Podstawy kompozycji: siła linii. Rodzaje konstrukcji kompozycyjnych

10 proste zasady budowanie kompozycji w kadrze.

1. Kontrast

Jak przyciągnąć uwagę widza do swojego zdjęcia? W ramce powinien być kontrast:

• Jaśniejszy obiekt fotografuje się na ciemnym tle, a ciemny na jasnym.
• Nie fotografuj osób na żółtym lub brązowym tle, kolor zdjęcia będzie nienaturalny.
• Nie fotografuj ludzi na kolorowym tle, gdyż takie tło odwraca uwagę widza od modela.

2. Zakwaterowanie

Ważne elementy fabuły nie powinny być rozmieszczane losowo. Lepiej, aby tworzyły proste geometryczne kształty.

3. Równowaga

Obiekty znajdujące się w różne części ramka musi odpowiadać sobie pod względem głośności, rozmiaru i tonu.

4. Złoty podział

Złoty podział był znany już dawno temu Starożytny Egipt, jego właściwości badali Euklides i Leonardo da Vinci. Najprostszy opis złotej proporcji: najlepszy punkt do umieszczenia obiektu to około 1/3 poziomej lub pionowej krawędzi kadru. Umieszczenie ważnych obiektów w tych punktach wizualnych wygląda naturalnie i przyciąga uwagę widza.

5. Przekątne

Jednym z najskuteczniejszych wzorców kompozycyjnych jest kompozycja diagonalna.

Jego istota jest bardzo prosta: główne obiekty kadru umieszczamy wzdłuż przekątnej kadru. Na przykład od lewego górnego rogu ramki do prawego dolnego rogu.

Technika ta jest dobra, ponieważ taka kompozycja prowadzi wzrok widza w sposób ciągły przez całą fotografię.

6. Sformatuj

Jeżeli w kadrze dominują obiekty pionowe, fotografuj klatki pionowe. Jeśli fotografujesz krajobraz, rób poziome klatki.

7. Miejsce strzeleckie

Wybór punktu fotografowania bezpośrednio wpływa na emocjonalny odbiór zdjęcia. Pamiętajmy o kilku prostych zasadach:

• W przypadku portretu najlepszy punkt znajduje się na wysokości oczu.
• Do portretu w pełna wysokość- na poziomie talii.
• Staraj się tak kadrować kadr, aby linia horyzontu nie dzieliła zdjęcia na pół. W przeciwnym razie widzowi będzie trudno skupić się na obiektach w kadrze.
• Trzymaj aparat na poziomie obiektu, w przeciwnym razie ryzykujesz zachwianiem proporcji. Obiekt wzięty z góry wydaje się mniejszy niż jest w rzeczywistości. Zatem fotografując osobę z najwyższego punktu, uzyskasz osobę na zdjęciu pionowo kwestionowane. Fotografując dzieci lub zwierzęta, zniż się do poziomu ich oczu.

8. Kierunek

Budując kompozycję, zawsze bierz ten punkt pod uwagę.

9. Plama barwna

Jeśli w jednej części kadru jest plama koloru, to w drugiej powinno być coś, co przyciągnie uwagę widza. Może to być inna plama koloru lub na przykład akcja w kadrze.

10. Ruch w kadrze

Fotografując poruszający się obiekt (samochód, rowerzysta), zawsze zostaw trochę miejsca przed obiektem. Mówiąc najprościej, ustaw obiekt tak, jakby właśnie „wszedł” w kadr, a nie „wychodził” z niego.

W tej publikacji rozważymy pojęcie kompozycji, rodzaje kompozycji, które są szeroko rozpowszechnione w różnych dziedzinach sztuki, a w niektórych stanowią podstawę.

Pojęcie kompozycji

w dużym Słownik encyklopedyczny podano kilka definicji tę koncepcję. Rozważmy główne, w zależności od zakresu zastosowania.

Słowo pochodzi od łacińskiego „compositio”, co oznacza „wiązanie”, „kompozycja”.

Przede wszystkim jest to stworzenie pewnego obraz artystyczny lub utworu, o czym decyduje jego cel, treść i charakter. Skład jest najważniejszym elementem formy artystyczne, która nadaje tworzonemu dziełu integralność i jedność, wzajemnie podporządkowuje sobie jego elementy składowe.

Kolejne dwie definicje dotyczą muzyki i sztuki. Jedna z nich jest interpretowana w następujący sposób. Kompozycja to utwór malarski, muzyczny, graficzny lub rzeźbiarski. Może to być również proces komponowania muzyki lub dyscyplina akademicka w szkole muzycznej.

Ponadto może obejmować kilka różne rodzaje sztuka.

Teraz zacznijmy rozważać główne rodzaje kompozycji różne pola sztuka.

Literatura

Każdy z nas zetknął się z tym pojęciem w szkole na lekcjach. Dzieła wizualne, literatury i muzyki. Zatrzymajmy się bardziej szczegółowo na literaturze, ponieważ w tym obszarze koncepcja odgrywa kluczową rolę dla pisarza. Rozważmy także rodzaje kompozycji w literaturze.

Należą do nich narracja, dialog i monolog, portret i pejzaż, fabuła, opis, charakterystyka autora i dygresje, wstawione historie oraz system obrazów.

Ważną rolę odgrywa i wśród których wyróżnia się:

Ekspozycja (jej obecność w utworze nie jest konieczna; pozwala pisarzowi z wyprzedzeniem powiadomić czytelnika o wydarzeniach, a także dostroić go do pożądanej fali).

Retrospekcja, inaczej zwana „patrzeniem wstecz”. Autorka zanurza nas w przeszłość bohaterów, by odsłonić przyczyny tego, co dzieje się obecnie. Ta technika jest najbardziej typowa dla historii pamięci.

Najlepszą techniką na dodanie intrygi do dzieła jest przerwa. Czytelny rozdział kończy się intrygującym momentem i w następnym mówimy o chodzi o coś zupełnie innego, ale stworzona intryga pozostaje.

Wśród rodzajów kompozycji w literaturze wyróżnia się dwa główne - zewnętrzne i wewnętrzne. Pierwsza polega na podziale tekstu na części składowe: prologi, epilogi, rozdziały i tak dalej. Drugi skupia się na treści: fabule, obrazach, sytuacjach mowy i tak dalej.

Kompozycję można również odwrócić (praca zaczyna się od końcowe sceny), kołowego (końcem pracy jest scena, od której się zaczęło), tematycznego (oparte na relacji głównych obrazów) i lustrzanego (oparte na symetrii niektórych obrazów lub odcinków).

Projekt

Z reguły w projektowaniu nie ma określonych typów kompozycji. Istnieją środki, cechy i właściwości kompozycji, które rozważymy.

Środki obejmują linię, cieniowanie, plamkę, kolor, światłocień, a także liniowy, kolor i perspektywa powietrzna. Artyści często wykorzystują w swojej twórczości kilka mediów. Na przykład linia, punkt i obrysy.

Linia jest uważana za główny środek, a światłocień służy do przekazywania objętości obiektów na rysunku. Perspektywy służą do tworzenia iluzji przestrzeni.

Wymieńmy teraz cechy i właściwości kompozycji w projektowaniu: równowaga kompozycyjna, harmonijna integralność, symetrie i asymetrie, kompozycje dynamiczne i statyczne, jedność charakteru form.

Architektura

Architektura również szeroko wykorzystuje kompozycję, a jej rodzaje są liczne.

Polega na uporządkowaniu elementów architektonicznych tak, aby osiągnąć harmonię i jedność. Wyboru konkretnej kompozycji dokonuje się nie tylko na podstawie zasady estetyczne, ale jest również określony przez wszystkie wymagania dotyczące konstrukcji architektonicznej.

Rozważmy rodzaje kompozycji architektonicznych. Kompozycję wolumetryczną uzyskuje się poprzez konstruowanie form wolumetrycznych. Przestrzenny oznacza konkretną przestrzeń (na przykład salę, salę lub arenę). Podstawą kompozycji głębokoprzestrzennej jest unifikacja kilku przestrzeni lub podział przestrzeni na powiązane ze sobą części. Kompozycja wolumetryczno-przestrzenna łączy formy wolumetryczne z elementami przestrzeni. Przykładem takiej konstrukcji może być rzut budynku z częścią dziedzińca. Kompozycja frontalna zbudowana jest według współrzędnych poziomych i pionowych. W wieżowcach wysokość przeważa nad wielkością formy na rzucie.

Zdjęcie

Mówiąc o składzie i rodzajach kompozycji, chciałbym zwrócić uwagę popularny typ sztuka - fotografia. Każdemu człowiekowi, zarówno zawodowemu fotografowi, jak i amatorowi, zależy na tym, aby jego zdjęcia były ciekawe i wyraziste. Aby to zrobić, istnieje kilka zasad konstruowania kompozycji.

Zasada trójpodziału mówi, że kadr dzieli się na dziewięć części, czyli uzyskuje się siatkę. Zatem najważniejsze obiekty znajdują się na przecięciach linii lub wzdłuż nich.

Zasada „złotego podziału”. Są w kompozycji punkty, które najbardziej przyciągają uwagę, znajdują się one w odległości 5/8 i 3/8 od krawędzi kadru. W sumie są 4 takie punkty.

Istnieją również zasady dotyczące przekątnych i złotego podziału przekątnej.

Wniosek

Kompozycja i rodzaje kompozycji są głównym tematem w badaniach sztuk pięknych i architektury. Bez znajomości zasad konstruowania obiektów, obiektów i przestrzeni oraz umiejętności stosowania określonych technik nie da się stworzyć arcydzieła.

Nie ma złych struktur i technik kompozytorskich. Są jednak takie, które wykorzystuje się niewłaściwie lub do innych celów. Znajomość i świadome wykorzystanie kompozycji pozwala na budowanie rozwoju i holistycznego postrzegania całego filmu i jego elementów: odcinków, zwrotów montażowych i kadrów.

Wszelkie prawa, techniki i rodzaje kompozycji działają nie tylko na poziomie kadru, ale także frazy montażowej i całej fabuły: podobnie jak kadr, mogą być symetryczne, głębokie itp. Dlatego warto poznać ich możliwości i ograniczenia. Format artykułu internetowego nie pozwala na opisanie wszystkich rodzajów kompozycji, dlatego ograniczę się jedynie do podstawowych właściwości decydujących o percepcji.

Symetryczna kompozycja: najbardziej stabilny, statyczny i kompletny (zamknięty). Symetryczna kompozycja podkreśla sztuczność, jest zimna i pozbawiona emocji. W końcu w przyrodzie nie ma całkowitej symetrii. Absolutnie symetryczny ludzka twarz wyglądałoby to zimno, zabójczo. A symetria w architekturze zawsze odwołuje się do zamrożonej wieczności, a nie do zmiany życia. Im bardziej symetryczne elementy zostaną użyte, tym wyraźniejsze będą te właściwości.

Najbardziej symetryczną kompozycją jest rozłożona frontalnie płaszczyzna liniowa, absolutnie zrównoważona pod względem mas, światła i koloru (fronton gotyckiej katedry).

Symetryczna kompozycja wstrzymuje rozwój, więc całkowicie wyważone symetryczne kadry praktycznie nie nadają się do montażu. Nie ma w nich bowiem żadnego rozwoju, a kolejny kadr odbierany jest nie jako kontynuacja, ale jako coś zupełnie „innego”, niezwiązanego z poprzednimi i kolejnymi. Pamiętać? Absolutnie zrównoważone strzały są montowane bardzo słabo. Dlatego klatki ułożone symetrycznie mogą być dobre w finale, kończącym główny odcinek lub cały film, ale zupełnie nie nadają się do zwykłej sekwencji montażowej.

Z drugiej strony, jeśli chcemy podkreślić statyczność, chłód lub nienaruszalność obiektu, kompozycja powinna być bliższa symetryczności. Czy to nie właśnie to „roszczenie do wieczności” zmusza nas do budowania pozorów symetrii na oficjalnych fotografiach grupowych (firmowych, szkolnych itp.)?

W fabule absolutna symetria jest nieosiągalna, a próby zbliżenia się do niej ujawniają sztuczność takich konstrukcji, więc nie ma sensu jej opisywać.

Okrągła kompozycja- odmiana kompozycji symetrycznej, ale w przeciwieństwie do symetrii liniowej, symetria kołowa ma bardziej złożoną strukturę, co pomaga uniknąć oczywistej tożsamości.

W fabule kolista kompozycja podkreśla kompletność rozwoju akcji. Aby to zrobić, upodabnij początkowe i końcowe odcinki lub ich główne elementy akcentujące. Na przykład, jeśli zaczniesz opowieść o urodzinach od nakrycia stołu i zakończysz czymś, co wygląda jak film o sprzątaniu, historia „zatoczy koło”.

Okrągła „zamkniętość” epizodów (lub wewnątrz epizodu) pozwala budować nie tylko kompletność, ale także cykliczność i powtarzalność akcji. Załóżmy, że decydujesz się pokazać dzień swojemu psu. Sfilmowali też, jak zaczął się jej poranek, kiedy właścicielka otworzyła drzwi, a pies wyskoczył na ulicę i szczekał. Można wtedy pokazać co się chce, ale jeśli zakończy się to tym samym otwarciem drzwi o poranku i wyskakiwaniem psa na ulicę, to widz zrozumie, że życie psa dzień po dniu upływa cyklicznie.

W kadrze kompozycja kołowa zwykle daje wyraźne zamknięcie przestrzeni, jest to forma najbardziej kompletna.

Asymetryczna kompozycja niezwykle aktywny emocjonalnie. Jest dynamiczny, ale nie stabilny. Jego dynamika i niestabilność są wprost proporcjonalne do liczby elementów asymetrycznych i stopnia ich asymetrii. Co więcej, jeśli absolutna symetria niesie chłód śmierci, to absolutna asymetria prowadzi do chaosu zniszczenia - skrajności zbiegają się. Ogólnie rzecz biorąc, stabilność kompozycji jest odwrotnie proporcjonalna do jej siły emocjonalnej.

Asymetryczna kompozycja jest niezwykle aktywna emocjonalnie. Jest dynamiczny, ale nie stabilny.

Ramy asymetryczne są dobrze zamontowane, ale pod warunkiem, że pomiędzy sąsiednimi ramami nadal zachowana będzie pewna identyczność i symetryczna korelacja poszczególnych elementów: równoważące przekątne lub kąty, zgodność środków kompozycyjnych, główne równowagi, jedność „kluczy” światła i koloru itp. D.

Właściwie pierwszą zasadniczą różnicę pomiędzy typami kompozycji można sprowadzić do stopnia ich symetrii/asymetrii, czyli równowagi pomiędzy tymi dwoma skrajnościami. Druga różnica polega na dominującym „wektorze”, który określa ruch oka w płaszczyźnie kadru.

Kompozycja pozioma ułożone w długie, poziome linie. Na przykład, plan ogólny opuszczony brzeg na stepie da wyraźny poziom: będzie wyrównany z liniami wybrzeża i horyzontu. Konstrukcja ta podkreśla rozległość przestrzeni, jej analogię czy nawet jednorodność, a także pomaga uwydatnić wielość i tożsamość fotografowanych obiektów (np. panorama czołowa czy przejście wzdłuż formacji żołnierzy lub jakiegoś wyposażenia).

W fabule „poziom” odpowiada rozwojowi liniowemu, logicznej sekwencji wydarzeń. Jeśli opisujesz swój poranek minuta po minucie - wstałeś, umyłeś twarz, umyłeś zęby itp. – będzie to rozwój linearny, horyzontalna konstrukcja opowieści.

Kadrowanie poziome jest najczęściej stosowane w filmach amatorskich i samo w sobie nie jest złe.

Tego typu konstrukcje stosowane są najczęściej w filmach amatorskich i same w sobie nie są wcale złe. Właściwie co jest złego w tym, że na ekranie wszystkie wydarzenia dzieją się w tej samej kolejności, w jakiej wydarzyły się w życiu? Oto przygotowania do łowienia, oto przejście, wyrzucili wędki, ryba rozlała się do wiadra, wrócili do domu i mamrocząc, teściowa zaczęła czyścić i smażyć rybę… wszystko jest proste i jasne, idealne dla każdego archiwisty.

Ale możesz łatwo odejść od poziomej liniowości i zbudować fabułę, sprawiając, że sama rybaczka wstawi wspomnienia w mamrotanie swojej teściowej: dzięki temu wszystkie odcinki będą jaśniejsze (zadziała prawo kontrastu), a fabuła sam w sobie będzie znacznie ciekawszy. Być może po obejrzeniu tego Twoja teściowa zmieni swoje podejście do Twojego hobby. Ale jako materiał archiwalny taki film nie będzie już idealny. W końcu nie uratuje gołych faktów, ale twoje relacje. Co jest cenniejsze: prawda faktów czy prawda uczuć? Wybór należy do Ciebie.

Zatem ani poziomość, ani liniowość same w sobie nie są dobre ani złe, tak jak każda inna kompozycja. O wyborze decydują wyłącznie zadania, jakie stawia przed sobą autor. Inna sprawa, że ​​ten wybór – jak każdy wybór w życiu – jest dobry, gdy jest świadomy i przemyślany, a jeszcze lepiej, gdy jest „na brzegu”.

Kompozycja pionowa podkreśla rytm i „działa”, w przeciwieństwie do poziomego, dla porównania może podkreślać indywidualność, akcentować przedmiot. Pionowy ruch obiektu lub kamery jest zawsze postrzegany jako bardziej dynamiczny niż ruch poziomy.

W fabule „pion” budowany jest przez montaż równoległy - analogowy urządzenie literackie„i w tym momencie…”, czyli sekwencyjne przedstawienie jednocześnie zachodzących zdarzeń. Każdy widział tę technikę nie raz w filmach – zarówno dokumentalnych, jak i fabularnych – jej realizacja na ekranie jest dość prosta, więc nie ma sensu jej tutaj szerzej opisywać.

Rytm wewnątrzklatkowy zbudowany na pionie (po lewej) i poziomie (po prawej). W kadrze drugim „załamanie” rytmu horyzontalnego uwypukla pionowość postaci główny obiekt. A przekątne obecne w obu klatkach ułatwiają integrację z sekwencją edycyjną.

Kompozycja diagonalna najbardziej otwarty i lubiany przez profesjonalistów. Wydaje się, że wymaga kontynuacji w kolejnej klatce, dlatego jest najwygodniejszy w montażu, zwłaszcza jeśli łączone klatki są kręcone po przeciwnych przekątnych. Przekątną można budować zarówno w płaszczyźnie ramy, jak i na głębokości. Taka kompozycja jest zawsze bardziej dynamiczna niż kompozycja czysto pionowa, a tym bardziej pozioma, zwłaszcza jeśli w kadrze występuje ruch.

Kompozycja diagonalna jest najbardziej otwarta i uwielbiana przez profesjonalistów.

I wreszcie, kompozycje są dalej dzielone na podstawie głębokości/płaskości.

Płaska kompozycja podkreśla umowność, „obrazowość” przestrzeni (na przykład do fotografowania w popularnym gatunku drukowym lub grafice artystycznej). Wyraźność linii konturu i graficzny charakter obrazu podkreślają jego płaskość.

Kompozycja głębi podkreśla realizm przestrzeni, daje wyraźną perspektywę, kontynuację w głębi. Co więcej, im „miększy” ogólny wzór, tym bardziej zauważalna jest perspektywa. Perspektywa ma ogromną siłę równoważącą, ponieważ pojedynczy obiekt pierwszej płaszczyzny zawsze wydaje się stosunkowo duży.

Wrażenie głębi w kadrze zależy w największym stopniu od różnicy światła (gradacja oświetlenia pomiędzy planem pierwszym, kolejnymi i tłem) oraz kąta optycznego obiektywu.

Z optyką wszystko jest proste: spróbuj wykonać dwie identyczne klatki z całkowicie odsuniętym zoomem (szeroki kąt) i powiększonym (wąski kąt). Od razu zobaczysz, jak zwiększa się głębia kadru fotografowanego z optyką szerokokątną, a przestrzeń fotografowana teleobiektywem kurczy się, „spłaszcza” (przy „długim ogniskowaniu”).

Ta właściwość optyki jest wygodna w użyciu i pozwala uzyskać wiele efektów. Na przykład lepiej robić portrety długim obiektywem: zdjęcie będzie bardziej miękkie, a twarz podkreślona. Ale aby pokazać „szerokość i odległość”, lepiej użyć szerokiego kąta.

W amatorskich kamerach wideo urządzenie do zmiany optyki (mocowanie bagnetowe) to niewyobrażalny luksus. A nawet gdyby tak było, amatorzy raczej nie kupią drogich obiektywów. Dlatego wszystkie dzisiejsze aparaty amatorskie są wyposażone w obiektyw zmiennoogniskowy. To w zupełności wystarczy, szczególnie jeśli pamięta się, że przyciski „W-T” nie tylko usuwają/przybliżają obiekty, ale zmieniają kąt optyczny obiektywu z szerokiego na wąski. Oznacza to, że obiektywu zmiennoogniskowego należy używać nie tylko (i nie tylko) do przybliżania/oddalania, a nawet ustawiania zgrubności (często znacznie skuteczniej jest wybierać ją poprzez zbliżanie się lub oddalanie od obiektu), ale przede wszystkim przede wszystkim, aby ustawić kąt obiektywu, uzyskując potrzebną głębię przestrzeni.

Światło buduje głęboką perspektywę kadru: stopniowe zagęszczanie się ciemności uwypukla długość jaskini, korytarza – dowolnej rozległej przestrzeni. Ale specjalnie budując taką perspektywę światłem, możemy zwiększyć głębię małego pokoju. To prawda, że ​​​​jedno urządzenie skierowane w sufit już tu nie wystarczy. A takie zadania są rzadko spotykane w praktyce amatorskiej. Dlatego zaznaczę tylko, że nie należy się dziwić, jeśli dobrze i co najważniejsze równomiernie oświetlona jaskinia w kadrze nagle stanie się płytką niszą. Winny będzie za to brak perspektywy świetlnej.

Cóż, dla najbardziej „zaawansowanych” amatorów powiem, że za pomocą światła można zbudować nie tylko perspektywę bezpośrednią, ale także perspektywę odwróconą, gdy pierwsze plany są ciemniejsze niż tło. Może to osiągnąć ciekawe efekty: na przykład osoba pójdzie nie tylko w dal, ale także w światło, „rozpłynie się” w nim. Dlaczego nie zwizualizować sobie na przykład idei osiągnięcia buddyjskiej nirwany?

Wniosek

Warto zaznaczyć, że oczywiście nie ma „czystych” typów kompozycji. Nazwy wskazują jedynie, która struktura w nim dominuje. Przecież każda kompozycja ma symetrię/asymetrię i swój stopień głębi, a w dobrze zbudowanej wyraźnie widoczny jest „wektor”.

Tym, którzy poważnie chcą zrozumieć zasady kompozycji, radzę zacząć od obejrzenia i analizy dobrych obrazów i fotografii. Warto poświęcić wieczory na tę fascynującą czynność przez kilka miesięcy – przyglądać się i „odkrywać” zasady konstruowania dzieł malarskich i fotograficznych mistrzów – a sam nie zauważysz, jak Twój kadr stanie się bardziej zrozumiały, ustrukturyzowany kompozycyjnie i znaczący.

„Kompozycji nie można się nauczyć, dopóki – pisał N. N. Kramskoj – „dopóki artysta nie nauczy się obserwować i sam dostrzegać to, co interesujące i ważne. Od tego momentu dopiero zaczyna się dla niego możliwość dostrzeżenia tego, co w istocie dostrzegł, a kiedy zrozumie, gdzie tkwi sęk idei, wystarczy, że ją sformułuje, a kompozycja pojawi się sama.”

Wszystkie poniższe informacje zostały przekazane i pokazane przez nauczycielkę i artystkę (lub odwrotnie – kogo wolisz) Juliette Aristides. Myślę, że dzięki tym przykładom bardzo szybko stanie się jasne, dlaczego w pierwszej części były trudności.

Zacznijmy od Velazqueza.
„Las Meninas” 1656 3,2 m x 2,76 m
Inna nazwa to „Rodzina Filipa IV”.
To jest jeden z najbardziej znane obrazy na świecie znajduje się w Muzeum Prado w Madrycie.

Na tym obrazie wszystkie postacie znajdują się w dolnej połowie płótna. Głowa artysty umiejscowiona jest na linii dzielącej płótno na połowę górną i dolną. Wzdłuż krawędzi biegnie pionowa linia podziału otwarte drzwi i obramowuje prawą połowę środkowej dziewczyny. Linia dzieląca płótno na dolną i środkową trzecią część przebiega wzdłuż linii oczu tej dziewczyny, dotykając także dolnej części policzka i czubka głów postaci stojących po prawej stronie obrazu.

Velazquez użył obu głównych przekątnych. Na przekątnej przechodzącej od prawego dolnego do lewego górnego rogu „leży” postać i dłoń jednej z głównych dziewcząt. Ta sama przekątna oznacza kąt samego obrazu w obrazie. Druga przekątna przechodzi przez ciało lewej dziewczyny i twarz w lustrze (na lewo od drzwi). Ponadto przekątna biegnąca od dolnego środka obrazu do lewego górnego rogu zawęża sylwetkę artysty w prawo, natomiast przekątna biegnąca od dolnego środka obrazu do prawego górnego rogu wyznacza kąt sylwetki kobiety w tło.

Teraz Vermeer.
"Astronom"1668 51 cm x 45 cm


Podobne wykorzystanie przewodników.

Wnioski:
1. Prowadnice ograniczają kształty na płótnie
2. Przewodnik przechodzi przez linię oczu
3. Prowadnica określa nachylenie figury

Połączenie koła i kwadratu w kompozycji zwykle wygląda jak okrąg wpisany w kwadrat. Ta kompozycja ma swoje korzenie w Starożytna Grecja i został po raz pierwszy opisany przez Witruwiusza. Kompozycja ta opiera się na filozofii pojednania świata skończonego (reprezentowanego przez kwadrat) i nieskończonego (reprezentowanego przez okrąg).
Zobaczmy, jak wielcy z niego korzystali.
Rafał.
„Zejście z krzyża” 1507



Rafael pokłonił się i zebrał ludzi tak, że utworzyli krąg. Następnie wykorzystał obie główne przekątne kwadratu: jedną, aby umieścić głowę centralnej kobiety, a drugą wzdłuż ramienia mężczyzny w kolorze czerwonym.
Następnie Rafael użył poziomej linii oddzielającej górną ćwiartkę i drugą ćwiartkę, aby wskazać linię horyzontu. Pozioma linia oddzielająca górną trzecią część od drugiej trzeciej przechodzi przez oczy środkowej kobiety. Pozioma linia oddzielająca drugą trzecią część od dolnej trzeciej wyznacza dolną część ciała Chrystusa.
Pion oddzielający lewą tercję od środkowej tercji i środkowy pion obramowują centralną kobietę, jednocześnie środkowy pion przechodzi przez nogę centralnego mężczyzny i dzieli cały obraz na pół. Pion oddzielający ćwiartkę prawą od ćwiartki trzeciej wraz z pionem środkowym ograniczają sylwetkę centralnego mężczyzny.

Ribera
„Męczeństwo św. Filipa” 1639



Ribera podobnie zastosował kombinację koła i kwadratu. Zwróć uwagę, jak zgromadził ludzi w okrągłym układzie na kwadratowym płótnie. Następnie zaangażował obie główne przekątne: jedna przeszła przez twarz Centralna figura, a drugi - przez lewa ręka figurki. 2 kolejne przekątne, które biegną od środka górnej krawędzi płótna do dolnych rogów obrazu, otaczają zewnętrzne postacie. Głowa postaci centralnej leży na środkowym poziomie. Górna granica wszystkich osób na zdjęciu jest ograniczona poziomą, dzielącą obraz na środkową i górną jedną trzecią. Jednak jedna liczba jest nieco wyższa – ogranicza się do poziomu pomiędzy górną ćwiartką a drugą ćwiartką. Ta sama pozioma linia przechodzi przez drewnianą belkę.
Ribera poszła o krok dalej i stworzyła mniejsze koło w drugim, mniejszym kwadracie. Mniejsze kółko opisuje łuk z rąk świętego męczennika, czyniąc świadomą wypowiedź uwzględniającą symbol koła.

Caravaggia
„Madonna pielgrzymów” 1603–1605


Caravaggio na tym obrazie zastosował prowadnice prostokąta pierwiastka 3. Środek kompozycyjny (głowy Madonny i Jezusa) umieścił w lewym górnym rogu, tuż na przecięciu głównej przekątnej dużego prostokąta z przekątną małego prostokąt. Zwróć uwagę, że głowa małego Jezusa znajduje się na przekątnej dużego prostokąta, a głowa Madonny na odpowiedniej drugiej przekątnej.
Najbliższa pozioma linia tworzy podział określający położenie rączki dziecka. Podział ten powoduje dwie rzeczy. Po pierwsze: dzieli obraz na trzy części. Po drugie: tworzy drugi, mniejszy prostokąt o pierwiastku 3. Widzimy teraz, że Caravaggio zamknął kompozycyjny środek obrazu w prostokącie o tych samych proporcjach co sam obraz, ale o innej wielkości. Tworzy to rytmiczny podział.
W kompozycji Caravaggia widoczna jest harmonia oparta na podobieństwach i różnicach. Jeśli nałożysz na obraz spiralę logarytmiczną opartą na pierwiastku kwadratowym z 3, środek spirali znajdzie się na przecięciu opisanych powyżej przekątnych.

Oto kilka przykładów. Teraz możesz „przymierzyć” zasady opisane w pierwszej części „Kompozycji” na innych obrazach.
Druga część dotycząca kompozycji będzie mniej racjonalna.

Kiedy widzimy linię, chcemy ją kontynuować, aby dowiedzieć się, dokąd prowadzi, ponieważ jesteśmy z natury bardzo ciekawi. Oznacza to, że linie są bardzo ważną częścią kompozycji. Patrząc na poszczególne linie trudno określić ich kierunek, jednak na zdjęciu możemy skupić się na krawędziach kadru. Uwzględnienie interakcji linii z formatem ramki pozwala na bardzo efektywne ich wykorzystanie.

Kierunek

Zastosowanie linii w kompozycji, ich położenie i kierunek odgrywają ogromną rolę w tym, jak postrzegamy obraz.

Poziome

Linie przecinające ramę w poziomie są zwykle uważane za pasywne. Jesteśmy tak przyzwyczajeni do widoku linii horyzontu na co dzień, że poziome linie w kadrze dają nam poczucie stabilności i spokoju. Oglądanie obrazu od lewej do prawej (lub od prawej do lewej) jest najbardziej naturalne i znajome, a przyczyniają się do tego poziome linie.

Pionowe

Linie przecinające obraz w pionie i nadające mu większą dynamikę niż linie poziome. Ponieważ piony przerywają spokojne linie poziome, mogą sprawić, że zdjęcie będzie mniej miłe dla oka i bardziej tajemnicze. Zastosowanie pionowych linii zmusza widza do spojrzenia na kompozycję od dołu do góry, co jest mniej komfortowe niż studiowanie dzieła wzdłuż osi poziomej.

Przekątne

Linie przecinające obraz po przekątnej dają bardziej złożony efekt. Są bardziej dynamiczne niż poziomy i pionowe, dlatego nadają obrazowi energię i poczucie głębi.

Zbiegające się linie

Dwie lub więcej zbiegających się linii nadają Twojej pracy wrażenie znacznej głębi. Jest to klasyczny sposób na dodanie perspektywy do dwuwymiarowego obrazu, ponieważ znamy efekt zmniejszania się obiektów w oddali.

Korzystanie z linii pomocniczych

Klasyczna technika kompozycyjna polega na wykorzystaniu przekątnych lub zbiegających się linii, aby wciągnąć wzrok widza w głębię obrazu. Rezultatem są najczęściej używane linie ludzka aktywność, gdyż w porównaniu z elementami środowiska naturalnego są one bardziej wyrównane. Elementy takie jak drogi, płoty, ścieżki i ściany tworzą wyraźne linie w krajobrazie, podczas gdy elementy naturalne, takie jak rzeki i formacje skalne, stanowią mniej wyraźne alternatywy. Linie wiodące mogą służyć do przyciągnięcia uwagi widza do centralnego punktu; można je również wykorzystać samodzielnie, tworząc bardziej tajemniczą lub graficzną kompozycję.