Kompozytorzy z brodami. Najsłynniejsi kompozytorzy na świecie: lista nazwisk, krótki przegląd dzieł. Znani kompozytorzy rosyjscy

Oto lista 10 kompozytorów, których powinieneś znać. O każdym z nich można z całą pewnością powiedzieć, że jest to największy kompozytor, jaki kiedykolwiek żył, choć w istocie nie da się, a wręcz nie da się, porównywać muzyki powstałej na przestrzeni kilku wieków. Jednak wszyscy ci kompozytorzy wyróżniają się na tle swoich współczesnych jako kompozytorzy, którzy komponowali muzykę najwyższego kalibru i starali się przesuwać granice muzyki klasycznej na nowe granice. Na liście nie ma żadnej kolejności, takiej jak ważność czy osobiste preferencje. Tylko 10 wspaniałych kompozytorów, których powinieneś znać.

Każdemu kompozytorowi towarzyszy przytoczony fakt z jego życia, przypominający, że będziesz wyglądać jak znawca. Klikając link do nazwiska, poznasz jego pełną biografię. I oczywiście możesz posłuchać jednego ze znaczących dzieł każdego mistrza.

Najważniejsza postać światowej muzyki klasycznej. Jeden z najczęściej wykonywanych i szanowanych kompozytorów na świecie. Tworzył we wszystkich gatunkach, jakie istniały w jego czasach, m.in. w operze, balecie, muzyce do przedstawień dramatycznych i dziełach chóralnych. Do najważniejszych w jego spuściźnie zaliczają się dzieła instrumentalne: sonaty na fortepian, skrzypce i wiolonczelę, koncerty na fortepian, skrzypce, kwartety, uwertury, symfonie. Twórca okresu romantyzmu w muzyce klasycznej.

Interesujący fakt.

Beethoven chciał najpierw zadedykować swą trzecią symfonię (1804) Napoleonowi, kompozytora urzekła osobowość tego człowieka, który dla wielu na początku swego panowania wydawał się prawdziwym bohaterem. Kiedy jednak Napoleon ogłosił się cesarzem, Beethoven przekreślił swoją dedykację na stronie tytułowej i napisał tylko jedno słowo – „Bohaterskie”.

„Sonata księżycowa” L. Beethovena, Słuchać:

2. (1685-1750)

Niemiecki kompozytor i organista, przedstawiciel epoki baroku. Jeden z najwybitniejszych kompozytorów w historii muzyki. W ciągu swojego życia Bach napisał ponad 1000 dzieł. Jego twórczość reprezentuje wszystkie znaczące gatunki tamtych czasów, z wyjątkiem opery; podsumował osiągnięcia sztuki muzycznej okresu baroku. Założyciel najsłynniejszej dynastii muzycznej.

Interesujący fakt.

Za życia Bach był tak niedoceniany, że opublikowano zaledwie kilkanaście jego dzieł.

Toccata i fuga d-moll J. S. Bacha, Słuchać:

3. (1756-1791)

Wielki austriacki kompozytor, instrumentalista i dyrygent, przedstawiciel wiedeńskiej szkoły klasycznej, wirtuoz skrzypiec, klawesynista, organista, dyrygent, miał fenomenalny słuch muzyczny, pamięć i umiejętność improwizacji. Jako kompozytor wyróżniający się w każdym gatunku, słusznie uważany jest za jednego z najwybitniejszych kompozytorów w historii muzyki klasycznej.

Interesujący fakt.

Jeszcze jako dziecko Mozart nauczył się na pamięć i nagrał Miserere (pieśń kat. na podstawie tekstu Psalmu 50. Dawida) Włocha Gregorio Allegriego, przesłuchawszy ją tylko raz.

„Mała nocna serenada” W.A. Mozarta, Słuchać:

4. (1813-1883)

Niemiecki kompozytor, dyrygent, dramaturg, filozof. Wywarł znaczący wpływ na kulturę europejską przełomu XIX i XX wieku, zwłaszcza na modernizm. Opery Wagnera zachwycają rozmachem i wiecznymi wartościami ludzkimi.

Interesujący fakt.

Wagner brał udział w nieudanej rewolucji 1848-1849 w Niemczech i został zmuszony do ukrywania się przed aresztowaniem przez Franciszka Liszta.

„Walkiria” z opery „Walkiria” R. Wagnera, Słuchać

5. (1840-1893)

Włoski kompozytor, centralna postać włoskiej szkoły operowej. Verdi miał wyczucie sceny, temperament i nienaganny warsztat. Nie zaprzeczył tradycjom operowym (w przeciwieństwie do Wagnera), wręcz przeciwnie, je rozwinął (tradycje opery włoskiej), przekształcił operę włoską, napełnił ją realizmem i nadał jedność całości.

Interesujący fakt.

Verdi był włoskim nacjonalistą i został wybrany do pierwszego włoskiego parlamentu w 1860 r., po ogłoszeniu niepodległości Włoch od Austrii.

Uwertura do opery „Traviata” D. Verdiego, Słuchać:

7. Igor Fedorowicz Strawiński (1882-1971)

Rosyjski (amerykański - po emigracji) kompozytor, dyrygent, pianista. Jeden z najważniejszych kompozytorów XX wieku. Twórczość Strawińskiego jest spójna przez całą jego twórczość, choć styl jego dzieł był różny w różnych okresach, ale rdzeń i rosyjskie korzenie pozostały, które były widoczne we wszystkich jego dziełach; uważany jest za jednego z czołowych innowatorów XX wieku. Jego innowacyjne wykorzystanie rytmu i harmonii zainspirowało i nadal inspiruje wielu muzyków, nie tylko muzyki klasycznej.

Interesujący fakt.

Podczas I wojny światowej rzymscy celnicy skonfiskowali portret Strawińskiego autorstwa Pabla Picassa, gdy kompozytor opuszczał Włochy. Portret został namalowany w futurystyczny sposób, a celnicy pomylili te koła i linie z jakimś zaszyfrowanym tajnym materiałem.

Suita z baletu I.F. Strawińskiego „Ognisty ptak”, Słuchać:

8. Johanna Straussa (1825-1899)

Austriacki kompozytor muzyki rozrywkowej, dyrygent i skrzypek. „Króla Walców” stworzył w gatunku muzyki tanecznej i operetki. Jego muzyczne dziedzictwo obejmuje ponad 500 walców, polek, kadryli i innych rodzajów muzyki tanecznej, a także kilka operetek i baletów. Dzięki niemu walc stał się w XIX wieku niezwykle popularny w Wiedniu.

Interesujący fakt.

Ojcem Johanna Straussa jest także Johann i także znany muzyk, dlatego „Król Walca” nazywany jest najmłodszym lub synem, jego bracia Joseph i Eduard również byli znanymi kompozytorami.

Walc J. Straussa „Nad pięknym błękitnym Dunajem”, Słuchać:

9. Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873-1943)

Kompozytor austriacki, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli wiedeńskiej szkoły muzyki klasycznej i jeden z twórców romantyzmu w muzyce. W swoim krótkim życiu Schubert wniósł znaczący wkład w rozwój muzyki orkiestrowej, kameralnej i fortepianowej, która wywarła wpływ na całe pokolenie kompozytorów. Jednak jego najbardziej uderzający wkład polegał na rozwoju romansów niemieckich, których stworzył ponad 600.

Interesujący fakt.

Przyjaciele i inni muzycy Schuberta spotykali się i wykonywali muzykę Schuberta. Spotkania te nazywano „Schubertiadami”. Pierwszy fanklub!

„Ave Maria” F.P.Schuberta, Słuchać:

Kontynuując temat wielkich kompozytorów, których warto znać, nowy materiał.

O dobrodziejstwach muzyki klasycznej zdaje się chyba każdy mieszkaniec cywilizowanego społeczeństwa, a naukowcy od dawna udowodnili jej pozytywny wpływ na stan psychiczny człowieka.

Klasyka jest przez to klasyką, pozostaje nieśmiertelna na zawsze, każde nowe pokolenie ma swoich wielbicieli tego nurtu, a muzyka klasyczna rozwija się, przemienia, cały czas pozostając na właściwym poziomie.

Wśród imponującej różnorodności kompozytorów przeszłości i współczesności chciałbym wyróżnić dziesięciu takich, których nazwiska zapisały się już w historii, gdyż udało im się skomponować muzykę na najwyższym poziomie, która znacznie poszerzyła granice brzmień klasycznych, sięgając nowy poziom piękna.

Tym razem nasze top 10 nie będzie zawierało liczb i miejsc honorowych, bo oceniając i porównując największych i, szczerze mówiąc, najsłynniejszych kompozytorów świata, których nazwiska powinna znać właściwie każda minimalnie wykształcona osoba, jest w jakiś sposób głupie.

Dlatego przedstawiamy Wam ich nazwiska, a także kilka ciekawostek z ich biografii, bez liczb i porównań. Jeśli nie jesteś jeszcze aktywnym fanem muzyki klasycznej, to posłuchaj choćby dla ciekawości kilku dzieł tych wielkich kompozytorów, a zrozumiesz, że muzyka, która inspiruje dziesiątki pokoleń, nie może być zwyczajna ani co gorsza , nudny.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Dziś jest jednym z najbardziej szanowanych, popularnych i wykonywanych kompozytorów na świecie.Beethoven tworzył we wszystkich znanych wówczas gatunkach muzycznych, jednak uważa się, że wśród jego dzieł najważniejsze są jego dzieła instrumentalne, m.in. koncerty na skrzypce i fortepian , symfonie, uwertury i sonaty.

Mały Beethoven wychował się w muzycznej rodzinie, dlatego od najmłodszych lat uczył się gry na klawesynie, organach, flecie i skrzypcach. W ostatnich latach życia Beethoven w zadziwiający sposób stracił słuch, ale nie przeszkodziło mu to w napisaniu całego szeregu wyjątkowych dzieł, w tym słynnej IX Symfonii.

Jan Sebastian Bach (1685-1750)

Znany i lubiany na całym świecie niemiecki kompozytor, będący wybitnym przedstawicielem epoki baroku. W sumie napisał około 1000 dzieł muzycznych, które reprezentowane były przez wszystkie znaczące gatunki tamtej epoki, z wyjątkiem opery.

Wśród najbliższych krewnych i przodków Johanna Bacha było wielu zawodowych muzyków, on sam stał się założycielem jednej z najsłynniejszych dynastii. Co zaskakujące, Bach nie otrzymał za życia specjalnego powołania, zainteresowanie jego twórczością wzrosło całe stulecie po jego śmierci.

Niektórzy znawcy twierdzą, że muzyka Bacha jest zbyt ponura i ponura, jednak zdaniem zwolenników jego twórczości jest raczej dogłębna i fundamentalna.

Wolfgang Amadeusz Mozart (1756-1791)

Najwybitniejszy austriacki kompozytor, słusznie nazywany geniuszem swojego rzemiosła: Mozart miał naprawdę fenomenalny słuch, umiejętność improwizacji, pamięć, a także dał się poznać jako utalentowany dyrygent, wirtuoz skrzypiec, organista i klawesynista.

Skomponował ponad 600 dzieł muzycznych, z których wiele uznawanych jest za szczyt muzyki kameralnej, koncertowej, operowej i symfonicznej. Uważa się, że muzyka Mozarta ma szczególne działanie lecznicze, zaleca się ją słuchać kobietom w ciąży i karmiącym.

Ryszard Wagner (1813-1883)

Najsłynniejszy niemiecki kompozytor, uważany za najbardziej wpływowego reformatora opery, wywarł ogromny wpływ na całą niemiecką i europejską kulturę muzyczną.

Opery Wagnera nie przestają zadziwiać, zadziwiać, inspirować, a także szokować niesamowitą skalą, która wpisuje się w odwieczne wartości ludzkie.

Piotr Iljicz Czajkowski (1840-1893)

Któż nie zna jeszcze słynnego baletu Czajkowskiego „Dziadek do orzechów”? W takim razie zdecydowanie musisz to zrobić! Piotr Iljicz to jeden z najlepszych rosyjskich kompozytorów wszechczasów, który dzięki swoim dziełom muzycznym mógł wnieść nieoceniony wkład w społeczeństwo kultury muzycznej na całym świecie.

Franz Schubert/ Franz Peter Schubert (1797-1828)

Kolejny znany austriacki kompozytor, zasłużony geniusz muzyczny, a także autor najlepszych kompozycji pieśniowych swoich czasów. W ciągu swojej kariery Schubertowi udało się napisać ponad 600 kompozycji opartych na wierszach ponad 100 znanych poetów.

Niestety Franz żył bardzo krótko, miał zaledwie 31 lat; kto wie, ile piękniejszych i wspaniałych rzeczy mógł stworzyć ten genialny człowiek. Niektóre dzieła genialnego autora ukazały się dopiero po jego śmierci, gdyż Schubert pozostawił po sobie wiele niepublikowanych rękopisów z unikatowymi kreacjami muzycznymi.

Johann Strauss/ Johann Strauss (1825-1899)

Uznany „król walca”, genialny austriacki kompozytor, wirtuoz skrzypiec i dyrygent, który przez całe życie związał się z gatunkiem operetki i muzyki tanecznej.

Napisał około 500 walców, kadryli, polek i innych rodzajów muzyki tanecznej, notabene dzięki niemu walc osiągnął szczyt popularności w XIX wieku w Wiedniu. Kolejną ciekawostką jest to, że Johann Strauss jest synem słynnego austriackiego kompozytora, który również nazywał się Johann.

Fryderyk Chopin / Fryderyk Chopin (1810-1849)

Bez przesady można powiedzieć, że to najsłynniejszy Polak w dziedzinie muzyki klasycznej, który w swojej twórczości niestrudzenie wychwalał swoją ojczyznę, piękno jej krajobrazów, a także marzył o jej przyszłej wielkości.

Wyjątkowość polega na tym, że Chopin jest jednym z nielicznych kompozytorów, którzy tworzyli muzykę wyłącznie na fortepian, w jego twórczości nie znajdziemy ani symfonii, ani opery. To właśnie dzieła tego genialnego kompozytora stanowią podstawę twórczości wielu współczesnych pianistów.

Giuseppe Francesco Verdi / Giuseppe Francesco Verdi (1813-1901)

Giuseppe Verdi znany jest na całym świecie przede wszystkim ze swoich oper, wśród których szczególne miejsce zajmują dzieła dramatyczne. Trudno przecenić jego dziedzictwo jako największego kompozytora, gdyż jego muzyka wniosła ogromny wkład w rozwój opery włoskiej i w ogóle światowej.

Dzieła Verdiego uważane są za niezwykle emocjonalne, płonące, namiętne, interesujące, kipią w nich emocje i kipi życie. I dziś, mimo stuletniego wieku większości jego oper, pozostają one jednymi z najczęściej wykonywanych, popularnych i znanych wśród melomanów muzyki klasycznej.

Hans Zimmer / Hans Zimmer (12 września 1957)

Słynny niemiecki kompozytor naszych czasów, który zyskał szeroką popularność dzięki swoim utworom pisanym na potrzeby gier komputerowych i znanych filmów. Oczywiście trudno porównywać współczesnych kompozytorów z geniuszami przeszłości, którzy na przestrzeni wieków ugruntowali swoją sławę, jednak zasługują oni na naszą uwagę.

Muzyka Hansa może być całkowicie różnorodna: delikatna, wzruszająca, ekscytująca, okrutna i ekscytująca; prawdopodobnie słyszeliście wiele jego melodii, ale nie wiedzieliście, kto jest ich autorem. Twórczość tego autora można usłyszeć w takich filmach i kreskówkach jak „Król Lew”, „Piraci z Karaibów”, „Pearl Harbor”, „Rain Man” i innych.

Rosyjska szkoła kompozytorska, której kontynuacją tradycji były szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdej z tych znanych osób można powiedzieć wiele, wszystkich spotkały trudne, a czasem i tragiczne losy, jednak w tej recenzji staraliśmy się podać jedynie krótki opis życia i twórczości kompozytorów.

1. Michaił Iwanowicz Glinka

(1804-1857)

Michaił Iwanowicz Glinka podczas komponowania opery „Rusłan i Ludmiła”. 1887, artysta Ilja Efimowicz Repin

„Aby stworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy.”

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rosyjskim kompozytorem klasycznym, który zdobył światową sławę. Jego dzieła, oparte na wielowiekowych tradycjach rosyjskiej muzyki ludowej, stały się nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.

Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Impulsu twórczego do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera.

Sukces przyszedł do M.I. Glinki w 1836 roku, po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”), która została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich; po raz pierwszy w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej symfonii i operze praktyki zostały organicznie połączone i pojawił się także bohater taki jak Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego.

V.F. Odoevsky określił operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.

Druga opera to epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życiowych kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został odebrany niejednoznacznie przez publiczność i władze, przyniosła trudne chwile dla doświadczeń M.I. Glinki. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat o M.I. Glince:„Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w symfonicznej fantazji „Kamarinskaja”. P.I. Czajkowski

Interesujący fakt: Michaił Iwanowicz Glinka nie cieszył się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może, gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języków obcych, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz Borodin

(1833-1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.

Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności na różnych polach, przede wszystkim w muzyce i chemii.

A.P. Borodin to rosyjski kompozytor-samorodek, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne wynikały z samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania.

Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak zresztą wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX w.), a impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX w. dały dwa wydarzenia – po pierwsze jego znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie – spotkanie z M.A. Bałakirewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”.

Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.XX wiek.

Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej epopei heroicznej w muzyce, której on sam nie miał czasu ukończyć (ukończył ją jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych odzwierciedla się główna idea całego dzieła kompozytora - odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego narodu rosyjskiego , manifestując się w obronie ojczyzny.

Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie:„Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity w symfonii, operze i romansie. Jego głównymi cechami są gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość, połączone z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem. V.V. Stasov

Interesujący fakt: Reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają chlorowcowane węglowodory, którą jako pierwszy zbadał w 1861 r., nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz Musorgski

(1839-1881)

„Dźwięki ludzkiej mowy, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i przemocy stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garści”. Innowacyjne dzieło Musorgskiego znacznie wyprzedzało swoje czasy.

Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu i zgodnie z tradycją rodzinną był wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie dla służby wojskowej, ale dla muzyki, było spotkanie z M.A. Bałakirewem i przyłączenie się do „Potężnej Garści”.

Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe historii Rosji z radykalną nowością, której muzyka rosyjska nie znała przed nim, pokazując w nich połączenie masy sceny ludowe i różnorodne bogactwo typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach, zarówno autorskiego, jak i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie.

Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”, barwnych i pomysłowych miniatur przesiąkniętych rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność.

Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko zadecydowało o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów.

Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowały pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrały ważną rolę w kształtowaniu się stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat o MP Musorgskim:„Oryginalne rosyjskie brzmienie we wszystkim, co stworzył Musorgski” – N.K. Roerich

Interesujący fakt: Pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi.

4. Piotr Iljicz Czajkowski

(1840-1893)

„Jestem artystą, który może i powinien przynosić honor mojej Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co potrafię. I chcę to zrobić całą siłą duszy.”

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykany wcześniej poziom. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.

Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawoznawstwa.

Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”, studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu.

Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do popularnych postaci „Potężnej Garści”, z którymi utrzymywał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duch rosyjski, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi od Michaiła Glinki.

Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce.

Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często; będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.

Wybranie czegoś najlepszego z twórczości Czajkowskiego jest trudnym zadaniem, ma on na swoim koncie kilka równorzędnych dzieł z niemal wszystkich gatunków muzycznych - opery, baletu, symfonii, muzyki kameralnej. A treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.

„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego bardzo go szanuję.” A.P. Czechow

Interesujący fakt: Uniwersytet w Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow

(1844-1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego. Jego niepowtarzalny świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.

Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, zgodnie z tradycją rodzinną został oficerem marynarki wojennej i podróżował na okręcie wojennym po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukację muzyczną pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.

Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne.

Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.

Oprócz bezpośredniej niezależnej działalności twórczej N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako wykonawca dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina . Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze:„Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę pierwotnie rosyjską istotę, jej głęboką folklorystyczno-rosyjską podstawę należy dziś szczególnie docenić.” Mścisław Rostropowicz

Fakt o kompozytorze: Nikołaj Andriejewicz rozpoczął swoją pierwszą lekcję kontrapunktu w ten sposób:

- Teraz będę dużo mówić, a ty będziesz słuchać bardzo uważnie. Wtedy ja będę mniej mówił, a wy będziecie słuchać i myśleć, a w końcu ja nie będę już mówił wcale, a wy pomyślicie głową i będziecie pracować samodzielnie, bo moim zadaniem jako nauczyciela jest stać się wam niepotrzebnym...

Wiek XX uważany jest za czas wielkich wynalazków, które uczyniły życie ludzi znacznie lepszym i pod pewnymi względami łatwiejszym. Istnieje jednak opinia, że ​​w ówczesnym świecie muzycznym nie powstało nic nowego, a jedynie wykorzystano dzieła poprzednich pokoleń. Lista ta ma obalić tak niesłuszną konkluzję i uhonorować wiele dzieł muzycznych powstałych po 1900 roku oraz ich autorów.

Edgar Varèse - Jonizacja (1933)

Varèse to francuski kompozytor muzyki elektronicznej, który w swojej twórczości wykorzystywał nowe brzmienia, powstałe na gruncie popularyzacji elektryczności. Eksplorował barwy, rytmy i dynamikę, często posługując się raczej szorstkimi dźwiękami perkusyjnymi. Żadna kompozycja nie jest w stanie tak w pełni oddać idei twórczości Varèse jak „Ionization” stworzona na 13 perkusji. Wśród instrumentów znajdują się zwykłe orkiestrowe bębny basowe, werble, a w tym utworze można usłyszeć także ryk lwa i wycie syreny.

Karlheinz Stockhausen - Cyklus (1959)

Stockhausen, podobnie jak Varèse, tworzył czasami dzieła ekstremalne. Na przykład „Zyklus” to utwór napisany na perkusję. W tłumaczeniu oznacza „koło”. Ta kompozycja otrzymała tę nazwę nie przez przypadek. Można go czytać z dowolnego miejsca i w dowolnym kierunku, a nawet do góry nogami.

George Gershwin – Błękitna rapsodia (1924)

George Gershwin to prawdziwie amerykański kompozytor. W swoich kompozycjach często używa skal bluesowych i jazzowych zamiast skal diatonicznych zwykle używanych przez większość muzyków klasycznej tradycji zachodniej. Utwór Gershwina „Rhapsodia” w stylu bluesa, jego największe dzieło, za które na pewno zapamiętacie go na zawsze. Często służy jako przypomnienie lat dwudziestych XX wieku, epoki jazzu, czasu bogactwa i luksusowego życia. To tęsknota za wspaniałym czasem, który minął.

Philip Glass - Einstein na plaży (1976)

Philip Glass to współczesny kompozytor, który nadal tworzy w obfitości. Styl kompozytora uznawany jest za minimalizm, stopniowo rozwijający się w jego muzyce ostinato.
Najsłynniejsza opera Glassa, Einstein na plaży, trwała 5 godzin bez przerwy. Trwało to tak długo, że widzowie przychodzili i odchodzili, kiedy chcieli. Jest o tyle ciekawy, że nie ma absolutnie żadnej fabuły, a jedynie przedstawia różne sceny opisujące teorie Einsteina i w ogóle jego życie.

Krzysztof Penderecki - Polskie Requiem (1984)

Penderecki to kompozytor, którego pasją było poszerzanie technik i niepowtarzalnych stylów gry na instrumentach konwencjonalnych. Być może bardziej znany jest z innego dzieła „Lament nad ofiarami Hiroszimy”, ale na tej liście znajduje się jego największe „Polskie Requiem”, które łączy w sobie jedną z najstarszych form dzieła muzycznego (autorem pierwszego Requiem był Ockeghema, który żył w epoce renesansu) i niekonwencjonalny styl wykonawczy. Penderecki posługuje się tu krzykami, krótkimi, ostrymi okrzykami chóru i głosu, a dodatek polskiego tekstu na końcu dopełnia obrazu prawdziwie wyjątkowej sztuki muzycznej.

Alban Berg - Wozzeck (1922)

Berg to kompozytor, który wprowadził serializm do kultury popularnej. Jego opera Wozzeck, oparta na zaskakująco bezbohaterskiej fabule, stała się pierwszą operą w charakterystycznie odważnym stylu XX wieku i tym samym zapoczątkowała rozwój awangardy na scenie operowej.

Aaron Copland - Fanfara dla zwykłego człowieka (1942)

Copland komponował muzykę w stylu odmiennym od stylu swojego amerykańskiego kolegi George'a Gershwina. Podczas gdy wiele prac Gershwina nadaje się do miast i klubów, Copland sięga po motywy wiejskie, w tym prawdziwie amerykańskie, takie jak motyw kowboja.
Najbardziej znanym dziełem Coplanda jest Fanfara dla zwykłego człowieka. Na pytanie, komu dokładnie jest poświęcony, Aaron odpowiedział, że chodzi o zwykłego człowieka, bo to zwykli ludzie w znaczący sposób wpłynęli na zwycięstwo Stanów Zjednoczonych w II wojnie światowej.

John Cage – 4’33″ (1952)

Cage był rewolucjonistą – był pionierem wykorzystania w muzyce nietradycyjnych instrumentów, takich jak klawisze i papier. Jego najbardziej uderzającą innowacją była modyfikacja fortepianu poprzez włożenie do instrumentu podkładek i gwoździ, co skutkowało suchymi dźwiękami perkusyjnymi.
4’33″ to zasadniczo 4 minuty i 33 sekundy muzyki. Jednak muzyka, którą słyszysz, nie jest odtwarzana przez artystę. Słyszysz przypadkowe dźwięki w sali koncertowej, szum klimatyzacji czy szum samochodów na zewnątrz. To, co uważano za ciszę, nią nie jest – tego uczy szkoła zen, która stała się źródłem inspiracji Cage’a.

Witold Lutosławski - Koncert na orkiestrę (1954)

Lutosławski to jeden z najwybitniejszych polskich kompozytorów specjalizujący się w muzyce aleatorycznej. Jako pierwszy muzyk otrzymał najwyższe w Polsce odznaczenie państwowe – Order Orła Białego.
„Koncert na orkiestrę” powstał w wyniku inspiracji kompozytora utworem „Koncert na orkiestrę” Bela Bartoka. Zawiera imitację barokowego gatunku Concerto Grosso, przeplatanego polskimi melodiami. Najbardziej uderzające jest to, że utwór ten jest atonalny, nie odpowiada tonacji durowej ani molowej.

Igor Strawiński - Święto wiosny (1913)

Strawiński jest jednym z najwybitniejszych kompozytorów, jaki kiedykolwiek żył. Wydaje się, że zaczerpnął trochę od wielu kompozytorów. Komponował w stylach serializmu, neoklasycyzmu i neobaroku.
Najsłynniejszym utworem Strawińskiego jest „Święto wiosny”, które odniosło skandaliczny sukces. Na premierze Camille Saint-Saëns już na początku wybiegł z sali, przeklinając zbyt wysoki rejestr fagotu, jego zdaniem instrument został niewłaściwie użyty. Publiczność wygwizdała występ, oburzona prymitywnymi rytmami i wulgarnymi kostiumami. Tłum dosłownie zaatakował wykonawców. To prawda, że ​​​​balet szybko zyskał popularność i zdobył miłość publiczności, stając się jednym z najbardziej wpływowych dzieł wielkiego kompozytora.

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wielki kraj z utalentowanym narodem i własnym dziedzictwem kulturowym, zawsze znajdowała się w czołówce lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. Rosyjska szkoła kompozytorska, której kontynuacją tradycji były szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdej z tych znanych osób można powiedzieć wiele, wszystkich spotkały trudne, a czasem i tragiczne losy, jednak w tej recenzji staraliśmy się podać jedynie krótki opis życia i twórczości kompozytorów.

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rosyjskim kompozytorem klasycznym, który zdobył światową sławę. Jego dzieła, oparte na wielowiekowych tradycjach rosyjskiej muzyki ludowej, stały się nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.
Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Impulsu twórczego do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera. Sukces przyszedł M.I. Glinka po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich; po raz pierwszy w muzyce świata, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej muzyce symfonicznej i operowej praktyki zostały organicznie połączone i pojawił się bohater taki jak Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego. V.F. Odoevsky określił operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.
Drugą operą jest epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został przyjęty dwuznacznie przez publiczność i władze i przyniosła trudne doświadczenia M.I. Glinkie. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat z M.I. Glinki: „Aby tworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy”.

Cytat o M.I. Glince: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w fantazji symfonicznej „Kamarinskaja”. P.I. Czajkowski

Ciekawostka: Michaił Iwanowicz Glinka nie cieszył się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może, gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języków obcych, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833—1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.
Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności na różnych polach, przede wszystkim w muzyce i chemii. A.P. Borodin to rosyjski kompozytor-samorodek, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne wynikały z samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak zresztą wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX w.), a impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX w. dały dwa wydarzenia – po pierwsze jego znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie – spotkanie z M.A. Bałakirewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.XX wiek.
Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej epopei heroicznej w muzyce, której on sam nie miał czasu ukończyć (ukończył ją jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych odzwierciedla się główna idea całego dzieła kompozytora – odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego Naród rosyjski manifestował się w obronie swojej ojczyzny. Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie: "Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity w symfonii, operze i romansie. Jego główne cechy to gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość, w połączeniu z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem. " V.V. Stasov

Ciekawostka: reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają chlorowcowane węglowodory, którą jako pierwszy badał w 1861 r., nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz MUSORGSKY (1839—1881)

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garści”. Innowacyjne dzieło Musorgskiego znacznie wyprzedzało swoje czasy.
Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu i zgodnie z tradycją rodzinną był wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie dla służby wojskowej, ale dla muzyki, było spotkanie z M.A. Bałakirewem i przyłączenie się do „Potężnej Garści”. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe historii Rosji z radykalną nowością, której muzyka rosyjska nie znała wcześniej, pokazując w nich połączenie masowego folku sceny i różnorodne bogactwo typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach, zarówno autorskiego, jak i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”, barwnych i pomysłowych miniatur przesiąkniętych rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko zadecydowało o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowały pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrały ważną rolę w kształtowaniu się stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat posła Musorgskiego: „Dźwięki mowy ludzkiej, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i przemocy stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Cytat o MP Musorgskim: „Oryginalne rosyjskie brzmienie we wszystkim, co stworzył Musorgski” N.K.Roerich

Ciekawostka: pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi

4. Piotr Iljicz Czajkowski (1840—1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykany wcześniej poziom. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.
Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawoznawstwa. Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”, studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu. Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do popularnych postaci „Potężnej Garści”, z którymi utrzymywał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duch rosyjski, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi od Michaiła Glinki.
Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce. Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często; będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.
Wybranie czegoś najlepszego z twórczości Czajkowskiego jest trudnym zadaniem, ma on na swoim koncie kilka równorzędnych dzieł z niemal wszystkich gatunków muzycznych - opery, baletu, symfonii, muzyki kameralnej. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:
"Jestem artystą, który może i powinien przynosić chwałę Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co mogę. A chcę to zrobić całymi siłami duszy .”
„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego go bardzo szanuję”. A. P. Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet w Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego. Jego niepowtarzalny świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, zgodnie z tradycją rodzinną został oficerem marynarki wojennej i podróżował na okręcie wojennym po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukację muzyczną pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.
Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Oprócz bezpośredniej niezależnej działalności twórczej N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako wykonawca dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina . Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze: "Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę jego pierwotnie rosyjską esencję, jego głęboką ludowo-rosyjską podstawę należy dziś szczególnie docenić." Mścisław Rostropowicz

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX i pierwszej połowy XX wieku stanowi holistyczną kontynuację tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie nazwano koncepcję podejścia do „narodowej” przynależności tej czy innej muzyki, praktycznie nie ma bezpośredniego cytatu melodii ludowych, ale intonacja pozostaje rosyjska podstawa, rosyjska dusza.

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka i od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, a po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypadł na lata 1903-1908, kiedy to ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, poematy fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonaty oraz inne dzieła. wydany. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku obrazów tematycznych, skupił twórcze pomysły Sryabina i jest jego genialnym arcydziełem. Harmonijnie łączy zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, napowietrzonego brzmienia instrumentów solowych. Kolosalna energia życiowa, ognista pasja i siła silnej woli zawarte w „Poemacie ekstazy” robią na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowują moc swojego oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat A.N. Skriabina: „Powiem im (ludziom) – żeby… nie oczekiwali od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma nic opłakiwać, żeby nie było straty. „Aby nie bali się rozpaczy, która tylko może dać początek prawdziwemu triumfowi. Silny i potężny jest ten, kto doświadczył rozpaczy i ją pokonał”.

Cytat o A.N. Skriabinie: "Twórczość Skriabina była jego czasem wyrażonym w dźwiękach. Kiedy jednak to, co tymczasowe, przemijające, znajduje swój wyraz w twórczości wielkiego artysty, nabiera trwałego znaczenia i staje się trwałe." G. V. Plechanow

7. Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek kompozytora Rachmaninowa określany jest często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, w wieku czterech lat rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem swojej matki. Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX wieku wyłonił się Rachmaninow z dojrzałym stylem, łączącym rosyjską pieśń kościelną, odchodzący romantyzm europejski, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm, a wszystko to w pełni o złożonej symbolice. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, m.in. II i III koncert fortepianowy, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło – wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w USA. Przez prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie i został uznany za jednego z najwybitniejszych pianistów swojej epoki i głównego dyrygenta. Mimo całej swojej gorączkowej aktywności Rachmaninow pozostał osobą bezbronną i niepewną, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając irytującej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za swoją ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Nieustannie interesował się wszystkimi wydarzeniami odbywającymi się w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma oraz pomagał finansowo. Jego ostatnie dzieła – III Symfonia (1937) i „Tańce symfoniczne” (1940) były efektem jego drogi twórczej, łączącej w sobie wszystko, co najlepsze w jego niepowtarzalnym stylu oraz żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za ojczyzną.

Cytat S.V. Rachmaninowa:
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie po obcym mi świecie”.
„Najwyższą jakością wszelkiej sztuki jest jej szczerość.”
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako naczelną zasadę muzyki. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki… Inwencja melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest głównym celem życiowym kompozytor.... Oto powód, dla którego wielcy kompozytorzy przeszłości tak bardzo interesowali się melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V. Rachmaninowie:
"Rachmaninow został stworzony ze stali i złota: Stal jest w jego rękach, złoto jest w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko podziwiałem wielkiego artystę, ale pokochałem osobę w nim." I. Hoffmana
„Muzyką Rachmaninowa jest Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem, unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których dochód przekazał Funduszowi Armii Czerwonej na walkę z nazistowskimi okupantami.

8. Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fedorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej, w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i poddając własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której do perfekcji opanował technikę kompozytorską. Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja masowa”, okresy dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo ręczne” autora.
Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską, ze wspaniałym poczuciem humoru. Do jego grona znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni i mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Hymny żałobne) (1966) wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „niepowtarzalność”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe, jednak stale powracał do projektów, w których widoczne jest rosyjskie pochodzenie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: "Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjską sylabę. Może nie jest to od razu widoczne w mojej muzyce, ale jest w nią wpisane, ma w sobie ukrytą naturę."

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński to prawdziwie rosyjski kompozytor... Duch rosyjski jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego na ziemi rosyjskiej i ściśle z nią związanego...” D. Szostakowicz

Ciekawostka (bajka):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na znaku.
-Jesteś krewnym kompozytora? – zapytał kierowcę.
- Czy istnieje kompozytor o takim nazwisku? - kierowca był zaskoczony. - Słyszę to po raz pierwszy. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista i dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, z muzyką związał się od dzieciństwa. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienia jego indywidualnego, z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu; paradoksem jest to, że burząc akademickie kanony, konstrukcja jego kompozycji pozostała wierna klasycznym zasadom, by z czasem stać się powstrzymująca siła modernistycznego, zaprzeczającego wszystkiemu sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył tournée międzynarodowe, m.in. odwiedził ZSRR, by w 1936 powrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa zmuszona była ustąpić realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisał opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle precyzyjna, z nowymi obrazami i pomysłami, położyła podwaliny pod sowiecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. niemal jednocześnie wydarzyły się trzy tragiczne wydarzenia: jego pierwsza żona, Hiszpanka, została aresztowana pod zarzutem szpiegostwa i zesłana do obozów; wydano uchwałę Biura Politycznego KC Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików, w której zaatakowano Prokofiewa, Szostakowicza i innych i oskarżono ich o „formalizm” i szkodliwość ich muzyki; Nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora, udał się na emeryturę do swojej daczy i praktycznie jej nie opuszczał, ale nadal komponował.
Do najbardziej uderzających dzieł okresu sowieckiego należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia” oraz „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.
Twórczość Prokofiewa uderza wszechstronnością i szerokością tematów, oryginalność jego myślenia muzycznego, świeżość i oryginalność stanowiły całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat z S.S. Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z boku życia?.. Trwam w przekonaniu, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i ludowi... On przede wszystkim ma obowiązek być obywatel w swojej sztuce, aby gloryfikować życie ludzkie i prowadzić ludzi do świetlanej przyszłości…”
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę przeciwstawić się wszystkiemu, co nieduchowe”

Cytat o S.S. Prokofiewie: "...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne. Ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno każdy z nas ma jakieś niepowodzenia, wątpliwości, po prostu zły nastrój. I w takich momentach "Nawet jeśli nie Nie gram i nie słucham Prokofiewa, ale wystarczy o nim pomyśleć, dostaję niesamowity ładunek energii, czuję ogromną chęć do życia i działania.” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo kochał szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyśloną przez siebie „dziewięcioma” szachami – planszą o wymiarach 24x24, na której ułożono dziewięć zestawów figur.

10. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu, pierwsze lekcje muzyki pobierał u matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - dlatego zadziwił wszystkich doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem dla kompozycji. Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światową sławę zyskał Szostakowicz po zwycięstwie w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed wystawieniem opery „Lady Makbet z Mtsenska”, Szostakowicz działał jako artysta wolny – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Dotkliwe rozbiórki tej opery, zorganizowane w 1936 r., i represje z 1937 r. zapoczątkowały późniejszą nieustanną walkę wewnętrzną Szostakowicza o wyrażanie własnych poglądów własnymi środkami w warunkach narzucania przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był przez władze chwalony i prześladowany, piastował wysokie stanowiska i został z nich usunięty, on i jego bliscy zostali nagrodzeni i groziło im aresztowanie.
Jako człowiek łagodny, inteligentny, delikatny, swoją formę wyrażania zasad twórczych odnalazł w symfoniach, w których mógł możliwie otwarcie mówić prawdę o czasie. Spośród całej rozległej twórczości Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł), najbardziej dramatycznie intensywne są symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz objawia się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nigdy nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie i była wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej jest jeszcze przed nami.

Cytat D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka zdolna jest wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane ludzkie idee”.