Leonid Winckiewicz. Dynastia jazzowa. „Mój syn słabo radził sobie w szkole. To dla nas sprawa rodzinna.”

Nikołaj Winckiewicz to jeden z najwybitniejszych jazzmanów młodego pokolenia. Absolwent wydziału jazzu Rosyjskiej Akademii Muzycznej w Gnessin w klasie profesora A. Oseichuka. Laureat nagrody Moskiewskiego Stowarzyszenia Dziennikarzy Jazzowych „Jazz Ear-98” w kategorii „Muzyk zasługujący na szersze uznanie”. Pracowity, artystyczny i czarujący muzyk, saksofonista, którego talent doceniły gwiazdy światowego jazzu, z którymi Nikolai miał okazję występować na tej samej scenie: Lewis Nash, Grady Tate, Santi Debriano, Bill Charlap, Mike Ellis, Slide Hampton, Kenny Burrell, Kim Nazaryan, Jay Ashby, Igora Butmana i wiele innych. Nick jest stałym uczestnikiem festiwali jazzowych „Muzyka” (Moskwa), „Moskiewska Jesień”, „Jazz in Ogród Ermitażu”(Moskwa), „Stroom-jazz (Ukraina), „Muzyka rosyjska wczoraj, dziś i jutro” (Anglia), „Rosyjski jazz nad Dnieprem”, „Jazz maratonas Nida” (Litwa)… Niespodziewanie dla publiczności jazzowej, obrał drogę komponowania i... nietypowo odniósł sukces w nowej jakości! Jego płyty z ostatnich lat składają się niemal w całości z kompozycji Mikołaja i budzą nieustanne zainteresowanie i uznanie słuchaczy: „Pieśni z Czarnej Ziemi” (2007), „Vive L’Amour” (2011), „Russian Ozdoba” (2013).

- Grałeś na tej samej scenie z wieloma wspaniałymi muzykami jazzowymi. Który z nich wywarł na Tobie największe wrażenie? Czego się od nich nauczyłeś? Może pojawiły się jakieś trudne sytuacje?

Lionela Hamptona!!! podczas mojej pierwszej wizyty w USA w 1999 roku miałem 23 lata i on powiedział, że chce mnie wysłuchać, myślałem, że będzie to w jednej z sal jego szkoły (Lionel Hampton Music School) Moskwa Idaho, ale on chciał słuchajcie mnie na scenie jego festiwalu a to jest ogromny stadion i codziennie na festiwal przychodzi 10 000 ludzi (festiwal trwa trzy dni) i tutaj gram dwa utwory w towarzystwie legendarnego perkusisty Grady'ego Tate'a, pianisty Billa Sharlapa i basista Santi DeBriano, taki fajny skład wsparł mój występ! Hamptonowi podobał się mój występ, mówi co drugi dzień: „Będziesz grał z moim Big Bandem jako solista!” A ja wtedy nie mówiłem po angielsku. A oto próba dnia, gramy „Perdido” – cała orkiestra i sam maestro przy wibrafonie! Gram solo, zagrałem trzy pola, myślę, że to chyba wystarczy i za każdym razem, gdy kończy pole, mówi: „Jeszcze jedno”. I trwało to około 20 minut! To było niezapomniane przeżycie w moim życiu - dotknąć Legendy takiej skali jak LH!!! został moim ojcem chrzestnym w jazzie!

Lionel Hampton przedstawia Nicka Vintskevicha:

- Twoim głównym instrumentem jest saksofon. Dlaczego taki był wybór? Czy to tylko Twoja decyzja?

Było to nieuniknione, gdyż mój ojciec Leonid Winckiewicz przez wiele lat grał w duecie z dwoma znakomitymi saksofonistami. Wołodia Konowaltsew (grał w pierwszym składzie Allegro) przez kilka lat występował w duecie z ojcem. Szkoda, że ​​nie nagrano ani jednej płyty tego duetu, pozostały jedynie amatorskie nagrania koncertowe. A później – saksofonista Lembit Saarsalu z Estonii, duet ten istniał 20 lat i odnosił sukcesy (dwie płyty w firmie Melodiya i cztery płyty w Niemczech: jeden duet, trio z amerykańskim gitarzystą Johnem Stowellem, kwartet i trio z Niemiecka piosenkarka Jutta Glaser w stylu etno-folkowym). Mój ojciec i Lembit koncertowali w Europie i Skandynawii, a w 1989 roku zostali pierwszymi radzieckimi jazzmanami oficjalnie zaproszonymi na tournee do USA przez samego Lionela Hamptona, z którym grali dziesiątki razy! Pierwsze lekcje saksofonu udzielał mi Władimir Konowaltsev, później Lembit Saarsalu, a potem trafiłem w ręce Aleksandra Oseichuka w Gnesince i wszystko było tam bardzo poważne! Otrzymałem doskonałe wykształcenie od Oseichuka i cieszę się, że trafiłem do tego Mistrza, Nauczyciela i Saksofonisty!

- W co (marka, wiek, historia) grasz dzisiaj? Jaki charakter ma Twój saksofon?

Saksofony: altowy Selmer mark 6 i sopran Yanagisawa. Trudno odpowiedzieć na temat charakteru mojego saksofonu, z zewnątrz widać go lepiej. Ktoś mówi o moim alcie – „twardy Paul Desmond”, o sopranie, kiedy gram gładko – wtedy „Grover”, a kiedy w kwartecie Vintskevich-Taylor – „Joe Farrell”. A co najważniejsze, coraz częściej słyszę od różnych osób, że mam charakterystyczny, rozpoznawalny styl i to jest dla mnie NAJWAŻNIEJSZE!!! Bądź inny niż inni!

Jak przeszedłeś od występów do komponowania muzyki? Kto ze świata muzyki Cię inspiruje? Czyim doświadczeniem kompozytorskim interesuje Cię dzisiaj, kto Cię podziwia?

Co prawda przez wiele lat skupiałem się wyłącznie na lekcjach gry na saksofonie (szczególnie u Gnesenko), ale potem zacząłem spędzać czas przy fortepianie i przyglądać się akordom, różnym sekwencjom, analizować, rozkładać utwory i kompozycje. I jakoś w pewnym momencie zacząłem pisać własne. Jest wielu kompozytorów, którzy mnie inspirują: od Led Zeppelin po Antonio Carlosa Jobima, od Ravela po Herbiego Hancocka! Dzięki nim - bez ich muzyki świat byłby nudny i nieciekawy, to lek na depresję!!!

- Jak zrodził się pomysł na płytę „Vive L’amour”, z czego się składa? Jaka jest dla Ciebie najważniejsza kompozycja na tej płycie? Kto brał udział w nagraniu?

Pomysł na płytę narodził się dawno temu, jakieś osiem lat temu. W tym czasie zacząłem dużo komponować, wymyślałem piękne melodie i zdecydowałem, że można z nich zrobić dobre piosenki. Tak to się wszystko zaczęło. Zaśpiewałem kilka pierwszych piosenek JD Waltera, bardzo dobra piosenkarka z Nowego Jorku. Mój ojciec odbył z nim dużą trasę koncertową po Finlandii, a później zaprosiliśmy go na festiwal Jazz Province. Podczas jednej z jego wizyt w Rosji rozpoczęliśmy pracę w studiu Jewgienija Szarikowa, znakomitego basisty i producenta dźwięku. Evgeniy wniósł ogromny wkład w powstanie tego albumu, płyta stała się naszym wspólnym pomysłem!

Jeszcze kilka piosenek zaśpiewała niesamowita wokalistka z dużą energią i cudowną barwą - Ewa Korneliusz(znana jest z występów w grupie Roya Hargrove'a, Chucho Valdes i wielu innych). Yvesa Corneliusa również pochodzi z Nowego Jorku, a poznałam ją bliżej na festiwalu Jazz Province, bo jako pierwsi zaprosiliśmy ją na trasę po Rosji!

A trzecim uczestnikiem nagrania jest słynny Kim Nazarian, wokalista słynnej grupy NY Voices, zdobywca nagrody Grammy! Spotkanie z nią było nieoczekiwane. Mój ojciec i ja występowaliśmy w USA na festiwalu w Hampton, prowadząc dzienne kursy mistrzowskie. Po naszym występie nagle podszedł do nas słynny puzonista Jay Ashby i zapytał, jak bardzo jesteśmy zajęci następnego ranka. Byliśmy wolni, a on poprosił nas o wzięcie udziału w jego kursie mistrzowskim, który miał zamiar poprowadzić razem z trębaczem Claudio Roditi. Rano wzięliśmy udział w tej niesamowitej klasie mistrzowskiej, podczas której rozmawialiśmy o brazylijskiej bossa novie, o tym, jak poprawnie ją grać i jak jej akompaniować (wzięły w niej udział fortepian i trzy instrumenty dęte). Po zajęciach zaczęliśmy rozmawiać i powiedziałem Jayowi, że obecnie pracuję nad albumem z piosenkami. A potem mówi, że jego żona jest piosenkarką, a wokaliści zawsze interesują się nowym materiałem, więc chciałby posłuchać kilku naszych kompozycji. Nieco później tego samego dnia Jay Ashby zaprosił nas do pokoju z fortepianem, gdzie wraz z ojcem graliśmy moje utwory, w tym ten, który później stał się piosenką Vive Lamour. To właśnie na tym Jay skupił swoją uwagę, zauważając, że musi to pokazać swojej żonie. Następnie zapytałem, jak ma na imię i słysząc w odpowiedzi „Kim”, zapytałem, czy jest z grupy NY Voices? I rzeczywiście, tak było!

Później odbyliśmy wspólną trasę z Kim & Jayem po Rosji, gdzie Kim pokazał pierwsze szkice do tej piosenki. Następnie nagraliśmy to w ich fajnym studiu w Pittsburghu! Jay Ashby grał na perkusji i był współproducentem. A fantastyczny Joel Taylor grał na perkusji, ojciec na klawiszach, Evgeny Sharikov i Kip Reed na basie. Piosenka VIve Lamour w 2012 roku przez dwa miesiące utrzymywała się w TOP 10 stanu Kolorado (USA) w Aspen Beat Public Radio: w kwietniu była na trzecim miejscu, a w maju na ósmym!!! Album okazał się mocny, a utwory Vive Lamour i Maybe stały się prawdziwymi Hitami!!!

- Za co jesteś najbardziej wdzięczny swojej rodzinie? Co dla ciebie znaczy bycie częścią słynnej muzycznej dynastii? Jest to zarówno odpowiedzialność, jak i nieuniknione ramy - zarówno w życiu, jak i kreatywności... Jak sobie z tym radzisz i jakie masz plany na przyszłość?

Cieszę się, że urodziłem się w tej rodzinie, w rodzinie muzyków! Zasnąłem na kolanach ojca, gdy on ćwiczył na fortepianie, godzinami ucząc się koncertów Rachmaninowa. Od dzieciństwa najlepsi muzycy w kraju odwiedzali dom, od Olega Lundstrema do Igora Butmana! Myślę, że prawie wszyscy nas odwiedzili))) Nie w życiu, nie w kreatywności, nie ma jeszcze ram, mam nadzieję - i nigdy nie będzie. Zdarzają się nieporozumienia, nawet poważne, ale w sporze rodzi się prawda. Dokładnie tak się dzieje w naszym przypadku.

Miesiąc temu Butman Music wydał nasz nowy album „Russian Ozdob”, nagrany z naszymi stałymi partnerami muzycznymi, perkusistą Joelem Taylorem i basistą Kipem Reedem, z którymi gramy razem od ponad 7 lat. Album powstał wspólnie z Chórem Ludowym „Rostan”, na płycie znajdują się utwory zarówno z udziałem kwartetu, jak i chóru, efektem jest etno-fuzja!

Obecnie trwają prace nad nową płytą w duchu „Vive Lamour”, w nagraniu której biorą udział znakomici muzycy: wokalista Kim Nazarian, gitarzysta Mike Miller (znany ze współpracy z takimi tytanami jak m.in. Kurczak Corea Electric Band 2 i Gino Vanelli) i oczywiście mój ojciec Leonid Vintskevich, Joel Taylor i Kip Reed! I jest jeszcze jedno bardzo znane nazwisko osoby, która brała udział w nagraniu tej płyty. Ale o tym dowiecie się później, to niespodzianka!)))

Vintskevich – kwartet Taylora „Poduszka Groto”

Nick i Leonid Vintskevich: 7 lat Butman Music

31.03.2018

Winckiewicz Leonid Władysławowicz

Rosyjski muzyk

Leonid Winckiewicz urodził się 1 kwietnia 1949 r. w mieście Kursk. Zaczął grać na pianinie w wieku siedmiu lat. Ukończył Kursską Szkołę Muzyczną nr 1, następnie Kursk Music College, gdzie uczył się u nauczycieli N.L. Kireevskiej i L.Ya Uporiny. W 1968 roku rozpoczął naukę w Konserwatorium w Kazaniu w klasie fortepianu. Z własnej inicjatywy uczęszczał na zajęcia z kompozycji. Zaprzyjaźnił się ze studentami wydziału kompozycji i był pierwszym wykonawcą ich nowych kompozycji. Równolegle ze studiami w zakresie muzyki akademickiej interesował się jazzem. Pod koniec lat 60. stale słuchałem audycji „Metronome Radio Club” Arkadego Pietrowa w stacji radiowej „Yunost”.

Po ukończeniu konserwatorium Winckiewicz wrócił do rodzinnego miasta i został solistą Filharmonii Kurskiej. Tak pozostaje do dziś. W 1974 r. Rozpoczęło się tworzenie pierwszych państwowych instytucji edukacyjnych w zakresie jazzu w ZSRR - wydziałów pop-jazzu w szkołach muzycznych. Kursk znalazł się w gronie pierwszych 20 miast, w których utworzono taki oddział, a Leonid brał czynny udział w jego organizacji. Ponieważ nie było doświadczenia organizacyjnego, twórcom wydziałów jazzowych z całego kraju pomogli Moskale, którzy mieli takie doświadczenie - w końcu w 1967 roku w centrum kulturalnym Moskvorechye zaczęło działać studio jazzowe. Winckiewiczowi doradzało także dwóch nauczycieli studia, Niemiec Łukjanow i Igor Bril, a także teoretyk Jurij Czugunow i inni.

Oprócz doświadczenia czysto pedagogicznego, Łukjanow i Bril wywarli także wpływ na Leonida, skupiając się na muzyce rosyjskiej. Mniej więcej w tym samym czasie Winckiewicz przypadkowo usłyszał nagrania chóru ludowego we wsi Foszczewatowo w obwodzie biełgorodskim. Muzyka uderzyła struktura harmoniczna i rytmiczna tych pieśni, przeniósł ich fragmenty na papier nutowy, próbując zrozumieć naturę organizacji rytmicznej śpiewu ludowego, podobnego w odbiorze do jazzowego popędu.

Efektem syntezy wszystkich tych wpływów były pierwsze autorskie kompozycje Leonida Winckiewicza, które pokazał na festiwalach jazzowych w Ferganie i Kujbyszewie w 1978 r. Od 1978 r. rozpoczął aktywną działalność koncertową, uczestnicząc przez cały okres lat w festiwalach jazzowych odbywających się w tych latach. byłego ZSRR. W 1979 roku wystąpił w trio na festiwalu w Tallinie. W tym samym roku zagrał z tym samym trio na Moskiewskim Tygodniu Jazzowym. O tym występie napisała gazeta „Komsomolskaja Prawda”: „Grupa gra nerwowo i z entuzjazmem. Ostre, żrące harmonie, energetyczny rozwój materiału melodycznego, łatwo rozpoznawalne cechy rosyjskiego śpiewu, subwokalna polifonia…”

W 1984 roku Leonid poznał estońskiego saksofonistę tenorowego Lembit Saarsalu na festiwalu jazzowym w Swierdłowsku. Muzycy, grając raz razem, stworzyli duet, który istnieje do dziś. Duet Vinckevich-Saarsalu kilkakrotnie brał udział w Festiwalu Lionela Hamptona. Pierwszemu występowi duetu na festiwalu towarzyszyła niespodzianka – na scenie pojawił się niespodziewanie sam Lionel Hampton, który miał wówczas 81 lat i dołączył do duetu ze swoim wibrafonem. I to pomimo tego, że festiwal ma charakter wyłącznie tradycyjny, swingowy, a w grze Winckiewicza i Saarsalu nadal można było dostrzec nuty bardziej współczesne... O tym występie pisał później magazyn „Down Beat”: „Dwóch muzyków ze Związku Radzieckiego pokazało że styl Errolla Garnera i stylu Cecila Taylora wcale nie jest ze sobą sprzeczny”.

Muzycy grali na tym festiwalu corocznie do 1993 roku. W lutym 1999 roku w Moskwie w stanie Idaho, gdzie odbywa się ten coroczny festiwal, odbył się szósty występ Winckevicha i Saarsalu; Obecny był z nimi syn Leonida, saksofonista Nikołaj Winckiewicz, który zaprezentował się bardzo pomyślnie. W 2001 roku Leonid i Lembit ponownie odwiedzili festiwal, biorąc udział w swojej klasie mistrzowskiej. Podczas wizyty w USA Leonid i Lembit nagrali muzykę dyrektora festiwalu Lionela Hamptona i dr Lynn Skinner.

Ostatni wywiad powinien oczywiście odbyć się z Leonidem Władysławowiczem. Rozmawialiśmy o podobieństwach Rosjan i Amerykanów, zarobkach artystów i poziomie magii festiwalu Jazz Province.

Czy masz zbiorowy obraz widza zainteresowanego „Prowincją Jazzową”?

To Ci, którzy niezależnie od wieku są otwarci na świat, którzy chcą mieć własne zdanie. Dla których kultura jest ważną częścią życia.

Czy jednak odbiorcy różnią się w poszczególnych miastach? Albo są tak różne, jak sama „Prowincja Jazzowa”.

- Nawet słuchacze Kurska są bardzo różni. Po koncercie można usłyszeć najbardziej sprzeczne opinie. Mówią na przykład o szwajcarskiej grupie wykonującej muzykę kameralną. Słyszę zdanie: „Prowincja jazzowa” zapadła się w nieznanym punkcie”, a potem o tej samej grupie: „Nic lepszego na świecie nie słyszeliśmy”.

Sam festiwal został pomyślany jako przekrój współczesnego jazzu i nierealne jest oczekiwanie, że wszystkim będzie się wszystko podobać, bo jazz to ogromny świat muzyki, który chcemy po prostu zaprezentować, na tyle, na ile nam wolno. Więc. Widz sam zadecyduje, co jest mu bliższe. Dlatego w sztuce są różni malarze, poeci, pisarze, reżyserzy filmowi, aby każdy mógł wybrać dokładnie to, co mu odpowiada.

Kiedy poszukiwani na całym świecie muzycy z Kurska przyjeżdżają do Moskwy, trudno jest zmienić stereotypy. Dlatego moskiewski widz ocenia pierwsze kilka minut, a następnie słucha.

Większą różnicę widać pomiędzy kontynentami. Na przykład, jak jest to akceptowane w Finlandii i jak jest akceptowane w Ameryce. W Finlandii reakcja publiczności jest często powściągliwa, co nie oznacza, że ​​cię nie lubią. Ludzie mają po prostu różne temperamenty i różne tradycje. Na początku nie było mi łatwo to zrozumieć. W Ameryce po prostu wychodzisz na scenę, jeszcze nic nie zrobiłeś i spada na ciebie burza braw.

Gdzie podobało Ci się najbardziej?

Podoba mi się wszędzie tam, gdzie na sali są dobre fortepiany i dobra akustyka. Tak, oczywiście, gdy byłem młody, byłem zdenerwowany, gdy dowiedziałem się, że komuś nie podoba się sposób, w jaki gram. Teraz najważniejsze jest, aby być ze sobą szczerym, wszystko inne jest nieważne. Dlatego sam ustalam, jak dokładnie przebiegł występ, nie biorąc pod uwagę reakcji publiczności.

Muzycy z jakiego kraju są najbliżsi Rosjanom pod względem stylu wykonania i prezentacji?

Wydaje mi się, że najbliżej nam są Amerykanie. Są bardziej otwarci emocjonalnie niż na przykład Skandynawowie. Myślę, że dzieje się tak dlatego, że Ameryka to ten sam wielonarodowy kraj o tych samych różnicach klimatycznych. Dlatego wydaje mi się, że jazz ma w Rosji bardzo świetlaną przyszłość. Następuje łączenie kultur i proces ten trwa.

Czy trudniej jest pracować z kolegami z zagranicy?

Każdy artysta musi być egocentryczny, musi być pewien, że jest najlepszy na świecie. Dlatego przyjmuję różne niuanse życia codziennego, różnicę charakterów za oczywistość. Przez lata pracy na tym festiwalu przyzwyczaiłem się do przyjmowania tego ze spokojem. Klasyczny przykład: Chaliapin potrafił być niegrzeczny i zupełnie nie do zniesienia przed swoimi najlepszymi koncertami. Najwyraźniej jest to po prostu „łamanie” ciała przed wyjściem na scenę. I oczywiście są po prostu trudne postacie. W każdym razie znoszę takie chwile ze spokojem, bo ci ludzie faktycznie są bardzo oddani jazzowi.

Wyobraź sobie, że cała muzyka składa się wyłącznie z Bacha, albo że w jazzie jest tylko Miles Davis. Wybitne imiona! Ale jeśli pozostaną tylko te dwie nazwy, stracimy setki niesamowitych niuansów i kolorów tego świata. Dlatego różnica jest największym składnikiem życia, jest naszą siłą. I tak samo jest w sztuce.

Czy miałeś jakieś punkty zwrotne w swojej twórczości, które w jakiś sposób wiązały się z Kurskiem?

Całe życie mieszkałem w Kursku. Były lata, kiedy spędzałem więcej czasu w trasach koncertowych, ale tak czy inaczej Kursk jest moim domem. Nigdy nie postrzegałem tego inaczej. Oczywiście nie brakowało momentów zwrotnych – rewizji twórczego światopoglądu i kilku odkryć, które sprawiły, że spojrzeliśmy na świat inaczej.

Co pomogło Ci poradzić sobie z trudnościami?

Rodzina i muzyka. Po pierestrojce był moment, kiedy wydawało się, że muzyka to odpust. Dla mnie tak nie było, ale w świecie, który wtedy przyszedł, wydawało się, że nie ma w nim miejsca na muzykę i sztukę.

A te nowe wartości, które nagle zostały usunięte po pierestrojce, wydawały mi się naciągane. Rzeczywiście, co to za talent - wziąć pożyczkę od Zachodu na 3% i dać ją obywatelom Rosji na 20%? Ale to właśnie ci ludzie byli uważani za kolor społeczeństwa.

Pisarze, muzycy, malarze, nauczyciele, lekarze – to dla mnie prawdziwi bohaterowie, o których warto mówić i pamiętać.

Z jakich złudzeń co do rozwoju kultury muzycznej w Rosji musieliście się porzucić?

Z jednej strony jestem szczęśliwy i dumny, że w moim kraju istnieje kanał „Kultura”. To wyjątkowy kanał, z którego byłaby dumna każda część świata. Cieszę się, że dzięki staraniom Walerego Gergijewa i szeregu osób Konkurs Czajkowskiego odrodził się jako wydarzenie ogólnopolskie, co nie zdarzało się od wielu lat.

Teraz na Kursku robi się wiele dla kultury, co nie zdarzyło się jeszcze w mojej pamięci: otwiera się druga Filharmonia, a w niej sala koncertowa, w której grał sam Siergiej Rachmaninow, występował Chaliapin, zakupiono kolejny fortepian Steinway. To także cud, który dzieje się na naszych oczach. Wszystko to dzięki staraniom przede wszystkim gubernatora Aleksandra Michajłowa i przewodniczącego Komisji Kultury Walerego Rudskiego. Wiem, ile kosztowało odzyskanie dla nas wszystkich budynku Izby Oficerskiej. I bardzo im za to dziękuję.

Z drugiej strony zbyt mało jest nadziei, że muzycy na prowincji będą mogli żyć godnie. Te wszystkie obiecane podwyżki... Raczej tego nie zobaczę. Być muzykiem, na którego jest popyt na świecie i zarabiać mniej niż woźni, to obraza. Artysta Ludowy Rosji Aleksiej Kuzniecow, żywa legenda radzieckiego i rosyjskiego jazzu, pracuje w kolektywie „Nowa Sztuka” w Filharmonii Kurskiej. Albo na przykład mój syn, który pracował przez 25 lat, jest jednym z wybitnych przedstawicieli rosyjskiego jazzu. Jest jedynym rosyjskim muzykiem, który otrzymał europejską nagrodę Maysel Davis. Został uznany za jednego z najlepszych kompozytorów na międzynarodowym konkursie „Made In New York”. Do dziś reprezentuje Rosję na najlepszych obiektach w Europie i Ameryce...

Wiem, że problem takich wynagrodzeń nie jest problemem wojewody czy komisji kultury, tylko problemem państwa. Trzeba tylko pamiętać, że nosicielami kultury są żywi ludzie. Żywy! I warto o nie dbać. W końcu czym jest kultura? To piramida, na szczycie której znajdują się nazwiska takie jak Valery Gergiev czy Yuri Bashmet. Ale o kulturze nie decydują oni, ale dolna granica piramidy...

Utalentowani muzycy stale pojawiają się w Rosji. Daleko nie trzeba iść, przykładem Kurska jest mój syn Nikołaj Winckiewicz. Nadzieję na najlepsze dają ludzie, którym nie zależy na sukcesie komercyjnym, pieniądzach, chcą czegoś zupełnie innego – zaangażowania się w twórczość, jej promowania.

Nie widzę jeszcze w swoim życiu Ministerstwa Kultury. Mamy projekt federalny od ponad 20 lat, ale nie możemy otrzymać wsparcia federalnego. Nie mam więc złudzeń. Te iluzje mówią mi: „Nie, nie miej nadziei”. A taka sytuacja jest powszechna w miastach wojewódzkich. Dlatego żyjemy i tworzymy sztukę pomimo, a nie dzięki. Pojawia się tylko pytanie: co powiedzieć wnukowi, który na poważnie zajmuje się muzyką…

Co jest potrzebne, aby jazz w Rosji mógł się rozwijać?

Program wspierający nowe pokolenie muzyków. Nowe pokolenie musi mieć szansę!

Nasi muzycy nie są w stanie konkurować z muzykami z innych krajów, ponieważ Japonia, Skandynawia, Niemcy, Szwajcaria, Ameryka inwestują pieniądze w swoje talenty, aby promować je na arenie międzynarodowej. Oznacza to, że pewnego dnia dostałeś dotację na nagranie płyty, nagrałeś ją i nagle pojawiasz się ze swoją sztuką we wszystkich sklepach na świecie.

Dziś, aby nawet bardzo utalentowany muzyk mógł wystąpić na scenie sali koncertowej, potrzeba kolosalnej sumy pieniędzy - wynajem sali, reklama, hotel, wyżywienie, dokumenty podróżne.

Nie znam ani jednego rosyjskiego muzyka, w którego państwo zainwestowałoby pieniądze. Można wymienić Igora Butmana, ale zrobił to sam, posiadający energię menadżera i wyjątkowy talent muzyka.

Warto zapoznać się z doświadczeniami krajów, w których są dotacje na koncerty, na nagrania płyt, na wspieranie nowego pokolenia. Sztuka non-profit nie może żyć bez dotacji. I potwierdza to historia całego świata.

Na przykład w tym roku, w ramach przygotowań do festiwalu Jazz Prowincja, wysłaliśmy do różnych struktur ponad 120 listów z prośbą o współpracę i wsparcie, ale prawie wszystkie nie przyniosły skutku. O losach tegorocznego festiwalu zadecydował Komitet Kultury Obwodu Kurskiego. Osobiste podziękowania dla Przewodniczącego Komisji Kultury Walerija Rudskiego, Pierwszego Zastępcy Gubernatora Aleksandra Zubarewa, który przekonał Fabrykę Baterii do pomocy, generalnemu producentowi festiwalu Ilji Piorunskiemu, Leonidowi Szczedrinowi, który reprezentuje firmę Imperial i sieć restauracji Pelican, i oczywiście Rada Festiwalu, na której czele stoi Aleksander Zakurdaew. Korzystam z okazji, aby powiedzieć wszystkim „dziękuję”, chociaż dziesiątki kolejnych nazwisk pozostają nienazwane.

Kraj oczywiście czeka na wspólnotę ludzi zajmujących się kulturą. Czeka na ustawę „O kulturze”, która będzie działać tak samo, jak w Europie i Ameryce.

Co to jest?

– Jeśli wspierasz kulturę, nie jesteś opodatkowany. Podwójna korzyść – masz wizerunek sponsora i nie płacisz podatków. W Europie wszystkie kluby muzyczne i teatralne otrzymują dotacje jako sale sceniczne. Zawsze byłem zdumiony, jak klub, w którym tłoczył się tłum, płacił składki, bilety, hotele. Okazuje się, że chodzi o dotacje.

Sztuka niekomercyjna nigdzie nie może być samowystarczalna. Niezależnie od tego, jak popularny jest na przykład teatr, nie może on istnieć wyłącznie na biletach wstępu.

Ale skoro nie ma takiego prawa, jak możemy pomóc „Prowincji Jazzowej”?

Taki projekt wymaga funduszy federalnych. Już dawno przerosliśmy znaczenie lokalne. Przykładowo w tym roku koncerty odbyły się w 12 miastach, przyjechało ponad 100 muzyków z 13 krajów. Oznacza to, że poziom wykonawców mógłby być porównywalny z każdym europejskim festiwalem. I zbieramy ze świata wątek po wątku. Powinienem już podpisywać umowy z uczestnikami kolejnego festiwalu, ale tego nie robię, bo nie mam stałego źródła finansowania. I nie ma pewności, że festiwal się odbędzie. To trwa już 22 lata. Jednak co roku zdarza się cud i mija kolejna „Jazzowa Prowincja”.

Paradoks. Projekt od dawna jest projektem federalnym, ale nie ma wsparcia federalnego.

Tak, dopóki nie udało nam się skontaktować z Ministerstwem Kultury. Projekt istnieje od 22 lat, dzięki wsparciu wielu, wielu nie najbogatszych ludzi. Ta strona medalu pozwala z nadzieją patrzeć w przyszłość.

Co pomaga Ci odzyskać siły po koncertach?

Pierwszym z nich jest jazda na rowerze. Jednocześnie czuję, że mam 15 lat i wszystko przede mną. Natura i oczywiście muzyka. Staram się ćwiczyć codziennie, to też przywraca siły. Każdego dnia muszę po prostu być przy pianinie i decydować, która nuta jest najważniejsza. To jak medytacja dla kogoś...

Oznacza to, że za pomocą muzyki robisz sobie przerwę od muzyki.

Tak to prawda. Bo dopóki muzykowi zależy na tym, jaką nutę zagrać na instrumencie jako następną, pozostaje muzykiem.

Fot. Witalij Samfałow, archiwum festiwalu Jazz Prowincja