Świetny gawędziarz muzyczny

„Cud cudowny, cud cudowny” – te słowa jednego z bohaterów opery doskonale charakteryzują niesamowita osoba, kompozytor, dobry CZAROWNIK - Nikołaj Aleksandrowicz Rimski-Korsakow, który w tym roku kończy 180 lat.

Świetny gawędziarz muzyczny

„Cudowny cud, cudowny cud” – te słowa jednego z bohaterów opery doskonale charakteryzują niezwykłą osobę, kompozytora, dobrego CZAROWNIKA – Nikołaja Aleksandrowicza Rimskiego-Korsakowa, który w tym roku kończy 180 lat.

Obrazy baśni towarzyszą człowiekowi od samego początku. wczesne dzieciństwo, już od pierwszych kołysanek i bajek.Jego emocjonalny wpływ na całe życie wpaja w duszę dziecka pierwsze pojęcie prawdy i fałszu, o dobrych towarzyszach i pięknych panienkach, że dobro zawsze zwycięża zło. Bajka łączy zwyczajne życie i cud. Zwierzęta, ptaki, drzewa, wszelkie przedmioty gospodarstwa domowego i oczywiście fantastyczne stworzenia stają się dobrymi czarodziejami - wszyscy pomagają bohaterom przejść przez różne próby, pokonać zło i osiągnąć zamierzony cel. Obok baśni żyją epopeje, legendy, podania, obrzędy, pieśni – cały różnorodny i piękny, nierealny i tak bliski nam świat, który pobudza naszą wyobraźnię, pozwala nam stać się współsprawcami tych działań, a przez to swego rodzaju współtwórca ich, a być może twórca nowych.to niespotykane dzieło.

Tak ukształtował się przyszły kompozytor, który urodził się w zwykłej rodzinie szlacheckiej, ale wyrósł jako dziecko niezwykłe, wrażliwe, wrażliwe i marzycielskie. Wszystko wokół uderzało jego wyobraźnię: przyroda z niekończącymi się polami i łąkami, rzekami i jeziorami; i ślady starożytnej architektury nowogrodzkiej, „pozostałości starożytności w postaci licznych wież ściennych, budynków kościelnych, ślady archaicznego malarstwa ściennego, ciemne twarze ikon, blask biżuterii, tradycyjny poważny śpiew klasztorny, procesje krzyżowe, bicie dzwonów , wiele poetyckich opowieści o rzeczywistości i twórczej fikcji” oraz, oczywiście, pieśni, gry, rytuały, których „niezbędnie przestrzegało wiele patriarchalnych rodzin i ich mieszkańców podwórek”; i opowieści o morskich podróżach jego starszego brata, oficera marynarki wojennej – wszystko to odcisnęło piętno na romantycznie myślącym młodzieńcu, zostało wchłonięte, odciśnięte na lata w głębi jego duszy, by później wylać się w dźwiękach jego praca.

Nie znając jeszcze swojego prawdziwego celu, Rimski-Korsakow stale doskonali się w różnych dziedzinach wiedzy, filozofii, sztuki, uczęszcza na wykłady, koncerty, wystawy, zapoznaje się z wybitni ludzie swoich czasów. I rozumie, że coraz więcej czasu i energii poświęca studiowaniu muzyki, do której od wczesnego dzieciństwa miał pociąg, „sposób i pragnienie”. Po ukończeniu Korpusu Marynarki Wojennej w Petersburgu Rimski-Korsakow nawet się zaangażował podróż dookoła świata jako oficer wojskowy, ale po spotkaniu z muzykami Nowej Szkoły Rosyjskiej „Potężnej Garści” czuje już potężną potrzebę nie tylko tworzenia muzyki, ale potrzebę poświęcenia całego swojego życia IT - MUZYCE. „Jest coś więcej, czemu mogę służyć mojej Ojczyźnie”. I to jest „więcej” jego twórczości.

Z biografii kompozytora „Kronika mojego życia” dowiadujemy się, że po tym, jak młody kompozytor wypróbował się w kilku gatunkach i stał się znany publiczności, opracował dwie kolekcje rosyjskiej pieśni ludowe, po czym ostatecznie zdecydował się na chęć pisania muzyki z wykorzystaniem rosyjskiego folkloru. Jak wielu „kuczków”, zwrócił się do tematy historyczne, ale talent kompozytora szukał nowych dróg, rozwijając tylko własne, tylko wrodzone rozumienie historii i kultury. Nie był osamotniony w swoim pragnieniu. Wielu artystów XIX wieku uważnie i uważnie przyglądało się sztuce ludowej, poszukiwało i odnajdywało w niej mądrość i piękno. W ten sposób powstały ballady V.A. Żukowskiego, bajki i wiersze A.S. Puszkina, obrazy V.M. Vasnetsova, M.A. Vrubela, N.K. Roericha, muzyka M.I. Glinka, A.P. Borodin i N.A. Rimski-Korsakow. I tu właśnie pojawia się w jego twórczości temat BAJK - jest jakby echem wewnętrznego, tak czystego i sprawiedliwego duchowego świata człowieka. Dwie strony jego ludzkiego życia: jedna jest zwyczajna, pełna zmartwień, radości, jasnych kolorów i dramatyzmu, druga to świat uduchowionej natury, świat idealnej, bajecznej, niestałej, nieziemskiej, ale i istniejącej zasady. I obie te strony życia są nierozerwalnie bliskie człowiekowi, tyle że dojrzewając, człowiek nie chce zauważać ani natury, ani bajki, zubożając swoją duchową istotę, sprowadzając ją do poziomu potrzeby materialne. Cóż za błogosławieństwo, że są ludzie, którzy pozostają wierni ideałom młodości! Jednym z nich jest Rimski-Korsakow – gawędziarz, czarodziej muzyczny, czarodziej, którego dźwięki wniosły w nasze życie niezapomniane chwile szczęścia w kontakcie z CUDEM.

Bajki, epopeje, opowieści, legendy – to właśnie go zawsze pociągało. W nich (w baśniach) ożywiano, „uczłowieczano” nie tylko przestrzeń, ale i czas. Wiosna-Czerwoność następuje po Mroźnej Zimie, ale z czasem i ona ustąpi miejsca Lato. Z roku na rok cykl ten ma miejsce w przyrodzie, nad którą panuje Yarilo-Słońce, źródło życia, ciepła i światła. Cała nasza praca i odpoczynek odlegli przodkowie był przepełniony radością bycia, obcowania ze sobą i naturą. „Obrazy starożytnych czasów pogańskich i ich ducha wydały mi się... bardzo wyraźne i urzekły mnie urokiem starożytności.” Słynna opera „Śnieżna dziewczyna”, napisana na podstawie sztuki A.N. Ostrowskiego, jest niejako pełnym obrazem życia i życia codziennego pogańska Ruś, gdzie człowiek współistnieje obok innej sfery życia. A opery „Noc Majowa” i „Noc przed Bożym Narodzeniem”, stworzone na podstawie dzieł N.V. Gogola, są pełne „czarów, czarów, a jednocześnie głębokich ludzkich uczuć, które stawiają opór tym siłom, zmuszając je do poddania się człowiekowi .” I wszystkie główne arie postacie, a numery orkiestrowe, przedstawiające życie i zwyczaje tamtych czasów, przepojone są tak precyzyjnymi cechami muzycznymi i melodiami ludowymi, że można poczuć się nie jak słuchacz i widz, ale bezpośredni uczestnik tych wszystkich działań, „daleki mieszkaniec tamtych odległe czasy.” Nikołaj Aleksandrowicz zwraca się zarówno do eposów, jak i legend. Jedna z nich to epopeja o nowogrodzkim śpiewaku-gawędziarzu, Guslarze Sadko, który podbił serca nie tylko ludzi, ale także fantastyczne stworzenia- Księżniczka Wołchowa, Król Morza. Odważny, zaradny, ale jednocześnie lojalny, kochający i niezawodny, przyciąga zarówno mieszkańców miasta, jak i postacie z bajek i wszyscy chętnie mu służą i „zaprzyjaźniają się z nim”. Kompozytor jest tak zanurzony w świat legend, że cała jego opera przesiąknięta jest właśnie tym smakiem, o którym opowiada epos. Znajduje starożytne pieśni charakterystyczne dla Sadko, sam pisze takie melodyjne zwroty, których ze słuchu nie można odróżnić od oryginalnych rosyjskich pieśni ludowych i oczywiście najbardziej jasne chwile, jak osoba dobrze znająca morze, brzmią w jego partiach orkiestrowych, przedstawiając albo Króla Morza w jego podwodnym królestwie, albo księżniczkę Wołchową, albo złotą rybkę, albo burzę na morzu. Jednak najważniejsze, na co zwraca uwagę sam kompozytor, to idea, że ​​sztuka, a zwłaszcza muzyka, jest wielką siłą, której poddają się nawet siły natury i mityczne stworzenia. Rimski-Korsakow ma jeszcze dwie opery napisane na fabule baśni A.S. Puszkina.

Pierwsza z nich, „Opowieść o carze Saltanie”, należy do najciekawszych odkryć kompozytora w dziedzinie orkiestracji operowej i splotu motywów przewodnich (charakterystyki muzycznej bohaterów) w partyturach orkiestrowych i solowych. I jeszcze jeden bardzo interesujący punkt - tylko tutaj, w tej bajkowej operze, bajkowa dziewica Księżniczka Łabędzi, zakochawszy się w osobie, zamienia się w dziewczynę i zostaje żoną wybranego. To pokazuje wpływ piękna ludzkie uczucie– Miłość, do postaci z bajek i „humanizacja” obrazu idealnego do obrazu rzeczywistego, ale na wyższym poziomie jakościowym. Drugą baśnią opartą na fabule A.S. Puszkina jest opera „Złoty Kogucik”, ostatnie dzieło kompozytora, z podtytułem „Opowieść w twarzach”. Łączy w sobie dowcipne rozwiązanie fabularne, znakomite cechy muzyczne, olśniewająco jasną orkiestrację i ekspresję partii wokalnych, celowe zamieszanie i mieszanie postaci, bajeczność i rzeczywistość. Wszystko to wyraża się w słowach Astrologa: „Bajka jest kłamstwem - ale jest w niej podpowiedź, lekcja dla dobrych ludzi”, a w epilogu mówi: „Czy tylko ja i królowa żyjemy twarzami tutaj reszta to delirium, sen, blady duch, pustka.” . O tej operze pisano już wówczas, na początku XX wieku, wiele. W okresie niepokojów rewolucyjnych w Rosji był on oczywiście odbierany jako „satyra na autokrację i wezwanie do buntu”. Wydaje mi się jednak, że jak w każdej bajce, micie, legendzie, i tę ideę należy rozważyć głębiej, przynajmniej z perspektywy naszych czasów. A krzyk koguta brzmi: „Uważaj, bądź czujny!” – to dla nas wezwanie, o którym można by filozofować, ale nie na łamach tego artykułu. Nikołaj Aleksandrowicz miał także baśnie operowe: „Kaszchei Nieśmiertelny”, „Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i Dziewica Fevronia”; Powstały także symfoniczne baśnie muzyczne: suita Antar i słynna suita Szeherezady oparta na baśniach z tysiąca nocy.

Ale Rimski-Korsakow był prawdziwym CZAROWNIKIEM nie tylko w swojej pracy, ale także w życiu. Pracował bardzo ciężko zarówno jako nauczyciel, jak i dyrygent: najpierw w Wolnej Szkole Muzycznej, „chórach muzycznych” wydziału marynarki wojennej, następnie w Konserwatorium w Petersburgu, gdzie przez 30 lat pracował jako profesor, oraz w Kaplica Śpiewająca Dworska. Próbował się w każdym gatunki muzyczne: są to symfonie i obrazy symfoniczne, romanse oraz dzieła na fortepian i inne instrumenty solo i z orkiestrą oraz zespoły kameralne i chóry a cappella, aranżacje pieśni ludowych oraz ulubiony gatunek kompozytora – opera. Szczerze pomagał także swoim uczniom, kolegom i przyjaciołom, jak tylko mógł. Po śmierci swoich muzycznych braci, MP Musorgskiego i A.P. Borodina, Rimski-Korsakow spędził 3-4 lata pracując wyłącznie nad swoimi dziełami: dokańczając, porządkując to, co już zostało napisane, orkiestrując, publikując , wykonywał utwory tychże wybitni kompozytorzy. Jesteś zaskoczony, jak przy tak intensywnej pracy, twórczej i życie publiczne(a także rodzinę, pięcioro dzieci) możesz zachować ten młodzieńczy blask w oczach i tę błyskotliwą, przepełnioną wyobraźnię i chęć pisania bajek. Pamiętajcie, że w jednej z bajek bohater mówi: „Nie jestem czarodziejem, dopiero się uczę. Ale miłość w życiu czyni prawdziwe cuda.” Miłość tego wielkiego człowieka do muzyki, sztuki, do Ojczyzny, do przyjaciół i rodziny, jego wielkie palenie prawdziwym zachwytem i podziwem dla całego Pięknego Serca – to niewyczerpane źródło, dzięki któremu możemy cieszyć się cudami jego twórczości .

Swietłana Stepanowna Owsjannikowa

NA. Rimski-Korsakow

Prawdziwym czarodziejem malarstwa muzycznego był Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow. I świetny gawędziarz muzyki rosyjskiej.

Kompozytor od dzieciństwa ubóstwiał przyrodę. Odkrył w niej urok baśni. A kiedy został muzykiem, wyraził swoją miłość dźwiękami. W jego muzyce była nawet tęcza, narysowana dźwiękami orkiestry z opery Mlada:

Jeden koniec utknął w rusztowaniu”
Zniknęło za chmurami dla innych -
Pokryła połowę nieba
I zmęczyła się na wysokości.

F. Tyutczew

W zdjęcia muzyczne Rimski-Korsakow odtworzył dreszczyk emocji i przebudzenie wiosny, luksus jesiennych kolorów, obrazy południowego lata i tajemnicze krajobrazy rosyjskiej zimy. Ale szczególnie lubił morze. Podziwiał go nie tylko z brzegu. Jako młody człowiek, studiując w Korpusie Marynarki Wojennej, brał udział w kampaniach na Bałtyku. Jako młody oficer marynarki spędził trzy lata żeglując po Atlantyku i Morzu Śródziemnym. Doświadczyłem wszystkich zwyczajów oceanu i chłonąłem jego piękno.

Morze ożyje w jego poematach symfonicznych „Sadko” i „Antar”, w suity „Szeherezada”, w orkiestrowych scenach oper baśniowych i epickich. Jego morze, według obrazowej definicji Asafiewa, majestatycznie pluska, podrzucając rozlewające się fale, by po chwili oddychać spokojnie, delikatnie i czule kołysać się, jakby kołysało się własnym, równym oddechem. A potem znów jest podmuch, kolejny podmuch wiatru: gwałtownie się pieni, fale wznoszą się w szaleńczym przypływie, a na brzeg wychodzi trzydziestu trzech bohaterów pod wodzą wujka Czernomora.

Wiatr wieje nad morzem
A łódź przyspiesza,
Biega wśród fal
Z pełnymi żaglami.
„Opowieść o carze Saltanie” A. Puszkina.

Na jej podstawie Rimski-Korsakow napisał własną baśń muzyczną - operę o Saltanie, jego synu Carewiczu Guidonie i Księżniczce Łabędzi. Wszystko w operze jest fantastyczne – fabuła, partie wokalne i sceny symfoniczne. To właśnie tutaj muzyka jest naprawdę malownicza. Albo obrazy symfoniczne „Morze i gwiazdy” oraz „Trzy cuda”. Słuchasz ich i wyobrażasz sobie obrazy Wiktora Wasniecowa, Michaiła Wrubela czy rysunki Iwana Bilibina. Muzyczne wprowadzenie do drugiego aktu „Morza i gwiazd” kompozytor poprzedził epigrafem z baśni Puszkina:

Gwiazdy świecą w błękitnym morzu,
W błękitnym morzu uderzają fale;
Chmura porusza się po niebie

Jak zgorzkniała wdowa
Królowa płacze i walczy w sobie;
A dziecko tam rośnie
Nie dniami, ale godzinami.

Wersety te zostały w całości odtworzone w muzyce. A kolejność obrazów muzycznych jest taka sama. Słuchając „Morza i gwiazd” ma się wrażenie, że widzi się każdy szczegół” narysowany wierszem przez poetę. Rozbrzmiewa fanfara, zachęcająca słuchacza do zdwojenia uwagi. Fanfary rozpoczynają wszystkie obrazy
opery. A w orkiestrze pojawia się szeroki, majestatyczny temat rytmicznie kołyszącego się oceanu. Ten
temat jest właśnie „przebity” krótkimi akordami czelesty, a w zimnych, „niebiańskich” (rosyjskich celesta – „niebiańskich”) dźwiękach słyszymy, nie, widzimy świecące gwiazdy. Nagle kotły zaczęły niepokojąco szumieć, a fagoty i puzony zaczęły grać mrocznie. Chmura porusza się po niebie. Powstaje nowy temat w orkiestrze - ciężki, niezdarny. Brzmi na pulsującym tle skrzypiec. Mam wrażenie, że po falach toczy się ciężki przedmiot. Tak, to jest beczka! Ogromna dębowa beczka! A ona płacze w środku,
królowa bije: flety i klarnety szlochają, skrzypce i oboje krzyczą. A co z księciem?

„A dziecko tam rośnie

nie według dni, ale godzin”.

Czy to naprawdę jest to, co przedstawia muzyka? Tak. Lekka melodia – temat Guidona, wywodzący się z przejrzystego brzmienia klarnetu, przenosi się w stronę rogów, brzmiąc niżej, odważniej. To tak, jakby głos nastolatka łamał się, gdy ten zamieniał się w młodego mężczyznę. Stopniowo napięcie w orkiestrze opada. Groźny ryk żywiołów ustępuje delikatnemu szumowi skrzypiec i instrumentów dętych drewnianych. Nasi bohaterowie są uratowani. Kurtyna podnosi się i widzimy Guidona wynurzającego się z rozbitej beczki na brzeg nieznanej wyspy wraz ze swoją matką, królową Militrisą.

„Trzy cuda” są równie malownicze. Ten muzyczny obraz poprzedza ostatnia akcja opera „Opowieść o carze Saltanie”. Jej treść zdradza duży poetycki motto opisujące cuda bajeczne miasto Lollipop, gdzie króluje Carewicz Guidon.

Oto wiewiórka obgryzająca złote orzechy i śpiewająca z gwizdkiem: „Czy w ogrodzie, czy w warzywniku” oraz trzydziestu trzech bohaterów „o łuskach jak żar żalu” i nieopisane piękno Księżniczki Łabędzi. I wszystkie te trzy cuda ożywają we wspaniałej muzyce N. Rimskiego-Korsakowa.

Z wdziękiem zabawna wiewiórka - dzwoni i klika dźwiękami ksylofonu, czelesty, fletów i obojów. Nie zapomniano także o „gwizdku” wiewiórki – flecie piccolo (małym flecie). A jej piosenka brzmi znajomo motyw ludowy„Czy to w ogrodzie…” Bohaterowie, wynurzając się z wzburzonego morza, aby strzec stolicy, z ciężkim krokiem wyruszają do odważnego marszu. Bajecznie tajemniczy motyw Księżniczki Łabędzi, narzeczonej młodego Guidona, przypomina bicie dzwonów. A na zakończenie symfonicznej przerwy „Trzy cuda”, przy olśniewających i potężnych dźwiękach całej orkiestry, przed naszą wyobraźnią przesuwają się obrazy
cudowne miasto Ledeniec.

Niemal w każdym dziele Rimskiego-Korsakowa, czy to w operze, czy w symfonii, pojawia się romans lub aranżacja Piosenka ludowa i wszędzie znajdziemy obrazy namalowane dźwiękami, malarstwo muzyczne. Weźmy na przykład lot na linii kowala Vakuli w operze „Noc przed Bożym Narodzeniem”. Muzyka wiernie odtwarza obraz z opowieści Gogola: „Na wysokościach wszystko było jasne. Powietrze było przejrzyste w lekkiej srebrzystej mgle. Wszystko było widoczne; i można było nawet zauważyć, jak czarnoksiężnik, siedząc w garnku, pędził obok nich jak wicher; jak gwiazdy zebrane w kupę bawiły się w buffa ślepca; jak cały rój chmur przesunął się na bok
duchy.” W muzyce usłyszysz i „zobaczysz” wszystkie szczegóły tego fantastycznego obrazu.
Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow był prawdziwym czarodziejem muzyki.

„Oddziaływanie muzyki i literatury” – pieśń. Wokalizacja Słońce wschodzi. Melodia. Notatka. Solowa twórczość muzyczna i poetycka. Romans. Jakim instrumentom towarzyszą romanse? Nowy dźwięk. Peera Gynta. Piosenka Crane'a. Interakcja muzyki i podłoże literackie. Edwarda Griega. Rachmaninow Siergiej Wasiliewicz. Język muzyki.

„Środki wyrazu muzycznego” - 3. Jak nazywa się głośność dźwięku? O czym to jest? Udogodnienia ekspresja muzyczna. 7.To może być tempo. 4. Nieciągły, spójny, odrębny. 1. Jeden z rodzajów progów. 6. Jedna z form pracy.

„Muzyka oparta na bajkach Puszkina” - Ilustracje do bajki. Puzon. Gwiazdy. Opera. Obrazy z bajek Puszkina. MI. Glinka. Rusłan. Miesiąc. Rura. Dobra piosenka. Księżniczka. Morze. Bajki. Dobre bajki. Skrzypce. Celesta. Flet prosty. Narzędzia. Przed pałacem rośnie świerk.

„Przestrzeń w muzyce” – Mozaika. Mikalojus Konstantinos Ciurlionis. Liczby i funkcje. Rosjanie. Sonoryka. Rosyjski pisarz science fiction. Obraz. Natura. Syntezator. Mozaika kwiatów. Eduard Nikołajewicz Artemyjew. Grupa „Ziemianie”. Kartkówka. Pierwszy statek kosmiczny. Z jaką pracą się zapoznałeś? Niezwykłość. Trawa w pobliżu domu. Blask nieziemskich światów.

„Muzyka w kinie” - Muzyka w kinie. Wyobraźmy sobie siebie w sytuacji pierwszych kinomanów. D. D. Szostakowicz. Prawie w każdym filmie słyszymy muzykę. D. Szostakowicz uważał swoją pracę w kinie za najważniejszą, jak zresztą wszystko, co robił. Leonid Utesow sprowadził Dunajewskiego do kina. Pomimo całego bogactwa technik wizualnych, filmy nieme rozwijały się zbyt wolno.

„Muzyka i sztuki piękne” - Romans. Bylina. E. Poplyanova „Zaczyna się lekcja”. Dlaczego kochasz coś tak smutnego, Dlaczego z taką radością przyjmujesz udrękę? G. Hesse. Prezentacja do lekcji „Muzyka i sztuka" Cel lekcji: nauka znajdowania podobieństw i różnic pomiędzy muzyką a malarstwem. Temat lekcji: „Muzyka i sztuki wizualne”.

Łącznie dostępnych jest 37 prezentacji na ten temat

Rosyjska szkoła kompozytorska, której spadkobierczynią tradycji były szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX w. sztuka muzyczna z Rosjanami melodie ludowe, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdym z nich sławni ludzie można powiedzieć wiele, nie każdy jest prosty, a czasami tragiczne losy, ale w tej recenzji staraliśmy się podać tylko krótki opisżycie i twórczość kompozytorów.

1. Michaił Iwanowicz Glinka

(1804-1857)

Michaił Iwanowicz Glinka podczas komponowania opery „Rusłan i Ludmiła”. 1887, artysta Ilja Efimowicz Repin

„Aby stworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy.”

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rosyjskim kompozytorem klasycznym, który zdobył światową sławę. Jego twórczość opiera się na wielowiekowych tradycjach języka rosyjskiego muzyka ludowa, były nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.

Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Impulsu twórczego do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera.

Sukces przyszedł do M.I. Glinki w 1836 roku, po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”), która została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich; po raz pierwszy w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej symfonii i operze praktyki zostały organicznie połączone i pojawił się także bohater taki jak Susanin, którego wizerunek podsumowuje Najlepsze funkcje charakter narodowy.

V.F. Odoevsky opisał operę „ nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii - okres muzyki rosyjskiej”.

Druga opera to epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życiowych kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został odebrany niejednoznacznie przez publiczność i władze, przyniosła trudne chwile dla doświadczeń M.I. Glinki. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat o M.I. Glince:„Wszystko po rosyjsku szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarty jest w symfonicznej fantazji „Kamarinskaya”. P.I. Czajkowski

Interesujący fakt: Michaił Iwanowicz Glinka nie cieszył się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może, gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języki obce, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz Borodin

(1833-1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.

Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności na różnych polach, przede wszystkim w muzyce i chemii.

A.P. Borodin to rosyjski kompozytor-samorodek, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne wynikały z samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania.

Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak zresztą wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX w.), a impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX w. dały dwa wydarzenia – po pierwsze, jego znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie, spotkanie z M.A. Bałakirewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”.

Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.XX wiek.

Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej epopei heroicznej w muzyce, której on sam nie miał czasu ukończyć (ukończył ją jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzenia historyczne, odzwierciedlone główny pomysł w całej twórczości kompozytora - odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego narodu rosyjskiego, przejawiająca się w obronie ojczyzny.

Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiego muzyka symfoniczna, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie:„Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity w symfonii, operze i romansie. Jego głównymi cechami są gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość, połączone z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem. V.V. Stasov

Interesujący fakt: Reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają chlorowcowane węglowodory, którą jako pierwszy zbadał w 1861 r., nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz Musorgski

(1839-1881)

"Dźwięki ludzka mowa jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i przemocy stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garści”. Innowacyjna kreatywność Musorgski znacznie wyprzedził swoją epokę.

Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wiele utalentowani ludzie, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu, był według tradycji rodzinnej wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie dla służby wojskowej, ale dla muzyki, było spotkanie z M.A. Bałakirewem i przyłączenie się do „Potężnej Garści”.

Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe historii Rosji z radykalną nowością, jakiej muzyka rosyjska nie znała wcześniej, pokazując w nich połączenie masowego folku sceny i różnorodne bogactwo typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach autora i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie.

Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utwory na fortepian„Obrazy z wystawy”, kolorowe i pomysłowe miniatury, przesiąknięte są rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność.

Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko zadecydowało o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów.

Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowały pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrały ważną rolę w kształtowaniu się stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat o MP Musorgskim:„Oryginalne rosyjskie brzmienie we wszystkim, co stworzył Musorgski” – N.K. Roerich

Interesujący fakt: Pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi.

4. Piotr Iljicz Czajkowski

(1840-1893)

„Jestem artystą, który może i powinien przynosić honor mojej Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co potrafię. I chcę to zrobić całą siłą duszy.”

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, podniósł niespotykana wysokość Rosyjska sztuka muzyczna. Jest jednym z najbardziej ważnych kompozytorówświatowa muzyka klasyczna.

Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie znajdują się na Ukrainie, Czajkowski pokazywał od dzieciństwa zdolności muzyczne jednak moja pierwsza edukacja i praca dotyczyły prawa.

Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”, studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu.

Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do popularnych postaci „Potężnej Garści”, z którymi utrzymywał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duch rosyjski, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi od Michaiła Glinki.

Kompozytor prowadził aktywne życie- był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce.

Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często; będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.

Aby podkreślić coś najlepszego w twórczości Czajkowskiego: trudne zadanie, ma kilka dzieł o jednakowej wielkości w niemal wszystkich gatunkach muzycznych - opera, balet, symfonia, muzyka kameralna. A treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.

„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego bardzo go szanuję.” A.P. Czechow

Interesujący fakt: Uniwersytet w Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, podobnie jak Akademia Paryska Sztuki piękne wybrał go na członka-korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow

(1844-1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego. Jego niepowtarzalny świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.

Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, zgodnie z tradycją rodzinną został oficerem marynarki wojennej i podróżował na okręcie wojennym po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukacja muzyczna pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.

Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne.

Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.

Oprócz bezpośredniego niezależnego działalność twórcza N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako kompletator dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze:„Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę pierwotnie rosyjską istotę, jej głęboką folklorystyczno-rosyjską podstawę należy dziś szczególnie docenić.” Mścisław Rostropowicz

Fakt o kompozytorze: Nikołaj Andriejewicz rozpoczął swoją pierwszą lekcję kontrapunktu w ten sposób:

- Teraz będę dużo mówić, a ty będziesz słuchać bardzo uważnie. Wtedy ja będę mniej mówił, a wy będziecie słuchać i myśleć, a w końcu ja nie będę już mówił wcale, a wy pomyślicie głową i będziecie pracować samodzielnie, bo moim zadaniem jako nauczyciela jest stać się wam niepotrzebnym...

Znalazłeś błąd? Wybierz i naciśnij w lewo Ctrl+Enter.

Pisarze i artyści wzbogacili wyobraźnię i umiejętności. N. A. Rimski - Korsakow przetłumaczył bajkę na muzykę

Obrazy baśni towarzyszą człowiekowi od wczesnego dzieciństwa, od pierwszych opowieści dorosłych i głośnego czytania, od bajek i kołysanek. Dziecko pozbawione oddziaływania emocjonalnego pozostaje pozbawione do końca życia: jego wyobraźnia nie otrzymuje podstawy do rozwoju. Bajka kładzie także fundament moralny w człowieku: bieguny ciemności i światła są w niej tak wyraźnie i wyraźnie zarysowane, że dorastając w bajce, dziecko uczy się w niej odróżniać dobro od zła, sprawiedliwość, miłosierdzie i okrucieństwo, objawiły mu się podstępy.

Bajka łączy w sobie konkretność codzienności z ogólnością konwencjonalnego, wyimaginowanego świata. Nie może istnieć bez cudu. Dobrzy czarodzieje- zwierzęta, ptaki, fantastyczne stworzenia - pomóż bohaterowi przejść próby, pokonać zło i osiągnąć zamierzony cel. I myślę, że to jest jej głęboka mądrość, ponieważ cudem jest realizacja ideału, marzenia. Znamy baśń w różnych odsłonach: w literaturze, teatrze i kinie; W muzyce, malarstwie, rzeźbie jest baśń, jest ona odgrywana i rozwijana pod każdym względem.

Bajka Jej kapryśny świat, w którym fikcja tak naturalnie łączy się z rzeczywistością, przyciąga wielu rosyjskich kompozytorów. Ale żaden z nich nie oddał bajce tyle pasji swojej duszy, co Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow. Zainteresowaliśmy się tym kompozytorem jako gawędziarzem. Jako dzieci wszyscy uwielbialiśmy bajki. Przecież słuchając baśni, poznajesz nowe przygody z ich bohaterami, cieszysz się z ich zwycięstw i czujesz smutek, gdy zło może pokonać dobro. To tak, jakbyśmy stali się bohaterami baśni. W latach studiów na Szkoła Muzyczna spotkać z twórczość muzyczna Rimski-Korsakow. W naszej pracy rozważymy prace indywidualne, napisane na baśniowych fabułach.

Rimski-Korsakow nazywany jest największym gawędziarzem wśród kompozytorów. Gdzie, kiedy i przez kogo poruszyły się w jego duszy struny, nawiązujące do rosyjskiej starożytności, pieśni ludowych, poezji starożytnych mitów i obrazów, które skłoniły go do wyśpiewania w swoim dziele piękna natury i harmonii istnienia. Otwórzmy napisaną przez siebie biografię kompozytora zatytułowaną „Kronika mojego życie muzyczne„, a przed nami stoi wygląd osoby powściągliwej, lakonicznej w swoich osądach i w żaden sposób nie podatnej na zmiany mentalne. Wręcz przeciwnie, wyraźnie widać analityczny sposób myślenia, odrzucenie wzniosłych słów i poetycką aureolę wokół własnej twórczości, spojrzenie na komponowanie muzyki przede wszystkim jako na niestrudzoną i trudną pracę. Ale jeśli chcemy zrozumieć początki światopoglądu Rimskiego-Korsakowa, to jego muzyka może nam wiele powiedzieć: głosy ptaków i melodie pasterskie, cichy szum lasu, ryk morza i podniecenie tafli jeziora , okrągłe tańce, tańce, pieśni rozrzucone jego hojną ręką w jego dziełach, takie mogą być tworzone jedynie przez kochającą i głęboko odczuwającą naturę i ludzi.

Prawie doszliśmy do charakterystyki główny temat twórczość Rimskiego-Korsakowa: Człowiek wobec niezwykłości, cudu. Treść jego dzieł mówi nam: dwie sfery zawsze były i są, obok siebie współistniejące. Jednym z nich jest życie ludzi pełne zmartwień, radości i niepokojów, życie jest kolorowe, jasne, dramatyczne. W jego operach królowie, kupcy, pasterze, bufony, ładne panny, dobrzy ludzie idą przed nami w kolejce. O innym świecie można mówić słowami Sadko, która widziała Maga z siostrami – łabędziami na brzegu jeziora Ilmen: „Cudowne, cudowne, cudowne, cudowne!” Ten świat to odrodzona, uduchowiona natura, która wywodzi się z mitów, legend i baśni. Dla bohaterów oper – to świat ideału. Bajkowy cud Rimskiego-Korsakowa bohaterowie odbierają poprzez Piękno, jest on jednak nieosiągalny, oddzielony od realnego świata i nie może się z nim stopić.

Wszystko to objawia się w baśniowych operach. Ale przede wszystkim w pięknej poetyce” wiosenna bajka" "Królowa Śniegu".

Przede wszystkim „Śnieżna Panna” przyciągnęła Nikołaja Andriejewicza, ponieważ w baśniowej formie wychwalała dobroć, miłość do ludzi, siłę dobroci i piękna.

„Śnieżna Panna” to opera żywo realistyczna, która głęboko koresponduje z naturą rosyjskiej baśni ludowej, która w wyjątkowy sposób odzwierciedlała rzeczywistość. W swojej kompozycji, prezentacji i samym rozwoju obrazów muzycznych „Śnieżna Panna” zbliża się do baśniowej narracji z charakterystycznie unikalnym przebiegiem akcji. Na tym polega jedna z różnic między baśniowymi operami Rimskiego-Korsakowa a operami Czajkowskiego.

Treść opery jest głęboko zakorzeniona w twórczości ustnej, poetyckiej i muzycznej narodu rosyjskiego. Opiera się na różnych odmianach języka rosyjskiego ludowe opowieści o dziewczynie Snow Maiden, znacznie rozwiniętej i poprawionej. Ostrowski. Piękna Śnieżna Panna, córka Wiosny i Mrozu, ginie pod promieniami topniejącego słońca. Ale finał opery brzmi wesoło i jasno. W ten sposób kompozytor wyraża główną ideę opery – triumf jasnego początku, jedność człowieka i natury.

Poruszając w swojej Kronice problematykę dramaturgii muzycznej Panny Śnieżnej, Rimski-Korsakow szczególnie podkreśla wagę motywów przewodnich tej opery. Wszyscy główni bohaterowie opery mają w „Śnieżnej Dziewicy” motywy przewodnie. Yarilo-Sun ma także charakterystyczny motyw przewodni. Dokonując szczegółowej analizy tematycznej opery, Rimski-Korsakow wskazuje na całe grupy motywów przewodnich Śnieżnej Dziewicy, cara Berendeya, Wiosny, Leszy i innych postaci. W całej operze motywy przewodnie ulegają rozwojowi, w całości lub w całości w małych fragmentach przechodzą przez różne instrumenty i partie wokalne, zmieniając ich barwę. Motywy przewodnie oddają subtelne zmiany w pozycji dramatycznej bohaterów. Jeśli w kolejnych operach („Sadko”, „Opowieść o carze Saltanie” itp.) świat fantasy i ludzki świat Rimski-Korsakow przedstawia różne środki muzyczne, następnie w „Śnieżnej Dziewicy”, gdzie ten podział na „zwyczajne” i „niezwykłe” jest prawie nieobecny, motywy przewodnie są bardzo melodyjne, melodyjne i głęboko ludzkie.

Opera powstała bardzo szybko, w ciągu jednego lata. W dużej mierze sprzyjała temu poetycka atmosfera otaczająca wówczas kompozytora. „Po raz pierwszy w życiu miałem okazję spędzić lato w prawdziwej rosyjskiej wsi, mówi Rimski-Korsakow w Kronice” - Piękne położenie, piękne gaje, ogromny las, pole, wiele porozrzucanych drzew, mała rzeka, nieprzejezdne drogi, pustka, wszystko mnie zachwycało – to szczególnie współgrało z moim ówczesnym nastrojem i moją miłością do fabuły „Śnieżnej Dziewicy”.

Zarówno w twórczości Rimskiego-Korsakowa, jak i w całej rosyjskiej literaturze operowej „Śnieżna Dziewica” zajmuje wybitne miejsce. Z wyjątkową jasnością i obrazowością Rimskiemu-Korsakowowi udało się ucieleśnić tutaj życie ludu z jego starożytnymi zwyczajami, rytuałami, pieśniami i bajkami.

Ale nie mniej fantastyczny i interesujący jest obraz symfoniczny „Sadko”, w którym Rimski-Korsakow ujawnił jeden z odcinków starożytnej rosyjskiej epopei o nowogrodzkim guslarze. Tutaj malowane są obrazy morza, czasem spokojne i majestatyczne, czasem gwałtowne, a także bajeczne wizerunki mieszkańców podwodnego królestwa. Groźna muzyka reprezentuje Króla Morza, uduchowiona muzyka liryczna reprezentuje Morską Księżniczkę; delikatny, pełen wdzięku taniec złotej rybki. Sadko gra na harfie, dziki taniec, a teraz już go nie ma, podwodne królestwo pełną parą, fale wrzeją i grożą zatopieniem statków. Wtedy Sadko łamie struny harfy harfy i znów błękitne morze jest spokojne .

Film muzyczny „Sadko” zaznaczył pojawienie się w twórczości kompozytora nurtu folkowo-epickiego. Pomysł stworzenia obrazu symfonicznego „Nowogród” zrodził się u V.V. Stasowa, który swój projekt zaproponował najpierw Bałakiriewowi, potem Musorskiemu i wreszcie Rimskiemu-Korsakowowi. Według programu opracowanego przez Stasowa powstał „symfoniczny Sadko”. Kompozytor pojmował swoje dzieło jako ucieleśnienie zasady poetyckiego folku, zaznaczając go magicznymi, naturalnymi obrazami: a folk powinien pojawiać się szczególnie jasno, gdy gra Sadko, oddzielając w ten sposób jego osobowość od innych otaczających go fantastycznych stworzeń; ten ostatni nie powinien być typu zbyt prawdziwego rosyjskiego, ale powinien być przede wszystkim fantastyczny, a potem rosyjski”.

W „Sadko” po raz pierwszy w pełni ujawnił się potężny talent dźwiękopisarski Rimskiego-Korsakowa. Obraz majestatycznego oceanu, opis magicznych cudów podwodnego królestwa, nurkowanie Sadko na dnie morskim było w muzyka XIX wiek. A. N. Serow z entuzjazmem wypowiadał się o niesamowitej malowniczej kompozycji A. N. Serowa: „Ta muzyka naprawdę przenosi nas w głąb fal - jest czymś „wodnistym”, „podwodnym” do tego stopnia, że ​​żadne słowa nie są w stanie wyrazić czegoś podobnego. W tajemniczym otoczeniu morskiego potoku widzisz, jak niczym duchy pojawiają się majestatyczne lub zabawne postacie starego króla morza i jego gości; jesteś obecny na ich uczcie, podczas ich tańców; można prześledzić cały ich ruch – każdy ruch, każda figura jest typowo rosyjska. Dzieło to należy do ogromnego talentu w swojej specjalności – malarstwie przy pomocy muzyki.”

Sadko jest bohaterem nie tylko filmu symfonicznego, ale także opery „Sadko”. W latach 60. w Petersburgu, w kręgach miłośników i kolekcjonerów literatury ustnej Sztuka ludowa wystąpił prosty rybak Onega T. G. Ryabinin. Zasłynął ze swojej umiejętności „opowiadania” eposów, których znał niezliczoną ilość. Słuchał także Rimski-Korsakow. Szczególnie przyciągnął go epos o Sadko. W 1867 roku napisał jedno ze swoich wczesnych dzieł opartych na tej fabule – obraz symfoniczny „Sadko”. Minęło sporo czasu, a w 1894 roku epopeja ponownie przyciągnęła uwagę kompozytora, tym razem jako fabuła do opery.

Pomysł stworzenia opery „Sadko” podsunął Rimskiemu-Korsakowowi Stasow.

„Jesteś Nowogrodczykiem” – pisał do kompozytora – „epos o Sadku jest najlepszym i najważniejszym eposem nowogrodzkim; zawsze widać w nim starodawną rosyjską pogańską starożytność i pierwiastek magiczny, baśniowy, fantastyczny, i to wszystko wydają się być najsilniej i najgłębiej zakorzenione w twoim charakterze artystycznym. Wydaje mi się, że to będzie Twoje najważniejsze dzieło.” Stasow się nie mylił. Opera „Sadko” to jedno z najbardziej uderzających i oryginalnych dzieł kompozytora.

Świat baśni zawsze przyciągał Rimskiego-Korsakowa. Z dwunastu oper powstałych w ciągu ostatnich dwudziestu lat jego życia siedem opierało się na fabułach baśniowych lub legendarnych. Do takich oper należy właśnie opera „Opowieść o carze Saltanie”, kompozytor ucieleśniał różnorodne gatunki dziedzictwa poezji ludowej: kronikę rosyjską, epopeję, baśń.

Stasow poradził kompozytorowi, aby zwrócił się do fabuły „Opowieści o carze Saltanie”. Niejednokrotnie sam Nikołaj Andriejewicz myślał o operze opartej na fabułach baśni Puszkina. Pomysł napisania bajkowej opery natychmiast urzekł Rimskiego-Korsakowa. W jego biurze w Petersburgu pojawia się wydanie bajki Puszkina z jasnymi, bogatymi rysunkami S. S. Solomenko. Nikołaj Andriejewicz wielokrotnie czytał ten poetycki skarb. Jakby dokuczając, namawiając do pisania, wersety Puszkina zdawały się ekscytować twórcza wyobraźnia kompozytor: znane motywy i intonacje piosenek raz nagranych i przypadkowych wśród ludzi już minęły. Niektóre z nich zostały bezpośrednio zasugerowane przez samego Puszkina: jego magiczna wiewiórka śpiewa: „W ogrodzie lub w ogrodzie warzywnym” i księżniczka łabędzi „ mówi po rosyjsku” – ona charakterystyka muzyczna Opera utkana jest z intonacji rosyjskiej pieśni ludowej: „Kaczka pływała w morzu”. „Opowieść o carze Saltanie” zawiera prawdziwe motywy rosyjskiej opowieści ludowej o królowej, która z powodu złych oszczerstw zazdrosnych sióstr car kazał włożyć do beczki i wrzucić do morza.

Rimski-Korsakow raz po raz czytał długi tytuł wiersza, pasujący do ludowych eposów i legend: „Opowieść o carze Saltanie, jego chwalebnym i potężnym synu bohaterze, księciu Guidonie Saltanowiczu, i pięknej księżniczce łabędzi”. Jeszcze raz przebiegłem wzrokiem szybkie wersety Puszkina:

Wiatr wieje nad morzem

I łódź przyspiesza;

Biega wśród fal

Z podniesionymi żaglami.

Stopniowo plan opery staje się jaśniejszy. Rimski-Korsakow zaczął pisać esej wiosną 1899 roku. otrzymawszy od Belskiego libretto na początek opery. Chciałem napisać muzykę nawiązującą do baśni Puszkina – coś całkowicie rosyjskiego, wesołego miasteczka. Praca poszła szybko i łatwo. „Opowieść o carze Saltanie” została ukończona przez kompozytora w 1890 roku. Opera okazała się prawdziwym Puszkinem.

Kolejną operą opartą na fabule Puszkina jest „Złoty kogucik”, ostatnia i piętnasta opera Rimskiego-Korsakowa, stworzona przez niego na rok przed śmiercią. Jednak w ostatnie lata coraz bardziej nasycał je nowoczesnym brzmieniem.

Opera oparta jest na poetyckiej baśni Puszkina pod tym samym tytułem. Librecista pod kierunkiem kompozytora odważnie dodał nowoczesny akcent, wzmacniając tym samym satyryczny wydźwięk dzieła. Korzystając z tekstu Puszkina, Belski go uzupełnił duże sceny, wyraźnie zarysował bohaterów opery. Tak na przykład przedstawił Nowa postać- gospodyni Amelfa, która jest zajęta sprawami domowymi cara, a Polkan, jego pies stróżujący, jest zajęty sprawami państwowymi. Nawiasem mówiąc, Puszkin nie ma imienia Palkan - nazywa się Wojewoda, a jego mowa ogranicza się do wymówienia tylko kilku fraz. A o synach Dadona – Guidonie i Afronie – poeta wspomina jedynie. Wszystkie te dodatki zostały wykonane przez Belskiego utalentowanego w duchu Puszkina. Wizerunek królowej Szemakhan także jest w operze swobodnie rozwijany, czyli, innymi słowy, uzupełnia całą treść drugiego aktu. To złożony fantastyczny obraz. Okrucieństwo królowej nie jest tylko cechą jej charakteru. Twórcy opery starali się ukazać pokusy zmysłowego piękna.

Opera okazała się naprawdę nowoczesna: opowiada o tym, jak zgniła władza królewska popełniając przestępstwa, łamiąc obietnice.

Po śmierci kompozytora premiera „Koguta” odbyła się 14 września 1909 roku w Moskwie. Opera została ciepło przyjęta przez publiczność.

Oprócz oper Nikołaj Andriejewicz stworzył wspaniałe dzieła symfoniczne- „Hiszpańskie Capriccio”, „Szeherezada”, „Bajka”.

Bajki raz narodzone przekazywane są z pokolenia na pokolenie, utrwalają je w pamięci ludzi, utrwalają je strony książek, dźwięki dzieł. Ale są bajki, które nadal żyją jako dzieła wielkich artystów.

Przejście Rimskiego-Korsakowa do programu uogólnionego zostało ostatecznie określone w jego „Bajce” na orkiestrę. Warto zwrócić uwagę na prolog z wiersza „Rusłan i Ludmiła”, który nie ma fabuły, a jedynie wprowadza klimat ludowych baśni rosyjskich. Podobnie jak Puszkin, Rimski-Korsakow daje w swojej twórczości dziwaczną „mieszaninę” baśniowych obrazów i obrazów. Wśród fantastycznych można wymienić Babę Jagę z zastępami czarownic i goblinów, chatkę na kurzych udkach, fantastyczne ptaki, syreny. On sam nie odrzucał wizualnego znaczenia muzyki, choć podkreślał, że jego „Bajka” wcale nie ilustruje prologu Puszkina. Ważna funkcja Ogólna dramaturgia tego dzieła to przewaga fantastyki: w dużej mierze – ponurej, gniewnej – szalonej, w mniejszym – lekkiej, lirycznej i tajemniczej. Powolne wprowadzenie przedstawia zimny, pozornie ukryty, bajkowy las. Spokojna zmiana magicznych obrazów i intonacji, statyka harmoniczna.

Niezwykła, przemyślana, umiejętnie skonstruowana dramaturgia „Bajek”. Konsekwentnie rysuje kontrast pomiędzy dwiema sferami intonacji i barwy. Obrazy niewygodnego, baśniowego świata pojawiają się w zimnych, przyciemnionych dźwiękach.

Specyfiką „Bajek” nie jest wykorzystanie muzycznej malowniczości podstawa działki, ale w oparciu o uogólnioną interpretację programu poetyckiego i, co bardzo ważne, w warunkach czysto instrumentalnej kompozycji sonatowej.

Jeśli „Capriccio Espagnol” jest genialnym utworem orkiestrowym bez fabuły, to „Szeherezada” jest dziełem programowym. W jego programie znajdują się obrazy inspirowane orientalnymi baśniami z tysiąca nocy. To baśń w muzyce. I choć „opowiada” ją rosyjski kompozytor, jej muzyka ma wyrazisty charakter.

„Szeherezada” to dzieło jedyne w swoim rodzaju. Kompozytor wpadł na pomysł stworzenia takiego dzieła już w 1877 roku. Mówiąc o Wschodzie, kompozytor prawie nie sięgał po melodie iście orientalne. Ale cała muzyka zdaje się przesiąknięta gonionymi rytmami i kapryśnymi melodiami orientalnych śpiewaków i muzyków. Dlatego „Szeherezada” jest tak kochana nie tylko tutaj, w Rosji, ale także na Wschodzie, gdzie jest postrzegana jako jedna ze swoich, muzyka narodowa. „Szeherezada” – zdaniem jednego z egipskich kompozytorów, wiernie i głęboko oddając barwy sztuki orientalnej – zakochała się w Egipcjanach. Melodie „Szeharazady” stały się szeroko popularne wśród ludu”.

„Szeherezada” została wystawiona w Petersburgu w 1888 roku. Orkiestrą dyrygował sam Rimski-Korsakow. Poemat symfoniczny nie od razu zyskał popularność. Rosyjscy słuchacze zrozumieli to dopiero stopniowo.

Bajki, raz narodzone, przekazywane są z pokolenia na pokolenie, utrwalają je w pamięci ludzi, utrwalają je strony książek. Ale są bajki, które nadal żyją nie tylko jako dzieła sztuki ludowej, ale także jako dzieła wielkich artystów.

Wielkie dzieła sztuki są wybierane przez historię tylko spośród dzieł

charakter „konfesyjny”.

Tylko to, co było wyznaniem pisarza, tylko stworzenie, w którym spalił się doszczętnie, czy to po to, by narodzić się dla nowych stworzeń, czy też po to, by umrzeć – tylko to może stać się wielkie.

Vrubel docenił muzykę N. A. Rimskiego - Korsakowa już w latach studenckich, kiedy wieczorem stworzył kilka kompozycji, które wizualnie towarzyszyły filmowi symfonicznemu kompozytora na temat eposu „Sadko”. Ale dokładna znajomość operowych dzieł symfonicznych i kameralnych romansów muzyka nastąpiła dopiero pod koniec lat 90. XIX wieku, kiedy Nadieżda Iwanowna została wykonawczynią ról Śnieżnej Dziewicy, Trzech Króli, Księżniczki Łabędzi i Marty. Kompozytor wysoko cenił talent N. I. Zabeli, uważał ją za najodpowiedniejszą do wyrażenia swoich idei i miał na uwadze właśnie jej możliwości artystyczne, tworząc odpowiednie partie w operach „Narzeczona cara”, „Opowieść o carze Saltanie”, „Koszej Nieśmiertelny”.

Znajomość i zbliżenie artysty i kompozytora w ostatnich latach stulecia, odzwierciedlone w korespondencji Rimskiego-Korsakowa z parą Vrubelów, spowodowane było nie szczególnym zainteresowaniem kompozytora twórczością Michaiła Aleksandrowicza, ale wokalem i talent poetycki Nadieżdy Iwanowna as Śpiewak operowy i wykonawcy romansów. Dla Vrubela było to ważne, ale było też coś innego - obsesja kompozytora na punkcie narodowo-poetyckiego świata obrazów epickich i baśniowych, które w tamtych latach były szczególnie bliskie artyście. Muzyka epickich baśniowych oper Rimskiego-Korsakowa tylko utwierdziła Vrubela w jego atrakcyjności dla tego świata, w którym żył jeszcze przed zbliżeniem się z kompozytorem.

Vrubel czuł bliskość bajecznie poetyckiej kolorystyki muzyki Rimskiego-Korsakowa, jej fantazyjnej elegancji, wzoru i rytmicznej ozdoby. Elegancko bajeczne „epickie” opery Rimskiego-Korsakowa, zwłaszcza „Sadko” i „Opowieść o carze Saltanie”, mają epicko spokojny charakter, ale opery „Mozart i Salieri”, „Boyaryna Vera Sheloga” i „Carska narzeczona” ”, napisany także pod koniec lat 90. XIX wieku, w latach zbliżenia Vrubela z kompozytorami, specjaliści określali gatunek „dramatów muzycznych”. Wydawać by się mogło, że dramat i tragedia w muzyce Rimskiego-Korsakowa powinna być jeszcze bliższa Vrubelowi ze względu na naturę jego własnej twórczości; docenił wspomniane dramaty operowe kompozytora i wystawiał je na scenie jako artysta Opery Prywatnej.

Z innych źródeł wiemy też, że Vrubel najbardziej cenił opery „Sadko” i „Opowieść o carze Saltanie”, które – jak można sądzić – odbierał jako muzyczną analogię bliską jego własnym wizerunkom.

Będąc jeszcze w gospodarstwie, latem 1898 roku Vrubel napisał dzieło „Sadko”, które 26 sierpnia Ekaterina Iwanowna zobaczyła podczas pakowania obrazów. Być może był to jeden ze szkiców Vrubela do malowania naczyń Kuzniecowa, ale B.K. Janowski pisał o panelu „Sadko”, wykonanym w latach 1898-1899, którego nikomu jeszcze nie udało się odkryć. Na wystawie w 1908 r. A. A. Botkina zobaczył między innymi płótno Vrubela – „bardzo duży, bardzo ciemny obraz Sadki”. Ponadto niejaki Bykow Konstantin Nikołajewicz pisał do Ostrouchowa 27 lutego 1910 r. o Duży obraz Vrubel – Sadko gra na harfie. Z jednej strony grupa nimf, z drugiej z trawy przypływają łabędzie w rytm dźwięków: „Światło księżyca jest pełne nastroju, a postać Sadko jest pięknie narysowana”.

W rezultacie „po „Sadko” rozpoczyna się nowy okres w twórczości kompozytora.

Wydaje się, że w utworach na tematy „Sadko” Vrubel dochodzi do owej harmonii realności i fantastyczności, o której myślał sam kompozytor.

W jednym z długich zimowe wieczory w moskiewskim domu S.I. Mamontowa, wielkiego przemysłowca i zapalonego miłośnika sztuki, czytali „Śnieżną dziewczynę” Ostrowskiego. Wśród obecnych był młody artysta Wiktor Wasniecow. Mamontow uwielbiał gromadzić wokół siebie utalentowaną młodzież. W grudniowy wieczór sami wystawiliśmy „Śnieżną Dziewicę”. Zestawy i kostiumy dla występ w domu patron poprosił o to Wasnetsowa. Wiktor Michajłowicz rozłożył płótno na podłodze i malował scenerię dużym pędzlem. Dla Wasnetsowa była to nowa i niezwykła praca, ale zakończyła się sukcesem. W scenerii było coś znajomego, przywołującego wspomnienia z dzieciństwa, dawno minionych lat, kiedy baśnie wydawały się równie wiarygodne i realne, jak otaczający nas świat.

Kilka lat po wystawieniu na scenie „Śnieżnej dziewczyny” Ostrowskiego kino domowe Mamontow otworzył w Moskwie własny teatr - Rosyjską Operę Prywatną. Plakaty zapowiadały prawykonanie w Moskwie opery Rimskiego-Korsakowa „Śnieżna dziewczyna” ze scenografią i kostiumami autorstwa artysty W. Wasnetsowa. „Kiedyś zapytano mnie” – powiedział W. Wasniecow – „jakie materiały pomogły napisać scenografię do „Śnieżnej dziewczyny?” Artysta nie odpowiedział na to pytanie, ale pomyślał: pomogły dwie osoby: Ostrowski z tekstem, Rimski-Korsakow z muzyką.

Niejednokrotnie na scenie kina domowego Mamontowa wystawiano „Śnieżną dziewczynę”, a sety Wasnetsowa budziły podziw wśród publiczności.

Muzyka Rimskiego-Korsakowa przeszła bez szwanku przez płycizny i rafy historycznego potoku. W w pewnym sensiełączył w sobie cenne cechy charakterystyczne indywidualnie dla sztuki Bałakiriewa, Mussorskiego, Borodina: nienaganny gust artystyczny pierwszego, bezkompromisową prawdę w przedstawianiu życia ludowego drugiego, epicki rozmach tego ostatniego. Ale pochłonąwszy to, co było blisko, nie zmieniła swojego. Nikt z taką głębią nie odsłonił ludowego ideału piękna, nikt nie uhonorował ducha wolności i miłości tak nieudawanym hołdem. godność człowieka jak Rimski-Korsakow. Był świetnym gawędziarzem nie tylko dlatego, że potrafił przy muzyce opowiadać zabawne lub smutne bajki, tworzyć muzyczne epopeje i opowieści oraz budować niespotykane dotąd pałace. Rimski-Korsakow był gawędziarzem, ponieważ w bajce widział cały świat fikcji ludowej, w starożytnym rytuale - zapomniane znaczenie, w zapomnianej wierze - piękno. Był poetą i malarzem dźwięków.