Przemysł muzyczny. Współczesne problemy działalności organizacji koncertowych. Inne źródła zysku

Tabela nr 9

GŁÓWNA CHARAKTERYSTYKA ROSYJSKIEGO RYNKU MUZYCZNEGO

Rosyjski biznes muzyczny jest bezpośrednio zależny od ogólnych trendów rozwoju krajowej gospodarki. Przykładem tego jest kryzys z sierpnia 1998 roku, kiedy to cały przemysł muzyczny okazał się praktycznie

psychicznie sparaliżowany. W rezultacie liczba wytwórni płytowych spadła trzykrotnie, wielkość sprzedaży spadła 3-5-krotnie (w niektórych grupach repertuarowych - 10-krotnie), ceny w przeliczeniu na waluty spadły 2-3-krotnie.

Dalszy rozwój branży muzycznej utrudnia ogromna ilość problemów, które narosły w ostatnich latach. Przede wszystkim są to kwestie: praw, wzajemnych długów i zaufania pomiędzy firmami. Obecnie wiele firm nie posiada jeszcze kompletu dokumentów potwierdzających ich prawa do poszczególnych fonogramów (mówimy zarówno o prawach autorskich, jak i pokrewnych). Umowy zawarto bez dochowania niezbędnych formalności, dlatego obecnie następuje poważna redystrybucja własności projektów wydanych na przestrzeni ostatnich dziesięciu lat. Wielu przedsiębiorców zdało sobie sprawę, że muszą kupować prawa, a nie fonogramy.

Kolejnym problemem tamtych czasów była nowa polityka cenowa. Najwięksi sprzedawcy skupiają się na cenach minimalnych porównywalnych z pirackimi. Takie podejście stało się jedynym możliwym warunkiem przetrwania krajowego przemysłu muzycznego i zagranicznych firm prowadzących interesy w Rosji. Jednak decyzja o pracy za niskie ceny nie została podjęta lekko. Majorzy bali się np. reeksportu tanich płyt na Zachód. A reeksport naprawdę był i jest aktualny. Nie było mowy o masowej promocji tanich płyt z Rosji, gdyż żaden szanujący się dystrybutor czy właściciel sieci sklepów nie sprzedałby płyt „niejasnego pochodzenia” bez kodów IFPI i innych

symbole potwierdzające ich charakter prawny. Import równoległy pozostaje dużym problemem.

Krajowy rynek kasetowy w 1999 roku pokazał, że jego potencjał jest dość znaczny, choć w ślad za światowymi trendami zaczyna tracić na znaczeniu.

Oprócz sprzedaży takich tradycyjnych nośników jak MS i CD, w 1999 roku dość aktywnie rozwijał się rynek płyt CD-R. Do tradycyjnych już CD-R dodano dyski CD-RW i DVD-RAM. W 2000 roku w Rosji w Zakładzie Elektronicznym Ural uruchomiono pierwszą linię do produkcji płyt CD-R.

Jednym z głównych problemów rozwoju biznesu jest wysoki poziom piractwa w kraju - 65-70%. W niektórych grupach repertuarowych sięga 90%

Tak więc cały rynek rosyjski wygląda następująco (w podziale na rodzaj mediów):

Tabela № 10

ŁĄCZNE DANE DOTYCZĄCE SPRZEDAŻY PRAWNEJ I PIRACKIEJ W MILIONACH. $

* Konsekwencje kryzysu 17 sierpnia 1998 r. Jak wynika z tabeli i rysunków, głównym nośnikiem produktów muzycznych pozostaje kaseta kompaktowa.

Tabela nr 11

SPRZEDAŻ WEDŁUG REPERTUARU W MLN. EKZ. (MC+CD3).

Tabela nr 12

STRUKTURA RYNKU WEDŁUG REPERTUARU (% CAŁKOWITEJ LEGALNEJ SPRZEDAŻY).

CZYM JEST APKA? CZYM JEST NAPA?

Aby lepiej zrozumieć stan amerykańskiego rynku wideo, należy wziąć pod uwagę aktywną pracę stowarzyszenia Motion Picture Association of America (APCA). Jest to profesjonalne stowarzyszenie wiodących firm filmowych, fotograficznych i telewizyjnych w Stanach Zjednoczonych. Jej członkami są takie firmy jak Buena Vista Pictures Distribution (Walt Disney Company, Hollywood Pictures Corporation, Sony Pictures Entertainment, Columbia, Trista), Twenty Century Fox Film Corporation”, „Universal City Studios” i „Warner Brothers”.

APKA rozwiązuje wiele problemów: chroni prawa autorskie i interesy firm filmowych, wideo i telewizyjnych, zapobiega piractwu wideo poprzez zaostrzenie kar za tego typu nielegalną działalność. Prawnicy Stowarzyszenia pomagają prokuraturze w jak najlepszym formułowaniu zarzutów; zebrać dowody, zapewnić udział świadków i biegłych, przeprowadzić analizę prawno-prawną, obliczyć wysokość odszkodowania.

W całych Stanach Zjednoczonych działa około 100 śledczych APCA, którzy pomagają policji w dochodzeniach w sprawie działalności pirackiej i ścigają winnych. W 1998 r. przeprowadzono 2022 takie badania. Na podstawie wyników 262 z nich wszczęto sprawy karne i wydano orzeczenia sądowe. Na kary więzienia skazano 52 sprawców.

Członkowie Stowarzyszenia ułatwiają działania antypirackie w ponad 70 krajach, w tym w Rosji. Wynajmują swoje

filmy w Rosji za pośrednictwem organizacji posiadających odpowiednie rosyjskie licencje, takich jak Cascade, East-West, Jammy i Premier.

Od października 1998 r. w rosyjskich kinach legalnie wypuszczono 32 filmy wyprodukowane przez studia członkowskie APCA. Wśród nich: „Zakochany Szekspir”, „Armagedon”, „Mumia”, „Maska Zorro”, „Przygody Flicka” i „Uzdrowiciel Adams”. Dodatkowo seria filmów prezentowana jest w formie wideo. Filmy w dystrybucji kinowej na ogół nie kwalifikują się do jednoczesnej dystrybucji na taśmie wideo. Te ostatnie trafiają zwykle do sprzedaży po zakończeniu dystrybucji filmów. Ma to na celu ochronę interesów dystrybutorów filmowych.

APKA wspiera rosyjską organizację antypiracką - RAPO. Administracja RAPO mieści się w Moskwie, a sama organizacja działa w dużych miastach całej Rosji. Członkami RAPO są nie tylko amerykańskie studia filmowe i ich licencjobiorcy w Rosji, ale także niezależne rosyjskie organizacje zajmujące się dystrybucją filmów, dwie rosyjskie firmy telewizyjne, Rosyjski Związek Operatorów, Rosyjskie Stowarzyszenie Kolekcjonerów i Rosyjskie Stowarzyszenie Wideo.

Pracownicy RAPO pomagają organom ścigania i policji podatkowej w badaniu źródeł pirackich produktów i przeprowadzaniu nalotów w celu identyfikacji ich producentów i sprzedawców. RAPO reprezentuje ekspertów, którzy mogą zidentyfikować elementy „pirackich” produktów i zeznawać w sądzie.

NAPA – Krajowe Stowarzyszenie Producentów

dystrybutorzy produktów audio w Rosji. Decyzja o utworzeniu Krajowego Stowarzyszenia Producentów Audio Rosji zapadła na pierwszym posiedzeniu Komisji Wschodnioeuropejskiej IFPI po kryzysie sierpniowym (wrzesień 1998). W rezultacie NAPA została zarejestrowana w czerwcu 1999 r.

Główne cele NAPA: przygotowanie w Rosji na bazie NAPA krajowej grupy IFPI, która docelowo połączy się z kadrą przedstawicielstwa IFPI w Moskwie; ochrona praw i uzasadnionych interesów producentów produktów audio – rosyjskich firm muzycznych, zwalczanie reprodukcji i dystrybucji nielegalnych produktów audio oraz koordynacja działań posiadaczy praw do produktów audio w celu zapewnienia zgodności z obowiązującym ustawodawstwem na terytorium Federacji Rosyjskiej .

Obecnie NAPA obejmuje największe rosyjskie firmy oraz największe firmy mające swoje oddziały i oddziały w Rosji, takie jak Universal, BMG, EMI (S.B.A.), Gala Records, Real Records „Art Stars”, „Studio Soyuz”, Producent Igor Matvienko Center , FeeLee Records Company, „NOX-MUSIC” i inne.

Obecnie NAPA ma siedem organizacji działających w formie oddziałów w Rosji. Trwają negocjacje z innymi regionami. NAPA aktywnie rozwija swoją działalność na odludziu, kładąc jednocześnie główny nacisk na dotarcie do biznesowych regionów kraju, czyli miast milionerów.

NAPA obejmuje wiele firm – członkowie NAPA są także członkami IFPI. Aby zrozumieć tę konstrukcję, rozważmy najpierw strukturę IFPI w innych krajach i na całym świecie.

Międzynarodowa Federacja Producentów Fonogramów (IFPI) zrzesza wytwórnie płytowe, które z kolei są zjednoczone terytorialnie w grupy narodowe. Oznacza to, że federacja składa się z grup narodowych różnych krajów, na przykład grup narodowych Niemiec, USA itp. Do dziś w Rosji nie było takiego stowarzyszenia. W ryzykownych obszarach biznesowych IFPI rozpoczyna swoją działalność od otwarcia przedstawicielstw. Po pewnym czasie, w zależności od dynamiki rozwoju każdego kraju, w miejscu reprezentacji lub przy jej pomocy tworzona jest narodowa grupa IFPI danego kraju. Funkcje reprezentacji federacji w różnych krajach (a także w Rosji) sprowadzają się do wyjaśniania lokalnym wytwórniom muzycznym roli IFPI w międzynarodowym biznesie muzycznym, zapraszania ich do członkostwa w federacji i docelowo stworzenia grupy narodowej. Niestety, w naszym kraju proces ten przebiegał „specjalną rosyjską ścieżką”.

Zakończenie tworzenia krajowej grupy IFPI w Rosji jest tuż za rogiem. NAPA jest do tego w pełni przygotowana – Stowarzyszenie powstało jako trzon krajowej grupy IFPI. Mają wspólne cele i zadania: legalizację biznesu muzycznego, pomoc prawną i regulacyjną dla firm członkowskich IFPI, aktywną walkę z piractwem w Rosji w ogóle, ale szczególnie w wielomilionowych regionach. Oczywiście praca w Moskwie i regionie moskiewskim zajmuje szczególne miejsce.

NAPA pomaga agencjom rządowym w ulepszaniu ustawodawstwa w zakresie praw autorskich i pokrewnych, uczestniczy w nich jako niezależny podmiot

wybitni eksperci w zakresie opracowywania decyzji organów rządowych i zarządzających w sprawach branży muzycznej.

Stworzyliśmy i prowadzimy także Rosyjskie Stowarzyszenie Fonograficzne. Powstała jako organizacja zrzeszająca wytwórnie płytowe. Głównymi celami było pobieranie opłat za publiczne powielanie i dystrybucja zaoszczędzonych środków pomiędzy firmami będącymi właścicielami praw autorskich.

Członkiem NAPA może zostać każda krajowa firma legalnie działająca na rynku, posiadająca dokumenty statutowe i działająca w obszarze rejestracji i odtwarzania dźwięku. Aby przystąpić należy skontaktować się z NAPA składając wniosek, załączając komplet dokumentów statutowych i rejestracyjnych. Procedura jest prosta i nie nakłada na członków dużej odpowiedzialności.

W okresie od lipca 1999 r. do lipca 200 r. w Rosji NAPA zbadała pod kątem fałszerstw 62 076 kopii nośników audio. Złożono dwadzieścia dwa wnioski o ściganie karne osób winnych nielegalnego korzystania z praw autorskich i pokrewnych, złożono osiem pozwów, skierowano pięć wniosków do sądów, przeprowadzono pięć działań antypirackich wspólnie z organami ścigania i IFPI, a piętnaście działań przeprowadzono wspólnie z Ministerstwem Spraw Wewnętrznych.

Stowarzyszenie zajmuje się badaniami rynku produktów audio w Federacji Rosyjskiej, tworząc bank danych produktów audio, producentów audio oraz sieć handlową dealerów i dystrybutorów - aż do informacji o każdej branży

punkt. Konsultuje agencje rządowe, przedsiębiorstwa, stowarzyszenia publiczne i obywateli w kwestiach związanych z biznesem muzycznym, promuje cywilizowane sposoby rozwoju rynku muzycznego, organizuje seminaria, sympozja i staże w Rosji i za granicą. W naszych najbliższych planach jest organizacja ogólnopolskich konkursów branży muzycznej.

NAPA reprezentuje rosyjskich producentów audio w Międzynarodowej Federacji Producentów Fonogramów (IFPI) i uczestniczy w jej działaniach (współpracuje z innymi grupami krajowymi).

Stałymi partnerami NAPA są, po pierwsze, właściciele praw autorskich, po drugie, różne organizacje eksperckie, w tym system ośrodków kryminalistycznych Ministerstwa Spraw Wewnętrznych Federacji Rosyjskiej, Centrum Niezależnego Kompleksowego Badań Systemów i Technologii, które przeprowadzają cały możliwy zakres badań i badań skonfiskowanych produktów. Po trzecie, przedsiębiorstwa zajmujące się transportem i bezpiecznym przechowywaniem podrobionych produktów.

Poprzez szereg badań można wykazać fakt wytwarzania podrabianych produktów w konkretnym przedsiębiorstwie lub – jak twierdzą eksperci – „powiązać” kasety audio z konkretną maszyną, konkretnym urządzeniem nagrywającym. W szczególności taśma magnetyczna poruszająca się w trakcie zapisywania na niej informacji dźwiękowych ulega zmianom w warstwie powierzchniowej charakterystycznej dla tego urządzenia rejestrującego dźwięk, co

i zostaje całkowicie jednoznacznie ujawnione podczas badania dochodzeniowego.

Poszukiwanie właścicieli praw autorskich odbywa się w bazach zawierających informacje o albumach krajowych (w tym NAPA jest bardzo pomocna w „Roczniku Muzyki Rosyjskiej” wydawanym przez agencję Inter Media) oraz w publikacjach zagranicznych. W tym przypadku NAPA opiera się na bazach danych otrzymanych od partnerów zagranicznych. Dla każdego tytułu ważne jest określenie daty pierwszej publikacji utworu i fonogramu. Jednym z istotnych elementów ustawy o badaniu lub badaniu jest ustalenie wysokości szkody wyrządzonej podmiotom praw autorskich w wyniku nielegalnego korzystania z utworów i fonogramów. Ważnym punktem jest uznanie właściciela praw autorskich za powoda cywilnego.

Środki otrzymane po przetworzeniu podrobionych produktów i wytworzeniu legalnych produktów z uwolnionych materiałów składowych są rozdzielane w uzgodnionej wysokości pomiędzy posiadaczami praw autorskich, przedsiębiorstwami odpowiedzialnymi za przechowywanie podrobionych produktów, systemem przedsiębiorstw zajmujących się przetwarzaniem podrobionych produktów i wytwarzaniem legalnych produktów oraz budżetem.

CZYM JEST KNOX?

„NOKS” to Krajowe Stowarzyszenie Wspólnot Kulturalnych. Główne idee „Knoxa” to:

Zachowanie i rozwój kultur narodowych i etnicznych;

Promocja dziedzictwa kulturowego;

Jednoczenie ludzi poprzez wymianę kulturalną, wzmacnianie przyjaznych i braterskich więzi między narodami;

Potwierdzenie dumy każdego człowieka w jego narodzie;

Pomoc we wzmocnieniu Rosji jako państwa wielonarodowego, w którym wszystkie narody mają równe prawa.

Od wielu lat propaguję ideę, że wszyscy ludzie powinni żyć w przyjaźni i pokoju, komunikować się w biznesie i wzajemnie wzbogacać się poprzez więzi kulturowe. Na naszej ziemi nie powinno być wojen. Przecież matki rodzą dzieci, aby mieć szczęśliwe życie, pilnie rozwijają swoje talenty, zaszczepiają w nich najlepsze uczucia i oczywiście dumę ze swojego narodu, bo w każdym narodzie są niezwykle utalentowani ludzie.

Aby rozwiązać problemy naszego społeczeństwa poprzez kulturę, stworzyłem „NOKS”.

Teraz ważne jest, aby znaleźć ludzi, którym można całkowicie zaufać we wdrażaniu tych pomysłów. „NOX” powinien stać się prawdziwą kuźnią takiej kadry. Nieustannie przekazuję swoje pomysły menadżerom, edukuję nowe pokolenie producentów, powierzam im swoje projekty i pomagam je realizować.

Jak często muzyka dociera do nas zewsząd. Muzyka staje się tłem dźwiękowym naszego życia. Czy znasz to uczucie, kiedy po prostu zapomniałeś zabrać ze sobą słuchawek? Cisza, nie, nawet pustka. To niezwykłe, a twoje ręce próbują coś włączyć. Muzyka przestaje grać – włącza się głos wewnętrzny i jakoś nie chce się go w ogóle słuchać. Przypomina nam o niedokończonych sprawach, wyrzuca nam coś i skłania do poważnych przemyśleń. Nie, nowy utwór zacznie działać wkrótce. Jesteśmy po prostu przyzwyczajeni do muzyki, jesteśmy przyzwyczajeni do tego, że nie jesteśmy cały czas sami, ale z tymi zabawnymi (lub niezbyt zabawnymi) muzycznymi rytmami.

Zapewne każdy ma swoje ulubione melodie, których brzmienie przywołuje gdzieś głęboko w pamięć wersety znanych piosenek. Jednocześnie często zdarza się, że dana osoba zna na pamięć tekst piosenki, ale nigdy nie zastanawiała się nad znaczeniem słów zapisanych w pamięci, a nawet często wypowiadanych. Dzieje się tak dlatego, że większość ludzi jest przyzwyczajona do słuchania muzyki w tle lub do relaksu, czyli relaksu i niemyślenia o niczym, cieszenia się emocjami lub po prostu zanurzenia się w obcych myślach.

W wyniku takiego słuchania światopogląd człowieka zostaje wypełniony tekstami i znaczeniami, które nie zostały przefiltrowane na poziomie świadomości. A ponieważ przekazywana informacja towarzyszy różnym rytmom i melodiom, jest bardzo dobrze wchłaniana, a następnie zaczyna wpływać na ludzkie zachowanie z poziomu podświadomości. Jakie programy behawioralne niesie masowemu odbiorcy współczesna muzyka popularna – ta grana w telewizji i radiu – i czy można ją traktować nieświadomie, czyli bez myślenia o jej wpływie? Obejrzyjmy kilka recenzji wideo:

Po obejrzeniu tych filmów warto przypomnieć sobie cytat starożytnego chińskiego filozofa Konfucjusza: „Zniszczenie każdego państwa zaczyna się właśnie od zniszczenia jego muzyki. Naród pozbawiony czystej i jasnej muzyki jest skazany na degenerację”.

Należy pamiętać, że w ostatniej recenzji mówiliśmy nie tylko o treści konkretnych utworów, ale także o ogólnym skupieniu tematu muzyki popularnej. To ważny niuans, który należy wziąć pod uwagę. Przecież muzyka powinna odzwierciedlać różne aspekty naszego życia, a nie wywyższać je do nieodpowiednich rozmiarów i znaczenia.

Twórczość człowieka, gdy wypływa z duszy, zawsze odzwierciedla jego wewnętrzny świat, dotyka kwestii rozwoju osobistego i poszukiwania odpowiedzi na palące pytania. Jeśli twórczość zastępuje biznes, a na pierwszym miejscu zarabianie pieniędzy, to jej treść zostaje automatycznie wypełniona odpowiednimi znaczeniami i formami: prymitywnymi, stereotypowymi, mdłymi, głupimi.

Słuchanie treści odtwarzanych obecnie w większości stacji radiowych to prawdziwy proces programowania ludzi, aby nieświadomie wdrażali w swoim życiu wszystkie modele zachowań wymienione w filmach.

Jednocześnie w prezentowanych recenzjach wideo analizowano jedynie treść tekstów i klipów wideo, ale ogromny wpływ na człowieka ma rytm, tonacja, melodia i głośność muzyki. Wszak każda muzyka to w końcu wibracje, które albo harmonizują ze stanem wewnętrznym człowieka, albo dosłownie działają destrukcyjnie.

Wpływ muzyki na społeczeństwo

Dysonans w muzyce, nagłe zmiany rytmu, głośny dźwięk – organizm odbiera to wszystko jako stres, jako czynnik zanieczyszczający, wpływający nie tylko na układ nerwowy, ale także na układ sercowo-naczyniowy i hormonalny. W Internecie można znaleźć wyniki wielu eksperymentów, które pokazują, że o ile muzyka klasyczna czy ludowa poprawia zdolności umysłowe, to współczesna muzyka popowa, zbudowana na tych samych rytmach, czy też ciężka, poszarpana muzyka wręcz przeciwnie, przygnębia ludzką psychikę, pogarszając ją. pamięć, myślenie abstrakcyjne, uważność.

Na tych zdjęciach wyraźnie widać wpływ muzyki:

Te zdjęcia wykonał japoński odkrywca Masaru Emoto. Poddawał wodę działaniu różnych melodii i ludzkiej mowy, po czym ją zamrażał i fotografował powstałe zamrożone kryształy wody w dużym powiększeniu. Jak widać na slajdzie, pod wpływem dźwięków muzyki klasycznej kryształy wody destylowanej przyjmują eleganckie, symetryczne kształty, pod wpływem ciężkiej muzyki lub negatywnych słów, emocji zamarznięta woda tworzy chaotyczne, fragmentaryczne struktury.

Biorąc pod uwagę, że wszyscy składamy się głównie z wody, możesz sobie wyobrazić, jak duży wpływ ma na nas muzyka. Z tego powodu wyboru tych utworów, których często sam słuchasz lub które grasz dla swoich dzieci, należy dokonać świadomie, oceniając wpływ muzyki i efekt, jaki chciałbyś osiągnąć.

Muzyka wpływa na człowieka w 3 aspektach:

1. Treść tekstów i klipów wideo
2. Wibracje muzyki (rytm, tonacja, melodia, barwa głosu itp.)
3. Cechy osobiste popularnych wykonawców, których życie jest eksponowane

W trzecim punkcie tego slajdu podkreśliliśmy aspekt osobisty związany z moralnością wykonawców, którzy zdobywają sławę i chwałę. Ponieważ współczesny show-biznes opiera się na tym, że poddaje pod dyskusję całe życie osobiste tzw. styl życia, który przekazują swoim przykładem swoim wykonawcom.

Zapewne każdy słyszał o tak popularnej zachodniej piosenkarce jak. Zobaczmy, jaką ideologię promuje swoją kreatywnością i osobistym przykładem.

W ramach projektu Teach Good podobne recenzje zostały wykonane innych najpopularniejszych zachodnich wykonawców: , - i wszędzie to samo. Ich kariery rozwijają się jakby według schematu: od stosunkowo prostych i skromnych dziewcząt, wchodząc do show-biznesu, stopniowo zamieniają się w te, których zdjęcia i dzieła twórcze są wręcz niezręczne do pokazania podczas wykładu z powodu obsesyjnej wulgarności i wulgarności.

Jednocześnie gwiazdy te są stale nagradzane głównymi nagrodami muzycznymi, ich filmy są odtwarzane w kanałach telewizyjnych i stacjach radiowych, nawet tutaj, w Rosji, ich piosenki są regularnie odtwarzane. Czyli ten sam system budowany jest w branży muzycznej, w oparciu o 3 główne narzędzia: instytucje nagradzające, przepływy finansowe i kontrolę nad mediami centralnymi.

Gdzie szukać dobrych piosenek?

Prawie niemożliwe jest, aby dobrzy wykonawcy – ci, którzy śpiewają naprawdę znaczące piosenki i starają się kierować swoją kreatywnością na korzyść ludzi – przełamali tę barierę. Sytuacja zaczyna się zmieniać dopiero dzisiaj, kiedy wraz z pojawieniem się Internetu każdy człowiek ma możliwość działania jako niezależny kanał medialny poprzez swoje konta w sieciach społecznościowych, poprzez blogowanie i tworzenie stron internetowych.

Pojawienie się projektu Teach Good i wielu innych stowarzyszeń zrzeszających ludzi troskliwych jest naturalnym procesem destrukcji starego systemu, opierającego się na ścisłej kontroli osób dopuszczonych do mediów. A to właśnie w Internecie można znaleźć utwory artystów, których w telewizji nie usłyszycie, a których muzyki naprawdę przyjemnie i pożytecznie się słucha.

Jeżdżą też po miastach, występują na scenach, wyprzedają domy, ale ich zdjęcia nie trafiają do kolorowych magazynów, a ich piosenek nie emitują popularne stacje radiowe i muzyczne kanały telewizyjne. Bo dla współczesnego przemysłu muzycznego ich twórczość nie wpisuje się w „format” wyznaczany i narzucany szerokiej publiczności za pośrednictwem tych samych mediów, a raczej sposobów kształtowania i zarządzania świadomością publiczną.

Jako przykład znaczącej kreatywności zwracamy uwagę na jedną z piosenek, która została wymyślona i nagrana przez czytelników projektu Teach Good.

Konkurencja w showbiznesie doprowadziła do pojawienia się marketingu przemysłu muzycznego. Kiedy sztuka audio stała się dziedziną przedsiębiorczości, potrzebował narzędzi do promowania swoich produktów. Marketing w muzyce opiera się na tradycyjnych strategiach i metodach, ale ma oczywiście wiele specyficznych cech i cech.

Koncepcja marketingowa

Konsolidacja produkcji i wytwarzanie coraz większej ilości dóbr wysokiej jakości powoduje, że konieczne staje się podjęcie szczególnych wysiłków w celu pobudzenia aktywności konsumenckiej. Wraz ze wzrostem produktywności pojawiają się pierwsze, które początkowo miały na celu udoskonalanie towarów i produkcji, jednak stopniowo kształtują się współczesne koncepcje promocji jako szczególnej działalności mającej na celu zaspokojenie potrzeb poprzez wymianę. Marketing oznacza dziś szczególną komunikację pomiędzy producentem a kupującym, która prowadzi do zaspokojenia potrzeb. Został zaprojektowany, aby pomóc kupującemu i sprzedającemu osiągnąć swoje cele. W tym sensie marketing branży muzycznej to także specyficzna interakcja pomiędzy producentem a konsumentem. Producent oferuje na rynku audio produkt, który pozwoli słuchaczowi zaspokoić jego potrzeby.

Pojawienie się marketingu muzycznego

Pojawienie się marketingu muzycznego wiąże się z powstaniem przemysłu rozrywkowego i rekreacyjnego. Kiedy pojawia się show-biznes, czyli dziedzina, w której ludzie zarabiają na świadczeniu usług rozrywkowych, pojawia się także potrzeba jak najpełniejszego zaspokojenia potrzeb rynku. Im większa była konkurencja, tym silniejsza była potrzeba podjęcia szczególnych wysiłków, aby sprzedać tworzony produkt. Początków marketingu muzycznego można szukać w czasach starożytnych. Przykładowo ojciec Mozarta w zasadzie pełnił funkcję producenta muzycznego: dobierał repertuar i prowadził działalność propagandową w celu organizacji koncertów. Kompozytor i wykonawca był środkiem do osiągnięcia zysku i zaspokojenia potrzeb rozrywkowych publiczności. Ale w pełnym tego słowa znaczeniu marketing muzyczny pojawia się dopiero w fazie wysokiego rozwoju branży rozrywkowej. Dopiero przy przesyceniu rynku i dużej konkurencji pojawia się potrzeba przemyślanej promocji produktu muzycznego.

Powstanie przemysłu muzycznego

Show-biznes obejmuje kilka branż: kino, teatr i rozrywkę, muzykę. Branża audio to gałąź światowej gospodarki, która czerpie zyski ze sprzedaży produktu lub usługi muzycznej. Już w starożytności człowiek odczuwał potrzebę słuchania muzyki, a zjawisko jej wpływu na psychikę nie zostało do końca zbadane. Wiadomo jednak, że ma to ścisły związek z emocjami, które są głębokim przeżyciem człowieka. To z nimi kojarzone jest znaczenie muzyki w życiu człowieka. Skoro jest popyt, to naturalnie jest podaż. Przemysł muzyczny powstaje wraz z możliwościami masowej dystrybucji produktów audio, czyli wraz z postępem technicznym. Show-biznes pojawia się wraz z widowiskami publicznymi, badacze ustalają datę jego narodzin na różne sposoby: od XI do XIX wieku. Ponieważ jednak pierwsze akty prawne regulujące organizację widowisk publicznych pojawiły się dopiero w połowie XIX wieku, tradycyjnie odliczanie odbywa się tutaj. Przemysł muzyczny powstał wraz z pojawieniem się nagrań gramofonowych, które zaczęły rozpowszechniać produkt muzyczny wśród mas. Kolejne etapy rewolucyjne wiążą się z pojawieniem się radia i telewizji. Następnie branża nabiera tempa, nośniki dźwięku ulegają poprawie, nakład i konkurencja rosną. Z roku na rok rynek branży muzycznej rośnie o kilka procent, szczególnie zauważalny jest wzrost w segmencie Internetu. Dziś bez promocji nie da się zrealizować ani jednego projektu muzycznego, nawet z najbardziej utalentowanymi wykonawcami.

Muzyka jako towar

Piosenki, wykonania utworów audio, zespoły muzyczne i soliści są sposobem na generowanie zysku. Specyfika muzyki jako przedmiotu promocji polega na tym, że łączy w sobie jednocześnie cechy produktu i usługi. Produkt audio musi zaspokajać potrzeby słuchacza, mieć określoną jakość i odpowiednią cenę, musi mieć prestiż i wartość konsumencką, jak każdy produkt. Ponadto muzyka, podobnie jak usługa, jest nierozerwalnie związana z wykonawcą, jest nieuchwytna i nie można przewidzieć skutków jej konsumpcji. Jednocześnie produkt audio jest produktem, ponieważ ma cenę, jakość, może zaspokoić potrzebę i wymaga promocji od producenta do kupującego.

Zawód: producent

Producent muzyczny odgrywa najważniejszą rolę w tworzeniu i promocji produktu muzycznego. On wymyśla produkt, wybiera wykonawcę i materiał zgodnie z potrzebami rynku. Dobrze rozumie trendy rynkowe, potrafi wpływać na gusta i pragnienia publiczności, potrafi przewidywać potrzeby słuchaczy. Producent muzyczny zapewnia także finansowo powstanie produktu, wyszukuje sprzęt, kupuje muzykę, teksty piosenek, opłaca pracę wykonawców i personelu towarzyszącego. Kolejną ważną funkcją producenta jest zapewnienie sprzedaży produktu, planuje wydarzenia marketingowe, organizuje wycieczki i koncerty. Producent jest centralną postacią w branży muzycznej, jest jednocześnie specjalistą ds. marketingu i zarządzania.

Cele i zadania marketingowe

Marketing branży muzycznej, jak każdy inny, ma najważniejszy cel – zwiększenie sprzedaży. Aby jednak zwiększyć popyt, konieczne jest rozwiązanie powiązanych problemów. Ważnym celem marketingu muzycznego jest szerzenie świadomości na temat produktu i artysty. Tylko wysoka świadomość może skłonić do zakupu. Kolejnym celem marketingu jest stworzenie produktu, który zaspokoi potrzeby słuchaczy. Dlatego każdy wykonawca musi mieć nie tylko wyjątkową jakość, ale także wyjątkową pozycję. Marketing muzyczny musi utrzymywać stałą komunikację między słuchaczem a wykonawcą, uwzględniać zmiany w postrzeganiu produktu i kształtować lojalną postawę konsumenta wobec produktu.

Przedmioty promocyjne

W marketingu muzycznym istnieje kilka obiektów promocji. Przede wszystkim jest to wykonawca lub grupa. Kiedy na rynku muzycznym pojawia się nowa nazwa, zadaniem marketingowym staje się budowanie świadomości o niej wśród docelowej grupy odbiorców. Promocja grup i solistów rozpoczyna się od opracowania pozycjonowania, a dopiero potem planowana jest komunikacja, kształtuje się i stymuluje popyt. Brandingu potrzebuje także wykonawca, każdy muzyk stara się zostać marką, bo to przekłada się na stałą, wysoką sprzedaż. Przedmiotem promocji może być także produkt audio. Płyta, koncert, film – wszystko to wymaga przemyślanego planu promocyjnego, aby zmaksymalizować popyt i zyski. Muzyczne hity to najczęściej efekt sprytnych działań marketingowych.

Strategia marketingowa

Długoterminowy plan rozwoju produktu nazywany jest strategią marketingową. Aby opracować strategię, należy dobrze poznać stan rynku i specyfikę segmentu, do którego promowany jest produkt. Marketing muzyczny jako specyficzne działanie nie pozwala na zastosowanie wszystkich istniejących strategii marketingowych. Wymaga to specjalnego podejścia, które uwzględnia charakterystykę produktu muzycznego. Najbardziej odpowiednie strategie intensywnego wzrostu to te, które opierają się na zwiększaniu wysiłków marketingowych na istniejących rynkach. Możliwe jest także zastosowanie strategii głębokiej penetracji rynku, w którym to przypadku programy marketingowe stymulują zakup większej ilości towarów, a także usług. Strategie muszą promować długoterminowy i zrównoważony popyt, dlatego wizerunek artysty jest niezwykle ważny na rynku muzycznym, który musi być starannie zaplanowany i utrzymywany.

Docelowi odbiorcy marketingu muzycznego

Marketing branży muzycznej opiera się na koncepcji, czyli na zidentyfikowaniu szczególnej grupy docelowej, dla której tworzony jest dany produkt. Zdefiniowanie segmentu jest niezwykle ważne dla skutecznego marketingu produktu. Identyfikacja docelowej grupy odbiorców na rynku muzycznym odbywa się najczęściej według następujących parametrów: wiek, płeć i styl życia. Jest produkt dla młodzieży, dzieci i osób dojrzałych, muzyka dla kobiet i mężczyzn. Styl życia, zainteresowania, gusta to także kryteria identyfikacji grupy docelowej. Widać, że dzisiaj na wszystkich rynkach, także muzycznych, następuje odmasowienie, produkowane są produkty dla coraz wąskiego grona odbiorców. Jest więc muzyka dla fanów koreańskich seriali lub dla gotów. Dzięki temu możesz sprzedać więcej towarów.

Metody promocji

Istnieją cztery główne metody osiągania celów w marketingu: stymulacja popytu, sprzedaż bezpośrednia, PR i reklama. Wszystkie cztery elementy miksu marketingowego służą promocji produktu muzycznego, ale częściej są wykorzystywane niż stymulowanie popytu. Promowanie utworu bez reklamy i PR jest niemożliwe. Aby płyty były kupowane, konieczne jest budowanie świadomości i popytu, a do tego wykorzystuje się takie metody, jak bezpośrednia reklama w mediach – zamieszczanie materiałów informacyjnych w mediach, a także narzędzia BTL – event marketing, komunikacja poprzez portale społecznościowe , Marketing internetowy.

Plan promocji produktów muzycznych

Na podstawie wybranej strategii marketingowej tworzony jest plan promocji artysty lub grupy. Na pierwszym etapie konieczne jest określenie celów promocji, może to być np. budowanie świadomości czy utrzymanie sławy. Następnie planowane są działania w trzech obszarach: promocja (umieszczenie produktu w audycjach telewizyjnych i radiowych), publicity (tworzenie szumu informacyjnego wokół produktu, szerzenie legend i plotek, udzielanie wywiadów, umieszczanie w rankingach, tworzenie materiałów publicystycznych), performance (organizowanie live komunikacja między wykonawcą a słuchaczem, organizacja występów koncertowych, sesje autografowe). Zespoły muzyczne i soliści muszą być stale słyszani, dlatego konieczne jest stosowanie różnorodnych środków reklamowych i PR, aby zapewnić stałą obecność wykonawcy w polu informacyjnym słuchacza.

Marki w muzyce

Marketing w sztukach muzycznych początkowo kojarzony jest z tworzeniem gwiazd, czyli marek. Aby słuchacz zaufał wykonawcy i poczuł do niego współczucie i przywiązanie, należy dokładnie przemyśleć wizerunek przyszłej gwiazdy. Promocja zespołów lub solistów rozpoczyna się od stworzenia nazwy, która powinna zawierać pewną filozofię, przekaz, na podstawie którego później planowana będzie komunikacja ze słuchaczami. Następnym krokiem jest stworzenie osobistej historii. Fani chcą wiedzieć wszystko o swoim idolu, więc zaczną szukać informacji o jego życiu osobistym, przeszłości, a producent musi zawczasu uporać się z mitem sprzedaży. Na przykład legenda niezwykle popularnej grupy „Tender May” była opowieścią o dzieciach z domu dziecka, co nadało grupie dodatkową aurę litości i przyczyniło się do jej popularności. Należy także wziąć pod uwagę wygląd wykonawcy, tak aby odpowiadał oczekiwaniom docelowej publiczności. Ponadto powinieneś sformułować kluczowy przekaz, który trzeba będzie utrwalić w umysłach słuchaczy. Na przykład Staś Michajłow jest pozycjonowany jako piosenkarz dla dojrzałych, rozwiedzionych kobiet i to jest jego przewaga konkurencyjna. Po stworzeniu wszystkich elementów marki należy systematycznie dbać o wizerunek performera.

Globalne doświadczenie w marketingu muzycznym

Dziś muzyczne hity rodzą się nie tylko dzięki talentowi kompozytorów i wykonawców, ale najczęściej dzięki staraniom producentów. Współczesny przemysł przyspieszył proces narodzin gwiazd. Oczywiście na początek potrzebny jest utalentowany materiał, ale bardziej potrzebny jest kompetentny producent, który zna skuteczne metody marketingowe w zakresie produkcji marek muzycznych. Uderzającym przykładem takiej pracy producentów są na przykład Lady Gaga, Justin Bieber czy grupa Viagra.

Wykład - Siergiej Tyncu

To niesamowite, ale wiele osób wciąż nie wie, jak działa dziś przemysł muzyczny. Dlatego postaram się wszystko w skrócie wyjaśnić. A tak przy okazji, jeśli nie rozumiesz, czym jest przemysł, to za granicą jest to rozumiane jako biznes. Oznacza to, że mówimy o tym, jak działa biznes muzyczny lub przemysł muzyczny. Wbij sobie to do głowy raz na zawsze, przemysł to biznes.

Jak każdy inny, przemysł muzyczny produkuje i sprzedaje produkt. A ten produkt to koncert. Wcześniej produkt był rekordowy, ale obecnie nie ma to już znaczenia. Teraz produkt jest już tylko koncertem. Dlaczego koncert? Bo muzycy zarabiają na koncertach, a słuchacze płacą za koncerty.

W związku z tym głównym celem branży jest zrozumienie zapotrzebowania publiczności (na danym terytorium) na koncerty o określonym formacie, stylu i cenie. Sama branża nie dba o to, jaką muzykę i jakich muzyków sprzedaje. Tylko po to, żeby to lepiej sprzedać. To jak bycie w barze. Odpowiedni właściciel baru nie dba o to, jakie piwo sprzedaje, a rozlewa takie, na które jest większy popyt i na którym może więcej zarobić – kupuje taniej i sprzedaje drożej.

Aby artysta zaistnieł w branży muzycznej, pozostał w niej i odniósł sukces... wystarczy jedno – być poszukiwanym. To tak, jak z każdym produktem na każdym rynku. Jeśli będzie zapotrzebowanie na Twój występ, zaistniejesz w branży. Jeżeli nie będzie popytu, to Cię nie będzie. Branża jest zainteresowana artystami, którzy zarabiają pieniądze, które ludzie przyjdą oglądać.

To prawo działa zarówno w przypadku dużych stadionów w Ameryce, jak i małych tawern w regionie Samara. Branża muzyczna jest wszędzie taka sama.

Pamiętaj, że nie musisz być dobry, wystarczy, że będziesz poszukiwany. Ale tutaj ludzie często myślą, że jeśli produkt (muzyk) jest dobry, to musi być na niego popyt. A to są różne rzeczy. A pojęcie „dobra” jest bardzo subiektywne. Ale pojęcie „popytu” można wyczuć na własne oczy i zmierzyć liczbą widzów i pieniędzmi, jakie przynoszą.

Przemysł składa się z trzech głównych uczestników – miejsca koncertu, artysty i widza. A najważniejszy jest widz. Bo to wszystko istnieje za pieniądze widza. Płaci za wszystko. Sale koncertowe i artyści żyją z jego pieniędzy. Nazywa melodię pod każdym względem i płaci za bankiet.

Branżę nie obchodzi, w jaki sposób artysta osiąga popularność i znaczenie (jest to sprawa osobista i wydatek artysty i jego menadżera). Dobra muzyka, skandale, dobry PR, moda itp. Branża nie dba o to, jaki produkt sprzedaje. Jej zadaniem jest sprzedaż tego, na co jest popyt. Jeśli ludzie nie przychodzą do Twojego klubu (lub baru), oznacza to, że zbankrutujesz. Dlatego przed branżą stoi zadanie zrozumienia potrzeb ludzi – to chyba najważniejsza rzecz w branży.

Wyobraź sobie przez chwilę, że masz własny klub rockowy. Wydałeś pieniądze na jego zakup, wydajesz pieniądze na jego utrzymanie, płacisz pracownikom i masz mnóstwo innych wydatków. I wyobraź sobie, że musisz wybrać jednego z artystów na koncert w swoim klubie. I zapłać mu wynagrodzenie. Kogo chciałbyś widzieć w swoim klubie, jeśli chcesz zarabiać pieniądze i nie ponosić strat?

Sprawienie, że artysta będzie poszukiwany i popularny, jest zadaniem samego artysty (i jego kierownictwa). Branży nie interesuje, kogo sprzedać. Koncentruje się po prostu na aktualnych gustach widza. Oczywiście te gusta w jakiś sposób ciągle się zmieniają. Ponieważ gusta publiczności są niejednorodne, branża współpracuje z artystami różnych gatunków i stylów.

W zależności od popularności (popytu) artysty, branża proponuje widzom koncerty w salach o większej lub mniejszej pojemności, ustalając różne ceny biletów. Ale branża zawsze napędzana jest popytem. Można powiedzieć, że to bezduszna maszyna, głupio odzwierciedlająca aktualny stan rynku i popytu. Z grubsza rzecz biorąc, branża to tysiące sal koncertowych, których liczba, wielkość i format są określane wyłącznie przez rynek, czyli popyt na określonych artystów i gatunki na określonych terytoriach.

Pamiętaj, że w różnym czasie na różnych terytoriach istnieje również zapotrzebowanie na różne rzeczy!

Nie ma sensu, aby artysta lub widz był niezadowolony z branży. Po prostu pokazuje stan rynku, raczej na niego reaguje, niż go kształtuje. Jeśli czegoś nie ma w branży, albo jest słabo reprezentowane, to tylko dlatego, że w danej chwili na danym terytorium jest takie zapotrzebowanie na ten produkt (zero lub małe).

Jeśli artysta nie przedostaje się do branży (lub udaje się, ale nie na taką skalę, jaką by chciał), to nie jest to wina branży. Reaguje tylko na gusta tłumu. I nie przejmują się konkretnymi nazwiskami artystów.

Tak to wszystko w skrócie działa.

W związku z tym koncepcja muzyki popularnej jest różna. Jeśli tworzysz muzykę w oparciu o swój gust, nie zdziw się, że przemysł muzyczny tego nie potrzebuje. Twój gust niekoniecznie pokrywa się z gustem publiczności, która płaci. A jeśli tak, to nie jest faktem, że jakość Twojego produktu muzycznego jest w stanie wytrzymać konkurencję z innymi artystami. Zawsze pamiętaj o konkurencji. Obecnie na świecie jest o wiele więcej muzyków, niż potrzebuje publiczność. Dlatego nie każdy trafia do branży muzycznej.

Jeśli zapotrzebowanie na muzykę w wiosce będzie wynosić jednego akordeonistę na imprezę sylwestrową, to dziesięciu akordeonistów nie zmieści się w przemyśle tej wioski.

Na świecie są menedżerowie muzycy. Są pośrednikami między artystami a publicznością, artystami a przemysłem. Niektórzy ludzie (jak wszędzie) mogą obejść się bez pośredników, ale inni nie. Jak wszyscy pośrednicy, menedżerowie starają się zarabiać pieniądze. Dlatego ważne jest, aby zobaczyli i zrozumieli, czy dany artysta może stać się popularny, czy „nie może stać się paszą dla koni”. Ta wizja i zrozumienie odróżnia dobrego menedżera od złego. To jest jego dochód. Branżę znów nie obchodzi, w jaki sposób artysta stara się zdobyć popularność – kosztem menedżerów lub bez nich. Słowo „menedżer” w tym tekście może oznaczać nie tylko jedną osobę, ale także całe biuro promocji.

Wielu artystów pokłada ogromne nadzieje w menedżerach, którzy ich zdaniem rozwiążą wszystkie ich problemy. Ale to nie jest takie proste. Jeśli menadżer jest dobry i rozumie rynek, to będzie współpracował tylko z artystą, który jego zdaniem ma potencjał. A artysta musi w jakiś sposób oczarować menadżera, sprawić, że uwierzy w siebie. I okazuje się, że menadżer to nie magik, który sprzedaje zły produkt, a artysta musi przede wszystkim dostarczyć produkt o odpowiednich właściwościach (który będzie mógł zostać sprzedany).

Jeśli menadżer jest zły, może łatwo zatrudnić artystę o niejasnych perspektywach. I tu może być tak, że zły menadżer w niczym nie pomoże, albo może być tak, że artysta dobry z punktu widzenia perspektyw rynkowych odniesie sukces nawet ze złym menadżerem. Ale w każdym razie, jeśli artysta decyduje się na promocję przy pomocy menadżera, musi sprawić, aby menadżer uwierzył w tego artystę.

A trzeba pamiętać, że menadżer nie jest wolny. Jeśli menadżer (biuro) inwestuje pieniądze (lub czas/wysiłek) w promocję, to znaczy, że widzi potencjał w produkcie (w artyście) i planuje zwrócić poniesione koszty i zarobić więcej. A jeśli żaden z mądrych menedżerów nie chce robić z Tobą interesów, to znaczy, że nie widzą w Tobie potencjału rynkowego. Oni, jak wszyscy, mogą popełniać błędy - spróbuj udowodnić to im i rynkowi.

Zrozum, że jeśli Twój potencjał jest oczywisty, wokół Ciebie natychmiast utworzy się morze ludzi, którzy będą chcieli na Tobie zarabiać. Ale jeśli nie jest to oczywiste, musisz wieść nędzne życie. To tak jak z kobietami. Jeśli jesteś super laską, wokół ciebie jest morze mężczyzn. A jeśli nie jesteś zbyt dobry, popyt na ciebie na rynku męskim jest znacznie mniejszy. Wszystko na tym świecie jest bardzo proste.

Przemysł muzyczny podlega tym samym prawom, co rynek ogólny. Wyobraź sobie sklep spożywczy. Jest 10 opakowań mleka różnych marek. Załóżmy, że decydujesz się na zrobienie mleka. Dobre mleko. Przychodzisz do sklepu i mówisz – mam dobre mleko, zabierz je na półkę. A oni odpowiadają, mleko może i jest dobre, ale nikt o tym nie wie i nie kupi – popyt na niektóre marki już się rozwinął. Dlaczego musimy kupować potencjalnie niepłynne towary na nasze półki? Następnie zaczynasz reklamować swój produkt – kręcisz filmy do boxu, wieszasz reklamy na billboardach w całym mieście, rozdajesz bezpłatne paczki w metrze, wynajmujesz gwiazdę do promocji. Wszystko! Pojawił się popyt - zabrali cię do sklepu. Najpierw w jednym, potem w drugim, a potem w całym kraju! Jesteś w interesach, koleś!

Oczywiście w rzeczywistości sytuacja z popytem i sklepami może okazać się bardziej skomplikowana. Mogą powiedzieć, że jest im obojętne co sprzedają – ludzie w okolicy za tę cenę kupią każde mleko i dlatego nie zamierzają zmieniać niczego w asortymencie. Wtedy trzeba będzie zmotywować sklep – zaproponować mu ceny zakupu niższe od konkurencji lub głupio wcisnąć łapówkę. W przypadku sal koncertowych, które nie przejmują się tym, kto zagra w ich tzw. tawernie, wszystko rozwiązuje się tymi samymi metodami – ograniczając żądania uiszczenia wynagrodzenia dla artysty i znowu starą, dobrą łapówkę. To jest rynek.

Prosty, przejrzysty schemat. Ale jeden szczegół jest tutaj ważny. Musisz produkować mleko o jakości, którą ludzie lubią. I po cenach, po jakich ludzie chcą to kupić. Oznacza to, że pakiet nie powinien kosztować 200 dolarów. I wcale nie musi to być psie mleko. Przynajmniej w Rosji. Sam możesz lubić mleko dla psów (lub szczurów), ale jeśli pójdziesz na rynek, spróbuj wczołgać się do przemysłu mleczarskiego, czyli do biznesu, musisz wziąć pod uwagę popyt na produkty na określonym terytorium.

Oznacza to, że jeśli mówimy o branży mleczarskiej, wszystko jest tutaj takie samo - produkt (artysta), sklep (sala koncertowa), kupujący (widz). Istnieją też działy i agencje reklamowe (wytwórnie, menadżerowie pośrednicy), które promują produkty za pieniądze.

Oczywiście wielu muzyków na całym świecie nie chce myśleć o rynku, produkcie, kupujących i innych nieromantycznych rzeczach. A wielu odnoszącym sukcesy artystom udało się żyć w swoim własnym, wyjątkowo wzniosłym świecie, nie zajmując się niczym innym jak tylko kreatywnością (ale jednocześnie płacąc menadżerom pogrążonym w rutynie i życiu codziennym).

Ale jeśli nie osiągnąłeś takiego poziomu oświecenia, musisz albo sam poradzić sobie z rynkiem i swoją popularnością, albo spróbować oczarować jakiegoś menedżera (biura), który w ciebie uwierzy. I oczywiście, że są tacy menedżerowie. Ponieważ w każdym kraju są artyści odnoszący sukcesy i ktoś jest zaangażowany w sprawy tych artystów. Ale jeśli w ciebie nie uwierzą, to wtedy, mój przyjacielu, wszystkie problemy są tylko w tobie. W nikim innym. Trudno się do tego przyznać – spojrzeć w lustro i powiedzieć sobie: „Chyba nie jestem tym, czego ludzie potrzebują”.

Oczywiście można zatrudnić menadżera (jak każdą firmę reklamową) głupio za własne pieniądze (a nie za udział w koncertach)... ale to jest jak płatny seks. Dają to właściwym ludziom za darmo. A jeśli z miłości nie dadzą ci gratisów, to najwyraźniej masz pewne problemy z byciem poszukiwanym.

Bardzo często nieodezwani artyści obwiniają branżę, menedżerów pośredniczących i widzów za brak popytu. To takie głupie. Branża i menedżerowie odpowiadają na prośby i wymagania widzów. A widzowie to wolni ludzie, którzy sami decydują, na co wydać swoje pieniądze. Jeśli cię nie chcą, to ich prawo. Nie są ci nic winni. Nie zmuszali cię do studiowania muzyki.

A najbardziej niezawodny sposób na dołączenie do branży, o czym wiedzą wszyscy profesjonalni muzycy i menadżerowie wszechczasów... jest bardzo prosty. Trzeba głupio komponować hity. To wszystko! Piosenki, które ludzie lubią. Pisz hity, kolego, a na pewno będziesz miał wszystko! Uwaga – wszyscy wykonawcy, którzy nie zmieścili się w branży – nie mają na swoim koncie ani jednego przeboju.

Ale powiedzmy, że nie możesz lub nie chcesz pisać hitów? Ale możesz grać role innych ludzi - na to też jest zapotrzebowanie (w pubach i na imprezach firmowych), a dzięki temu też wchodzą do branży - tylko może nie na poziomie, jakiego ktoś by chciał. A jeśli w ogóle nie grasz hitów, nie ma gwarancji, że dostaniesz się do branży. Może uda Ci się dostać pracę w branży, a może nie.

OK, wszystko już skończone. Mam nadzieję, że teraz rozumiesz, dlaczego niektórzy artyści mają dużo koncertów i pieniędzy, a dla innych kot płakał.

Współczesny przemysł muzyczny to dość dziwne zjawisko, które nie stoi w miejscu i stale się rozwija. Ci, którzy od wielu lat pracują w muzycznej „kuchni”, wiedzą, że czasami bardzo trudno jest przewidzieć, co nas muzycznie czeka w przyszłości. Jednakże system zysków jest zawsze taki sam i każdy, kto poważnie myśli o zamianie swojej muzyki na twardą gotówkę, dobrze by zrobił, gdyby miał przynajmniej podstawową wiedzę o tym, jak działa biznes muzyczny.

Dlatego postanowiliśmy napisać mały poradnik dla śmiałków, którzy chcą i zamierzają promować swoją muzykę i nieźle na niej zarabiać. To wystarczające informacje, które pozwolą Ci zrozumieć, czym żyje i czym oddycha biznes muzyczny, oraz skłonić Cię do zastanowienia się, w jaki sposób możesz stać się jego częścią.

Firmy fonograficzne

„Tradycyjna” droga do sukcesu w branży muzycznej polega na tym, aby Twoja płyta została wysłuchana przez znaną wytwórnię, która następnie podpisze z Tobą kontrakt na promocję Twojej twórczości. Jeszcze lepiej, jeśli masz już nagranych kilka kompozycji, które można umieścić w swoim minialbumie, w albumie pełnometrażowym lub w kilku albumach online.

Zasadniczo marka działa jak inwestor, który inwestuje swoje pieniądze w Ciebie i Twój projekt. Pieniądze te zostaną przeznaczone na wynajem studia, miksowanie i mastering oraz na Twoją zaliczkę, która jest płacona z góry, abyś mógł żyć, dopóki nie zaczniesz otrzymywać swojej części sprzedaży, zwanej w branży tantiemami.

Wytwórnia zajmuje się także wszystkimi formalnościami niezbędnymi do wydania utworu/albumu, co obejmuje podział tantiem: jaki procent każdej zarobionej monety trafia do Ciebie osobiście, współpracowników, a jaki procent trafia do wytwórni na pokrycie początkowego kosztu inwestycję i uzyskaj dalsze zyski, które wytwórnia będzie mogła ponownie zainwestować w Twoją promocję.

Muzyczne łapanki

Towarzystwo Ochrony Praw Autorskich (MCPS) płaci tantiemy za każdą kopię Twojego utworu. Oznacza to, że im więcej płyt sprzedasz, tym więcej otrzymasz. Dodatkowo, jeśli Twój utwór trafi na płyty CD, DVD lub zostanie wykorzystany w inny sposób, to również Ty za to otrzymasz określoną kwotę.
Przykładowo: w kolekcji jest 20 kompozycji i jedna z nich jest Twoja. Oznacza to, że Copyright Society zapłaci Ci 5% całej sprzedaży.

Długo oczekiwane wydanie Twojej muzyki

Wydawanie muzyki oznacza wykorzystanie utworu w dowolnej formie, a wszelkie przychody generowane przez wydanie Twojej muzyki mogą pochodzić z wielu różnych źródeł. W rzeczywistości pieniądze wpływają za każdym razem, gdy utwór jest odtwarzany w telewizji, radiu lub używany jako ścieżka dźwiękowa do filmu, a pieniądze wpływają nawet wtedy, gdy utwór jest odtwarzany w garderobach Topshopu. Lista jest długa.

Teoretycznie okazuje się, że za dowolne wykorzystanie swojego utworu dostajesz pieniądze. System ten działa dzięki agencjom windykacyjnym, takim jak PRS w Wielkiej Brytanii czy ASCAP (Amerykańskie Stowarzyszenie Kompozytorów, Pisarzy i Wydawców) w USA. Organizacje te śledzą wszystkie sposoby wykorzystania Twojej muzyki, a następnie zbierają i rozdzielają pieniądze w odpowiedni sposób.

Telewizja, filmy i nie tylko

Głównymi kanałami dystrybucji i źródłami zysków w branży muzycznej są telewizja, filmy i gry wideo, a konkretnie dystrybucja ścieżki dźwiękowej Twojej muzyki za pośrednictwem tych kanałów. Zalety fonogramu są oczywiste: zapłacą Ci za samo wykorzystanie Twojego utworu; dzięki temu zyskujesz nowy dochód dzięki wykorzystaniu Twojej piosenki w projektach filmowych czy programach telewizyjnych, np. jako ścieżka dźwiękowa. Wykorzystanie Twojej muzyki w ten sposób pozwala zwiększyć rozpoznawalność Ciebie i Twojej twórczości, ponieważ usłyszy ją potencjalnie ogromna publiczność, która wcześniej nie była zaznajomiona z Twoją muzyką.

Nie jest łatwo włączyć utwory do projektów telewizyjnych i filmowych, ale istnieją wyspecjalizowane firmy produkcyjne, które będą działać w Twoim imieniu, aby popchnąć Twoją muzykę w tym czy innym kierunku. Możesz więc nadal robić swoje, a agencje takie jak ta będą promować Twoje utwory wśród osób zajmujących się filmem i telewizją.

Konieczność opracowania katalogu muzyki, która znajdzie się w bibliotekach muzycznych firm muzycznych (od niedawna nazywanych firmami zajmującymi się produkcją muzyczną), jest całkiem zrozumiała. W końcu to taki katalog jest potencjalnie najbardziej opłacalny ze wszystkich rzeczy, które będziesz robić. Z reguły taka firma pobierze procent za promocję Twojej muzyki. Ale nie musisz płacić im z góry, aby Cię reprezentowali. Płatność następuje przy odbiorze. Jeszcze lepsze jest to, że nie zarabiają, dopóki Twoja muzyka nie trafi na rynek, co oznacza, że ​​dołożą wszelkich starań, aby rozgłosić się o Tobie.

Pomyśl o ścieżce dźwiękowej filmu „Przyjaciele” Rembrandta „I'll Be There For You” i o tym, ile osób na całym świecie go zna…

Inne źródła zysku

A co by było, gdybyś nie napisał i nie wyprodukował absolutnie niczego? Nie martw się, nadal możesz zarabiać na muzyce. Streaming PPL nie jest typowym kanałem dystrybucji dla autorów piosenek. Jest to dodatkowe źródło tantiem płaconych przez nadawców artystom za wykorzystanie ich muzyki. Wszystkie osoby zaangażowane w powstanie utworu (basiści, wokaliści wspierający itp.) również otrzymują niewielką kwotę za swoją pracę.

Dystrybucja

Za dostarczenie Twojej muzyki z magazynu do sklepu odpowiedzialny jest dystrybutor. Aby to zrobić, jeśli tworzysz treści fizyczne, musisz zawrzeć umowę dystrybucyjną.
Jak wiemy, muzyka „fizyczna” jest mniej popularna w porównaniu z muzyką cyfrową, co jest dobrą wiadomością, jeśli zakładasz własną wytwórnię, ponieważ dystrybucja nie musi być tak wymagająca i kosztowna. Dystrybucja cyfrowa oznacza, że ​​Twoje płyty będą dostępne w sprzedaży cyfrowej we wszystkich miejscach, gdzie będą tego chcieli Twoi fani. Na przykład Amazon, Beatport, iTunes. Innymi słowy, dystrybucja cyfrowa pozwala uniknąć niepotrzebnego zamieszania pod każdym względem.

I w końcu

Wszystko to jest dość trudne do zaakceptowania, ale jeśli chcesz związać swoje życie z muzyką, musisz zrozumieć podstawowe mechanizmy tak ogromnej machiny muzycznej i musisz być gotowy, jeśli naprawdę chcesz wyrobić sobie markę siebie i zostaw ślad na polu muzycznym, podejmij tę kwestię i idź do końca, bez względu na wszystko.
I życzymy powodzenia!