IV. Metody przedstawiania rzeczywistości. Środki wyrazu artystycznego (sztuka, sztuka)

Do artystycznie - wyraziste środki obrazy obejmująkolor, obrys, linia, plamka, kontrast koloru i światła, kolorystyka, kształt, kompozycja, tekstura.

Kolor. Każdy żywy i nieożywiony przedmiot ma swój własny kolor. Podobnie jak kolor, oświetlenie odgrywa ogromną rolę. Wpływ koloru, lokalizacji w przestrzeni, klimatyzacji wpływa na kolor. Piękno, które podziwiamy i kochamy, to kolorowe bogactwo rzeczywistości, czyli inaczej kolor.

Artysta przekazuje za pomocą koloru, wrażeń kolorystycznych, kombinacje kolorów, harmonie zimnych i ciepłych kolorów, cała różnorodność nastrojów i uczuć. I leczyć je - radość, oczekiwanie, niepokój, smutek, czułość.

Pociągnięcie pędzla w malarstwie - ślad pędzla z farbą pozostawiony przez artystę na płótnie, papierze, tekturze. Technika zależy od indywidualnego stylu artysty, jest bardzo różnorodna.

Linia i punkt – wyraźny zarys konkretnego obiektu na płótnie za pomocą farby. Plama to tonalny obraz sylwetki obiektu. Na przykład, aby lepiej zrozumieć to wyrażenie, spójrzmy na punkt - ośnieżony świerk na tle odległego nieba. Albo wzgórze na ciemnym nocnym niebie. Łatwiej jest wyobrazić sobie linię, patrząc na dowolne zdjęcie. Wyraźne linie zarysowują cień tego lub innego obiektu, wzmacniając uczucie smutku lub radości.

Kontrast koloru i światła w malarstwie, przykładem jest ostre podkreślenie relacji światła i ciemności plam i obszarów obrazu.

Kolor - system odcieni barwnych, ich zestawień i relacji w dziele sztuki.

Tekstura - powierzchnia warstwy malarskiej obrazu: błyszcząca lub matowa, ciągła lub nieciągła, gładka lub nierówna.

Kompozycja – ułożenie wszystkich obiektów, elementów i części dzieła w określonym systemie i kolejności dla lepszego ukazania obrazu artystycznego.

Tutaj przyjrzymy siękształt i design (struktura) przedmiotu, zobaczymy środki artystyczne i ekspresyjne -ton, udar, linia.

Kształt obiektów wyznacza kontur, kontur, sylwetka. W uproszczonej formie - kwadrat, trójkąt, okrąg, prostokąt. Każdy element w uproszczonej formie jest podobny do figura geometryczna. Na przykład piłka jest okrągła, telewizor jest prostokątem, karnawałowa czapka klauna jest trójkątem.

Projekt (struktura) obiektów - podstawa przewagi, szkielet struktury obiektów. Projekt każdego obiektu to taki lub inny obiekt geometryczny. Ciała geometryczne - walec, kula, stożek, równoległościan, sześcian, piramida. Bardzo często patrząc na obiekt widzimy, że ma ich kilka ciała geometryczne. W rysunku istnieje metoda rysowania lub częściej nazywa się ją „szkicem”, gdy rysuje się jej strukturę, projekt, który nie jest widoczny dla naszych oczu.

Sylwetka w sztuki piękne (technika graficzna) jest typem obraz graficzny temat. Jest to monochromatyczny, płaski obraz obiektu. Zwykle sylwetki rysuje się tuszem na jasnym tle lub bielą na czarnym tle, albo postać wycina się z ciemnego lub jasnego papieru i nakleja na kartkę o innym odcieniu.

Skład w dobra grafika – ułożenie wszystkich obiektów, elementów i części dzieła w określonym systemie i kolejności dla lepszego ukazania obrazu artystycznego. Kompozycja przedstawiona jest w kształcie koła, kwadratu, owalu, prostokąta.

Ekspresyjne środki malarskie, kolejność wykonania kompozycji tematycznej, artysta przygotowujeszkice, studia, rysunki, szkice, tworząc w ten sposób obraz.

III. Muzyka w utworach.

II. Język dzieł.

Twórczość Ajschylosa cechowała wysublimowana stylistyka mitologiczna, heroiczna, pełna metafor ze sfery wojny i broni. To nie przypadek, że sam Ajschylos nazwał swoje tragedie „resztkami ze stołu Homera”. Kolejnym źródłem jego stylu poetyckiego była sztuka orientalna. Oto, co eksponuje Eurypides:

Wszyscy scamanderowie, zarówno fortece, jak i na dzwoniących tarczach

Orły gryfie, miedź i blask przemówień głowonogów, -

Zrozumienie ich to największe dzieło.

Rzeczywiście, język dzieł Ajschylosa jest podniosły, uroczysty i nie zawsze zrozumiały. Język Eurypidesa jest prosty i zrozumiały. Jego bohaterowie nie „mamroczą i nie opowiadają bzdur”. Kiedy wychodzi, zawsze najpierw opowiada o swoim pochodzeniu. Sądząc jednak po jednym ze zdań Dionizosa wypowiedzianych w pierwszej części, język Eurypidesa nie jest zbyt dobry. Jego prace cechuje redukcja naturalistyczna („eter to mieszkanie Zeusa”) i manieryzm („łapa czasu”).

Szczególne znaczenie mają prologi dzieła. I tak bohater u Ajschylosa wypowiada zdanie, w którym dwa synonimy oznaczają to samo, co według Eurypidesa jest redundancją mowy:

Przepłynął i wrócił – jaka jest różnica?

„Słyszeć, słuchać – tutaj tożsamość jest bezdyskusyjna”. Eurypides jest dumny, że w jego prologach nie ma zbędnych słów. Zauważa, że ​​Ajschylos ma skłonność do powtarzania tych samych stałych fraz („Dlaczego nie pospieszysz z pomocą zmęczonym?”).

Ajschylos zauważa jednak, że prologi Eurypidesa są zbudowane w ten sam sposób, zatem wszystkie można kontynuować wersem „zgubił butelkę”. Jest to oczywiście przesada ze strony Arystofanesa – nie wszystkie tragedie budowane są według szablonu, a jedynie te, które wybrał do swojego dzieła. Ale wiele z nich jest naprawdę podobnych w swojej konstrukcji:

Bóg Dionizos, który trzymając w dłoni tyrs

I pokryty skórą, w blasku pochodni

Taniec w Delfach... zgubił butelkę.

Śmiertelnik nie może odnieść sukcesu we wszystkim:

Jeden godny ginie w biedzie,

Kolejny, bezwartościowy... zgubiłem butelkę.

Są to fragmenty niezapisanych tragedii „Ipsipil” i „Stheneboea”.

Nie jesteśmy w stanie powiedzieć, jaka muzyka towarzyszyła tragediom autorów. Ale Ajschylos w swojej komedii parodiuje przy pomocy tamburynu wykwintne maniery w muzycznej kompozycji pieśni chóralnych Eurypidesa. Eurypides wprowadził do spektaklu monodie, jednogłosowe arie, wzorując się na muzyce dytyrambicznej

Autorzy, którzy pracowali w różne epoki, nieodłączne i różne spostrzeżenia pokój. Ajschylos napisał wkrótce po zwycięstwie Grecji w bitwie pod Maratonem. Jego dzieła wychwalają mitycznych królów, wielkie czyny ludzi i odważnych bohaterów. Tego nie może od niego wymagać Eurypides, który twierdzi, że w swoich tragediach Ajschylos wyprowadzał ludzi aroganckich, aroganckich głupców. A Eurypides mówił na proste tematy, o znajomym, bliższym życiu. Jego bohaterem był sprytny Feramenes, znany wśród starożytnych jako przykład polityka zaradnego, ale pozbawionego zasad. Nadano mu nawet przydomek „Feramen Wiatraczek”. Eurypides uważa za zasługę, że wprowadził do poezji zdrowy rozsądek. Ale Ajschylos uważa, że ​​dzieła Ajschylosa wywarły zły wpływ na Ateńczyków. W komedii Arystofanesa twierdzi, że Eurypides przedstawił rozumną, uczciwą, prawdziwi ludziełajdaki. Ludzie, którzy czytali jego dzieła, byli bohaterami swoich czasów, dobrze się spisali, nie wszczynali sprzeczek i wygrywali wojny. Jego dzieła „Siedmiu przeciw Tebom” i „Persowie” przepełnione były duchem wojny i zaszczepiały w Ateńczykach pragnienie zwycięstwa. Na jego dziełach wychował się słynny dowódca Lamachus, który zginął podczas wyprawy sycylijskiej. Jeśli zaś chodzi o Eurypidesa, to on – zdaniem Ajschylosa – wprowadził na scenę „dziwkę” Fedrę (w tragedii „Hipolit”). Wizerunek zakochanej kobiety jest całkowicie obcy bohaterskiemu dziełu Ajschylosa. W przedstawieniach zakochanych na scenie Ajschylos widzi upadek moralności w Atenach. Uważa, że ​​nie zasługują na to, aby je przedstawiać. Ale Eurypides stworzył prawdziwy dramat psychologiczny. Przedstawia psychologię każdego z bohaterów. W dziełach Eurypidesa często pojawiały się bezbożne powiedzenia, w komedii modli się on nawet do innych bogów niż Zeus. Na koniec Dionizos używa tych samych powiedzeń, wybierając na zwycięzcę Ajschylosa.

Komedia Arystofanesa „Żaby” bardzo subiektywnie charakteryzuje dwóch największych tragików. W rzeczywistości jest to krytyka Eurypidesa, którego twórczość Arystofanes kontrastował z Ajschylosem. Oczywiście Arystofanes jako człowiek wykształcony rozumiał, że nowe czasy wymagają nowych idei i środków ekspresja artystyczna, nie mógł więc nie zauważyć postępowości dramaturgii Eurypidesa. Z drugiej strony zainteresowanie Eurypidesa wewnętrzny świat człowieka, do ogarniających go namiętności i tragicznego wyniku konfliktów, do których prowadzi niezgodność sprzecznych uczuć, zniszczyła także integralność podstaw moralnych, na których opierała się demokracja ateńska, która dawała pierwszeństwo społeczeństwu nad osobistym, podobnie jak filozofia sofistów. Arystofanes w komedii jest bardzo podany szczegółowe charakterystyki ich zasady twórcze, styl poetycki i cechy produkcyjne.

43. Dramat domowy Menandera „Sąd Arbitrażowy” i jego wykorzystanie w
Literatura rzymska („Teściowa” Terencjusza).

Krótkie opowiadanie Komedia Menandera „Zrzęda”. [Zanim zaczęła się ta historia, ale tak się stało bardzo ważne. Bogaty młodzieniec imieniem Charisius zgwałcił nieznaną mu dziewczynę w święto Tauropolis. W rzeczywistości miał poślubić tę dziewczynę, ale wszystko wydarzyło się w nocy, Kharisiy nic nie pamiętał i nie poznali się. Wkrótce ożenił się z Pamfilią, która została zhańbiona, ale ani on, ani ona nie pamiętali. Mąż gdzieś poszedł, a ona urodziła nieślubne dziecko. Co robić? Mąż ją po tym zostawi! Postanawia oddać dziecko. Dowiaduje się o tym niewolnik męża Onezym. Opowiada wszystko właścicielowi. Zgodnie z prawem ateńskim Charizjusz miał prawo zwrócić Pamfilię jej rodzicom, gdyż został oszukany co do tego, że była dziewczynką. Ale nie ma odwagi tego zrobić, po prostu idzie do swojego sąsiada Harestrata, żeby się napić i pobawić]. I tu zaczyna się komedia. Charisius bawi się na imprezie z flecistą imieniem Gabrotonon, ale ona sama twierdzi, że nie pozwala jej zbliżać się do łóżka. Ojciec Pamfilii, Smikrin, nie wiedząc nic o porodzie, przyjeżdża po córkę od niewiernego zięcia, który jedynie wydaje posag i nie zwraca na nią uwagi. Ale Pamphila to dziewczyna z charakterem. Nie chce opuścić męża. W tym czasie pasterz Dove znalazł porzucone dziecko. Dziecko miało ze sobą bogate prezenty i pierścionek. Wziął dziecko, ale wkrótce zdał sobie sprawę, że nie ma czym go nakarmić. Zostawił prezenty w domu, ale chciał komuś oddać dziecko. Spotkałem mojego przyjaciela, górnika Siriskę. Sirisk był niewolnikiem Harestrata i błagał go, aby dał mu dziecko. Dał to. Ale potem Sirisk zaczął go błagać, aby zrezygnował z bogactwa, aby w przypadku odnalezienia rodziców dziecka mogli go zidentyfikować. On nie chce. Następnie proszą Smikrina, aby ich osądził. Smikrin, usłyszawszy o co chodzi, zostawia prezenty i dziecko Siriska. W tym czasie Onezym widzi pierścień w rękach Siriska. Oświadcza, że ​​jest to pierścień jego pana Charizjusza, który zgubił go podczas święta w Tauropolis. Bierze pierścień, ale nie ma odwagi pokazać go Kharisiusowi, bo wtedy będzie musiał przyznać się do ojcostwa nieznane dziecko. Hetaera Gabr opuszcza dom Harestrata O Tonona i widzi Onezyma z pierścieniem. Opowiada jej wszystko, a ona pamięta, że ​​w Tavropolis, gdzie przebywała, zgwałcono jedną dziewczynę. Zna ją z widzenia, ale nie z imienia. Sugeruje najpierw przetestowanie Charisiusa: udanie, że jest dziewczyną z Tavropolis, a potem, gdy ten przyzna się do ojcostwa, odnalezienie matki. Więc ona to robi. Potem ona i dziecko chodzi i spotyka Pamfilię, w której rozpoznaje swoją matkę. Smikrin próbuje odebrać córkę zięciowi, który, jak się okazuje, również spłodził dziecko z heterą, ona jednak odpowiada, że ​​nie zostawi męża w tarapatach. Kharisiy podsłuchuje i wzruszony zdaje sobie sprawę, że jest niegodny swojej żony. Następnie Gabrotonon oznajmia mu, kto jest matką dziecka. Jest ogólna ulga. Gabroton jako zbawiciel otrzymuje wolność.Krótka opowieść Komedia Terence’a „Teściowa”. Niedawno poślubieni Pamphilus i Filumena zmuszeni są na jakiś czas rozstać się. Podczas ich małżeństwa Pamphilus nadal jest w nim zakochany była dziewczyna Bacchides, nie dotyka swojej żony. Pamphil wyjeżdża w interesach na Imbrosie, a dziecko Filumeny rodzi się przedwcześnie. Powracający mąż zastaje poród w domu rodziców żony, do których ona wróciła, rzekomo nie dogadując się z teściową. Pamphilus podejrzewa żonę o zdradę stanu i nie chce się z nią więcej widzieć, więc wraca do swojej dawnej dziewczyny, hetery Bacchidy. Nie zdradza nikomu tajemnic swojej żony i mówi, że jest na nią zły, bo nie szanuje teściowej Sostraty. Sostrata jest gotowa wyjechać na wieś, jeśli tylko młodzi ludzie będą szczęśliwi. Ojciec Pamphilusa Laches i ojciec panny młodej Phidippus również próbują rozwiązać konflikt. Dokonuje tego również hetaera Bacchida, której udaje się ustalić, że pierścień, który nosi Filumena, został jej podarowany przez Pamphilusa, który dopuścił się wobec niej przemocy przed ślubem, podczas wakacji, gdy był pijany. Komedia kończy się szczęśliwie, dziecko znajduje ojca, a wszyscy bohaterowie, nie wyłączając hetery, okazują się życzliwi i szlachetni.

Menander – ostatni poeta, którego urodziła Attyka. Urodził się w Atenach w 342 r. p.n.e. i żył długo do 293 roku. Pracował w Epoka hellenistyczna. Dramaturg ten stał się twórcą komedii neoattyckiej (IV-III wiek p.n.e.). Zasadniczo gatunek ten można określić jako dramat domowy z elementami tragedii i komedii. Menander wystawił ponad sto tych komedii, ale jego współcześni go nie lubili. Należał do najwyższej arystokracji, był przodkiem Solona. Po upadku demokracji ateńskiej, jego bliski przyjaciel Demetriusz z Falerskiego został namiestnikiem Macedonii w Grecji.

Menander tworzył sztuki o charakterze pojednawczym. Komedia nie wyrażała już problemów społecznych, jak miało to miejsce za czasów Arystofanesa. Autora niepokoiła idea wejścia w życie prywatne, propagował zasady człowieczeństwa – zaprzeczał okrutnemu traktowaniu niewolników. Było to miękkie, humanitarne i inteligentne stanowisko. Odzwierciedlało to, co działo się w Attyce. Ludzie przestali interesować się polityką i zagłębili się w życie prywatne. Menander był także zwolennikiem Talesa, który propagował ideę równości wszystkich obywateli w państwie.

Dramaturgia Menandra jest spadkobiercą starożytnej komedii i tragedii Eurypidesa. Jego komedie w dużej mierze kontynuują tradycje miasta zabawna gra na święcie Dionizosa, bo pomimo wszystkich prób, jakie czekają bohaterów, zakończenie spektaklu jest zawsze szczęśliwe. Stałe motywy Menandra – przemoc wobec dziewczynki, porzucenie dzieci, uznanie – wykorzystywał już Eurypides. Ale u Eurypidesa motywy te wiążą się z życiem codziennym, u Menandra zostają przeniesione na codzienność.

Postacie domowe Menander, którego tak umiejętnie przedstawił w swojej komedii, powstał za sprawą zjawisk życie publiczne. Ludzie są zmęczeni wojnami, konfliktami i przewrotami. Jego bohaterowie również nie mają wysokich wymagań. Ich ideałem jest spokój życie rodzinne w obfitości. Jego prace nie były czysto komiczne; była w nich mieszanina komizmu i tragizmu. Monolog i dialog autora reprezentują mowę potoczną. Nie ma tu żadnych archaicznych wyrażeń. Chór stopniowo odchodzi od komedii. I tak w „Sądzie Arbitrażowym” sceny chóralne występują jedynie na końcu aktów, pomiędzy aktami.

Komedia „Sąd arbitrażowy”. Zachowało się około dwóch trzecich. Data jego powstania nie jest znana, ale na podstawie opanowania jego cech psychologicznych naukowcy umieszczają go na końcu dzieła Menandera. Przede wszystkim komedię tę wyróżnia mistrzowskie kreowanie bohaterów. Menander stworzył całą galerię typów, które następnie były aktywnie wykorzystywane w literaturze światowej. Ale ważne, że udało mu się wzbogacić typowe obrazy, uczynić je żywymi i autentycznymi. Są to takie obrazy jak:

Starzec. Oszczędny, zrzędliwy ojciec dziewczynki. Chciwy. W „Sądzie Arbitrażowym” taką rolę pełni Smicrin, ojciec Pamfilii. Dowiedziawszy się o przygodach zięcia, postanawia zabrać córkę do domu, gdyż obawia się, że Kharisiy wyda cały posag na rozrywki i hetero.

Getera. Wykształcona kobieta. Wiedziała, jak prowadzić rozmowę, była utalentowana, inteligentna, wykształcona, o głowę i ramiona przewyższająca zwykłe domowe Greczynki. W „Sądzie Arbitrażowym” rolę hetery pełni Gabrotonon- flecista. To typowa hetera komediowa, ale ona indywidualne cechy stać się dobrocią, uczciwością i umiłowaniem wolności. Jest nie tylko mądra, ale i przebiegła. Wie, jak to zaaranżować, aby kochankowie byli razem, a ona zyskała swobodę. Aktywnie uczestniczy w akcji i przyczynia się do jak najszybszego rozwiązania konfliktu. W stosunku do Pamfilii zachowuje się szlachetnie. Początkowo chciała wykorzystać podrzutka do własnych celów, ale potem przywróciła rodzinę.

Rozważano powołanie „sądu arbitrażowego”. klasyczny przykład nowa komedia. W centrum komedii - niezwykła historia małżonkowie, przed którego domem rozgrywa się akcja. Dzieje się to w pobliżu Aten.

Ważne pomysły: Kiedy dziecko Pamfilii zostaje odebrane przez Sirisk, rości sobie prawa dziecka do tego, co zostało z nim rzucone. Po raz pierwszy w komedii wysunięto pomysł, że porzucone dziecko ma prawa. Istotą komedii jest to, że szczęście człowieka zależy od niego samego, a o losie człowieka, nie pozbawionym wypadków, zawsze decyduje jego charakter. Mówi to także sługa Onezym, który twierdzi, że wszelkie troski bogów o ludzi sprowadzają się do podziału charakterów.

Komedia domowa choć realistyczny, był całkowicie sztuczny. Społeczeństwo greckie straciła kontrolę nad swoim losem. Pozostało tylko budować zamki w powietrzu, a komedia coraz bardziej oddalała się od rzeczywistości.

Pochwal się: Arystofanes z Bizancjum powiedział: „Menander i życie, który z was kogo naśladował? ”

Późniejsze użycie w języku rzymskim i Literatura europejska . Menander - przodek dramat domowy, który następnie przeszedł do literatury rzymskiej. Jego komedie charakteryzują się pięcioma aktami, rozbudowaną intrygą o różnych motywach: porwanie dziewczynki, porzucone dziecko, utrata pamięci. Przypadek odgrywa w komediach Menandera ogromną rolę. To właśnie przypadek pomaga rozwiązać konflikt. Takie rozwiązanie konfliktu było typowe dla późniejszej literatury masowej.

Rzymscy komicy szeroko korzystali ze sztuk Menandra, zwłaszcza Terencjusza, który otrzymał od Cezara przydomek „Półmenander”. Jednak pisarze rzymscy traktowali swoje źródła tak arbitralnie, że zupełnie niemożliwe było stwierdzenie oryginalności greckich oryginałów na podstawie łacińskich adaptacji.

Publiusz Terencjusz (190-159 p.n.e.)- był wyzwolonym niewolnikiem senatora Terencjusza, sprowadzonym do Rzymu z Kartaginy. Kształcił się w Rzymie, gdzie zetknął się z komedią neoattycką i na jej podstawie zaczął pisać swoje sztuki teatralne. Wykazywał duże zainteresowanie twórczością Menandra (4 jego komedie sięgają czasów Menandra). Nie tylko rysował wątki, ale także starał się odtworzyć subtelne postacie Menandra i humanitarny charakter swoich sztuk. Terence stworzył komedię naśladowczą. Przekazał nie tylko fabułę, ale także postacie i styl dramatu neoattyckiego. Fabuła jego „Teściowej” nie różni się zbytnio od „Sądu Arbitrażowego”. Starał się jedynie nadać dziełom Menandra realistyczną prawdziwość. Jeśli bohaterowie Menandra - typy idealne, to bohaterowie Terence’a to jednostki bliższe rzeczywistości. I tak w „Teściowej” pojawia się scena pomiędzy niewolnikiem Parmenonem a hetero Filotisem, gdzie prosi go, aby opowiedział mu o rozpadzie małżeństwa Pamfila, gdyż on były kochanek jej przyjaciel Bachides. Początkowo Parmenon odmawia, ale ona mu mówi: „Sam chcesz mi o tym powiedzieć!” I westchnął: „Tak, to jest moja największa wada”. Podobnie jak dzieła Menandera, sztuki Terence'a nie cieszyły się dużą popularnością.

Jeśli w poprzednim okresie głównym zajęciem Rzymian było działalność rządową, wówczas rozrywka, literatura i filozofia zaczęły zyskiwać coraz większe znaczenie w życiu Rzymian. Sprawy kulturalne toczyły się prywatnie, w domu, a nie na placu, jak to było w zwyczaju w Grecji. Twórczość Terencjusza była odzwierciedleniem takiego kręgu wykształconej szlachty. Tradycyjna rzymska moralność ulega rewizji, a greckie życie staje się ideałem.

W prologu do dzieła "Teściowa" Terence twierdzi, że publiczność dwukrotnie zakłócała ​​przedstawienie, wychodząc z teatru, aby obejrzeć tancerze na linie lub mecze gladiatorów. Choć komedie Terencjusza przeznaczone są dla nielicznych, jego osiągnięcia w kreowaniu postaci są znaczące i nie przeszły bez śladu w historii literatury. Terence starał się przekazać widzom subtelność postaci Menandera i wdzięk języka komedii neoattyckiej. W jego sztukach nie ma niegrzecznych dowcipów, wulgarnych wyrażeń i bufonady. Jego sztuki należą do gatunku „wzruszających dramatów”, „łzawych komedii”. W odróżnieniu od Menandera sztuka ma więcej momentów filozoficznych.

Fabuła Terence'a zaczerpnięta została z komedii neoattyckiej. Bohaterami jego sztuk są także zakochani młodzi mężczyźni, hetery, wolne dziewczyny, surowi ojcowie, uczynni niewolnicy, alfonsi. Jednak podobnie jak Menander stara się wzbogacać typowe obrazy o indywidualne cechy. Jeden z centralne postacie jego prace ukazują młodego mężczyznę w uścisku swych żarliwych uczuć, wybierającego dla siebie linię postępowania i zastanawiającego się, jaką drogą powinien podążać. Problem edukacji okazuje się dla poety jednym z głównych.

Co ciekawe, teściowa w komedii wcale nie jest zła. A ona jest życzliwa i we wszystkim stara się pojednać młodych małżonków.

Misza
44. Hellenistyczny epos Apoloniusza z Rodos „Argonautica”.

Krótkie podsumowanie:
Wiersz rozpoczyna się listą bohaterów, których Jason zbiera z całej Grecji, aby wyruszyć w pogoń za Złotym Runem - skórą złotego barana, na którym dawno temu książę Frixus uciekł z Grecji (uciekł przed ludźmi, podekscytowany możliwością zabicia Frixusa „macocha”). Zebrali się bohaterowie, Arg zbudował statek z 50 wiosłami, usiadł i popłynął przez Morze Egejskie. Wylądowaliśmy na wyspie Lemnos, gdzie żyje plemię podobne do Amazonek. Mieszkali tam przez jakiś czas, po czym udali się nad Morze Marmara i tam zatrzymali się po raz pierwszy. Przyjaciel Herkulesa, Hylas, wszedł do nadmorskiego lasu, pochylił się nad strumieniem i został wciągnięty do wody przez nimfy. Herkules pobiegł go ratować. Reszta zastanawiała się, co robić, wtedy z morza wyłoniła się ogromna głowa i kazała opuścić Herkulesa i płynąć dalej. W drugim miejscu na Morzu Marmara Dioscurus Polydeuces, syn Zeusa i Argonauty, wdał się w bójkę z lokalnym przywódcą i synem Posejdona, który lubił zabijać kosmitów w walkach na pięści. Przywódca przegrał, plemię go pobiło i odpłynęło dalej. Trzeci przystanek był także na Morzu Marmara i tam uratowali starego króla-wróżbitę Fineusa przed harpiami, wysyłając przeciwko nim pewne skrzydlate Boready (harpie). Phineus wyjaśnił im, jak płynąć dalej. Dalej okazało się, że znajduje się tam, co obecnie nazywa się Cieśniną Bosfor, ale potem pomiędzy dwiema wędrującymi skałami znajdowała się szczelina. Za radą Fineasza wypuścili turkawkę, która zdołała się prześliznąć, gubiąc kilka piór z ogona. To znaczy, że przejdziemy, zdecydowali Argonauci, wsunęli tam głowy i nie bez pomocy Ateny przeszliśmy, zostawiając w szczelinie kilka desek z rufy. Skały zamarzły i stały się brzegami Cieśniny Bosfor. Na Morzu Czarnym spotykają różne krainy (plemiona Amazonek, rezydencje Apolla i Artemidy, gniazda miedzianych ptaków itp.). W Kolchidzie proszą Afrodytę o pomoc, a ona każe Erosowi, aby rozkochał w Jazonie córkę miejscowego króla Medei. Jason przeprowadza niemożliwe testy od króla Eeta, z pomocą Medei kradnie strzeżone przez smoka Złote Runo, ładuje je (i jednocześnie Medeę) na statek i wypływa. Po drodze zostaje dogoniony przez syna Eetusa wraz z jego ludem, zabija go i płynie do Circe (zachodnia część Morza Śródziemnego), aby odpokutować za swój grzech. Następnie płyną niemal trasą Odyseusza (przeskoczcie Scyllę i Charybdę dalej fala morska Pomaga im matka Achillesa, Tetyda, a Argonauta Orfeusz zagłusza syreny swoją muzyką), a w Phaeacii zostaje wyprzedzony przez drugi pościg z Kolchidy. Król Feaków decyduje, że Medeę należy oddać, jeśli nie jest jeszcze żoną Jazona, i nocą w jaskini odbywa się potajemnie wesele. W końcu burza ląduje na mieliźnie w Afryce, biorą statek w ręce i płyną przez pustynię przez 12 dni i nocy. Następnie trafiają do oazy i sądząc po martwym wężu i zniszczonych skałach, rozumieją, że Herkules już tu był. Wreszcie docierają do punktu początkowego i wracają do domu. W tym miejscu kończy się akcja poematu.

Panuje powszechne przekonanie, że nie ma zasadniczych różnic pomiędzy sposobami przedstawiania rzeczywistości w folklorze i w folklorze fikcja. Zarówno tu, jak i tutaj rzeczywistość ukazana jest równie wiernie i zgodnie z prawdą. Na przykład M. M. Plisetsky w swojej książce poświęconej historyzmowi rosyjskich eposów nie zgadza się z tymi, którzy twierdzą, że epos przedstawia nie wydarzenia określonej epoki, ale jej aspiracje.

Dlaczego – pyta wydarzenia historyczne są przedstawiane na przykład w piosenkach o zdobyciu Kazania, o Stepanie Razinie, dlaczego „Opowieść o kampanii Igora” może poprawnie przedstawić kampanię połowiecką przeciwko Rosjanom, dlaczego L. N. Tołstoj w powieści „Wojna i pokój” czy A. N. Tołstoj w powieści „Piotr Wielki” mógłby być przedstawiony przez wielu postacie historyczne i wydarzenia, ale epos nie może tego zrobić? „Dlaczego nie jest to dozwolone w przypadku eposów?” – wykrzykuje autor. Nie ma więc zasadniczej różnicy w obrazie rzeczywistości pomiędzy eposami, pieśniami historycznymi, „Układem kampanii Igora” i powieści historyczne XIX-XX wiek.

Jest to opinia, w której autor żadnej nie bierze pod uwagę środki artystyczne ani gatunki folkloru, ani literatury środowisko socjalne tworząc sztukę, ani z wiekami rozwój historyczny ludzi, pomimo swojej oczywistej i nieco prymitywnej ahistorycznej natury, jest dość typowa dla wielu dzieła nowoczesne. Nawet w baśniach dozwolony jest ten sam zgodny z prawdą obraz rzeczywistości, co w eposach.

W baśniach szukają na przykład odbicia tych form walki klasowej, które miały miejsce w XIX wieku. W ten sposób E. A. Tudorovskaya pisze o bajce tak: „Prawdziwie pokazana jest pierwotna wrogość klasowa między właścicielami uciskających-poddanych a uciskanym ludem”. Ale jeśli chodzi o przykłady, okazuje się, co następuje: „Baba-Jaga, «pani» lasu i zwierząt, jest przedstawiana jako prawdziwa wyzyskiwaczka, prześladująca swoje zwierzęce sługi...”. Zdaniem E. A. Tudorowskiej walka klas w bajce przybiera „pozory fikcji”. „To nieco ogranicza realizm baśni”.

Bajka jest więc realistyczna, ma jednak jedną wadę: jest fikcją, a to zmniejsza i ogranicza jej realizm.Logiczną konsekwencją takiej opinii byłoby stwierdzenie, że gdyby w baśni nie było fikcji, to bądź lepszy.

Nie warto byłoby wspominać o takich ciekawych opiniach, gdyby punkt widzenia E. A. Tudorowskiej był odosobniony. Ale inni to podzielają. I tak V.P. Anikin pisze: „Bezpośrednie doświadczenie społeczno-historyczne jest źródłem prawdziwego obrazu rzeczywistości w twórczość ustna ludzie." Anikin widzi walkę klas w baśniach o zwierzętach.

Uznaje je za alegorie. „Alegoryzm społeczny jest najważniejszą właściwością ludowe opowieści o zwierzętach i bez tego alegorycznego znaczenia baśń nie byłaby ludziom potrzebna”. Zatem ludzie nie potrzebują bajki jako takiej.

Wszystko, czego potrzebujesz, to alegoryczny znaczenie społeczne. Autor stara się udowodnić, że wilk jest „ciemiężycielem ludu”. Niedźwiedź również należy do tych samych prześladowców. W świecie baśni Kościej i inni antagoniści bohatera są klasyfikowani jako ciemiężyciele porządku społecznego.

Uczciwość wymaga odnotowania, że ​​książka V.P. Anikina zawiera wiele trafnych obserwacji. Jednak w latach, w których powstawała ta książka, takie koncepcje uważano za w pewnym stopniu obowiązkowe i postępowe.

Nie będziemy wdawać się w dalsze polemiki, ale spróbujemy podejść do kwestii, w jaki sposób rzeczywistość jest przedstawiana w folklorze, jakie ma dla tego znaczenie i jakie są specyficzne różnice między folklorem a literaturą realizmu, nie poprzez abstrakcyjne spekulacje, ale poprzez przestudiowanie samego materiału.

Przekonamy się, że folklor rządzi się specyficznymi prawami swojej poetyki, odmiennymi od metod zawodowych kreatywność artystyczna. Pytanie należy postawić historycznie; Zanim jednak to zrobimy, należy zrozumieć obraz tego, co jest dostępne dzisiaj.

Odsuwając się na bok, zajmiemy się pomnikami folkloru opartymi na przekazach z XVIII–XX wieku studium historyczne proces dodawania i rozwoju na przyszłość. Rozważymy tylko rosyjski folklor. Takie badanie opisowe należy przeprowadzić przed rozpoczęciem badania historyczno-porównawczego.

Istnieją wzorce wspólne dla wszystkich lub wielu gatunków folkloru i istnieją wzorce, które są specyficzne tylko dla poszczególnych gatunków. Zagadnienie gatunków rozważymy nie dążąc bynajmniej do ich wyczerpującego opisu, lecz ograniczając się do ram problemu relacji folkloru do rzeczywistości.

Nasze badania zaczniemy od baśni jako gatunku, w którym kwestia stosunku do rzeczywistości jest stosunkowo prosta. Jednocześnie to właśnie baśń pozwala ujawnić pewne ogólne prawa gatunków narracyjnych w ogóle.

Mówiąc o bajce, należy pamiętać o stwierdzeniu W.I. Lenina: „W każdej bajce są elementy rzeczywistości…”. Wystarczy pobieżne spojrzenie na baśń, aby zweryfikować słuszność tego stwierdzenia. W bajki Tych elementów jest mniej, za to w innych typach jest ich więcej.

Zwierzęta takie jak lis, wilk, niedźwiedź, zając, kogut, koza i inne są właśnie tymi zwierzętami, z którymi ma do czynienia chłop; Mężczyźni i kobiety, starcy i staruszki, macochy i pasierbicy, żołnierze, Cyganie, robotnicy rolni, księża i właściciele ziemscy przeszli z życia do baśni.

Bajka odzwierciedla zarówno rzeczywistość prehistoryczną, jak i średniowieczne zwyczaje i moralność Stosunki społeczne czasy feudalne i czasy kapitalistyczne. Wszystkie te elementy rzeczywistości są dokładnie badane przez naukę radziecką i zagraniczną, a istnieje już na ich temat bardzo znacząca literatura.

Przyglądając się jednak bliżej słowom Lenina, widzimy, że Lenin wcale nie twierdzi, że bajka składa się wyłącznie z elementów rzeczywistości. Mówi tylko, że „są” w niej. Gdy tylko przejdziemy do pytania, co robią w bajce ci realistyczni mężczyźni, kobiety, żołnierze czy inne postacie, czyli przejdziemy do fabuły, od razu zanurzymy się w świat niemożliwy i fikcyjny.

Po prostu weź wskaźnik bajki Aarne-Andreev i otwórz tam przynajmniej sekcję „Baśnie powieściowe”, aby od razu upewnić się, że tak jest. Gdzie w życiu są ci błazny, którzy oszukują wszystkich na świecie i nigdy nie zostają pokonani? Czy są w życiu tacy przebiegli złodzieje, którzy kradną jajka spod kaczki lub prześcieradło spod właściciela ziemskiego i jego żony? Czy uparte żony dają się okiełznać w prawdziwym życiu jak w bajkach i czy są na świecie tacy głupcy, którzy patrzą w lufę pistoletu, żeby zobaczyć, jak wyleci kula? W rosyjskiej bajce nie ma ani jednej prawdopodobnej fabuły.

Nie będziemy wchodzić w szczegóły, ale skupimy się na jednym typowym przykładzie jako próbce. To opowieść o nieszczęsnym zmarłym człowieku. W Ogólny zarys to idzie tak. Głupiec przypadkowo zabija swoją matkę: wpada w pułapkę lub wpada do dziury, którą głupiec wykopał przed domem.

Czasami jednak zabija ją celowo; Chowa się w skrzyni, żeby dowiedzieć się, o czym głupiec rozmawia ze swoją rodziną, a on o tym wie i napełnia skrzynię wrzącą wodą. Wkłada zwłoki matki do sań, daje jej obręcz lub pośladek, grzebień i wrzeciono i odjeżdża. Szlachetna trojka pędzi w naszą stronę. Nie zjeżdża z drogi i zostaje potrącony.

Głupiec krzyczy, że zabili jego matkę, królewskiego złotnika. W ramach rekompensaty dają mu sto rubli. Idzie dalej i teraz składa zwłoki do piwnicy u księdza; Daje swojej zmarłej matce dzbanek kwaśnej śmietany i łyżkę. Popadya myśli, że jest złodziejką i uderza ją kijem w głowę. Głupiec ponownie otrzymuje sto rubli odszkodowania. Potem wkłada ją do łódki i spuszcza ją w dół rzeki. Łódź wpada w sieci rybackie.

Rybacy uderzyli w zwłoki wiosłem, wpada ono do wody i tonie. Głupiec krzyczy, że jego matka utonęła. Otrzymuje także od rybaków sto rubli. Wraca z pieniędzmi do domu i opowiada braciom, że sprzedał matkę w mieście na bazarze. Bracia zabijają swoje żony i zabierają je na sprzedaż. Żandarmi zabierają ich do więzienia, a majątek braci trafia do głupca. Dzięki tej posiadłości i przywiezionym pieniądzom zaczyna żyć długo i szczęśliwie.

Istnieje inna wersja tej opowieści, którą jednak można uznać za inną opowieść. Tutaj wszystko dzieje się trochę inaczej. Żona mężczyzny traktuje swojego kochanka. Mój mąż patrzy.

Kiedy ona idzie do piwnicy po masło, jej mąż zabija jej kochanka i wkłada mu do ust naleśnik, tak że myślą, że się zakrztusił. Następnie zaczynają się triki ze zwłokami, które częściowo mogą pokrywać się z poprzednią wersją, częściowo mają inną formę.

W tym przypadku musisz pozbyć się zwłok, by oczyścić się z podejrzeń o morderstwo. Mężczyzna opiera zwłoki o dom, w którym to się dzieje Weselna uczta i zaczyna przeklinać. Goście wyskakują, myślą, że oparty o ścianę mężczyzna przeklina, i uderzają go w głowę. Widząc go martwego, przestraszyli się i aby pozbyć się zmarłego, przywiązali go do konia i wypuścili.

Koń biegnie do lasu i psuje pułapki myśliwego. Myśliwy bije zmarłego i myśli, że go zabił. Wkłada zwłoki do łodzi i akcja kończy się tak jak w poprzedniej wersji: nieszczęsny trup wpada do wody pod wpływem ciosu rybaka, a zwłoki znikają.

Jeśli nowoczesny Pisarz radziecki postanowił napisać opowiadanie o tym, jak zginęła jego matka i jak zabójca następnie wykorzystał zwłoki do wyłudzenia pieniędzy, wówczas żadne wydawnictwo nie opublikowałoby takiej historii, a gdyby została opublikowana, wywołałoby to uzasadnione oburzenie wśród czytelników.

Tymczasem bajka nie wywołuje oburzenia wśród ludu, mimo że chłopi traktują zmarłych ze szczególną czcią. Ta opowieść jest popularna nie tylko wśród Rosjan, ale wśród wielu narody europejskie. Dotarł nawet do Indian Ameryki Północnej.

Dlaczego tak skandaliczna historia mogła stać się popularna? Stało się to możliwe tylko dlatego, że ta bajka jest wesołą farsą. Ani narrator, ani słuchacz nie odnoszą tej historii do rzeczywistości. Badacz może i powinien odnieść to do rzeczywistości i określić, które aspekty życia codziennego ożywiły tę fabułę, ale to już nie należy do dziedziny percepcja artystyczna, ale naukowy. To nie jest realizm zredukowany, ograniczony czy baśniowy, to nie jest alegoria czy bajka, to jest baśń.

Rozważaliśmy ten przykład tak szczegółowo, ponieważ jest on orientacyjny i typowy dla pytania o związek bajki z rzeczywistością.

Bajka jest fikcją celową i poetycką. Nigdy nie jest przedstawiana jako rzeczywistość. „Bajka to zwrot akcji, piosenka to opowieść” – mówi przysłowie. „Opowieść jest piękna, piosenka jest piękna”. Skończywszy opowieść, mówią: „To cała historia, nie możesz już kłamać”. W język nowoczesny słowo „bajka” jest synonimem słowa „kłamstwo”.

Ale co w takim razie przyciąga baśń, jeśli przedstawienie rzeczywistości nie jest jej celem? Przede wszystkim przyciąga niezwykłością narracji. Szczególną przyjemność sprawia rozbieżność z rzeczywistością, fikcją jako taką.

W bajkach rzeczywistość jest celowo wywrócona na lewą stronę i na tym polega ich cały urok dla ludzi. To prawda, że ​​niezwykłość zdarza się także w fikcji.

W proza ​​romantyczna jest mocniejsza (powieści Waltera Scotta, Hugo), w realistycznej jest słabsza (Czechow). W literaturze niezwykłość jest przedstawiana tak, jak to możliwe, wywołując emocje grozy, podziwu lub zaskoczenia, a my wierzymy w możliwość tego, co jest przedstawiane.

W prozie ludowej niezwykłość jest taka, że ​​w życiu byłoby to wręcz niemożliwe. To prawda, że ​​\u200b\u200bw codziennych bajkach w większości przypadków nie dochodzi do naruszenia praw natury. Tak naprawdę wszystko, co się mówi, mogło się wydarzyć. Jednak opisane wydarzenia są na tyle niezwykłe, że nigdy nie mogłyby wydarzyć się w rzeczywistości, dlatego budzą zainteresowanie.

V.Ya. Prop. Poetyka folkloru - M., 1998

Wołnowa, po W. Stefaniku i M. Kotsyubynskim, stworzyła w pisarstwie ukraińskim swój własny styl, specyficzny rodzaj liryczno-romantycznego, impresjonistycznego opowiadania. Jedno z opowiadań pisarza „Kot w butach”, choć oparte na realistycznych podstawach – trudne lata wojny domowej, zawiera potężny nurt liryczno-impresjonistyczny. W tym opowiadaniu realistyczne wydarzenia ukazane są jakby przez pryzmat impresjonistycznego postrzegania rzeczywistości.

Aby przeanalizować opowiadanie „Kot w butach” z tego punktu widzenia, przypomnijmy pokrótce istotę i zasady estetyczne impresjonizmu.

Impresjonizm - ruch artystyczny w sztuce drugiej połowy XIX - początku XX w. Chociaż powstał wśród artystów, zasady impresjonistycznych obrazów szybko środowisko przeniósł się do literatury. Pisarze próbowali z wdziękiem detale artystyczne przekazują subiektywne, chwilowe i zmienne wrażenia czegoś oraz najmniejsze odcienie z obserwacji otaczającej rzeczywistości. I jest w ciągłym ruchu. W związku z tym zadaniem impresjonistów było „uchwycić” i uchwycić niepowtarzalny moment wrażenia z przedmiotu, krajobrazu lub innego. Prace, podobnie jak wcześniej płótna, malowane są z użyciem pociągnięć szczegółu, który wyraża się w dźwiękowych, wizualnych, dotykowych mikroobrazach lub ich elementach. Dynamizm, procesualność, tajemniczość i transcendencja w wieczność to cechy obrazu impresyjnego.

Moim zdaniem wizerunek „Kota w butach” – towarzysza Żuchki – również ma takie cechy. Opowiadanie „Kot w butach” można analizować w trzech aspektach: zagadnień szczegółowych; organizacja kompozycyjna; Media wizualne.

Jednym z najważniejszych problemów tej historii jest problem rozbieżności między snami a rzeczywistością. M. Volnovoy jako impresjonista próbuje zobrazować nadejście pożądanej szczęśliwej przyszłości poprzez człowieczeństwo i spontaniczność towarzysza

Żuchka ukazuje czas osobisty Żuchki oddalając się od czasu historycznego, lecz nieubłagana rzeczywistość ukazuje prawdziwy stan rzeczy.

I stąd istnieją dwa plany czasowe: wyimaginowana przyszłość (lub ponętna przeszłość) i skontrastowana z nią brzydka teraźniejszość.

Sen: „...początkiem jest październik i końcem wiek słoneczny i idziemy do niego.” Rzeczywistość: koniec upadku zasad moralnych w społeczeństwie rewolucyjne lata; brak paliwa i wiele więcej; nierozwiązana kwestia narodowa (Rosjanie i Ukraińcy); prawda o towarzyszu Bugu.

Próbując ustalić skład noweli, dojdziemy do wniosku, że jej brakuje. Mówiąc dokładniej, nie ma klasycznej kompozycji z fabułą, rozwojem akcji, rozwiązaniem, ale są indywidualne pociągnięcia fabularne. A to bezpośrednio wskazuje na impresjonistyczny charakter kompozycji dzieła. Sam autor noweli ostrzega: „Ale ode mnie uchwały nie dostaniecie… Rozwiązanie w gitarowych poetach…” Jakie uderzenia widać w kompozycji noweli? Myślę, że jest pięć głównych: wizerunek towarzysza Żuchki; Wojna domowa, pociąg towarowy; przypadkowe spotkanie lirycznego bohatera z towarzyszem Żuchokiem pod koniec wojny; "dyskusja"; prawda o towarzyszu Bugu. Te pociągnięcia nie mają ze sobą bezpośredniego związku, ale jeśli spojrzysz na nie wszystkie razem na raz, otrzymasz więcej niż reliefowy obraz tego czasu. Na podstawie tych faktów można nawet sporządzić prognozę rozwoju społeczeństwa.

A co do impresjonizmu Dzieła wizualne, więc jest ich tutaj mnóstwo. Podajmy tylko kilka uderzających przykładów.

Jak autor powieści przedstawia swoje główny bohater? Nieimpresjonista zacząłby to robić opisowo. M. Wołnowoj robi to inaczej: zdaje się, że nie mówi nic bezpośrednio o tej osobie, ale mamy pewne wrażenie: „Gapka jest głuchy, my nie jesteśmy Gapką, ale towarzyszem Żuchokiem. To prawda, w przeciwnym razie byłby głuchy.” Lub: „Ale haftowanie jest jasne, ponieważ haftowanie: haftowanie złotem lub srebrem”, „Haftowane - pachnące słowo jak latarnia we wrześniu lub trawa w sianie – trawa, gdy duch idzie z nią na turzycę zalewową. Autorka posługuje się niezwykłymi, skojarzeniowymi i natychmiastowymi obrazami, by przedstawić towarzysza Żuchkę: „Kot w butach”… ciepły i bliski, jak dłoń Nyi z niebieską żyłką, jak przezroczysty wieczór w jesiennych czerwońcach.

Następny przykład. M. Volnova przedstawia całą burzliwość jedynie za pomocą zdań nazywających i słów dziedziczących dźwięk Przez długie lata okrzyk wojenny! Płakać! Płakać! Breja! Breja! Huk! Huk!

Płakać! Płakać! Płakać! Wschód. Zachód. Północ. Południe. Rosja. Ukraina. Syberia. Polska. Turkiestan, Gruzja. Białoruś.

Miesiąc, dwa, trzy, sześć, dwanaście... więcej, więcej, więcej... Brawo! Breja! Huk! Huk!

Miesiące mijały w pośpiechu.”

Gdzie się podział „kot w butach” – towarzysze Żuchki? Ponieważ „Towarzysza Błędu nr 1 tam nie ma”. Zamiast tego - nr 2, 3, 4 itd. Może zginęła w czasie niekończących się wojen, może zamieniła się, jak powiedział sam M. Chwylowy, „w światową szumowinę”, a może została zwyczajną biurokratką. Ale autor na zawsze zapamiętał wyjątkowy wizerunek towarzysza Żuchki.

Pochodzenie sztuki.

Najstarszy z ludzie których znamy dzieła sztuki należą do epoki późnego paleolitu (dwadzieścia tysięcy lat temu p.n.e.). Pragnienie zrozumienia swojego miejsca w otaczającym nas świecie jest czczone w obrazach, które przyniosły nam ryte i malowane obrazy na kamieniu. Kamienie te znajdowały się głównie w Burdel, El Parnallo i Isturitz. Powszechnie znane są także paleolityczne malowidła i petroglify (obrazy wyrzeźbione, zarysowane lub wyrzeźbione w kamieniu) przedstawiające jaskinie Lascaux, Altamira, Nio, sztuka naskalna północna Afryka i Sahara. Zanim szlachcic Marcelino de Southwalla odkrył malowidła w hiszpańskiej jaskini Altamira w 1879 roku, wśród etnografów i archeologów panowała opinia, że ​​człowiek prymitywny był całkowicie pozbawiony duchowości i zajmował się jedynie poszukiwaniem pożywienia. Niektórzy naukowcy do dziś przyjmują dość uproszczone podejście do oceny obrazów prymitywnej twórczości artystycznej. Jednak już na początku stulecia w Anglii był badaczem sztuka prymitywna Henri Breuil mówił o prawdziwej „cywilizacji epoki kamienia”. Potrafił prześledzić ewolucję sztuki prymitywnej od najprostszych spiral i odcisków dłoni na glinie, poprzez ryte wizerunki zwierząt na kościach, kamieniu i rogach, po wielobarwne malowidła w jaskiniach rozległych obszarów Europy i Azji. Henri Breuil jest zwolennikiem teorii magicznej, zgodnie z którą wszelkie freski, figurki i ryciny należy postrzegać jako przedmioty kultu, bezpośrednio łącząc je z koniecznością zwabiania zwierząt na tereny łowieckie.

Około 4 tysiące lat temu nastąpił kolejny punkt zwrotny w ewolucyjnym rozwoju człowieka - odkrycie przez człowieka metali i rozpoczęcie ich obróbki. Miedź stała się pierwszym metalem używanym przez ludzi do produkcji narzędzi, ponieważ łatwiej było ją wydobywać. Później człowiek zaczął wydobywać z rudy inne metale, w tym cynę i ołów. Łącząc miedź z cyną, człowiek stworzył pierwszy metal, który nie występuje w naturze - brąz. Kultury celtyckie, które dominowały w Europie przed podbojem rzymskim, szeroko wykorzystywały brąz i inne metale, wykorzystując je do tworzenia własnych tradycji dekoracyjnych.

Pojawienie się sztuki jest bezpośrednio związane z rozwojem społeczeństwa i warunków życia człowieka. Rozwinęło się społeczeństwo, rozwinęła się kultura, pojawiło się coraz więcej nowych rodzajów sztuki, nierozerwalnie związanych ze sposobem życia człowieka.

Sposoby odzwierciedlenia rzeczywistości w sztuce.

Sztuka sama w sobie jest sposobem odzwierciedlania rzeczywistości. Istnieją dwa główne sposoby odzwierciedlania rzeczywistości w sztuce – realistyczny i konwencjonalny. W sztuce takie sposoby przedstawiania rzeczywistości są zawsze obecne. Mogą istnieć równolegle lub jeden z nich zostanie uznany za lidera. Sztuka realistyczna to nie tylko zwykła kopia rzeczywistości. Artystyczne obrazy metodą realistyczną przedstawiają życie jakby w formie skoncentrowanej, skupiającej się na danym zadaniu epoka kulturowa postacie, wydarzenia, uczucia, idee, problemy. Sztuka konwencjonalna daje większe możliwości poszerzania i interpretowania treści obrazów artystycznych. Taka sztuka może mieć charakter symboliczny.

W kultura europejska Sztuka średniowiecza była w dużej mierze konwencjonalna, symboliczna: obrazy malarskie i rzeźbiarskie, dalekie od wiarygodności, służyły ideom religijnym, triumfowi ducha nad fizycznością. Dzięki tej rzeźbie Gotyckie katedry tak konwencjonalne, że postacie są zwykle ukryte za fałdami odzieży.

Sztuka realistyczna dobrze czyta się w sztuce naskalnej prymitywny człowiek zdaje się oddawać rzeczywistość nowoczesny świat w którym istnieje człowiek. Odsłania swoją teraźniejszość, bez upiększania i bez nadmiernego zastanawiania się.

Sztuka opanowuje i wyraża rzeczywistość w formie artystycznej i figuratywnej, to właśnie pozwala ją odróżnić od wszystkich innych typów ludzka aktywność. Obraz artystyczny to nie tylko podobieństwo zewnętrzne z rzeczywistością, ale przejaw twórczego podejścia do rzeczywistości jest sposobem na dodanie pewnych kolorów prawdziwemu życiu.