Słynne obrazy Karla Bryullova z tytułami. Najsłynniejsze obrazy Bryulłowa, za które otrzymał przydomek „Karol Wielki”. Okres twórczy Włoch

Przyszły wielki malarz urodził się 12 grudnia 1799 roku w Petersburgu, w rodzinie artysty tworzącego wspaniałe miniatury, Pawła Brullo, potomka hugenota. Masowo opuścili swoją ojczyznę w 1685 roku, kiedy król Ludwik XIV wydał dekret uchylający edykt nantejski. Nadszedł czas, gdy protestanci byli wszędzie prześladowani.

Twórczy los Karla był z góry przesądzony od urodzenia - jego ojciec był malarzem w trzecim pokoleniu; jego 5 synów (Karl – środkowy) kształciło się w Akademii Sztuk Pięknych, gdzie wykładał i zostało malarzami.

Karl miał bardzo słaby układ odpornościowy, często chorował i do siódmego roku życia prawie cały czas spędzał w łóżku. Jego ojciec, z przekonania mason, uważał, że każdą minutę należy z pewnością wykorzystać pożytecznie. Sam zajmował się wychowaniem chłopców, żądając, aby codziennie rysowali, a zadania były niemałe. Jeśli ktoś nie wypełnił całego limitu, tracił lunch. Któregoś razu w złości uderzył chłopca za drobny żart i przez całe życie był głuchy na jedno ucho.

W 1809 roku Karl i jego starszy brat zostali przyjęci do Akademii Sztuk Pięknych bez egzaminów. Mentorzy szybko zauważyli, że wśród jego kolegów z klasy nikt nie mógł się równać z Karlem w rysowaniu - otrzymał nagrody, jak powiedzieli jego nauczyciele, „garstką”, zadziwiając wszystkich swoim talentem i wyjątkowymi zdolnościami.

Po triumfalnym ukończeniu Akademii w 1821 roku i otrzymaniu doskonałego dyplomu, Karl został emerytem Towarzystwa Zachęty Artystów (OSH) i za te fundusze wraz z bratem wyjechał do Włoch.

Przez dziesięć miesięcy bracia poruszali się powoli, zatrzymując się i przechodząc kraje europejskie, odwiedzając wiele miast Dwanaście wspaniałe lata Bryullov spędził swoje życie we Włoszech, na tej błogosławionej dla wszystkich artystów ziemi stał się utalentowanym malarzem. W tych latach w Europie miało miejsce wiele wydarzeń, w szczególności naznaczonych były one niemożliwą do pogodzenia walką między klasycyzmem a romantyzmem. Wciąga to Aktywny udział i Bryullov. Główne „bitwy” rozegrały się w Paryżu, gdzie klasycy David i Ingres zostali „zaatakowani” przez artystów pod wodzą Delacroix.

Od 1789 r. malarze z Rosji nie byli wpuszczani do Francji – mieszkali w Rzymie. Bryullov był zafascynowany wspaniałym malarstwem renesansu, ale szukał własnej ścieżki. Wkrótce pożegnał się z zaproponowanymi przez Akademię przedmiotami. Jego prace „Włoski poranek”, „ Włoskie południe”, „Jeździec” i inni stawiają artystę na równi z najlepszymi malarzami w Europie. Wywołały one jednak zamieszanie w przedsiębiorstwie publicznym, które mu zapłaciło gotówka. Karol w 1829 r. zerwał stosunki z OPH i odmówił pomocy.

W tym czasie Karla przyciągnęła fabuła z życia starożytnego Rzymu, a następnie bogaty przemysłowiec A. Demidov zaprosił artystę do namalowania obrazu opartego na tej fabule. Bryullov pisał tę pracę przez prawie sześć lat. Praca była swego rodzaju malarską odpowiedzią na pytania nurtujące wówczas młodych artystów. W swojej twórczości starał się pogodzić klasycyzm i romantyzm. Rezultat był oszałamiający - „Ostatni dzień Pompei” był ogłuszającym triumfem we wszystkich krajach europejskich. Płótno zostało wystawione w Paryżu i zostało nagrodzone Wielkim Złotym Medalem. Następnie prezent Demidowa dla cesarza został wystawiony w Akademii Sztuk Pięknych Płótno Bryullova przyciągnęło tak wielu ludzi, że przyszli go obejrzeć. Czekały na niego długie kolejki ludzi.

Bryullov opuścił Włochy na wezwanie Mikołaja I, pozostawiając swoją miłość. Hrabina Julia Samoilova to rosyjska piękność - o jej powieściach powstały legendy. Z ich częstej korespondencji jasno wynika, że ​​była to pasja. Julia była muzą Bryulłowa, błyszczy na wielu jego obrazach.

Rosja z radością powitała „Wielkiego Karola”, jak go nazywano po tym triumfie. Przyjęcia na jego cześć odbywały się w najszlachetniejszych domach stolicy i Moskwy. Bryullov spotkał wielu najlepszych przedstawicieli kultury i sztuki. Z M. Glinką i N. Kukolnikiem łączyła go ciepła, szczera przyjaźń. Ale nie wszystko poszło tak gładko... Puszkin pisał: „Bryulłow wraca niechętnie, bojąc się wilgotnego klimatu i niewoli”. Niechęć do powrotu miała poważne powody – Mikołaj I, podekscytowany nastrojem panującym w Europie, „dokręcił śruby”. Relacje między cesarzem a malarzem były napięte - Bryulłow z natury był zbyt kochający wolność. Rzeczywiście jest bardzo zaskakujące, że nie namalował ani jednego portretu rosyjskiego monarchy; pod różnymi, często naciąganymi pretekstami, odmawiał takich zleceń; zachowało się na ten temat kilka wspomnień jego współczesnych.

Artysta zaczął tworzyć płótno „Oblężenie Pskowa przez S. Batorego”, które, jak powiedział, bardzo szybko przerodziło się w „Irytę z Pskowa”. Pisał go przez osiem lat, a potem porzucił. Aby zapisać się na zajęcia prof. Bryullov K.P. była ogromna kolejka. Jego wdzięcznymi uczniami byli: Czistyakow, Szewczenko, Fiedotow, Ge.

Życie osobiste wielkiego malarza nie układało się. Zakochał się w Emily Timm, córce burmistrza Rygi. Zgodziła się zostać jego żoną, ale przed ślubem Amy przyznała, że ​​uległa zalotom ojca i kontynuuje z nim intymną relację. Jednak młodzi ludzie pobrali się. Ale ojciec Amy zaakceptował jej małżeństwo jako przykrywkę dla kontynuowania tego związku. Kilka miesięcy później małżeństwo zostało rozwiązane. „Wielki Karol” był oczerniany. Plotkom nie było końca, w wielu domach stolicy nie był już akceptowany.

Artysta często chorował i cierpiał na problemy z sercem. W 1849 roku opuścił Rosję, podróżując po Europie, zatrzymując się ok. Madera. Rok później Bryullov odwiedził Hiszpanię, a stamtąd przeniósł się do swojego ukochanego Rzymu. Zaprzyjaźnił się z rodziną Angelo Tittoniego, towarzysza Garibaldiego w walce rewolucyjnej.

11 czerwca 1852 roku K. P. Bryullov odszedł z tego świata w Manziana pod Rzymem, gdzie przepisano mu przepisane przez lekarza wody mineralne... Rano nic nie zapowiadało tragedii, ale po obiedzie nagle poczuł się uduszony i trzy godziny później jestem na nogach ostatni oddech przytomny, zmarł.

Karl Bryullov został pochowany w Rzymie na cmentarzu Monte Testaccio. Dla największego malarza Wiek XIX miał zaledwie pięćdziesiąt dwa lata.

Natalia Abdullaeva

Na pewno obrazy Karol Pawłowicz Bryulłow znany wszystkim ze szkoły. „Ostatni dzień Pompejów”, „Włoskie popołudnie” i inne obrazy przesiąknięte są prawdziwymi emocjami, uczuciami i ekspresją. W przeciwieństwie do wielu innych artystów Bryullov wybierał swoje modele nie spośród delikatnych, wypieszczonych modeli. Jego bohaterkami były dziewczyny z prawdziwe życie ze wszystkimi ich zaletami i wadami. Nie wszyscy współcześni od razu zgodzili się z innowacją autora, ale z biegiem czasu Bryullov zyskał uznanie na całym świecie, a on sam zaczął nazywać się „Karlem Wielkim”.

Karol Bryulłow urodził się w 1799 r. Jako dziecko był bardzo chorym chłopcem i przez kilka lat nie wstawał z łóżka. Ale fakt ten nie powstrzymał jego ojca, Pawła Brullo, który postanowił uczyć syna malarstwa. Codziennie dziecko dostawało zadania: rysowanie zwierząt, ludzi czy motywów przyrodniczych. I chociaż Karl nie poradził sobie z zadaniem, nie otrzymał śniadania.

W wieku 10 lat Karl Brullo zapisał się do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, gdzie studiował przez 12 lat. Chłopiec znakomicie poradził sobie z każdym powierzonym mu zadaniem i za to w 1822 roku otrzymał czteroletnie stypendium emerytalne, które obejmowało naukę we Włoszech. Przed wyjazdem Karol otrzymał od cesarza pozwolenie na dodanie litery „v” do swojego nazwiska, aby wszyscy zrozumieli, skąd pochodzi artysta.

Włochy urzekły młodego artystę. W 1827 roku artysta namalował obraz „Włoskie popołudnie”, którego modelką była ładna, pulchna Włoszka. W Rosji obraz ten został przyjęty bardzo chłodno, ponieważ nie odpowiadał ówczesnym trendom mody. Krytycy nazwali ten model „nieproporcjonalnym”, a Bryullov ze skandalem opuścił Cesarskie Towarzystwo Zachęty Sztuki.

W 1827 roku we Włoszech Karl Bryullov spotkał hrabinę Julię Pawłowną Samoilovą. Artystę urzekło niesamowite śródziemnomorskie piękno, inteligencja i wdzięk tej kobiety. Hrabina często stała się wzorem dla obrazów Bryulłowa. Na obrazie „Portret hrabiny Yu. P. Samoilovej opuszczającej bal ze swoją uczennicą Amalią Pacini” niesamowita kolorystyka i przepych strojów tylko podkreśliły piękno jego muzy.

W 1830 roku Karl Bryullov wraz z hrabiną Samoilovą udali się do ruin Pompejów i Herkulanum. Dwa lata wcześniej doszło do kolejnej erupcji Wezuwiusza, modne było więc wówczas zainteresowanie architekturą.

Bryullov rozpoczął pracę nad obrazem, który przyniósł mu światową sławę, na prośbę filantropa Anatolija Demidowa. Artysta przed przystąpieniem do malowania płótna przestudiował wiele dokumentów historycznych dotyczących Pompejów i wykonał wiele szkiców z miejsca zdarzenia.

Karl Bryullov namalował ludzi na obrazie tak emocjonalnie, jak to tylko możliwe. Uchwycił się tam jako artysta biegający z przyborami kreślarskimi. Na płótnie można spotkać także Julię Samoilovą. Ukazana jest tam w trzech wizerunkach: kobiety z dzbanem na głowie, matki próbującej chronić córki i umierającej na chodniku.

W Rzymie „Ostatni dzień Pompejów” spotkał się z najbardziej pochlebną krytyką, po czym obraz został wysłany do Luwru w Paryżu. W 1834 roku obraz dotarł do Petersburga, gdzie wywołał prawdziwe poruszenie. Sam cesarz Mikołaj I chciał zobaczyć obraz, po czym przyznał Karolowi Bryulłowowi nagrodę.

Nie mniej kultowym obrazem malarza była „Batszeba”. Przed Bryullowem Rosyjscy artyści praktycznie nie zwrócił się ku nagości. Bryullov, zainspirowany sukcesem „ Ostatni dzień Pompeje” postanowił namalować obraz w nowym gatunku. Wziął za podstawę opowieść biblijna o Batszebie, którą król Dawid widział podczas kąpieli.

Mistrz pracował nad obrazem kilka lat. Krytycy nazwali go „zmysłowym i błyszczącym kolorem”. Artysta zdał sobie sprawę, że nie może przekazać widzom swoich planów i nawet raz rzucił butem w obraz. Bryullov nie dokończył obrazu, pędzle piękności pozostały niepomalowane. W takiej formie mecenas zakupił „Batszebę” i wysłał ją do Galerii Trietiakowskiej.

Obraz budzi wiele pytań wśród krytyków sztuki. Naukowcy wciąż spierają się o to, kto tak naprawdę jest na nim przedstawiony.

Karl Bryullov to znany artysta, którego nazwisko stało się synonimem ruchów klasycyzmu i późnego rosyjskiego romantyzmu w malarstwie. Talent kultywowany w Bryullowie od dzieciństwa dał światu tak wyjątkowe dzieła, jak „Jeździec”, „Głowa Bachusa”, „Śmierć Inessy de Castro”, „Bathszeba”, „Wróżka Swietłana”. A jego obraz „Ostatni dzień Pompejów” do dziś zachwyca prawdziwych koneserów sztuki na całym świecie.

Dzieciństwo i młodość

Przyszły artysta urodził się 23 grudnia 1799 roku w Petersburgu. Rodzina Bryullovów miała wiele dzieci: Karl dorastał w otoczeniu trzech braci i dwóch sióstr. Ojciec rodziny miał nienaganny gust artystyczny: zajmował się rzeźbą ozdobną, rzeźbieniem w drewnie, mistrzowsko malowanymi miniaturami i wykładał w Akademii Sztuk Pięknych. Nic dziwnego, że dzieci przejęły od niego pragnienie kreatywności i poczucie piękna.

Karl dorastał jako chorowity chłopiec i był zmuszony spędzać dużo czasu w łóżku. Jednak mimo to pilnie zgłębiał subtelności sztuki malarskiej, intensywnie ucząc się u ojca. Nie pozwalał też na żadne wyrozumiałości, a nawet czasami pozbawiał syna śniadania za brak pracowitości.

Taka surowa dyscyplina połączona z wrodzonym darem nie mogła nie przynieść rezultatów i już w wieku 10 lat Karl Bryullov z łatwością wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, zachwycając nauczycieli swoim dokładnym przygotowaniem i bezwarunkowym talentem.

Pierwszym poważnym dziełem artysty był obraz „Narcyz patrzący w wodę”. W tej pracy Karl Bryullov grał na micie młodego mężczyzny o imieniu Narcyz, który nieustannie podziwiał własne piękno. W 1819 roku obraz przyniósł artyście pierwszą nagrodę - mały złoty medal Akademii Sztuk Pięknych. Ten moment uważa się za początek poważnej twórczej biografii Karla Bryullova.

Obraz

W 1821 r. Karol Pawłowicz ukończył pracę nad kolejnym arcydziełem - obrazem „Pojawienie się trzech aniołów Abrahamowi pod dębem Mamre”. Tym razem Akademia Sztuk Pięknych okazała się bardziej przychylna do młodego artysty, świętując nowe dzieło dużym złotym medalem, a także prawo do wyjazdu do Włoch na spotkanie Tradycja europejska obraz. Okoliczności były jednak takie, że młody człowiek mógł wyjechać za granicę później – w 1822 roku.

Karl Bryullov przyjechał do Włoch ze swoim bratem Aleksandrem. Tam młodzież studiowała twórczość mistrzów renesansu, a także wcześniejsze dzieła artystów europejskich. Karl Bryullov szczególnie lubił malarstwo gatunkowe. Pod wrażeniem tego kierunku, młody człowiek napisał znane obrazy„Włoski poranek” i „Włoskie popołudnie”. Codzienne sceny z życia zwykli ludzie Okazały się niezwykle wzruszające i pełne uczuć.

W pracach Bryullova odnotowany jest także „okres włoski”. duża ilość portrety: „Jeździec”, portret Julii Samoilovej z małym arapem, portret muzyka Matveya Vielgorsky'ego - wszystkie te dzieła pochodzą z tamtych czasów. Seria portretów jest kontynuowana później, po powrocie Karola Pawłowicza do rodzinnego Petersburga.

Kilka lat później Karl Bryullov wrócił do swoich ukochanych Włoch, gdzie szczegółowo studiował ruiny starożytnych miast - Herkulanum i Pompeje, które zostały zniszczone przez potężne trzęsienie ziemi. Majestat Pompejów, które uległy zniszczeniu pod wpływem żywiołów, wywarł wrażenie na artyście, a Karl Bryullov poświęcił kilka następnych lat na studiowanie historii Pompejów i materiałów archeologicznych. Wynik żmudna praca stało się płótnem zatytułowanym „Ostatni dzień Pompejów”, które zdaniem krytyków sztuki stało się szczytem twórczości mistrza.

W 1833 roku, po kilkudziesięciu szkicach i szkicach, a także 6 latach ciężkiej pracy, Karl Bryullov przedstawił miłośnikom sztuki „Ostatni dzień Pompejów”. Wiadomość o tym obrazie natychmiast rozeszła się po wszystkich świeckich salonach i szkołach artystycznych - artyści i ludzie po prostu nieobcy sztuce przybyli na wystawy w Mediolanie i Paryżu specjalnie, aby zapoznać się z twórczością Bryulłowa i niezmiennie byli zachwyceni.

Sam Karol Pawłowicz został odznaczony złotym medalem paryskich krytyków sztuki, a także honorowym członkostwem wielu europejskich akademii artystycznych. Tak zakrojona na szeroką skalę praca zdawała się pochłaniać wszystkie siły mistrza. Po ukończeniu „Ostatniego dnia Pompejów” Bryullov popadł w kryzys twórczy, zaczął i porzucał niedokończone płótna, by wkrótce w ogóle przestać sięgać po pędzel.

Decydując się na przerwę, Karol Pawłowicz wybrał się na wyprawę do Grecji i Turcji. Zmiana scenerii dobrze zrobiła artyście: zaraz po podróży Bryullov napisał całą serię akwareli i rysunków, z których najbardziej znane to „Ranny Grek”, „Fontanna Bakczysaraja”, „Turk na koniu”, „Turecki Kobieta".

W 1835 r. Bryulłow, wykonując dekret cara, powrócił do Imperium Rosyjskiego. Nie udał się jednak od razu do Petersburga, lecz zatrzymał się w Odessie, a następnie w Moskwie. Złotogłowy wpływ na artystę mocne wrażenie, urzekający swoim majestatem i prostotą zarazem.

Po powrocie do Petersburga Karl Bryullov, podobnie jak wcześniej jego ojciec, rozpoczął naukę w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych. Później styl uczniów Karola Pawłowicza nazwano „szkołą Bryulłowa”. Sam Bryullov kontynuował pracę nad portretami, ponadto brał udział w malowaniu kościoła na Newskim Prospekcie.

Życie osobiste

Przez wiele lat życie osobiste Karla Bryullova było związane z hrabiną Julią Samoilovą, która stała się dla artysty zarówno kochankiem, wiernym przyjacielem, wsparciem, jak i muzą i ulubioną modelką. Związek Bryulłowa i Samoilovej był wielokrotnie przerywany, Julia wyjechała do Włoch, gdzie według plotek nie odmawiała sobie zmysłowych przyjemności. Potem para wróciła do siebie.

W 1839 roku Karl Bryullov poślubił młodą Emilię Tim. Dziewczyna miała wtedy zaledwie 19 lat. Ale miesiąc później para rozstała się. Żona Karola Pawłowicza wraz z rodzicami wyjechała do rodzinnej Rygi, a postępowanie rozwodowe trwało kolejne dwa lata, aż do 1841 roku.

Sama Emilia obwiniała męża za rozstanie, a część przyjaciół artystki nawet odwróciła się od niego, stając po stronie dziewczyny. Według innych informacji powodem rozwodu była zdrada Emilii poprzez spotykanie się z innym mężczyzną.

Bryulłowowi ciężko było rozstać się z żoną, a Julia Samojłowa, która na jakiś czas przyjechała do Petersburga, ponownie stała się jego wsparciem. Artysta nie miał dzieci.

Śmierć

W 1847 r. Zdrowie artysty znów dało się odczuć: reumatyzm i schorowane serce Karola Pawłowicza poważnie skomplikowały ciężkie przeziębienie, a Bryulłow długo chorował. Jednak nawet w tym stanie mistrz nie mógł powstrzymać się od tworzenia. W 1848 roku Bryullov wykonał autoportret, który do dziś uważany jest za przykład gatunku i według krytyków sztuki znacznie lepiej oddaje charakter artysty niż zdjęcie.

Rok później Karol Pawłowicz za namową lekarzy wyjechał na Maderę. Morski klimat powinien był złagodzić sytuację artysty, ale niestety było już za późno. Stan zdrowia Bryulłowa stale się pogarszał i 23 czerwca 1852 r. mistrz zmarł z powodu choroby, która osłabiła jego organizm. Po śmierci artysty pozostały niedokończone szkice i szkice, które obecnie przechowywane są w prywatnych kolekcjach i muzeach na całym świecie.

Pracuje

• 1823 - „Włoski poranek”
• 1827 - „Włoskie popołudnie”
• 1827 - „Przerwana randka”
• 1830-1833 - „Ostatni dzień Pompejów”
• 1831 - „Giovanina Pacini”
• 1832 - „Jeździec”
• 1835 - „Olga Ferzen na osiołku”
• 1839 - Portret bajkopisarza Iwana Kryłowa
• 1840 - Portret pisarza Aleksandra Strugowszczykowa
• 1842 - Portret hrabiny Julii Samoilovej
• 1848 - Autoportret

"Autoportret"
1836
Karl Petrovich Bryullov to wybitny rosyjski malarz historyczny, portrecista, pejzażysta, autor monumentalnych obrazów; zdobywca nagród honorowych: dużych złotych medali za obrazy „Pojawienie się trzech aniołów Abrahamowi pod dębem Mamre” (1821) i „Ostatni dzień Pompejów” (1834), Order Anny III stopnia; Członek Akademii Mediolańskiej i Parmy, Akademii św. Łukasza w Rzymie, profesor Akademii Sztuk w Petersburgu i Florencji, honorowy współpracownik paryskiej Akademii Sztuk.

„Dziewczyna zbierająca winogrona w okolicach Neapolu”
1827
olej na płótnie 62x32,5
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Włoszka spodziewająca się dziecka”
1830
karton, akwarela, ołówek graficzny 19x22,5cm,
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Portret hrabiny Julii Pawłownej Samoilovej z Giovaniną Pacini i małym czarnym chłopcem”
1832-1834
Olej na płótnie 51 x 73
Muzeum Hillwooda
Waszyngton

Obraz „Ostatni dzień Pompei” (1827–1833) stał się szczytem osiągnięć twórczych, pojedynczym wybuchem błyskotliwego talentu i wirtuozowskich umiejętności artysty. Tłumy widzów w Rzymie, Mediolanie, Paryżu ( Złoty medal 1834) i Petersburg byli zafascynowani wspaniałością planu i wykonania. Płótno zostało podarowane przez klienta Anatolija Demidowa carowi Mikołajowi I.
Wybiera się na zwiedzanie ruin Pompei i Herkulanum, nawet nie podejrzewając, że ta podróż doprowadzi go na sam szczyt kreatywności. Bryullov był zszokowany tym, co zobaczył – wiedza o tragedii nie mogła przyćmić ostrości percepcji. Artysta miał poczucie, że nigdzie indziej nie znalazłby tak uderzającego obrazu nagle przerwanego życia. Mieszkańcy starożytne Pompeje swoją śmiercią zasłużyli na nieśmiertelność.
Bryulłow nie raz wracał do zniszczonego miasta, w jego umyśle pojawiał się obraz, w którym ślepe żywioły nie tylko odbierały ludzkie życie, ale także obnażały dusze.


„Ostatni dzień Pompejów”
1830-1833
Płótno, olej. 456,5 x 651 cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie

„Portret księżnej Elżbiety Pawłownej Saltykowej”
1841
Olej na płótnie 200 x 142
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Portret Yu.P. Samoilovej z adoptowaną córką Amalią”
1842
Olej na płótnie 249 x 176
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Portret księżniczki A.A. Bagration”
1849
olej na płótnie 60 x 52,8 cm

Moskwa

"Chodzić"
1849
Papier, akwarela 31 x 46
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Narcyz patrzący w wodę”
1819
olej na płótnie 162 x 209,5
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Fortuna Swietłana”
1836
Państwowe Muzeum Sztuki w Niżnym Nowogrodzie

Jedyna praca K.P. Bryullova o tematyce narodowej, powstała bezpośrednio po powrocie artysty z Włoch. Romantyczna fabuła płótna ze sceną Wróżenie Objawienia Pańskiego inspirowany popularną wówczas balladą „Swietłana” V.A. Żukowskiego. Obraz ma jednak charakter niezależny, można go uznać za swego rodzaju obrazową paralelę do słynnego dzieła literackiego.

„Portret księżniczki E.P. Saltykowej”
1833-1835
papier, akwarela 44 x 33,6 cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

1834
Olej na płótnie 195 x 126
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Portret Wielkiej Księżnej Eleny Pawłownej z córką Marią”
1830
Olej na płótnie 265 x 185
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Portret autora i baronowej E.N.Meller-Zakomelskiej z dziewczyną na łódce”
1833-1835

„Fontanna Bakczysaraju”
1849
Ogólnorosyjskie Muzeum A.S. Puszkina

„Portret sióstr A.A. i OAShishmarevs”
1839
Olej na płótnie 281 x 213
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Słodkie wody w pobliżu Konstantynopola”
1849
akwarela, 69 x 87 cm.
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

Inessa de Castro jest córką Pedro Fernandeza de Castro z kastylijskiej rodziny królewskiej.
Jako nadworna dama żony infanta Don Pedro, syna króla Portugalii Alfonsa IV, Inessa de Castro urzekła swą urodą Infanta, który po śmierci żony (1345) poślubił ją potajemnie.
Doradcy króla ujawnili tajemnicę niemowlęcia. Don Pedro, zapytany przez ojca, nie odważył się powiedzieć prawdy, ale jednocześnie nie zgodził się poślubić innej. Następnie rada królewska podjęła decyzję o zabiciu Inessy de Castro.
Któregoś dnia, gdy Don Pedro był na polowaniu, król udał się do Inessy de Castro, lecz wzruszony widokiem nieszczęsnej kobiety, która rzuciła mu się do stóp z dziećmi, błagając o litość, nie odważył się spełnić swego okrutne zamiary.
Doradcom królewskim udało się jednak uzyskać zgodę na popełnienie morderstwa i jeszcze tego samego dnia Inessa de Castro została zamordowana.
Po śmierci Alfonsa IV mordercy Inessy de Castro uciekli do Kastylii, ale zostali wydani w zamian za hiszpańskich zbiegów i brutalnie straceni.
Dwa lata później król uroczyście ogłosił, że za pozwoleniem papieża poślubił Inessę de Castro, nakazał wynieść jej ciało z grobu, ubrać się w szaty królewskie, założyć koronę, zasiąść na tronie i nadano królewskie zaszczyty. Następnie ciało zostało uroczyście pochowane w grobowcu królewskim, nad którym wzniesiono wspaniały pomnik z białego marmuru, zwieńczony wizerunkiem Inessy de Castro w koronie na głowie.

„Śmierć Inessy de Castro”
1834
olej na płótnie, 213 x 299,5
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

Obraz „Jeździec” został namalowany w 1832 roku na zlecenie hrabiny Julii Pawłownej Samoiłowej. Na obroży psa przedstawionego na tym portrecie artystka napisała imię „Samoilova”. W 1832 roku obraz był wystawiany w Mediolanie, w Galerii Brera. A potem było wiele odpowiedzi na to, które zebrał i przetłumaczył jeden z wiernych uczniów Bryulłowa, artysta Michaił Żeleznow. Płótno znajdowało się w kolekcji hrabiny, która została sprzedana w 1872 roku, na krótko przed śmiercią zbankrutowanej Samoilovej.
W 1896 r. zakupiono „Jeździcę” do galerii P. M. Tretiakowa. Początkowo przypuszczano, że obraz przedstawia samą hrabinę, ale historycy sztuki udowodnili, że tak nie jest, porównując obraz z późniejszymi pracami Bryulłowa „Portret hrabiny Yu.P. Samoilova ze swoją uczennicą Giovanniną i małym czarnym chłopcem” oraz „Portret hrabiny Yu.P. Samoilova opuszcza bal ze swoją adoptowaną córką Amatsilią. Obraz przedstawia dwie uczennice hrabiny Samoilovej – Giovaninę i Amazilię Pacini. Amazilia Pacini była córką włoskiego kompozytora Giovanniego Paciniego, przyjaciela Yu Samoilovej. Niewiele wiadomo o Jovaninie.

"Jeździec"
1832
Olej na płótnie 291,5 x 206
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Pod dębem Bogorodickim”
1835
Olej na płótnie 61 x 74
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Portret cesarzowej Aleksandry Fiodorowna”
1837
Regionalne Muzeum Sztuki
Woroneż
Rosja

„Oblężenie Pskowa przez króla polskiego Stefana Batorego w 1581 r.”
1843
Olej na płótnie 482 x 675
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Zakonnice z klasztoru Najświętszego Serca w Rzymie śpiewają na organach”
1849
Olej na płótnie 53,4 x 76,3 (góra - półowal)
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Inwazja Generyka na Rzym”
1836
olej na płótnie 88 x 117,9
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Przerwana randka”
1827
karton, akwarela, ołówek graficzny, 23 x 187 cm.
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa.

„Impreza w Albano”
Lata 30. XIX wieku
papier, akwarela, werniks, ołówek graficzny, 24,7 x 33 cm.
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Sen dziewczyny o świcie”
Lata 30. XIX wieku
Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkin

„Sen zakonnicy”
1831
papier, akwarela, werniks, 22,5x27,4
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Dolina Itom przed burzą”
1835
Akwarela, papier.
Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkina
Moskwa

„Świątynia Apolla Epikurejczyka w Phigalii”
1835
akwarela, papier
Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin
Moskwa

„Diana, Endymion i Satyr”
1849
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Satyr i bachantka”
1824
olej na płótnie, 25,5 x 21 cm.
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Erminia z pasterzami”
1824
Olej na płótnie 98,2 x 137,3
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Batszeba”
1832
Olej na płótnie 173 x 125,5
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

Za początek jego twórczości posłużył obraz „Poranek” namalowany przez Bryulłowa w 1823 roku kompozycje gatunkowe. Była to pierwsza próba artysty studiowania prawdziwego życia.
Pracując nad obrazem „Poranek” Bryullov napisał do Towarzystwa Zachęty Artystów: „Oświetliłem modela w słońcu, zakładając oświetlenie od tyłu, tak aby twarz i klatka piersiowa znajdowały się w cieniu i odbijały się od fontanny oświetlone przez słońce, co sprawia, że ​​wszelkie cienie są o wiele przyjemniejsze w porównaniu ze zwykłym oświetleniem z okna.” Postawiony przez Bryullova problem oświetlenia, czyli badanie natury w naturalnym środowisku, mówił o realistycznych dążeniach artysty.
Zwracając się do starych mistrzów o twórczą poradę, Bryullov wolał Tycjana, podobnie jak za jego czasów w Wenecji, Tiatoretto i Veronese. W Tycjanie młodego Bryulłowa najbardziej pociągała umiejętność przekazywania oświetlenia. Postanowił skopiować dzieło wielkiego Wenecjanina do rzymskiej kolekcji Schara. Dowiedziawszy się o zakazie od właścicieli, Bryullov był zmuszony ograniczyć się do zwiedzania ich pałacu, gdzie, jak sam przyznaje, próbował przynajmniej „ukryć oczami” sztukę starego mistrza.
Malarstwo Bryullova przyciągało uwagę świeżością koncepcji, spontanicznością obserwacji i nowatorstwem zadań malarskich. Została bardzo ciepło przyjęta przez współczesną prasę, która szczegółowo ją opisała.
„To jest zdjęcie” – napisali w „ Notatki krajowe„- zawiera w malarstwie prawdziwą magię: wybudzona ze słodkiego snu dziewczyna biegnie do fontanny, aby odświeżyć się wodą. Obydwa uchwyty umieściła pod wpustem i niecierpliwie czeka, aż napełnią się wodą, która szemrząc, spływa na nie cienkim strumieniem. Cała jej uwaga skupiona jest na tym ostatnim. . . Tymczasem promienie wschodzące słońce przebijają się jak przez bursztyn, przez jej urocze ucho. To jest prawdziwy urok!” – entuzjastycznie zakończył swój opis autor artykułu.

„Włoski poranek”
1823
Kunsthalle
Kil

Do obrazu „Włoskie popołudnie” (1827) Bryullov wybrał jako model niską, gęstą kobietę, wypełnioną sokiem jak kiść winogron, która urzekająca urokiem i nieokiełznaną radością bycia symbolizuje rozkwit ludzkiej siły .

„Włoskie popołudnie”
1827
Olej na płótnie 64 x 55
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Portret U.M. Smirnowej”
1837-1840
olej na płótnie 90x71,5
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Śpiąca Juno”
(etiuda)
1839-43, olej na płótnie,
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Portret Wielkiej Księżnej Eleny Pawłownej”
1829
Olej na płótnie 73,4 x 59 (owal)
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Portret Wielkiej Księżnej Olgi Nikołajewnej”
(1822-1892).
1837
Olej na płótnie 46 x 38 (owal)
Regionalne Muzeum Sztuki w Samarze
Skrzydlak

„Portret hrabiny O.I. Orłowej-Davydovej z córką”
1834
Olej na płótnie 195 x 126
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Portret M.M. Beka z córką”
1840
Olej na płótnie 246,5 x 193
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Portret dzieci Wołkonskich z czarnym wrzosem”
1843
Olej na płótnie 146,1 x 124,1
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Jeźdźcy. Portret E.I. Mussara i E. Mussara”
1849
Karton, akwarela, biały, ołówek włoski 69 x 59,9
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Portret Wielkiej Księżnej Marii Nikołajewnej”
Etiuda.
1837
olej na płótnie 60,2x48
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

"Autoportret"
1848
Karton, olej 64,1 x 54
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Portret bajkopisarza Iwana Andriejewicza Kryłowa”
1839
Olej na płótnie 102,3 x 86,2
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa

„Geniusz sztuki”
1817-1820
kreda, pastel, węgiel na papierze,
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

Bryullow, namalowawszy obraz na temat ustalony przez Akademię Sztuk Pięknych, otrzymał złoty medal i został wystawiony na wystawie akademickiej w 1821 roku.
Abraham jest przede wszystkim założycielem narodu izraelskiego aktor wydarzenia biblijne.
W południowym upale trzech podróżników podeszło do Abrahama, siedzącego w pobliżu namiotu rozbitego w dębowym gaju mamwryjskim, i poprosiło o schronienie. Abraham ciepło przyjął gości, nie podejrzewając, że są to aniołowie. Podczas posiłku jeden z nich przepowiedział Abrahamowi, że będzie miał dziecko. Wkrótce proroctwo się spełniło – żona Abrahama, Sara, urodziła syna, któremu nadano imię Izaak (Rdz 18; 1-16).

„Pojawienie się trzech aniołów Abrahamowi pod dębem Mamre”
1821
Olej na płótnie 113x144cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

„Spowiedź Włocha”
1827-1830
papier, akwarela 26,2x18,7
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg

Karol Bryulłow. Autoportret.

1848. Olej na tekturze. 64,1 x 54.

Dziedzictwo portretowe Bryullowa z ostatniego okresu petersburskiego i włoskiego jest nie mniej cenne niż Pompejusz, który przyniósł artyście światową sławę. Zwieńczeniem intymnego portretu Bryullowa był autoportret namalowany w 1848 roku, podczas jego choroby.

Portret powstał owego pierwszego wiosennego dnia, kiedy po wyniszczającej i długiej chorobie lekarze pozwolili Bryullovowi wstać z łóżka. Artysta spędził siedem miesięcy sam na sam ze sobą, prawie wszystkie wizyty były zakazane przez lekarzy. Choroba zmusiła go do samotności. Samotność prowadziła do skoncentrowanego myślenia. Autoportret jest dowodem na to, jak artysta w surowej, stronniczej rozmowie z samym sobą podsumowuje blisko pół wieku życia. Wynik twórczych poszukiwań. Podsumowanie myśli. Pod zewnętrzną ciszą kryje się intensywna praca myśli. Portret namalowany został z wielkim kunsztem i świadczy o tym, jaką potężną energię twórczą posiadał artysta pomimo choroby i jakie wyżyny osiągnął w opanowaniu wszystkich elementów malarstwa. Na autoportrecie widać zmęczenie fizyczne, ślady choroby: zmęczone powieki, dłoń zwisająca bezwładnie, jakby wtopiona w kości, mówią o chorobie fizycznej. Głowa znużona spoczywa na czerwonej poduszce; kolor ten stanowi dominację kolorystyczną, jest stałym i ulubionym kolorem Bryulłowa, obecnym niemal we wszystkich jego pracach, kolorem wyrażającym jego twórczy temperament. Na podstawie rysunku portret został ukończony farbą w ciągu dwóch godzin.

„Tak narodziło się jedno z najważniejszych dzieł Bryulłowa” – pisze w swojej książce G. Leontyeva. To nie jest tylko portret artysty, namalowany przez niego samego. W stronniczej, surowej rozmowie sam ze sobą mistrz zdaje się podsumowywać swoje twórcze poszukiwania. Podsumowanie myśli. Wynik mojego własnego życia. Ponadto. Wydaje się, że patrząc na siebie w lustrze – tak jak my dzisiaj, patrząc na portret – widzi swoje pokolenie poprzez swoje rysy. Oto wyznanie syna stulecia. Wysokie napięcie sił wewnętrznych i bezgraniczne zmęczenie, wzniosła szlachetność i gorycz rozczarowania, siła ducha i pokora – cała ta poruszająca różnorodność uczuć zostaje uchwycona pędzlem Bryullova i uwieczniona. Patrząc na tę twarz, przypominają się najbardziej gorzkie słowa, jakie artysta powiedział o sobie: „Moje życie można porównać do świecy, którą pali się z obu stron i trzyma w środku rozpalonymi do czerwoności szczypcami…”.

1832. Olej na płótnie. Nie skończony. 173 x 125,5.
Galeria Trietiakowska, Moskwa, Rosja.

Około 1832 roku artysta stworzył dzieło będące w pewnym sensie efektem jego twórczych poszukiwań Malarstwo rodzajowe i mitologia. Wpadł na pomysł obrazu „Batszeba”, nad którym pracował ponad cztery lata.

Bryullova przepełnił pomysł przedstawienia nagiego ciała oświetlonego promieniami zachodzącego słońca. Subtelna gra światła i cienia, lekkość otoczenia otaczającego postać, nie pozbawiły jej rzeźbiarskiej objętości i wyrazistości sylwetki. W „Batszebie” artysta przekazuje zmysłowy erotyzm, otwarcie podziwiając po męsku każdą fałdę smukłego ciała i kosmyki gęstych, powiewających włosów. Intensyfikując wrażenie, mistrz sięgnął po efektowną technikę kontrastu kolorów. Matową biel skóry Batszeby podkreśla ciemna skóra etiopskiej panny przytulonej do swojej pani.

Obraz powstał na podstawie fabuły z Stary Testament. Według Biblii Batszeba była kobietą o rzadkiej urodzie. Król Dawid, przechadzając się po dachu swego pałacu, ujrzał w dole Batszebę. Rozebrawszy się, naga kobieta przygotowywała się do wejścia do wody marmurowej wanny. Król Dawid był pod wrażeniem piękna Batszeby i opanowała go namiętność.

Mąż Batszeby, Uriasz Hetyta, był w tym czasie poza domem i służył w armii Dawida. Batszeba nie próbowała uwieść króla, o czym świadczy tekst biblijny. Dawid jednak uwiedziony urodą Batszeby kazał ją zaprowadzić do pałacu. W wyniku ich związku zaszła w ciążę. Później Dawid napisał list do dowódcy armii Uriasza, w którym nakazał umieścić Uriasza tam, gdzie „będzie najcięższa bitwa i wycofać się z niego, aby został pokonany i umarł” (2 Sam. 11:15). ). Rzeczywiście tak się stało i Dawid poślubił Batszebę. Ich pierwsze dziecko żyło zaledwie kilka dni. Dawid później żałował swoich czynów.

Mimo całej swej wysokiej pozycji najbardziej ukochanej z żon Dawida, Batszeba ukrywała się w cieniu i zachowywała się z godnością. Wydaje się, że jej wpływ na Davida był ogromny. Namówiła go, aby ogłosił królem swego najstarszego syna, Salomona. Następnie w ogromnym stopniu przyczyniła się do ujawnienia zamiarów Adoniasza (czwartego syna Dawida) objęcia tronu swego ojca. W stosunku do Dawida stała się wierną i kochającą żoną oraz dobrą matką dla swoich dzieci (Salomona i Natana).

Portret Giovaniny i Amacilii Pacini,
uczniowie gr. Tak. Samoilova.
1832. Galeria Trietiakowska, Moskwa, Rosja.

Bryullov namalował wiele znakomitych portretów; przy nich okazał się najbliższy realistycznemu smakowi drugiej części połowa XIX wieku wiek. Duże ceremonialne, imponujące, „oparte na opowieściach” portrety świeckich piękności są wyjątkowym zjawiskiem w swoim rodzaju i nigdy nie zostały powtórzone w sztuce rosyjskiej. Lubimy je inaczej niż wtedy: nie traktujemy ich zbyt poważnie, jest coś naiwnego w ich luksusie, ale to właśnie czyni je atrakcyjnymi.

Jeździec, przedstawiający młodą damę na pięknym koniu i spotykającą ją małą dziewczynkę, to jedno z uwodzicielskich dzieł Bryulłowa. Na zlecenie Julii Pawłownej Samoiłowej Karl Pawłowicz Bryulłow namalował portret jej uczniów: najstarszej Jovaniny i najmłodszej Amatsilii.

Gatunek portretu lub rzeźby konnej był modny przy przedstawianiu osób w koronach. Bryulłow, naruszając ten oficjalny kanon, przyjął królewską pozę siedzącej na czarnym koniu młodej uczennicy Samoilovej. W rysach jej twarzy widać anielską obojętność, wydaje się, że wraz z trzepoczącą wstążką na kapeluszu i puszystym niebiesko-białym kostiumem Amazonki zaraz wzbije się w przestworza. Jednocześnie mistrz wpasowuje sylwetkę dziewczyny w obraz o spójnej fabule, pełnej barwnych kontrastów. Artystka odkrywa przed widzami scenę porannego spaceru, kiedy Giovanina galopując zroszoną ścieżką w cieniu stuletnich drzew, zatrzymuje konia przed marmurowym wejściem do domu swojej adopcyjnej matki. Słysząc tętent kopyt, Amacilia Pacini wybiega z drzwi, wyglądając jak lalka w różowej sukience, koronkowych pantalonach i zielonych satynowych bucikach. Podziwia starszego przyjaciela – obiekt jej dziecięcych uwielbień. Podniecenie jeźdźca natychmiast przeszło na nią i wielokrotnie się nasiliło; czarny koń krzyżuje oczy, chrapie, próbuje stanąć dęba; wyczuwając nastrój właścicieli, psy są zmartwione; wiatr ugina wierzchołki drzew; chmury płyną po niebie: wszystko jest podekscytowane, podekscytowane, zaniepokojone, ale to jest radosne podniecenie, radosne podniecenie szczęśliwi ludzie. Przed nami romantyczna opowieść o psotnych i zachwycających radościach młodości. (Uroczy i zabawny szczegół: na obroży psa, który wybiegł na werandę, widniało imię „klienta” - „Samoylo”.)

Entuzjastyczni Włosi porównali Bryulłowa z Rubensem i Van Dyckiem, pisząc, że nigdy wcześniej nie widzieli portretu konnego wymyślonego i wykonanego z takimi umiejętnościami. Ta przesada wynika z niezwykłego charakteru twórczości Bryullova. Portret konny miał zawsze charakter ceremonialny. Nieuchronnie ukrywał się w sobie ukryte znaczenie: jeździec, który osiodłał i ujarzmił gorącego konia, jest człowiekiem władzy. To nie dowódca prowadzący armię do bitwy, ani zdobywca wkraczający do zdobytej stolicy, ani monarcha koronowany na króla – dziewczyna wróciła ze spaceru do domu. W tej pracy Bryullov w końcu się łączy uroczysty portret i codzienna scena. Sam nazwał to dzieło „Jovanin na koniu”, ale dla wszystkich jest to „Jeździec”. „Jovanin na koniu” opowiada trochę o samej „Jovaninie” – Jovaninie; mała Amazilia - zachwyt, impuls, urok dzieciństwa.

Bryullov namalował obraz z poczuciem pełni i radości istnienia, podziwiając piękno i malowniczość świata, z uczuciem, które w nim żyło i które odnalazł w tych dziewczynach, Giovaninie i Amatsilii.

1827. Olej na płótnie. 62 x 52,5.

Po ukończeniu Akademii Sztuk Pięknych Karl Bryullov został wysłany przez Towarzystwo Zachęty Sztuki do Włoch, gdzie dużo pracował, studiując i ucieleśniając życie na płótnie zwyczajni ludzie ten piękny kraj.

Scena z wiejskie życie, który wypatrzył w jednym z włoskich miasteczek, Bryullov zamienił w elegancki spektakl baletowy. Młoda wieśniaczka, jak pełna wdzięku tancerka, wspięła się na palce i rozłożyła elastyczne ramiona, ledwo dotykając winorośli kiścią czarnych winogron. Muzykalność jej pozy podkreśla lekka chitonowa sukienka, która podkreśla jej smukłe nogi. Nić koralowca podkreśla smukłą szyję i rumianą twarz otoczoną kręconymi brązowymi włosami. Inna dziewczyna, leżąc swobodnie na schodach domu, dzwoni w dzwonki tamburynu, zalotnie patrząc na widza. W wesołym towarzystwie interweniuje młodszy brat w krótkiej koszulce – rodzaj bachicznego amorka niosącego butelkę do napełnienia świeżym winem. Dla artysty, który pełnił rolę choreografa, ważna była każda postać i przedmiot, czy to kosz dojrzałych jagód, zielona dynia, strumień wody wypływający z fontanny, czy uroczy kudłaty osioł zaprzęgnięty do wozu. To jest prawdziwy świat teatru, w którym wszystkie żywe istoty są aktorami!

Warsztaty twórcze Rembrandta, Velazqueza, Van Dycka i Tycjana otworzyły drzwi przed artystą z Rosji. Wchłonąwszy zdobycze sztuki światowej, przelewał na swoje płótna rewelacje dorównujące im skalą. Według poety Aleksieja Konstantynowicza Tołstoja Bryullowa uważano za „najlepszego malarza w Rzymie”. Artysta malował portrety włoskiej szlachty i jej rodaków. Jego malarstwo staje się bardziej przejrzyste, kolorystyka obrazów jest intensywniejsza, kolory są świeższe.

Młody malarz pozwala sobie na liryczne dygresje – obrazy o tematyce gatunkowej, które w ocenie współczesnego krytyka niewątpliwie zrodziły się ze szczęśliwego przypadku, zaobserwowanego w codzienności tego kraju, tworzonego pod wpływem bezpośredniej impresji. Są to słynne „gatunki włoskie”, a pierwszy z nich – Italian Morning – przyniósł mu szeroką sławę.

Idea połączenia człowieka i natury, ich porównanie było bardzo charakterystyczne kierunek romantyczny: koniugacje okresu życie człowieka wraz z upływem dnia lub porami roku przyciągało wielu współczesnych Bryullowa.

Obraz „Włoski poranek” to jedna z pierwszych kompozycji gatunkowych wykonanych przez Karla Bryullova bezpośrednio na planie. Jego bohaterka, myjąc się pod strumieniami fontanny, przeniknęła promienie słoneczne zwiewny i lekki, postrzegany jest jako uosobienie samego poranka, poranka wschodzącego nowego dnia, poranka ludzkiego życia.

W liście skierowanym do Towarzystwa Zachęty Artystów relacjonował swoje nowatorskie odkrycia, które poprzedziły poszukiwania naturalnego środowiska świetlno-powietrznego przez malarzy nurtu realistycznego i impresjonistycznego w drugiej połowie XIX wieku: „Ja oświetliłem modelkę w słońcu, zakładając oświetlenie od tyłu, tak aby twarz i klatka piersiowa znajdujące się w cieniu odbijały się od oświetlonej przez słońce fontanny, co sprawia, że ​​wszelkie cienie są znacznie przyjemniejsze w porównaniu ze zwykłym oświetleniem z okna.” „Włoski poranek” został zaprezentowany na wystawie w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1826 roku i otrzymał doskonałą recenzję w czasopiśmie „Notatki domowe”.

Obraz zachwycił wszystkich – włoską, a potem rosyjską publiczność, członków Towarzystwa Zachęty Artystów i wreszcie Aleksandra I, któremu Towarzystwo podarowało obraz. Później, w 1826 r., Mikołaj I nakazał K.P. Obraz Bryullova, który miałby być „dopasowany” do poprzedniego. 

Po obrazie „Poranek” Bryullov stara się dalej rozwijać figuratywne porównanie istnienia natury i człowieka. Obraz Włoskie popołudnie powstał w wyniku wieloletnich poszukiwań artysty. Praca powstała z poczuciem nieskończonej uwagi i zaufania do rzeczywistości.

Nie zważając na akademizm, artysta poszukiwał i znajdował nowe możliwości oświetleniowe. Bryullov napisał „Włoskie południe” w prawdziwym ogrodzie, kiedy luminarz był w zenicie. „Aby uzyskać jak najdokładniejszy układ cieni i światła, pracuję nad tym zdjęciem pod prawdziwą winnicą w ogrodzie” – napisał Bryullov o tej pracy. „Zakrył” twarz, ramiona i ramiona pozującej dla niego modelki cieniem winnicy. Oszałamiający efekt światłocienia na tym płótnie podkreślają odbicia od czerwonego szala.

Artysta szukał piękna w prostocie, codzienności. Jego bohaterką była młoda kobieta, promieniująca entuzjazmem, kwitnąca zdrowiem, zbierająca kiść winogron w ogrodzie. Urzekła artystkę jasnym blaskiem szeroko rozstawionych oczu i, co najważniejsze, przepełnioną witalnością. Nikołaj Wasiljewicz Gogol napisał o niej: „Namiętna, błyszcząca kobieta, płonąca całym luksusem namiętności, całą siłą piękna”.

Dojrzała uroda bohaterki pasuje do podziwianej przez nią kiści winogron, przepełnionych słońcem i sokami ziemi. Zenit dnia, zenit życia natury, czas dojrzewania owoców to zenit życia ludzkiego.

W obrazie „Włoskie popołudnie” (podobnie jak we „Włoskim poranku”) fabuła zaczerpnięta jest nie z mitologii, nie z Biblii, ale po prostu z życia. Bryullov postanowił przełamać stare prawa estetyczne i odnaleźć elegancję w codzienności. Jednak odwaga i nowość pomysłu wywołały jednomyślny opór. Wszyscy wyrazili swoje potępienie Nowa praca Bryullova: starszy brat Fedor, wielu kolegów i opinia publiczna. Obraz dość szokuje szanowanych członków Towarzystwa Zachęty Artystów i pozbawiają Bryulłowa stypendium. Ale na szczęście do tego czasu umiejętności artysty stały się tak silne, że postanowił pójść własną drogą.

Obydwa dzieła, „Włoski poranek” i „Włoskie popołudnie”, znajdowały się w Pałacu Zimowym - w osobistych komnatach cesarzowej Aleksandry Fiodorowna, co nie przeszkodziło artystom i publiczności w ich zobaczeniu. W „Dzienniku” artysty A.N. Mokritsky z 14 października 1835 r. opowiada, jak on i A.G. Wenecjanowowie odwiedzili buduar cesarzowej, aby zapoznać się z tymi malowniczymi arcydziełami.

1830-1833. Płótno, olej.
Państwowe Muzeum Rosyjskie, Sankt Petersburg, Rosja.

W 1821 roku w Petersburgu staraniem entuzjastów powstało Towarzystwo Zachęty Artystów, którego głównym celem była pomoc artystom wszelkimi możliwymi środkami i upowszechnianie wszelkich sztuki piękne. Karl i Aleksander Bryullowowie dostąpili zaszczytu zostania pierwszymi emerytami Towarzystwa we Włoszech. 16 sierpnia 1822 roku dyliżansem Petersburg–Ryga rozpoczęli bracia podróż do Rzymu.

Warsztaty twórcze Rembrandta, Velazqueza, Van Dycka i Tycjana otworzyły drzwi przed artystą z Rosji. Wchłonąwszy zdobycze sztuki światowej, przelewał na swoje płótna rewelacje dorównujące im skalą. Według poety Aleksieja Konstantynowicza Tołstoja Bryullowa uważano za „najlepszego malarza w Rzymie”. Artysta malował portrety włoskiej szlachty i jej rodaków. Jego malarstwo staje się bardziej przejrzyste, kolorystyka obrazów jest intensywniejsza, kolory są świeższe. Młody malarz maluje swoje obrazy „Włoski poranek” i „Włoskie popołudnie”, których fabuła zaczerpnięta jest nie z mitologii, nie z Biblii, ale po prostu z życia. To dość szokuje szanowanych członków Towarzystwa Zachęty Artystów i pozbawiają Bryulłowa stypendium. Bryullov był zmuszony zarabiać, wykonując portrety akwarelowe.

Latem tego samego roku Bryulłow wraz z Anatolijem Nikołajewiczem Demidowem, właścicielem zakładów górniczych na Uralu, po raz pierwszy odwiedzili wykopaliska w Pompejach. O Pompejuszu dowiedział się od swojego brata Aleksandra. Podczas zwiedzania tego miasta w głowie artysty pojawił się pomysł napisania Duży obraz i przedstawiają na nim śmierć Pompejów, o której doniósł Demidowowi. Ten po wysłuchaniu zaproponował zakup zaplanowanego przez siebie obrazu i zawarł umowę z Bryullowem, która zobowiązała artystę do wykonania zamówienia do końca 1830 roku.

Bryullov wspomina swoje pierwsze wrażenia z wizyty w Pompejach: „... Odkryto przed nami odkrytą część tego nieszczęsnego miasta. Weszliśmy na górę, przy wejściu usiedli strażnicy i przewodnicy; jeden z nich zaoferował nam swoje usługi i powiedział, że to miejsce to małe forum, czyli miejsce, w którym ludzie zbierają się na targi i inne sprawy publiczne... Widok tych ruin mimowolnie przeniósł mnie do czasów, gdy te mury były jeszcze zamieszkałe, kiedy to forum, na którym staliśmy sami i gdzie ciszę przerwała jedynie jakaś jaszczurka, było pełne ludzi... Nie da się przejść przez te ruiny nie czując w sobie jakiegoś zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomni się o wszystkim poza straszny incydent z tym miastem.”

1840. Olej na płótnie. 87 x 70.
Galeria Narodowa Armenii, Erewan, Armenia.

Malarz Bryullov znalazł swoje prawdziwe powołanie malarstwo portretowe osiągając w swoich portretach i malarstwie najwyższą klasę malarską.

Bohaterowie portretów Bryulłowa są prawie zawsze atrakcyjni. Tłumaczy się to tym, że najczęściej są to niezwykli ludzie, jasne osobowości oraz fakt, że Bryulłow unikał malowania portretów tych, którzy nie budzili jego duchowej sympatii.

Autor urzeczony modelem opowiada o swoich bohaterach optymistyczną intonacją, czasem jakby recytując, porzucając język prozy na rzecz poezji. Swoim uczuciem do modela pragnie zachwycić widza.

Koneserom malarstwa Karla Bryullova bardziej znany jest portret M.A. Beck z córką, namalowany w tym samym roku 1940, to duże płótno przechowywane dziś w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

Na tym portrecie luksusowe wyposażenie salonu, pomalowane z typową dla Bryullova kolorową jasnością i przekonującą kolorystyką w oddawaniu cennych aksamitów, brązu i marmuru, stają się równym obiektem uwagi i zainteresowania widza. Bohaterka portretu, w swojej idealnej, ospałej urodzie i pewnego rodzaju ospałym statyczności, pojawia się w poruszającej roli matki. Kalkulacja na sentymentalną reakcję widza, na wzbudzenie w nim uczucia czułości, jest tu oczywista.

Malarz stworzył dziesiątki znakomitych portretów swoich współczesnych, zachwycających kunsztem i uhonorowanych wieloma kolekcjami na całym świecie.

Bryulłowa wcale nie pociągała oficjalna powaga i znaczenie. Najwyraźniej z tego wynika, że ​​Bryullov nie tylko nie został nadwornym portrecistą, ale unikał tej roli wszelkimi możliwymi, a czasem ryzykownymi sposobami.

Odwaga, z jaką uniknął konieczności malowania samego cesarza, została zapamiętana przez wielu współczesnych. Bryulłow wykorzystał spóźnienie Mikołaja do swojego warsztatu: „wziął kapelusz i wyszedł z podwórza, nakazując mu powiadomić władcę, gdyby przybył: „Karl Pawłowicz spodziewał się Waszej Królewskiej Mości, ale wiedząc, że nigdy się nie spóźniacie, doszedł do wniosku, że coś cię opóźniło i że przełożyłeś sesję na inny termin.” Dwadzieścia minut po wyznaczonej godzinie władca przybył do warsztatu Bryulłowa w towarzystwie Grigorowicza, zdziwił się, że nie zastał Bryulłowa w domu i po wysłuchaniu wyjaśnień w tej sprawie od Goreckiego, powiedział do Grigorowicza: „Co za niecierpliwy człowiek!”, oczywiście, o portrecie nie było już mowy. Niemal demonstracyjnie porzucił pracę nad portretem Aleksandry Fiodorowna podczas jazdy konnej po tym, jak cesarzowa odwołała kilka sesji.

1839. Olej na płótnie. Nie skończony. 102,3 x 86,2.
Galeria Trietiakowska, Moskwa, Rosja.

Portret to jeden z gatunków w sztuce, w którym odtwarzany jest wygląd indywidualności człowieka. Razem z podobieństwo zewnętrzne ujęcia portretowe świat duchowy przedstawiona osoba. Ten rodzaj sztuki pozostaje obszarem, w którym talent Bryullova króluje suwerennie i błyskotliwie. Obok brawurowych portretów społecznych, imponujących mocnymi efektami barwnymi i kompozycyjnymi („Hrabina Yu. P. Samoilova wychodząca z balu z adoptowaną córką A. Paccini”, ok. 1842 r.), malował portrety innego rodzaju.

W wizerunkach ludzi sztuki dominuje spokojny nastrój, bardziej powściągliwy w kolorze, który zdaje się migotać z wnętrza formy, podkreślając duchowe znaczenie modeli. Artystka zwraca się tu ku analizie ludzkich nastrojów, wychwytując wzorce sprzeczności, które dręczą duszę. Widzi w twarzach i pozach połączenie łatwopalności wyobraźni i zmęczenia, ruchu myśli i racjonalnego chłodu.

Do takich portretów należy portret I. A. Kryłowa. Wnikliwy i przenikliwy Kryłow zdaje się zaglądać w twoją duszę, a jego światowa mądrość podkreśla wszystkie głębiny i sekretne struny twojego wewnętrznego świata.

Iwan Andriejewicz Kryłow to rosyjski poeta, bajkopisarz, tłumacz i pisarz. W młodości Kryłow był znany przede wszystkim jako pisarz satyryczny, wydawca magazynu satyrycznego „Poczta duchów” i parodii tragikomedii „Trumph”, w której wyśmiewano Pawła I. Kryłow jest autorem ponad 200 bajek z lat 1809–1843, ukazały się w dziewięciu częściach i przedrukowane w bardzo dużych jak na tamte czasy nakładach. W 1842 roku ukazały się jego dzieła niemieckie tłumaczenie. Fabuła wielu bajek sięga dzieł Ezopa i La Fontaine'a, chociaż istnieje wiele oryginalnych wątków. Wiele wyrażeń z bajek Kryłowa stało się popularnymi wyrażeniami.

Ze strony matki i ojca Samoilova była spokrewniona z rodzinami Palena, Skawrońskiego, księcia Potiomkina oraz Włochów Litta i Visconti. Matka Julii, Maria, była pasierbicą sławnego polityk Giulio (Julia Pompeevich) Litta, z którym łączyła ją czuły związek, a na świecie mówiło się o kontrowersyjnym ojcostwie Julii (do czego przyczynił się włoski typ jej wyglądu). Litta (zm. 1839) podzielił cały swój kolosalny majątek i zbiory dzieł sztuki pomiędzy Julię, de iure wnuczkę jego żony Katarzyny, i dwójkę bocznych dzieci. Samojłowa nosiła przydomek „ostatniej ze Skawrońskich”, gdyż odziedziczyła po dziadku kolosalną fortunę.

Maria Skawrońska, matka Samoiłowej, posiadała ogromną fortunę należącą do rodziny Skawrońskich, krewnych Katarzyny I, i była ostatnią nosicielką tego nazwiska. Poślubiwszy hrabiego Palena i urodziwszy córkę, po pewnym czasie, gdy dziecko miało pięć i pół roku, opuściła ją i wyjechała do Paryża, aby studiować muzykę i śpiew, rozwiodła się z Palenem i poślubiła generała A.P. Ożarowskiego.

W wieku dwudziestu pięciu lat Julia wyszła za mąż za hrabiego Mikołaja Aleksandrowicza Samojłowa, adiutanta cesarza (zm. 23 lipca 1842 r.). Para szybko przestała się sobą interesować, głównie ze względu na zamiłowanie hrabiego do hulanek i hazardu. W 1827 r. para rozstała się za obopólną zgodą, a Samoiłow zwrócił posag, zabrał Julię do jej ojca, hrabiego Palena, i utrzymywał z nią bardzo przyjazne stosunki.

Hrabina osiedliła się w majątku Grafskaya Slavyanka pod Petersburgiem, z luksusowym domem zbudowanym według projektu brata Karola Bryullowa, Aleksandra Pawłowicza Bryullowa. Później zbuduje dla niej pałac na wyspie Elagin. Hrabina zachowywała się niezwykle niezależnie. W jej domu gromadziło się środowisko oświeconych, co nie podobało się Mikołajowi I, musiała przenieść się najpierw do Petersburga, a następnie do Włoch, gdzie przyjaźniła się z Rossinim i Donizettim oraz otaczała patronatem artystów i muzyków, aktywnie uczestnicząc w życia kulturalnego kraju.

Osiągnięcia Karla Bryullova w dziedzinie portretu zostały uznane za bezwarunkowe i niepodważalne, w tym przez tak surowych krytyków, jak Władimir Stasow i Aleksander Benois. DO najlepsze przykłady Uroczysty portret Bryulłowa należy do wizerunków hrabiny Julii Pawłownej Samoilovej – ideału całego jego życia. Akwarelowy portret Julii Pawłownej jest wzruszająco piękny w swojej czystości.

Karl Bryullov czcił tę kobietę od pierwszego dnia ich spotkania we Włoszech aż do ostatniego tchu, przed tą, której wszechrosyjski autokrata Mikołaj I, jej daleki krewny, nie lubił za jej wolność poglądów i niezależność zachowań.

Karla Bryullova poznała w Rzymie, w słynnym salonie Zinaidy Volkonskiej. Początek ich związku datuje się na rok 1827. Latem podróżowali razem po Włoszech i wędrowali wśród ruin Pompejów, gdzie narodził się pomysł słynnego mistrza płótna.

Sławę Bryulłowa jako mistrza portretu ugruntował jego Portret Yu.P. Samoilova z Giovanniną Pacini i Małym Arabem. Bryullov włożył całą siłę swojej inspiracji w portret Samoilovej. Portret grupowy pomyślany jest jako swego rodzaju scena z życia. Wracając ze spaceru Samoilova czule ściska swoje przyjaciółki – Giovaninę Paccini i czarną dziewczynkę. Uczucia bohaterów zostały oddane zgodnie z prawdą. Umiejętnie przekazując moment ruchu, Bryullov nie naruszył monumentalności płótna. W kompozycji znajdują się także detale wyposażenia: sofa, zasłona, dywan na podłodze, brzeg rzeźbionej ramy obrazu wiszącego na ścianie. Elegancki wystrój nie blokuje przestronnych, wypełnionych światłem pomieszczeń. Dzieje się tak dzięki szeroko otwartym drzwiom balkonu z widokiem na park.

„Pokazał portret chodzącej szlachcianki w rzeczywistych rozmiarach” – napisał o Bryullowie jeden z włoskich krytyków, „…jej niebieskawa, satynowa sukienka rzuca wokół niej dużo światła… postacie ze wszystkimi dodatkami są pomalowane swobodnie i bogatym pędzlem.”

Pod koniec 1835 roku na rozkaz Mikołaja I Bryulłow powrócił do Rosji i objął stanowisko profesora Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, rozpoczynając karierę pedagogiczną. W 1839 roku Karol ożenił się bezskutecznie. Mieszkają razem Małżeństwo trwało tylko 2 miesiące.

W trudnym dla Bryulłowa okresie, upadku osobistego szczęścia i prześladowań ze strony kręgów dworskich, Samoilova przyjechała z Włoch (w 1839 r.), aby wesprzeć swoją przyjaciółkę. Nie zważając na opinię świata, otoczyła artystę tkliwą sympatią i zabrała go do swojej posiadłości pod Pawłowskiem – Grafską Sławianką. Było to bezpośrednie wyzwanie dla dworu, który mieścił się w Pawłowsku i widział, jak kolejki gości podróżowały do ​​Samoilovej. Bryullov zaczął malować portret, który ponownie miał pokazać wszystkim swój ideał w życiu i sztuce. Portret hrabiny Julii Pavlovny Samoilovej opuszczającej bal ze swoją adoptowaną córką Amazilią Pacini jest szczytem twórczości Bryullova jako portrecisty.

Treść tego portretu jest triumfalną manifestacją piękna i duchowej siły niezależnej, jasnej, wolnej osobowości. Fantastyczna wielkość architektury pomaga odkryć ten nowy aspekt zamierzenie autora: zdaje się, że tam, w głębi ogromnego płótna, maski nie tylko bawią się na zwykłej maskaradzie, ale toczy się maskarada życia – wszyscy starają się udawać kogoś innego, niż są w rzeczywistości .

Drugi tytuł portretu – „Maskarada” – koresponduje z podtekstem, drugim, głównym planem planu artysty. W tym świecie kłamstw Samoilowa, kompletna godność człowieka, pogardliwie zrzucając maskę, z dumą demonstruje swój brak zaangażowania w hipokryzję świata. Piękna twarz hrabiny jest otwarta – nie tylko uwolniona od maski, ale otwarta na każdy szczery ruch, namiętna dusza, nadrukowane na nim.

Czerwona, falująca kurtyna z oczyszczającym płomieniem oddziela i odcina Julię od maskarady kipiącej za błazną karuzelą, od górującego nad monotonnymi pstrokatymi postaciami Sułtana, od pochylającego się ku niemu Merkurego, pomocnego ambasadora, wskazującego laską na piękność odchodzi.

Artystka mieszka także przez długi czas u hrabiny i w jej willi w Lombardii. Ponadto hrabina posiadała majątek w Grousse (Francja), pałac w Mediolanie i pałac nad jeziorem Como. Zachowały się fragmenty korespondencji kochanków, które wskazują na głębokie uczucia.

Razem z Jeźdźcem i Portretem Yu.P. Samoilovej z Giovanniną Pacini i Małym Arabem, powstały podczas pracy nad słynnymi „Pompejami”, portret ten tworzy rodzaj tryptyku poświęconego słynnej pięknu.

Na obrazie Ostatni dzień Pompejów Bryullov namalował go obok artysty w tle, w postaci matki przytulającej córki, upadłej na ziemię oraz w innych miejscach.

Hrabina Samoilova miała dwie adoptowane córki - młodszą Amatsilię (ur. 1828 r.) i najstarszą Giovaninę Pacini, dzieci zubożałego mediolańskiego piosenkarza i kompozytora Giovanniego Paciniego, autora opery „Ostatni dzień Pompejów”, zrobiło wrażenie na Bryullova. Wspominają, że hrabina Samoilova, która nie ograniczała się do niczego, była jedną z kochanek kompozytora – podobnie jak Polina Borghese, siostra Napoleona. Nie wiadomo, kiedy Samoilova przyjęła Amazilię na swoje wychowanie, ale sądząc po obrazie „Jeździec” namalowanym w 1832 r., mieszkała z nią, gdy miała już cztery lata. Sprawa tych dwóch dziewcząt nie jest do końca wyjaśniona, dokumenty wskazują, że kompozytor miał właściwie tylko jedną córkę. Istnieje wersja, że ​​prawdziwe imię drugiej dziewczyny, Giovannina, to Carmine Bertolotti i ona jest nieślubną córką Clementine Perry, siostra drugiego męża Samoilovej.

W 1845 r. Samoilova postanowiła rozstać się z Bryullowem i zerwała z nim. W 1846 wyszła za mąż włoski tenor Peri traci obywatelstwo Imperium Rosyjskie, sprzedaje Grafskaya Slavyanka i inne nieruchomości. Jej drugi mąż, śpiewak operowy Perry, wyróżniający się niezwykłą urodą, rok po ślubie umrze z powodu gruźlicy.

A rok po jego śmierci w Rosji zmarł także pierwszy mąż Julii Pawłownej, słynny „Alcybiades”, dlatego przez długi czas opłakiwała dwóch mężów naraz. Naoczni świadkowie, którzy widzieli ją w tym okresie życia, twierdzili, że żałoba wdowy bardzo jej odpowiadała, podkreślając jej urodę, wykorzystała ją jednak w bardzo oryginalny sposób. Samoilova posadziła dzieci na długim trenie żałobnej sukni, jak na wozie, i niczym zdrowy koń toczyła dzieci, śmiejąc się z zachwytu, po lustrzanych parkietach swoich pałaców.

Trzeci mąż, dyplomata hrabia de Mornay, z którym pobrali się w 1863 roku, rok po ślubie opuścił żonę w średnim wieku, tłumacząc odejście całkowitą odmiennością charakterów.

Pod koniec życia Samoilova straciła prawie cały swój majątek. Pasierbicy Osoby wydane za mąż odbierały obiecane pieniądze i majątek od hrabiny za pośrednictwem sądu. Zmarła w Paryżu i została pochowana na cmentarzu Pere-la-Chaise wraz z drugim mężem.