Główne cechy wyróżniające rosyjskiego klasycyzmu. Klasycyzm. Podstawowe zasady. Oryginalność rosyjskiego klasycyzmu

Klasycyzm (od łac. classicus – wzorowy) to styl i kierunek artystyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku. Opiera się na ideach racjonalizmu, główny cel która ma edukować opinię publiczną w oparciu o pewien ideał, model, na który to wygląda. Za taki przykład posłużyła kultura starożytnego świata. Ogromne znaczenie miały reguły, kanony klasycyzmu; musieli ich przestrzegać wszyscy artyści działający w ramach tego kierunku i stylu.

Historia wystąpienia

Jako kierunek klasycyzm obejmował wszystkie rodzaje sztuki: malarstwo, muzykę, literaturę, architekturę.

Klasycyzm, którego głównym celem jest kształcenie społeczeństwa w oparciu o pewien ideał i zgodność ze wszystkimi ogólnie przyjętymi kanonami, to zupełnie przeciwieństwo, które zaprzeczało wszelkim zasadom i było buntem przeciwko jakiejkolwiek tradycji artystycznej w dowolnym kierunku.

W swoim rozwoju klasycyzm przeszedł 3 etapy:

1. wczesny klasycyzm(lata 60. - początek lat 80. XVIII w.);
2. Ścisły klasycyzm(1780-1790);
3. późny klasycyzm, który otrzymał nazwę (pierwsze 30 lat XIX wieku).

Zdjęcie przedstawia Łuk Triumfalny w Paryżu - żywy przykład klasycyzmu.

Cechy stylu

Klasycyzm charakteryzują wyraźne geometryczne kształty, wysokiej jakości materiały, szlachetne wykończenia i powściągliwość. Majestat i harmonia, wdzięk i luksus - to główne cechy wyróżniające klasycyzm. później wyeksponowany we wnętrzach w stylu minimalizmu.

Ogólne cechy stylu:

• gładkie ściany z delikatnymi motywami kwiatowymi;
• elementy starożytności: pałace i kolumny;
• stiuk;
• wykwintny parkiet;
• tapeta z tkaniny na ścianach;
• eleganckie, pełne wdzięku meble.

Spokojne prostokątne kształty, powściągliwe, a zarazem różnorodne wzornictwo dekoracyjne, dopasowane proporcje, dostojny wygląd, harmonia i smak stały się cechami rosyjskiego stylu klasycystycznego.

Zewnętrzny

Wyraźne są zewnętrzne oznaki architektury klasycystycznej, które można rozpoznać na pierwszy rzut oka na budynek.

• Wzory: stabilny, masywny, prostokątny i łukowy. Kompozycje są wyraźnie zaplanowane, zachowana jest ścisła symetria.
• Formularze: przejrzysta geometria, objętość i monumentalność; posągi, kolumny, nisze, rotundy, półkule, frontony, fryzy.
• Linie: rygorystyczny; regularny system planowania; płaskorzeźby, medaliony, płynący wzór.
• Materiały: kamień, cegła, drewno, stiuk.
• Dach: złożony, misterny kształt.
• Dominujące kolory: nasycony biały, zielony, różowy, fioletowy, błękitny, złoty.
• Charakterystyczne elementy: dyskretny wystrój, kolumny, pilastry, antyczne ozdoby, marmurowe schody, balkony.
• Okno: półokrągły, prostokątny, wydłużony ku górze, skromnie zdobiony.
• Drzwi: prostokątne, wyłożone boazerią, często zdobione rzeźbami (lew, sfinks).
• Dekoracje: rzeźba, złocenie, brąz, masa perłowa, inkrustacja.

Wnętrze

We wnętrzu pomieszczeń epoki klasycyzmu panuje szlachetność, powściągliwość i harmonia. Niemniej jednak wszystkie elementy wyposażenia wnętrz nie wyglądają jak eksponaty muzealne, a jedynie podkreślają delikatny artystyczny gust i szacunek właściciela.

Pokój ma odpowiedni kształt, wypełniony atmosferą szlachetności, komfortu, ciepła, wykwintnego luksusu; nie przeładowany szczegółami.

Centralne miejsce w dekoracji wnętrz zajmują naturalne materiały, głównie szlachetne drewno, marmur, kamień, jedwab.

• Sufity: lekka wysoka, często wielopoziomowa, ze sztukaterią, ornamentami.
• Ściany: ozdobione tkaninami, jasne, ale nie jasne, możliwe są pilastry i kolumny, sztukaterie lub malowanie.
• Posadzka: parkiet wykonany z cennych gatunków drewna (merbau, kamshi, teak, jatoba) lub marmuru.
• Oświetlenie:żyrandole wykonane z kryształu, kamienia lub drogiego szkła; pozłacane żyrandole z plafonami w formie świec.
• Obowiązkowe atrybuty wnętrza: lustra, kominki, przytulne niskie krzesła, niskie stoliki do herbaty, lekkie ręcznie tkane dywany, obrazy ze scenami antycznymi, książki, masywne wazony podłogowe stylizowane na antyczne, trójnogi kwietniki.

W wystroju pokoju często wykorzystywane są antyczne motywy: meandry, girlandy, girlandy laurowe, sznury pereł. Do dekoracji używane są drogie tkaniny, w tym gobeliny, tafta i aksamit.

Meble

Meble z epoki klasycyzmu wyróżniają się dobrą jakością i poważaniem, wykonane są z drogich materiałów, głównie z cennego drewna. Na uwagę zasługuje fakt, że faktura drewna pełni nie tylko funkcję materiału, ale również elementu dekoracyjnego. Elementy meblowe wykonywane są ręcznie, zdobione rzeźbieniami, złoceniami, intarsjami, kamieniami szlachetnymi i metalami. Ale forma jest prosta: surowe linie, wyraźne proporcje. Stoły i krzesła do jadalni wykonane są z eleganckimi rzeźbionymi nogami. Naczynia - porcelanowe, cienkie, prawie przezroczyste, ze wzorem, złocenia. Za jeden z ważniejszych atrybutów mebla uznano sekretarkę o sześciennym korpusie na wysokich nogach.

Architektura

Klasycyzm zwrócił się ku fundamentom starożytnej architektury, wykorzystując nie tylko elementy i motywy, ale także wzory w budownictwie. Podstawą języka architektonicznego jest porządek z jego ścisłą symetrią, proporcjonalnością tworzonej kompozycji, regularnością układu i klarownością trójwymiarowej formy.

Zupełnym przeciwieństwem jest klasycyzm ze swoją pretensjonalnością i dekoracyjnymi ekscesami.

Powstały nieufortyfikowane pałace, zespoły ogrodowo-parkowe, które stały się podstawą ogrodu francuskiego z wyprostowanymi alejkami, przystrzyżonymi trawnikami w formie stożków i kul. Typowymi detalami klasycyzmu są zaakcentowane schody, klasyczny antyczny wystrój, kopuły w budynkach użyteczności publicznej.

Późny klasycyzm (Imperium) nabywa symbole wojskowe(„Łuk Triumfalny” we Francji). W Rosji Petersburg można nazwać kanonem stylu architektonicznego klasycyzmu, w Europie to Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg.

Rzeźba

W epoce klasycyzmu powszechne stały się publiczne pomniki ucieleśniające militarną sprawność i mądrość mężów stanu. Ponadto głównym rozwiązaniem dla rzeźbiarzy był model przedstawiający słynne postacie w postaci starożytnych bogów (na przykład Suworowa - w postaci Marsa). Popularne wśród osób prywatnych stało się zamawianie rzeźbiarzy nagrobki utrwalać ich imiona. Ogólnie rzecz biorąc, rzeźby z epoki charakteryzują się spokojem, powściągliwością gestów, beznamiętną ekspresją i czystością linii.

Moda

Zainteresowanie antykiem w odzieży zaczęło się przejawiać w latach 80. XVIII wieku. Było to szczególnie widoczne w strojach damskich. W Europie pojawił się nowy, gloryfikujący ideał piękna naturalne formy i piękne kobiece linie. W modzie pojawiły się najdelikatniejsze gładkie tkaniny w jasnych kolorach, zwłaszcza białych.

Suknie damskie straciły ramę, wypełnienie i halki i przybrały formę długich, drapowanych tunik, rozcinanych po bokach i przetykanych paskiem pod biustem. Nosili rajstopy w kolorze skóry. Sandały z tasiemkami służyły jako buty. Fryzury zostały skopiowane ze starożytności. Wciąż pozostaje w modzie puder, którym pokryto twarz, dłonie i dekolt.

Wśród akcesoriów używano albo turbanów kisei ozdobionych piórami, albo tureckich szalików lub szali kaszmirskich.

Od początku XIX wieku zaczęto szyć suknie odświętne z trenami i głębokim dekoltem. A w codziennych sukienkach dekolt pokryty był koronkowym szalikiem. Stopniowo zmienia się fryzura, a puder przestaje być używany. Modne stają się krótko przycięte włosy, skręcone w loki, przewiązane złotą wstążką lub ozdobione koroną z kwiatów.

Moda męska ewoluowała pod wpływem Brytyjczyków. Popularny staje się frak z angielskiego materiału, redingote (okrycie wierzchnie przypominające surdut), żabot i mankiety. To właśnie w epoce klasycyzmu pojawiły się męskie krawaty.

Sztuka

W malarstwie klasycyzm cechuje także powściągliwość i rygoryzm. Głównymi elementami formy są linia i światłocień. Barwa lokalna podkreśla plastyczność obiektów i postaci oraz oddziela przestrzenny plan obrazu. Największy mistrz XVII wieku. – Lorrain Claude, słynący z „idealnych krajobrazów”. Obywatelski patos i liryzm połączone w „dekoracyjnych pejzażach” francuskiego malarza Jacquesa Louisa Davida (XVIII w.). Wśród artystów rosyjskich można wyróżnić Karla Bryulłowa, który łączył klasycyzm z XIX wiekiem.

Klasycyzm w muzyce kojarzy się z tak wielkimi nazwiskami jak Mozart, Beethoven czy Haydn, którzy zdeterminowali dalszy rozwój sztuki muzycznej.

Literatura

Literatura epoki klasycyzmu promowała umysł, który podbijał zmysły. Konflikt obowiązku i pasji jest podstawą fabuły utworu literackiego. W wielu krajach przeprowadzono reformy językowe i położono podwaliny sztuki poetyckiej. Czołowi przedstawiciele kierunku - Francois Malherbe, Corneille, Racine. Główną zasadą kompozycyjną dzieła jest jedność czasu, miejsca i akcji.

W Rosji klasycyzm rozwija się pod auspicjami Oświecenia, którego głównymi ideami były równość i sprawiedliwość. Najjaśniejszym przedstawicielem literatury epoki rosyjskiego klasycyzmu jest M. Łomonosow, który położył podwaliny pod wersyfikację. Głównym gatunkiem była komedia i satyra. W tym duchu pracowali Fonvizin i Kantemir.

„Złoty wiek” uważany jest za epokę klasycyzmu dla sztuka teatralna, który rozwijał się bardzo dynamicznie i poprawiał. Teatr był dość profesjonalny, a aktor na scenie nie tylko grał, ale żył, doświadczał, pozostając sobą. Styl teatralny został ogłoszony sztuką recytacji.

Osobowości

Wśród najzdolniejszych klasyków można wyróżnić także takie nazwiska jak:

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bażenow, Carl Rossi, Andrey Voronikhin (architektura);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Borys Orłowski, Michaił Kozłowski (rzeźba);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (malarstwo);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Chemnitzer (literatura).

Recenzja wideo klasycyzmu

Wniosek

Idee epoki klasycyzmu z powodzeniem wykorzystywane są w nowoczesnym designie. Zachowuje szlachetność i elegancję, piękno i wielkość. Główne cechy to malowanie ścian, draperia, sztukaterie, meble z naturalnego drewna. Dekoracji jest niewiele, ale wszystkie są luksusowe: lustra, obrazy, masywne żyrandole. Ogólnie rzecz biorąc, styl nawet teraz charakteryzuje właściciela jako szanowanego, dalekiego od biednego człowieka.

Później nadal się pojawia, co oznacza nadejście nowej ery - tej. było połączeniem kilku nowoczesnych stylów, do których zalicza się nie tylko klasycyzm, ale także barok (w malarstwie), kulturę antyczną i renesans.

Klasycyzm (z łac. classicus - wzorowy) to styl artystyczny sztuki europejskiej XVII-XIX w., którego jedną z najważniejszych cech było odwołanie się do sztuki antycznej jako najwyższego wzorca i nawiązanie do tradycji wysokiego renesansu. Sztuka klasycyzmu odzwierciedlała idee harmonijnej struktury społeczeństwa, ale pod wieloma względami zatraciła je w porównaniu z kulturą renesansu. Konflikty jednostki i społeczeństwa, ideału i rzeczywistości, uczuć i rozumu świadczą o złożoności sztuki klasycyzmu. formy sztuki klasycyzm charakteryzuje się ścisłą organizacją, równowagą, wyrazistością i harmonią obrazów.

Klasycyzm kojarzy się z Oświeceniem, opartym na ideach racjonalizmu filozoficznego, na ideach o racjonalnych prawach świata. Zgodnie z wzniosłymi ideami etycznymi, edukacyjnym programem sztuki, estetyka klasycyzmu ustanowiła hierarchię gatunków – „wysoką” (tragedia, epopeja, oda, historia, mitologia, malarstwo religijne itp.) i „niska” (komedia, satyra, bajka, malarstwo rodzajowe itp.) itp.). W literaturze (tragedie P. Corneille'a, J. Racine'a, Voltaire'a, komedie Moliera, poemat " sztuka poetycka"oraz satyry N. Boileau, bajki J. La Fontaine'a, proza ​​F. La Rochefoucauld, J. La Bruyère we Francji, kreatywność Okres weimarski IV. Goethe i F. Schiller w Niemczech, ody do M.V. Łomonosow i G.R. Derżawin, tragedia A.P. Sumarokow i Ya.B. Knyazhnina w Rosji), wiodącą rolę odgrywają znaczące konflikty etyczne, normatywne obrazy typizowane. Dla sztuki teatralnej (Mondori, Duparc, M. Chanmelet, A.L. Leken, F.J. Talma, Rachel we Francji, F.K. Neuber w Niemczech, F.G. Volkov, I.A.Dmitrevsky w Rosji) uroczysta, statyczna struktura przedstawień, wyważona lektura poezji Charakterystyka.

Główne cechy rosyjskiego klasycyzmu: odwołanie się do obrazów i form sztuki antycznej, bohaterowie wyraźnie dzielą się na pozytywne i negatywne, fabuła opiera się zwykle na trójkącie miłosnym: bohaterka to bohater-kochanka, druga kochanka; na końcu klasyczna komedia występek jest zawsze karany, ale dobre triumfuje, zasada trzech jedności: czas (akcja trwa nie dłużej niż jeden dzień), miejsce, akcja. Można zacytować na przykład komedię Fonvizina „Undergrowth”. W tej komedii Fonvizin stara się realizować główną ideę klasycyzmu - reedukację świata rozsądnym słowem. Gadżety dużo mówią o moralności, życiu na dworze, obowiązkach szlachcica. Negatywne postacie stać się przykładem niewłaściwego zachowania. Za zderzeniem interesów osobistych widać stanowiska publiczne bohaterowie.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, wywodzących się z filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki, z punktu widzenia klasycyzmu, powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ujawniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata. Zainteresowanie klasycyzmem jest tylko wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się rozpoznać tylko istotne, typologiczne cechy, odrzucając przypadkowe indywidualne znaki. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm czerpie wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).

KLASYCYZM (z łac. classicus – wzorowy), styl i kierunek artystyczny w literaturze, architekturze i sztuce XVII-początku XIX w. klasycyzm kojarzy się kolejno z renesansem; zajmował wraz z barokiem ważne miejsce w kulturze XVII wieku; kontynuował swój rozwój w okresie Oświecenia. Powstanie i rozpowszechnienie klasycyzmu wiąże się z umacnianiem monarchia absolutna, pod wpływem filozofii R. Kartezjusza, wraz z rozwojem nauk ścisłych. W sercu racjonalistycznej estetyki klasycyzmu leży pragnienie równowagi, jasności, logiki wypowiedzi artystycznej (w dużej mierze postrzeganej z estetyki renesansu); wiara w istnienie uniwersalnych i wiecznych, niepodlegających historycznym zmianom reguł twórczości artystycznej, które interpretuje się jako zręczność, mistrzostwo, a nie przejaw spontanicznej inspiracji czy autoekspresji.

Postrzegając wywodzącą się od Arystotelesa ideę twórczości jako imitację natury, klasycy pojmowali naturę jako idealną normę, która została już ucieleśniona w dziełach starożytnych mistrzów i pisarzy: orientacja na „piękną naturę”. ”, przekształcone i uporządkowane zgodnie z niewzruszonymi prawami sztuki, zakładały tym samym imitacje antycznych próbek, a nawet konkurowanie z nimi. Rozwijanie idei sztuki jako racjonalnej działalności opartej na odwiecznych kategoriach „piękna”, „celowości” itp., klasycyzm, bardziej niż inne ruchy artystyczne, przyczyniło się do powstania estetyki jako uogólniającej nauki o pięknie.

Centralne pojęcie klasycyzmu – wiarygodność – nie oznaczało dokładnego odtworzenia rzeczywistości empirycznej: świat jest odtwarzany nie taki, jaki jest, ale taki, jaki powinien być. Preferowanie uniwersalnej normy jako „należnej” do wszystkiego, co prywatne, przypadkowe, konkretne, koresponduje z wyrażoną przez klasycyzm ideologią państwa absolutystycznego, w której wszystko, co osobiste i prywatne, podlega niepodważalnej woli. władza państwowa. Klasyk przedstawiał nie konkretną, pojedynczą osobę, ale abstrakcyjną osobę w sytuacji uniwersalnego, niehistorycznego konfliktu moralnego; stąd orientacja klasyków na: starożytna mitologia jako ucieleśnienie uniwersalnej wiedzy o świecie i człowieku. Ideał etyczny klasycyzmu zakłada z jednej strony podporządkowanie tego, co osobiste, wspólnemu, namiętności obowiązkom, rozumu, opór wobec zmiennych kolei losu; z drugiej - powściągliwość w okazywaniu uczuć, przestrzeganie miary, stosowność, umiejętność zadowolenia.

Klasycyzm ściśle podporządkował twórczość zasadom hierarchii gatunkowo-stylowej. Wyróżniono gatunki „wysokie” (na przykład epos, tragedia, oda - w literaturze; gatunek historyczny, religijny, mitologiczny, portret - w malarstwie) i „niskie” (satyra, komedia, bajka; martwa natura w malarstwie). do pewnego stylu, kręgu tematów i bohaterów; przepisano wyraźne nakreślenie tragizmu i komizmu, wzniosłości i podstawy, heroizmu i przyziemności.

Od połowy XVIII wieku klasycyzm był stopniowo zastępowany przez nowe nurty - sentymentalizm, preromantyzm, romantyzm. Tradycje klasycyzmu na przełomie XIX i XX wieku odrodziły się w neoklasycyzmie.

Termin „klasycyzm”, wywodzący się z pojęcia klasyków (wzorcowych pisarzy), został po raz pierwszy użyty w 1818 r. przez włoskiego krytyka G. Viscontiego. Był szeroko stosowany w polemice klasyków i romantyków, a wśród romantyków (J. de Stael, V. Hugo i in.) miał negatywną konotację: klasycyzm i naśladująca starożytność klasyka sprzeciwiały się nowatorskiej literaturze romantycznej. W krytyce literackiej i historii sztuki pojęcie „klasycyzmu” zaczęło być aktywnie wykorzystywane po pracach naukowców szkoły kulturowo-historycznej i G. Wölfflina.

Trendy stylistyczne podobne do klasycyzmu XVII-XVIII w. dostrzegają niektórzy naukowcy w innych epokach; w tym przypadku pojęcie „klasycyzmu” jest interpretowane w szerokim znaczeniu, oznaczającym stałą stylistyczną, która jest okresowo aktualizowana na różnych etapach historii sztuki i literatury (na przykład „klasycyzm starożytny”, „klasycyzm renesansowy”).

N.T. Pakhsaryan.

Literatura. Początki literackiego klasycyzmu tkwią w poetyce normatywnej (Yu. Ts. Scaliger, L. Castelvetro itp.) oraz w literaturze włoskiej XVI wieku, gdzie powstał system gatunkowy, skorelowany z systemem stylów językowych i zorientowany na antyk próbki. Największy rozkwit klasycyzmu związany jest z literaturą francuską XVII wieku. Twórcą poetyki klasycyzmu był F. Malherbe, który uregulował język literacki na podstawie żywej mowy potocznej; Przeprowadzoną przez niego reformę zapewniła Akademia Francuska. W najpełniejszej formie zasady klasycyzmu literackiego zostały przedstawione w traktacie „Sztuka poetycka” N. Boileau (1674), który podsumował praktykę artystyczną swoich współczesnych.

Pisarze klasyczni traktują literaturę jako ważną misję przełożenia na słowa i przekazania czytelnikowi wymagań natury i rozumu, jako sposób „nauczania przez zabawę”. Literatura klasycyzmu dąży do jasnego wyrażenia myśli znaczącej, sensu („… znaczenie zawsze żyje w moim dziele” – F. von Logau), odrzuca wyrafinowanie stylistyczne, retoryczne ozdobniki. Klasycy woleli lakonizm od gadatliwości, prostotę i jasność od metaforycznej złożoności, przyzwoitość od ekstrawagancji. Przestrzeganie ustalonych norm nie oznaczało jednak, że klasycy zachęcali do pedanterii i ignorowali rolę artystycznej intuicji. Choć reguły były przedstawiane klasycystom jako sposób na zachowanie wolności twórczej w granicach rozumu, rozumieli oni znaczenie intuicyjnego wglądu, wybaczania talentowi odstępstwa od reguł, jeśli było to właściwe i artystycznie skuteczne.

Charaktery postaci klasycyzmu budowane są na przydzieleniu jednej dominującej cechy, która przyczynia się do ich przekształcenia w uniwersalne typy uniwersalne. Ulubione kolizje to starcie obowiązku i uczuć, walka rozumu i pasji. W centrum twórczości klasyków znajduje się bohaterska osobowość, a jednocześnie dobrze wychowana osoba, która ze stoickim spokojem dąży do przezwyciężenia własnych namiętności i afektów, do ich ukrócenia lub przynajmniej do zrealizowania (jak bohaterowie tragedii J. Racine). „Myślę, więc jestem” Kartezjusza pełni rolę nie tylko zasady filozoficznej i intelektualnej, ale także zasady etycznej w postawie postaci klasycyzmu.

W sercu teorii literatury klasycyzm jest hierarchicznym systemem gatunków; analityczne rozmycie w różnych dziełach, nawet artystycznych światach, bohaterów „wysokich” i „niskich”, a tym samym połączone z chęcią uszlachetniania „niskich” gatunków; na przykład, aby pozbyć się satyry z ordynarnej burleski, komedii z farsowymi rysami ("wysoka komedia" Moliera).

Główne miejsce w literaturze klasycyzmu zajmował dramat oparty na zasadzie trzech jedności (zob. Teoria trzech jedności). Tragedia stała się jej wiodącym gatunkiem. najlepsze osiągnięcia które - prace P. Corneille'a i J. Racine'a; w pierwszym tragedia nabiera charakteru heroicznego, w drugim lirycznego. Inne gatunki „wysokie” odgrywają znacznie mniejszą rolę w procesie literackim (nieudane doświadczenie J. Chaplina w gatunku poematu epickiego jest później parodiowane przez Woltera; uroczyste ody napisali F. Malherbe i N. Boileau). Równolegle rozwijały się gatunki „niskie”: poemat heroiczno-komiczny i satyra (M. Renier, Boileau), bajka (J. de La Fontaine) i komedia. Uprawiane są gatunki małej prozy dydaktycznej - aforyzmy (maksymy), "postacie" (B. Pascal, F. de La Rochefoucauld, J. de La Bruyère); proza ​​oratoryjna (J.B. Bossuet). Chociaż teoria klasycyzmu nie włączyła powieści do systemu gatunkowego godnego poważnej krytycznej refleksji, psychologiczne arcydzieło M. M. Lafayette'a Księżniczka z Kleve (1678) jest uważane za przykład powieści klasycystycznej.

Pod koniec XVII wieku nastąpił upadek literackiego klasycyzmu, ale archeologiczne zainteresowanie starożytnością w XVIII wieku, wykopaliska Herkulanum, Pompeje, stworzenie przez I. I. Winkelmana idealnego obrazu starożytności greckiej jako „szlachetnej prostoty i spokojna wielkość” przyczyniły się do jej nowego powstania w okresie Oświecenia. Głównym przedstawicielem nowego klasycyzmu był Wolter, w którego pracy racjonalizm, kult rozumu służył usprawiedliwianiu nie norm państwowości absolutystycznej, ale prawa jednostki do wolności od roszczeń Kościoła i państwa. Oświeceniowy klasycyzm, aktywnie wchodzący w interakcję z innymi nurtami literackimi epoki, opiera się nie na „regułach”, ale raczej na „oświeconym smaku” publiczności. Odwołanie do starożytności staje się sposobem wyrażenia heroizmu rewolucji francuskiej XVIII wieku w poezji A. Cheniera.

We Francji w XVII w. klasycyzm rozwinął się w potężny i konsekwentny system artystyczny i wywarł zauważalny wpływ na literaturę barokową. W Niemczech klasycyzm, który powstał jako świadomy kulturowy wysiłek stworzenia „poprawnej” i „doskonałej” szkoły poetyckiej, godnej innych literatur europejskich (M. Opitz), przeciwnie, został zagłuszony przez barok, którego styl był bardziej zgodnie z tragiczną erą wojny trzydziestoletniej; spóźniona próba I. K. Gottscheda w latach 30. i 40. skierowania literatura niemiecka na ścieżce klasycznych kanonów wywołał zażarte kontrowersje i został ogólnie odrzucony. Niezależnym zjawiskiem estetycznym jest klasycyzm weimarski J. W. Goethego i F. Schillera. W Wielkiej Brytanii wczesny klasycyzm kojarzy się z twórczością J. Drydena; jego dalszy rozwój przebiegał zgodnie z Oświeceniem (A. Pope, S. Johnson). Pod koniec XVII wieku klasycyzm we Włoszech istniał równolegle z rokoko, a czasem przeplatał się z nim (na przykład w twórczości poetów Arkadii - A. Zeno, P. Metastasio, P. Y. Martello, S. Maffei); Klasycyzm oświeceniowy reprezentuje twórczość V. Alfieri.

W Rosji klasycyzm powstał w latach 1730-1750 pod wpływem klasycyzmu zachodnioeuropejskiego i idei Oświecenia; jednak wyraźnie wskazuje na związek z barokiem. Charakterystyczne cechy rosyjskiego klasycyzmu to wyraźny dydaktyzm, oskarżycielska, społecznie krytyczna orientacja, patos narodowo-patriotyczny, poleganie na Sztuka ludowa. Jedna z pierwszych zasad klasycyzmu została przeniesiona na ziemię rosyjską przez A. D. Kantemira. W swoich satyrach podążał za I. Boileau, ale tworząc uogólnione obrazy ludzkich przywar, dostosowywał je do rodzimej rzeczywistości. Kantemir wprowadził do literatury rosyjskiej nowe gatunki poetyckie: transkrypcje psalmów, bajki, poemat heroiczny („Petrida”, nieukończony). Pierwszy przykład klasycznej ody pochwalnej stworzył V. K. Trediakowski („Oda uroczysta o kapitulacji miasta Gdańska”, 1734), któremu towarzyszyło teoretyczne „Rozumowanie o odie w ogólności” (oba w ślad za Boileau). ). Wpływ poetyki barokowej zaznaczył ody M. V. Łomonosowa. Najbardziej kompletny i konsekwentny rosyjski klasycyzm reprezentuje twórczość A. P. Sumarokova. Nakreśliwszy główne postanowienia doktryny klasycystycznej w Liście o poezji (1747), napisanym na wzór traktatu Boileau, Sumarokow starał się podążać za nimi w swoich dziełach: tragedie zorientowane na twórczość francuskich klasyków XVII wieku i dramaturgia Voltaire, ale adresowany głównie do wydarzeń z historii narodowej; częściowo - w komediach, których wzorem było dzieło Moliera; w satyrach, a także w bajkach, które przyniosły mu chwałę „północnej Lafontaine”. Rozwinął także gatunek pieśni, o którym Boileau nie wspomniał, ale sam Sumarokov wpisał na listę gatunków poetyckich. Do końca XVIII wieku zachowała swoje znaczenie klasyfikacja gatunków zaproponowana przez Łomonosowa we wstępie do dzieł zebranych z 1757 r. - „O użyteczności ksiąg kościelnych w języku rosyjskim”, która korelowała trzy style teorii z specyficzne gatunki, łączące poemat heroiczny, odę, mowę uroczystą; ze środkiem - tragedia, satyra, elegia, ekloga; z niskim - komedia, piosenka, epigram. Przykład poematu heroicznego stworzył V. I. Majkow („Elisza, czyli Bachus poirytowany”, 1771). Pierwszym ukończonym heroicznym eposem była Rossijada M. M. Cheraskowa (1779). Pod koniec XVIII wieku zasady klasycznej dramaturgii pojawiły się w pracach N. P. Nikoleva, Ya. B. Knyazhnina, V. V. Kapnista. Na przełomie XVIII i XIX wieku klasycyzm był stopniowo zastępowany przez nowe nurty rozwoju literatury, związane z preromantyzmem i sentymentalizmem, ale przez pewien czas zachował swoje wpływy. Jej tradycje można prześledzić w latach 1800-20 w twórczości poetów Radishcheva (A. Kh. Vostokov, I. P. Pnin, V. V. Popugaev), w krytyce literackiej (A. F. Merzlyakov), w programie literackim i estetycznym oraz praktyce gatunkowo-stylistycznej poeci dekabryści, in wczesna praca A. S. Puszkin.

A. P. Łosenko. „Władimir i Rogneda”. 1770. Muzeum Rosyjskie (Petersburg).

N.T. Pakhsaryan; T. G. Yurchenko (klasycyzm w Rosji).

architektura i sztuka. Tendencje klasycyzmu w sztuce europejskiej zarysowały się już w 2. poł. XVI w. we Włoszech – w teorii i praktyce architektonicznej A. Palladia, w traktatach teoretycznych G. da Vignoli, S. Serlio; bardziej konsekwentnie - w pismach G. P. Bellori (XVII w.), a także w standardach estetycznych akademików szkoły bolońskiej. Jednak w XVII wieku klasycyzm, który rozwinął się w ostrej polemicznej interakcji z barokiem, dopiero we francuskiej kulturze artystycznej rozwinął się w integralny system stylistyczny. Klasycyzm XVIII-początku XIX wieku ukształtował się również przede wszystkim we Francji, która stała się stylem paneuropejskim (ten ostatni jest często określany jako neoklasycyzm w obcej historii sztuki). Zasady racjonalizmu leżące u podstaw estetyki klasycyzmu determinowały postrzeganie dzieła sztuki jako owocu rozumu i logiki, triumfującego nad chaosem i płynnością zmysłowo postrzeganego życia. Orientacja na rozsądny początek, na trwałe wzorce determinowała także normatywne wymagania estetyki klasycyzmu, uregulowanie reguł artystycznych, ścisłą hierarchię gatunków w sztukach wizualnych (do gatunku „wysokiego” zalicza się dzieła o tematyce mitologicznej i historycznej, jak a także „idealny pejzaż” i uroczysty portret; do „niski” – martwa natura, codzienny gatunek itp.). Działalność założonych w Paryżu akademii królewskich - malarstwa i rzeźby (1648) oraz architektury (1671) - przyczyniła się do utrwalenia teoretycznych doktryn klasycyzmu.

Architektura klasycyzmu, w przeciwieństwie do baroku z jego dramatyczny konflikt formy, energetyczna interakcja bryły i otoczenia przestrzennego, opiera się na zasadzie harmonii i wewnętrznej kompletności, zarówno oddzielnego budynku, jak i zespołu. charakterystyczne cechy ten styl to pragnienie klarowności i jedności całości, symetrii i równowagi, pewności plastycznych form i przestrzennych interwałów, które tworzą spokojny i uroczysty rytm; system dozowania oparty na wielu stosunkach liczb całkowitych (pojedynczy moduł określający wzory kształtowania). Nieustanne odwoływanie się mistrzów klasycyzmu do dziedzictwa architektury antycznej oznaczało nie tylko wykorzystanie jej poszczególnych motywów i elementów, ale także zrozumienie ogólnych praw jej architektury. Podstawą architektonicznego języka klasycyzmu był porządek architektoniczny, proporcje i formy bliższe starożytności niż w architekturze poprzednich epok; w budynkach stosuje się go w taki sposób, aby nie przesłaniał ogólnej struktury budynku, lecz stał się jego subtelnym i powściągliwym akompaniamentem. Wnętrza klasycyzmu charakteryzują się wyrazistością podziałów przestrzennych, miękkością barw. Szeroko posługując się efektami perspektywicznymi w malarstwie monumentalnym i dekoracyjnym, mistrzowie klasycyzmu zasadniczo oddzielili przestrzeń iluzoryczną od rzeczywistej.

Ważne miejsce w architekturze klasycyzmu zajmuje problematyka urbanistyczna. Rozwijane są projekty „miast idealnych”, powstaje nowy typ regularnej absolutystycznej rezydencji miejskiej (Wersal). Klasycyzm dąży do kontynuacji tradycji starożytności i renesansu, stawiając u podstaw swoich decyzji zasadę proporcjonalności do osoby, a jednocześnie skalę, która nadaje obrazowi architektonicznemu heroiczny, podniesiony dźwięk. I choć retoryczny przepych wystroju pałacowego kłóci się z tym dominującym nurtem, to stabilna figuratywna struktura klasycyzmu zachowuje jedność stylu, bez względu na to, jak różnorodne jego modyfikacje w procesie rozwoju historycznego.

Kształtowanie się klasycyzmu w architekturze francuskiej związane jest z twórczością J. Lemerciera i F. Mansarta. Wygląd budynków i techniki budowlane początkowo przypominają architekturę zamków z XVI wieku; decydujący przełom nastąpił w twórczości L. Levo - przede wszystkim w stworzeniu zespołu pałacowo-parkowego Vaux-le-Vicomte, z uroczystą amfiladą samego pałacu, imponującymi malowidłami ściennymi Ch. najbardziej charakterystyczny wyraz nowych zasad - regularny park parterowy A. Le Notre. Elewacja wschodnia Luwru, realizowana (od lat 60. XVII w.) według planu C. Perraulta, stała się dziełem programowym architektury klasycyzmu (charakterystyczne jest odrzucenie projektów J. L. Berniniego i innych w stylu barokowym). W latach 60. XVII w. L. Levo, A. Le Nôtre i Ch. Lebrun zaczęli tworzyć zespół wersalski, w którym idee klasycyzmu wyrażane są ze szczególną kompletnością. Od 1678 r. budową Wersalu kierował J. Hardouin-Mansart; według jego projektów pałac został znacznie rozbudowany (dobudowano skrzydła), taras centralny przekształcono w Galerię Lustrzaną - najbardziej reprezentacyjną część wnętrza. Zbudował także Pałac Grand Trianon i inne budynki. Zespół wersalski charakteryzuje się rzadką integralnością stylistyczną: nawet strumienie fontann łączono w statyczną formę, zbliżoną do kolumny, a drzewa i krzewy przycinano w formy geometryczne. Symbolika zespołu podporządkowana jest gloryfikacji „Króla Słońce” Ludwika XIV, ale jej podstawą artystyczną i figuratywną była apoteoza rozumu, władczo przekształcająca żywioły natury. Jednocześnie podkreślona dekoracyjność wnętrz uzasadnia użycie w odniesieniu do Wersalu określenia stylistycznego „klasycyzm barokowy”.

W drugiej połowie XVII wieku opracowano nowe techniki planowania, które przewidywały organiczne powiązanie zabudowy miejskiej z elementami środowiska przyrodniczego, tworzenie terenów otwartych, przenikających się przestrzennie z ulicą lub nasypem, rozwiązania zespołowe dla kluczowych elementów struktury urbanistycznej (Plac Ludwika Wielkiego, obecnie Vendôme i Plac Zwycięstwa; zespół architektoniczny Les Invalides, wszystko - J. Hardouin-Mansart), triumfalne łuki wejściowe (brama Saint-Denis zaprojektowana przez N. F. Blondela; całość - w Paryż).

Tradycje klasycyzmu we Francji XVIII wieku prawie nie zostały przerwane, ale w I połowie tego stulecia dominował styl rokoko. W połowie XVIII wieku zasady klasycyzmu zostały przekształcone w duchu estetyki oświeceniowej. W architekturze odwołanie się do „naturalności” stawiało wymóg konstruktywnego uzasadnienia porządku elementów kompozycji, we wnętrzu – konieczność wypracowania elastycznego układu wygodnego budynku mieszkalnego. Środowisko krajobrazowe (krajobrazowe) stało się idealnym środowiskiem dla domu. Gwałtowny rozwój wiedzy o starożytności greckiej i rzymskiej (wykopaliska w Herkulanum, Pompejach itp.) wywarł ogromny wpływ na klasycyzm XVIII wieku; Do teorii klasycyzmu przyczyniły się prace J. I. Winkelmanna, J. W. Goethego i F. Militsia. We francuskim klasycyzmie XVIII wieku zdefiniowano nowe typy architektoniczne: wyjątkowo kameralny dwór („hotel”), frontowy budynek publiczny, otwarty plac łączący główne arterie miasta (Plac Ludwika XV, obecnie Place de la Concorde w Paryżu architekt J. A. Gabriel, zbudował także pałac Petit Trianon w parku wersalskim, łącząc harmonijną klarowność form z lirycznym wyrafinowaniem rysunku). J. J. Souflot zrealizował swój projekt kościoła Sainte-Genevieve w Paryżu, opierając się na doświadczeniach architektury klasycznej.

W epoce poprzedzającej rewolucję francuską XVIII w. architektura przejawiała dążenie do surowej prostoty, śmiałe poszukiwanie monumentalnej geometrii nowej, nieuporządkowanej architektury (K. N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lekeux). Poszukiwania te (zauważone także pod wpływem rycin architektonicznych G. B. Piranesiego) stały się punktem wyjścia dla późnej fazy klasycyzmu - Cesarstwa Francuskiego (1. tercja XIX w.), w którym narasta wspaniała reprezentatywność (C. Percier , P.F.L. Fontaine, J.F. Chalgrin).

Palladianizm angielski XVII i XVIII wieku jest pod wieloma względami związany z systemem klasycyzmu i często się z nim łączy. Orientacja na klasykę (nie tylko na idee A. Palladia, ale także na starożytność), surowa i powściągliwa ekspresja wyraźnych plastycznie motywów obecna jest w twórczości I. Jonesa. Po „wielkim pożarze” z 1666 r. K. Wren zbudował największą budowlę w Londynie – katedrę św. Pawła, a także ponad 50 kościołów parafialnych, szereg budynków w Oksfordzie, naznaczonych wpływem rozwiązań antycznych. Rozległe plany urbanistyczne zrealizowano do połowy XVIII wieku w regularnej rozbudowie Bath (J. Wood Starszy i J. Wood Młodszy), Londynu i Edynburga (bracia Adam). Budynki W. Chambersa, W. Kenta, J. Payne'a kojarzą się z rozkwitem wiejskich posiadłości parkowych. R. Adam inspirował się również starożytnością rzymską, ale jego wersja klasycyzmu nabiera łagodniejszego i bardziej lirycznego wyglądu. Klasycyzm w Wielkiej Brytanii był najważniejszym składnikiem tzw. stylu gruzińskiego. Na początku XIX w. w architekturze angielskiej pojawiły się cechy zbliżone do stylu empirowego (J. Soane, J. Nash).

W XVII – początku XVIII w. w architekturze Holandii ukształtował się klasycyzm (J. van Kampen, P. Post), co dało początek jego szczególnie powściągliwej wersji. Krzyżowe związki z klasycyzmem francuskim i holenderskim, a także wczesnym barokiem, wpłynęły na krótki rozkwit klasycyzmu w architekturze Szwecji na przełomie XVII i XVIII wieku (N. Tessin Młodszy). W XVIII i na początku XIX wieku klasycyzm ugruntował się także we Włoszech (G. Piermarini), Hiszpanii (J. de Villanueva), Polsce (J. Kamsetzer, H. P. Aigner) i USA (T. Jefferson, J. Hoban) . Surowe formy palladiańskiego F. W. Erdmansdorfa, „heroiczny” hellenizm C. G. Langhansa, D. i F. Gilly'ego oraz historyzm L. von Klenze są charakterystyczne dla architektury niemieckiego klasycyzmu XVIII - I połowy XIX wieku . W twórczości K.F. Shinkela surowa monumentalność obrazów łączy się z poszukiwaniem nowych rozwiązań funkcjonalnych.

W połowie XIX wieku wiodąca rola klasycyzmu zanikała; zastępuje go style historyczne (patrz też styl neogrecki, eklektyzm). Jednocześnie w neoklasycyzmie XX wieku ożywa artystyczna tradycja klasycyzmu.

Sztuka klasycyzmu jest normatywna; jego figuratywna struktura charakteryzuje się wyraźnymi przejawami społecznej utopii. W ikonografii klasycyzmu dominują starożytne legendy, bohaterskie czyny, wątki historyczne, czyli zainteresowanie losami wspólnot ludzkich, „anatomią władzy”. Nie usatysfakcjonowani prostym „portretem natury”, artyści klasycyzmu dążą do wzniesienia się ponad konkret, jednostka – do tego, co uniwersalne. Klasycy bronili swojej idei artystycznej prawdy, która nie pokrywała się z naturalizmem Caravaggia czy Małego Holendra. Świat racjonalnych czynów i jasnych uczuć w sztuce klasycyzmu wzniósł się ponad niedoskonałą codzienność jako ucieleśnienie marzenia o upragnionej harmonii bytu. Orientacja na wzniosły ideał dała początek wyborowi „pięknej natury”. Klasycyzm unika tego, co zwyczajne, dewiacyjne, groteskowe, surowe, odpychające. Tektoniczna klarowność architektury klasycznej odpowiada wyraźnemu rozgraniczeniu planów w rzeźbie i malarstwie. Plastik klasycyzmu z reguły przeznaczony jest do stałego punktu widzenia, wyróżnia się gładkością form. Moment ruchu w pozach postaci zwykle nie narusza ich plastycznej izolacji i spokojnego posągu. W malarstwie klasycznym głównymi elementami formy są linia i światłocień; lokalna kolorystyka wyraźnie ujawnia obiekty i plany krajobrazowe, co zbliża kompozycję przestrzenną obrazu do kompozycji sceny.

Twórcą i największym mistrzem klasycyzmu XVII wieku był francuski artysta N. Poussin, którego obrazy cechuje wzniosłość treści filozoficznych i etycznych, harmonia struktury rytmicznej i koloru.

„Idealny krajobraz” (N. Poussin, C. Lorrain, G. Duguet), który ucieleśniał marzenie klasyków „złotego wieku” ludzkości, został wysoko rozwinięty w malarstwie klasycyzmu XVII wieku. Najwybitniejszymi mistrzami francuskiego klasycyzmu w rzeźbie XVII-XVIII w. byli P. Puget (temat heroiczny), F. Girardon (poszukiwanie harmonii i lakonizmu form). W drugiej połowie XVIII w. francuscy rzeźbiarze ponownie zwrócili się ku znaczącym społecznie tematom i monumentalnym rozwiązaniom (J. B. Pigalle, M. Clodion, E. M. Falcone, J. A. Houdon). Obywatelski patos i liryzm połączono w mitologicznym malarstwie J.M. Vienne'a, dekoracyjnych pejzażach J. Roberta. Malarstwo tak zwanego klasycyzmu rewolucyjnego we Francji jest reprezentowane przez dzieła J. L. Davida, którego obrazy historyczne i portretowe naznaczone są odważnym dramatem. W późnym okresie francuskiego klasycyzmu malarstwo, mimo pojawienia się poszczególnych wielkich mistrzów (J.O.D. Ingres), degeneruje się w oficjalną sztukę apologetyczną lub salonową.

Rzym stał się międzynarodowym centrum klasycyzmu w XVIII - początku XIX wieku, gdzie w sztuce dominowała tradycja akademicka z połączeniem szlachetności form i zimnej, abstrakcyjnej idealizacji, co nie jest rzadkością w akademizmie (malarze A.R. Mengs, J. A. Koch, V Camuccini, rzeźbiarze A. Kakova i B. Thorvaldsen). W plastyce niemieckiego klasycyzmu, kontemplacyjnej w duchu, wyróżniają się portrety A. i V. Tishbeinów, mitologiczne karykatury A. Ya Karstensa, plastyka I. G. Shadova, K. D. Raukha; w sztuce i rzemiośle - meble D. Roentgena. W Wielkiej Brytanii bliski jest klasycyzm grafiki i rzeźby J. Flaxmana, w rzemiośle artystycznym ceramika J. Wedgwooda i mistrzowie fabryki w Derby.

A.R. Mengs. „Perseusz i Andromeda”. 1774-79. Ermitaż (Petersburg).

Rozkwit klasycyzmu w Rosji datuje się na ostatnią tercję XVIII - pierwszą tercję XIX wieku, choć już początek XVIII wieku charakteryzował się twórczym odwołaniem się do urbanistycznego doświadczenia francuskiego klasycyzmu (zasada symetryczności -systemy planowania osiowego w budownictwie Petersburga). Rosyjski klasycyzm ucieleśniał nowy historyczny etap rozkwitu rosyjskiej kultury świeckiej, bezprecedensowy dla Rosji w zakresie i ideologicznej pełni. Wczesny rosyjski klasycyzm w architekturze (1760-70; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) nadal zachowuje plastyczne wzbogacenie i dynamikę form charakterystycznych dla baroku i rokoka.

Architekci dojrzałej epoki klasycyzmu (1770-90; V. I. Bazhenov, M. F. Kazakov, I. E. Starov) stworzyli klasyczne typy stołecznego pałacu-posiadłości i wygodny budynek mieszkalny, który stał się wzorem w szerokiej konstrukcji podmiejskiej majątki szlacheckie oraz w nowym, frontowym budynku miast. Sztuka zespołu w podmiejskich osiedlach parkowych jest znaczącym wkładem rosyjskiego klasycyzmu w światową kulturę artystyczną. Rosyjska odmiana palladianizmu powstała w budownictwie dworskim (N. A. Lwów), rozwinął się nowy typ pałacu kameralnego (C. Cameron, J. Quarenghi). Cechą rosyjskiego klasycyzmu jest bezprecedensowa skala państwowego planowania urbanistycznego: opracowano regularne plany dla ponad 400 miast, powstały zespoły centrów Kaługi, Kostromy, Połtawy, Tweru, Jarosławia itp.; praktyka „regulacji” planów miast z reguły łączyła sukcesywnie zasady klasycyzmu z historycznie ustaloną strukturą planistyczną starego rosyjskiego miasta. Przełom XVIII-XIX w. charakteryzował się największymi osiągnięciami urbanistycznymi obu stolic. Powstał wspaniały zespół centrum Petersburga (A. N. Woronikhin, A. D. Zakharov, J. F. Thomas de Thomon, później K. I. Rossi). Na innych założeniach urbanistycznych ukształtowała się „klasyczna Moskwa”, która w okresie jej odbudowy po pożarze 1812 roku została zabudowana małymi rezydencjami o przytulnych wnętrzach. Początki regularności tutaj konsekwentnie podporządkowano ogólnej wolności malarskiej struktury przestrzennej miasta. Najwybitniejszymi architektami późnego moskiewskiego klasycyzmu są D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev. Budynki z 1 tercji XIX wieku należą do stylu Imperium Rosyjskiego (czasami nazywanego klasycyzmem Aleksandra).

W sztukach wizualnych rozwój rosyjskiego klasycyzmu jest ściśle związany z Petersburską Akademią Sztuk Pięknych (założona w 1757 r.). Rzeźba reprezentowana jest przez „heroiczną” plastyczność monumentalno-dekoracyjną, która tworzy przemyślaną syntezę z architekturą, pomnikami wypełnionymi obywatelskim patosem, macewami nasyconymi elegijnym oświeceniem, plastycznością sztalugową (I.P. Prokofiew, F.G. Gordeev, M.I. Kozlovsky, I.P. Martos, F. F. Szczedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov, I. I. Terebenev). W malarstwie klasycyzm najwyraźniej przejawiał się w dziełach gatunku historycznego i mitologicznego (A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, wczesny A. A. Iwanow, w scenografii - w twórczości P. di G. Gonzago). Niektóre cechy klasycyzmu są również nierozerwalnie związane z rzeźbiarskimi portretami F. I. Shubina, w malarstwie - portretami D. G. Levitsky'ego, V. L. Borovikovsky'ego, pejzażami F. M. Matveeva. W sztuce dekoracyjnej i użytkowej rosyjskiego klasycyzmu, artystycznego modelowania i rzeźbionego wystroju w architekturze wyróżniają się wyroby z brązu, żeliwo, porcelana, kryształ, meble, tkaniny adamaszkowe itp.

A. I. Kaplun; Yu. K. Zolotov (europejskie sztuki piękne).

Teatr. Formacja teatralnego klasycyzmu rozpoczęła się we Francji w latach 30. XVII wieku. Rola aktywizująca i organizująca w tym procesie należała do literatury, dzięki czemu teatr zadomowił się wśród sztuk „wysokich”. Francuzi widzieli próbki sztuki teatralnej we włoskim „teatrze wyuczonym” renesansu. Ponieważ społeczeństwo dworskie było prawodawcą gustów i wartości kulturowych, ceremoniał i festyny ​​dworskie, balety i przyjęcia ceremonialne miały również wpływ na styl sceniczny. Zasady teatralnego klasycyzmu zostały wypracowane na scenie paryskiej: w teatrze „Mare” na czele z G. Mondori (1634), w Palais-Cardinal wzniesionym przez kardynała Richelieu (1641, od 1642 „Palais-Royal”), którego aranżacja spełniała wysokie wymagania włoskiej techniki scenicznej; w latach czterdziestych XVII wieku hotel Burgund stał się miejscem teatralnego klasycyzmu. Równoczesną scenerię stopniowo, do połowy XVII w. zastępowała malownicza i jednolita perspektywiczna sceneria (pałac, świątynia, dom itp.); pojawiła się kurtyna, która unosiła się i opadała na początku i na końcu spektaklu. Scena została oprawiona jak obraz. Gra toczyła się tylko na proscenium; spektakl skupiał się na kilku postaciach głównych bohaterów. Architektoniczne tło, pojedyncza scena akcji, połączenie planów aktorskich i plastycznych, wspólne trójwymiarowe mise-en-scene przyczyniły się do stworzenia iluzji wiarygodności. W scenicznym klasycyzmie XVII wieku istniała koncepcja „czwartej ściany”. „Zachowuje się w ten sposób”, pisał o aktorze F. E. a'Aubignac („Praktyka teatralna”, 1657), „jakby publiczność w ogóle nie istniała: jego bohaterowie zachowują się i mówią tak, jakby naprawdę byli królami, a nie Mondori i Belrose, jakby byli w pałacu Horacego w Rzymie, a nie w hotelu Burgundy w Paryżu, i jakby widzieli i słyszeli ich tylko ci, którzy są obecni na scenie (tj. w przedstawionym miejsce).

W wielkiej tragedii klasycyzmu (P. Corneille, J. Racine) dynamika, rozrywka i fabuła przygodowa sztuk A. Hardy'ego (repertuar pierwszej stałej francuskiej trupy V. Leconte w 1. tercji XVII wieku) zostały zastąpione statyczną i pogłębioną dbałością o duchowy świat bohatera, motywy jego zachowania. Nowa dramaturgia wymagała zmian w sztukach scenicznych. Aktor stał się ucieleśnieniem etycznego i estetycznego ideału epoki, tworząc swoim aktorstwem zbliżenia portretu współczesności; jego strój, stylizowany na starożytność, odpowiadał nowoczesnej modzie, plastik spełniał wymogi szlachetności i wdzięku. Aktor musiał mieć patos mówcy, wyczucie rytmu, muzykalność (dla aktorki M.Chanmele J.Racine wpisywał notatki ponad wierszami roli), sztukę wymownego gestu, umiejętności tancerza, nawet siła fizyczna. Dramaturgia klasycyzmu przyczyniła się do powstania szkoły recytacji scenicznej, która połączyła cały zestaw technik wykonawczych (czytanie, gest, mimikę) i stała się głównym środkiem wyrazu francuskiego aktora. A. Vitez nazwał recytację XVII wieku „architekturą prozodyczna”. Spektakl zbudowany został w logicznej interakcji monologów. Za pomocą słowa opracowano technikę wzbudzania emocji i jej kontrolowania; od siły głosu, jego dźwięczności, barwy, posiadania barw i intonacji zależał sukces wykonania.

"Andromacha" J. Racine'a w hotelu Burgundy. Grawerowanie F. Chauveau. 1667.

Podział gatunków teatralnych na „wysokie” (tragedia w hotelu Burgundia) i „niskie” (komedia w „Palais Royal” czasów Moliera), pojawienie się ról utrwaliło hierarchiczną strukturę teatru klasycyzmu. Pozostając w granicach „uszlachetnionej” natury, schemat wykonania i zarysy obrazu wyznaczała indywidualność głównych aktorów: sposób recytacji J. Floridora był bardziej naturalny niż przesadnie upozowanego Belrose'a; M. Chanmelet charakteryzowała dźwięczna i melodyjna „recytacja”, a Montfleury nie miał sobie równych w afektach namiętności. Koncepcja, która rozwinęła się później w kanonie teatralnego klasycyzmu, na który składały się standardowe gesty (zaskoczenie ukazano z dłońmi uniesionymi na wysokość ramion i dłońmi zwróconymi do widza; wstręt - z głową zwróconą w prawo i rękami odpychającymi przedmiot pogardy itd.) nawiązuje do epoki schyłku i degeneracji stylu.

W XVIII wieku, pomimo zdecydowanego odejścia teatru w kierunku demokracji edukacyjnej, aktorzy Komedii Francuskiej A. Lecouvreur, M. Baron, A. L. Lequin, Dumesnil, Cleron, L. Preville zgodnie z upodobaniami wypracowali styl klasycyzmu scenicznego i wymaga epoki. Odeszli od klasycznych norm recytacji, zreformowali kostium i podjęli próby reżyserii spektaklu, tworząc zespół aktorski. Na początku XIX wieku, u szczytu zmagań romantyków z tradycją teatru „dworskiego”, F.J. Talma, M.J. ”i poszukiwanym stylem. Tradycje klasyczne nadal wywierały wpływ kultura teatralna Francja na przełomie XIX i XX wieku, a nawet później. Połączenie stylów klasycyzmu i nowoczesności jest charakterystyczne dla gry J.Mouneta-Sully'ego, S.Bernarda, B.C. Coquelina. W XX wieku teatr francuskiego reżysera zbliżył się do europejskiego, stracił styl sceniczny specyfika krajowa. Niemniej jednak znaczące wydarzenia we francuskim teatrze XX wieku korelują z tradycjami klasycyzmu: spektakle J. Copeau, J. L. Barrauda, ​​L. Jouveta, J. Vilarda, eksperymenty Viteza z klasyką XVII wieku, spektakle R. Planchon, J. Desart itp.

Po utracie znaczenia stylu panującego we Francji w XVIII wieku klasycyzm znalazł następców w innych krajach europejskich. J. W. Goethe konsekwentnie wprowadzał zasady klasycyzmu do kierowanego przez siebie teatru weimarskiego. Aktorka i przedsiębiorca F. K. Neuber i aktor K. Eckhoff w Niemczech, aktorzy angielscy T. Betterton, J. Quinn, J. Kemble, S. Siddons propagowali klasycyzm, ale ich wysiłki, mimo osobistych osiągnięć twórczych, okazały się nieskuteczne i ostatecznie zostały odrzucone. Klasycyzm sceniczny stał się przedmiotem ogólnoeuropejskiej kontrowersji, a dzięki niemieckim, a po nich rosyjskim teoretykom teatru, otrzymał definicję „teatru fałszywie klasycznego”.

W Rosji styl klasycystyczny rozkwitł na początku XIX wieku w twórczości A. S. Jakowlewa i E. S. Siemionowej, później przejawił się w dokonaniach św. szkoła teatralna reprezentowany przez V. V. Samoilov (patrz Samoilovs), V. A. Karatygin (patrz Karatygins), a następnie Yu M. Yuriev.

E. I. Gorfunkela.

Muzyka. Termin „klasycyzm” w odniesieniu do muzyki nie oznacza orientacji na starożytne próbki (znano i badano tylko zabytki starożytnej greckiej teorii muzycznej), ale szereg reform mających na celu położenie kresu pozostałościom stylu barokowego w muzyce teatr. Tendencje klasycystyczne i barokowe były niekonsekwentnie łączone we francuskiej tragedii muzycznej 2. połowy XVII - 1. połowy XVIII wieku (współpraca twórcza librecisty F. Kino i kompozytora J. B. Lully'ego, opery i balety operowe J. F. Rameau) we włoskiej operze seria, która zajmowała czołową pozycję wśród gatunków muzycznych i dramatycznych XVIII wieku (we Włoszech, Anglii, Austrii, Niemczech, Rosji). Rozkwit francuskiej tragedii muzycznej nastąpił na początku kryzysu absolutyzmu, kiedy ideały heroizmu i obywatelstwa okresu walki o ogólnonarodowe państwo ustąpiły miejsca duchowi odświętności i ceremonialnej oficjalności, pociągu do luksusu i wyrafinowany hedonizm. Zmalała typowa dla klasycyzmu ostrość konfliktu uczuć i powinności w kontekście mitologicznej czy rycersko-legendarnej fabuły tragedii muzycznej (zwłaszcza w porównaniu z tragedią w teatrze dramatycznym). Normy klasycyzmu kojarzą się z wymogami czystości gatunkowej (brak komediowych i codziennych epizodów), jedności akcji (często także miejsca i czasu), „klasycznej” pięcioaktowej kompozycji (często z prologiem). Centralną pozycję w dramacie muzycznym zajmuje recytatyw – element najbliższy racjonalistycznej logice werbalno-pojęciowej. W sferze intonacji dominują te związane z naturalną ludzka mowa formuły deklamacyjno-patetyczne (pytające, imperatywne itp.), jednocześnie wykluczone są charakterystyczne dla opery barokowej figury retoryczne i symboliczne. Rozbudowane sceny chóralne i baletowe o tematyce fantastycznej i pastorsko-sielskiej, generalne nastawienie na spektakl i rozrywkę (które z czasem stały się dominujące) były bardziej zgodne z tradycjami baroku niż z zasadami klasycyzmu.

Tradycją dla Włoch było kultywowanie wirtuozerii śpiewu i rozwijanie elementu zdobniczego tkwiącego w gatunku opery seria. Zgodnie z wymogami klasycyzmu wysuniętymi przez niektórych przedstawicieli rzymskiej Akademii „Arkadia” północnowłoscy libreciści początku XVIII wieku (F. Silvani, J. Frigimelica-Roberti, A. Zeno, P. Pariati, A. Salvi, A. Piovene) zostali wyrzuceni z poważnych operowych, komicznych i codziennych epizodów, motywów fabularnych związanych z interwencją sił nadprzyrodzonych lub fantastycznych; krąg wątków ograniczał się do kwestii historycznych i historyczno-legendarnych, na pierwszy plan wysunięto kwestie moralne i etyczne. W centrum koncepcji artystycznej wczesnej opery seria znajduje się wzniosły heroiczny wizerunek monarchy, rzadziej męża stanu, dworzanina, epickiego bohatera, ukazujący pozytywne cechy osobowości idealnej: mądrość, tolerancję, hojność, oddanie obowiązkowi, heroiczny entuzjazm. Zachowano tradycyjną dla włoskiej opery strukturę 3-aktową (dramaty 5-aktowe pozostały eksperymentami), ale zmniejszono liczbę aktorów, środki wyrazowe intonacyjne, formy uwerturowe i arie, a strukturę typowano w muzyce. partie wokalne. Rodzaj dramaturgii, w całości podporządkowany zadaniom muzycznym, rozwinął (od lat 20. XVIII w.) P. Metastasio, którego nazwisko kojarzy się ze szczytową sceną w dziejach opery seria. W jego opowiadaniach klasycystyczny patos zostaje wyraźnie osłabiony. Sytuacja konfliktowa z reguły powstaje i pogłębia się z powodu przedłużającego się „złudzenia” głównych aktorów, a nie z powodu rzeczywistego konfliktu ich interesów czy zasad. Jednak szczególne upodobanie do wyidealizowanego wyrażania uczuć, do szlachetnych impulsów duszy ludzkiej, choć dalekie od ścisłego racjonalnego uzasadnienia, zapewniło libretto Metastasia wyjątkową popularność przez ponad pół wieku.

Kulminacją rozwoju muzycznego klasycyzmu epoki oświecenia (lata 60. i 70.) była twórcza współpraca K.V. Glucka i librecisty R. Calcabidgi. W operach i baletach Glucka klasycystyczne tendencje wyrażały się w akcentowaniu kwestii etycznych, rozwijaniu idei heroizmu i hojności (w dramatach muzycznych okresu paryskiego, w bezpośrednim odwoływaniu się do tematu obowiązku i uczucia). Normom klasycyzmu odpowiadała także czystość gatunkowa, dążenie do maksymalnego skupienia akcji, sprowadzonej do niemal jednego dramatycznego zderzenia, ścisły dobór środków wyrazu do zadań konkretnej sytuacji dramatycznej, maksymalne ograniczenie elementu dekoracyjnego, wirtuoz zaczynający się od śpiewu. Oświecający charakter interpretacji obrazów znalazł odzwierciedlenie w przeplataniu się szlachetności tkwiących w klasycznych bohaterach, z naturalnością i swobodą wyrażania uczuć, odzwierciedlającą wpływ sentymentalizmu.

W latach 80. i 90. XVIII w. we francuskim teatrze muzycznym znalazły wyraz rewolucyjne tendencje klasycystyczne, odzwierciedlające ideały rewolucji francuskiej XVIII wieku. Genetycznie związany z poprzednim etapem i reprezentowany głównie przez pokolenie kompozytorów, którzy podążali za reformą opery Glucka (E. Megul, L. Cherubini), rewolucyjny klasycyzm podkreślał przede wszystkim obywatelski, tyrański patos, który był wcześniej charakterystyczny dla tragedie P. Corneille'a i Voltaire'a. W przeciwieństwie do dzieł z lat 60. i 70., w których rezolucja tragiczny konflikt było trudne do osiągnięcia i wymagało interwencji sił zewnętrznych (tradycja „deus ex machina” – łac. „bóg z maszyny”), dla pism z lat 1780-1790 charakterystyczne rozwiązanie przez bohaterski czyn (odmowa charakterystyczne stało się posłuszeństwo, protest, często akt zemsty, zabójstwo tyrana itp.), co spowodowało jasne i skuteczne rozładowanie napięcia. Tego typu dramaturgia stała się podstawą gatunku „opery ratunkowej”, która pojawiła się w latach 90. XVIII wieku na przecięciu tradycji opery klasycystycznej i realistycznego dramatu filisterskiego.

W Rosji w teatrze muzycznym rzadko spotykane są oryginalne przejawy klasycyzmu (opera „Cefal i Prokris” F. Arayi, melodramat „Orfeusz” E. I. Fomina, muzyka O. A. Kozłowskiego do tragedii W. A. ​​Ozerowa, A. A. Szachowskiego i A. N. Gruzintseva).

W odniesieniu do opery komicznej, a także do muzyki instrumentalnej i wokalnej XVIII wieku, niezwiązanej z akcją teatralną, termin „klasycyzm” używany jest w dużej mierze warunkowo. Czasami jest używany w szerokim znaczeniu, aby odnieść się do początkowego etapu epoki klasyczno-romantycznej, stylów szarmanckich i klasycznych (patrz artykuł Wiedeń szkoła klasyczna, Klasyka w muzyce), w szczególności w celu uniknięcia wartościowania (na przykład przy tłumaczeniu niemieckiego terminu „Klassik” lub w wyrażeniu „Rosyjski klasycyzm”, który dotyczy całej rosyjskiej muzyki drugiej połowy XVIII - wczesnej XIX wieku).

W XIX wieku klasycyzm w teatrze muzycznym ustąpił miejsca romantyzmowi, choć niektóre cechy estetyki klasycystycznej były odradzane sporadycznie (G. Spontini, G. Berlioz, S. I. Taneyev i inni). W XX wieku klasycystyczny zasady artystyczne wskrzeszony w neoklasycyzmie.

PV Lutsker.

Dosł.: Prace ogólne. Zeitler R. Classizismus und Utopia. Stockh., 1954; Peyre H. Qu'est-ce que le klasycyzm? R., 1965; Bray R. La formation de la doktryna classique en France. R., 1966; Renesans. Barokowy. Klasycyzm. Problem stylów w sztuce zachodnioeuropejskiej XV-XVII wieku. M., 1966; Tapie V. L. Baroque et classicisme. 2 wyd. R., 1972; Benac H. Le klasycyzm. R., 1974; Zolotov Yu K. Moralne podstawy działania w języku francuskim Klasycyzm XVII w. // Materiały Akademii Nauk ZSRR. Ser. literatura i język. 1988. V. 47. nr 3; Zuber R., Cuénin M. Le classicisme. R., 1998. Literatura. Vipper Yu B. Formacja klasycyzmu w poezja francuska początek XVII wieku M., 1967; Oblomievsky D. D. Francuski klasycyzm. M., 1968; Serman I. Z. Rosyjski klasycyzm: poezja. Dramat. Satyra. L., 1973; Morozov A. A. Losy rosyjskiego klasycyzmu // literatura rosyjska. 1974. nr 1; Jones T. W., Nicol B. Neoklasyczna krytyka dramatyczna. 1560-1770. Camb., 1976; Moskvicheva G. V. Rosyjski klasycyzm. M., 1978; Manifesty literackie zachodnioeuropejskich klasyków. M., 1980; Averintsev S. S. Starożytna grecka poetyka i literatura światowa // Poetyka starożytna literatura grecka. M., 1981; Klasycyzm rosyjski i zachodnioeuropejski. Proza. M., 1982; L'Antiquité gréco-romaine vue par le siècle des lumieères / Éd. R. Kawaler. Wycieczki, 1987; Klasyczny w Vergleich. Normativität und Historizität europäischer Klassiken. Stuttg.; Weimar, 1993; Pumpyansky L.V. O historii rosyjskiego klasycyzmu // Pumpyansky L.V. Tradycja klasyczna. M., 2000; Genetiot A. Le classicisme. R., 2005; Smirnow A. A. teoria literatury Rosyjski klasycyzm. M., 2007. Architektura i sztuki plastyczne. Gnedich P. P. Historia Sztuki M., 1907. T. 3; on jest. Historia sztuki. Zachodnioeuropejski barok i klasycyzm. M., 2005; Brunow NI Pałace Francji w XVII i XVIII wieku. M., 1938; Blunt A. Francois Mansart i początki francuskiej architektury klasycznej. L., 1941; ten sam. Sztuka i architektura we Francji. 1500 do 1700. Wyd. New Haven, 1999; Hautecoeur L. Histoire de l'architecture classique en France. R., 1943-1957. Tom. 1-7; Kaufmann E. Architektura w dobie Rozumu. Camb. (msza), 1955; Rowland V. Klasyczna tradycja w sztuce zachodniej. Camb. (msza), 1963; Kovalenskaya N. N. Rosyjski klasycyzm. M., 1964; Vermeule S. S. Sztuka europejska i klasyczna przeszłość. Camb. (msza), 1964; Rotenberg E. I. Sztuka zachodnioeuropejska XVII wieku. M., 1971; on jest. Malarstwo zachodnioeuropejskie XVII wieku. Zasady tematyczne. M., 1989; Nikolaev E.V. Klasyczna Moskwa. M., 1975; Greenhalgh M. Klasyczna tradycja w sztuce. L., 1978; Fleming J.R. Adam i jego krąg w Edynburgu i Rzymie. 2. wyd. L., 1978; Yakimovich AK Klasycyzm epoki Poussina. Podstawy i zasady // Radziecka historia sztuki'78. M., 1979. Wydanie. jeden; Zolotov Yu K. Poussin i wolnomyśliciele // Tamże. M., 1979. Wydanie. 2; Summerson J. Klasyczny język architektury. L., 1980; Gnudi C. L'ideale classico: saggi sulla tradizione classica nella pittura del Cinquecento e del Seicento. Bolonia, 1981; Odrestaurowany Howard S. Antiquity: eseje o życiu pozagrobowym antyków. Wiedeń, 1990; Akademia Francuska: klasycyzm i jego przeciwnicy / Wyd. J Hargrove. Newark; L., 1990; Arkin D. E. Obrazy architektury i obrazy rzeźby. M., 1990; Daniel SM. Europejski klasycyzm. Petersburg, 2003; Karev A. Klasycyzm w malarstwie rosyjskim. M., 2003; Bedretdinova L. Ekaterininsky klasycyzm. M., 2008. Teatr. Celler L. Les décors, les costumes et la mise en scène au XVIIe siècle, 1615-1680. R., 1869. Gen., 1970; Mancjusza K. Moliera. Teatr, publiczność, aktorzy swoich czasów. M., 1922; Mongredien G. Les grands comediens du XVIIe siècle. R., 1927; Fuchs M. La vie théâtrale en prowincja w XVII wieku. R., 1933; O teatrze. sob. artykuły. L.; M., 1940; Kemodle G. R. Od sztuki do teatru. Chi., 1944; Blanchart R. Histoire de la mise en scène. R., 1948; Vilar J. O tradycja teatralna. M., 1956; Historia Teatru Zachodnioeuropejskiego: W 8 tomach M., 1956-1988; Velekhova N. W sporach o styl. M., 1963; Boyadzhiev G. N. Sztuka klasycyzmu // Pytania literatury. 1965. nr 10; Leclerc G. Les grandes aventures du theatre. R., 1968; Mints N. V. Zbiory teatralne Francji. M., 1989; Gitelman L. I. Zagraniczne aktorstwo sztuka XIX w. Petersburg, 2002; Historia teatru obcego. SPb., 2005.

Muzyka. Materiały i dokumenty dotyczące historii muzyki. 18 wiek / Pod redakcją M. V. Iwanowa-Boretskiego. M., 1934; Buken E. Muzyka epoki rokoka i klasycyzmu. M., 1934; on jest. Heroiczny styl w operze. M., 1936; Livanova T.N. W drodze od renesansu do oświecenia XVIII wieku. // Od renesansu do XX wieku. M., 1963; ona jest. Problem stylu w muzyce XVII wieku. // Renesans. Barokowy. Klasycyzm. M., 1966; ona jest. Muzyka zachodnioeuropejska XVII-XVIII wieku. w sztuce. M., 1977; Liltolf M. Zur Rolle der Antique in der musikalischen Tradition der französischen Epoque Classique // Studien zur Tradition in der Musik. Munch., 1973; Keldysh Yu V. Problem stylów w muzyce rosyjskiej XVII-XVIII wieku. // Keldysh Yu V. Eseje i badania nad historią muzyki rosyjskiej. M., 1978; Lutsker P.V. Problemy stylistyczne w sztuce muzycznej przełomu XVIII i XIX wieku. // Epokowe kamienie milowe w historii sztuki zachodniej. M., 1998; Lutsker P.V., Susidko I.P. opera włoska 18 wiek M., 1998-2004. rozdz. 1-2; Reformistyczne opery Kirilliny L. V. Glucka. M., 2006.

Wśród stylów artystycznych niemałe znaczenie ma klasycyzm, który upowszechnił się w rozwiniętych krajach świata w okresie od XVII do początku XIX wieku. Stał się spadkobiercą idei Oświecenia i pojawił się w prawie wszystkich rodzajach sztuki europejskiej i rosyjskiej. Często wchodził w konflikt z barokiem, zwłaszcza na etapie powstawania we Francji.

Wiek klasycyzmu w każdym kraju jest inny. Przede wszystkim rozwinęła się we Francji - już w XVII wieku, nieco później - w Anglii i Holandii. W Niemczech i Rosji kierunek ten ustalił się bliżej połowy XVIII wieku, kiedy w innych państwach zaczynał się już czas klasycyzmu. Ale to nie jest tak znaczące. Ważniejsze jest jeszcze jedno: kierunek ten stał się pierwszym poważnym systemem w dziedzinie kultury, który położył podwaliny pod jej dalszy rozwój.

Czym jest klasycyzm jako kierunek?

Nazwa pochodzi od łacińskiego słowa classicus, co oznacza „wzorowy”. Główna zasada przejawiała się w odwołaniu do tradycji starożytności. Były postrzegane jako norma, do której należy dążyć. Autorów prac pociągały takie cechy jak prostota i klarowność formy, lapidarność, rygor i harmonia we wszystkim. Dotyczyło to wszelkich dzieł powstałych w okresie klasycyzmu: literackich, muzycznych, malarskich, architektonicznych. Każdy twórca starał się znaleźć swoje miejsce na wszystko, jasne i ściśle określone.

Główne cechy klasycyzmu

Wszystkie formy sztuki zostały scharakteryzowane następujące funkcje pomagając zrozumieć, czym jest klasycyzm:

• racjonalne podejście do obrazu i wykluczenie wszystkiego, co związane ze zmysłowością;
• głównym celem osoby jest służenie państwu;
• ścisłe kanony we wszystkim;
• ustalona hierarchia gatunków, których mieszanie jest niedopuszczalne.

Specyfikacja cech artystycznych

Analiza poszczególnych rodzajów sztuki pozwala zrozumieć, w jaki sposób w każdym z nich tkwił styl „klasycystyczny”.

Jak klasycyzm urzeczywistniał się w literaturze

W tej formie sztuki klasycyzm został zdefiniowany jako szczególny kierunek, w którym wyraźnie wyrażała się chęć reedukacji słowem. Twórcy dzieł sztuki wierzyli w szczęśliwą przyszłość, w której zwycięży sprawiedliwość, wolność wszystkich obywateli i równość. Oznaczało to przede wszystkim wyzwolenie od wszelkiego rodzaju ucisku, w tym religijnego i monarchicznego. Klasycyzm w literaturze z pewnością domagał się przestrzegania trzech jedności: działania (nie więcej niż jednej) fabuła), czas (wszystkie wydarzenia zmieściły się w jeden dzień), miejsce (nie było ruchu w przestrzeni). W tym stylu większe uznanie uzyskali J. Moliere, Voltaire (Francja), L. Gibbon (Anglia), M. Twain, D. Fonvizin, M. Lomonosov (Rosja).

Rozwój klasycyzmu w Rosji

Nowy kierunek artystyczny ugruntował się w sztuce rosyjskiej później niż w innych krajach - bliżej połowy XVIII wieku - i zajmował wiodącą pozycję do pierwszej tercji XIX wieku. Rosyjski klasycyzm, w przeciwieństwie do zachodnioeuropejskiego, opierał się bardziej na tradycjach narodowych. W tym objawiła się jego oryginalność.

Początkowo trafił do architektury, gdzie osiągnął swoje największe wyżyny. Było to spowodowane budową nowego kapitału i wzrostem Rosyjskie miasta. Osiągnięciem architektów było stworzenie majestatycznych pałaców, wygodnych budynków mieszkalnych, podmiejskich majątków szlacheckich. Na szczególną uwagę zasługuje tworzenie zespołów architektonicznych w centrum miasta, które w pełni wyjaśniają, czym jest klasycyzm. Są to na przykład budynki Carskiego Sioła (A. Rinaldi), Ławra Aleksandra Newskiego (I. Starow), Mierzeja Wyspy Wasiljewskiej (J. de Thomon) w Petersburgu i wiele innych.

Szczyt działalności architektów można nazwać budową Pałacu Marmurowego według projektu A. Rinaldiego, w którego dekoracji po raz pierwszy zastosowano kamień naturalny.

Nie mniej znany jest Petrodvorets (A. Schluter, V. Rastrelli), który jest przykładem sztuki ogrodowej i parkowej. Liczne budowle, fontanny, rzeźby, sam układ – wszystko uderza proporcjonalnością i czystością wykonania.

Kierunek literacki w Rosji

Na szczególną uwagę zasługuje rozwój klasycyzmu w literaturze rosyjskiej. Jej założycielami byli V. Trediakovsky, A. Kantemir, A. Sumarokov.

Jednak największy wkład w rozwój koncepcji klasycyzmu wniósł poeta i naukowiec M. Łomonosow. Opracował system trzech uspokojeń, który określał wymagania pisania dzieł sztuki i stworzył próbkę uroczystego przesłania - odę, która była najbardziej popularna w literaturze drugiej połowy XVIII wieku.

Tradycje klasycyzmu w pełni przejawiły się w sztukach D. Fonvizina, zwłaszcza w komedii „Undergrowth”. Oprócz obowiązkowego przestrzegania trzech jedności i kultu rozumu, do cech rosyjskiej komedii należą następujące punkty:

• wyraźny podział bohaterów na negatywnych i pozytywnych oraz obecność argumentatora wyrażającego stanowisko autora;
• obecność trójkąta miłosnego;
• kara występku i triumf dobra w finale.

Dzieła epoki klasycyzmu jako całości stały się najważniejszym elementem rozwoju sztuki światowej.

Klasycyzm w architekturze i urbanistyce.

główna cecha architektura klasycyzmu odwoływała się do form architektury antycznej jako miary harmonii, prostoty, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Architektura klasycyzmu jako całości charakteryzuje się regularnością planowania i klarownością formy wolumetrycznej. Podstawą architektonicznego języka klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach zbliżonych do starożytności. Klasycyzm charakteryzuje się symetryczno-osiowymi kompozycjami, powściągliwością dekoracyjnej dekoracji i regularnym układem urbanistycznym.

Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego mistrza weneckiego Palladio i jego następcę Scamozziego.

Wenecjanie tak bardzo absolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej, że zastosowali je nawet przy budowie tak prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones przeniósł palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni palladiańscy architekci stosowali się do wskazań Palladia z różnym stopniem wierności aż do połowy XVIII wieku.

W Wenecji Palladio na zlecenie Kościoła zrealizował kilka projektów i wybudował kilka kościołów (San Pietro in Castello, 1558; krużganek kościoła Santa Maria della Carita [obecnie Muzea Akademii]; fasada kościoła św. San Francesco della Vigna, 1562; San Giorgio Maggiore na wyspie o tej samej nazwie, 1565 [ukończone przez V. Scamozzi do 1610]; „Il Redentore”, czyli [kościół] Zbawiciela na wyspie Giudecca, 1576 -1592; Santa Maria della Presentatione lub "Le Citelle"; Santa Lucia, rozebrana w połowie XIX wieku podczas budowy dworca kolejowego). Jeśli wille Palladia jako całość łączy wrażenie harmonii i spokoju form, to w jego kościołach najważniejsza jest dynamika form, czasem wzburzony patos.

Robert Adam (który współpracował ze swoim bratem Jamesem) stał się najbardziej rozchwytywanym architektem w Wielkiej Brytanii. Koneserzy piękna podziwiali swobodę, z jaką łączył klasyczne elementy, które wcześniej uważano za niezgodne. Świeże podejście do układu znanymi technikami architektonicznymi (okno termiczne, serliano) świadczyło o głębokim wniknięciu Adama w istotę sztuki antycznej. Budynki: Kedleston Hall, Sion House, Register House, Osterley Park.

Klasycyzm w malarstwie.

Mało obrazy Agostino Carracci (najlepsze z nich to freski w Palazzo Farnese w Rzymie, wykonane wspólnie z jego bratem Annibalem, „Komunia św. Hieronima” i „Wniebowstąpienie Marii” w Pinakotece Bolońskiej) wyróżniają się poprawnością rysunek i jasna, wesoła kolorystyka.

Agostino był bardziej znanym grawerem niż jego brat Annibale. Naśladując Cornelis Court, osiągnął wielkie wyżyny w sztuce grawerowania. Do najsłynniejszych jego rycin należą: Ukrzyżowanie (z Tintoretto, 1589), Eneasz i Anchis (z Barocchiem, 1595), Dziewica z Dzieciątkiem (z Correggio), Kuszenie św. Antoniego”, „Św. Jerome” (z Tintoretto), a także kilka rycin z jego własnej pracy.

Claude Lorrain z wielką wprawą odmalował grę promieni słonecznych o różnych porach dnia, świeżość poranka, upał południa, melancholijne migotanie zmierzchu, chłodne cienie ciepłych nocy, blask spokoju lub lekkiego kołysania wody, przezroczystość czystego powietrza i odległość pokryta lekką mgłą. W jego twórczości można wyróżnić dwa maniery: obrazy nawiązujące do wczesnego okresu jego działalności malowane są mocno, gęsto, w ciepłych barwach; później – łagodniej, chłodniejszym tonem. Postaci, które zwykle ożywiają jego krajobrazy.

Lorrain, w przeciwieństwie do Poussina, wyszedł poza metafizyczny (czytaj - akademicki) pejzaż. W jego pracy zawsze ważne jest światło. Jako pierwszy bada problem światła słonecznego rano i wieczorem; pierwszy, który był poważnie zainteresowany atmosferą, jej nasyceniem światłem. Jego twórczość wpłynęła na rozwój krajobrazu europejskiego, w szczególności William Turner

Klasycyzm w muzyce

Muzyka okresu klasycznego, czyli muzyka klasycyzmu, odnosi się do okresu rozwoju muzyki europejskiej między około 1730 a 1820 rokiem (zob. „Ramy czasowe rozwoju muzyki klasycznej” w celu bardziej szczegółowego omówienia zagadnień związanych do przydziału tych ram). Pojęcie klasycyzmu w muzyce jest stale kojarzone z twórczością Haydna, Mozarta i Beethovena, którzy nazywani są klasykami wiedeńskimi i wyznaczali kierunek dalszego rozwoju kompozycji muzycznej.

Charakterystyczną cechą twórczości Mozarta jest niesamowite połączenie surowych, klarownych form z głęboką emocjonalnością. Wyjątkowość jego twórczości polega na tym, że nie tylko pisał we wszystkich formach i gatunkach, jakie istniały w jego epoce, ale w każdym z nich pozostawił dzieła o trwałym znaczeniu. Muzyka Mozarta wykazuje wiele powiązań z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską), niemniej jednak należy do narodowej ziemi wiedeńskiej i nosi piętno indywidualność twórcza wielki kompozytor.

Mozart to jeden z najwybitniejszych melodystów. Jej melodia łączy w sobie cechy austriackich i niemieckich pieśni ludowych z melodyjnością włoskiej kantyleny. Mimo że jego utwory wyróżniają się poezją i subtelnym wdziękiem, często zawierają melodie o odważnym charakterze, z wielkim patosem dramatycznym i kontrastowymi elementami. Najpopularniejsze opery to Wesele Figara, Don Giovanni i Czarodziejski flet.

Pytania i zadania:

1) Klasycyzm (fr. classicisme, z łac. classicus - wzorowy) - styl artystyczny i kierunek estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.

W rozwoju klasycyzmu są dwa etapy: wiek XVII. i XVIII - początek XIX wieku. W XVIII wieku.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które powstały równolegle z tymi samymi ideami w filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki, z punktu widzenia klasycyzmu, powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ujawniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata. Interesuje klasycyzm tylko to, co wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się rozpoznać tylko istotne, typologiczne cechy, odrzucając przypadkowe cechy indywidualne. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm czerpie wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).

Klasycyzm ustanawia ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie (ode, tragedia, epopeja) i niskie (komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma ściśle określone cechy, których mieszanie jest niedozwolone.

Jako pewien kierunek powstał we Francji w XVII wieku. Francuski klasycyzm uznał osobowość człowieka za najwyższą wartość bytu, uwalniając go od wpływów religijnych i kościelnych.

Malarstwo, rzeźba, architektura, literatura, muzyka - reprezentowany jest klasycyzm.

2) Z budynku-pomnika przechodzą do budynku, który wyraża pewną funkcję społeczną, jedność tych funkcji tworzy organizm miejski, a jego strukturą jest koordynacja tych funkcji. Ponieważ koordynacja społeczna opiera się na zasadach racjonalności, plany urbanistyczne stają się bardziej racjonalne, to znaczy podążają za wyraźnymi prostokątnymi lub promienistymi wzorami geometrycznymi, na które składają się szerokie i proste ulice, duże lub okrągłe kwadraty. Idea relacji między społeczeństwem ludzkim a naturą wyraża się w mieście poprzez wprowadzenie rozległych terenów zielonych, najczęściej parków przy pałacach lub ogrodów dawnych klasztorów, które po rewolucji stały się państwem. Redukcja architektury jedynie do realizacji zadań urbanistycznych pociąga za sobą uproszczenie i typizację jej form.

3) Architekt klasycyzmu odrzuca „bitą śmietanę” baroku i kładzie nacisk na standardy harmonii, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Właściwie dla niego nie było wątpliwości, czy sztuka jest obiektywna, czy nie. Oczywiście obiektywnie, ale on sam służy wieczności i wszystkiemu niezmiennemu. Stąd zgodność z porządkiem, prawidłowość planowania i symetria. Człowieku, jak pamiętamy, brzmi dumnie. A regularność i jasność jest właśnie tym, co odróżnia stworzenie człowieka od spontanicznej asymetrii natury. W przypadku budynków i parków wszystko to oznaczało pojawienie się rzędów kolumn przechodzących w perspektywę, perfekcyjnie przystrzyżonych krzewów i kilkudziesięciu metrów doskonałych rzeźb. I loki, fałdy architektoniczne i marszczenia - od złego. Architekt klasycyzmu był najczęściej turystą i jeździł do Włoch i Grecji, aby obejrzeć ruiny, dzieła Palladia, Scamozziego i rysunki Piranesiego, a następnie przeniósł tę wiedzę do własnego kraju. Tak więc w szczególności stało się to z Inigo Jonesem, odpowiedzialnym za zaszczepienie klasycyzmu w Wielkiej Brytanii, oraz z Robertem Adamem, który zmienił oblicze Szkocji. Niemcy Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel, oszaleli na punkcie piękna Partenonu, zbudowali Monachium i Berlin w duchu neogreckim, z okazałym muzeum i innymi budynkami użyteczności publicznej.

Francuzi Jacques-Germain Soufflot, Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boulet stworzyli własne wersje klasycyzmu: ci pierwsi coraz bardziej opanowywali przestrzenie wokół budynku, podczas gdy Ledoux i Boulet dali się porwać radykalnej geometryzacji form. Francuzi (a po nich Rosjanie) w ogóle ze wszystkich Europejczyków okazali się najbardziej wrażliwi na luksus cesarskiego Rzymu i bez wahania skopiowali łuki triumfalne i kolumny.

4) Zobacz pytanie 3.

5) Charakterystyczną cechą twórczości Mozarta jest niesamowite połączenie surowych, wyraźnych form z głęboką emocjonalnością. Wyjątkowość jego twórczości polega na tym, że nie tylko pisał we wszystkich formach i gatunkach, jakie istniały w jego epoce, ale w każdym z nich pozostawił dzieła o trwałym znaczeniu. Muzyka Mozarta ujawnia wiele powiązań z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską), niemniej jednak należy do narodowej ziemi wiedeńskiej i nosi piętno twórczej indywidualności wielkiego kompozytora.

6) Nicolasa Poussina. Mistrz gonionej, rytmicznej kompozycji. Jeden z pierwszych, który docenił monumentalność lokalnego kolorytu.

Urodzony w Normandii, oryginał Edukacja plastyczna otrzymał w ojczyźnie, a następnie studiował w Paryżu pod kierunkiem Quentina Varena i J. Lallementa. W 1624 r. Poussin, już dość znany artysta, wyjechał do Włoch i zaprzyjaźnił się w Rzymie z poetą Marino, który zaszczepił w nim miłość do studiowania włoskich poetów, których twórczość dała Poussinowi obfity materiał do jego kompozycji. Po śmierci Marino Poussin trafił do Rzymu bez żadnego wsparcia. Jego sytuacja poprawiła się dopiero po znalezieniu mecenasów w osobie kardynała Francesco Barberiniego i Cavaliera Cassiano del Pozzo, dla którego napisał Siedem Sakramentów. Dzięki serii tych znakomitych obrazów Poussin został zaproszony do Paryża w 1639 roku przez kardynała Richelieu, aby ozdobić galerię Luwr. Ludwik XIII podniósł go do tytułu swojego pierwszego malarza. W Paryżu Poussin miał wiele zamówień, ale utworzył partię przeciwników, w osobie artystów Vue, Brekiera i Merciera, którzy wcześniej pracowali przy dekorowaniu Luwru. Szczególnie intrygująca była przeciwko niemu szkoła Vue, ciesząca się patronatem królowej. Dlatego w 1642 roku Poussin opuścił Paryż i wrócił do Rzymu, gdzie mieszkał aż do śmierci.

Poussin był szczególnie mocny w krajobrazie. Korzystając z rezultatów osiągniętych w tego rodzaju malarstwie przez szkołę bolońską i mieszkającą we Włoszech Holandię, stworzył tzw. przyjemne i majestatyczne formy, służyły mu jako scena do ukazania sielankowego złotego wieku. Pejzaże Poussin przesycone są poważnym, melancholijnym nastrojem. W przedstawianiu postaci trzymał się antyków, którymi wyznaczał dalszą drogę, jaką podążała za nim francuska szkoła malarstwa. Jako malarz historyczny Poussin miał głęboką znajomość rysunku i dar kompozycji. W rysunku wyróżnia się ścisłą konsekwencją stylu i poprawnością.

„Wielkoduszność Scypiona”, „Pasterze Arkadii”, „Tankred i Erminia”.

Hojność Scypiona.

Obraz oparty jest na zdobyciu Nowej Kartaginy (dzisiejsza Kartagena), hiszpańskiej twierdzy Punijczyków podczas drugiej wojny punickiej, którą Scypion zdobył wraz z niezliczonymi skarbami, zakładnikami z hiszpańskich plemion i dużym zapasem prowiantu. Nawiasem mówiąc, w jeden dzień schwytany.

Właściwie hojność Scypiona polegała na tym, że uwolnił zakładników i zorganizował ich odesłanie do domu, a także ocalił honor szlachetnych dziewcząt z tych hiszpańskich plemion, co zaskarbiło sobie przyjaźń i przychylność wielu Hiszpanów, którzy przeszli na stronę Rzymu.

№21 Podstawy światopoglądowe w kulturze edukacyjnej. Oświecenie w Europie i Ameryce

Formowanie się nowej ideologii wiąże się z formowaniem się nowej warstwy społecznej. Przekonany do idei racjonalizmu, wykształcony. Nie arystokraci. Stwierdzają biedę i upokorzenie ludzi, rozkład górnych warstw i stawiają sobie za cel zmianę sytuacji, posługując się naukowym światopoglądem, który może wpływać na nastroje mas. (Awanturnicy-poddani to oni)

Opowiadają się za uznaniem praw jednostki, więc pojawiają się doktryny prawa naturalnego. Pojawiają się w naukach Hobbesa, Locke'a, Grocjusza w XVIII wieku. Pierwotna idea prawa naturalnego Hobbesa polega na tym, że natura człowieka jest zła i samolubna. „Człowiek jest wilkiem dla człowieka”, stanem naturalnym jest „wojna wszystkich przeciwko wszystkim”. W tej wojnie człowiek kieruje się swoim naturalnym prawem – prawem siły. Prawu naturalnemu przeciwstawiają się prawa naturalne, które są rozsądną zasadą moralną człowieka. Prawa samozachowawcze i zaspokajania potrzeb. Ponieważ wojna wszystkich przeciwko wszystkim zagraża ludzkości samozagładą, istnieje potrzeba zmiany stanu naturalnego na cywilny. Powinna istnieć umowa społeczna. Ludzie dobrowolnie cedują na państwo część swoich praw i wolności, zgadzają się na przestrzeganie prawa. W ten sposób naturalne prawo siły zostaje zastąpione harmonią praw naturalnych i praw obywatelskich. Państwo jest więc warunkiem koniecznym kultury. Locke uważał, że prawda nie jest w stanie życie publiczne ale w samej osobie. Ludzie jednoczą się w społeczeństwie, aby zagwarantować człowiekowi prawa naturalne. To, według Locke'a, jest prawo do życia, własności, pracy. Praca i własność dają ludziom wolność i równość. Państwo jest zobowiązane do ochrony wolnego życia prywatnego osoby. Od samego początku teorie prawa naturalnego miały orientację antykościelną i antyfeudalną, gdyż podkreśla się naturalne pochodzenie prawa. Co sprzeciwia się teorii boskiego prawa, w której religia jest źródłem stanu feudalnego, nierówności społecznej. Terminu oświecenie po raz pierwszy użył Aviary. Priorytet w rozwoju edukacji należy do Francji. A Herder wraz z Voltaire wymyślił ten kapelusz - oświecenie. Kant pisał, że oświecenie jest wyjściem człowieka ze stanu mniejszości, w którym był z własnej woli. Niedojrzałość własnej wolnej woli to taka, której przyczyną nie są wady rozumu, ale brak determinacji i odwagi do korzystania z niej bez cudzego przewodnictwa. Motto oświecenia według Kanta to mieć odwagę posługiwania się własnym umysłem.

Idee oświecenia oparte są na ideach racjonalizmu. To nie przypadek, że literatura i sztuka gloryfikują umysł, potęgę ludzkiego umysłu - to optymistyczny światopogląd. Wiara w moc ludzkiego umysłu. Povillon - "Cuda ludzkiego umysłu" W centrum oświeceniowej koncepcji człowieka znajduje się idea człowieka naturalnego, ogromną rolę w jej powstaniu odegrała powieść Daniela Defoe „Robinson Crusoe” – człowiek w stanie naturalnym. To opowieść o życiu ludzkości, która od dzikości przeszła w cywilizację. To stan natury kształci Robinsona. J.-J. przejął go. Rousseau. W traktacie o rozumowaniu o naukach i sztuce mówi, że osoba fizyczna jest oświecona, ale nie przez nauki i sztuki, które despoci muszą łamać opór ludzi. Cywilizacja była w stanie stworzyć tylko szczęśliwych niewolników, Rousseau porównuje ich z dzikusami Ameryki. Są niezwyciężeni tylko przez polowanie. Żadnego jarzma nie można nakładać na ludzi, którzy nie mają potrzeb. Rousseau rozwija również pojęcie człowieka naturalnego w traktatach o pochodzeniu i podstawach nierówności między ludźmi, o umowie społecznej. Pochodzenie nierówności jest wyjaśnione historycznie. Wolter i Monteskiusz ostro skrytykowali ideę świętości władzy duchowieństwa. Bóg się zdyskredytował, ponieważ przez długi czas oligarchowie używali jego imienia, by zwodzić lud i wzmacniać jego władzę. Wtedy oświeceni zaangażowali się w rozwój utopii społecznych.

Najpierw budowana jest reorganizacja społeczeństwa, a następnie teoria społeczeństwa uniwersalnego. Wszyscy starali się określić naturalny stan człowieka, który uwidaczniał się w społecznej rzeczywistości dobrobytu materialnego. Rousseau wierzył, że w stanie materialnego dobrobytu rozwijają się ludzkie zdolności, rozwijają się idee, uszlachetniają uczucia, dusza się podnosi.

Claude Helvetius sformułował pojęcie cnoty, którą mierzył użytecznością, a nie samozaparciem się, jak miało to miejsce w moralności chrześcijańskiej. Oznacza to, że człowiek powinien cieszyć się życiem, a nie służyć Bogu z wyrzeczeniem charakterystycznym dla chrześcijanina. Pomysł ten poparł angielski pedagog Bentham, który uważał, że cnota powinna opierać się na osobistej korzyści, biorąc pod uwagę publiczne interesy społeczeństwa. W ten sposób rozpoczyna się nowy etap w rozwoju oświecenia, które jako całość przeszło ewolucję: od rozproszonych prób ustanowienia idei oświecenia do zjednoczenia sił oświecających; od deizmu Waltera do ateizmu Denisa Diderota. Od idei oświeconej monarchii, zamiłowania do systemu angielskiego po rozwój rewolucyjnej zmiany we francuskim porządek społeczny do aprobaty idei republiki zasada równości. Najważniejszym hasłem jest „Wolność, równość, braterstwo”. Ogólnie rzecz biorąc, oświeceni tworzą harmonijny obraz świata, ponieważ jest on optymistyczny. Kształtuje się idea uniwersalności, kultury światowej. Najbardziej znanym był Johann Herder. Potwierdza równość kultur różnych narodów i epok. Jednocześnie pojawia się grunt pod rozwój europocentryzmu. Europejczycy przez długi czas nie znali obcych kultur, a podbijając narody Ameryki i Australii występowali jako zdobywcy. Zaniedbano kulturę wrogów. Natomiast wraz z rozwojem idei powszechności porównywania kultur jako równych, własna okazuje się ważniejsza, wyższa od cudzej. Rozwój idei Rousseau przez rewolucję francuską świadczył o nowym stosunku do człowieka, dlatego społecznie zaczęły pojawiać się idee sprzeczne z ideami niewolnictwa.

Prawa człowieka Thomasa Pena ukazały się w 1791 roku.

„Obrona praw kobiet” Ounstonecraft 1792. Dania była pierwszym krajem, który zakazał niewolnictwa. Następnie w 1794 roku Francja zakazała tego. Niewolnictwo zostało zniesione w 1807 r. Imperium Brytyjskie. Idee oświeceniowe zdeterminowały rozwój kultury amerykańskiej. Filadelfia staje się centrum edukacji w Ameryce, powstała tu pierwsza biblioteka w Ameryce i pierwsze czasopismo prawnicze. Z miastem tym związana jest pierwsza szkoła medyczna i szpital, działalność edukacyjna Benjamina Franklina, który sformułował klasyczne zasady moralności burżuazyjnej. Bohaterem nowych czasów jest osoba, która wszystko zawdzięcza tylko sobie. Charakteryzuje go trzeźwość umysłu, racjonalność, skupienie na prawdziwym życiu, z jego materialnymi radościami. To on jest właścicielem wielu aforyzmów mówiących o kulturze burżuazyjnej, burżuazyjnej moralności: „Czas to pieniądz”, „Oszczędność i praca prowadzą do bogactwa” itp.

Kultura oświecenia opiera się na ideach Cottana Mathera i Jonathana Edwardsa.

Ideologia oświecenia przyczyniła się do rozwoju edukacji. Oświeceni wierzą, że edukacja w duchu nowoczesnej nauki, nowoczesna wiedza może poprawić życie ludzi, to nie przypadek, że Diderot połączył wysiłki Woltera i Monteskiusza, aby stworzyć słownik wyjaśniający lub Encyklopedia Nauki, Sztuki i Rzemiosła.

Stopniowo w Ameryce wyłania się korzystniejsza sytuacja dla edukacji niż w starym świecie. To wyjaśnia pojawienie się ojców założycieli republiki.

Thomas Jefferson napisał Deklarację Niepodległości. Został amerykańskim interpretatorem nauk Locke'a. Widział cel państwa - ochronę praw człowieka: prawa do życia, własności, wolności, szczęścia. Ludzie mogą obalić państwo. Najważniejsze jest prawidłowe rozprowadzenie mocy. Wolność splata się z obowiązkami.

Rozczarowanie ideałami Oświecenia wyraziła powieść Jonathana Swifta „Podróże Guliwera” – satyra na idee Oświecenia. Swift kwestionował postęp naukowy.

Era oświecenia trwała około 100 lat, potem następuje reakcja na skutki Rewolucji Francuskiej. Myśląca część europejskiej ludzkości czuła, że ​​ideał człowieka, ukształtowany przez kulturę odrodzenia, nie odpowiada rzeczywistości.

№22,23 Romantyzm jako paradygmat kulturowy, Romantyzm w Europie

W XVIII wieku ukształtował się preromantyzm, specjalna rola w której formacji J. - J. Rousseau grał przede wszystkim ze słynną spowiedzią. Epoka rozumu mówiła o prymacie uczucia, o oryginalności i wyjątkowości każdego człowieka. W Niemczech romantyzm żywi się ideami ruchu literackiego i społecznego Sturm und Drang. Twórczość wczesnego Goethego, Schillera. Jako ważne źródła można wymienić filozofię Fichtego z jej absolutyzacją wolności twórczej. I Arthur Schopenhauer ze swoją ideą ślepej, nierozsądnej woli, która tworzy świat zgodnie ze swoją wolą. Rzeczywistość wydawała się niekorzystna, czasem straszna, a umysł tego nie koryguje. Światopogląd romantyków jest irracjonalny. Idea istnienia sił nieziemskich jest wytworem fantazji, nie kontrolowanym przez oświecający umysł. Trend ten przejawiał się w twórczości hiszpańskiego artysty Francisco Goyi. Odzwierciedla nowe wątki, stawia pod znakiem zapytania kult ludzkiej zasady rozumu, wiarę w pierwotne człowieczeństwo. Sprawy ludzkie budzą głębokie wątpliwości w dawnych twierdzeniach. Goya odmawia dzielenia życia na dobre i złe, wysokie i niskie. Doświadczenie nowej ery, wstrząśniętej rewolucją, wojnami, obaliło pogląd, że początek ciemności i światła nie da się pogodzić. Życie okazało się bardziej skomplikowane i wszystko, co istnieje - ludzie, historia, człowiek, ze swoimi marzeniami, fantazjami, jest uwikłane w nieustanny proces zmian i formacji. Z jednej strony Goya pokazuje odwagę, niezłomność, wielkość duszy, z drugiej umie pokazać zbrodnię, nieludzkość. Romantyzm powstaje jako reakcja na rewolucja Francuska, na ideę ich kultu rozumu. A także przyczyną jego rozwoju jest ruch narodowowyzwoleńczy. Termin romantyzm początkowo był używany w literaturze ludów germańsko-rzymskich, później objął muzykę i sztuki wizualne. Najważniejszą rzeczą dla sztuki romantycznej była idea dualności, czyli porównania i przeciwstawiania światów rzeczywistych i przedstawionych. Prawdziwe życie albo proza ​​życia, z jej brakiem duchowości, utylitaryzmem, uważana jest za iluzję niewartą człowieka, przeciwstawną prawdziwemu światu. Afirmacja rozmieszczenia pięknego ideału jako rzeczywistości realizowanej przynajmniej w snach jest główną cechą romantyzmu. Współczesna rzeczywistość jest odrzucana jako skarbnica wszelkich wad, więc romantyk od niej ucieka. Ucieczka odbywa się w następujących kierunkach:

1. Wchodzenie w naturę, zatem natura jest kamertonem emocjonalnych przeżyć, ucieleśnieniem prawdziwej wolności, stąd zainteresowanie wsią, krytyka miasta. Zainteresowanie folklorem, starożytnymi mitami, legendami, eposami.
2. Ucieczka do egzotycznych krajów, nie zepsutych według romantyków mieszczańskiej cywilizacji.
3. W przypadku braku prawdziwego terytorialnego adresu lotu, jest on wymyślany, konstruowany w wyobraźni.
4. Ucieknij do innego czasu. Przede wszystkim romantyzm stara się uciec do średniowiecza. Istnieje piękny rycerski ideał.

To w życiu serca romantycy widzą przeciwieństwo bezduszności świata zewnętrznego. W malarstwie rozwija się portret romantyczny, autoportret. Bohaterowie portretów są niezwykli osobowości twórcze. Poeci, pisarze, którzy mają niezwykły wewnętrzny świat. Dominuje obraz świata wewnętrznego. Jeden z pierwszych obrazów wolnej osobowości został ucieleśniony przez pisarza, poetę Byrona „Podróż i pielgrzymka dziecka Harolda”. Obraz wolnej osobowości nazwano bohaterem Byrona. Ma takie cechy jak samotność, egocentryzm. Ten wolny od społeczeństwa bohater jest nieszczęśliwy. Niezależność jest mu droższa niż wygoda i spokój. Temat samotności znajduje odzwierciedlenie w twórczości Caspara Davida Friedricha, kiedy przedstawia on samotne postacie ludzkie na tle natury. Założycielem języka francuskiego został Hector Berlioz. Pod tym względem staje się fantastyczną symfonią. Fantastyczne jest odbiciem wewnętrznego świata lirycznego bohatera, samotnego, nierozpoznanego, zbiegłego poety, dręczonego nieodwzajemnioną miłością. Romantyczny światopogląd wyrażany był w dwóch wersjach: 1) świat wydawał się nieskończoną, pozbawioną twarzy podmiotowością kosmiczną, twórcza energia ducha działała jako początek tworzenia światowej harmonii. Charakteryzuje się panteistycznym obrazem świata, optymizmem, wzniosłym uczuciem. 2) Uwzględnia się ludzką podmiotowość, która jest w konflikcie ze światem zewnętrznym. Ta postawa charakteryzuje się pesymizmem.

Formy narodowe romantyzm w obecności wspólnych cech są oryginalne. Więc niemiecki romantyzm jest poważny, mistyczny. W Niemczech ukształtowała się teoria i estetyka romantyzmu (Fichte, Schopenhauer). Jednocześnie rodzą się tu arcydzieła muzyki i literatury, mające na celu samopogłębienie. Francuski romantyzm jest żywiołowy i kochający wolność. Przede wszystkim manifestował się w malarstwie rodzajowym. W malarstwie historycznym i codziennym, w gatunku portretowym, w romansie. Sentymentalna, zmysłowa angielska powieściopisarz wykorzystywała fantastyczne, alegoryczne, symboliczne formy ukazywania świata, ironii i groteski.

Theodore Géricault był twórcą francuskiego romantyzmu. Pokonuje wpływy klasycyzmu, jego prace odzwierciedlają różnorodność natury. Wprowadzając w kompozycję człowieka, Gericault dąży do jak najpełniejszego ujawnienia wewnętrznych przeżyć, emocji człowieka. Zachowując klasycystyczną żądzę uogólnień, heroicznych obrazów, Gericault po raz pierwszy w malarstwie francuskim ucieleśnia przenikliwe poczucie konfliktu świata. Uosabia dramatyczne zjawiska nowoczesności, silną pasję. Wczesne prace Gériota odzwierciedlały heroizm wojen napoleońskich. „Oficer konnych konnej gwardii cesarskiej idący do ataku”, „Rany kirasjer opuszcza pole bitwy”. Dynamizm kompozycji i koloru. Jednym z głównych elementów twórczości Gericaulta jest „Tratwa Meduzy”. Został napisany na aktualnej historii o zaginionej fregaty „Medusa”. Gericault nadaje historyczne, symboliczne znaczenie prywatnemu wydarzeniu. Praca ujawnia złożony zakres uczuć. Od całkowitej rozpaczy do całkowitej apatii i żarliwej nadziei na zbawienie. Idea romantycznego artysty jako osoby wolnej, niezależnej, głęboko emocjonalnej. Géricault wyraził w serii swoich portretów. (Portret dwudziestoletniego Delacroix) oraz autoportrety. Nie bez znaczenia jest seria portretów chorych psychicznie. Tradycja Géricaulta została podjęta przez Eugene'a Delacroix. „Dante i Wergiliusz” lub „Łódź Dantego”) Ta sama pasja, sprzeciw wobec wszelkiej przemocy cechowała jego późniejsze prace. „Masakra na Yose” lub „Grecja na ruinach Messalongi”) Odzwierciedlają się wydarzenia obrony Greków przed najazdem tureckim. „Wolność na barykadach”, napisana na temat współczesnych wydarzeń. Jej romantyczną, rewolucyjną symbolikę wyraża alegoryczna figura wolności, z rozwijającą się wiedzą w ręku. Wiele prac inspirowanych jest podróżą po Afryce Północnej. „Algierki w swoich komnatach”, „Żydowskie wesele w Maroku”, „Polowanie na lwy w Maroku”. Delacroix lubił wyścigi i konie. Delacroix maluje portrety kompozytorów (Chopin, Paganini). Wyrazem romantyzmu w malarstwie niemieckim była praca K.D. Friedricha. Już we wczesnych pracach określono całkowicie mistyczny klimat jego sztuki. Są to takie obrazy jak „Grób Huna na śniegu”, Krzyż w górach, „Mnich nad morzem”. Przedstawia widza jako postać, z dystansem kontemplującym krajobrazowe odległości. Przed kontemplacyjnym objawia się tajemniczo cicha natura. Różne symbole istoty nadprzyrodzonej. (horyzont morski, szczyt góry, statek, odległe miasto, krucyfiks, krzyż, cmentarz) Natura jest dla Friedricha nośnikiem głębokich, religijnych przeżyć. Krajobraz był używany jako środek do wyrażania głębokich przeżyć emocjonalnych. W pracy programu są cztery wieki życia. Na opustoszałym brzegu Arktyki przedstawiono postacie ludzi w różnym wieku i cztery statki zbliżające się do brzegu. Artysta pokazał więc upływ czasu, upływ czasu, skazaną na zagładę śmiertelność człowieka. Sama scena na tle zachodzącego słońca budzi głębokie poczucie melancholijnej nostalgii. Tytuł kolejnej pracy mówi sam za siebie „Zderzenie nadziei”. Prerafaelici to bractwo malarzy angielskich. (Rosetti, Milles, Polowanie). Kryzysy gospodarcze, rewolucje lat 40. XIX wieku nie dotknęły Anglii. To rozkwit brytyjskiego kapitalizmu. Estetyczny dyktat Anglii. Nazwa Prerafaelici pojawiła się ze względu na to, że członkowie społeczności czcili sztukę Docinquecento. Opierają się przede wszystkim na quattrocento, trecento. Malarstwo prerafaelickie było reakcją na pragmatyzm burżuazyjnego świata i krytyką kapitalizmu z punktu widzenia piękna. To próba stworzenia lepszej rzeczywistości opartej na duchowej, fizycznej, społecznej harmonii. Boskie znaczenie idealnego piękna, uniwersalne znaczenie bytu, wysoka duchowość objawia się w przyrodzie otaczającej człowieka i codzienności. Zainteresowanie średniowieczem wynikało z pragnienia odnowy religijnej. "Panna Młoda" - Rosetti, pojawia się obraz kobiecości. Obrazy Hunta są przesiąknięte symboliką. „Pasterz najemny” Martwa głowa to symbol zemsty, jabłko to symbol pokusy. Polowanie „Przebudzony wstyd”. „Światło Świata” przedstawia chodzącego Chrystusa. „Kozioł ofiarny” to alegoria Chrystusa na pustyni. Milles „Chrystus w domu rodzinnym”, obraz był inaczej nazywany „warsztatem stolarskim”. Romantyzm w Ameryce powstał pod wpływem kultury europejskiej. Istniała tendencja do romantyzowania rewolucji amerykańskiej, która była przedstawiana jako droga do najwyższego stopnia rozwoju, stawiając Stany Zjednoczone na czele światowego postępu. W ten sposób potwierdzona została wyjątkowość ścieżki Ameryki. Gatunek biograficzny się rozwija. Waszyngton był pierwszym bohaterem. Ojcem amerykańskiej biografii jest Gerard Sparks. Stworzył 12 tomów o Waszyngtonie, 10 tomów o Franklinie. Gwałtowna industrializacja stanów północnych zniszczyła tradycję.

№24 System wartości i kultury społeczeństwa przemysłowego

Zasady demokratyczne w struktura społeczna, rozwój nauk eksperymentalnych i industrializacji. Powstał w XVII wieku. Rezultatem rewolucji przemysłowej było powstanie społeczeństwa przemysłowego. Ideałami których są praca, produkcja, nauka, edukacja, demokracja. Saint-Simon marzy o społeczeństwie zorganizowanym jak ogromna fabryka kierowana przez przemysłowców i naukowców. Fabryka w tym czasie zmieniła manufakturę, prowadząc do bezprecedensowego wzrostu wydajności pracy społecznej. Wprowadzaniu innowacji technicznych towarzyszyła konsolidacja przedsiębiorstw, przejście do produkcji masowych, znormalizowanych wyrobów. Masowa produkcja doprowadziła do urbanizacji. (wzrost miast) Perspektywa przyspieszonego rozwoju kapitalizmu pokazała Stany Zjednoczone. Proces stał się wszechogarniający i bardziej jednorodny, nastąpił proces przekształcania historii w historię świata. Kształtowanie się kultury jako jedności, różnorodności kultur narodowych i szkoły artystyczne. Kraje tradycyjne, takie jak Japonia, również są objęte tym procesem. Problem dialogu kulturowego nabiera szczególnego koloru. Narasta nowy system wartości. Wrażliwość opiera się na użyteczności, dobrobycie, komforcie. Postęp utożsamiany jest z postępem gospodarczym. Jednocześnie zasada użyteczności przekształca pojęcie prawdy. Najważniejsze jest to, że jest wygodny i użyteczny. Utylitarny charakter nabiera etykiety. Regulacja stosunków pomiędzy wolnymi partnerami poprzez sprzedaż i kupno. Sprzedający musi być grzeczny i uprzejmy, ale kupujący nie. Zwraca się uwagę tylko na tych, którzy są użyteczni. Relacje są sformalizowane.