Michaił Ławrowski obchodzi swoją rocznicę. Bilety na wieczór rocznicowy Artysty Ludowego ZSRR Michaiła Ławrowskiego Wieczór rocznicowy Artysty Ludowego ZSRR Michaiła Ławrowskiego

W Teatrze Bolszoj odbył się koncert galowy z okazji rocznicy Michaiła Ławrowskiego. Tancerz, choreograf, pedagog - przez ponad ćwierć wieku był czołowym solistą głównego teatru w kraju, gwiazdą pierwszej wielkości. Krytycy pisali o nim: „Ławrowski wie, jak przekazać na scenie pasję, wytrwałość, autorytet i głębię miłości, siłę i szlachetność emocji”. Podczas wieczoru rocznicowego mistrz nie tylko przyjął liczne gratulacje od uczniów i współpracowników, ale także wręczył publiczności prezent - zatańczył rolę w balecie własnej kompozycji. Raport Valerii Kudryavtsevy.

Gdy tylko Michaił Ławrowski pojawia się za kulisami, otaczają go artyści. Gratulacje przez Skype z całego świata, zdjęcie na pamiątkę - z żywą legendą. Zdaniem artystów udział w wieczorze słynnej tancerki, choreografki i pedagoga to szczęście i odpowiedzialność.

„Jego wyjątkowość polega na tym, że szaleńczo kocha życie, szaleńczo kocha ludzi, szaleńczo kocha twórczość” – mówi primabalerina Teatru Bolszoj Marianna Ryzhkina. - Miałem okazję pracować jako asystent przy produkcji spektaklu. I tam obserwowałam, jak artyści byli zafascynowani sposobem, w jaki Maestro Ławrowski przekazał choreografię, emocje i znaczenie tego, co się działo”.

Wieczór rocznicowy dla ojca wyreżyserował jego syn Leonid Ławrowski-Garcia, również choreograf. Główną ideą jest rozmowa o teraźniejszości i przyszłości, bez patrzenia w przeszłość.

„Nie chciałem wygłaszać pochwały za żywą osobę. Urodziny potrzebują czegoś radosnego. To wtedy przychodzą, patrzą i życzą 100 lat życia i twórczych sukcesów. A Ławrowski, mimo 75 lat i protez stawów, nadal rządzi nami wszystkimi na bojowym koniu i szablą. I chętnie mu w tym pomagamy” – zauważył reżyser Leonid Ławrowski-Garcia.

Wieczorem ponownie wystawiono fragmenty przedstawień Ławrowskiego – „Fantazja na temat Casanovy”, „Rosyjska baletnica”, „Niżyński” – w zaktualizowanej obsadzie, w nowych kostiumach. Dla premiera Bolszoj Iwana Wasiliewa jest to pierwsze doświadczenie współpracy z Ławrowskim. Niżyński tańczy.

„Przede wszystkim to prawdziwy mężczyzna. Prawdziwy mężczyzna – zarówno na scenie, jak i w życiu. A on jest bardzo emocjonalną osobą, emocjonalnym artystą. A to pozostawia ślad na całe życie” – powiedział Iwan Wasiliew, premier Teatru Michajłowskiego.

Jedną z intryg wieczoru będzie spojrzenie w przyszłość – fragment z nadchodzącej produkcji operowo-baletowej „Amok” na podstawie powieści filozoficznej Stefana Zweiga. Reżyseria – Leonid Ławrowski-Garcia, choreografia – Michaił Ławrowski.

„Być może uda mi się to wystawić jako nauczyciel, ale oczywiście sam nie wejdę na scenę. Możesz tańczyć, ile chcesz, ale nie możesz oglądać i tyle” – powiedział choreograf Teatru Bolszoj i Artysta Ludowy ZSRR Michaił Ławrowski.

I mimo autoironii, w finale wieczoru Michaił Ławrowski nadal pojawi się na scenie – we fragmencie baletu „Niżyński” – w roli Siergieja Diagilewa.

Obecnie jest choreografem-powtórnikiem Teatru Bolszoj, profesorem na Wydziale Choreografii GITIS i dyrektorem artystycznym Moskiewskiej Państwowej Akademii Choreografii. Zrealizował kilka baletów, filmów baletowych i numerów choreograficznych w przedstawieniach dramatycznych.

MS: Michaił Leonidowicz, jesteś szczęśliwym człowiekiem. Wiesz dlaczego?

MS: Ponieważ to Twoja 75. rocznica i nie będziemy pamiętać, co się wydarzyło, ale omówimy Twoje plany! Nie każdy może pochwalić się tym, że świętuje taką rocznicę aktywnym trybem życia.

ML: Nie da się bez tego żyć! Jeśli tego nie zrobisz, nie żyjesz! Oczywiście wszyscy się starzejemy, takie jest prawo natury, prawo Boże. Mijają pokolenia. Co oznacza „minęło pokolenie”? Zniknęły ideały, gusta i moralność. To nie znaczy, że jesteśmy lepsi, to znaczy, że jesteśmy po prostu inni, bo minęło dużo czasu. Spójrzcie (filozofuję, ale wyjaśnię) na przykład jabłoń: wiosna, lato, jesień, zima - zima wszystko zamyka, wszystko umiera, a jabłoń, która wydaje jabłka, też żyje i umiera. Następnej wiosny - wszystko od nowa, ale jabłka mogą być bardziej gorzkie, słodsze, lepsze lub gorsze - jak nasze dzieci; to jest ta sama jabłoń. Nasze geny to nasze dzieci, tylko trochę inni ludzie.

MS: Powodem naszego spotkania była Twoja produkcja „” w Neapolu. Ale latem nie udało nam się spotkać i teraz bardzo się cieszę, że mam okazję nie tylko porozmawiać o produkcji, ale także osobiście pogratulować Ci rocznicy.

Dziękuję.

MS: Porozmawiajmy jednak o tej produkcji. Jak poszło pod czujnym okiem włoskich związków zawodowych?

ML: Produkcja poszła dobrze. Bardzo irytująca, trudna i moim zdaniem bardzo zła unia we Włoszech. Tak, chroni ludzi, ale to nie jest możliwe: nie mogę zatrudnić aktora, którego chcę, dokładnie wtedy, gdy go potrzebuję – muszę go uprzedzić z wyprzedzeniem. A skąd mam wiedzieć za tydzień, kogo będę dokładnie dzisiaj potrzebować, to wciąż zależy od procesu prób, od tego, jak ktoś wyreżyseruje tę czy inną scenę. A oni mówią: „Nie, weź teraz”. Albo inny przykład: mój asystent ćwiczy scenę z solistami i idzie im to całkiem nieźle. Następnie korepetytor chce przejść przez kolejny etap z tymi samymi solistami, ale związek tego zabrania! I trzeba kilka razy powtórzyć to, co jest już jasne, a na rzeczy skomplikowane jest mniej czasu. To taka głupota. Może na swój sposób mają rację. Ale to mi nie odpowiada. Przyzwyczaiłem się do pracy, jak to zwykle w Rosji, powiedzmy, tak, jak pracowałem. Biorę to, czego potrzebuję, kiedy tego potrzebuję i kogokolwiek widzę w danej roli, nawet jeśli jest to premier czy tancerz corps de ballet. Nie można wymagać od reżysera czegoś, czego nie ma w planach. Albo coś innego: dzień pracy orkiestry kończy się o godzinie 22:00 - i tyle. I nie interesuje ich to, że przedstawienie się nie skończyło, że muzyka musi jeszcze zagrać. Cóż, Aleksiejowi Bogoradowi udało się dojść do porozumienia i rozstrzygnąć tę kwestię, w przeciwnym razie nie wiedzieli, co robić. Istnieją takie zakazy, które bardzo mocno uderzają w kreatywność. Choć o Włochach złego słowa nie mogę powiedzieć. Artyści doskonale poradzili sobie z zadaniami.

MS: Czy spektakl Leonida Ławrowskiego był wystawiany w Neapolu?

ML: Zrobiłem Ławrowskiego. Ale rozumiecie, o co chodzi: tylko Teatr Bolszoj i Maryjski mogą to zrobić i wystawić tak, jak było, jeden na jednego. I mniejsze zespoły - ogólnie rzecz biorąc, aktorzy różnią się intensywnością emocjonalną. Ale Włosi dali radę. Przecież na Zachodzie każdemu jest trochę sucho: tył ustawiony prawidłowo, technika wspaniała, ale tej plastyczności, duchowości i tej prawdy emocji, sensu tego, co robią na scenie, bardzo często brakuje. We współczesnych baletach jest cudownie, w klasycznych baletach tego nie widziałam. Cóż, widziałam to tylko u Natalii Makarowej.

MS: Czy dużo musiałeś wycinać?

M.L.: Oczywiście! Zrobiliśmy tam prawie dwa akty. Główne elementy pozostały, choć wiele trzeba było usunąć. Ale powiem ci, że pomimo całego geniuszu od 1940 r. Minęło ponad 70 lat - a sam Ławrowski dokonał zmian, kiedy z nim pracowałem. Oczywiście pewne rzeczy trzeba zmienić, stosownie do nowych czasów, ale nie wolno nam zatracić stylu przedstawienia i znaczenia tego, co choreograf chciał zrobić, w tym przypadku -. Ale technologia oczywiście może się zmienić: czas płynie do przodu i nie można stać w miejscu w tak stagnacji. Jeśli istnieje rozwiązanie dotyczące występu i dana osoba go nie narusza (a do tego trzeba mieć gust), można to zrobić.

MS: Poruszyłeś ciekawy temat. Co sądzisz o rekonstrukcjach baletowych?

ML: Wiesz, o co chodzi: prawdopodobnie potrzebna jest renowacja, ale trzeba mieć gust – to jest cecha talentu. Aby przywrócić balet, trzeba je poczuć i móc to zrobić. To zadziałało w przypadku Leonida Ławrowskiego, który stworzył „”. Przywrócony przez niego spektakl uznano za najlepszą produkcję na świecie. Lub „” - dobra robota, nic nie mogę powiedzieć, bardzo dobrze, cudownie. Ma zrozumienie. A kiedy pozostawiają to samo, klasyczne rozwiązanie, ale z jakiegoś powodu zmieniają liczbę łabędzi, jest to błędne. To tak, jakby Teatr Bolszoj zamiast ośmiu kolumn stał się jedną w stylu Art Nouveau. To głupie, oznacza to, że nie ma wystarczającego smaku. Zbuduj nowy teatr - i proszę, nikt ci nie przeszkadza. Smak to także talent. Grigorowicz wie, jak to zrobić. Przywrócił „Śpiącą Królewnę”, nazwaliśmy ją „Białą Śpiącą” - to nie zadziałało. Później wszystko przerobił i z Simonem Virsaladze wyszło to znakomicie.

Jeśli mówimy o starym balecie, to rządzi się on swoimi prawami – może i na scenie są trochę naiwni, pozbawieni prawdziwego logicznego myślenia, ale urzekają swoją naiwnością (jak dzieci, gdy coś mówią). A gdyby dziecko przemówiło trzeźwym, wytrenowanym głosem, byłoby zupełnie inaczej. Trzeba zatem wziąć pod uwagę, że spektakle mające ponad sto lat to arcydzieła baletu klasycznego, romantycznego i nie ma sensu zamieniać ich w dzieła filozoficzne, jak na przykład dzieła Kanta. Do tego służą inne występy. Balet, który ma sto i więcej lat, wymaga renowacji, czegoś usuniętego, czegoś dodanego, ale trzeba zachować ducha tego przedstawienia. I oczywiście umieć dobrze tańczyć. Wśród aktorów panuje zła tendencja do upraszczania spraw. Ta sama „Giselle”: powiedzmy, po co robić podwójny kabriolę w wariacji Alberta, skoro się mówi, że wcześniej, jak to wystawiali, zrobili tylko jeden. Moim zdaniem jest to błędne. Technologia się rozwija. A potem, jak w bajce Ezopa „Lis i winogrona”, okazuje się, że nie mogła zrywać winogron i stwierdziła, że ​​są niedojrzałe. Podobnie jest z artystami: trzeba umieć dobrze wykonać podwójny kabriolet. Tak, wcześniej był pojedynczy, ale jutro ktoś zrobi potrójny - to będzie tylko plus.

Oto przykład: uwielbiam włoski neorealizm w kinie – Giuseppe de Santis, Roberto Rossellini, Federico Fellini, oczywiście Vittorio de Sica; to właśnie oglądaliśmy w latach pięćdziesiątych – genialne! Ale oczywiście tempo filmów jest teraz inne i trudniej jest je oglądać. Ale nigdy nie powiesz, że to zbiór ujęć: to skończone, wysoce artystyczne dzieło, po prostu czas minął, teraz jest inny rytm. Podobnie jest w naszej sztuce. Można coś w balecie zmienić i to jest plus – plus chwilowego oddziaływania energii aktora na widza i plus jest taki, że jeśli się ma gust, można „oczyścić” przedstawienie, sprawić, że da się je oglądać współczesnych, nie tracąc jednak ducha, jaki nadał reżyser - plastyczności, relacji między postaciami, świetnie zainscenizowanych wariacji. I oczywiście zawsze powinieneś tańczyć coraz lepiej (technicznie, mam na myśli).

MS: Oczywiście technologia jest teraz inna, na którą jest zapotrzebowanie w naszych czasach. Ale czasami, przywracając balet, choreografowie próbują przywrócić tancerzom styl wykonania, który istniał w momencie jego powstania...

ML: Nie mogę się zgodzić. Zawsze kojarzy mi się to z dobrą ikoną lub dobrym obrazem: wyciągnęliśmy z ziemi ikonę lub obraz - i powinniśmy być zachwyceni! Ale jako? Jest cały zasypany ziemią, ale twarzy nie widzę... Umiejętne oczyszczenie i nie zepsucie to już inna sprawa. Wyczyść go umiejętnie i przywróć dawne kolory - wtedy będzie można go podziwiać. U nas jest podobnie: obecnie, w XXI wieku, nie sposób postrzegać spektaklu takim, jakim był wystawiany na początku XIX czy pod koniec XVIII wieku. Niektórzy mogą być zachwyceni. Ale najważniejsze, żeby się nie nudzić. I tutaj Jurij Nikołajewicz Grigorowicz ma rację, że na przedstawieniu nie powinno być nudno dłużej niż pięć minut, tego nie da się zrobić. Osoba potrzebuje emocjonalnego ciosu, emocjonalnego szoku. Wtedy będziesz mógł ustalić w domu, co było dobre, a co złe... Jeśli masz na to wpływ emocjonalny, to tak! A ponieważ wszystko się zgadza, można na przedstawieniu zasnąć. Znaczenie sztuki polega na tym, aby podświadomie oddziaływać na odbiorcę, ekscytować go do tego stopnia, aby wzbudził w nim żywe emocje; Na scenie mogą nawet wydarzyć się negatywne momenty, na przykład tragedia, ale emocje powinny mocno ekscytować.

Widzisz, o co chodzi: kocham teatr dramatyczny, balet, choreografię, teatr operowy – to ciekawe. Technika musi być silna i potężna. To jak w operze – nie sposób nie trafić w nutę zapisaną w partyturze. Podobnie jest w balecie – w tańcu musi być odlot. Duchowe w połączeniu z fizycznym, wykonanie potężnego ruchu, męskie, mocne, zwiewne – to daje widzowi emocje. I to podnosi na duchu: widz nie zdaje sobie z tego sprawy, ale budzi się w nim siła: „Jestem mężczyzną, też to potrafię!” A kiedy jesteś spokojna, piękna, w dobrym garniturze, ale nie masz w sobie żadnych emocji – to taki świetnie wykonany robot.

MS: Scena na balkonie jest po prostu tego warta...

ML: Scena jest cudowna, ale teraz bardzo często jest tańczona nieprawidłowo. Znaczenie tej sceny, jak powiedzieli kiedyś Ławrowski i Żdanow, jest takie, że artysta nie powinien się zatrzymywać. Cały sens tkwi w ekscytacji: ona ma 13 lat, on 17 i dopiero na końcu, gdy następuje eksplozja różnorodności, należy się spieszyć. Jak fresk Michała Anioła „Sąd Ostateczny” w Kaplicy Sykstyńskiej: ani jedna postać nie stoi nieruchomo, wszystkie postacie są w pozycji pochylonej - latają, zrzucają z nich ubrania, a same postacie, chociaż są potężne, wszystkie są w locie – tak przebiega szósta scena baletu. A na koniec, dopiero gdy przed nią klęka, następuje spokój i kurtyna opada – koniec pierwszego aktu. Przekazanie znaczenia jest trudnością w wykonaniu.

Ci, którzy śledzą rozwój sztuki baletowej w naszym kraju i odwiedzają Teatr Bolszoj, prawdopodobnie znają twórczość Michaiła Ławrowskiego. Ten wybitny choreograf, tancerz baletowy i pedagog wniósł znaczący wkład w sztukę i na jego cześć Teatr Bolszoj urządza uroczysty wieczór. Wieczór rocznicowy Artysty Ludowego ZSRR Michaiła Ławrowskiego będzie wypełniony szczególną atmosferą, ponieważ gratulacje Ławrowskiemu złożyli studenci i współpracownicy, także znani artyści Teatru Bolszoj. Czekają na Was sceny z rozmaitych baletów, muzyka na żywo w wykonaniu orkiestry i pozytywne emocje. Bilety na Jubileuszowy Wieczór Artysty Ludowego ZSRR Michaiła Ławrowskiego zachwycą zarówno fanów artysty, jak i osoby zainteresowane baletem.

Ławrowski dorastał w kreatywnej rodzinie, jego matka była baletnicą, a ojciec choreografem. Nic dziwnego, że poszedł w ślady rodziców i zaraz po szkole choreograficznej Ławrowski został przyjęty do Teatru Bolszoj. Dwa lata później został solistą, a światowa sława przyszła mu pod koniec lat 60., kiedy Ławrowski wystąpił w roli Spartakusa. Michaił Leonidowicz opuścił scenę w 1988 roku, poświęcając się nauczaniu, najpierw w Teatrze Bolszoj, a następnie otworzył własną szkołę.

Bilety na Rocznicowy Wieczór Artysty Ludowego ZSRR Michaiła Ławrowskiego można kupić na naszej stronie internetowej. Dostawa biletów na terenie Moskwy jest bezpłatna.

Widzowie i fani baletu znają Michaiła Leonidowicza Ławrowskiego jako radzieckiego artystę baletu ludowego, zdobywcę wielu nagród krajowych i międzynarodowych, choreografa, choreografa, nauczyciela baletu i aktora.

„Michaił Ławrowski w roli Spartakusa w zaktualizowanej inscenizacji Teatru Bolszoj, która została pokazana kilka tygodni temu w londyńskim Covent Garden, pokazał bardzo mocny taniec męski, który zrobił na mnie wrażenie. Nigdy wcześniej nie widziałem czegoś takiego. O tej bohaterskiej choreografii mogę napisać tylko najlepsze słowa: siła, silny duch, szlachetne emocje, piękno ruchów. Nigdy nie widziałem takich umiejętności tanecznych i prawdopodobnie nigdy nie zobaczę. Słowa Clementa Crispa, popularnego krytyka baletowego z Ameryki.

Michaił urodził się pod koniec 41 października ubiegłego wieku w stolicy Gruzji, jego rodzina przez całe życie pracowała w balecie. Jej matka pracowała jako tancerka i cieszyła się dużą popularnością, a ojciec był choreografem, który przez ponad 15 lat był głównym reżyserem przedstawień teatralnych w Teatrze Bolszoj.

61 ukończył stołeczną szkołę tańca i natychmiast został przyjęty na praktykę w Teatrze Bolszoj w trupie baletowej. Pracował dzień i noc, doskonaląc swój profesjonalizm pod okiem słynnego choreografa i tancerza Aleksieja Ermolajewa.

W 1979 roku studentka ukończyła wydział choreografii Państwowej Wyższej Szkoły Teatralnej. Od 83 roku życia Michaił jest dyrektorem artystycznym Państwowego Akademickiego Teatru Opery i Baletu w Tbilisi. Po 5 latach wyjeżdża i dostaje pracę w Teatrze Bolszoj jako reżyser i pedagog. Uczył Władysława Lantratowa i innych gwiazd współczesnego baletu. Jako choreograf i artysta stworzył kilka baletów, m.in. „Mtsyri”, „Prometeusz - poemat ognia”, „Dreamers” (w których sam zagrał główną rolę).

Jako choreograf Michaił pracuje w teatrze dramatycznym i wystawił Annę Kareninę, Ostatnie dni ostatniego cara, Eugeniusza Oniegina... i Małego Księcia, który łączy w sobie elementy dramatu, opery i baletu.

Michaił Ławrowski. Zdjęcie: Michaił Logwinow. Teatr Wielki

Na początku wieczoru dyrektor artystyczny baletu zwrócił uwagę nie tylko na wielką rolę Ławrowskiego jako lidera swojego pokolenia, ale także na niezwykłą jakość jego tańca, który pozostaje punktem odniesienia dla współczesnych tancerzy. Genialny Spartakus, dzielny Albert, marzycielski Romeo – w tych i innych głównych rolach Michaił Ławrowski jest wciąż nieosiągalny w swojej sztuce!

W programie rocznicy tańca publiczność mogła zobaczyć różne produkcje choreograficzne Michaiła Ławrowskiego i prawdziwy kunszt wspaniałych tancerzy Bolszoj, z którymi mistrz dużo pracował i którym udało mu się przekazać swoje partie. Tym samym przez niemal cały wieczór na scenie prezentowały się najlepsze siły męskiego tańca klasycznego pierwszego w kraju teatru.

W ten sposób głównym wykonawcą jednoaktowego baletu „Fantasy na temat Casanovy” została ustawiona muzyka. Rola fatalnego uwodziciela kobiet, pełna najbardziej skomplikowanych kombinacji skoków i scen aktorskich, była niezwykle odpowiednia dla artysty. Tsvirko działał bez zahamowań – zarówno jako uważny partner baletnic, jak i jako wyrazisty technicznie solista!

Casanova – Igor Cwirko. Zdjęcie: Michaił Logwinow. Teatr Wielki

„Fantazja na temat Casanovy” to efektowny balet fabularny, który daje możliwość pokazania swoich talentów nie tylko czołowemu tancerzowi, ale także wspierającym go solistom, których partie są nie mniej atrakcyjne dla publiczności. Tak więc w roli Arlekina, dworskiego sługi Casanovy, dobrze spisał się skoordynowany i artystyczny Georgy Gusiew. Wykonawcy ról Przyjaciół Casanovy – Wasilij Żidkow, Anton Kondratow, Andriej Koshkin i Andriej Rybakow – również po mistrzowsku poradzili sobie ze swoimi zadaniami plastycznymi.

Balet o życiu i przygodach Casanovy Michaiła Ławrowskiego był kiedyś, około dwadzieścia lat temu, stale obecny w repertuarze Teatru Bolszoj. Wydaje się, że nawet dziś mógłby urozmaicić swój afisz, w którym brakuje tak wdzięcznych, realistycznych utworów tanecznych o dyskretnym wydźwięku filozoficznym.

„Amok” to numer choreograficzny do muzyki A. Simonenki (reżyser Garcia, projektantka kostiumów Dolores Garcia Ordonez), inspirowany opowiadaniem Stefana Zweiga pod tym samym tytułem. Jego złożoność nie leży w tekście tanecznym, ale w tym, jak głęboko artyści potrafią zanurzyć się w atmosferze tego imponującego dzieła miłosnego. I muszę powiedzieć, że wykonawcom „Amoku” – Arthurowi Mkrtchyanowi i Anita Pudikovej – udało się! Zaangażowali się w temat Zweiga ze szczególnym duchem i emocjonalnym zwrotem.

"Amok". Lekarz – Arthur Mkrtchan. Zdjęcie: Pavel Rychkov. Teatr Wielki

Duet z „” w wykonaniu Marianny Ryżkiny i Michaiła Łobuchina wywarł na publiczności niezwykłe, magnetyczne wrażenie. To tutaj naprawdę objawił się światowej sławy styl Baletu Bolszoj! Nie mniej błyskotliwie, z niezbędnym temperamentem i na wysokim poziomie technicznym, Ekaterina Krysanova i.

Duet z baletu „Spartakus”. Marianna Ryżkina i Michaił Łobuchin. Zdjęcie: Pavel Rychkov. Teatr Wielki

Numer „Russian Ballerina” (muzyka K. Jenkins, A. Guerra, J. Luisier, reżyser Leonid Ławrowski-Garcia, kostiumografka Dolores Garcia Ordonez), którego fabuła wiąże się z losami samotnego i być może zapomnianego przez wszystkie baletnice, pociągała nie historia z pewnym konfliktem, ale właśnie taniec, demonstracja umiejętności technicznych i kaskaderskich artystów. Tutaj baletnica (To Victoria Litvinova) siedząca w barze obserwuje taneczny flirt Młodego Człowieka (Alan Kokaev) z trzema zalotnymi dziewczynami (Daria Lovtsova, Kristina Loseva, Anita Pudikova). Facet jest tak wirtuozowski, że jest w stanie podbić każdą, nawet najbardziej niedostępną kobietę. Baletnica staje się także obiektem jego zalotów...

„Rosyjska baletnica”. Ona to Victoria Litvinova, Młody Człowiek to Alan Kokaev. Zdjęcie: Pavel Rychkov. Teatr Wielki

Program wieczoru dopełnił jednoaktowy balet „Niżyński” z muzyką w roli tytułowej. Spektakl ten, mający już długą historię istnienia na scenie, zdaje się być stworzony z myślą o indywidualności Wasiliewa – wielkoformatowego, „latającego” tancerza, współczesnego boga tańca. Artystce udało się stworzyć przekonujący obraz legendarnego artysty pór roku Diagilewa, dosłownie rozdartego przez kochających go (Michaił Ławrowski) i Romolę (Maria Winogradowa).

„Niżyński”. Diagilew – Michaił Ławrowski. Zdjęcie: Michaił Logwinow. Teatr Wielki

Balet dla trzech osób (Niżyński, Diagilew, Romola), bo taki właśnie jest „Niżyński”, to dzieło biograficzne, skupione na osobistym dramacie wielkiego artysty, który stał się zakładnikiem swojego talentu. Uciekając z rąk wszechpotężnego impresario i poślubiając Romolę, nigdy nie był w stanie wznieść się na poprzedni piedestał sukcesu. Emocjonalna, ruchliwa psychika i osobiste doświadczenia Niżyńskiego wpędziły go w sytuację bolesnego załamania. Wasiliewowi udało się przekazać ten stan. Los artysty zapewne dotknął go dotkliwie. Przenosząc na siebie wizerunek Niżyńskiego, Iwan Wasiliew naprawdę wczuł się w trudny los jednego z najsłynniejszych tancerzy ubiegłego wieku.

Niżyński – Iwan Wasiliew. Zdjęcie: Pavel Rychkov. Teatr Wielki

Symbolem baletu, jego główną postacią jest niewątpliwie baletnica. Wiek XX, zwłaszcza jego druga połowa, pokazał jednak, że miejsce tancerza na scenie jest nie mniej ważne niż baletnicy. Jednym z tych, którzy przekonująco to udowodnili, był ten, który podniósł poprzeczkę męskiego tańca klasycznego na niespotykaną dotąd wysokość! Dzisiejsze pokolenie tancerzy Teatru Bolszoj z powodzeniem kontynuuje tradycje ustanowione przez Ławrowskiego, czego dobitnym dowodem był wieczór rocznicowy ku czci wybitnego artysty.

Grand pas z baletu „Don Kichot”. Soliści Ekaterina Krysanova i Vladislav Lantratov. Zdjęcie: Pavel Rychkov. Teatr Wielki

Wszelkie prawa zastrzeżone. Kopiowanie zabronione