Sztuka Świata. Co daje nam studiowanie sztuki renesansu w różnych obszarach ludzkiej działalności artystycznej?

Światowa kultura artystyczna to przedmiot badający ogólne wzorce rozwoju kultury artystycznej, różne rodzaje sztuki w ich relacjach, żywotne korzenie sztuki, jej aktywną rolę w życiu ludzi.

Celem przedmiotu jest kształtowanie świata duchowego ucznia, jego moralności i wrażliwości estetycznej poprzez wpływ różnych sztuk w ich kompleksie.

Celem nauczania światowej kultury artystycznej jest stworzenie warunków do żywego obcowania uczniów z dziełami sztuki światowej na lekcjach, zajęciach pozalekcyjnych i w życiu pozalekcyjnym:

• - wzbogacać swój świat duchowy, kształcić uczucia i wyposażać je w doświadczenie pokoleń;
• - rozwijać swoje rozumienie sztuki, umiejętność bycia czytelnikiem, widzem, słuchaczem.
• - dostarczenie sumy wiedzy na ten temat, która pomoże ukazać studentom najważniejsze wzorce złożonego procesu rozwoju światowej kultury artystycznej, rozpoznać cechy figuratywnego języka sztuki;
• - kultywowanie u ucznia zamiłowania do sztuki, umiejętności cieszenia się pięknem i doświadczania poczucia szczęścia z obcowania z pięknem;
• - obudzić aktywne pragnienie utwierdzania piękna relacji międzyludzkich w życiu codziennym, w aktywności zawodowej i nietolerancji wobec brzydoty we wszystkich przejawach życia;
• - rozwijać wyobraźnię i zdolności twórcze uczniów;
• - kształtowanie w uczniach światopoglądu, umiejętności szerokiego myślenia i dokonywania uogólnień, dostrzegania tego, co wspólne w różnych dziełach sztuki.

Cele edukacyjne i założenia kursu:

• - studiowanie arcydzieł sztuki światowej powstałych w różnych epokach artystycznych i historycznych, zrozumienie charakterystycznych cech światopoglądu i stylu oraz wybitnych artystów-twórców;
• - kształtowanie i rozwój koncepcji dotyczących epoki, stylu i kierunku artystycznego i historycznego, zrozumienie najważniejszych wzorców ich zmian i rozwoju w historii cywilizacji ludzkiej;
• - świadomość roli i miejsca człowieka w kulturze artystycznej na przestrzeni jej historycznego rozwoju, odzwierciedlenie odwiecznych poszukiwań ideału estetycznego w najlepszych dziełach sztuki światowej;
• - rozumienie systemu wiedzy o jedności, różnorodności i tożsamości narodowej kultur różnych narodów świata;
• - opanowanie głównych etapów rozwoju krajowej (rosyjskiej i narodowej) kultury artystycznej jako unikalnego i oryginalnego zjawiska o trwałym znaczeniu światowym;
• - zapoznanie się z kwalifikacjami plastycznymi, zrozumienie ogólnych zasad tworzenia obrazu artystycznego we wszystkich jego postaciach;
• - interpretacja rodzajów sztuki z uwzględnieniem specyfiki ich języka artystycznego, tworząc całościowy obraz ich interakcji.

Cele edukacyjne i założenia kursu:

• - pomóc uczniowi rozwinąć silną i trwałą potrzebę obcowania z dziełami sztuki przez całe jego życie, odnajdywać w nich wsparcie moralne oraz wskazówki duchowe i wartościowe;
• - przyczyniać się do edukacji gustu artystycznego, rozwijać umiejętność odróżniania prawdziwych wartości od podróbek i namiastek kultury masowej;
• - przygotować kompetentnego czytelnika, widza i słuchacza, gotowego do zainteresowanego dialogu z dziełem sztuki;
• - rozwój umiejętności twórczości artystycznej, samodzielnej działalności praktycznej w określonych rodzajach sztuki;
• - tworzenie optymalnych warunków dla żywej, emocjonalnej komunikacji uczniów z dziełami sztuki na lekcjach, zajęciach pozalekcyjnych i pracy nad historią lokalną.

Rozwój zdolności twórczych uczniów realizowany jest w ramach działań edukacyjnych projektowych, poszukiwawczo-badawczych, indywidualnych, grupowych i doradczych. Praca ta prowadzona jest w oparciu o konkretne zmysłowe postrzeganie dzieła sztuki, rozwój umiejętności selekcji i analizowania informacji oraz wykorzystanie najnowszych technologii komputerowych. Najwyższym priorytetem powinny być działania uczniów związane z koncertami, występami, sceną, wystawą, grami i historią lokalną. Obrony projektów twórczych, pisanie abstraktów, udział w konferencjach naukowych i praktycznych, konkursach i wycieczkach mają na celu optymalne rozwiązanie problemu rozwijania zdolności twórczych uczniów, a także przygotowanie ich do świadomego wyboru przyszłego zawodu.

Podstawowe zasady dydaktyczne. Program przewiduje badanie MHC w oparciu o ujednolicone podejścia, które historycznie rozwijały się i rozwijały w systemie edukacji.

Zasada ciągłości i sukcesji zakłada naukę MHC przez wszystkie lata nauki. Wybrane podejścia historyczne i tematyczne do studiowania kursu zapewniają ciągłość na każdym etapie materiałów bliskich pod względem historycznym lub tematycznym, ujawnianych i uogólnianych na jakościowo nowym poziomie, biorąc pod uwagę to, co zostało wcześniej zbadane. Na przykład, jeśli mitologia starożytna w klasie 5 jest badana w aspekcie moralnym i estetycznym, to w klasie 10 (11) starożytność jest uznawana za wyjątkową epokę kulturową i historyczną, kolebkę cywilizacji ludzkiej.

Zasada integracji. Kurs MHC ma charakter integracyjny, gdyż jest uwzględniany w ogólnym systemie przedmiotów cyklu humanitarnego i estetycznego. Po pierwsze, program ukazuje pokrewieństwo różnych rodzajów sztuki, które łączy kluczowa koncepcja obrazu artystycznego. Po drugie, szczególnie podkreśla praktyczną orientację tematu MHC i śledzi jego związek z prawdziwym życiem.

Zasada zmienności. Badanie MHC jest procesem wyłącznie selektywnym. Przewiduje możliwość realizacji w oparciu o różne podejścia metodyczne, z uwzględnieniem konkretnych zadań i orientacji profilowej zajęć. Dlatego program przewiduje niezbywalne prawo nauczyciela do dokonywania zmian w rozkładzie godzin studiowania poszczególnych przedmiotów (zmniejszania lub zwiększania ich liczby), wyróżniania dużych bloków tematycznych i wyznaczania kolejności ich studiowania. Jednocześnie każdy wybór i decyzja metodyczna nauczyciela musi być skorelowana z efektem edukacyjnym i nie burzyć logiki i ogólnej koncepcji edukacyjnej programu. Maksymalna objętość rozkładówek tematycznych (szczególnie w szkołach średnich) wynika nie tylko ze zwiększenia liczby godzin, ale także z możliwości wyboru.

Zasada różnicowania i indywidualizacji. Proces pojmowania sztuki jest procesem głęboko osobistym i indywidualnym. Pozwala ukierunkowywać i rozwijać zdolności twórcze ucznia przez cały okres edukacyjny, zgodnie z ogólnym i artystycznym poziomem jego rozwoju, osobistymi zainteresowaniami i upodobaniami; możliwość wyboru w szkole podstawowej i specjalistycznej jest kluczem do pomyślnego rozwoju zdolności twórczych uczniów.

W kontekście wielonarodowego rosyjskiego systemu edukacji nauczyciel otrzymuje możliwość szerszego wykorzystania komponentu narodowo-regionalnego ze względu na zmienną część podstawy programowej. Uwzględnia to specyfikę rozwoju kultur regionalnych, zdeterminowaną cechami narodowego składu ludności, ustalonymi tradycjami kulturowymi i wyobrażeniami religijnymi o świecie. I tak np. wybierając do nauki materiał dotyczący rzemiosła ludowego, eposów bohaterskich, świąt i obrzędów, tańców i muzyki, nauczyciel ma prawo sięgnąć do najlepszych osiągnięć artystycznych swojego ludu, aby dać uczniom poczucie własnej tożsamości narodowej , niepowtarzalność i oryginalność.

Ta cecha konstrukcji kursu MHC podyktowana jest specyfiką sztuki, która posiada uniwersalny język komunikacji między narodami. Pozwala widzieć jednostkę i jednostkę w ujęciu ogólnym i globalnym, sprzyja wzajemnemu zrozumieniu poprzez wieczne, trwałe wartości i sprzyja wzajemnemu szacunkowi dla kultur innych narodów.

Otaczające nas życie ludzkie oferuje różne rozumienia świata, różne punkty widzenia na jego zrozumienie. Człowiek dzisiaj szuka odpowiedzi na ważne pytania ziemskiej egzystencji: jaki jest świat i miejsce w nim człowieka? Jaki jest dzisiaj standard moralny? Czym jest piękno i jaki jest ideał estetyczny?

Szkoła potrzebuje przedmiotu MHC i jest on potrzebny właśnie jako przedmiot sztuki, który ma wyjątkowe możliwości oddziaływania na świat duchowy ucznia, kultywując i kultywując jego dusze. Nauczyciel podczas lekcji musi posiadać wysoki poziom pedagogiczny, polegający na biegłości w technikach i środkach organizacji przekazu artystycznego i pedagogicznego, umiejętności porównywalnej z twórczością artystyczną.

Jednym z głównych problemów nauczania przedmiotu we współczesnej szkole jest problem doboru metod nauczania, ustalenia kalendarza i planowania tematycznego, a także opracowania lekcji w oparciu o metodę dramaturgii artystycznej i pedagogicznej. Nauczanie MHC zależy również od charakterystyki każdej instytucji edukacyjnej, która determinuje systematyczne studiowanie przedmiotu na przestrzeni lat, liczbę godzin tygodniowo poświęcanych na naukę przedmiotu, dobór materiału artystycznego i wybór konkretnego programu szkoleniowego.

Koncepcję badania kultury artystycznej można przedstawić następująco:

• 1. Głównym celem zajęć jest kultywowanie gustu artystycznego studentów, podnoszenie poziomu ich rozwoju artystycznego, kształtowanie idei kultury artystycznej jako części kultury duchowej, zapoznawanie studentów z wartościami uniwersalnymi i narodowymi w różnych dziedzinach kultury artystycznej i opanować doświadczenia artystyczne z przeszłości i teraźniejszości.
• 2. Kurs „MHC” ma na celu ukazanie logiki artystycznego rozwoju ludzkości poprzez zapoznanie się z wybitnymi osiągnięciami kultury, ukazanie jej wiodących wzorców, ukazanie głównych etapów i okresów kształtowania się systemów wizji artystycznej i figuratywnej świat w różnych epokach wśród różnych ludów Ziemi.
• 3. Treść przedmiotu jako przedmiotu powinna składać się z następujących elementów:
  • - badanie różnych rodzajów działalności artystycznej w ich związkach i wzajemnych wpływach;
  • - badanie różnych przejawów geniuszu artystycznego różnych ludów i narodów w każdej konkretnej epoce historycznej;
  • - badanie ogólnych wzorców rozwoju artystycznego ludzkości w kontekście jej historii społecznej i kulturalnej.

Aby uczniowie mogli skuteczniej opanowywać świat kultury artystycznej w procesie uczenia się, konieczne jest zapewnienie trzech obowiązkowych i wzajemnie powiązanych ogniw:

• 1) zajęcia lekcyjne;
• 2) zajęcia pozalekcyjne;
• 3) samodzielna działalność.

Opiszmy pokrótce każdą z tych form:

· Lekcje w klasie odbywają się w sali lekcyjnej.

Lekcja zakłada obecność kilku niezbędnych części: ankieta dotycząca zadania domowego - odpowiedź - wyjaśnienie nowego materiału (wykład) - zakończenie - praca domowa. Skład i kolejność części lekcji można zmieniać w zależności od celów i zadań lekcji, jej tematu, miejsca, jakie lekcja ta zajmuje w procesie studiowania kursu, poziomu aktywności uczniów, ich przygotowania do zajęć lekcja itp.

Wyjaśnienie nowego materiału (część wykładowa) jest niezbędne jako baza informacyjna i metodyczna do samodzielnego działania studentów. Ważne jest, aby podczas wykładu przedstawić wiodące idee i koncepcje, odsłaniając istotę kultury artystycznej. Ponieważ tematyka wykładów obejmuje dużą ilość materiału, ważne jest, aby studenci pomagali w usystematyzowaniu informacji zdobytych na wykładach. Do tego celu może służyć podsumowanie uzupełniające. Na takich lekcjach niezbędna jest także ilustracja – emocjonalny i poznawczy element wykładu.

· Część samodzielna jest jednym z elementów szkolenia. Głównym celem samodzielnej pracy jest rozwinięcie umiejętności samodzielnego postrzegania i analizowania zjawisk artystycznych w ich relacjach, rozpoznawania osobistego stanowiska w obszarze kultury artystycznej.

W części niezależnej studenci demonstrują wykonanie zadań, tutaj ustalane są kryteria aktywności studentów i ustalane są standardy oceny wykonanej pracy. Celem jest stopniowe, poprzez wspólne wysiłki, podnoszenie poziomu realizacji zadań, umiejętności i gustu uczniów. W trakcie wykonywania różnych zadań uczniowie muszą wykazać się umiejętnościami i zdolnościami behawioralnymi, mową i innymi.

Część produkcyjna jest trzecim składnikiem klas MHC. Jego znaczenie polega na tym, że w części produkcyjnej realizowane są rezultaty działań nauczyciela i uczniów. Pokazują w nim realizację budynków zaproponowanych w niezależnej części lekcji. To tutaj ustalane są kryteria działania studentów i ustalane są standardy oceny wykonanej pracy. Celem jest stopniowe, poprzez wspólne wysiłki, podnoszenie poziomu realizacji zadań, umiejętności i gustu uczniów.

• · Zajęcia pozalekcyjne są kolejnym obowiązkowym ogniwem w organizacji procesu uczenia się MHC. Jest to całkowicie swobodny obszar działania, który nie może pozostać poza polem widzenia nauczyciela, ponieważ to właśnie w tym obszarze uczniowie z reguły zdobywają własne doświadczenia w zakresie działalności artystycznej i twórczej. Ważne jest, aby studenci zdobywali doświadczenie w tego typu działaniach artystycznych, twórczych i estetycznych w różnych obszarach:
  • Ш literacki (pisze wiersze, opowiadania, recenzuje czyjąś działalność artystyczną itp.);
  • Ш sztuki piękne (rysowanie, rzeźbienie, wycinanie, przeglądanie dzieł towarzyszy, komponowanie wystaw wystawowych itp.);
  • Ш muzyczne (organizują wieczory muzyczne itp.);
  • Ш teatr, taniec itp.

Warunkiem koniecznym efektywności zajęć MHC powinno być oparcie się na zasadzie aktywnego, osobistego zaangażowania każdego w proces edukacyjny i nie należy tego mylić ze zwykłym zwiększaniem aktywności uczniów na zajęciach.

Jak kontrolować proces opanowywania treści kursu MHC? Działanie nie może być systemem samoregulującym się, jeśli uczniowie nie otrzymają informacji o efektywności wykonanej pracy i wyobrażenia o jej wynikach.

Proces oceny przebiega w kilku etapach:

• Etap 1 – samodzielne działania oceniające (studenci mają prawo wystawiać oceny).
• Etap 2 - ocena poprzez wspólne działanie (na przykład w pracy par stałych i pracy par dynamicznych wynik wspólnej działalności zapisywany jest w zeszytach). Każdy członek pary zapisuje w zeszycie drugiej osoby szczegółową ocenę działań swojego sąsiada z biurka.
• Etap 3 – zbiorowa dyskusja na temat wykonanej pracy.
• Etap 4 – nauczyciel przeprowadza czynność oceniającą.

Końcowa analiza i ocena są ważne nie tylko dla uczniów, ale także dla nauczyciela, gdyż pozwalają mu coraz głębiej diagnozować wiedzę i umiejętności, postawy wobec uczenia się uczniów.

Nauczyciel musi tak organizować naukę o różnych rodzajach sztuk, aby nie dominowały kategorie naukowe, ale uczucia i emocje; ważne jest, aby uczyć nie o sztuce, ale przez sztukę.

Ważne są następujące cechy osobowości nauczyciela: powołanie i wszechstronność wykazywanych zainteresowań, intuicja, takt pedagogiczny, równowaga emocjonalna, empatia, tolerancja, wysoki poziom profesjonalizmu, przejawiający się znajomością przedmiotu, a także zespół cech społeczno-filozoficznych , psychologicznych, pedagogicznych i stosowanych.

Te elementy umiejętności pedagogicznych są równie ważne dla nauczyciela o dowolnym profilu, także artystycznym i estetycznym. Doskonałość pedagogiczna przyczynia się do spełnienia wymagań dydaktycznych danego przedmiotu akademickiego.

W zakresie nauczania przedmiotów artystycznych wśród takich wymagań warto wyróżnić:

• - osobowość zorientowana na nauczanie;
• - wieloprofesjonalne podejście do nauczania;
• - artystyczny i twórczy charakter nauczania.

Wybór tych wymagań wiąże się ze specyfiką artystycznego poznania świata, która charakteryzuje wszystkie przedmioty o profilu artystycznym i estetycznym i nadaje im status obiektów sztuki. Jednocześnie przedmiot akademicki „Światowa kultura artystyczna” ma jeszcze jedną wyjątkowość – orientację ideologiczną, zintegrowany charakter, wieloartystyczny charakter, wielorakie podejście do treści przedmiotu i jego nauczania. Rozważmy wymienione wymagania dotyczące nauczania przez pryzmat tej wyjątkowości.

Osobowośćowa orientacja nauczania światowej kultury artystycznej (i innych przedmiotów artystycznych) wiąże się z celami edukacji i społecznymi funkcjami sztuki. Pogrupujmy je warunkowo w pary:

• - transformacyjna i wartościująca funkcja sztuki przyczynia się do rozwoju sfery emocjonalnej i wartości ucznia;
• - funkcja poznawcza sztuki wpływa na jej sferę intelektualną;
• - komunikacja ma wpływ na rozwój społeczno-kulturalny.

Linia koncepcyjna zaproponowana przez L.M. Predtechenskaya podstawą zorientowanego na osobowość nauczania światowej kultury artystycznej jest artystyczny sposób rozumienia otaczającego nas świata. Ten sposób poznania zakłada emocjonalną i moralną reakcję uczniów na sztukę i otaczającą rzeczywistość w oparciu o percepcję artystyczną i figuratywną.

Wieloprzedmiotowe podejście do nauczania jest osadzone w wieloprzedmiotowej podstawie MHC. Nauczanie tego przedmiotu stwarza szerokie możliwości rozwoju osobistego uczniów, związane z reprezentacją w nim różnych rodzajów sztuk plastycznych. Ułatwia to fakt, że przedmiot „Światowa kultura artystyczna”, mający podstawę wieloprzedmiotową i obejmujący w swojej treści przedmioty wielu dyscyplin humanitarnych, pozwala uczniom rozpatrywać wiedzę o świecie i człowieku na jakościowo nowym, holistycznym poziomie.

Badania znanych nauczycieli pracujących w systemie kształcenia podstawowego nauczycieli artystycznych zwróciły uwagę na wielozawodowe funkcje ich działalności (O.A. Apraksina, L.G. Archazhnikova, L.A. Nemenskaya, T.V. Chelysheva), a co za tym idzie na wielozawodowe podejście do nauczania przedmiotu MHC. Podział ten jest bardzo dowolny. Należy podkreślić wszechstronność działań zawodowych nauczyciela, wymagającą od niego zamierzonego efektu dla każdej z tych funkcji, ale przejawiającą się w praktyce całościowo.

Z jednej strony nauczanie MHC jest zdeterminowane ogólnymi funkcjami pedagogicznymi nauczyciela, które realizują się w rozwiązywaniu problemów wychowawczych i szkoleniowych. Z drugiej strony funkcje psychologiczne zapewniające wieloaspektowy rozwój osobowości ucznia i interakcję interpersonalną na poziomie komunikacji podmiot-przedmiot w triadzie „autor – nauczyciel – uczeń”. Funkcje te realizowane są, jak wiadomo, w procesie nauczania dowolnego przedmiotu plastycznego. Jednak w MHC są one zabarwione specyficznymi funkcjami, różniącymi się od przedmiotów „Muzyka”, „Literatura”, „Sztuki piękne”. W „Światowej kulturze artystycznej” historia sztuki i edukacja kulturalna uczniów szkół średnich realizowana jest głębiej, co ma zarówno charakter ogólny, jak i szczegółowy. Tworzy się łańcuch: epoka pierwotna – kierunek artystyczny (prąd) – pozycja autora – jego tłumacz (wykonawca) – adresat (czytelnik, widz, słuchacz) – system relacji emocjonalno-intelektualnych, poglądów, stanowisk – społeczeństwo i społeczeństwo Nowa era.

Istnieje pewna różnica pomiędzy twórczą orientacją nauczania MHC a innymi dyscyplinami artystycznymi. W procesie nauczania muzyki, literatury i sztuk pięknych aktywnie prowadzona jest praktyka użytkowa uczniów, która ma bardzo specyficzny charakter (śpiew, rysunek, projektowanie artystyczne, taniec, czytanie poezji i prozy itp.). nie wyklucza takiego występu, ale zakłada także twórczość artystyczną uczniów szkół średnich w różnych formach integracyjnych, takich jak pisanie, reżyseria, aktorstwo, scenopisarstwo itp.

Wskazane jest uwzględnienie artystycznego i twórczego charakteru zajęć jako jednego z ważnych wymogów nauczania światowej kultury artystycznej, jako istotnego składnika specyficznej działalności nauczyciela. Charakter ten wyznacza psychologia sztuki, jej potencjał twórczy oraz pedagogiczna organizacja procesu artystycznego i twórczego.

Artystyczną i twórczą naturę nauczania należy rozpatrywać poprzez trzy psychologiczne właściwości sztuki: sztukę jako wiedzę, sztukę jako katharsis, sztukę i życie.

Na podstawie badań L.S. Wygotski zdefiniujmy sztukę jako „szczególny sposób myślenia”, ponieważ „mechanizm procesów psychologicznych odpowiadających dziełu sztuki” polega na tym, że „obrazowanie staje się podstawą doświadczenia artystycznego, a zwykłymi właściwościami procesu intelektualnego i poznawczego nabierze charakteru ogólnego.”

W tym względzie artystyczny i twórczy charakter nauczania MCC (jak również każdego innego przedmiotu artystycznego) przejawia się przede wszystkim w emocjonalnej reakcji uczniów na obraz artystyczny, która motywuje ich do jego realizacji. Procesy myślowe, operacje intelektualne są „jak wynik, konsekwencja, konkluzja, następstwo dzieła sztuki”. W konsekwencji charakter artystyczny i twórczy jako jeden z wymogów nauczania MHC wyraża się w tym, że różne interpretacje dzieł sztuki są wynikiem ich odmiennego życia, a to z kolei zależy od cech konkretnej osoby.

Kolejnym ważnym aspektem artystycznego i twórczego charakteru nauczania MHC jest „katharsis reakcji estetycznej”, która według L.S. Wygotskiego w przemianie afektów, charakterystycznej dla całej sztuki, „w ich samozapłon, w reakcji wybuchowej, prowadzącej do wyładowania emocji, które zostały natychmiast wywołane…”. Oznacza to, że podczas postrzegania sztuki uczeń z jednej strony rozwija uczucia, a z drugiej fantazje oparte na afektach i wywołujące reakcję estetyczną. „Cała sztuka opiera się na jedności uczuć i fantazji”.

Dzieło sztuki dowolnego rodzaju, uwzględniane w procesie nauczania MHC, „staje się najsilniejszym środkiem do najodpowiedniejszego i najważniejszego wyładowania energii nerwowej”. To sprawia, że ​​życie dziełem sztuki jest momentem psychicznego odprężenia (gr. katharsis – oczyszczenie), którego uczeń doświadcza w procesie empatii, która warunkuje jego rozwój emocjonalny i wartościowy.

Czynnikiem psychologicznym artystycznego i twórczego charakteru nauczania MHC jest to, że sztuka, dokonując katharsis i powodując w człowieku najważniejsze wstrząsy osobiste, realizuje także akcję społeczną. W trafnym wyrażeniu L.S. Wygotski „sztuka jest społeczną techniką odczuwania, narzędziem społeczeństwa, poprzez które włącza najbardziej intymne i najbardziej osobiste aspekty naszego bytu w krąg życia społecznego”. Oznacza to, że sztuka jest mechanizmem rozwoju osobistego i społecznego.

Studiowanie przedmiotu MHC polega na zapoznawaniu uczniów i studentów z głównymi kamieniami milowymi, okresami, ścieżkami, kierunkami, ruchami, szkołami i stylami rozwoju sztuki zagranicznej i rosyjskiej. Głównymi celami kursu są kształtowanie kultury artystycznej uczniów i studentów jako części ich kultury duchowej oraz tworzenie holistycznego systemu idei o sztuce, a także rozwój harmonijnego światopoglądu i umiejętności samodzielnego rozumienia wartości artystyczne. Poziom kulturalny uczniów z roku na rok się obniża. Często spotykasz się z niezrozumieniem i niechęcią dzieci do studiowania przedmiotu MHC, dlatego pytanie: jak zwiększyć zainteresowanie tematem, zintensyfikować aktywność poznawczą uczniów - staje się aktualne na każdej lekcji. Poza tym głównymi cechami absolwenta każdej instytucji edukacyjnej są jego kompetencje i mobilność. W związku z tym nacisk w badaniu MHC zostaje przeniesiony na sam proces poznania, którego skuteczność całkowicie zależy od aktywność poznawcza samego ucznia. Powodzenie w osiągnięciu tego celu zależy nie tylko od tego, czego się uczysz (treść uczenia się), ale także od tego, jak się tego uczysz: indywidualnie lub zbiorowo, w warunkach autorytarnych lub humanistycznych, w oparciu o uwagę, percepcję, pamięć lub cały potencjał osobisty człowieka poprzez reprodukcyjne lub aktywne metody uczenia się.

Zastosowanie aktywnego uczenia się w praktyce pedagogicznej staje się rozwiązaniem problemu motywowania uczniów do samodzielnego, proaktywnego i twórczego opanowywania materiału edukacyjnego w procesie aktywności poznawczej.

W nauczaniu tradycyjnym nauczyciel (jak również cały zespół narzędzi dydaktycznych, z których korzysta) pełni rolę „filtra”, który przepuszcza przez siebie informację edukacyjną. Po uruchomieniu uczenia się nauczyciel przechodzi na poziom uczniów i w roli asystenta uczestniczy w procesie ich interakcji z materiałem edukacyjnym, w idealnym przypadku nauczyciel staje się liderem ich samodzielnej pracy, realizując założenia pedagogiki współpracy.

Dane eksperymentalne z zakresu pedagogiki i psychologii wskazują, że podczas prezentacji materiału na wykładach przyswaja się nie więcej niż 20-30% informacji, podczas samodzielnej pracy z literaturą - do 50%, podczas mówienia - do 70%, a z osobistym udziałem w badanej działalności – do 90%. W związku z tym wniosek sam nasuwa się, że przyswajanie materiału edukacyjnego nie powinno być bierne, konieczne jest zapewnienie stałego aktywnego udziału samych uczniów w procesie edukacyjnym.

Obecnie istnieją różne podejścia do klasyfikacji metod i form aktywnego uczenia się. Najczęściej stosuje się klasyfikację ze względu na charakter działalności edukacyjnej i poznawczej, według której metody i formy aktywnego uczenia się dzielą się na: nieimitacyjne i imitacyjne. Formy nieimitacyjne obejmują nietradycyjne formy prowadzenia wykładów, seminariów, dyskusji i zbiorowej aktywności umysłowej. Imitację z kolei dzielimy na grającą i nie-grającą. Jednocześnie metody niezwiązane z grami obejmują analizę konkretnych sytuacji, analizę korespondencji biznesowej od menedżera, działania zgodnie z instrukcjami itp. Metody gier dzielą się na: gry biznesowe, gry dydaktyczne lub edukacyjne, sytuacje i techniki gier oraz procedury, aktywne szkolenia.

W wielu placówkach oświatowych, w szczególności w szkołach średnich zawodowych (liceum zawodowe), na naukę MHC przeznaczono ograniczoną liczbę godzin - 38 (2 godziny tygodniowo) i nikt nie zmienił standardów. Trzeba zmobilizować wszystkie siły, możliwości i zdolności zarówno własne, jak i uczniów, aby ukończyć program w tak krótkim czasie. Ogromną pomocą w tym trudnym zadaniu jest wykorzystanie wykładowo-wizualizacji.

Wykład - wizualizacja przyczynia się do powstania sytuacji problemowej, której rozwiązanie w odróżnieniu od wykładu problemowego, w którym stosuje się pytania, następuje na podstawie analizy, syntezy, uogólnienia, kondensacji lub rozwinięcia informacji, tj. z uwzględnieniem aktywnej aktywności umysłowej. Zadaniem nauczyciela jest stosowanie form wizualizacji, które nie tylko uzupełniają informację werbalną, ale same są jej nośnikami. Im bardziej problematyczna jest informacja wizualna, tym wyższy stopień aktywności umysłowej ucznia. Tego typu wykład najlepiej wykorzystać na etapie wprowadzania studentów w nowy dział lub temat.

Przygotowanie tego wykładu przez prowadzącego polega na odtworzeniu informacji edukacyjnych na temat sesji wykładowej w formie wizualnej w celu przedstawienia studentom za pomocą technicznych pomocy dydaktycznych (rzutnik multimedialny, tablica multimedialna, komputer). Przykład wykładu wizualizacyjnego na temat „Kultura artystyczna starożytnego Egiptu” zob Aplikacja 1 . Lektura wykładu zamienia się w szczegółowy komentarz prowadzącego do przygotowanych materiałów wizualnych.

Do pracy tej mogą być także zaangażowani studenci, którzy w tym zakresie rozwiną odpowiednie umiejętności, rozwiną wysoki poziom aktywności i rozwiną osobiste podejście do treści szkolenia. Studenci mogą wykonywać tę pracę zarówno na zajęciach, uzupełniając wykład nauczyciela, jak i w domu, tworząc własny mały wykład wizualizacyjny. Załącznik 2.

Jedną z najskuteczniejszych metod aktywnego uczenia się jest gra. Istotą pedagogiczną gry jest pobudzenie myślenia uczniów, zwiększenie ich samodzielności i wprowadzenie w naukę ducha kreatywności. Głównym pytaniem w grze jest „co by się stało, gdyby…”. Metoda ta odkrywa osobisty potencjał ucznia: każdy uczestnik może samodzielnie zdiagnozować swoje możliwości, jak również we wspólnych działaniach z innymi uczestnikami.

W procesie przygotowania i prowadzenia gry nauczyciel musi pomóc uczniowi stać się tym, kim chce być w grze, pokazać mu jego najlepsze cechy, które można ujawnić podczas komunikacji.

W nauczaniu MHC bardziej wskazane jest użycie odgrywanie ról gra. Celem tej gry jest rozwinięcie określonych umiejętności i zdolności uczniów w ich aktywnym procesie twórczym. Społeczne znaczenie gier RPG polega na tym, że w procesie rozwiązywania określonych problemów aktywowana jest nie tylko wiedza, ale także rozwijane są zbiorowe formy komunikacji.

W przygotowaniu gry RPG można wyróżnić następujące etapy:

1. Wybór tematu. Tematem gry może być niemal każda część programu nauczania.
2. Wyznaczanie celów i zadań, biorąc pod uwagę nie tylko temat, ale także analizę sytuacji wyjściowej.
3. Ustalenie struktury z uwzględnieniem tematu, celów, zadań i składu uczestników.
4. Diagnostyka cech zabawy uczestników gier RPG. Prowadzenie zajęć w formie zabawy będzie skuteczniejsze, jeśli działania nauczyciela będą skierowane nie do abstrakcyjnego ucznia, ale do konkretnego ucznia lub grupy.
5. Diagnoza obiektywnej okoliczności. Rozważane jest pytanie, gdzie, jak, kiedy, w jakich warunkach i przy użyciu jakich obiektów będzie toczyć się gra.

Gra powinna stanowić praktyczne uzupełnienie studiowania określonego tematu teoretycznego, kontynuację i uzupełnienie (części) dyscypliny jako całości. Tak więc po przestudiowaniu tematu „Kultura artystyczna średniowiecza Europy Zachodniej” oferowana jest gra „Magazyn mody”. Uczniowie mają postawiony cel: „Jesteście redaktorami magazynu o modzie, macie przygotować numer poświęcony modzie średniowiecznej”. O modzie średniowiecznej w ogóle można dużo mówić i przygotować więcej niż jeden numer pisma, dlatego konieczne jest zorientowanie uczniów na konkretny temat, np. fryzury romańskie i gotyckie, strój gotycki, garnitury męskie, kapelusze, moda kolorowa itp. Sugeruję obejrzenie jednego z powstałych magazynów w Dodatek 3. Na zakończenie rozmowy na temat cech architektury i malarstwa dowolnej epoki można poprosić uczniów o przekształcenie się w przewodników: „Jesteś przewodnikiem trasy N, przygotowujesz materiał i prowadzisz wycieczkę do zabytku architektury” lub „Jesteś przewodnikiem po trasie N, przygotowujesz materiał i prowadzisz wycieczkę do zabytku architektury” lub „Jesteś przewodnikiem po trasie N”. oprowadzać po muzeum jednego artysty, przygotować wystawę prac tego artysty, wymyślić wystawę imienną, napisać tekst towarzyszący i przeprowadzić oprowadzanie” (zob. Aplikacja4 ). Możliwości prowadzenia takich gier może być wiele: redaktor almanachu literackiego, reżyser teatralny, prezenter programu muzycznego itp.

Prezenterka Columbine: Witam, poznajesz mnie? Jestem Columbina, nazywali mnie Servette i Francesca. Jestem prostą dziewczyną, wiecznie zakochaną, wesołą, intrygującą. I mam wielu przyjaciół: naiwnego Arlekina, zaradnego Pulcinellę, skąpego kupca Pantalone i Gilles-Pierrot, wyznaję w tajemnicy, jest moim wielbicielem. On i Harlequin nieustannie konkurują. A wszyscy jesteśmy z komedii masek dell'arte, która powstała we Włoszech w okresie renesansu.

Tak, rzeczywiście, przed człowiekiem renesansu otworzył się nowy świat w olśniewającym przepychu i różnorodności... Ten świat ujęty jest w strukturach architektonicznych Florencji, Rzymu i Wenecji, portretach stworzonych pędzlem i dłutem Botticellego, Leonarda da Vinci, Michał Anioł, Rafael, Tycjan, Dürer. Jest to wyjątkowo widoczne w tekstach miłosnych Petrarki, satyrycznych postaciach Boccaccia, Rabelais i Cervantesa. Znajduje to odzwierciedlenie w namiętnościach bohaterów Szekspira i filozoficznych utopiach Tomasza More'a i Erazma z Rotterdamu.

Zapraszam Cię do odkrywania tego wspaniałego świata. Zajrzyjmy najpierw do pałacu Elżbiety i dowiedzmy się, co się tam dzieje…

Dramatyzacja fragmentu sztuki Bernarda Shawa Mroczna dama sonetów (1910)

Elżbieta. Panie Szekspir, porozmawiam w tej sprawie z lordem skarbnikiem.

Szekspir. Wtedy byłem zgubiony, Wasza Wysokość, bo nie było jeszcze lorda skarbnika, który byłby w stanie znaleźć choćby jednego grosza poza niezbędnymi wydatkami rządowymi na cokolwiek innego, z wyjątkiem wojny i pensji własnego siostrzeńca.

Elżbieta. Panie Szekspir! Powiedziałeś prawdziwą prawdę, ale nie jestem w stanie w żaden sposób pomóc tej sprawie... Proszę mi wierzyć, panie Ville, minie 300 lat, a może i więcej, zanim moi poddani zrozumieją, że człowiek nie żyje samym chlebem, ale także słowem, które wychodzi z ust natchnionych przez Wszechmogącego... Jednak do tego czasu i wasze dzieła mogą obrócić się w proch.

Szekspir. Będą trwać przez wieki, Wasza Wysokość. Nie bój się o nich.

Elżbieta. Może. Ale jednego jestem pewien, bo znam moich rodaków – dopóki wszystkie inne kraje świata chrześcijańskiego, aż do barbarzyńskiego Moskwy i wsi nieświadomych Niemców, nie zaczną wspierać teatrów kosztem skarbu, Anglia nigdy nie będzie odważ się na taki krok...

Szekspir. A jednak otworzę teatr, bo jestem Williamem Szekspirem!

Taniec „Pavana” wykonywany jest do muzyki „Ave Maria” Cacciniego

Dramatyzacja fragmentu sztuki Williama Szekspira(z dowolnej sztuki)

Prezenterka Columbine: Mówiąc o renesansie nie sposób nie wspomnieć o słynnej „La Giocondzie” Leonarda da Vinci.

Z marzycielskim, tajemniczym uśmiechem
Pozuje... Przemyślana i wspaniała,
Reprodukuje za pomocą elastycznego pędzla
Jej luksusowa figura i niezrównana twarz...
Ale nagle odkłada pędzel. Uroczyste i ważne
Mówi: „Niech przeminą stulecia!
Skończyłem to dzieło: odważnie szedłem do celu;
Serce mi drżało, ale ręka nie drżała!
Ty, wiecznie jasnowłosa, o niebiańskich oczach,
Z uśmiechem szczęścia na różowych ustach,
Tak jak teraz będziesz rządzić sercami,
Kiedy oboje obrócimy się w pył!
Stulecia wieków cię nie zmienią
Zawsze biało, różowo i delikatnie...
Niech surowe zimy zostaną zastąpione serią surowych zim;
W Twoim uśmiechu jest wieczna wiosna!
O śmierci, przyjdź! Czekam na Ciebie spokojnie.
Cały swój wewnętrzny świat przelałem na ten obraz:
Dokonałem wyczynu całkowicie jej godnego.
Unieśmiertelniłem Tego, którego kochałem jak życie.”

Czytelnik (w trakcie czytania wyświetlana jest prezentacja „Architektoniczne arcydzieła renesansu”)

W objętości wspaniałej panoramy
Pływające pałace i świątynie,
Jak na kotwicy statku,
Jakby czekali, aż wiatr będzie pomyślny
Rozluźnijcie żagle!
Wygląda przemyślanie i niejasno
Pałace są czcigodną pięknością!
Na ich ścianach widnieją wielowiekowe pisma,
Ale nie ma ceny za ich uroki,
Kiedy zostanie narysowany ich zarys
Pod białym blaskiem księżyca.
Kuter do tych ciemnych twierdz
Nadał miękkości wybrzuszeniu i krawędzi,
I jak przezroczysta koronka,
Prześwituje ich kamienna tkanina.
Jakie to wszystko jest tajemnicze, jakie dziwne
W tym królestwie cudownej urody:
Cały czas spada na wszystko
Cień poetyckiego snu...

Prezenterka Columbine: Przenieśmy się na północ Europy: do Holandii, Francji, Niemiec – i przyjrzyjmy się malarstwu artystów tamtej epoki. Włoski kupiec Giovanni Arnolfini poślubił Giovannę... i zamówił portret ślubny u artysty van Eycka. Nowożeńcy składając sobie dłonie, składają sobie przysięgę dochowania wierności, a pan młody potwierdza świętość umowy gestem ręki zwróconej ku niebu. A może był to sam van Eyck, nadworny malarz i jego młoda żona?

Produkcja żywego obrazu Jana van Eycka „Portret małżonków Arnolfinich”

Prezenterka Columbine: Przyjrzyj się bliżej! Bez steru i bez żagli krucha łódka płynie po morzach codziennej próżności. Jego pasażerowie, zapominając o krainie wyjazdu, nie wiedząc, do których brzegów prędzej czy później będą musieli wylądować, oddają się prymitywnym przyjemnościom ciała. Płyną już dłuższy czas, maszt wyrósł i stał się drzewem, śmierć już w nim zagnieździła, a mnich i mniszka ryczą pieśni, zapominając o świętości. Szaleństwo i występki splatają się w życiu, nie jest jasne, co motywuje ludzkość. Hieronymus Bosch zadaje sobie i ludziom pytanie: „Dokąd płyniemy? Na którym brzegu chcemy wylądować?

Produkcja żywego obrazu Hieronima Boscha „Statek głupców”

Czytelnik (w trakcie czytania wyświetlana jest prezentacja „Wielkie odkrycia renesansu”)

Nadszedł czas: smyczki znów zaczęły śpiewać,
I kolory znów zaczęły wypływać z płótna.
I zrujnowane Bizancjum ożywa - wiosna
Weszła, przypominając mi o miłości, o ciele;
W swoich dziełach Vinci, Raphael
Blask istnienia wyczerpał się do dna.
Każdy próbował odkryć, wymyślić,
Znajdź, stwórz... Panował przez te lata
Nadzieją jest odkrycie wszystkich tajemnic natury.

Jak widzimy, aby zwiększyć aktywność poznawczą uczniów, nauczycielowi oferuje się wiele różnych opracowanych metod, które może wykorzystać w swoich zajęciach dydaktycznych. Omówiliśmy tylko niewielką ich część.

Literatura

1. Danilova, G.I. Sztuka Świata. 10. klasa / G.I. Daniłowa. – M., 2008.
2. Miretskaya, N.V. Kultura renesansu / N.V. Miretskaja, E.V. Mirecka. – M., 1996.
3. Platow, V.Ya. Gry biznesowe: rozwój, organizacja, wdrożenie / V.Ya. Platow. – M., 1991.
4. Pogrebnaya, E.N. Psychologiczne i pedagogiczne podstawy aktywnych metod nauczania // tnaia.narod.ru/sk/
5. Smolkin, A.M. Metody aktywnego uczenia się / A.M. Smolkin. – M., 1991.

Światowa kultura artystyczna, jak wspomniano powyżej, jest podstawowym przedmiotem szkolnym w cyklu kulturowym. Dyscyplina ta pojawiła się w szkole stosunkowo niedawno, co jest przyczyną głównych trudności w jej nauczaniu.

Pierwszy problem pojawia się przy ustalaniu przedmiotu nauczania MHC w szkole. Tytuł kursu – Światowa kultura artystyczna – okazuje się bardzo szeroki, dlatego konieczne jest, aby prowadzący ograniczał objętość i głębokość studiowanego materiału według własnego uznania. Problem ten pogłębia również fakt, że nie ma jednolitego państwowego standardu edukacji w zakresie przedmiotu (patrz) i uniwersalnego programu nauczania.

Druga trudność łączy się z pierwszą. Polega ona na ostrej rozbieżności pomiędzy dużą ilością materiału a bardzo małą ilością czasu edukacyjnego przeznaczonego na jego studiowanie. Jednym z niekorzystnych warunków rozwiązania tego problemu jest to, że obecnie światowa kultura artystyczna jest włączona do regionalnego komponentu szkolnictwa średniego, to znaczy szkoły według własnego uznania wybierają, w jakich klasach i w jakim zakresie przedmiot będzie nauczany. Prowadzi to do pogłębienia się rozbieżności pomiędzy objętością materiału a czasem nauki.

Równie istotnym problemem jest brak rozwiniętej bazy metodologicznej czy uogólnionego w publikacjach doświadczenia nauczycieli kulturoznawstwa.

Tym samym nauczyciel światowej kultury artystycznej zmuszony jest kierować się wyłącznie własnymi wyobrażeniami na temat przedmiotu i możliwościami realizacji celów i zadań swojego nauczania w szkole średniej.

Jednocześnie Światowa kultura artystyczna jest niezbędna do nauki w szkole średniej, gdyż wzmacnia humanitarny cykl przedmiotów (na które składają się w szkole średniej historia, literatura, podstawy prawa i podstawy współczesnych cywilizacji – dwóch ostatnich uczy się zwykle ponad sześć miesięcy). Ponadto, ze względu na swoją specyfikę, pozwala uczniowi stworzyć mniej lub bardziej holistyczny obraz świata, spajający ogólne pojęcie „kultury”.

Na tej podstawie rozumiemy Światowa kultura artystyczna w szkole, nie tylko jako historia sztuki, chociaż ten element jest bardzo ważny, a zwłaszcza nie jako wyłącznie sztuka piękna, jak to czasami przedstawia się w praktyce. Przedmiot badań definiuje się poprzez podstawowe pojęcie - kultura artystyczna jako skumulowany proces i wynik działalności twórczej człowieka. Takie podejście najtrafniej oddaje specyfikę przedmiotu, a jednocześnie znacznie komplikuje zadanie nauczyciela poprzez dalsze poszerzanie przedmiotu studiów, czyli kultury artystycznej jako całości. Następnie World Art Culture to nazwa szkolenia, którego główną cechą jest integratywność, czyli umiejętność gromadzenia heterogenicznej wiedzy uczniów z różnych przedmiotów akademickich w jeden obraz świata, co pozwala im stworzyć holistyczny świadomość.

Zajęcia Światowej Kultury Artystycznej w szkole średniej mają na celu rozwój uczniów poprzez kulturę artystyczną; wprowadzenie ich w świat wartości artystycznych; zrozumienie przez uczniów znaczenia działalności artystycznej w rozwoju jednostki i społeczeństwa jako całości.

Można zatem formułować cel Kurs MHC: zapoznanie studenta z kulturą artystyczną; kształtować w nim gotowość, zdolność i potrzebę samodzielnego postrzegania wartości artystycznych; przyczyniają się do zróżnicowanego rozwoju osobowości ucznia. Takie rozumienie celu zajęć zakłada kształtowanie w procesie studiowania kursu MHC samodzielnie myślącej i aktywnie postrzegającej zjawisk artystycznych osobowości, która potrafi dotrzeć do dzieł sztuki w życiu codziennym poza szkołą.

To determinuje treść kurs, który składa się z kilku elementów:

– badanie różnych rodzajów działalności artystycznej w ich związkach i sprzecznościach;

– badanie ideologicznych podstaw twórczości w różnych epokach wśród różnych narodów;

– badanie ogólnych wzorców rozwoju artystycznego ludzkości.

Wynik badania Kurs musi posiadać następującą wiedzę, umiejętności i zdolności studentów:

– rozumienie powiązań kultury artystycznej z innymi sferami działalności człowieka, jej związku ze światem materialnym i duchowym człowieka;

– opanowanie umiejętności komunikowania się z dziełami sztuki różnych typów i gatunków;

– kreowanie artystycznego obrazu świata;

– tworzenie wyobrażeń figuratywnych na temat różnych typów kultur w różnych epokach;

– opanowanie materiału empirycznego, umiejętność analizy dzieł różnych rodzajów sztuki.

Ostatni punkt nie jest celem samym w sobie, chociaż w praktyce poświęca się mu najwięcej uwagi. Należy jednak wziąć pod uwagę, że mechaniczne zapamiętywanie specyfiki różnych rodzajów sztuki nie da uczniowi możliwości ukształtowania holistycznego obrazu świata i miejsca w nim kultury artystycznej, a jedynie doda kolejną linię do harmonogramu dziennika. W działaniach edukacyjnych nacisk nie powinien być położony na mechaniczne uczenie się nowych koncepcji, ale na Komunikacja I komunia poprzez materialną podstawę dzieła (formę sztuki) aż do jego duchowego znaczenia i rozwoju osobistego poprzez tę komunikację.

Struktura Kurs szkolny MHC. Obecnie w większości szkół na naukę światowej kultury artystycznej przeznacza się 3 lata (klasy 8, 10 i 11). W wielu szkołach przedmiot ten jest nauczany wyłącznie w szkole średniej zasadniczej (klasy 5–9 lub 5–8). Wynika to z przeniesienia MHC z obowiązkowego (federalnego) komponentu edukacji do kategorii przedmiotów wybieranych przez szkołę (regionalny komponent edukacji), a także znacznie zwiększonego w ostatnich latach obciążenia edukacyjnego dzieci w szkole. W ciągu roku na naukę MHC przeznacza się zazwyczaj 1 godzinę tygodniowo, czyli łącznie 34 godziny.

Trudno nie zgodzić się z tym, jak ważną rolę odgrywa sztuka w historii każdego okresu. Oceńcie sami: na lekcjach historii w szkole, po każdym temacie poświęconym badaniu sytuacji politycznej i gospodarczej na świecie w danym okresie, uczniowie proszeni są o przygotowanie sprawozdań na temat sztuki danej epoki.

Również w programie szkolnym od stosunkowo niedawna pojawił się taki przedmiot jak MHC. To absolutnie nie przypadek, ponieważ każde dzieło sztuki jest jednym z najjaśniejszych odzwierciedleń czasu, w którym powstało, i pozwala spojrzeć na historię świata oczami twórcy, który dał temu dziełu życie.

Definicja kultury

Światowa kultura artystyczna, w skrócie MHC, to rodzaj kultury publicznej, która opiera się na figuratywnym i twórczym odtwarzaniu społeczeństwa i ludzi, a także przyrody żywej i nieożywionej za pomocą środków stosowanych przez sztukę profesjonalną i ludową kulturę artystyczną. Są to także zjawiska i procesy duchowej działalności praktycznej, która tworzy, rozpowszechnia i opanowuje przedmioty materialne i dzieła sztuki posiadające wartość estetyczną. Światowa kultura artystyczna obejmuje dziedzictwo malarskie, rzeźbiarskie, architektoniczne i pomniki, a także całą różnorodność dzieł stworzonych przez ludzi i ich indywidualnych przedstawicieli.

Rola MHC jako przedmiotu nauczania

W toku studiów nad przebiegiem światowej kultury artystycznej zapewnia się zarówno szeroką integrację, jak i zrozumienie powiązań kultury przede wszystkim z wydarzeniami historycznymi dowolnego okresu, a także z naukami społecznymi.

Jak wspomniano wcześniej, światowa kultura artystyczna obejmuje całą działalność artystyczną, w jaką człowiek kiedykolwiek się angażował. Są to literatura, teatr, muzyka, sztuki piękne. Badane są wszystkie procesy związane zarówno z tworzeniem i przechowywaniem, jak i rozpowszechnianiem, tworzeniem i oceną dziedzictwa kulturowego. Nie pozostają na boku problemy związane z zapewnieniem dalszego życia kulturalnego społeczeństwa i kształceniem na uczelniach specjalistów posiadających odpowiednie kwalifikacje.

Jako przedmiot akademicki MHC jest apelem do całej kultury artystycznej, a nie do jej poszczególnych typów.

Pojęcie epoki kulturowej

Epoka kulturowa, czyli paradygmat kulturowy, to złożone, wieloczynnikowe zjawisko, które zawiera obraz zarówno konkretnej osoby żyjącej w określonym czasie i prowadzącej swoją działalność, jak i wspólnoty ludzi o tym samym sposobie życia, nastroju życiowym i myśleniu, i systemu wartości.

Paradygmaty kulturowe zastępują się wzajemnie w wyniku swoistej selekcji naturalno-kulturowej poprzez interakcję tradycyjnych i innowacyjnych elementów, które niesie ze sobą sztuka. Celem szkolenia MHC jest zbadanie tych procesów.

Co to jest renesans

Jednym z najważniejszych okresów w rozwoju kultury jest renesans, czyli odrodzenie, które dominowało w XIII-XVI wieku. i zapoczątkowało nadejście New Age. Największy wpływ miała sfera twórczości artystycznej.

Po okresie schyłku w średniowieczu sztuka rozkwita, a starożytna mądrość artystyczna odżywa. To właśnie w tym czasie i w znaczeniu „odrodzenia” używano włoskiego słowa rinascita, później pojawiły się liczne jego odpowiedniki w językach europejskich, w tym we francuskim renesansie. Wszelka twórczość artystyczna, przede wszystkim plastyczna, staje się uniwersalnym „językiem”, który pozwala poznać tajemnice natury i zbliżyć się do niej. Mistrz nie odtwarza natury w sposób konwencjonalny, lecz dąży do maksymalnej naturalności, starając się przewyższyć Wszechmogącego. Rozpoczyna się rozwój naszego zwykłego poczucia piękna, nauki przyrodnicze i wiedza o Bogu nieustannie znajdują wspólną płaszczyznę. W okresie renesansu sztuka stała się zarówno laboratorium, jak i świątynią.

Periodyzacja

Przebudzenie podzielone jest na kilka okresów. We Włoszech – kolebce renesansu – zidentyfikowano kilka okresów, które przez długi czas były używane na całym świecie. Jest to protorenesans (1260-1320), częściowo mieszczący się w okresie Ducento (XIII w.). Oprócz tego istniały okresy Trecento (XIV w.), Quattrocento (XV w.), Cinquecento (XVI w.).

Bardziej ogólna periodyzacja dzieli epokę na wczesny renesans (XIV-XV wiek). W tym czasie nowe trendy wchodzą w interakcję z gotykiem, który ulega twórczej transformacji. Następnie następują okresy średniego, wysokiego i późnego renesansu, w których szczególne miejsce zajmuje manieryzm, charakteryzujący się kryzysem kultury humanistycznej renesansu.

Również w krajach takich jak Francja i Holandia rozwija się tzw. Styl późnogotycki. Jak mówi historia MHC, renesans znalazł swoje odzwierciedlenie w Europie Wschodniej: w Czechach, Polsce, na Węgrzech, a także w krajach skandynawskich. Hiszpania, Wielka Brytania i Portugalia stały się krajami o charakterystycznej kulturze renesansowej.

Filozoficzne i religijne elementy renesansu

Poprzez refleksje takich przedstawicieli filozofii tego okresu jak Giordano Bruno, Mikołaj z Kuzy, Giovanni i Paracelsus, wątki twórczości duchowej, a także walka o prawo do nazywania jednostki „drugim bogiem” i kojarzenia osoby wraz z nim stają się istotne w MHC.

Problem świadomości i osobowości, wiary w Boga i siły wyższe jest aktualny jak zawsze. W tej kwestii istnieją zarówno kompromisowe, umiarkowane, jak i heretyckie poglądy.

Człowiek staje przed wyborem, a reforma kościoła w tym czasie oznacza renesans nie tylko w ramach MHC. To także osoba promowana poprzez przemówienia postaci wszystkich wyznań: od założycieli reformacji po jezuitów.

Główne zadanie epoki. Kilka słów o humanizmie

W okresie renesansu wychowanie nowego człowieka miało ogromne znaczenie. Łacińskie słowo humanitas, od którego wywodzi się słowo humanizm, jest odpowiednikiem greckiego słowa oznaczającego edukację.

W ramach renesansu humanizm wzywa człowieka do opanowania ważnej dla tamtych czasów starożytnej mądrości i znalezienia drogi do samowiedzy i samodoskonalenia. Mamy tu połączenie wszystkiego, co najlepsze, jakie mogły zaoferować inne okresy, które odcisnęły piętno na MHC. Renesans przejął starożytne dziedzictwo starożytności, religijność i świecki kodeks honorowy średniowiecza, twórczą energię i ludzki umysł Nowego Czasu, tworząc zupełnie nowy i pozornie doskonały typ światopoglądu.

Renesans w różnych obszarach działalności artystycznej człowieka

W tym okresie iluzoryczne, przypominające życie obrazy zastąpiły ikony, stając się centrum innowacji. Aktywnie malowane są pejzaże, obrazy domowe i portrety. Grawerowanie drukowane na metalu i drewnie jest szeroko rozpowszechnione. Szkice robocze artystów stają się niezależną formą twórczości. Iluzoryczność obrazu obecna jest także w

W architekturze pod wpływem zamiłowania architektów do idei centrycznej, popularne stają się proporcjonalne świątynie, pałace i zespoły architektoniczne, które podkreślają ziemskie, centrycznie zorganizowane horyzonty perspektywiczne.

Literaturę renesansu charakteryzuje umiłowanie łaciny jako języka ludzi wykształconych, sąsiadującego z językami narodowymi i popularnymi. Popularne stają się takie gatunki, jak powieść łotrzykowa i powieść miejska, wiersze bohaterskie i powieści o tematyce średniowiecznej przygody rycerskiej, satyra, teksty pasterskie i miłosne. U szczytu popularności dramatu teatry wystawiały przedstawienia z dużą ilością świąt miejskich i wspaniałych ekstrawagancji dworskich, które stały się narodzinami kolorowych syntez różnych rodzajów sztuk.

W muzyce rozkwita ścisła polifonia muzyczna. Komplikacja technik kompozytorskich, pojawienie się pierwszych form sonat, oper, suit, oratoriów i uwertur. Muzyka świecka, bliska muzyce ludowej, ustępuje muzyce religijnej. Następuje wydzielenie muzyki instrumentalnej w odrębną formę, a szczytem epoki jest tworzenie pełnoprawnych pieśni solowych, oper i oratoriów. Świątynię zastępuje opera, która zajęła miejsce centrum kultury muzycznej.

Ogólnie rzecz biorąc, głównym przełomem jest zastąpienie niegdyś średniowiecznej anonimowości indywidualną, autorską kreatywnością. Pod tym względem światowa kultura artystyczna przechodzi na zupełnie nowy poziom.

Tytani renesansu

Nic dziwnego, że tak zasadnicze odrodzenie sztuki z popiołów nie mogłoby nastąpić bez ludzi, którzy swoją twórczością stworzyli nową kulturę. Później zostali nazwani „tytanami” ze względu na swój wkład.

Protorenesans uosabiał Giotto, a w okresie Quattrocento przeciwstawiały się konstruktywnie surowe Masaccio oraz uduchowione i liryczne dzieła Botticellego i Angelico.

Środek, czyli reprezentowany przez Rafaela, Michała Anioła i oczywiście Leonarda da Vinci – artystów, którzy stali się ikonami przełomu wieków nowożytnych.

Znani architekci renesansu to Bramante, Brunelleschi i Palladio. Bruegel Starszy, Bosch i Van Eyck to malarze holenderskiego renesansu. Holbein Młodszy, Dürer, Cranach Starszy stali się twórcami niemieckiego renesansu.

Literatura tego okresu pamięta nazwiska takich „tytańskich” mistrzów, jak Szekspir, Petrarka, Cervantes, Rabelais, którzy dali światu poezję, powieści i dramat, a także przyczynili się do powstania języków literackich swoich krajów.

Niewątpliwie renesans przyczynił się do rozwoju wielu nurtów w sztuce i dał impuls do powstania nowych. Nie wiadomo, jak wyglądałaby historia światowej kultury artystycznej, gdyby nie było tego okresu. Być może sztuka klasyczna nie budziłaby dzisiaj takiego zachwytu, większość kierunków w literaturze, muzyce i malarstwie w ogóle by nie istniała. A może pojawiłoby się wszystko, z czym zwykliśmy kojarzyć sztukę klasyczną, ale wiele lat, a nawet stuleci później. Niezależnie od przebiegu wydarzeń jedno jest pewne: do dziś podziwiamy dzieła tej epoki, co po raz kolejny potwierdza jej znaczenie w życiu kulturalnym społeczeństwa.

SZTUKA ŚWIATA

ZAWARTOŚĆ KURSU Zajęcia dotyczące światowej kultury artystycznej na poziomie szkoły średniej (pełnej) ogólnokształcącej mają na celu zapoznanie z wybitnymi osiągnięciami sztuki w różnych epokach historycznych w różnych krajach. Nie zawiera pełnego zestawienia wszystkich zjawisk światowej kultury artystycznej, ale poprzez niektóre z najwybitniejszych zabytków architektury, sztuk pięknych, literatury, muzyki, teatru czy twórczości jednego mistrza ukazuje dominujące społeczno-kulturowe epoka, jej główne idee artystyczne. Przedmiot MHC ma charakter integracyjny, a więc i zasada integracja leży u podstaw kursu i jest zasadą projektowania programu. Kompleksowo badana jest krajowa i zagraniczna kultura artystyczna oraz różne rodzaje sztuki: sztuki piękne, literatura, muzyka, teatr itp. Zasada historyzm pozwala ukazać wzorce rozwoju światowej kultury artystycznej, pozwala zrozumieć zależność zjawisk artystycznych od zjawisk życia społecznego. Zasada poleganie na metodzie twórczej pozwala nam rozwijać stopniowy rozwój różnych sztuk w ich powiązaniach ideologicznych i artystycznych, identyfikować duchowe, moralne i estetyczne dominacje tamtych czasów. Ujawniane są ideologiczne i estetyczne przyczyny powstawania i zmiany metod twórczych: klasycyzm, romantyzm, realizm, symbolika, surrealizm itp. Materiał jest dystrybuowany według terytorialny zasadę, która pozwala pokazać, jakim systemem wartości funkcjonuje każdy naród, będący nosicielem określonej tradycji religijnej i kulturowej. Zajęcia prowadzone są w oparciu o logikę historycznego liniowego rozwoju kultury od świata pierwotnego do XX wieku. W tym przypadku znaczącą rolę przypisuje się rozwojowi umiejętności rozumienia przez uczniów logiki historycznego rozwoju procesów ideologicznych oraz różnych systemów i stylów artystycznych przez nie generowanych. Kurs pozwala zrozumieć wyjątkowość i niepowtarzalność różnych kultur, uczy postrzegać świat jako „świat światów”, w którym ma miejsce każda kultura; kształtuje pozytywne wytyczne życiowe i własne stanowisko ideologiczne. Cechą szczególną kursu MHC na poziomie kształcenia średniego (pełnego) ogólnego na poziomie profilu jest jego powiązanie z zadaniami kształcenia specjalistycznego i organizacją kształcenia przeduniwersyteckiego dla studentów. Planuje się nie tylko szerokie rozszerzenie kierunku, ale także sformułowanie wyższych wymagań co do poziomu przygotowania studentów, rozwijania ich umiejętności, cech osobistych i motywacji niezbędnych do pomyślnej kontynuacji nauki na studiach wyższych. Proponowany program na etapie kształcenia średniego (pełnego) ogólnokształcącego na poziomie profilowym obejmuje 210 godzin: w klasach X i XI po 105 godzin, w tempie 3 godzin dydaktycznych tygodniowo. Program składa się z dwóch części. Część pierwsza (klasa 10) bada kulturę artystyczną od czasów starożytnych do czasów współczesnych. Część druga (klasa 11) przedstawia kulturę artystyczną okresów „Czas nowożytny – XX wiek”. Obejmuje to również materiały dotyczące rosyjskiej kultury artystycznej. W materiale 1 część Tematy obejmowały:

Pochodzenie sztuki.

W materiale 2 części Tematy obejmowały:

Cele

Badanie światowej kultury artystycznej na poziomie szkoły średniej (pełnej) ogólnokształcącej na poziomie profilowym ma na celu osiągnięcie następujących celów:

Opanowanie usystematyzowanej wiedzy o wzorcach rozwoju epok kulturowych i historycznych, stylach, nurtach i narodowych szkołach artystycznych; o wartościach, ideałach, standardach estetycznych na przykładzie najważniejszych dzieł; o specyfice środków wyrazu różnych rodzajów sztuki; Opanowanie umiejętności analizy dzieł sztuki i kształtowania własnej oceny estetycznej; Rozwój uczuć, emocji, myślenia figuratywnego, skojarzeniowego, krytycznego; Kultywowanie gustu artystycznego i estetycznego oraz kultury postrzegania dzieła sztuki, tolerancji, szacunku dla tradycji kulturowych narodów Rosji i innych krajów świata; Wykorzystanie zdobytej wiedzy i umiejętności do poszerzania horyzontów, zainteresowań poznawczych i świadomego kształtowania własnego środowiska kulturowego.

Program zapewnia rozwój ogólnych umiejętności i zdolności edukacyjnych uczniów: umiejętność organizowania działań poznawczych w sposób motywowany - od wyznaczania celów po uzyskiwanie i ocenianie wyników - oraz samodzielne wybieranie kryteriów analizy porównawczej, porównywania i oceny kulturowych zjawiska różnych epok i narodów; zaangażowanie w działalność twórczą, edukacyjną, badawczą, informacyjną i komunikacyjną; umiejętność pozyskiwania niezbędnych informacji z różnych źródeł, korzystania z zasobów multimedialnych i technologii komputerowych; zrozumienie wartości edukacji dla rozwoju kultury osobistej i krytycznej samooceny; umiejętność osobistej oceny zjawisk współczesnego życia, zdefiniowania własnego obywatelstwa PROGRAM KURSU (klasa 10)

	Temat		Liczba godzin
1.	Pochodzenie sztuki	Światowa kultura artystyczna - jedność i różnorodność. Obraz artystyczny jest głównym środkiem ukazywania i rozumienia świata w sztuce. Geneza sztuki i kształtowanie się podstaw myślenia artystycznego: prototyp (drzewo świata, bogini matka), rok mitologiczny (liczba, wzór geometryczny, roślina, zwierzę); siły polarne (światło-ciemność, życie-śmierć) mitologie (chaos-porządek stworzenia, śmierć-odrodzenie).	3
	Kultura artystyczna Azji, Afryki, Ameryki Łacińskiej	Klasa 11	21
2.	Kultura artystyczna świata pierwotnego i cywilizacji starożytnych	Architektoniczne i malownicze zabytki peleolitu i neolitu (Altamira i Stonehenge). Ozdoba geometryczna jako symbol przejścia od chaosu do formy (koło, kwadrat, trójkąt, meander) Kultury tradycyjne (kultura australijskich Aborygenów). Mitologia jest głównym źródłem obrazów sztuki świata starożytnego.	3
3.	Kultura artystyczna Mezopotamii	Reprezentacja mitów kosmogonicznych i środowiska naturalnego w architekturze świątynnej. Zigguraty Etemeniguru w Ur i Etemenaki w Babilonie. Rodzaje budynków pałacowych. Cechą charakterystyczną stylu mezopotamskiego jest okładzina powierzchni z glazurowanej cegły (Brama Isztar, Droga Procesyjna, sala tronowa Pałacu Południowego w Babilonie). Płaskorzeźba jest głównym elementem dekoracyjnym pałaców sumeryjsko-akadyjskich i asyryjsko-babilońskich. Shedu jest unikalnym przykładem połączenia płaskorzeźby i płaskorzeźby (pałac Sargona 11 i Dur-Sharrukin). Bohaterski epos „Opowieść o Gilgameszu” jest głównym źródłem obrazów do dekoracji zewnętrznych. Realistyczne elementy w płaskorzeźbach i freskach wnętrz.	5
3.	Kultura artystyczna starożytnego Egiptu	Idea Życia Wiecznego jest podstawą kultury starożytnego Egiptu. Legenda o Ozyrysie i Izydzie. Rytuał mumifikacji i nekropolia jako materialne ucieleśnienie idei Życia Wiecznego (piramidy w Gizie, półskalna świątynia w Deir el-Bahri, skalna świątynia w Abu Simbel). Rzeźba. Ulga. Obraz. Architektura nadziemnej świątyni jest symbolem samoodrodzenia Ra (Świątynia Karnak, Ramesseum). Malarska i rzeźbiarska dekoracja sarkofagów i grobowców to magiczna formuła na wieczne istnienie. Połączenie elementów frontowych i profilowych w kanonie Życia Wiecznego.	9
4.	Kultura kreto-mykeńska	Architektura pałacu labiryntowego w Knossos jako odzwierciedlenie mitu o Minotaurze. Jedność środowiska i malownicza sceneria to specyfika kultury minojskiej. „cyklopowy” charakter architektury i dekoracji władców mykeńskich (pałac króla Agamemnona w Mykenach).	3
	Kultura artystyczna Wschodu	Odbicie religijnego i mitologicznego obrazu świata w kulturze duchowej narodów starożytnego Wschodu.	13
5.	Kultura artystyczna Indii	Hinduizm jako rdzeń indyjskiej kultury artystycznej. Eposy „Mahabharata” i „Ramajana”. Hindus - architektoniczny odpowiednik mistycznego poświęcenia i ascetycznej ascezy (Świątynia Kandarya Mahadeva w Khajuraho). Rola rzeźby (technika „formy pęczniejącej”) w dekoracji zewnętrznej świątyni hinduskiej. Stupa buddyjska w Sanchi jest modelem Wszechświata starożytnych Indii. Kamienna płaskorzeźba jako kronika życia i czynów Buddy. Cykle fresków świątyń jaskiniowych Ajanta są encyklopedią życia Indian. Taj Mahal jest przykładem estetyki indomuzułmańskiej. Indyjskie malarstwo miniaturowe to wyrafinowane połączenie stylów indo-muzułmańskich.	4
6.	Chińska kultura artystyczna	Kosmologizm jest podstawą kultury chińskiej. Manifestacja wiecznej harmonii yin i yang w gatunku krajobrazu „górsko-wodnego”. Przekazywanie głównego obrazu świata w dekoracyjny sposób gong-bi (Li Sixun „Podróżnicy w górach”); nastrojowy krajobraz wykonany techniką sei (Wang Wei, „Porządki po opadach śniegu w Goa nad rzeką”). Jedność słowa, znaku i obrazu jest standardem chińskiego malarstwa. Ukazywanie etyki konfucjanizmu, taoizmu i buddyzmu w dziełach literackich („Lunyu” – „Wyroki i rozmowy”, „Daodejing” – „Księga ścieżki i łaski”, „Jin, Ping, Mei” – „Kwitnąca śliwa w złotym Wazon"). Estetyka pustki w sztuce. Architektura pałaców i świątyń jest odzwierciedleniem pięcioczęściowego modelu świata (Gugong, Świątynia Nieba). Park Yiheyuan w Pekinie jako idealne ucieleśnienie niebiańskiej harmonii.	4
7.	Japońska kultura artystyczna	Estetyka shinto w kulturze japońskiej. Kult form naturalnych i piękna codziennego w architekturze (Świątynia Amaterasu w Ise). „Wszystko w jednym” („cywilizacja igieł sosnowych”) to kluczowa idea japońskiej kultury artystycznej: ceremonia parzenia herbaty chanoyu, filozoficzne ogrody skalne Hiraniwa (Ryoanji w Kioto), drzeworyty ukiyo-e (Ogata Korin, Kitagawa Utamaro, Katsushika Hokusai). Estetyzacja chwili. Obrazy świata starożytnego w kulturze współczesnej. Dialog Zachodu i Wschodu w kulturze.	5
8.	Kultura artystyczna Mesameryki	Rytuał ofiarny w imię życia stanowi rdzeń kultury Indian Ameryki Środkowej i Południowej. Budownictwo typu Teotihuacan jako przykład architektury świątynnej i świeckiej Indian Majów i Azteków (Palenque, Chichen Itza, Tenochtitlan). Sakralna funkcja rzeźbiarskiej dekoracji świątyń. Połączenie symboliki i realizmu w dekoracji malarskiej (Bonampak). Styl kolonialny w architekturze Meksyku. Mit i rzeczywistość w cyklach malarskich D. Rivery (Ministerstwo Edukacji, Pałac Narodowy w Meksyku).	3
	Kultura artystyczna Europy Zachodniej i Ameryki Północnej	Klasa 11	54
	Starożytna kultura artystyczna	Klasa 11	15
9.	Kultura artystyczna starożytnej Grecji	Estetyka starożytności. Antropomorfizm światopoglądu. Odbicie mitologii poetyckiej Greków w architekturze (Świątynia Ateny w Paestum, Partenon i Erechteinon w Atenach). Od linearnego rytmu w archaiku do objętości (wysokiej płaskorzeźby) w hellenizmie („Perseusz zabijający gorgonę Meduzę” na metopie świątyni Ateny w Selinunte; fryz jonowy Partenonu; płaskorzeźba „Gigantomachia” ołtarza Zeusa w Pergamon). Dekoracyjny charakter archaicznej kory i kouros jest początkiem rzeźby greckiej. Rzeźba grecka klasyki wczesnej (chiazm Polikleitosa), wysokiej (harmonia Fidiasza), późnej (wściekły impuls Skoposa). Człowiek i los w starożytnym teatrze greckim: temat klątwy rodziny Atrydów w tragediach Ajschylosa („Oresteja”), Sofoklesa („Elektra”), Eurypidesa („Elektra”).	10
10.	Kultura artystyczna starożytnego Rzymu	Specyfika światopoglądu etruskiego jako podstawa kultury rzymskiej. Malownicza dekoracja grobowców etruskich. Naturalizm portretu i rzeźby świątynnej. Waleczność rzymska dla chwały państwa jest credo kultury starożytnego Rzymu. Układ rzymskiego miasta i architektura jako odzwierciedlenie wielkości starożytnego Rzymu (Forum Rzymskie, Panteon, Koloseum) Model architektoniczny domu rzymskiego. Freski i mozaiki to główne sposoby dekoracji rzymskiego domu (Willa Tajemnic). Rzeźba portretowa Rzymian jest prekursorką rzeźby europejskiej (Ołtarz Pokoju, pomnik konny Marka Aureliusza).	5
11.	Sztuka wczesnochrześcijańska	Rodzaje świątyń wczesnochrześcijańskich: rotunda (mauzoleum Galla Placydia w Rawennie) i bazylika (kościół Sant'Apollinare in Classe). Kolejność rozmieszczenia mozaik w przestrzeni wewnętrznej świątyni (mauzoleum Galli Placidii, kościół Sant'Apollinare Nuovo w Rawennie). Symbolika chrześcijańska. Tradycje świata starożytnego w kulturze europejskiej i krajowej.	3
12.	Kultura artystyczna średniowiecza.	Odbicie wschodniego światopoglądu chrześcijańskiego w architekturze bizantyjskiego kościoła z kopułą krzyżową. Przestrzeń. Topograficzna, tymczasowa symbolika świątyni (św. Zofia z Konstantynopola). Ewolucja stylu bizantyjskiego w malarstwie ikonowym i dekoracji mozaikowej (kościoły San Vitale w Rawennie i Chora w Konstantynopolu). Ewolucja bazyliki od przedromańskiego Saint-Michel de Cuxa do romańskiego Saint-Pierre w Moissac. Bazylika romańska jest symbolem Drogi Krzyżowej i zbawienia przez pokutę. Dekor kamienny jako odzwierciedlenie życia ludzkiego w średniowieczu (motyw pasji na portalach i kapitelach kolumn). Polichromia w dekoracji freskowej bazylik romańskich. Alhambra jest syntezą kultury rzymskiej i muzułmańskiej. Estetyka gotycka. Gotycka świątynia jest obrazem świata (projekt architektoniczny, rzeźba, mille-fleurs, witraże, muzyka). Monodia jako podstawa średniowiecznej muzyki religijnej (chór gregoriański) Regionalne odmiany stylu gotyckiego w Niemczech (Kolonia, Norymberga), Hiszpanii (Sewilla, Toledo), Włoszech (Siena, Orvieto). Heroiczna epopeja, rycerskie liryki dworskie, proza ​​ludowa (przykładowo-kazania) są źródłami wątków w średniowiecznej rzeźbie, malarstwie, miniaturze.Obrazy kultury średniowiecznej w sztuce kolejnych epok.	19
13.	Kultura renesansu	Ideały humanizmu w sztuce włoskiego renesansu. Protorenesans w literaturze (D. Alighieri „Nowe Życie”) i malarstwie (Giotto: freski kościoła Santa Maria del Arena w Padwie). Twórca architektury renesansowej F. Brunelleschi (Sierociniec, Kaplica Pazzi). Mistrzowie wczesnego renesansu w sztukach plastycznych (Donatello, Masaccio, S. Botticelli). Nowa estetyka wysokiego renesansu: D. Bramante (architektura), L. da Vinci, Raphael (malarstwo), Michał Anioł (rzeźba) Późny renesans (szkoła wenecka): A. Paladio, Tycjan, Tintoretto. Rozkwit polifonii (szkoły „ścisłego pisma”) Cechy renesansu w Holandii: Ołtarz Gandawski J. Van Eycka; P. Bruegel Starszy – artysta tłumu. Renesans w Niemczech: warsztaty rycin A. Durera. Renesans francuski: szkoła Fontainebleau – fuzja obrazów literackich i wizualnych (P. Ronsard, Rosso Fiorentino, F. Primaticcio, J. Goujon). Tragedie W. Szekspira są szczytem artystycznego uogólnienia postaci i sytuacji. Wielkość i tragedia utopijnych ideałów renesansu.	27
	Kultura artystyczna czasów współczesnych	Klasa 11	17
14.	Estetyka barokowa	Cechy architektoniczne stylu zespołu (kościół Il Gesu w Rzymie). L. Berniniego. Kształtowanie się nowych gatunków w malarstwie (historycznym, codziennym, martwa natura). „Wielki styl” P.-P. Rubensa. Nowe gatunki muzyczne: opera (C. Monteverdi: „Orfeusz”), muzyka instrumentalna (A. Corelli: Concerto Grosso, A. Vivaldi). Szczyt wolnej polifonii w twórczości J.-S. Kawaler. („Pasja Mateuszowa”)	2
15.	Estetyka klasycyzmu	„Wielki styl” Ludwika XIV w architekturze (Wersal, zespoły paryskie). Klasycyzm w sztukach plastycznych (N. Poussin). Teatr francuskiego klasycyzmu (P. Corneille, J. Racine).	2
16.	Realizm w malarstwie XVII wieku	Piękno świata realnego w twórczości M. Caravaggia (Włochy), H. Rembrandta (Holandia), D. Velazqueza (Hiszpania).	1
17.	Sztuka rokokowa	„Wielkie uroczystości” A. Watteau, „pastorale” F. Bouchera.	1
18.	Estetyka Oświecenia	Opowieści filozoficzne Woltera, dramat mieszczański D. Diderota, powieść sentymentalna J.-J. Rousseau). Rewolucyjny klasycyzm i styl empire J.-L. Dawid. Reforma opery K.-V. Gluk. Symfonia Wiedeńskiej Szkoły Klasycznej (cykl sonatowo-symfoniczny J. Haydna, opera W.-A. Mozarta, symfonie L. van Beethovena).	2
19.	Estetyka romantyzmu	Wiodącym gatunkiem romantyzmu jest muzyka: pieśni (F. Schubert), dzieła programowe (G. Berlioz), opera (R. Wagner), folklor (J. Brahms). Tematyka religijna i literacka malarstwa prerafaelitów (D.-E. Milles, D.-G. Rossetti). Krajobraz w malarstwie romantycznym (K.-D. Friedrich. W. Turner). Rewolucyjny romantyzm E. Delacroix i F. Goi. Angielski park.	2
20.	Estetyka realizmu krytycznego	Klasa 11	2
	Kultura artystyczna końca XIX-XX wieku.	Klasa 11
21.	Estetyka kultury artystycznej drugiej połowy XIX wieku	Absolutyzacja chwili w impresjonizmie: malarstwo (C. Monet, P.-O. Renoir, E. Degas), muzyka (C. Debussy), rzeźba (O. Rodin). Kult irracjonalności w symbolice: malarstwo (G. Moreau, P. Puy de Chevannes), rzeźba (E.-A. Burdell). Utrwalenie wieczności w chwili w postimpresjonizmie (P. Cezanne, V. Van Gogh, P. Gauguin).
21.	Estetyka secesyjna	Ikoniczny wyraz stylu w architekturze (V. Orte. A. Gaudi), malarstwie (A.-M. Mucha). Grafika (O. Beardsley), sztuka dekoracyjna i użytkowa (L.-C. Tiffany, G.-J. Guimard). Synteza sztuk w architekturze. Kult piękna absolutnego jako credo sztuki w malarstwie (fryz Beethovena).
22.	Era modernizmu	Nowa wizja piękna jako zaprzeczenia jedności formy, przestrzeni i koloru. Indywidualna wolność artysty i eksperyment twórczy: fowizm A. Matisse'a, ekspresjonizm F. Marca, prymitywizm A. Rousseau, kubizm P. Picassa, sztuka abstrakcyjna V. Kandinsky'ego, surrealizm R. Magritte'a, S. Dali. Nowe techniki (dodekafonia, aleatoryka) i kierunki (nowa szkoła wiedeńska) w muzyce. Konstruktywizm w architekturze Sh.-E. Le Corbusier: Villa Savoye w Poissy. „Wielki styl” państw totalitarnych. Zasada „narodowości” i autorytaryzmu w sztuce totalitarnej.Artystyczna i ideologiczna oryginalność kultury amerykańskiej: literatura (W. Irving, G. Longfellow. W. Whitman, E. Hemingway), malarstwo (E. Hopper. E. Warchel) . Muzyka (C. Ives). Wieżowce stanowią elegancką stylizację architektury świątyń-piramid Tolteków, Majów i Azteków (Empire State Building w Nowym Jorku). Dekor geometryczny jako wyraz optymizmu, energii i zapału. Folklor afroamerykański (bajki, przypowieści, duchowość, blues, jazz).
23.	Postmodernizm	Podstawowe zasady. Nowe rodzaje sztuki i nowe formy syntezy: kino, instalacja, moda (D. Galliano), grafika komputerowa i animacja. Sztuka muzyczna drugiej połowy XX wieku (The Beatles, Pink Floyd, New Wave). Muzyka elektroniczna. Kultura masowa i odrodzenie form archaicznych w myśleniu artystycznym. Pop Art. Dialog kultur i globalizacja.
	Rosyjska kultura artystyczna	Klasa 11
24.	Kultura artystyczna starożytnej Rusi	Słowiańskie tradycje pogańskie i estetyka prawosławia. Kulturowe wpływy Bizancjum i kształtowanie się stylu narodowego (Sobór św. Zofii w Kijowie). Obraz mimetyczny jest ideałem sztuki bizantyjskiej. Kijowska szkoła malowania ikon (Alimpij). Architektura z białego kamienia jest oznaką stylu Włodzimierza-Suzdala (Kościół wstawienniczy na Nerl, katedra Włodzimierza). Kamienna rzeźba na fasadzie jest syntezą stylu romańskiego i bizantyjskiego (Katedra Dmitriewskiego we Włodzimierzu). Malarstwo freskowe jest głównym rodzajem wystroju wnętrz. Interpretacja tematu Sądu Ostatecznego w rosyjskiej cerkwi. Cechy architektury kościołów Nowogrodu i Pskowa. Powstanie narodowych szkół malowania ikon. Nowogrodzka szkoła malowania ikon („Św. Jerzy z życiem”). Psowska szkoła malowania ikon („Zejście do piekła”). F. grecki. Wczesna moskiewska szkoła malowania ikon w twórczości A. Rublowa. Ikona Trójcy jako narodowy symbol jedności ziem rosyjskich. Ikonostas rosyjski jako symbol jedności Kościoła od Adama do Sądu Ostatecznego. Kształtowanie się tożsamości narodowej. Wczesny styl moskiewski w architekturze (Katedra Przemienienia Pańskiego w klasztorze Spaso-Andronikov). Trendy renesansowe w architekturze Kremla moskiewskiego (Aleviz New: Katedra Archanioła). Katedra Wniebowzięcia Fioravanti jest wyjątkowym przykładem syntezy stylu Włodzimierza-Suzdala i stylu renesansowego. Dzieło Dionizego jako odzwierciedlenie wielkości i chwały narodowego państwa rosyjskiego (cykl fresków w Katedrze Narodzenia Najświętszej Marii Panny w Ferapontowie). Słynna pieśń; koncert party. Specyfiką kultury epoki Iwana Groźnego jest orientacja na rosyjską starożytność. Przykładem kościoła pod namiotem jest cerkiew Wniebowstąpienia w Kolomenskoje. Przykładem pomnika-świątyni jest cerkiew wstawiennictwa Najświętszej Marii Panny „na fosie” w Moskwie. Cykle fresków (Katedra Smoleńska klasztoru Nowodziewiczy w Moskwie) i malarstwo ikonowe (ikona „Kościół Wojujący”) są przykładami kanonicznego odwzorowania tekstu Pisma Świętego. Kontakty z Europą Zachodnią (Biblia Piscatora). Architektura cywilna (Pałac Terem na Kremlu moskiewskim). Motywy świeckie w architekturze sakralnej (Katedra Zmartwychwstania Nowego Jeruzalem). Wielobarwne płytki szkliwione to nowy rodzaj dekoracji w rosyjskiej architekturze. Świecki dźwięk fresków świątynnych (kościoły kupieckie Moskwy i Jarosławia). Architektura drewniana (pałac cara Aleksieja Michajłowicza w Kolomenskoje, cerkiew Przemienienia Pańskiego w Kiży). Barok Naryszkinskoje (dzwonnica klasztoru Nowodziewiczy, komnata refektarza Ławry Trójcy-Sergiusza) jako przykład wpływów europejskich. Literatura staroruska: od „Opowieści o kampanii Igora” do „Życia arcykapłana Awwakuma”. Obrazy starożytnej Rusi w sztuce rosyjskiej.
	Kultura artystyczna Rosji w czasach nowożytnych	Klasa 11
25.	Więzi kulturalne między Rosją a Europą	Problem syntezy kulturowej i zapożyczeń kulturowych. Styl petersburski jako odzwierciedlenie osobistych upodobań Piotra I. Twierdza Piotra i Pawła jest przykładem budowli fortyfikacyjnych. Katedra Piotra i Pawła jest przykładem architektury sakralnej. Dom letniskowy jest przykładem domu prywatnego. Peterhof – „raj” Piotra I na morzu. Nowe rodzaje dekoracji. „Monumentalne rokoko” F.-B. Rastrelli jako rosyjska odmiana baroku (Pałac Zimowy w Petersburgu, Pałac Carskie Sioło. Katedra Zmartwychwstania Klasztoru Smolnego). Oryginalność klasycyzmu Katarzyny w architekturze; „wczesny klasycyzm” A. Rinaldiego (Pałac Marmurowy w Petersburgu, pałac w Gatczynie); „ścisły klasycyzm” J. Quarenghi (Akademia Nauk, Instytut Szlachetnych Dziewic Smolnego). „Przezroczysty klasycyzm” Charlesa Camerona to subtelna stylizacja klasycyzmu Katarzyny (Carskie Sioło). Specyfika klasycyzmu moskiewskiego jako stylu „republiki szlacheckiej”. Budynki świeckie (Uniwersytet Moskiewski, Zgromadzenie Szlachty, Senat) i religijne (Kościół Wielkiego Wniebowstąpienia przy Bramie Nikitskiego, świątynia w Szpitalu Golicyna) budynki M.F. Kazakowa. Pawłowsk i Zamek Michajłowski w Petersburgu są idealnymi przykładami romantycznej postawy w architekturze klasycyzmu. Romantyczne tendencje w malarstwie (F.S. Rokotow, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky) i rzeźbie (F. Shubin, E.-M. Falconet) klasycyzmu Klasycyzm Aleksandra początku XIX w. jako orientacja ku ideałom starożytnej Grecji: Katedra Kazańska , giełda, Admiralicja - symbole militarnej, handlowej i morskiej potęgi Rosji. Styl imperium Aleksandrowskiego jako orientacja na ideały starożytnego Rzymu: zespoły urbanistyczne K. Rossiego (łuk Sztabu Generalnego, Teatr Aleksandryjski, Pałac Michajłowski). Sala Biała Pałacu Michajłowskiego jako przykład wnętrza empirowego. Dekoracje architektoniczne P. di Gottardo Gonzagi w teatrze rosyjskim. Rola dekoracji rzeźbiarskiej w dekorowaniu budynków w stylu klasycyzmu i empire (S.S. Pimenov, I.I. Terebenev). Monumentalne i dekoracyjne (V.I. Demut-Malinovsky). Park (P.P. Sokolov), rzeźba pamiątkowa (I.P. Martos). Synteza romantyzmu, realizmu i klasycyzmu w malarstwie (O, A, Kiprensky, K, P. Bryullov, A. A. Iwanow, P. A. Fedotow). Rosyjska muzyka klasyczna (M.I. Glinka).
26.	Realizm krytyczny w sztuce drugiej połowy XIX wieku.	Poszukiwanie tożsamości narodowej w sztuce. Wędrowcy są zwiastunami palących problemów społecznych (IN. Kramskoj, I.E. Repin). Narodowy portret psychologiczny (V. G. Perow: portret F. M. Dostojewskiego; I. N. Kramskoj: portret posła Musorgskiego). Gatunek historyczny (V.I. Surikov). Szczególna rola krajobrazu jako „krajobrazu rosyjskiej duszy” w rosyjskiej szkole krajobrazu (A.K. Sawrasow, F.A. Wasiliew, I.I. Lewitan). Zasada „prawdy muzycznej” w twórczości kompozytorów „Potężnej Garści”. Romantyczne tradycje w muzyce P.I. Czajkowski. Rosyjski balet klasyczny (M. Petipa). Odbicie rosyjskiej „etnicznej oryginalności” w architekturze (rosyjsko-bizantyjski styl Soboru Chrystusa Zbawiciela w Moskwie autorstwa K.A. Tona; styl „la russe” Cerkwi Zbawiciela na Krwi w Petersburgu A.A. Parlanda) i w malarstwie monumentalnym (freski katedry Włodzimierza w Kijowie autorstwa V.M. Wasnetsowa).
27.	Sztuka rosyjska końca XIX i początku XX wieku	Oryginalność rosyjskiego modernizmu w architekturze. Główne kierunki stylu w twórczości F.O. Szachtel: neoromantyzm (rezydencja Z.G. Morozowej, budynek stacji Jarosławskiego), plastyzm (dom Ryabuszynskiego), neoklasycyzm (rezydencja Szektela na Bolszaja Sadowaja), racjonalizm (drukarnia „Poranek Rosji”). Malowniczy realizm V.A. Serowa. Wspomnienia historyczne artystów „Świata Sztuki” (K.A. Somov, M.V. Dobuzhinsky, A.N. Benois). Synteza słowa, koloru i dźwięku w muzyce A, N, Skriabina. Wyrafinowana stylizacja nowoczesności w przedstawieniach baletowych Sezonów Rosyjskich w Paryżu (I. F. Strawiński). Symbolika w malarstwie (M.A. Vrubel. V.E. Borisov-Musatov, K.S. Petrov-Vodkin, „Błękitna róża”) i rzeźbie (A.S. Golubkina).
28.	Kultura rosyjska pierwszej połowy XX wieku	Globalne znaczenie poszukiwań twórczych artystów rosyjskich pierwszej połowy XX wieku: malarstwo (V.V. Kandinsky, K.S. Malewicz, M. Chagall), muzyka (S.S. Prokofiew, D.D. Szostakowicz, A.G. Schnittke). Kino (S.M. Eisenstein), teatr (K.S. Stanislavsky, V.E. Meyerhold). Architektura (VE Tatlin, K.S. Melnikov).
29.	Kultura rosyjska drugiej połowy XX wieku	Sztuka propagandowa: rzeźba monumentalna (N.A. Andreev), plakat polityczny (D.S. Moor). Sztuka socrealizmu w malarstwie (A.A. Deineka, P.D. Korin), rzeźbie (V.I. Mukhina) i rycinie (V.A. Favorsky). Styl Empire Stalina: wieżowce w Moskwie (L.V. Rudnev), moskiewskie metro. Rozwój kultury rosyjskiej w drugiej połowie XX wieku. „Miasto dla trzech tysięcy mieszkańców” to projekt przyszłości, który stał się teraźniejszością. Rozwój sztuki rosyjskiej końca XX wieku: muzyka, malarstwo. Teatr, telewizja Otwartość współczesnej kultury rosyjskiej i ciągłość w jej rozwoju.

MATERIAŁY EDUKACYJNE I METODOLOGICZNE

Wstęp

Współczesne społeczeństwo kulturalne jest niezwykle złożone i sprzeczne. Życie wokół nas oferuje człowiekowi różne rozumienia świata, różne punkty widzenia na jego zrozumienie. Niemniej jednak dzisiaj, bardziej niż kiedykolwiek, ludzie szukają odpowiedzi na ważne pytania ziemskiej egzystencji:

Jaki jest świat i miejsce w nim człowieka? Jaki jest dzisiaj standard moralny? Czym jest piękno i jaki jest ideał estetyczny?

Odpowiedzi na te pytania student uzyskuje bezpośrednio lub pośrednio w ramach przedmiotów z cyklu przyrodniczego, matematycznego i humanistycznego. Matematyka, fizyka, chemia, biologia tworzą naturalny naukowy obraz świata. Historia ma charakter społeczny i naukowy. Literatura, języki, muzyka i sztuki piękne również wprowadzają rozumienie świata, ale poprzez ludzką twórczość i wizja świata może być zarówno materialistyczna, jak i religijna. MHC pomoże również odpowiedzieć na te pytania. MHC zajmuje szczególne miejsce w szkolnym procesie uczenia się. MHC łączy wspólne cele z literaturą, muzyką i sztukami pięknymi: edukacja moralna, estetyczna i duchowa, edukacja gustu estetycznego, wiedza o kulturze artystycznej. Wprowadzanie w uniwersalne i narodowe wartości artystyczne, rozwijanie szerokiego, holistycznego myślenia. Zadaniem jest nauczenie studentów dostrzegania jedności kultury artystycznej poprzez różnorodność różnych dzieł; rozróżniać dzieła o różnych stylach, nurtach, rozumieć ich treść; potrafić argumentować na rzecz zrozumienia i oceny dzieł; zaszczepić umiejętność niezależnej analizy.

Wybrane rozdziały

W materiale 1 część Tematy obejmowały:

Pochodzenie sztuki.

I Kultura artystyczna Azji, Afryki, Ameryki Łacińskiej.

Kultura artystyczna świata pierwotnego i cywilizacji starożytnych. Kultura artystyczna Mezopotamii. Kultura artystyczna starożytnego Egiptu. Kultura kreto-mykeńska. Kultura artystyczna Wschodu. Kultura artystyczna Indii. Kultura artystyczna Chin. Kultura artystyczna Japonii. Kultura artystyczna Mesameryki.

II Kultura artystyczna Europy Zachodniej i Ameryki Północnej.

Kultura artystyczna starożytnej Grecji. Kultura artystyczna starożytnego Rzymu. Sztuka wczesnochrześcijańska. Kultura artystyczna średniowiecza. Kultura renesansu.

W materiale 2 części Tematy obejmowały:

Kultura artystyczna New Age. Estetyka barokowa. Estetyka klasycyzmu. Realizm w malarstwie XVII wieku. Sztuka rokokowa. Estetyka Oświecenia. Estetyka romantyzmu. Estetyka realizmu krytycznego. Kultura artystyczna końca XIX i XX wieku. Estetyka kultury artystycznej drugiej połowy XIX wieku. Nowoczesna estetyka. Era modernizmu. Postmodernizm.

III Rosyjska kultura artystyczna.

Kultura artystyczna starożytnej Rusi. Kultura artystyczna Rosji w czasach nowożytnych. Więzi kulturalne między Rosją a Europą. Realizm krytyczny w sztuce drugiej połowy XIX wieku. Sztuka rosyjska końca XIX i początku XX wieku. Kultura rosyjska pierwszej połowy XX wieku. Kultura rosyjska drugiej połowy XX wieku.

Wniosek

Wymagania dotyczące poziomu wyszkolenia absolwentów

W wyniku studiowania światowej kultury artystycznej na specjalistycznym poziomie, student musi

Wiedzieć \ rozumieć

Cechy powstawania i główne cechy stylów i trendów w światowej kulturze artystycznej; Arcydzieła światowej kultury artystycznej; Podstawowe środki wyrazu języka artystycznego różnych rodzajów sztuk; Rola znaku, symbolu, mitu w kulturze artystycznej;

Być w stanie

Porównaj style artystyczne i skoreluj je z określoną epoką historyczną, ruchem, szkołą narodową, wymień ich czołowych przedstawicieli; Rozumieć i stosować terminy z zakresu historii sztuki; Wyszukiwanie, selekcja i przetwarzanie informacji z dziedziny sztuki; Umiejętność argumentowania własnego punktu widzenia na zagadnienia światowej kultury artystycznej; Potrafić realizować zadania edukacyjne i twórcze (eseje, sprawozdania, streszczenia, recenzje, opracowania, recenzje); Wykorzystywać zdobytą wiedzę i umiejętności w działaniach praktycznych i życiu codziennym do wyznaczania ścieżek własnego rozwoju kulturalnego i samostanowienia zawodowego; orientacja w dziedzictwie klasycznym i współczesnym procesie kulturowym; organizowanie wypoczynku osobistego i zbiorowego; niezależna twórczość artystyczna.

Linki internetowe do materiałów edukacyjnych dla uczniów

Pochodzenie sztuki /library/art/pervcult.htm; /biblio/archive/noname_hrestpoestet/14.aspx Kultura artystyczna Mezopotamii /user/f/00001535/MXK/Structure_of_a_rate/razdel_3.html Stowarzyszenie MAAT Badań nad Starożytnym Egiptem / Kultura kreto-mykeńska /31/31_102.htm Kultura artystyczna Indii i Chin w czasach starożytnych /user/f/00001535/MXK/Structure_of_a_rate/razdel_4.html Podręcznik kulturoznawstwa /edu/ref/stol/02.html Kultura artystyczna starożytnej Grecji /user/f/00001535/MXK/Structure_of_a_rate/razdel_5.html Kultura bizantyjska /ru/his/2002/08/2.htm

Linki internetowe do prezentowanych materiałów szkoleniowych lub ich elementów

W Zjednoczonych Kolekcjach Centrum Kultury nie ma przedmiotu „Kultura artystyczna świata”.