Jednym z najlepszych przyjaciół kompozytora był utalentowany artysta i architekt Victor Hartmann. Spędzali dużo czasu na rozmowach i często się spotykali, dyskutując o sztuce. Śmierć tak zamkniętej osoby przeraziła muzyka. Po tragicznym wydarzeniu Musorgskiego Przypomniałem sobie, że na ostatnim spotkaniu nie zwróciłem uwagi na fatalny stan zdrowia architekta. Myślał, że takie ataki w oddychaniu są konsekwencją aktywności aktywność nerwowa, co jest tak charakterystyczne dla ludzi kreatywnych.

Rok po śmierci Hartmanna na polecenie Stasowa zorganizowano ogromną wystawę, na której znalazły się prace utalentowanego mistrza, od akwareli po oleje. Oczywiście nie mogło zabraknąć Modesta Pietrowicza wydarzenie. Wystawa zakończyła się sukcesem. Grafika wywarło na kompozytorze duże wrażenie, dlatego od razu przystąpił do komponowania cyklu utworów. Wiosną 1874 roku pisarz ograniczył się do improwizacji, ale latem wszystkie miniatury były gotowe już w trzy tygodnie.

Interesujące fakty

• Modest Musorgski napisał ten cykl utworów na fortepian, powstała najbardziej udana orkiestracja znany kompozytor Maurycego Ravela. Dobór barw w pełni odpowiada obrazom. Prawykonanie wersji orkiestrowej odbyło się jesienią 1922 roku w Paryżu. Po pierwszym przedstawieniu zapomniane „Obrazy z wystawy” odzyskały popularność. Zrealizowanie cyklu chciało wielu światowej sławy dyrygentów.
• Cykl za życia autora nie został opublikowany. Pierwsza publikacja miała miejsce dopiero pięć lat po jego śmierci.
• Istnieje 19 orkiestracji tej suity.
• Krasnal Hartmanna to dziadek do orzechów z krzywymi nogami.
• Na wystawie zaprezentowano około czterystu różnych eksponatów. Jego zdaniem Musorgski wybrał tylko kilka z najbardziej uderzających obrazów.
• Niestety próbki rysunków, z których namalowano miniatury, zaginęły.
• Mimo że inspiracją była twórczość Hartmanna, cykl poświęcony był Stasowowi, który udzielił ogromnej pomocy i pomocy w realizacji planów Musorgskiego.
• Redaktorzy pierwszego wydanego drukiem zbioru należą do geniuszy Rimski-Korsakow. Jednocześnie jako pedagog konserwatorium kompozytor starał się korygować wszelkiego rodzaju „błędy” autora. Tym samym dzieła wiele straciły, straciły innowacyjność. Mimo to nakład wyprzedał się dość szybko. Drugie wydanie odbyło się pod przewodnictwem Stasowa, który nie zmienił niczego w rękopisach. Popularność tego wydania nie spełniła oczekiwań krytyków, pianiści uważali, że są one zbyt trudne do wykonania.

„Obrazy z wystawy” to wyjątkowa suita utkana z miniatur fortepianowych. Autorka sprawia, że ​​słuchacz może poczuć się jak gość na wystawie Hartmanna. Obrazy zmieniają się jeden po drugim, spajając cały cykl „Spaceru”. Mimo że suita ma program, muzyka maluje dość swobodne obrazy i wątki, powiązane materiałem muzycznym pierwszego numeru. Zmienia się w zależności od stosunku autora do tego, co widzi. W ten sposób można prześledzić całościową formę dzieła i stale się ono rozwija. Przemiana liczb odbywa się zgodnie z zasadą kontrastu.

Chodzić. Pierwsza liczba wydaje się rysować kroki. Melodia przypomina język rosyjski Piosenka ludowa, nie tylko przez zmienny metr, ale także przez własną szerokość i głębokość. Bohater wszedł salon wystawowy. Powoli się zbliża, dźwięczność wzrasta, prowadząc do kulminacji. W listach do Stasowa można przeczytać, że autor przedstawia siebie przeglądającego różne eksponaty. Światło, czystość i przestronność to wrażenia, jakie daje muzyka. Jak wspomniano wcześniej, temat spaceru będzie przenikał apartament od początku do końca, ciągle się zmieniając. Jedyne, co pozostanie niezmienione, to ludowy styl i majestat.

„Spacer” (słuchaj)

Krasnolud. Zabawny i zarazem wzruszający numer. Fantastyczna, nieco absurdalna istota, którą charakteryzują ciągłe skoki i kanciastości w melodii, a także potrafi odczuwać świat. Żałosne intonacje pokazują, że krasnal jest smutny. Ten obraz psychologiczny ukazuje wszechstronność obrazu. Rozwój wizerunku jest szybki. Po osiągnięciu kulminacji kompozytor ponownie powraca do tematu „Spaceru”, znacznie skróconego w porównaniu z wersją pierwszą, łączącego te dwie liczby.

stary zamek. Zbliża się bohater liryczny następny kawałek sztuka rysunek akwarelowy, napisany we Włoszech. Co widzi: stary średniowieczny zamek, przed którym śpiewa zakochany trubadur. Z ust płynie smutna melodia młody muzyk. Zamyślenie, wzruszenie i smutek przenikają muzyczny numer. Ciągle powtarzający się bas pozwala na odtworzenie muzyki średniowiecza, tematyka jest zróżnicowana, przypominając śpiew na żywo. Środkowa część wypełniona jest światłem, które ponownie ustępuje ciemnym odcieniom. Wszystko stopniowo się uspokaja, dopiero ostatnie zdanie w fortissimo burzy ciszę. Krótki spacer do kolejnego obrazka pozwala na modulację w tonację kolejnego numeru w tonacji H-dur.

„Stary Zamek” (posłuchaj)

Ogród Tuileries. Luksusowy ogród w pobliżu Pałacu Tuileries w Paryżu jest pełen światła i radości. Małe dzieci bawią się i cieszą życiem w towarzystwie niań. Rytm jest w pełni spójny z dziecięcymi zagadkami i wyliczankami. Praca ma charakter polifoniczny, realizowane są jednocześnie dwa tematy, jeden z nich to wizerunek dzieci, drugi – niani.

Bydło. Utwór rozpoczyna się ostrym fortissimo, stanowi to mocny kontrast. Ciężki wózek się porusza. Metrum dwutaktowe podkreśla prostotę i szorstkość melodii. Słychać skrzypienie kół ciężkich wozów, muczenie wołów i ponurą pieśń chłopa. Stopniowo muzyka cichnie, wózek odjechał daleko, daleko. Pojawia się temat pierwszego numeru, ale brzmi on w tonacji molowej. To oddaje nastrój lirycznego bohatera, jest on pogrążony we własnych myślach.

Balet niewysiedzianych piskląt. Bohater nie od razu zwrócił uwagę na kolejny eksponat. Żywe szkice do baletu „Trilby”. Lekkie i pogodne scherzo zapisane w trzyczęściowej formie da capo. To jest taniec małych kanarków. Komedia i naiwność dosłownie przenikają liczbę.

„Balet nie wyklutych piskląt” (posłuchaj)

Samuel Goldberg i Shmuile, czyli Dwóch Żydów – bogaty i biedny. Modest Pietrowicz Musorgski szczególnie podziwiał dwa obrazy na wystawie. Przejawiła się w tym ekspresja figuratywna numer muzyczny. Specjalny smak tworzony jest przy użyciu cygańskiej kolorystyki. Temat drugi wypełniony jest żałosnymi intonacjami. W przyszłości tematy będą ze sobą powiązane i brzmią razem. W tej historii biedny Żyd prosi bogatego mężczyznę o pomoc, ale on się nie zgadza. Ostatnie słowo należy do bogacza. Liczba ta charakteryzuje się politonalnością.

„Dwaj Żydzi – bogaty i biedny” (posłuchaj)

Pierwszą część cyklu kończy spacer, który niemal w całości powtarza materiał muzyczny z pierwszego numeru.

Limoges. W małym miasteczku we Francji na rynku zebrały się najgłośniejsze plotki. Szum rozmów nie milknie ani na sekundę. Wszędzie panuje gwar i zabawa. Jeden z najweselszych i najweselszych numerów w pakiecie. Ale wzrok lirycznego bohatera pada na inny obraz, muzyka cichnie i zaczyna się kolejny numer.

Katakumby. Wszystko wydaje się zamrożone, w tej pracy dominuje beznadzieja i ból. Tonacja h-moll zawsze była symbolem tragicznego losu. Intonacja skargi oddaje grozę tego, co zobaczył. Niestabilność tonalna decyduje o dramatycznym charakterze numeru apartamentu. Kompozytor zdaje się chcieć oddać nieodwracalne poczucie straty, jakie pojawiło się po śmierci utalentowany artysta Hartmanna. Brzmi kontynuacja tego numeru „Z umarłymi w martwym języku”. Tematem przewodnim jest spacer, który brzmi powolnie i tragicznie. Uczucie smutku wyrażają dysonansowe harmonie. Tremolo w wysokich rejestrach tworzy atmosferę napięcia. Stopniowo następuje modulacja na major, co oznacza, że ​​dana osoba zaakceptowała przygotowany dla niej los.

Cykl fortepianowy M.P. „Obrazy z wystawy” Musorgskiego – oryginalne, niespotykane kompozycja muzyczna, który znajduje się w repertuarze najsłynniejszych pianistów na całym świecie.

Historia powstania cyklu

W 1873 roku nagle zmarł artysta V. Hartmann. Miał zaledwie 39 lat, śmierć zastała go w kwiecie wieku i talentu, a dla Musorgskiego, który był przyjacielem i osobą podobnie myślącą artysty, był to prawdziwy szok. „Co za horror, co za smutek! – pisał do W. Stasowa. „Ten przeciętny głupiec bez rozumu kosi śmierć…”

Powiedzmy kilka słów o artyście V.A. Hartmanna, ponieważ Bez opowieści o nim historia cyklu fortepianowego M. Musorgskiego nie byłaby kompletna.

Wiktor Aleksandrowicz Hartman (1834-1873)

VA Hartmanna

VA Hartmann urodził się w Petersburgu w rodzinie francuskiego lekarza sztabowego. Wcześnie został osierocony i wychowywał się w rodzinie ciotki, której mężem był znany architekt– A.P. Gemilian.

Hartmann z sukcesem ukończył Akademię Sztuk Pięknych i pracował w różne rodzaje i gatunki sztuki: był architektem, scenografem (zajmował się projektowaniem spektakli), artystą i zdobywcą, jednym z twórców pseudorosyjskiego stylu w architekturze. Styl pseudorosyjski to ruch w języku rosyjskim architekturę XIX wieku- początek XX wieku, oparty na tradycjach starożytnej architektury rosyjskiej i Sztuka ludowa, a także elementy architektury bizantyjskiej.

Wzrost zainteresowania kulturą ludową, w szczególności architekturą chłopską XVI-XVII w. Do najsłynniejszych budowli w stylu pseudorosyjskim należała drukarnia Mamontowa w Moskwie, stworzona przez W. Hartmanna.

Budynek dawnej drukarni Mamontowa. Współczesna fotografia

To właśnie pragnienie rosyjskiej tożsamości w jego twórczości zbliżyło Hartmanna do uczestników” Potężna gromada", w tym Musorgskiego. Hartmann starał się wprowadzić Rosjan do swoich projektów motywy ludowe, który był wspierany przez V.V. Stasova. To właśnie w jego domu Musorgski i Hartmann spotkali się w 1870 roku, zostając przyjaciółmi i ludźmi o podobnych poglądach.

Wracając z twórczej podróży do Europy, Hartmann rozpoczął projektowanie Ogólnorosyjskiej Wystawy Przemysłu w Petersburgu i za tę pracę otrzymał w 1870 roku tytuł naukowca.

Wystawa

W 1874 r. z inicjatywy Stasowa zorganizowano pośmiertną wystawę twórczości W. Hartmanna. Prezentowano na nim obrazy olejne, szkice, akwarele, szkice scenografii i kostiumów teatralnych oraz projekty architektoniczne. Na wystawie nie zabrakło także wyrobów wykonanych przez Hartmanna własnymi rękami: zegar w kształcie chatki, szczypce do rozłupywania orzechów itp.

Litografia na podstawie szkicu Hartmanna

Musorgski odwiedził wystawę i zrobiła na nim ogromne wrażenie. Powstał pomysł napisania programowej suity fortepianowej, której treścią byłyby dzieła artysty.

Oczywiście tak potężny talent jak Musorgski interpretuje eksponaty na swój własny sposób. Na przykład szkic Hartmanna do baletu „Trilby” przedstawia maleńkie pisklęta w muszlach. Dla Musorgskiego ten szkic zamienia się w „Balet nie wyklutych piskląt”. Zegar chatowy zainspirował kompozytora do stworzenia muzycznego przedstawienia lotu Baby Jagi itp.

Cykl fortepianowy M. Musorgskiego „Obrazy z wystawy”

Cykl powstał bardzo szybko: w trzy tygodnie lata 1874 roku. Utwór dedykowany jest W. Stasowowi.

W tym samym roku „Obrazy” otrzymały autorski podtytuł „Wspomnienia Victora Hartmanna” i zostały przygotowane do publikacji, ale ukazały się dopiero w 1876 roku, po śmierci Musorgskiego. Jednak zanim to oryginalne dzieło weszło do repertuaru pianistów, minęło jeszcze kilka lat.

Charakterystyczne jest, że w spektaklu „Spacer”, łączącym poszczególne utwory cyklu, kompozytor wyobrażał sobie siebie spacerującego po wystawie i przechodzącego od obrazu do obrazu. W cyklu tym Musorgski stworzył portret psychologiczny, przenikający w głąb swoich bohaterów, co oczywiście nie miało miejsca w prostych szkicach Hartmanna.

Zatem „spacer”. Ale sztuka ta nieustannie się zmienia, ukazując zmianę nastroju autora, zmienia się także jej tonacja, co jest swego rodzaju przygotowaniem do kolejnej sztuki. Czasami melodia „Walking” brzmi ciężko, co wskazuje na chód autora.

"Krasnolud"

Utwór ten napisany jest w tonacji es-moll. Jego podstawą jest szkic Hartmanna z przedstawionym na nim dziadkiem do orzechów w postaci krasnala na krzywych nogach. Najpierw gnom się zakrada, a potem biega z miejsca na miejsce i zamarza. Środkowa część spektaklu ukazuje myśli bohatera (lub jego odpoczynek), po czym on, jakby czegoś przestraszony, ponownie rozpoczyna bieg z przystankami. Punkt kulminacyjny – linia chromatyczna i odejście.

„Stary zamek”

Tonacja jest gis-moll. Spektakl oparty jest na akwareli Hartmanna, powstałej podczas studiów architektonicznych we Włoszech. Rysunek przedstawiał starożytny zamek, na tle którego narysowano trubadura z lutnią. Musorgski stworzył piękną, zapadającą w pamięć melodię.

« Ogród Tuileries. Dzieci kłócą się po zabawie»

Kluczem jest H-dur. Intonacje, tempo muzyki, jej główny tryb rysują się codzienna scena dziecięce zabawy i kłótnie.

„Bydło” (w tłumaczeniu z polskiego „bydło”)

Spektakl przedstawia polski wóz na dużych kołach, ciągnięty przez woły. Ciężki krok tych zwierząt oddaje monotonny rytm i szorstkie uderzenia klawiszy dolnego rejestru. Jednocześnie rozbrzmiewa smutna chłopska pieśń.

„Balet niewysiedzianych piskląt”

To jedna z najpopularniejszych sztuk cyklu. Powstał w tonacji F-dur według szkiców Hartmanna do kostiumów do baletu J. Gerbera „Trilby” wystawionego przez Petipę w Teatrze Bolszoj (1871). W odcinku baletu, jak napisał W. Stasow, „grupa małych uczniów i wychowanków szkoły teatralnej, przebrana za kanarki, energicznie biegała po scenie. Inne włożono do jajek, jak do zbroi.” W sumie Hartmann stworzył 17 projektów kostiumów do baletu, z czego 4 przetrwały do ​​dziś.

V. Hartmanna. Projekt kostiumów do baletu „Trilby”

Temat spektaklu nie jest poważny, melodia humorystyczna, jednak stworzona w klasycznej formie, zyskuje dodatkowy efekt komiczny.

„Samuel Goldenberg i Szmuile”, w wersji rosyjskiej „Dwóch Żydów, bogaty i biedny”

Spektakl powstał na podstawie dwóch jego rysunków podarowanych Musorgskiemu przez Hartmanna: „Żyd w futrzanym kapeluszu. Sandomierz” i „Sandomierz [Żyd]”, powstałe w 1868 roku w Polsce. Według wspomnień Stasowa „Musorgski bardzo podziwiał wyrazistość tych obrazów”. Rysunki te posłużyły jako prototypy spektaklu. Kompozytor nie tylko połączył dwa portrety w jeden, ale także sprawił, że postacie te rozmawiały ze sobą, ujawniając swoje charaktery. Mowa pierwszego brzmi pewnie, z intonacją rozkazującą i moralizującą. Mowa biednego Żyda kontrastuje z pierwszą: w górnych nutach z grzechoczącym odcieniem (foreshlags), z intonacją żałosną i błagalną. Następnie oba tematy grane są jednocześnie w dwóch różnych tonacjach (d-moll i b-moll). Utwór kończy się kilkoma głośnymi nutami oktawowymi, sugerującymi, że ostatnie słowo należało do bogacza.

„Limoges. Rynek . Wielkie wieści"

Nie zachował się rysunek Hartmanna, ale melodia utworu Es-dur oddaje hałaśliwy gwar rynku, na którym można się wszystkiego dowiedzieć ostatnie wiadomości i omów je.

« Katakumby. Grób rzymski»

Hartmann przedstawił siebie, V. A. Quesnela (rosyjskiego architekta) i przewodnika z latarnią w dłoni po rzymskich katakumbach w Paryżu. Po prawej stronie zdjęcia widoczne są słabo oświetlone czaszki.

W. Hartmann „Katakumby paryskie”

Loch z grobowcem ukazany jest w muzyce za pomocą dwuoktawowych unisonów i cichych „ech” odpowiadających tematowi. Melodia pojawia się wśród tych akordów jako cień przeszłości.

„Chata na udkach kurczaka (Baba Jaga)”

Hartmann ma szkic eleganckiego zegarka z brązu. Musorgski ma jasny, zapadający w pamięć obraz Baby Jagi. Jest malowany dysonansami. Na początku brzmi kilka akordów, potem stają się one częstsze, symulując „start” - i lot w moździerzu. Dźwiękowy „obraz” bardzo obrazowo przedstawia obraz Baby Jagi, jej kulawego chodu (w końcu „kościanej nogi”).

„Brama Bogatyra”

Spektakl oparty jest na szkicu Hartmanna do projektu architektonicznego bram miejskich Kijowa. 4 kwietnia (w starym stylu) 1866 r. doszło do nieudanego zamachu na życie Aleksandra II, który później został oficjalnie nazwany „wydarzeniem 4 kwietnia”. Na cześć ocalenia cesarza w Kijowie zorganizowano konkurs na projekt bramy. Projekt Hartmanna powstał w stylu staroruskim: kopuła z dzwonnicą w formie hełmu bohatera i dekoracja nad bramą w kształcie kokoshnika. Później jednak konkurs został odwołany, a projekty nie zostały zrealizowane.

V. Hartmanna. Szkic do projektu bramy w Kijowie

Sztuka Musorgskiego ukazuje obraz święta narodowego. Powolny rytm nadaje spektaklowi rozmachu i powagi. Ustępuje szeroka rosyjska melodia cichy temat, przypomina śpiew kościelny. Następnie pojawia się pierwszy temat nowa siła, dodawany jest do niego kolejny głos, a w drugiej części słychać prawdziwe bicie dzwonu, stworzone przez dźwięki fortepianu. Dzwonienie słychać najpierw w tonacji molowej, a następnie przechodzi w tonację durową. Do wielkiego dzwonu dołączają coraz mniejsze dzwonki, a na końcu rozbrzmiewają małe dzwonki.

Orkiestracja cyklu M. Musorgskiego

Jasne i malownicze „Obrazy z wystawy”, napisane na fortepian, były wielokrotnie aranżowane na orkiestrę symfoniczną. Pierwszą orkiestrację wykonał uczeń Rimskiego-Korsakowa M. Tuszmałow. Sam Rimski-Korsakow zaaranżował także jeden utwór z cyklu – „Stary Zamek”. Jednak najsłynniejszym orkiestrowym wcieleniem „Obrazów” było dzieło Maurice’a Ravela, zagorzałego wielbiciela twórczości Musorgskiego. Powstała w 1922 roku orkiestracja Ravela stała się równie popularna jak jej wersja na fortepian.

Orkiestra w układzie orkiestrowym Ravela składa się z 3 fletów, piccolo, 3 oboje, rożek angielski, 2 klarnety, klarnet basowy, 2 fagoty, kontrafagot, saksofon altowy, 4 rogi, 3 trąbki, 3 puzony, tuba, kotły, trójkąt, werbel, bicz, grzechotka, talerze, duży bęben, tom-tom, dzwonki, dzwonek, ksylofon, celesta, 2 harfy, smyczki.